miércoles, 12 de enero de 2011

Pressbook de CISNE NEGRO de DARREN ARONOFSKY

Thriller psicológico ambientado en el mundo del ballet de la ciudad de Nueva York, CISNE NEGRO está protagonizado por Natalie Portman, que interpreta a Nina, una aventajada bailarina que se ve inmersa en una misteriosa y competitiva lucha con su nueva rival en la compañía (Mila Kunis). Presentada por Fox Searchlight Pictures y dirigida por el visionario director Darren Aronofsky (EL LUCHADOR), la película CISNE NEGRO se adentra en un emocionante y, en ocasiones, aterrador viaje por la mente de una joven bailarina, cuya interpretación de Reina de los Cisnes se convierte en un personaje para el que ella resulta idónea... inquietantemente.

CISNE NEGRO narra la historia de Nina (Portman), una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy (Vincent Cassel) decide sustituir a la prima ballerina Beth Macintyre (Winona Ryder) en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily (Kunis), que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.

Presentada por Fox Searchlight Pictures en asociación con Cross Creek Pictures y producción de Prøtøzøa y Phoenix Pictures, la película CISNE NEGRO está dirigida por Darren Aronofsky, con guión de Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin a partir de la historia escrita por Andrés Heinz. El filme está producido por Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin, y Bradley J. Fischer, Ari Handel, Tyler Thompson, Peter Fruchtman, Rick Schwartz, Jon Avnet, David Thwaites y Jennifer Roth son productores ejecutivos.

El equipo creativo está compuesto por: el director de fotografía Matthew Libatique, ASC (IRON MAN 2), la diseñadora de producción Thérèse DePrez (HOWL), el montador Andrew Weisblum, A.C.E. (FANTÁSTICO SR. FOX), la música es de Clint Mansell (LA FUENTE DE LA VIDA), la supervisión musical está a cargo de Jim Black (THE WACKNESS) y Gabe Hilfer (EL LUCHADOR), las coreografías son de Benjamin Millepied y Dan Schrecker es el supervisor de efectos visuales.

EL BIEN Y EL MAL EN LA DANZA:
LA HISTORIA

El audaz y original director Darren Aronofsky (EL LUCHADOR, LA FUENTE DE LA VIDA, RÉQUIEM POR UN SUEÑO, Pi: FE EN EL CAOS) sumerge al público en un ficticio y perturbador mundo de falsas ilusiones, dobles apariencias y paranoia en la película CISNE NEGRO, su primer thriller psicológico. Aronofsky elabora una sensual y escalofriante historia en torno a una prima ballerina inmersa en una obsesiva batalla de oscuros impulsos que progresivamente la van devorando.
La actriz nominada por la Academia Natalie Portman (CLOSER) interpreta a Nina, una ambiciosa y joven bailarina de Nueva York que aspira a interpretar el doble papel cúspide de la danza: el delicadamente inocente Cisne Blanco y el seductoramente maligno Cisne Negro del clásico ballet que consagra a las estrellas: “El lago de los cisnes”. Nina consigue el papel, pero no se siente segura de poder encarnar adecuadamente el lado oscuro de la Reina de los Cisnes. A medida que alcanza nuevos logros con su cuerpo, sus fantasías, pesadillas y celos más recónditamente escondidos empiezan a arraigar en las profundidades más oscuras de su mente, lo que motiva un peligroso enfrentamiento con la provocadora recién llegada, su mayor rival. Nina enseguida empieza a sentir una conexión, demasiado perfecta, con el seductor y mortífero Cisne Negro.
Lejos del típico thriller enmarcado en el mundo del crimen o de las casas encantadas, el profundamente realista retrato que Aronofsky realiza de una mujer, desentrañando lo más recóndito de su mente, tiene lugar en el universo más inesperado: el artísticamente electrizante y físicamente exigente mundo del ballet profesional. Para Aronofsky era el lugar idóneo para desarrollar una historia visualmente explosiva sobre la obsesiva presión por alcanzar la perfección. Al igual que en EL LUCHADOR, esta película también le proporcionó la oportunidad de sumergirse en un mundo desconocido y profundizar en lo que provoca que las personas estén dispuestas a sacrificar tanto.
Aunque empezó a pensar en esta historia hace quince años, Aronofsky señala que CISNE NEGRO es intencionadamente un complemento a su más reciente filme, EL LUCHADOR. Aunque probablemente podría parecer que la lucha libre y el ballet no pueden ser mundos más dispares. CISNE NEGRO se adentra en momentos de puro terror psicológico, a diferencia de todo lo que Aronofsky ha hecho con anterioridad. El vínculo entre ambas películas reside en temas como los límites físicos o la confusión del alma, así como en un singular estilo de realización que transporta al público al fascinante mundo interior de los personajes.
“Algunas personas dicen que el wrestling es la menor de las expresiones artísticas y otras dicen que el ballet es la mayor expresión del arte, sin embargo, esencialmente son lo mismo. Mickey Rourke interpretando a un luchador experimentaba algo muy similar a la bailarina que interpreta Natalie Portman”, señala Aronofsky. “Ambos son artistas que utilizan su cuerpo para expresarse y ambos tienen miedo a lesionarse porque sus cuerpos son la única forma de expresión que poseen. Lo que me resultaba interesante era averiguar la relación entre las dos historias en lo que a priori podrían parecer mundos sin conexión ninguna”.
Asimismo, ambas películas tienen un nexo de unión en la actuación de sus actores protagonistas, que les exige profundizar más allá de la superficie, dice Aronofsky, quien compara el nivel de compromiso de Portman con el de Rourke. “El personaje de Nina es muy distinto a lo que ha hecho Natalie anteriormente”, señala Aronofsky, “y su actuación está a otro nivel. Encarnar a Nina suponía tanto una proeza física como de interpretación”.
Los desafíos de realización que implicaba CISNE NEGRO también fueron muy similares a los que supuso la particularmente intensa producción de EL LUCHADOR, incluso quizás más complicados. Tan hermético como el mundo de la lucha libre profesional, Aronofsky descubrió que el del ballet incluso podía resultar más marginal y cerrado para los ajenos a él.
Y después estaba el entrenamiento que Natalie Portman tuvo que realizar para interpretar unas escenas de ballet tan incandescentemente líricas, pues están llenas de creciente tensión y malos augurios. “El ballet es algo en lo que la mayoría de la gente empieza a formarse con cuatro o cinco años de edad, y tal y como lo llegan a vivir, transforma sus cuerpos, les transforma como personas. Contar con una actriz que no ha experimentado todo eso para interpretar convincentemente a una bailarina profesional es el mayor de los encargos. Sin embargo, gracias a su increíble voluntad y disciplina, Natalie se convirtió en una bailarina. Le supuso diez meses de enérgico trabajo, pero su cuerpo llegó a transformarse e incluso los bailarines más estrictos se quedaron absolutamente impresionados. Estoy seguro de que el trabajo físico también la conectó con el trabajo emocional”, afirma Aronofsky.
Aronofsky señala que le satisfizo poder disponer de un reparto que podía enfrentarse a tal reto. Los integrantes del reparto, a su vez, se sintieron atraídos por una historia que se transformaba en thriller pero también en atrevida aventura a través de la súbita ascensión y aterrador declive de una bailarina.
Aronofsky, por fin, tuvo la posibilidad de expresar la visión de CISNE NEGRO que tenía desde hacía diez años gracias a un guión de Andrés Heinz: un drama oscuro que transcurría en Broadway, donde se creaba una peligrosa rivalidad entre una actriz y su misteriosa sustituta. Aronofsky se sintió intrigado, pero tras haber sido testigo de la terriblemente dura formación como bailarina de ballet de su hermana, quiso cambiar el contexto inicial por el estreno de una compañía de ballet en Nueva York. Esta modificación le condujo a la creación de los personajes de Nina y Lily, dos competitivas estrellas del ballet en ascenso, dispuestas a sacrificar absolutamente todo por conseguir la actuación perfecta.
Aunque estaba comprometido para muchos años, Aronofsky siguió desarrollando el proyecto con Mark Heyman (coproductor de EL LUCHADOR).
Fue una ocurrencia de Aronofsky unir la idea original de Heinz con la historia que narra el ballet más popular del mundo, “El lago de los cisnes”, un cuento que narra un dramático duelo entre la inocencia y la maldad. Mientras tanto, Aronofsky estaba trabajando también con Heyman en la creación del macabro e innovador giro que generaba la historia. En el borrador final, los elementos clave de “Cisne Negro” –cisnes, demonios, encantamientos y dobles personalidades– se entrelazaban con la mente de Nina, fraccionándose en fragmentos, como en una especie de kaleidoscopio psicosexual, que convertían a una ingenua joven en una criatura peligrosa y absolutamente transformada.
“Darren y yo llevábamos años hablando de hacer un thriller sobre el mundo del ballet”, rememora Heyman. “Lo que yo hice fue encajar la trama de ‘El lago de los cisnes’ por completo en el borrador inicial del guión. Eso lo cambió todo y se convirtió en el punto de partida de una moderna historia neoyorquina sobre la dualidad, la doble personalidad y el miedo a que alguien o algo se apodere de tu vida”.
“La historia se transformó en el miedo de Nina a perder todo lo que ella es”, prosigue Aronofsky. “Eso es algo con lo que yo creo que todo el mundo puede identificarse, pero esos temores dominan tan absolutamente a Nina que consiguen hacer que no distinga su realidad del personaje que está interpretando”.
Cuando el guión definitivo llegó a ser un mundo en sí mismo, Heyman afirma que resultó cada vez más difícil enmarcarlo dentro de un género. ¿La historia era una inmersión al terror biológico ya que una mujer se transforma en un cisne-demonio? ¿O era el apasionante retrato de una artista tenaz que pierde el control mental bajo máxima presión? Heyman espera que la respuesta sea ambas cosas al mismo tiempo.
“Mis películas favoritas siempre son difíciles de catalogar”, dice Heyman. “Esperamos que CISNE NEGRO sea una de esas películas. Que asuste al público pero que también se introduzca bajo su piel de una forma duradera”.
El proyecto atrajo rápidamente a un equipo de producción que incluía a Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin. “Para Darren, este filme supone un territorio inexplorado pero también familiar. Por un lado, para él es completamente nuevo el elemento de thriller psicológico, que es algo que efectivamente no había hecho antes, sin embargo, también mantiene un intenso realismo con su atención a los detalles, el estilo de la cámara y la forma en que trabaja con los actores para lograr interpretaciones absolutamente realistas”, afirma Franklin.
Oliver añade, “Si has visto sus películas, sabes que Darren no hace nada de forma habitual. Al igual que en EL LUCHADOR los espectadores sentían de verdad cómo es la vida de un luchador maduro, en CISNE NEGRO Darren escarba profundamente en el mundo de una bailarina, mientras va construyendo un suspense psicológico con toques de fantasía”.
La productora ejecutiva Jennifer Roth dice de la película, “CISNE NEGRO no es simplemente un thriller o una película de baile. Engloba todos esos diferentes aspectos y transita hasta un oscuro pero fascinante lugar”.

