jueves, 3 de febrero de 2011

Notas de producción de la película 127 HORAS de DANNY BOYLE

127 HORAS es la nueva película dirigida por Danny Boyle, ganador del Oscar a la mejor película por SLUMDOG MILLIONAIRE en 2008. 127 HORAS está basada en hechos reales y cuenta la extraordinaria aventura del alpinista Aron Ralston (James Franco), que logró sobrevivir tras golpearse contra las rocas, herirse un brazo y quedar atrapado en el interior de una aislada grieta de un cañón en Utah. A lo largo de la jornada, Ralston recuerda a sus amigos, amantes (Clémence Poésy), familia y a las dos excursionistas (Amber Tamblyn y Kate Mara) que conoció antes de sufrir el accidente. Durante los cinco días siguientes, Ralston lucha contra los elementos y contra sus propios demonios para descubrir, al final, que cuenta con el valor y los medios suficientes para conseguir salir de allí como sea, descendiendo por una pared de 20 metros y ascendiendo 13 kilómetros antes de ser rescatado definitivamente. Con una estructura narrativa muy dinámica, 127 HORAS es una historia visceral y emocionante que sumergirá al espectador en una aventura que nunca ha experimentado, y demostrará lo que podemos llegar a hacer cuando elegimos la vida.

Fox Searchlight Pictures y Pathé presentan, en asociación con Everest Entertainment, una producción de Cloud Eight / Decibel Films / Darlow Smithson. 127 HORAS está dirigida por Danny Boyle, a partir de un guión de Danny Boyle y Simon Beaufoy (SLUMDOG MILLIONAIRE) basado en el libro Between a Rock and a Hard Place, de Aron Ralston. La película está producida por by Christian Colson, Danny Boyle y John Smithson y los productores ejecutivos son Bernard Bellew, John J. Kelly, François Ivernel, Cameron McCracken, Lisa Maria Falcone y Tessa Ross. El reparto, encabezado por James Franco, incluye a Amber Tamblyn, Kate Mara, Clémence Poésy, Kate Burton y Lizzy Caplan. Utilizando ingeniosas técnicas visuales para recrear las múltiples y variadas experiencias del protagonista, el equipo de producción está formado por dos directores de fotografía principal, Anthony Dod Mantle, B.S.C., D.F.F. (SLUMDOG MILLIONAIRE) y Enrique Chediak (28 SEMANAS DESPUÉS), la diseñadora de producción y vestuario Suttirat Larlarb (SLUMDOG MILLIONAIRE), el montador Jon Harris (KICK-ASS: LISTO PARA MACHACAR) y el compositor de la música A.R. Rahman (SLUMDOG MILLIONAIRE).

Un viernes por la noche del mes de abril de 2003, el joven de 26 años Aron Ralston condujo hasta Utah para pasar el fin de semana escalando en el remoto y extraordinariamente hermoso Parque Nacional Canyonlands de Utah.

Seis días más tarde, Ralston emergería contando la historia de supervivencia más sorprendente ocurrida en una actividad al aire libre, así como un inolvidable relato de resistencia del ser humano enfrentado a la adversidad.

Muchos de los que escucharon la historia de cómo Ralston sobrevivió 127 angustiosas horas en medio de la naturaleza salvaje, con una mano inmovilizada por el desprendimiento de una roca, imposible de mover, con poca comida y tan sólo unas pocas gotas de agua, logrando escapar gracias únicamente a un acto de increíble valentía, se preguntaron:

¿Qué experimentó Ralston realmente en un momento tan decisivo y extremo?
¿Cómo pudo encontró la voluntad de resistir en una situación tan desesperada?
¿Sería yo capaz de hacer lo mismo que él para sobrevivir?