MUJER DENTRO DE CISNE:
NATALIE PORTMAN COMO NINA

Antes incluso de finalizar el guión de CISNE NEGRO, Darren Aronofsky sabía quién interpretaría a Nina, la bailarina candidata a bailar el solo, que se ve sometida a inquietantes fantasías y espeluznantes sucesos mientras prepara el papel más importante de su vida. Tenía que ser Natalie Portman, cuya versatilidad ha demostrado en memorables personajes que abarcan desde la Reina Amidala en la saga de LA GUERRA DE LAS GALAXIAS hasta su actuación nominada al Oscar y premiada con un Globo de Oro como la stripper de la adaptación cinematográfica dirigida por Mike Nichol de CLOSER. Portman no sólo había estudiado ballet de pequeña, sino que, todavía más importante, había adquirido el compromiso de adecuarse a las inmensas demandas físicas y psicológicas de un papel que le exigía saltar, girar y perder el contacto con la realidad, todo al mismo tiempo.
Hacía varios años que Aronofsky había contactado con Portman para hablarle de la película, por entonces todavía en ciernes. “Muy poco tiempo después empecé a pensar el concepto inicial de CISNE NEGRO, y quedé para tomar café con Natalie en Times Square”, recuerda Aronofsky. “Natalie había hecho mucho ballet antes de convertirse en actriz y había seguido haciéndolo durante años simplemente para estar en forma. Natalie me dijo enseguida que algo que siempre había querido hacer era interpretar a una bailarina”.
Aunque pasaron casi diez años desde su reunión hasta que el guión de CISNE NEGRO estuvo finalizado, cuando Portman lo leyó, se quedó fascinada por el tortuoso recorrido mental de Nina.
Al principio, Nina es lo que en el mundo del ballet se denomina “bunhead”, un término algo peyorativo para calificar a una bailarina tan consagrada a la danza que no le importa nada más en el mundo, que está muy protegida por su madre, antiguamente también vehemente bailarina, y que nunca se ha desarrollado verdaderamente como adulta. Pero cuando Nina consigue el papel de Reina de los Cisnes, algo extraño se despierta en su interior, una necesidad de explorar sus sentimientos más profundos y oscuros, lo que provoca el trastorno de su frágil estructura mental. Nina, al igual que la Reina de los Cisnes que pretende encarnar, se ve inmersa de repente en una historia repleta de encantamientos, deseos y peligros.
Todo esto condujo a Portman hasta unos extremos que no había explorado anteriormente en pantalla, y le exigió asomarse al abismo. “Nina es una bailarina muy entregada y trabajadora, pero también es obsesiva”, explica la actriz. “Todavía no posee una personalidad propia como bailarina ni como mujer, pero mientras busca su sensualidad y sentido de la libertad, su carácter va cambiando progresivamente. Al mismo tiempo, empieza a derrumbarse, y eso suponía todo un reto“.
Portman continúa: “Lo que Nina busca es la perfección, que es algo que únicamente puede existir durante un momento, un breve y fugaz momento, pero como todos los artistas, puede llegar a autodestruirse con tal de lograrla. Cuando intenta convertirse en el Cisne Negro, algo oscuro empieza a bullir en su interior. Eso se convierte en una crisis de identidad en la que ella no sólo no está segura de quién es sino que, además, las fronteras entre ella y el resto del mundo se vuelven borrosas. Nina empieza a verse en todos los sitios literalmente”.
Atrapada en ese vertiginoso mundo de dobles y engañosas apariencias, de misteriosos encuentros y heridas en erupción, Nina empieza a perder el control; y Portman también tenía que hacerlo.
“Cuando Nina comienza a rebelarse contra las estructuras que la rodean”, señala Portman, “aparece toda esa paranoia que la transporta a un oscuro lugar, donde no está segura de lo que la gente quiere de ella ni de si está perdiendo o no la cabeza”.
En medio de esta oscuridad, a Portman le encantó tener la oportunidad de sumergirse en un mundo como el del ballet, con el que ella, al igual que Nina, soñaba desde que era muy joven. “Me gustó la autenticidad de los detalles, todos muy realistas, del mundo de la danza que hay en el guión”, afirma, “y especialmente me atrajeron los paralelismos de la historia de Nina con ‘El lago de los cisnes’. Yo la veía como a alguien que de verdad intentaba liberarse de un hechizo, que intentaba liberarse de todo el que quisiera decirle quién era y que intentaba ver a través de todo eso quién era realmente como persona y como artista”.
Y sin embargo, a medida que Nina empieza a perder la conexión con la realidad, no puede permitir que nadie sepa lo que está experimentando por miedo a perder el papel de Reina de los Cisnes en favor de su amenazadora rival, la sensual y descarada Lily, que se ha convertido en la sustituta de Nina, tanto literal como figurativamente.
Portman sentía curiosidad por la tortuosa relación marcada por la envidia que mantienen Nina y Lily, que se desarrolla a varios niveles. “Me gusta la manera en que se evalúan la una a la otra cuando se encuentran por primera vez, algo que hacen las chicas habitualmente”, afirma Portman. “Se trata de un mecanismo de supervivencia, hay que averiguar quién es tu máximo competidor, y en este caso, Nina ve enseguida que Lily es fabulosa, que tiene talento y que supone una gran amenaza para su puesto en la compañía. Pero, asimismo, Nina todavía no sabe quién es Lily de verdad”.
Con el fin de mostrar todo esto en pantalla, Portman se sometió a una rigurosa preparación tanto física como psicológica. El entrenamiento físico fue más allá de lo que Portman hubiera podido imaginar nunca, pues empezó a entrenarse intensivamente, con objetivos bien marcados y durante cinco horas cada día, incluso diez meses antes de que empezara la producción. Portman se preparó bajo la tutela de varios antiguos profesores y formadores profesionales del New York City Ballet, tales como Mary Helen Bowers, que le diseñaron un extenuante y completo programa de formación en tiempo récord.
“Hice muchos ejercicios de danza y también nadé mucho e hice pesas así como entrenamiento combinado para evitar lesiones, pues la danza es tremendamente dura para el cuerpo”, señala Portman. “Exige muchísimo esfuerzo retomar el ballet a los 28 años de edad. Aun cuando hayas tomado clases de danza con anterioridad, no eres consciente realmente de todo lo que cuesta conseguir un nivel de élite. Cada pequeño gesto tiene que ser muy concreto y estar lleno de delicadeza y elegancia. Yo ya sabía que iba a ser todo un reto, pero nunca sospeché lo realmente duro que iba a resultar físicamente”.
Además de estudiar danza en su juventud, Portman estudió psicología en Harvard, lo cual le proporcionó información adicional sobre la desintegración mental que sufre Nina y le permitió profundizar en la surrealista experiencia que sufre el personaje. “Yo veía a Nina como si estuviera atrapada en un ciclo de obsesión y compulsión”, afirma Portman. “El lado positivo para los artistas y bailarines es que concentrándote en tal grado puedes convertirte en un virtuoso, pero después hay un lado mucho más oscuro, un lado insano, donde te puedes encontrar completamente perdido. Desde ahí tenía que partir para interpretar a Nina”.
Portman exploró con absoluta temeridad ese lado más oscuro en cada una de las relaciones que mantiene Nina: con el implacable director artístico de la compañía de ballet, Thomas Leroy (Vincent Cassel), que la empuja a explorar los límites más desconocidos y oscuros de su interior; con su excesivamente implicada madre y antigua bailarina (Barbara Hershey), que mantiene una constante y estrecha vigilancia sobre su hija; y con la bailarina veterana (Winona Ryder), cuya carrera artística Nina tenía idealizada y cuyo repentino ocaso la deja totalmente desorientada.

ACOMPAÑANDO AL CISNE:
EL REPARTO

Alrededor de Natalie Portman en CISNE NEGRO figura un destacado reparto cuyas interpretaciones son un valor añadido a la hipnótica mezcla de belleza, misterio y miedo que contiene el filme.
Para interpretar a la rival de Natalie Portman, Lily, Aronofsky eligió a Mila Kunis, actriz ucraniana en rápido ascenso gracias a sus trabajos en EL LIBRO DE ELI y PASO DE TI, que aportó insolencia y un ambiguo encanto a su interpretación de la excesivamente ambiciosa recién llegada.
“Mila interpreta a Lily como alguien que tiene exactamente lo que Nina desea. Ella es mucho más libre, más vital y más sexual que Nina”, dice Aronofsky. “Lily es capaz de expresarse con libertad y eso para Nina es tanto motivo de fascinación como de intensa fricción”.
Kunis se sintió atraída inmediatamente por su salvajemente inhibido personaje y por la fascinante idea de interpretar a una bailarina a la que sin embargo la cruda realidad golpea provocándole una grave crisis. “Al principio yo tenía esa imagen de grandeza, de sentirte delicada llevando el tutú, pero nadie sabe lo exigente que es físicamente hasta que lo hace”, afirma Kunis. “¡Tu cuerpo realmente tiene que pagar un peaje!”
No obstante, Kunis emprendió su adiestramiento y comenzó a estudiar los provocadores efectos que Lily causa sobre Nina. “La clave para interpretar a Lily es que ella tenía que ser exactamente lo contrario de Nina, el otro lado del espejo, en todas y cada una de sus manifestaciones”, dice Kunis. “Incluso su forma de bailar es distinta. Nina es muy técnica y preciosa bailando, mientras que Lily baila de forma más salvaje, libre y espontánea. Toda la vida de Nina gira en torno al ballet, pero Lily come hamburguesas, va a fiestas, tiene sexo, tontea con las drogas y lo explora absolutamente todo. Lily es indudablemente la antítesis de Nina y personifica al Cisne Negro”.
Interpretar a Lily como esa mujer absolutamente impulsiva y asimismo como una aparición fue un ejercicio digno de equilibrista, un ejercicio que Kunis dice que no podría haber hecho si Darren Aronofsky no le hubiera puesto una red de seguridad. “No habría hecho esta película si no fuera por Darren”, confiesa la actriz. “Este personaje podría resultar muy ambiguo en las manos equivocadas. No existe una manera correcta de interpretar a Lily. Yo no leí el guión pensando, ‘Ah, ya comprendo bien al personaje, sé exactamente cómo interpretarlo’, porque en cada escena es totalmente distinto. Pero confiaba en que en las manos de Darren funcionaría. Yo no sé si me sentiría igual con cualquier otro director”.
Si Lily representa todo lo que Nina aspira a tener en su interior, entonces el brillante coreógrafo de la compañía y director artístico Thomas Leroy es el hombre que la empuja sin piedad precisamente a lograrlo. Interpretando a Thomas se encuentra el actor francés ganador del Premio César Vincent Cassel, que, aunque muy admirado en toda Europa, también ha trabajado en varias películas de Hollywood tales como OCEANS TWELVE, SHREK, ELIZABETH y PROMESAS DEL ESTE.
“Vincent es uno de mis actores favoritos en todo el planeta”, afirma Aronofsky. “Soy un gran admirador de su trabajo tanto en las películas francesas como en las americanas. Aquí interpreta un personaje maquiavélico: el director artístico al que sólo le preocupa el arte y no le importan las víctimas que deja por el camino. Vincent estuvo magnífico en el papel, en parte porque se mueve de una forma absolutamente maravillosa”.
Cassel dice que le resultó imposible rehusar el papel. “Primero, porque se trataba de Darren, con quien siempre he querido trabajar. Luego, porque estaba Natalie, a la que admiro desde hace años. Y finalmente, por la idea de trabajar en un thriller enmarcado dentro del mundo del ballet, que es algo muy interesante. Los ingredientes eran muy tentadores. Sabía que iba a ser algo muy oscuro pero también muy sensual. Más tarde descubrí que Mila y Winona Ryder iban a sumarse al proyecto y que yo iba a estar en medio de todas estas mujeres como si fuera el maestro de ceremonias. Por lo tanto, sinceramente, ¿cómo iba a negarme?”, afirma Cassel con una sonrisa.
No obstante, Cassel también sabía que Thomas no sería un personaje fácil de interpretar, sobre todo por su tendencia a presionar a los bailarines hasta la extenuación. “No es precisamente un mujeriego”, dice Cassel. “En realidad, no creo que esté tanto interesado en las mujeres sino que lo que le estimula es buscar los límites de la perfección, la belleza y el arte. Quiere ver en el progreso de los bailarines que ha elegido la máxima expresión de sí mismo, y los dirige de forma muy, muy estricta”.
Para interpretar con veracidad el personaje de Thomas, Cassel se sumergió en una ardua investigación, estudiando las vidas y magnéticas personalidades de los más grandes coreógrafos del mundo, desde Balanchine hasta Baryshnikov. Adicionalmente, se inspiró observando al coreógrafo de la película, el renombrado bailarín Benjamin Millepied, del New York City Ballet. “Obserar cómo interactuaba Benjamin con los bailarines y cómo actuaba me proporcionó mucha e interesante información”, advierte Cassel.
Completando el reparto principal se hallan dos actrices nominadas al Oscar y ganadoras del Globo de Oro: Winona Ryder, dando vida a Beth, la legendaria estrella de la compañía que de repente cae en desgracia, y Barbara Hershey, interpretando a la madre de Nina, Erica, que protege a su hija pero también la agobia.
El personaje que interpreta Ryder, Beth, resulta clave en la vida de Nina como augurio de lo que será su futuro. “Beth ha sido la estrella del ballet durante un tiempo, pero ya tiene una edad y, de repente, es despedida y abandonada por su amante, el director artístico de la compañía”, explica Ryder. “Plantea la gran cuestión de lo que los bailarines tienen que soportar, la tragedia e injusticia de lo efímera que es su profesión”.
Ryder prosigue, “Yo creo que también trata de una forma más amplia sobre la búsqueda de la perfección, porque lo que experimentan los bailarines para conseguir una actuación perfecta va más allá de lo que el público puede ver. Beth ha ejercitado su arte desde que era pequeña e inesperadamente ha llegado a un punto donde precisamente todo lo duro que ha trabajado por conseguir la perfección ha acabado con ella. Y a Beth le cuesta procesar eso”.
Aronofsky dice de Ryder, “Winona estaba fantástica en el papel porque es una superestrella. Creo que el público realmente identificará en ella a la famosa prima ballerina que es despedida cuando Nina consigue sustituirla”.
A Hershey también le cautivó CISNE NEGRO y su inusual personaje. “Estoy segura de que habrá gente que verá a Erica como una madre del demonio, pero yo la veo como una madre con demonios, que es algo completamente distinto”, dice Hershey. “Creo que es un ser muy atormentado. En todo lo que ella siente, pasa justamente lo contrario, al mismo tiempo. Ama a su hija, sin embargo, es un amor obsesivo. Quiere que su hija triunfe, pero, al mismo tiempo, conoce su frágil estado mental. Está terriblemente celosa de su hija, sin embargo, quiere el mundo para ella. Quiere que Nina eche a volar…, pero no quiere dejarla partir”.
A ambas mujeres les atrajo el sistema de trabajo con los actores de Aronofsky. “No tenía posibilidad de ensayar porque en ese momento me encontraba trabajando en otra película en Inglaterra”, recuerda Hershey, “entonces Darren me pidió que hiciera algo que me pareció muy inteligente. Me dijo que escribiera dos cartas a Nina como si fuera mi personaje. Por lo tanto, mientras trabajaba en el otro proyecto, ya pensaba en la relación que mantenían Nina y su madre. En cuanto me puse a escribir, el personaje simplemente empezó a hablar. Posteriormente, Darren le entregaba esas cartas a Natalie en los momentos más estratégicos”.

PUNTAS Y TORTURA:
ENTRENAMIENTO Y COREOGRAFÍA

Al igual que penetró en el descarnadamente humano pero marginal mundo de la lucha profesional en EL LUCHADOR, mediante las emociones psicológicas que se desencadenan en CISNE NEGRO, Darren Aronofsky sumerge a los espectadores en la cruda, ambiciosa y sudorosa realidad que se desarrolla en el backstage del mundo de la danza a la que pocas personas tienen acceso. Aunque el ballet ha venido formando parte de la historia del cine desde hace tiempo, desde el clásico filme de Michael Powell LAS ZAPATILLAS ROJAS hasta el éxito de los años 70 de Herbert Ross PASO DECISIVO, la película de Aronofsky no se parece a ninguna otra película de danza realizada con anterioridad.
Rodar el ballet desde dentro implica una combinación de investigación personal, intensiva formación actoral y viscerales técnicas de cámara. “Como realizador, Darren es un obseso de los detalles”, afirma el coguionista Mark Heyman. “Por lo tanto, a pesar de los elementos fantásticos de la historia –con aparición de dobles y la transformación de Nina–, para Darren era muy importante dotar a la película de una enorme veracidad”.
A medida que se acercaba el momento de la producción, Aronofsky empezó a ajustar cómo iba a crear las dinámicas escenas de los números de danza de la película, que quería que mantuvieran toda la subjetiva intensidad de las escenas de lucha de EL LUCHADOR, pero captando también la elegancia y el lirismo que hace del ballet una especie de poesía del cuerpo…, y haciendo justicia al legado que representa “El lago de los cisnes”.
Para empezar, Aronofsky reclutó a una compañía de ballet dirigida por el coreógrafo Benjamin Millepied, estrella de la danza del New York City Ballet y creador de coreografías de ballet mundialmente reconocido. Aunque se trataba de su primera experiencia coreográfica para la gran pantalla, Millepied aceptó inmediatamente. “Estuve presente en todo el proceso, y los actores me sorprendieron mucho”, afirma. Millepied encontró también muy divertido participar delante de la cámara interpretando a David, el primer bailarín de la compañía.
Su tarea consistiría en tomar los momentos más importantes de “El lago de los cisnes” y coreografiarlos de manera que quedaran perfectamente integrados con la visión cinematográfica que Aronofsky quería dar a la idea de Thomas Leroy de una producción original y “revitalizada”, y que, al mismo tiempo, pudiera ser ejecutada por dos actrices que, aunque muy voluntariosas, no eran bailarinas de toda la vida..
“Para Darren era verdaderamente importante mantenerse fiel al ballet de ‘El lago de los cisnes’ real”, afirma Millepied. “Pero ambos sabíamos que era imposible formar a alguien para ser primera bailarina en seis meses, por tanto, nos esforzamos mucho en elegir movimientos concretos para Natalie y Mila que funcionaran en la película. Natalie ya había tomado clases de danza antes de conocerme y había recibido alguna formación en la infancia, pero Mila no tenía ninguna formación en absoluto. Por lo tanto, mi verdadera labor consistió en afinar sus movimientos y utilizar la coreografía para sacar de ellas lo que el filme requería. Afortunadamente, Darren posee un gran conocimiento de lo que es la danza, lo cual hizo mi trabajo mucho más fácil”.
Para Portman y Kunis supondría un intenso entrenamiento. Para ayudarlas a formarse mejor, Millepied congregó a un equipo de profesores de ballet, que incluía a la legendaria Georgina Parkinson, principal bailarina del Royal Ballet y directora del American Ballet Theatre durante 30 años, que desgraciadamente falleció justo dos semanas antes de que finalizara el rodaje de la película. También trabajaron con las actrices las profesoras de ballet Marina Stavitskaya, directora del repertorio clásico en el Manhattan Youth Ballet, y Olga Kostritzky, entre cuyos antiguos alumnos destacan Mikhail Baryshnikov y Jock Soto.
Todos ellos indujeron a Portman y Kunis a hacer cosas con sus cuerpos que no sabían que fueran posibles, y a ambas les supuso un enorme coste físico. “Me gusta mucho la danza y pensé que iba a ser muy divertido tener que bailar para hacer mi trabajo”, recuerda Portman. “No tenía ni idea de lo agotador que iba a resultar”.
El agotamiento no constituyó ni siquiera la mitad del trabajo. Tanto Portman como Kunis tuvieron que luchar contra las lesiones y el cansancio provocado por el sobreentrenamiento a contra-reloj para estar listas en el momento del rodaje. “Dos roturas de ligamento y un hombro dislocado más tarde, yo me preguntaba, ‘¿Pero qué estoy haciendo?’”, comenta Kunis entre risas.
Kunis prosigue: “Las zapatillas de puntas son especialmente crueles. Podía ponérmelas a lo mejor durante 20 minutos, como mucho. Ni siquiera tienes que elevarte sobre las puntas para que te produzcan dolor. Todo lo que tienes que hacer es andar con ellas puestas. Tus pies no pueden avanzar porque las zapatillas tienen una pieza acartonada en la punta. Te tropiezas contigo misma. Cuando las tienes todo el día puestas, los pies se te hinchan y se ponen amoratados”.
Portman, que bailó más del 90% de sus escenas, también sufrió una dolorosa lesión de costilla mientras se entrenaba. “Fue bastante importante porque tuve que sufrirla durante casi la mitad de rodaje”, admite Portman. “Pero resulta difícil quejarse cuando ves que los bailarines profesionales no dejan de bailar. Bailan constantemente con muy graves lesiones, como esguinces de tobillo. Están acostumbrados a bailar con dolor”.
A pesar de las dificultades, ambas actrices fueron tan expertamente adiestradas que llegaron a sentirse más potentes y seguras como bailarinas. “Yo creo que ha sido lo más difícil que he hecho y haré en toda mi vida”, admite Kunis. “También creo que al ballet no se le reconoce el mérito de ser una de las actividades físicas más duras del mundo. Pero lo realmente increíble es cuando te das cuenta de que todo ese duro trabajo y sufrimiento puede llegar a producir un arte que parece hecho de forma totalmente natural”.
Esa naturalidad, que caracteriza a los bailarines más extraordinarios, es lo que Millepied perseguía reflejar en pantalla, marcando un crudo contraste con el personal viaje por las pesadillas de Nina. “Resultó increíble observar el progreso de Natalie y Mila. Aunque colocáramos la barra muy alta podían conseguirlo”, comenta Millepied.
Para acompañar a Portman y Kunis sobre el escenario, Millepied y el productor ejecutivo Ari Handel contaron con un cuerpo de baile profesional formado por los integrantes del Pennsylvania Ballet, incluyendo al primer bailarín Sergio Torrado, que interpreta a Von Rothbart en “El lago de los cisnes” de la película. Dada la premura de tiempo, resultó mucho más difícil encontrar a la compañía de ballet perfecta que a los actores protagonistas.
“Descubrimos que era plena temporada para muchas compañías, como la New York City Ballet y la ABT, por lo tanto, no podían cedernos a ningún bailarín”, dice el productor Franklin. “Afortunadamente, el Pennsylvania Ballet estaba en período de descanso. Aceptaron trabajar con nosotros sólo unas pocas semanas antes de empezar a rodar”.
“Nos hizo mucha ilusión poder hacer este trabajo”, dice Roy Kaiser, director artístico del Pennsylvania Ballet. “Es un proyecto fantástico y para mis bailarines fue una gran experiencia. Tuvieron la oportunidad de mostrar el ballet de una forma realista y les entusiasmó trabajar con este magnífico reparto”.

EL SALÓN DE LOS ESPEJOS:
EL DISEÑO VISUAL

La producción de CISNE NEGRO comenzó en los exteriores del Lincoln Center, sede del New York City Ballet, y después se rodó durante varias semanas íntegramente en Nueva York, principalmente en Manhattan pero también en el Centro de Artes Escénicas de la Universidad Estatal de Nueva York en Purchase, el versátil teatro donde Bob Fosse filmó buena parte del clásico de la danza ALL THAT JAZZ.
Aronofsky trabajó con su competente equipo de diseño en la combinación de dos ideas visuales: por un lado, una orgánica visión del ballet a través de un crudo trabajo de cámara en mano, y por otro, una surrealista y aterradora pero también potente serie de imágenes a partir de espejos refractivos e inquietantes visiones de dobles identidades que diluyen los límites de la realidad. El movimiento constante de la cámara da la impresión de bailar y descender a los infiernos junto con el personaje protagonista.
El equipo incluía a muchos habituales de Aronofsky, y estaba encabezado por el director de fotografía Matthew Libatique, ASC (LA FUENTE DE LA VIDA), la diseñadora de producción Thérèse DePrez (HOWL), la diseñadora de vestuario Amy Westcott (EL LUCHADOR), el montador Andrew Weisblum, A.C.E. (EL LUCHADOR) y el supervisor de efectos visuales Dan Schrecker (RÉQUIEM POR UN SUEÑO).
Obviando un siglo de técnica cinematográfica tanto en lo que se refiere a películas de baile como al thriller psicológico, en su lugar, Aronofsky y Libatique trasladan su particular y emblemático estilo a un mundo raramente observado con esta cruda intimidad. La mayoría de las escenas del filme se ruedan con una sola cámara en mano que se mueve continua y sinuosamente, sin planos generales o primeros planos.
“Me apasionaba rodar un thriller psicológico con cámara en mano sobre todo porque no podía recordar que se hubiera hecho anteriormente”, dice Aronofsky. “En algunos thrillers hay unas pocas secuencias donde el punto de vista del malo se refleja a través de la cámara en mano, pero hacerlo así en su totalidad, dándole un estilo documental, es algo totalmente original”.
Aronofsky prosigue, “También pensé que rodar el universo del ballet con cámara en mano ayudaría a penetrar en él, al igual que habíamos hecho con el ring en el caso de EL LUCHADOR. La cámara baila y gira con los bailarines. Capta la energía, el sudor, el sufrimiento y el arte de la danza en primer plano”.
Y luego están los espejos, que juegan un papel esencial en la arquitectura visual de la película. “En el mundo del ballet hay espejos por todas partes”, explica Aronofsky. “Los bailarines siempre se están mirando en ellos, por lo tanto, la relación que mantienen con su reflejo constituye una buena parte de lo que son. Los realizadores también sienten fascinación por los espejos, y se ha jugado con ello anteriormente, pero yo quería llevarlo a otro nivel. Visualmente enfatizamos esa idea de lo que significa mirar en un espejo. Los espejos muestran en gran medida el interior de Nina, que gira alrededor de las dobles identidades y las imágenes reflejadas”.
La tarea de concebir el mundo físico de CISNE NEGRO cayó en manos de la diseñadora de producción Thérèse DePrez. En este filme, DePrez se enfrentó al doble reto de diseñar tanto un thriller psicológico que transcurre en Manhattan como una producción para la gran pantalla de “El lago de los cisnes”, uniendo ambos en cada detalle. “Quería trabajar con Thérèse desde hace mucho tiempo”, dice Aronofsky. “Verdaderamente nos creó un gigantesco lienzo a partir de un presupuesto muy ajustado. Creó un mundo que no es el mundo real pero que lo parece, lo cual es muy difícil de lograr”.
“Darren se aproxima a sus películas de una manera muy orgánica”, dice DePrez, “por lo tanto, empecé observando la paleta de colores, sugerida tanto por ‘El lago de los cisnes’ como por lo que Nina ve cada día: el lugar de ensayo, que corresponde tanto al viejo mundo como a la moderna ciudad de Nueva York. Queríamos algo muy minimalista, por tanto, sobre todo hay sombras en negro, blanco y gris así como el color rosa del ballet, que se dividía entre el ingenuo rosa del personaje de Nina y el rosa algo más deslucido de Beth. Luego hay algunos tonos en verde que corresponden a Rothbart así como a los decorados de naturaleza de ‘El lago de los cisnes’. Pero eso es todo realmente. Nos ceñimos a unos pocos colores”.
Muchos de los decorados de la película debían presagiar sutilmente lo que más tarde iba a suceder en la representación de “El lago de los cisnes”, durante el explosivo clímax de la película, lo que incluye al austero apartamento en blanco y negro de Thomas Leroy, donde le asigna a Nina unos inusuales deberes para casa, así como la infantil habitación rosa de Nina, que a medida que la historia se va desarrollando le produce menos confort. “Todo es muy sutil, pero visualmente existen unos hilos comunes que mantienen todo completamente unido”, señala DePrez. “Una particularidad de Darren es que no le gusta la decoración exagerada. Por lo tanto, gran parte del trabajo de diseño giró en torno a conectar el personaje de Natalie con la realidad”.
Todo confluía para constituir el más grande reto de DePrez: diseñar el decorado para una nueva representación de “El lago de los cisnes”, una representación que debía ser oscura, moderna, angustiosa y, sobre todo, enormemente cinematográfica.
“Una de las cosas más importantes para Darren y para mí era conseguir movimiento en todas las piezas del decorado situadas sobre el escenario. No queríamos nada fijo o estático”, explica. “Por ese motivo, en cada uno de los actos del ballet hay elementos escénicos que se mueven. Hay árboles hechos de gasa que se despliegan, hay una luna que es una luz de cristal líquido, hay un precipicio con una rampa movible. Asimismo, todo tiene un toque de fotorrealismo para hacerlo más moderno e inesperado. Todo tenía que estar combinado de forma muy equívoca”.
Incluso se encargó de diseñar los bastidores del teatro. “Los bastidores eran casi tan importantes como el propio teatro”, afirma. “Nos ocupamos de que hubiera las típicas barras de ballet donde los bailarines realizan sus estiramientos y, por supuesto, espejos. Todo está ahí para que la cámara lo capte”.
El mismo esmero de los elementos visuales de “El lago de los cisnes” que conforman la realidad de Nina, perfectamente enlazado, se puede evidenciar en el trabajo de la diseñadora de vestuario Amy Westcott, que empezó por estudiar el mundo del ballet. “Me senté a ver clases, fui a representaciones del ABT y del New York City Ballet, y luego me puse a juntar todas las ideas”, explica Westcott.
Como había colaborado anteriormente con Aronofsky en EL LUCHADOR, Westcott sabía lo que le esperaba. “A Darren le gusta zambullirse en un universo y comprenderlo, y nuestro trabajo consiste en seguirle en esa zambullida”, afirma.
Para entender el universo de CISNE NEGRO resultaba fundamental encontrar la imagen idónea de Natalie Portman en su papel de Nina, una imagen que cambiaría a medida que su realidad se viera alterada. “Mi idea era comunicar que, al principio, la madre de Nina tiene una gran influencia en su manera de vestir”, dice Westcott. “Su madre quiere que siga siendo una niña, por eso el vestuario de Nina se compone esencialmente de tres colores asociados a la infancia: blanco, gris y rosa. Empezamos enfatizando mucho el color rosa. Pero, al final, lleva sobre todo tonos negros. Cuando empiezas a ver a Nina vestida con mallas negras en lugar de rosas, intuyes que algo va a suceder y que el personaje está al otro lado del espejo”.
Westcott utilizó la apariencia de los personajes para definir sus principales personalidades. “Lily es una mujer absolutamente segura de su atracción sexual, por eso lleva muchos tonos negros con toques plateados. También tiene un carácter soñador que tratamos de transmitir con su vestuario. Thomas Leroy tiene una personalidad muy potente y por eso los colores de Vincent son negro, gris y blanco”.
Luego estaba la extraordinaria tarea de conseguir que el vestuario de una compañía de ballet de Nueva York fuera totalmente novedoso en su representación del clásico "El lago de los cisnes". Para llevarlo a cabo, Aronofsky se puso en contacto con dos entusiastas diseñadoras de moda, Kate y Laura Mulleavy, hermanas conocidas popularmente en el mundo de la moda como Rodarte. Aronofsky pensó que el diseño gótico, romántico y sin embargo absolutamente excesivo de Rodarte podía actualizar la imagen tradicional del ballet de una forma sorprendente. "Visualmente posee un estilo completamente distinto de 'El lago de los cisnes'", afirma el director. "El vestuario del ballet diseñado por Rodarte está a otro nivel, es totalmente clásico pero innovador al mismo tiempo".
Las hermanas Mulleavy mostraron su interés y entusiasmo por la idea de representar de una manera distinta "El lago de los cisnes". "Como diseñadoras, la estética del ballet nos resulta absolutamente irresistible y siempre nos ha fascinado 'El lago de los cisnes' de Tchaikovsky. Al leer el guión, inmediatamente nos sentimos atraídas por la historia y empezamos a imaginarnos a Natalie como bailarina y el mundo que Darren crearía con su personaje. Darren es un creador nato y nos fascinaba la idea de poder fusionar nuestras peculiares visiones artísticas. Nos reunimos con Darren en Nueva York y con Natalie en Los Ángeles e inmediatamente supimos que el concepto de la película entrañaba una estética que queríamos hacer realidad".
Afirman las Mulleavy que "Cisne Negro es una historia relativa a la belleza que contrasta con su transformación en maldad. Confeccionamos el vestuario teniendo en cuenta la doble identidad de los personajes, intentando siempre buscar un equilibrio entre su naturaleza más comedida y la más salvaje así como entre las acciones que se llevaban a cabo. Utilizamos los colores (gris ártico, rosa pálido, blanco, negro y verde oscuro) y las texturas (lana, angora, plumas, tul, metal y bordados) para expresar la personalidad de los personajes tanto fuera como dentro del escenario".
Otro componente clave para construir la atmósfera, el suspense y las emociones contenidas en CISNE NEGRO es la música que ha compuesto Clint Mansell, que colabora con Darren Aronofsky desde hace tiempo. Mansell comenzó a trabajar directamente a partir de la fuente que motiva la obsesión de Nina –“El lago de los cisnes”– y fue introduciendo algunas partes de la icónica música del ballet de Pyotr Ilyich Tchaikovsky a lo largo de toda la banda sonora del filme.
Cuando Aronofsky le contactó para la película, Mansell precisamente acababa de ver una producción de ballet en la ciudad de Londres. “Me emocionó profundamente porque fue una experiencia absolutamente viva y visceral, y pensé, ‘esto va a ser algo sensacional”, recuerda.
A la hora de componer la banda sonora, Mansell tuvo que enfrentarse al fascinante reto de mantenerse fiel al inmortal legado de Tchaikovsky al tiempo que creaba un ambiente de sonido específicamente adaptado al contemporáneo viaje hacia la oscuridad que emprende Nina. “Supuso un tremendo privilegio trabajar con la fantástica pieza musical de Tchaikovsky. Me infundía el mayor de los respetos, pero también creía que no debía ponerme límites, que me tenía que lanzar absolutamente”, dice el compositor.“Espero ciertamente que al final la gente no piense ‘esta parte la ha compuesto Tchaikovsky y ésta, no’. Mi pretensión es que sea un camino que dos compositores emprenden juntos para recrear una nueva versión de ‘El lago de los cisnes’”-
La idea de Mansell era que la lírica obra maestra de Tchaikovsky rondara, en cierto sentido, a Nina, que la persiguiera, trastornándola y convirtiéndola en una persona cada vez más extraña y atormentada a medida que el personaje de la Reina de los Cisnes la iba poseyendo.
“La música siempre hace referencia a Tchaikovsky o mantiene cierta resonancia de ella”, manifiesta Mansell. “Tchaikovsky siempre constituía la base, pero luego yo experimentaba”.
El proceso se fue convirtiendo en algo más personal a medida que Mansell lo iba desarrollando. “La música de Tchaikovsky es tan extraordinariamente compleja y sucede tanto en ella que narra la historia en todas y cada una de sus notas”, observa Mansell. “Pero actualmente la música de las películas es mucho más sutil, más minimalista, por así decir, por lo tanto, casi tuve que descomponer el ballet. Fui desglosando la música en diversos ritmos, progresiones y melodías, y luego eso lo recompuse dentro de la banda sonora del filme. Como yo seguía componiendo, la música incluía más mi estilo habitual formado por múltiples elementos atonales y discordantes que la acentuación del suspense y la confusión”.
Mansell trabajó también con elementos musicales orgánicos para reflejar el subconsciente de Nina y su incursión en la paranoia, la ambición desmedida y el miedo. “No fue difícil relacionar ese elemento de terror”, afirma, “porque la música de Tchaikovsky ya es per se muy potente y expresiva. Los ballets eran entonces como las películas de hoy, se escribían para transportar al público en un viaje imaginario”.
Antes incluso de que se iniciara la producción, Mansell ya tenía escrita parte de la banda sonora para que las escenas de ballet de la película pudieran rodarse con música más tarde; empezó escribiendo para el filme justo cuando comenzaba a haber material rodado diariamente, lo que proporcionó un nuevo estímulo. Finalmente, Mansell se trasladó a Londres para las sesiones de grabación definitivas, donde pudo escuchar por primera vez la banda sonora ejecutada por una orquesta integrada por 77 componentes. “Cuando la música cobró vida en manos de grandes músicos fue algo absolutamente impresionante”, afirma Mansell.
A Aronofsky le entusiasmó la música que había compuesto Mansell. “Es uno de los trabajos más extraordinarios que he podido escuchar de Clint”, dice el director. “Sientes a Tchaikovsky por todas partes pero también sientes algo completamente nuevo. Resulta inquietante, hipnótico y muy hermoso”.
“Desde la música, el vestuario y los decorados hasta la unión entre coreografía y trabajo de cámara, todos y cada uno de los aspectos del rodaje de las escenas de “El lago de los cisnes” han constituido una importante fuente de aprendizaje, pero todo ha valido la pena”, señala Aronofsky. “Empezamos sabiendo muy poco sobre ballet, sobre cómo filmarlo y cómo conseguir que a la gente le interesara, pero yo creo que la película sabe conectar realmente al espectador con esta forma artística, sabe hacérselo accesible”, afirma el director.