Éstas son las preguntas que también se hizo el equipo compuesto por Danny Boyle, el productor Christian Colson y el guionista Simon Beaufoy, cuya última colaboración fue en el filme SLUMDOG MILLIONAIRE, la exuberante historia de amor que transcurre en los barrios más míseros de la India que se convirtió en fenómeno mundial, logrando el Oscar a la mejor película. Pero Boyle también vio algo más en la inspiradora historia de Ralston. Vio la oportunidad de crear una innovadora experiencia cinematográfica en primera persona, una experiencia que podría sumergir al público en cada intenso y emocionante segundo, en cada fantasía, sueño, recuerdo, remordimiento e intuición, cuando Ralston pasa de la desesperación al poderosamente emotivo y nuevo compromiso con la vida que le lleva a poder hacer lo que parecía imposible.

Desde el momento en que empezó a leer el biográfico superventas de Aron Ralston, Between a Rock and a Hard Place, Boyle supo exactamente qué tipo de película quería hacer a partir de esa historia real, una película que utilizara una cámara enormemente subjetiva que profundizara en el personal viaje del protagonista, metiéndose en la piel y en la cabeza de Aron durante las más extremas circunstancias a vida o muerte, de una forma que ningún otro medio podría conseguir.

“Sabía que quería llevar al público hasta el cañón con Aron y no dejarle marchar hasta que el propio Aron pudiera hacerlo”, explica el director. “Por supuesto, yo veía la historia como un extraordinario testimonio de supervivencia en la naturaleza, pero también creo que hay otro indiscutible fondo en la historia que va a sorprender la gente. La película no trata simplemente de cómo Aron sobrevivió, con lo increíble que eso ya es de por sí. Trata de la fuerza vital que Aron consiguió hacer emerger y que le abrió el camino mucho más que su extraordinario valor personal, y eso es lo que queríamos transmitir en pantalla. Eso es algo que nos une a todos los humanos, y cuando Aron, que parece estar completamente solo en el cañón, se aferra a la idea de comunidad, entonces algo muy poderoso sucede”.
Boyle prosigue: “La gente a menudo dice sobre esta historia, ‘Oh, yo no sé si podría haber hecho eso’. Pero yo creo que todos habríamos hecho cualquier cosa por esta vida tan hermosa y por seguir viviendo. Lo que pienso que Aron experimentó en ese cañón durante esos seis días fue que inesperadamente comprendió el verdadero valor de la vida. Una de las ideas de la película es que Aron en realidad nunca estaba solo en el cañón. Físicamente sí lo estaba, pero le rodeaban espiritualmente todas las personas que alguna vez había conocido, amado o soñado. Eso fue lo realmente diferente, y nosotros queríamos conseguir ese sentimiento al contar la historia”.

Boyle era totalmente consciente de que estaba a punto de intentar algo que, en principio, parecía absolutamente imposible: “¡Íbamos a hacer una película de acción en la que el héroe no se podía mover!”.

¿Cómo puede sostenerse la acción cuando el protagonista de la película sólo puede maniobrar en un área de tan sólo unos metros, y todo lo que hace, pasa en gran parte dentro de su propia cabeza?

“Yo pensé que podíamos hacer una película tan orgánica y tan implicada a nivel visual y emocional que la gente se perdería en la historia, exactamente igual que Aron se perdió en los cañones” responde Boyle.

El equipo sabía que sólo había un actor que pudiera transmitir la convicción y emoción necesarias para captar la atención del público. “James posee esa extraordinaria capacidad técnica”, señala Boyle: “y eso era lo que necesitábamos, porque 127 HORAS es casi una película de un solo actor. Pero James fue un nivel más allá, superando cada uno de los retos, físicos y emocionales, que le lanzamos. James estuvo maravilloso en el papel. Se metió tanto en el personaje que James Franco se convirtió, en cierto modo, en Aron Ralston”.