SOBRE EL REPARTO

NATALIE PORTMAN (Nina) debutó profesionalmente en 1994 con LÉON, EL PROFESIONAL, de Luc Besson. Ganó un Globo de Oro como mejor actriz de reparto y fue nominada por la Academia por su trabajo en CLOSER, de Mike Nichol.
Próximamente la veremos en una comedia romántica de Ivan Reitman, todavía sin título, junto a Ashton Kutcher, en torno a dos viejos amigos que mantienen accidentalmente una relación sexual sin estar enamorados, echando a perder su amistad. El estreno de esta película, producida por Paramount, está previsto el 2 de enero de 2011. También veremos próximamente a Portman en YOUR HIGHNESS, de David Gordon Green, junto a Danny McBride, James Franco y Zooey Deschanel. La historia se centra en un arrogante y perezoso príncipe que debe emprender una búsqueda para conseguir salvar el reino de su padre, con Portman interpretando al objeto de su amor. El estreno de esta película de Universal Pictures está previsto para el 8 de abril de 2011. Además, durante este verano, Portman ha participado en THOR, de Kenneth Branagh, interpretando a Jane Foster, la enamorada de Thor. Esta película, producida por Paramount, se estrenará el 20 de mayo de 2011.
Adicionalmente, Portman protagonizará y producirá la comedia con aires de road-movie BEST BUDS, producida a través de su compañía Handsome Charlie Films en asociación con la compañía Vendome Pictures, que dirige Philippe Rousselet. Esta película, basada en el guión de Jamie Denbo, se centra en las vicisitudes de una mujer que está al borde de un absoluto ataque de nervios en vísperas de su boda. Para tranquilizarse, decide emprender un viaje a San Diego junto con dos de sus mejores amigas, confiando en la ayuda que supone la combinación de marihuana con el afecto derivado de su vieja amistad.
En la gran pantalla, Portman ha trabajado en más de veinticinco películas, tales como HEAT, BEAUTIFUL GIRLS, TODOS DICEN I LOVE YOU, MARS ATTACKS!, A CUALQUIER OTRO LADO (nominada al Globo de Oro), LA FUERZA DEL AMOR, COLD MOUNTAIN, ALGO EN COMÚN, ZONA LIBRE, V DE VENDETTA, PARIS, JE T'AIME, LOS FANTASMAS DE GOYA, SEGUIMOS DESEANDO AMAR, MR. MAGORIUM Y SU TIENDA MÁGICA, LAS HERMANAS BOLENA, NEW YORK, I LOVE YOU y HERMANOS. Además, Portman ha trabajado en tres películas de la saga de STAR WARS, del director George Lucas: EPISODIO I: LA AMENAZA FANTASMA, EPISODIO II: EL ATAQUE DE LOS CLONES y EPISODIO III: LA VENGANZA DE LOS SITH, precuelas de la enormemente popular trilogía de la GUERRA DE LAS GALAXIAS, que durante los años 70 y 80 alcanzó una de las mayores recaudaciones a nivel mundial. En teatro, Portman participó en el Festival Shakespeare, actuando en el Central Park con la producción teatral La gaviota, dirigida por Mike Nichol y coprotagonizada por Meryl Streep, Kevin Kline y Philip Seymour Hoffman; asimismo, trabajó en la producción de Broadway de El diario de Ana Frank que dirigió James Lapine.
Tras la cámara, Portman ha ido turnándose en tareas de guión, dirección y producción. Entre sus trabajos destaca el cortometraje EVE, que escribió y dirigió. Se estrenó en el Festival de Cine de Venecia en 2008 y está protagonizado por Lauren Bacall, Ben Gazzara y Olivia Thirlby. También escribió y dirigió uno de los fragmentos que integraban el filme NEW YORK, I LOVE YOU, sobre un día en la vida de un padre y su hija en Central Park. La película, estrenada en octubre de 2009, presenta el trabajo de doce realizadores, cada uno de los cuales dirigió un fragmento en torno al universal tema del amor, desarrollándose en los cinco distritos de la ciudad de Nueva York. Adicionalmente, Portman ha sido productora ejecutiva y ha protagonizado la adaptación cinematográfica realizada por Don Roos de la novela de Ayelet Waldman LOVE AND OTHER IMPOSSIBLE PURSUITS, coprotagonizada por Scott Cohen y Charlie Tahan. Esta película, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2009, gira en torno a una mujer joven que intenta salvar su matrimonio a través de la relación con su hijastro.
Actualmente, Portman tiene en marcha varios proyectos a través de su productora, Handsome Charlie Films, que mantiene un acuerdo prioritario con Participant Media. En alianza con la productora Annette Savitch, el objetivo de la compañía de Portman se centra en la búsqueda de películas inteligentes y accesibles dentro de los géneros más variados, así como comedias dirigidas por mujeres. Handsome Charlie Films ha producido recientemente junto a Darko Entertainment PRIDE AND PREJUDICE AND ZOMBIES, de Lionsgate; BOOKSMART, de Fox; BEST BUDS, de Vendome Pictures, con Portman como protagonista, y se ha asociado con Plan B de Paramount para producir IMPORTANT ARTIFACTS, basada en el libro de Leanne Shapton y protagonizada por Brad Pitt y Portman. Su primera producción cinematográfica, HESHER, ha sido recientemente adquirida para su distribución por Newmarket en el Festival de Cine de Sundance y su estreno está previsto en 2011. Esta película está dirigida por Spencer Susser y protagonizada por Joseph Gordon Levitt.
Portman se ha convertido en la primera Embajadora de la Esperanza de FINCA, una organización internacional que mantiene un programa de microcréditos, proporcionando pequeños préstamos y sistemas de ahorro a los más desfavorecidos para que puedan crear sus propios puestos de trabajo, elevar sus ingresos familiares y mejorar su modo de vida, teniendo como objetivo la reducción de la pobreza en todo el mundo. Como Embajadora de la Esperanza, Portman ha demostrado ser una persona sensible y entregada a la causa que defiende FINCA mediante su apoyo y frecuentes visitas a los programas que FINCA International desarrolla en países como Guatemala, Ecuador o Uganda. También se ha reunido con altos miembros del Congreso de Estados Unidos para obtener su apoyo en la financiación internacional de microcréditos.
Graduada en psicología por la Universidad de Harvard, Portman estudió también en la Universidad Hebrea de Jerusalén, donde aprendió árabe y hebreo y además estudió Antropología de la Violencia e Historia de Israel.

VINCENT CASSEL (Thomas Leroy) es un prolífico y prominente actor famoso por preferir papeles arriesgados y por interpretar con valentía sus personajes.
A principios de este año, vimos a Cassel protagonizando MESRINE: PUBLIC ENEMY NO. 1 y MESRINE: KILLER INSTINCT, que dirigió Jean-Francois Richet. Esta película, dividida en dos partes, narra la historia de Jacques Mesrine, el delincuente más célebre de Francia en la década de los 70. Extraordinariamente malvado para unos y popular héroe para otros, la carrera criminal de Mesrine implicó durante casi dos décadas audaces robos de banco, fugas de la cárcel e ingeniosos cambios de identidad. Aclamada por la crítica a nivel mundial, la película fue un gran éxito comercial en Francia, donde obtuvo el más alto galardón cinematográfico del país: diez nominaciones al Premio César, consiguiendo el de mejor actor y mejor dirección. Gracias a su trabajo, Cassel ganó también el Premio Lumière, la Étoile D'Or y el reconocimiento del Festival Internacional de Cine de Tokio como mejor actor.
Cassel acaba de terminar la producción de THE MONK, dirigida por Dominik Moll, donde protagoniza una historia del siglo XVIII basada en la novela gótica de Matthew Lewis que describe el ascenso y trágico declive del respetado monje español Capucin Ambrosio. Recientemente, ha rodado también A DANGEROUS METHOD, de David Cronenberg, junto a Viggo Mortensen, Michael Fassbender y Keira Knightley. Esta película gira alrededor del triángulo amoroso que se establece entre los pioneros de la psiquiatría Sigmund Freud y Carl Jung, ambos enamorados de una paciente de Jung.
Actualmente, Cassel está trabajando en la primera película dirigida por Romain Gavras, OUR DAY WILL COME (también conocida como NOTRE JOUR VIENDRA), junto a Olivier Bartélémy. Esta película, que Cassel también produce, se centra en dos irascibles marginados que emprenden un viaje marcado por el odio, la violencia y la autodestrucción. Además, paralelamente, Cassel está involucrado en una comedia romántica, aún sin título, que transcurre en Brasil, dirigida por Kim Chapiron, y que el propio Cassel ha escrito, producido y protagonizado.
Cassel inició su trayectoria profesional en Francia en el año 1988, comenzando con pequeños papeles en televisión y en cine. En 1995, Cassel se dio a conocer por su trabajo en la alabada película de Mathieu Kassovitz EL ODIO, donde interpretaba a un joven problemático de las zonas deprimidas de los alrededores de París. Por su actuación, Cassel consiguió sus primeras nominaciones al César en las categorías de mejor actor y mejor actor revelación.
Tras tan prometedora actuación, Cassel apareció en más de veinticinco películas, tanto en Francia como en Estados Unidos. Entre sus películas francesas más importantes destacan: L'APPARTEMENT, de Gilles Mimouni; IRREVERSIBLE, de Gaspar Noe; DOBERMANN, de Jan Kounen, y LEE MIS LABIOS, de Jacques Audiard, por la que recibió su tercera nominación al César.
Cassel ha aparecido en varias películas de habla inglesa tales como JEFFERSON EN PARÍS, de James Ivory; ELIZABETH, de Shekhar Kapur; JUANA DE ARCO, de Luc Besson; LOS RÍOS DE COLOR PÚRPURA, de Mathieu Kassovitz; EL PACTO DE LOS LOBOS, de Christophe Gans; EL MISTERIO DE WELLS, de Paul McGuigan; SHREK, de Andrew Adamson; RENEGADE, de Jan Kounen; SIN CONTROL, de Mikael Håfström, y PROMESAS DEL ESTE, de David Cronenberg. Cassel coprotagonizó también OCEAN'S TWELVE, de Stephen Soderbergh, repitiendo papel posteriormente en OCEAN'S THIRTEEN.
Aparte de su trabajo ante las cámaras, Cassel dirige también una productora, 120 Films. Fundada en 1997, esta compañía ha desarrollado y producido SHABBAT NIGHT FEVER, IRREVERSIBLE, RENEGADE, SECRET AGENTS, SHEITAN: CENA CON EL DIABLO, MESRINE: PUBLIC ENEMY NO. 1 y MESRINE: KILLER INSTINCT.
Actualmente, Cassel es el rostro que promociona la fragancia masculina de Yves Saint Laurent La Nuit de l'Homme, que se lanzó mundialmente en marzo de 2009. El rodaje de la campaña de publicidad corrió a cargo de los fotógrafos de moda Mert Alas y Marcus Piggot.
Cassel y su familia distribuyen su tiempo entre París, Londres, Roma y Río de Janeiro.

La rusa MILA KUNIS (Lily) se ha revelado como una de las jóvenes actrices más solicitadas y atractivas de Hollywood. Recientemente ha aparecido junto a Denzel Washington en el éxito de taquilla EL LIBRO DE ELI, dirigida por los hermanos Hughes.
En 2008 Kunis trabajó en la exitosa comedia de Judd Apatow PASO DE TI, donde interpretaba a Rachel, junto a Jason Segel, Kirsten Bell y Jonah Hill. También actuó en MAX PAYNE, de 20th Century Fox, junto a Mark Wahlberg.
Kunis empezó profesionalmente haciendo anuncios de televisión, dándose a conocer más tarde por su trabajo en dos de las más populares series de Fox: THAT 70’s SHOW, donde interpretaba a Jackie Burkhardt, que le valió dos premios Young Star como mejor actriz de serie de televisión, y la serie de animación PADRE DE FAMILIA, donde prestó su voz a Meg.
En septiembre de 2009, Kunis protagonizó, junto a Jason Bateman, la película de Miramax EXTRACT. Más recientemente la hemos podido ver en la comedia NOCHE LOCA, junto a Tina Fey y Steve Carrell, dando vida a uno de los personajes que la pareja protagonista se encuentra a lo largo de su calamitosa noche. Actualmente, Kunis está rodando FRIENDS WITH BENEFITS, junto a Justin Timberlake. Esta película trata sobre una relación entre dos amigos (Timberlake y Kunis) que se complica cuando deciden pasar a la fase romántica.

La multipremiada actriz BARBARA HERSHEY (Erica) ha demostrado su talento en algunas de las películas más memorables de Hollywood, así como en películas, miniseries y series de televisión. Hershey ganó un Emmy y un Globo de Oro, en la categoría de mejor actriz protagonista de miniserie o programa especial, por A KILLING IN A SMALL TOWN, y también fue galardonada de forma consecutiva, algo sin precedentes, con el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes por su trabajo en SHY PEOPLE y en A WORLD APART, siendo también nominada por la Academia por RETRATO DE UNA DAMA.
Nacida en Hollywood, Hershey debutó en la gran pantalla con la película EL NOVIO DE MAMÁ. Con su protagonismo en los filmes HIJO POR ENCARGO y EL TREN DE BERTA, Hershey se convirtió rápidamente en una de las jóvenes actrices más populares de Hollywood.
En la década de los 80, Hershey trabajó en EL ESPECIALISTA, con Peter O'Toole; ELEGIDOS PARA LA GLORIA, con Ed Harris, Sam Shepard y Scott Glenn; EL MEJOR, con Robert Redford y Robert Duvall; HANNAH Y SUS HERMANAS, con Woody Allen, Mia Farrow, Dianne Wiest y Michael Caine; HOOSIERS: MÁS QUE ÍDOLOS, con Gene Hackman y Dennis Hopper; TIN MEN, con Richard Dreyfuss y Danny DeVito; SHY PEOPLE, con Jill Clayburgh; LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO, con Willem Dafoe y Harvey Keitel; ETERNAMENTE AMIGAS, con Bette Midler y John Heard, A WORLD APART, con Tim Roth.
Hershey regresó a la televisión en 1990 con su galardonada interpretación de Candy Morrison en A KILLING IN A SMALL TOWN, coprotagonizada por Brian Dennehy y Hal Holbrook. A este trabajo le siguieron un conjunto de éxitos televisivos, tales como su personaje de Clara Allen en la miniserie RETURN TO LONESOME DOVE, con Jon Voight y Louis Gossett Jr., y el papel de la doctora Francesca Alberghetti en la serie de David E. Kelly CHICAGO HOPE, de CBS.
Durante este período, Hershey continuó trabajando en cine. Fue nominada a un Oscar y a un Globo de Oro por su actuación en RETRATO DE UNA DAMA, con Nicole Kidman y John Malkovich, y también protagonizó LA HIJA DE UN SOLDADO NUNCA LLORA, de Merchant-Ivory, así como la galardonada LANTANA, del director australiano Ray Lawrence.
En 2007, Hershey protagonizó THE BIRD CAN’T FLY, dirigida por Threes Anna, y LOVE COMES LATELY, dirigida por Jan Schutte. Ambas fueron estrenadas con excelentes críticas en los Festivales de Cine de San Sebastián y de Toronto, respectivamente.
Posteriormente, Hershey volvió a la televisión para protagonizar junto a Shirley MacLaine ANA DE LAS TEJAS VERDES, de Kevin Sullivan, para PBS, por la que recibió un Premio Gemini en la categoría de mejor actriz secundaria de serie o miniserie dramática.
A continuación, Hershey encarnó a Helene protagonizando, junto a Jeroen Krabbé, SCHWEITZER, biopic de Gavin Millar sobre el físico, filósofo, teólogo y Premio Nobel de la Paz Albert Schweitzer. En diciembre de 2009, Hershey interpretó a la icónica Mrs. Hubbard en la nueva adaptación de ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS, de Agatha Christie, película que formaba parte de la nueva serie POIROT, a quien interpretaba David Suchet, que se emitió en ITV.
A principios de este año, Hershey protagonizó junto a Rose Byrne y Patrick Wilson INSIDIOUS, de James Wan, que narra la historia de una familia acosada por vengativos espíritus procedentes de otro mundo. La película se estrenará este año en la sección Midnight Madness del Festival de Cine de Toronto.
Hershey reside en Los Ángeles.

Con dos nominaciones al Oscar y un Globo de Oro en su haber, WINONA RYDER (Beth) es una de las actrices más admiradas por su talento y belleza de estilo clásico.
Ryder aparecerá próximamente en la comedia de Universal THE DILEMA, del director Ron Howard. Junto a ella trabajan también Vince Vaughn, Kevin James y Jennifer Connelly. La película se estrenará el 14 de enero de 2011.
Con anterioridad, Ryder ha aparecido en THE PRIVATE LIVES OF PIPPA LEE, de Rebecca Miller, junto a Robin Wright Penn, Alan Arkin, Keanu Reeves y Julianne Moore, y en STAR TREK, de JJ Abrams, coprotagonizada por Chris Pine, Simon Pegg, Karl Urban y Eric Bana.
Por su interpretación de Jo en la estimable versión que dirigió Gillian Armstrong del clásico de Louisa May Alcott MUJERCITAS, Ryder fue nominada por la Academia como mejor actriz. El año anterior había recibido una nominación al Oscar y ganado el Globo de Oro y el Premio National Board of Review como mejor actriz secundaria por su trabajo en LA EDAD DE LA INOCENCIA, de Martin Scorsese. Asimismo, Ryder fue nominada al Globo de Oro como mejor actriz secundaria por LAS SIRENAS, de Richard Benjamin.
En 1999, Ryder protagonizó y fue productora ejecutiva de la película, muy valorada por la crítica, INOCENCIA INTERRUMPIDA, basada en el best-seller en el que la autora narra su propia experiencia, dirigida por James Mangold. Aunque este filme fue su primer proyecto como productora ejecutiva, Ryder había producido previamente el documental THE DAY MY GOD DIED, que describía la vigente y trágica realidad que se esconde tras la prostitución infantil en la India.
Famosa por plantearse continuos desafíos en cada uno de sus proyectos, Ryder ha trabajado con algunos de los más admirados directores del cine actual en proyectos tales como ALIEN: RESURRECCIÓN, de Jean Pierre Jeunet; CELEBRITY, de Woody Allen; EL CRISOL, de Nicholas Hytner; LA CASA DE LOS ESPÍRITUS, de Billie August; DRÁCULA, DE BRAM STOKER, de Francis Ford Coppola; NOCHE EN LA TIERRA, de Jim Jarmusch; EDUARDO MANOSTIJERAS y BITELCHUS, de Tim Burton; ESCUELA DE JÓVENES ASESINOS, de Michael Lehman; BOCADOS DE REALIDAD, de Ben Stiller; LOOKING FOR RICHARD, de Al Pacino; OTOÑO EN NUEVA YORK, de Joan Chen; POSEÍDOS, de Janusz Kaminski; DONDE RESIDE EL AMOR, de Jocelyn Moorehouse; THE TEN, de David Wain, y UNA MIRADA EN LA OSCURIDAD, de Richard Linklater.
En televisión, Ryder ha prestado su voz para las series de animación “Los Simpsons” y “Dr. Katz”. También fue la voz narradora del álbum nominado al Grammy Anne Frank: The Diary of A Young Girl. Además, Ryder ha aparecido en el episodio de final de temporada de “Strangers With Candy” y en un episodio de “Friends.”
En 1997, Ryder fue reconocida comola Estrella Femenina del Año por Showest y Motion Picture Club, recibiendo también un título honorario del Conservatorio de Arte Dramático de San Francisco. Fue jurado en la 51ª edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, que presidía Martin Scorsese, y recibió el Premio Peter J. Owens por su "talento, independencia e integridad" en el Festival de Cine de San Francisco del año 2000. Asimismo, Ryder fue reconocida con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
Ryder es miembro del consejo de administración del Fondo Universitario de Indios Americanos, organismo que se encarga de preservar y proteger la cultura de los nativos americanos a través de la educación. Ryder ha estado muy involucrada con la Fundación Klaas Kids desde que se creó esta organización, en 1994.

SOBRE LOS REALIZADORES

El director, guionista y productor DARREN ARONOFSKY (Director) nació y se crió en Brooklyn, Nueva York. Su última película, EL LUCHADOR, se estrenó en el Festival de Cine de Venecia, donde ganó el apreciado León de Plata, siendo el tercer realizador norteamericano que ha ganado tan importante galardón en toda la historia del festival. Un día más tarde, la película fue adquirida por Fox Searchlight, horas después de su proyección de gala en el Festival de Cine de Toronto. EL LUCHADOR ganó el Premio Independent Spirit a la mejor película y tanto Mickey Rourke como Marisa Tomei fueron nominados al Oscar.
La anterior película de Aronofsky, LA FUENTE DE LA VIDA, una mezcla de romance y ciencia-ficción que Aronofsky escribió y dirigió, estaba protagonizada por Hugh Jackman y Rachel Weisz. Kurt Loder, de MTV, dijo de este filme que era “un clásico; deslumbrante y visualmente embriagador”, y Glenn Kenny, de Premiere, afirmó que LA FUENTE DE LA VIDA “podía efectivamente hacerte creer de nuevo en que una película puede sustraerte de la rutina y llevarte hasta un lugar maravilloso”.
En 2000, Aronofsky estrenó RÉQUIEM POR UN SUEÑO en el Festival de Cine de Cannes. Esta película fue incluida entre las diez principales en más de 150 listas, incluyendo la del New York Times, Rolling Stone, Entertainment Weekly y American Film Institute. Los reconocimientos siguieron con las cinco nominaciones al Premio Independent Spirit, incluyendo el de mejor dirección, que consiguió Ellen Burstyn como mejor actriz. La asombrosa interpretación de Burstyn fue también nominada al Globo de Oro y al Oscar.
La primera película de Aronofsky, Pi: FE EN EL CAOS, obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cine de Sundance de1998 así como un Independent Spirit al mejor guión novel.
Entre sus muchos galardones, el American Film Institute otorgó a Aronofsky la prestigiosa medalla de ex alumnos Franklin J. Schaffner y el Festival de Cine de Estocolmo le concedió el Unicornio de Oro.