Lo que resultaba aún más interesante para Boyle y Beaufoy era que se trataba de un proyecto totalmente distinto a su anterior experiencia en SLUMDOG MILLIONAIRE. En un vertiginoso giro de 180 grados, pasaron de rodar en la “ciudad máxima” de Mumbai a rodar en un claustrofóbico cañón en medio de ningún sitio, que apenas era lo suficientemente grande como para que cupiera apenas un hombre.

“Fue algo extraordinario pasar de las multitudes de Mumbai, donde estás rodeado de mil millones de personas, al extremo contrario de un hombre completamente solo”, dice Boyle. “Supuso un maravilloso contraste y un increíble desafío. Las dos películas no podían ser más diferentes y, sin embargo, de alguna manera, ambas hablan sobre vencer contra todo pronóstico”.

127 HORAS recupera la brillante tradición de películas que retratan al hombre situado al límite en su lucha contra la naturaleza, tales como LA LLAMADA DE LO SALVAJE o TOCANDO EL VACÍO, pero 127 HORAS rompe el molde al apelar a la celebración de la vida más que al triunfo individual.

“Mientras estaba atrapado, Aron no podía tener ningún contacto humano, pero eso le llevó a ser consciente de lo importante que eran para él la gente y los seres queridos que había dejado atrás. Eso le produjo un estímulo tan profundo de conexión con la vida que le animó a seguir adelante. De eso es de lo que trata la película. Definitivamente no es la historia que le pasó a un hombre, como pudiera parecer en una primera lectura”, afirma Boyle.

También eso constituyó el principal atractivo de la historia para Everest Entertainment, que contribuyó al esfuerzo financiero. “Estoy realmente encantada de que Everest colabore en llevar a la gran pantalla una historia tan positiva”, dijo Lisa Maria Falcone. “Buscamos constantemente proyectos inolvidables y apasionados con los que el público se identifique, y 127 HORAS es un excelente ejemplo”.

CONOCIENDO A ARON RALSTON

Tan pronto como Danny Boyle conoció la historia de Aron Ralston, envió a su socio de producción Christian Colson, que había producido SLUMDOG MILLIONAIRE, una copia del libro de Ralston. Colson confiesa que no estaba convencido en un primer momento.

“Terminé el libro y pensé: bueno, esto una historia increíble pero de aquí no se puede sacar una película, y eso es lo que le dije a Danny”, recuerda Colson.

“Entonces Danny me envió una especie de borrador que había escrito de tan sólo seis páginas, pero donde explicaba al detalle su idea general para contar la historia, llena de extraordinarios intercalados e ideas visuales. Tan pronto como lo leí, cambié de opinión totalmente y le dije ‘Venga, vamos a hacerlo’. Suponía un enorme desafío narrativo, pero Danny había encontrado la forma de hacer que la historia fuera realmente apasionante y de mantener una constante emoción, ofreciendo al público una experiencia en primera persona”.

Los derechos de la historia de Ralston pertenecían en aquel momento a John Smithson, un importante productor de documentales. Colson se reunió con Smithson en Londres y llegaron al acuerdo de desarrollar íntegramente una película dramática basada en el borrador escrito por Boyle, y donde Smithson se confirmaba como productor.

Boyle empezó a trabajar de inmediato en el guión definitivo, llegando a realizar hasta dos borradores antes de que Colson y él mismo decidieran contactar a Simon Beaufoy, con quien habían trabajado en SLUMDOG, para pedirle que se uniera al equipo como coguionista.

El primer cometido de Boyle fue conocer realmente mejor a Aron Ralston, y dicho proceso empezó donde la vida de Aron como previamente la conocía había llegado esencialmente a su fin: el cañón Blue John, en Utah. Boyle y Colson emprendieron un primer viaje junto a Ralston en julio de 2009, escalando y ascendiendo entre las hendiduras de los cañones que estarán ligados para siempre al corazón de Aron. Hacer esto resultaba vital para Ralston porque quería, antes de seguir adelante, que el equipo de realización se sintiera muy familiarizado con el abrupto y escarpado paisaje que todavía hoy para él representa el mundo.