MARK HEYMAN (Argumento) nació y se crió en Nuevo México y se graduó por la Universidad de Brown en 2002. Tras especializarse en cine por la Universidad de Nueva York, Heyman empezó a trabajar como director de desarrollo en la productora de Darren Aronofsky, Prøtøzøa Pictures. Fue co-productor de EL LUCHADOR, que protagonizaron Mickey Rourke, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood.
Después de esta película, Heyman decidió regresar a la escritura y comenzó a trabajar en CISNE NEGRO con Aronofsky. Esta película es su primer guión llevado a la gran pantalla.

ANDRÉS HEINZ (Guión/Argumento) estudió en la Universidad de California y en la Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York, donde se licenció con honores; la película de su tesis, GROUND LEVEL B, ganó el premio 1st Place Mobil.
Tras graduarse, Andrés trabajó en producciones de cine y televisión, incluyendo su labor como coordinador de producción en la unidad cinematográfica de “Saturday Night Live”. Luego dirigió su primera película, ORIGIN OF THE SPECIES, protagonizada por Amanda Peet, Jonathan LaPaglia y Michael Kelly.
Desde entonces, Andrés se ha dedicado a escribir y ha vendido varios guiones. CISNE NEGRO es su primer guión original realizado por grandes estudios.

JOHN McLAUGHLIN (Guión) vive en la ciudad de Nueva York y escribe tanto para cine como para televisión. Entre sus proyectos más recientes destacan ALFRED HITCHCOCK AND THE MAKING OF PSYCHO, en Paramount; THE MAN WHO KILLED HOUDINI; una película basada en el personaje de Parker, el delincuente creado por Donald Westlake, con cuya dirección se ha comprometido Brian de Palma, y KILL YOURSELF BRIDGE, bajo la dirección de John Carpenter.
Actualmente trabaja en un remake de la película Coma en formato de miniserie, para Scott Free y A&E, y en el episodio piloto de “Blue Trace”, para Syfy. Con anterioridad, McLaughlin escribió para las series “Touching Evil”, “It’s Me”, “Gerald” y “Carnivale”, y fue coguionista de “Point Pleasant”.
CISNE NEGRO es su tercer trabajo con la productora de Darren Aronofsky.

MIKE MEDAVOY (Productor) nació en Shangai, China, en 1941, y se licenció en Historia por la Universidad de California a mediados de 1963. Empezó profesionalmente en el año 1964 en Universal Studios, donde ascendió desde el departamento de correo hasta convertirse en director de casting. Mike fue después agente artístico, llegando a convertirse en vicepresidente de Creative Management Agency en 1965, y más tarde, en 1971, en director del departamento cinematográfico de International Famous Agency.
En 1974, Medavoy fue vicepresidente de producción de United Artists. En esta compañía, formó parte del equipo responsable de ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO, ROCKY y ANNIE HALL, filmes galardonados con el Oscar a la mejor película a mediados de los años 70. En 1978, Medavoy cofundó Orion Pictures, donde se crearon películas como PLATOON, AMADEUS, ROBOCOP, TERMINATOR y BAILANDO CON LOBOS.
Tras doce exitosos años en Orion Pictures, Medavoy fue presidente de TriStar Pictures, donde supervisó películas tan elogiadas y populares como FILADELFIA, TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL, ALGO PARA RECORDAR, EL REY PESCADOR, LEYENDAS DE PASIÓN y HOOK.
Actualmente, como presidente y cofundador de Phoenix Pictures, Medavoy ha llevado a la gran pantalla películas como EL ESCÁNDALO DE LARRY FLYNT, EL AMOR TIENE DOS CARAS, VERANO DE CORRUPCIÓN, LA DELGADA LÍNEA ROJA, EL SEXTO DÍA, BASIC, LA MALDICIÓN DE LOS HOYOS, TODOS LOS HOMBRES DEL REY, ZODIAC, MISS POTTER y SHUTTER ISLAND, entre muchas otras. Todas estas películas han conseguido numerosos premios y nominaciones, incluyendo las nominaciones al Oscar de LA DELGADA LÍNEA ROJA y EL ESCÁNDALO DE LARRY FLYNT.
Medavoy ha recibido numerosos reconocimientos a nivel personal, tales como el premio al Pionero del Año en el ámbito cinematográfico y el premio a los Logros de Toda una Vida del Festival de Cine de Cannes. Fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood en 2005. Asimismo, El Gobierno de Francia le otorgó la Legión de Honor en 2009 y el Gobierno de Chile le concedió el Premio Bernardo O’Higgins en 2010.
A lo largo de su carrera, Medavoy también se ha implicado en política de manera activa. En 1984 fue director de contribuciones financieras para la campaña por la presidencia de Gary Hart. Participó activamente en las campañas del presidente Clinton de 1992 y 1996 y del presidente Obama en 2008. Su esposa, Irena, fue directora de contribuciones financieras en la campaña de Obama.
Asimismo, Medavoy ha escrito varios libros, actualmente también editados en chino y en español. En 2002, publicó el best-seller titulado You’re Only As Good As Your Next One: 100 Great Films, así como los libros 100 Good Films y 100 For Which I Should Be Shot, con Josh Young. En 2009, Medavoy publicó American Idol After Iraq; Competing for Hearts and Minds in the Global Media Age, con Nathan Gardels. Tiene dos hijos, Brian y Nicky Medavoy.

ARNOLD MESSER (Productor) es nativo de Lincoln, Nebraska, y graduado por la Escuela de Derecho de Harvard. Inició su carrera en la industria del entretenimiento ejerciendo de principal asesor legal de Columbia Pictures Television en 1979. Tras un período como vicepresidente de negocios de Viacom International, Messer regresó a Columbia Pictures, donde fue, primero, vicepresidente senior y, más tarde, vicepresidente ejecutivo de negocios a nivel mundial. En 1983, fue nombrado vicepresidente ejecutivo senior de TriStar Pictures y presidente de su grupo de telecomunicaciones, encargándose de controlar la producción de la compañía en salas comerciales y su marketing correspondiente así como de las actividades en televisión.
En 1987, Messer volvió de nuevo a Columbia Pictures como vicepresidente ejecutivo. En este puesto, se encargó de supervisar las actividades de producción y distribución de televisión a nivel mundial así como de negociar para la compañía los grandes contratos de televisión a nivel internacional. En 1989, Messer fue nombrado presidente de la división internacional de distribución de producciones de Sony Pictures Entertainment, siendo responsable de todas las actividades y operaciones de mercado complementarias a nivel internacional.
En 1992, Messer logró que los ingresos de su división superaran los mil millones de dólares en todo el mundo. Ese mismo año, fue ascendido a vicepresidente ejecutivo de Sony Pictures Entertainment, haciéndose cargo de la estrategia global a largo plazo y del control de la producción internacional.
En 1994, Messer se asoció con su amigo y colega Mike Medavoy para fundar Phoenix Pictures. Bajo esta enseña han producido películas como las nominadas al Oscar EL ESCÁNDALO DE LARRY FLYNT y LA DELGADA LÍNEA ROJA, así como VERANO DE CORRUPCIÓN, LA MALDICIÓN DE LOS HOYOS, TODOS LOS HOMBRES DEL REY, ZODIAC (que Messer también produjo) y el famoso thriller de Martin Scorsese SHUTTER ISLAND.

BRIAN OLIVER (Productor) es presidente de Cross Creek Pictures y miembro del comité de inversiones de Cross Creek Partners, un fondo cinematográfico formado por la familia Thompson junto a un consorcio de inversores privados de Luisiana y Texas. Oliver está involucrado en todos los ámbitos de desarrollo, adquisición, financiación y producción cinematográfica de Cross Creek. Como veterano ejecutivo y productor de cine, Oliver aporta a Cross Creek Pictures su enorme experiencia en financiación y producción cinematográfica.
Oliver empezó su trayectoria profesional en Paramount Pictures, y dentro de la industria del entretenimiento ha sido tanto ejecutivo como productor durante más de 12 años. También ha estado involucrado en labores de desarrollo, financiación, producción y distribución de más de 20 películas. Antes de fundar Arthaus Pictures, Oliver fue vicepresidente de producción en Propaganda Films, tras haber trabajado en el departamento de producción cinematográfica de la agencia William Morris.
Oliver estuvo implicado en numerosas e importantes películas como ejecutivo de Propaganda. Desarrolló y produjo DESENFOCADO, dirigida por Paul Schrader y protagonizada por Greg Kinnear y Willem Dafoe; AL CAER LA NOCHE, protagonizada por Billy Bob Thornton y Patricia Arquette, y GIVE’EM HELL MALONE, protagonizada por Thomas Jane y Ving Rhames. Oliver fundó Arthaus Pictures para la realización y producción de largometrajes, desarrollando y adquiriendo un variado surtido de doce películas que ha aportado para su producción por parte de Cross Creek Pictures.
Oliver se doctoró con honores, especializándose en Derecho del Entretenimiento por la Escuela Universitaria de Derecho Whittier. Antes de formarse en esta escuela de leyes, Oliver estudió en la Universidad de California, en Berkeley, donde se licenció en Ciencias Políticas.

SCOTT FRANKLIN (Productor) nació y se crió en Nueva York, donde se ha consolidado como respetado veterano de la comunidad cinematográfica neoyorquina. La última película de Franklin es EL LUCHADOR, protagonizada por Mickey Rourke, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood. EL LUCHADOR recibió el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia en 2008. El filme recibió también los premios Independent Spirit a la mejor película, mejor actor (Mickey Rourke) y mejor fotografía (Maryse Alberti) en 2009. Asimismo, las interpretaciones de Rourke y Tomei fueron nominadas al Oscar, y Rourke ganó un Globo de Oro, al igual que Bruce Springsteen, por mejor canción (El luchador).
La anterior película de Franklin, HOUNDDOG, protagonizada por Dakota Fanning, Robin Wright-Penn y David Morse, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2007, donde quedó finalista al Gran Premio del Jurado.
Previamente, Franklin había sido coproductor de RÉQUIEM POR UN SUEÑO, de Aronofsky, que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 1999 y que fue señalada como una de las diez primeras películas del año 2000 en más de 150 listas. Obtuvo numerosos reconocimientos internacionales, cinco nominaciones al Independent Spirit, y la actriz Ellen Burstyn fue nominada al Globo de Oro y al Oscar a la mejor actriz.
Colaboró con Aronofsky como productor asociado en su primera película, Pi: FE EN EL CAOS, estrenada en el Festival de Cine de Sundance en 1998, donde ganó el premio a la mejor dirección. La película obtuvo también varios premios internacionales como el Independent Spirit al mejor guión y la Open Palm Gotham.

BRADLEY J. FISCHER (Productor Ejecutivo) Brad Fischer empezó profesionalmente en Phoenix Pictures en 1998, ascendiendo a copresidente de producción en 2007 y reportando directamente al presidente y director general de Phoenix Pictures, Mike Medavoy.
Durante su estancia en Phoenix, Fischer resultó clave para descubrir, desarrollar, organizar y producir muchos e importantes proyectos cinematográficos, realizando un total de siete películas durante los últimos siete años. Recientemente, Fischer ha producido la última película de Martin Scorsese, SHUTTER ISLAND, basada en el superventas homónimo del New York Times escrito por Dennis Lehane, admirado autor de MYSTIC RIVER y ADIÓS, PEQUEÑA, ADIÓS. Tras garantizarse los derechos cinematográficos del libro, Fischer se lo envió a la guionista Laeta Kalogridis, con quien desarrolló el proyecto. Scorsese y DiCaprio aceptaron rápidamente y poco tiempo después se acordó la totalidad del proyecto en un compromiso de producción con Paramount Pictures.
Tras su estreno mundial en la proyección de gala del Festival Internacional de Cine de Berlín, SHUTTER ISLAND se estrenó el 19 de febrero de 2010 con una recaudación de 41 millones de dólares durante su primera semana de proyección, que en aquel momento supuso para Scorsese y el actor Leonardo DiCaprio el estreno más lucrativo de sus carreras. Desde entonces los beneficios obtenidos por la película han seguido aumentando en todo el mundo hasta alcanzar casi 300 millones de dólares, lo que la convierte en la película más rentable de Scorsese.
Entre sus películas más recientes destaca ZODIAC, de David Fincher, muy valorada por la crítica, que Fischer produjo. ZODIAC está protagonizada por Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo y Robert Downey Jr., y formó parte de la selección oficial del Festival de Cine de Cannes de 2007,. Realizada por Paramount Pictures y Warner Bros. Pictures, obtuvo excelentes críticas a nivel mundial y fue una de las películas mejor valoradas del año 2007. En 2010, ZODIAC fue catalogada como una de las diez mejores películas de la década por Entertainment Weekly, Time Out New York, The Chicago Tribune y The New York Post, entre muchas otras críticas y publicaciones de todo el mundo.
Entre las próximas producciones de Fischer destacan: una nueva versión de los orígenes de ROBOCOP, que está desarrollando junto a Darren Aronofsky; la aventura de ciencia ficción ANVIL OF STARS, basada en la novela de Greg Bear; KOKO, escrita por Peter Straub y que adaptará Ken Nolan (BLACK HAWK DERRIBADO), y una larga lista que incluye proyectos con los directores Alex Proyas (YO, ROBOT) y Frank Darabont (CADENA PERPETUA).
En 2006, Fischer fue elegido por la revista Hollywood Reporter, en su edición especial número 13 de “Next Generation”, como uno de los 35 principales ejecutivos de Hollywood menores de 35 años. Y en la primavera de 2008, la revista Los Angeles Confidential calificó a Fischer de “productor influyente” y fue reconocido como “uno de los más prometedores productores de complejas y valientes películas de Hollywood”.
Además de su trabajo en Phoenix Pictures, Fischer es miembro del consejo directivo del Estudio de Arte Dramático Stella Adler de Los Ángeles.
Graduado por la Universidad de Columbia en 1998 y licenciado en Estudios de Cinematografía y Psicología, Fischer es natural de Nueva York. Reside en Los Ángeles con su esposa, Karen, su hija, Olivia, y tres perros: Katie, Chloe y Bentley.