Al principio, Ralston no tenía mucha confianza en la visión, ligeramente más imaginativa, de la historia que pretendía contar Boyle. “Fue algo emocionalmente difícil para mí, porque aunque era consciente de que estábamos haciendo una película, me resistía a apartarme de los hechos propiamente dichos”, admite Ralston.

Pero, al final, la idea de alcanzar una verdad más absoluta a través de un estilo narrativo visceral y apasionante empezó a entusiasmar a Ralston, y entonces invitó a los realizadores a profundizar abiertamente en sus recuerdos más personales y en sus más íntimos sentimientos. Ralston afirma: “Yo viví esta historia y siempre será una parte muy importante de mí, pero comprendí que hacer una película que lograra que los espectadores sintieran como si fuera también su propia experiencia, requería ser contada por unos expertos narradores”.

Ralston también mantuvo una relación muy estrecha con el guionista Simon Beaufoy, con quien llego a escalar las altas montañas de Colorado. “Mientras ascendíamos charlábamos sobre mi experiencia como escalador”, recuerda Ralston. “El propio Simon es un gran amante de la naturaleza, por tanto, manteníamos unas conversaciones muy interesantes, y yo pienso que logró entender algunos aspectos de la historia que son realmente importantes”.

Sin omitir nada en absoluto, Ralston compartió también con los realizadores los “mensajes” profundamente personales que grabó en vídeo mientras estuvo atrapado en el cañón, con el deseo de transmitir sus sentimientos a su familia y amigos en caso de que llegara a fallecer allí.

“Ese material fue extraordinariamente útil para nosotros, y también para James Franco”, dice Boyle.

A Ralston también le entusiasmó colaborar con el director. “Trabajar con Danny fue una experiencia estupenda”, afirma Ralston. “Es muy intuitivo y creativo, y además se mostró muy sensible en cuanto a lo que hay de personal en la historia. Antes incluso de conocernos, Danny ya había llevado a cabo una ingente labor de investigación preliminar. Y yo le agradezco mucho que haya sido tan receptivo. Danny me incluía en todas las reuniones, ya fuera para rescribir el guión o para conversar con los actores, en un grado mayor del que me esperaba”.

Ralston proporcionó a los realizadores una gran cantidad de información que les permitió recrear muchos de los increíbles detalles físicos de su lucha por la supervivencia, desde cómo dispuso las cuerdas para poder dormir hasta cómo le salvó su propia orina de morir de sed. “Queríamos reflejar escrupulosamente la realidad del confinamiento de Aron”, señala el productor Colson. “Por tanto, recreamos fielmente lo que Aron llevaba en la mochila, la cantidad exacta de agua que tenía, cómo era la hoja de su cuchillo, todos los pequeños detalles que formaron parte de su estrategia de supervivencia. Pensamos que no podíamos, ni debíamos, alterar esos elementos”.

No obstante, aunque ya conocían mucho mejor a Aron, Boyle pensaba que era esencial sentirse conectado a nivel personal con el material narrativo. “Aron ha contado la historia muchas veces a su manera, pero yo sabía que para hacer la película tendría que pinchar ese globo y meterme dentro de su relato para contar mi propia versión”, comenta Boyle. “Lo que resultó extraordinario es que Aron realmente nos dejó hacer eso: es la historia de Aron, pero contada desde fuera...”.

Boyle se sintió especialmente atraído por un hilo argumental subyacente en la historia de Ralston; la de un hombre hasta entonces no muy sociable, individualista hasta el punto de no ser consciente del poder que tiene la relación con la gente. “Aron era un espécimen perfecto –autosuficiente, independiente, atlético, ingenioso– pero no era el hombre perfecto”, afirma Boyle. Lo que más conmovió a Boyle fue que cuando Ralston estuvo realmente solo frente a la muerte, únicamente podía pensar en las personas de su vida –pasada, presente y futura– y en cuánto le importaban, tanto que eso le hacía desear vivir un día más.

“Aron se veía a sí mismo como un solitario, sin embargo, lo que le hizo volver a la vida fue la manada, el rebaño, la comunidad. En mi opinión, ésa es la idea principal de la película. ‘Necesito ayuda’, dice Aron cuando por fin se encuentra con sus rescatadores, casi terminando el filme. Sí, la necesita. Todos la necesitamos. Por eso vivimos en grupo”, afirma Boyle.

También eso fue el principal atractivo de la historia para Everest Entertainment, que contribuyó al esfuerzo financiero. “Estoy realmente encantada de que Everest colabore en llevar a la gran pantalla una historia tan positiva”, dijo Lisa Maria Falcone. “Buscamos constantemente proyectos memorables y apasionados con los que el público se identifique, y 127 HORAS es un excelente ejemplo”.

Más tarde, observar a Boyle en el set de rodaje le hizo comprender a Ralston que Boyle verdaderamente estaba haciendo suya la historia, dicho en el mejor sentido. “Boyle está moviéndose constantemente. Cuando lo vi, me sentí hasta mareado. Dije, caramba, ¡se involucra muchísimo en esto!”.

El tipo de enfoque que Boyle proponía para la película era la única manera que Ralston podía imaginar para reflejar esos seis días en la gran pantalla. “Yo me encontraba solo, pero intentaba conectar de nuevo con mis seres queridos a través de recuerdos, fantasías e incluso experiencias extracorpóreas. Experimenté casi un viaje alucinógeno mientras me iba deshidratando, privando de dormir y desesperando aún más. Precisamente todas estas cosas me fueron quitando las capas mentales que tenía hasta que sólo me quedó la conexión emocional”, dice Ralston. “Danny era ciertamente capaz de mostrar en la película todo lo que experimenté”.

Para Ralston fue algo cruel y surrealista contemplar la experiencia más profunda de su vida recreada por James Franco y el resto del equipo, estando presente en el set de rodaje mientras el actor revivía todo lo que él había visto y sentido en esos seis días. “Fue como si en el año 2010 pudiera volver atrás, hasta 2003, y verme a mí mismo escapando del cañón”, dice Ralston.

La película trajo a Ralston de vuelta a Blue John Canyon en una fecha especialmente trascendente: el séptimo aniversario de caer atrapado. “Estar allí precisamente en el aniversario fue, evidentemente, algo muy especial para Aron, y yo creo que ese grado de autenticidad aportó un valor añadido a la textura de la película”, afirma Colson.

A Ralston la experiencia casi le dejó sin palabras y, callada e íntimamente, se tomó un momento para agradecer la roca, el cañón, todas las maravillas de la vida que había disfrutado desde aquel inesperado día que le transformó. “Fue algo muy personal”, afirma. “Parecía evidente que iba a morir en aquel sitio, pero cuando salí de allí, volví a nacer. Una vida terminó y otra empezó. Para mí fue muy especial el rodaje en Blue John Canyon justo en ese momento, precisamente en la semana que conmemoraba mi renacimiento. Me recordaba que un final puede ser también un principio”.

El día que Ralston consiguió liberarse fue verdaderamente un nuevo comienzo. En una de las escenas más potentes de la película, basada en la realidad, Aron alucina imaginando un incierto futuro: un niño que podría ser el hijo que todavía no tenía. Durante la producción, esa profecía ya estaba superada pues el primer hijo de Ralston ya había nacido.

Actualmente con familia propia, Ralston dice que cree que todo en su vida le condujo hasta ese singular y decisivo momento. “Siempre sentí una atracción especial por experimentar el límite entre la vida y la muerte, y aquello representó el punto culminante”, afirma. “En cierto modo, yo pienso que estaba destinado a extralimitarme en algún lugar, ya fuera una montaña, un río o un cañón. Al mismo tiempo, lo bueno fue que lo que había hecho en mi vida, la gente que había conocido, todo en ese momento se convirtió en un recurso, algo de lo que podía aprovecharme para conseguir sobrevivir y, después, renacer”.