ARI HANDEL (Productor Ejecutivo) es presidente de Prøtøzøa Pictures, puesto al que accedió en 2004. Colaboró en el guión de LA FUENTE DE LA VIDA, de Darren Aronofsky, la fantasía romántica de 2006 que protagonizaron Hugh Jackman y Rachel Weisz, y también fue productor asociado del filme. En 2008, fue productor asociado de la premiada película EL LUCHADOR, también de Aronofsky.
Handel se doctoró en Neurociencia por la Universidad de Nueva York antes de que su interés por la narrativa le apartara de la ciencia y le condujera al cine. Además de su trabajo en Prøtøzøa, es vicepresidente del consejo directivo y guionista de The Moth, una organización sin ánimo de lucro cuyos programas en directo, podcasts y emisiones de radio se dedican al arte de contar historias.
TYLER THOMPSON (Productor Ejecutivo) es cofundador de Cross Creek Pictures. Su primera película como productor ejecutivo bajo la tutela de Cross Creek fue BURNING PALMS, escrita y dirigida por Christopher Landon, y protagonizada por Zöe Saldana, Dylan McDermott, Paz Vega, Rosamund Pike, Shannen Doherty y Lake Bell.
La familia de Thompson se ha dedicado al negocio del combustible durante cuatro generaciones. Desde 2006 a 2008, Thompson ha desarrollado y ayudado a dirigir Highland Transportation, una empresa familiar con sede en Luisiana.
En 2008, Thompson decidió diversificar el negocio familiar e introducirse en la industria del cine. Tras un viaje a Los Ángeles, durante el cual descubrió el guión de BURNING PALMS, Thompson consiguió la financiación para llevar a cabo la película y fue su productor ejecutivo. Mientras se realizaba la producción del filme, Thompson fundó Cross Creek Pictures, productora con sede en Los Ángeles y con oficinas en Memphis, Houston y Luisiana. Además de crear Cross Creek Pictures, Thompson ayudó a conseguir fondos de capital privado para financiar las películas de Cross Creek Pictures.
CISNE NEGRO será el primer proyecto realizado bajo el nuevo sistema financiero de Cross Creek.

PETER FRUCHTMAN (Productor Ejecutivo) se especializó en Empresariales por la Universidad Estatal de Ohio y trabajó durante siete años en Scott Jordan International, una empresa de comercialización de mobiliario para comercio y hostelería. Como vicepresidente senior de ventas, entre sus responsabilidades estaba la supervisión de importantes cuentas nacionales, como Marriott International y Starwood Hotels.
Fruchtman abandonó Scott Jordan en 2008 para fundar Dro Entertainment, una compañía de producción y financiación de espectáculos, donde fue presidente y director general. Desde sus inicios, Dro Entertainment ha financiado y producido varios programas de televisión, tales como las series cómicas PAULY SHORE AND FRIENDS y RUSSELL PETERS PRESENTS, en asociación con Showtime Networks. Fruchtman también produjo la aclamada serie THE DOG WHO SAVED CHRISTMAS, protagonizada por Dean Cain y Mario Lopez, para ABC Family. Dro Entertainment acaba de finalizar la segunda temporada de LOL COMEDY FESTIVAL, una comedia que se representa por todo el país y que la compañía creó y financió en asociación con Showtime.
Entre las películas en las que ha participado Fruchtman destaca KING OF THE AVENUE, un thriller dirigido por Ryan Combs y protagonizado por Ving Rhames y Esai Morales, que se estrenará en otoño de 2010. También ha sido productor ejecutivo de otro estreno de 2010, el drama urbano DOWN FOR LIFE, película dirigida por Alan Jacobs y protagonizada por Danny Glover, Snoop Dogg y Laz Alonso, producida en asociación con Dro Entertainment. Asimismo, Fruchtman colaboró en la financiación y fue coproductor ejecutivo del thriller de acción MACHETE, actualmente en posproducción y cuyo estreno es inminente, codirigido por Robert Rodriguez y Ethan Maniquis y protagonizado por Robert De Niro, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Lindsay Lohan, Steven Seagal, Don Johnson y Danny Trejo.
Fruchtman ha sido también productor ejecutivo de la película indie HESHER, producida en asociación con Dro Entertainment, dirigida por Spencer Susser y protagonizada por Natalie Portman, Joseph Gordon-Levitt y Rainn Wilson. Esta película se estrenó compitiendo en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2010, donde fue adquirida para su distribución nacional. Fruchtman también fue productor ejecutivo en 2010 de ABANDONED, protagonizada por Brittany Murphy, Dean Cain y Mimi Rogers. Fue coproductor ejecutivo e inversor de capital en la comedia negra EVERYTHING MUST GO, dirigida por Dan Rush y protagonizada por Will Ferrell y Rebecca Hall. En la actualidad, Fruchtman y Dro Entertainment están desarrollando varios e importantes proyectos para cine y televisión.

RICK SCHWARTZ (Productor Ejecutivo) es director y fundador de Overnight Productions, una compañía independiente con sede en Nueva York que abarca el desarrollo, la financiación y la producción cinematográfica, generando inteligentes y comerciales proyectos de todos los géneros, tanto películas independientes como de grandes estudios.
Desde sus inicios en 2007, Overnight Productions ha realizado numerosas producciones, tales como la película de Lionsgate TIPOS CON SUERTE, dirigida por Neil Burger y protagonizada por Rachel McAdams, Tim Robbins y Michael Pena; la comedia de ABC Family UN TRABAJO EMBARAZOSO, protagonizada por Lindsay Lohan, Cheryl Hines y Chris Parnell; el remake del thriller francés 13 TZAMETI, protagonizado por Jason Statham, Mickey Rourke, Curtis “50 Cent' Jackson y Sam Riley; y el thriller de Robert Rodriguez MACHETE, que protagonizan Robert De Niro, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Lindsay Lohan y Danny Trejo, de 20th Century Fox.
Entre sus próximos proyectos destacan una aventura romántica, aún sin título, protagonizada por Selena Gomez y Leighton Meester; SOUTHBOUND, un thriller que transcurre en la frontera de México, protagonizado por Matthew McConaughey y Eva Mendes, y GOREE GIRLS, un drama musical protagonizado y coproducido por Jennifer Aniston. Entre sus proyectos en desarrollo se incluyen los siguientes: la película de terror sobrenatural ESPECTRE, protagonizada por Nicole Kidman, y una adaptación del thriller coreano DIE BAD, con guión de Brad Ingelsby y dirección de Marc Forster, ambas películas para Universal Studios; una aventura fantástica de Warner Bros., BENIGHTED, que dirigirá Andrew Adamson (SHREK); TATUA, película de acción basada en una novela gráfica sobre un hombre obsesionado con la venganza, protagonizada por Sam Worthington; y LA BANDA, una comedia musical en español sobre un divorciado rico venido a menos que se ve obligado a cantar con una banda en una cursi boda para poder sobrevivir, con Salma Hayek en la coproducción.
Antes de fundar Overnight, Schwartz unió sus fuerzas con las de Graham King y Colin Cotter, de Initial Entertainment Group, para crear la productora independiente Blueprint Films, donde ayudó a producir las oscarizadas películas de Martin Scorsese EL AVIADOR e INFILTRADOS.
Desde 1996 a 2004, Schwartz trabajó en Miramax Films, ascendiendo finalmente a vicepresidente senior de producción, donde, simultáneamente, desarrollaba numerosos proyectos, descubría y cultivaba relaciones con actores, guionistas y directores emergentes, e identificaba y explotaba potenciales nuevas fuentes de ingreso. Mientras trabajó en Miramax se encargó de las relaciones empresariales más importantes y fue el responsable del mayor presupuesto para una película en los 25 años de historia de la compañía: GANGS OF NEW YORK, dirigida por Martin Scorsese. Otras películas bajo su supervisión fueron el éxito internacional de Alejandro Amenábar, LOS OTROS, protagonizada por Nicole Kidman; MALENA, de Giuseppe Tornatore, protagonizada por Monica Bellucci; el documental de Jerry Seinfeld COMEDIAN; y LA MANCHA HUMANA, de Robert Benton, protagonizada por Anthony Hopkins, Nicole Kidman y Ed Harris.
Muchas de las películas en las que Schwartz ha participado han sido nominadas a numerosos premios, como 24 premios de la Academia, y en conjunto han conseguido unos ingresos de taquilla de, aproximadamente, mil millones de dólares en todo el mundo.

JON AVNET (Productor Ejecutivo) ha producido y dirigido cine y televisión durante más de 30 años. Recientemente ha producido y dirigido el thriller dramático ASESINATO JUSTO, protagonizado por Robert De Niro y Al Pacino, y 88 MINUTOS, con Pacino y Alicia Witt.
Otras películas de Avnet como productor y director son: EL LABERINTO ROJO, protagonizada por Richard Gere; ÍNTIMO Y PERSONAL con Robert Redford y Michelle Pfeiffer; LA GUERRA, con Elijah Wood, Kevin Costner y Mare Winningham, y la comedia dramática TOMATES VERDES FRITOS, basada en la novela de Fannie Flagg.
Como productor, Avnet ha participado en: TIERRA DE SANGRE, SKY CAPTAIN Y EL MUNDO DEL MAÑANA, COSAS QUE DIRÍA CON SÓLO MIRARLA, GEORGE DE LA JUNGLA, GOLPE AL SUEÑO AMERICANO, RISKY BUSINESS, protagonizada por Tom Cruise, y la exitosa trilogía sobre el mundo del hockey SOMOS LOS MEJORES. También fue productor ejecutivo de ROBA ESTA PELÍCULA, INSPECTOR GADGET, RAPSODIA EN MIAMI, LOS TRES MOSQUETEROS y EL CONTRATO DEL SIGLO, entre otras.
En televisión, Avnet ha sido nominado al Emmy como productor ejecutivo y director de la miniserie THE STARTER WIFE y como productor ejecutivo del drama THE BURNING BED, por el que también fue nominada al Emmy la actriz Farah Fawcett. Otros títulos televisivos en su doble faceta de director y productor incluyen la serie BOOMTOWN y las películas UPRISING, A HOUSE DIVIDED, MAMA FLORA’S FAMILY, POODLE SPRINGS, HEAT WAVE, DO YOU KNOW THE MUFFIN MAN, NAOMI & WINONA: LOVE CAN BUILD A BRIDGE así como la miniserie PARTING THE WATERS.
En 1995, Avnet recibió el Premio Franklin J. Schaffner del American Film Institute. También obtuvo el Premio Freedom of Expression que otorga el National Board of Review por EL LABERINTO ROJO, compartiendo honores con el protagonista del filme, Richard Gere.

MATTHEW LIBATIQUE, ASC, (Director de Fotografía) estudió en el prestigioso American Film Institute, donde se especializó en Cinematografía. CISNE NEGRO supone la cuarta colaboración de Libatique con el director Darren Aronofsky, tras Pi: FE EN EL CAOS, RÉQUIEM POR UN SUEÑO y LA FUENTE DE LA VIDA. Ambos iniciaron juntos sus carreras colaborando en el cortometraje PROTOZOA.
Más recientemente, Libatique ha trabajado en IRON MAN 2, del director Jon Favreau, secuela del éxito de taquilla IRON MAN, de la que también fue director de fotografía. El año pasado fue director de fotografía de MY OWN LOVE SONG, una comedia dramática protagonizada por Forest Whitaker y Renee Zellweger. Actualmente está trabajando en COWBOYS AND ALIENS, de Favreau.
Libatique fue nominado al Premio Independent Spirit a la mejor fotografía por su trabajo en Pi: FE EN EL CAOS, consiguiendo definitivamente tal galardón con RÉQUIEM POR UN SUEÑO. Por esta última película también fue nominado a los premios BSFC y OFSC.
La carrera profesional de Libatique comenzó en 1995 siendo director de fotografía en la industria del vídeo musical. Hemos visto su trabajo en MTV para artistas tales como The Cure, Usher, Death in Vegas, Erykah Badu, Incubus, Tupac, Moby, Snoop Dog, Jay-Z o The Fray. Libatique obtuvo el Premio MVPA a la mejor fotografía en 2002 por Mad Season, de Matchbox 20. Trabajando en el ámbito musical y publicitario, Libatique ha tenido ocasión de unir fuerzas con competentes directores como Floria Sigismondi, Dante Ariola, Brian Beletic, Phil Harder, Terry Richardson, Mark Pellington, Traktor, Kinka Usher, Stylewar y Noam Murro.
Otras películas en su haber son: TIGERLAND y ÚLTIMA LLAMADA, de Joel Schumacher; GOTHIKA, de Mathieu Kassovitz; LA DESAPARICIÓN DE EMBRY, de Stephen Gaghan, y TODO ESTÁ ILUMINADO, que dirigió Liev Schreiber. También ha colaborado con el director Spike Lee en tres de sus películas: EL MILAGRO DE SANTA ANA, ELLA ME ODIA y PLAN OCULTO.
Libatique es miembro de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas y de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía.