Ralston siempre se sentirá sobrecogido por la experiencia y por cómo eso lo cambió todo. Ralston afirma:e “Marcó un punto de inflexión. Mi vida se divide en un antes y un después de ese día en Blue John Canyon. Ha supuesto una de las mayores bendiciones que yo pueda recibir jamás”.

JAMES FRANCO ACCEDE AL CAÑÓN

Desde el principio, Danny Boyle supo que necesitaba un actor protagonista con unas dotes extraordinarias, no sólo de interpretación sino también con la capacidad física que requería el personaje de Aron. Ese actor no sólo debía ser capaz de sostener su actuación en la mayor parte de los fotogramas de la película enclaustrado en un espacio agobiante físicamente, bajo unas circunstancias mentalmente perturbadoras, sino que también tenía que transmitir a la cámara sus emociones más profundas y primarias. Despojado de todo, incluso de la capacidad de movimiento, Aron permaneció completamente solo ante la cruda visión de quién era y en quién quería convertirse.

Por ese motivo, Boyle quería a alguien que comprendiera personalmente al individuo Aron, alguien apasionado por la naturaleza y con tendencia al riesgo pero también a la autorreflexión. Todas estas cualidades, junto con el talento actoral requerido, parecían combinarse perfectamente en James Franco, que rápidamente se ha convertido en uno de los actores más interesantes de su generación. Entre los diversos trabajos de Franco están la película SUPERFUMADOS; el emblemático James Dean del célebre biopic de televisión; el amante de Harvey Milk, interpretado por Sean Penn, en la galardonada MILK, y, más recientemente, el legendario inconformista norteamericano Allen Ginsberg en HOWL. Como audaz y consciente hombre del Renacimiento, Franco se ha graduado también recientemente en Bellas Artes por la Universidad de Columbia y está preparando actualmente su doctorado en Filosofía por Yale.

La elección entusiasmó al propio Ralston. “Me alegró mucho saber que alguien con esa capacidad dramática fuera a hacerlo. Como ya le había visto en otras películas, sabía que a James le gusta meterse de verdad en los personajes que interpreta”, dice Ralston. “Me emocionaba mucho conocerlo. Vimos juntos el vídeo que yo había filmado, mi testamento y mi última voluntad, que pensé que iba a ser la forma de despedirme de mi familia y amigos. También reproduje para James algunos detalles, como las posiciones corporales que adopté mientras permanecía allí tanto tiempo, e incluso le mostré cómo cogí el cuchillo exactamente cuando me hice el corte en el brazo”.

Ralston continúa: “Fue muy divertido ver cómo James me observaba, porque me daba cuenta de cómo su cabeza empezaba a trabajar e iba tomando notas mentalmente. No obstante, creo que al final fue la sutil interpretación de James lo que produjo auténtica magia”.

A Franco le interesó mucho el papel desde la primera vez que oyó hablar del proyecto, pues no se parecía en nada a lo que había hecho anteriormente. “Una de las razones para querer hacer este personaje era que está construido a base de muchos pequeños momentos privados, esos momentos que todos tenemos cuando estamos absolutamente solos”, afirma el actor. “Pensé que era una parte de mí que comprendía muy bien y que podía aprovechar. La historia trata básicamente de un hombre que se enfrenta a su propia muerte y reflexiona sobre cómo volver a la vida; es una situación muy humana que no creo que se haya explorado mucho en otras películas antes. También pensé que era una extraordinaria oportunidad para contar una historia a través de breves acciones físicas y de los personales soliloquios que Aron mantiene cuando habla a su cámara de vídeo. Era muy distinto a la mayoría de los personajes que he interpretado”.