THÉRÈSE DEPREZ (Diseñadora de Producción) ha aportado su talento durante más de una década a una amplia lista de premiadas películas, así como cortometrajes, anuncios, obras de teatro y vídeos musicales. Su trabajo en cine abarca tanto proyectos de grandes estudios como películas independientes, con más de 15 películas presentadas en anteriores ediciones del Festival de Cine de Sundance.
Entre sus películas más importantes destacan: HEDWIG AND THE ANGRY INCH, de John Cameron Mitchell; NADIE ESTÁ A SALVO DE SAM, de Spike Lee; ARLINGTON ROAD, TEMERÁS A TU VECINO y GOING ALL THE WAY, de Mark Pellington; VIVIR RODANDO y CAJA DE LUZ DE LUNA, de Tom DiCillio; HAPPINESS, de Todd Solondz; ALTA FIDELIDAD, de Stephen Frears; AGUA TURBIA, de Walter Salles; UNA MUJER DIFÍCIL, de Kip William, y la nominada al Oscar AMERICAN SPLENDOR, que también recibió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance de 2003 así como el Premio Internacional de la Crítica en los festivales de Cannes y Dueville.
DePrez ha diseñado también el universo mágico de Zach Helm en MR. MAGORIUM Y SU TIENDA MÁGICA, con Dustin Hoffman y Natalie Portman; PHOEBE IN WONDERLAND, del guionista/director Daniel Barnz; la segunda película de Dito Montiel, PUÑOS DE ASFALTO, para Focus Features, y LOS AMOS DE BROOKLYN, de Antoine Fuqua, con Don Cheadle, Ethan Hawke, Wesley Snipes y Richard Gere. Asimismo, es la responsable del diseño de películas tan populares como YO DISPARÉ A ANDY WARHOL, EL REGRESO, STONEWALL, CÓMO PERDER A UN CHICO EN 10 DÍAS, NO MIRES ATRÁS, MARCI X, MALDITA GENERACIÓN, POSTCARDS FROM AMERICA y SWOON.
Más recientemente, DePrez ha diseñado la producción de la película que inauguró el Festival de Sundance de 2010, HOWL, basada en el testimonio del poeta Allen Ginsberg en el juicio por obscenidad contra Burroughs, dirigida por los oscarizados realizadores de documentales Jeffrey Friedman y Rob Epstein. También ha trabajado recientemente en el debut en la dirección del actor Philip Seymour Hoffman, JACK GOES BOATING, que asimismo se estrenó en Sundance en 2010, y en la película de acción PREMIUM RUSH, de David Koepp, protagonizada por Joseph Gordon Levitt, para Columbia Pictures.
DePrez ha diseñado numerosas películas y vídeos musicales para artistas como Laurie Anderson, Bob Dylan y David Bowie. También diseñó para Bowie el decorado de su Reality World Tour, 2003/2004.
El talento de DePrez ha sido reconocido por organizaciones tan prestigiosas como el Festival de Sundance, que le otorgó el Premio Especial del Jurado al diseño de producción en 1997. El Festival Internacional de Cine de Gijón le concedió el premio a la mejor dirección artística por YO DISPARÉ A ANDY WARHOL y Theater Crafts International la premió en la categoría de mejor realización en diseño de producción.

ANDREW WEISBLUM, A.C.E. (Montaje) colaboró previamente con Darren Aronofsky en EL LUCHADOR. Más recientemente, ha trabajado en la película nominada al Oscar FANTÁSTICO SR. FOX, de Wes Anderson, por la que fue nominado al Premio ACE Eddie por mejor montaje de película de animación. Weisblum también trabajó con Anderson en VIAJE A DARJEELING, así como con Zoe Cassavetes en BROKEN ENGLISH.
Weisblum se encargó del montaje adicional en EMBRUJADA, de Nora Ephron, y en LOS SEXOADICTOS, de John Waters. Fue montador de efectos visuales en LA FUENTE DE LA VIDA, de Aronofsky, y en CHICAGO, de Rob Marshall, película que ganó dos Oscar, mejor montaje y mejor película, así como el premio Eddie al mejor montaje de comedia/musical en 2003. También se encargó de la edición de las películas independientes UNDERMIND y CONEY ISLAND BABY.
Como ayudante de montaje durante más de una década, Weisblum ha trabajado en una amplia variedad de películas, desde cine independiente, como CECIL B. DEMENTED, de John Waters, y CORAZÓN REBELDE, de Allison Anders, hasta producciones a gran escala tales como OJOS DE SERPIENTE y FEMME FATALE, de Brian De Palma, o ESCUELA DE ROCK, de Richard Linklater.

AMY WESTCOTT (Diseño de Vestuario) ha colaborado anteriormente con el director Darren Aronofsky en la premiada película EL LUCHADOR. Más recientemente ha trabajado en WHAT’S YOUR NUMBER?, dirigida por Mark Mylod y protagonizada por Chris Evans y Anna Faris. Otras recientes películas en las que ha trabajado son THE ASSASSINATION OF A HIGH SCHOOL PRESIDENT, dirigida por Brett Simon, y A LOS TRECE, dirigida por Gela Babluani.
Además de trabajar en cine, Westcott ha sido diseñadora de vestuario en la duradera y popular serie de HBO ENTOURAGE durante cinco temporadas. Su trabajo en la serie fue nominado en tres ocasiones por la Asociación de Diseñadores de Vestuario.
Entre sus trabajos cinematográficos destacan UNA HISTORIA DE BROOKLYN, de Noah Baumbach, que ganó el premio al mejor director y al mejor guión original en el Festival de Cine de Sundance de 2005, y COSAS DE HOMBRES (QUE TODA MUJER QUIERE SABER), de Dylan Kidd, protagonizada por Campbell Scott, que ganó el premio a la mejor primera película en el Festival de Cine de Tribeca de 2002. Westcott volvió a trabajar con Kidd en su siguiente película, P.S., que protagonizaron Laura Linney y Gabriel Byrne.
Otros títulos en su haber son LA VDA SECRETA DE UN DENTISTA, de Alan Rudolph, OFF THE MAP, de Campbell Scott, y UNA FAMILIA GENIAL, de Noam Murro.
Residente en ambas costas, Westcott es natural de Filadelfia y se graduó por la Universidad de Siracusa, donde se licenció en Diseño de Moda. Su primera incursión en el mundo del cine fue como ayudante de vestuario en COP LAND, de James Mangold. Más tarde se aventuró en el cine independiente, obteniendo su primer encargo de diseño en la película de terror, basada en una novela gráfica, HISTORIAS DE CAMPAMENTO.

CLINT MANSELL (Música) ha trabajado con el director Darren Aronofsky en todas las películas que ha realizado, desde la primera, Pi: FE EN EL CAOS, hasta la más reciente, EL LUCHADOR.
Mansell fue nominado al Globo de Oro por la banda sonora que compuso para LA FUENTE DE LA VIDA, que también fue candidata al premio de la Broadcast Critics Association y al Premio del Público de los World Soundtrack Awards.
Entre los trabajos más recientes de Mansell destacan: el drama romántico LA ÚLTIMA NOCHE, el thriller francés BIENVENIDO A FAREWELL, la comedia protagonizada por Catherine Zeta-Jones MI SEGUNDA VEZ y la película indie de ciencia-ficción, muy valorada por la crítica, MOON, protagonizada por Sam Rockwell, por cuya música fue nominado a los British Independent Film Awards.
Otras bandas sonoras compuestas por Mansell son: DEFINITIVAMENTE, QUIZÁS, dirigida por Adam Brooks, y SICKO, de Michael Moore, así como ASES CALIENTES, DOOM: LA PUERTA DEL INFIERNO, SÁHARA, SOSPECHOSO CERO, ELLAS Y ELLOS, ASESINATO... 1, 2, 3, LA DESAPARICIÓN DE AMBRY, LLUVIA, AJUSTE DE CUENTAS y WORLD TRAVELER.

JIM BLACK (Supervisión Musical) fundó Clearsongs en 1998, y desde entonces ha trabajado en algunas de las películas más valoradas por la crítica de la última década. Su pasión, entrega y formación musical han jugado un papel fundamental en su carrera de supervisor musical. Su creativo oído, unido a su ilimitado conocimiento de la industria musical, le han convertido en un valioso recurso tanto a la hora de seleccionar la música como de supervisarla, abarcando todos los géneros y todos los presupuestos. Su currículum habla por sí solo, y con más de 40 películas a sus espaldas, Jim es actualmente uno de los más respetados supervisores musicales de Nueva York.

GABE HILFER (Supervisión Musical) empezó su carrera musical trabajando como DJ y presentador de un programa de radio que alternaba con sus estudios. Luego trabajó para varias compañías discográficas de la ciudad de Nueva York, y finalmente se introdujo en el mundo de la gestión artística. En 2003, a Gabe le pidieron su colaboración para elaborar una guía de creadores que gestionara eficazmente los derechos de autor para diversos proyectos de publicidad y televisión de Nueva York , lo que le introdujo en el ámbito de la supervisión musical. Gabe se unió a Clearsongs en 2005, trasladándose a Los Ángeles, donde actualmente dirige las oficinas locales de Clearsongs, trabajando recientemente en varias premiadas películas y proyectos de televisión.

BENJAMIN MILLEPIED (David/Coreografía) debuta como actor en CISNE NEGRO. Nacido en Bordeaux, Francia, Millepied empezó a formarse como bailarín a los ocho años de edad con su madre, una antigua bailarina de danza moderna. Millepied entró en el Conservatorio Nacional de Lyon, Francia, a los 13 años, donde estudió ballet con Michel Rahn hasta cumplir los dieciséis.
En el verano de 1992, Millepied se trasladó a Nueva York par estudiar en la School of American Ballet, la escuela oficial del New York City Ballet, regresando en el otoño de 1993 gracias a una beca del ministro francés (Bourse Lavoisier) para estudiar a tiempo completo. Millepied bailó un papel protagonista en el estreno mundial de 2 & 3 Part Inventions, ballet creado por Jerome Robbin a partir de música de Bach, que se representó en el Spring Workshop de la School of American Ballet en 1994.
En 1994 Millepied recibió el Prix de Lausanne y en 1995 ganó el Premio Mae L. Wien al bailarín más prometedor, y ese mismo año fue invitado a formar parte del cuerpo de baile del New York City Ballet. Millepied se convirtió en primer bailarín en la primavera de 2001. En 2004 y 2005, Millepied dirigió el taller de danza del Morriss Center en Bridgehampton, Nueva York. Al año siguiente, fue coreógrafo residente del Baryshnikov Arts Center, Nueva York. En 2007, Millepied recibió una beca de la organización United States Artists Wynn y, en 2010, fue nombrado Chevalier de la Orden de las Artes y Las Letras por el ministro de Cultura de Francia.
Millepied ha sido primer bailarín de los siguientes ballets: Agon, Ballo Della Regina, Coppélia, Divertimento from Le Baiser De La Fée, The Nutcracker, Harlequinade, Rubies, A Midsummer Night’s Dream, Raymond Variations, La Source, Stars and Stripes, Symphony in C, Tarantella, Tschaikovsky Pas De Deux, Theme and Variations, Valse-Fantasie; Jerome Robbins’ 2 & 3 Part Inventions, Dances at a Gathering, Fancy Free, A Suite of Dances, In The Night, The Four Seasons, Dybbuk, Interplay, Piano Pieces y West Side Story Suite, de George Balanchine; Double Feature, de Susan Stroman, Carousel (A Dance) y Mercurial Manoeuvres, de Christopher Wheeldon; Swan Lake y Sleeping Beauty, de Peter Martins. Adicionalmente, Millepied protagonizó muchas nuevas coreografías, tales como Brandenburg, Les Noces (reestreno) y Dybbuk (reestreno), de Jerome Robbins, Hallelujah Junction, de Peter Martins; La Stravaganza, de Angelin Preljocaj; Vespro e In Vento, de Mauro Bigonzetti, y Concerto DSCH, de Alexei Ratmanski.
En 1999 y 2002, Millepied bailó con el New York City Ballet en la emisión nacional para televisión de Live From Lincoln Center. En 2002, Millepied empezó a representar sus propias coreografías bajo el nombre de Danses Concertantes. Desde entonces, Danses Concertantes ha actuado en más de 100 ocasiones en países como Francia, Inglaterra y Estados Unidos.
Además de su fama como bailarín, Millepied también está muy considerado como coreógrafo. Entre sus trabajos coreográficos destacan Passages, para el Conservatorio Nacional de Lyon (2001); Triple Duet, para Danses Concertantes, representado en el teatro Sadler’s Wells, Londres (2002); Circular Motion, también para Danses Concertantes, estrenado en Londres (2004); Chaconne, una película de baile que codirigió el realizador Olivier Simola (2003); On The Other Side, para Danses Concertantes, ejecutado en la Maison de la Danse, Lyon (2004); Double Aria, ejecutada por el New York City Ballet, con música original de Ott (2005); 28 Variations on a Theme By Paganini, para la School of American Ballet (2005); el original y extenso ballet Casse-Noisette, para el Grand Théâtre de Ginebra, con diseño de decorado y vestuario del artista Paul Cox (2005); Closer, formando parte de las representaciones de temporada de la Compañía de Benjamin Millepied en el Joyce Theater de Nueva York, con acompañamiento en directo del músico Philip Glass (2006); Capriccio, para la American Ballet Theatre’s Studio Company (2006); Years Later, un solo para Mikhail Baryshnikov, en colaboración con Olivier Simola (2006); Amoveo, para el Ballet de la Ópera de París, con diseño de decorado de Paul Cox y vestuario de Marc Jacobs (2006); From Here On Out, para el American Ballet Theatre, con música original de Nico Muhly (2007); Petrouchka, para el Ballet de Ginebra, con diseño de decorado y vestuario de Paul Cox (2007); Triade, para el Ballet de la Ópera de París, con músical original de Nico Muhly (2008); 3 Movements, para el Pacific Northwest Ballet ( 2008); Without, para Danses Concertantes (20080); Quasi una fantasia, para el New York City Ballet (2009); Everything Doesn’t Happen at Once, para el American Ballet Theatre (2009), y Sarabande, para Danses Concertantes, estrenado en Lyon (2009).

DAN SCHRECKER (Supervisión de Efectos Visuales) dirige las operaciones correspondientes a la Costa Este de la compañía LOOK Effects en Nueva York. Schrecker advirtió el talento de LOOK en la realización de efectos visuales cuando, como supervisor de efectos visuales independiente, contrató a esta compañía para crear los efectos de la película FRIDA. Su exitosa colaboración condujo a una serie de proyectos en común, tales como EXPOSADOS, PRECIOUS (basada en la novela ‘Push’, de Sapphire), LA FUENTE DE LA VIDA, LOS PRODUCTORES, EL LUCHADOR, RÉQUIEM POR UN SUEÑO y la serie de ABC “Life on Mars”, que Schrecker supervisó en los escenarios naturales de Nueva York.
Tras graduarse por las universidades de Harvard y Nueva York en Telecomunicaciones Interactivas, Schrecker empezó a trabajar en la supervisión y creación de efectos visuales, diseños gráficos estáticos y animados, sumando a su experiencia en formatos multimedia e interactivos el conocimiento de la animación tradicional con plastelina y acetatos. La Sociedad Americana de Efectos Visuales le nominó por FRIDA (mejores efectos visuales secundarios en película, 2002) y por LA FUENTE DE LA VIDA (mejores efectos visuales de película basada en efectos visuales, 2006).

1 comentario:

David C. dijo...

Excelente película junto con "La Red Social" de aquel año 2010. Éxitos en el concurso 20blogs.

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