Franco continúa: “También era excepcional porque realmente no tenía que interactuar con otros actores en la mayor parte de la película. Me gusta trabajar con otros actores, pero esto era algo totalmente inusual y suponía todo un reto. El foco de atención era totalmente diferente. Fue como si tuviera que aprender a actuar con lo que había a mi alrededor, con las rocas, con el cañón, con la cámara”.

Aunque Franco pasó tiempo con Ralston para conocerle mejor y ambos hicieron muchas escaladas juntos para observar a Aron en su elemento, ni el actor ni Boyle querían reflejar en pantalla las características físicas de Ralston. “La visión que tenía Danny de la película trataba sobre todo de profundizar en esa increíble situación en la que Aron se encontró”, explica Franco. “Por tanto, no queríamos imitar a una persona real, sino más bien intentar sentir de verdad esa experiencia humana”.

Franco pudo comprobar en sí mismo la visión de Boyle cuando la llevó a cabo manteniendo al actor, a veces hasta un grado alarmante, dentro de un espacio sumamente estrecho, incómodo y casi desquiciante durante casi todo el rodaje.

Franco estaba tan comprimido en el interior del decorado réplica del cañón que al finalizar el rodaje estaba lleno de magulladuras, sarpullidos y marcas. “Fue un rodaje agotador desde el punto de vista físico”, admite el actor. “Pero eran unas circunstancias muy interesantes de recrear y Danny es un director sorprendente. Es una persona muy vital y apasionada, pero siempre obtiene lo que quiere”.

Hablar directamente a una cámara de video en vez de mantener los habituales diálogos cinematográficos fue algo que Franco también tuvo que asimilar. “Parecía casi un antiguo monólogo de Shakespeare, donde te diriges al público directamente”, señala el actor. “Era algo inusual en una película”.

Fue la manera poco convencional de enfocar la película de Boyle lo que estimuló a Franco a continuar incluso cuando las exigencias de producción le mantenían agónicamente inmóvil y tiritando dentro de un gélido cañón, día y noche.

“Lo que me gustó fue que Danny dio un enfoque muy distinto al de cualquier otro realizador a la hora de realizar una película cuya acción transcurre en medio de la naturaleza. En vez de utilizar el tempo lento intrínseco al medio natural, Danny aportó un ambiente y un sentido del ritmo asombrosamente urbano”, resume Franco.
Para meterse aún más en el papel, Franco se entrenó en un gimnasio de escalada y perdió peso hasta lograr un físico estilizado y propio de un amante de la naturaleza como Ralston. Leyó algunos libros sobre grandes escaladores y aventureros de la montaña, y también se preguntó internamente si realmente habría sido capaz de hacer lo que hizo Aron para sobrevivir. “Pensé en lo drástico de sus circunstancias, se trataba de la vida o la muerte”, dice Franco. “A mí la sangre me impresiona mucho, incluso cuando voy al médico, pero, evidentemente, en esa situación tendría que superarlo. Me gusta pensar que habría intentado algo y que no me habría quedado allí simplemente esperando”.

Franco prosigue: “Este personaje se enfrenta verdaderamente a la muerte y, hasta cierto punto, Aron tenía que aceptar que podía morir para asumir el riesgo de intentar su liberación. Y en mi opinión, de eso es de lo que trata la película en buena medida, al observar cómo una persona se enfrenta a la soledad, al miedo y al dolor, y cómo todo eso le va llevando directamente a la esencia de la vida”.

Los realizadores comprobaron cómo Franco iba profundizando cada vez más en su abismo personal y luego dejaba salir la otra faceta. “Creo que el trabajo de James en esta película es tan importante como el de Danny. Es como una especie de dueto”, comenta Christian Colson. “Franco se metió totalmente en el personaje y su interpretación es absolutamente excepcional y sorprendente”.

A pesar de que la película se centra especialmente en James Franco en su interpretación de Aron Ralston, encontrar un reparto consistente para interpretar los papeles secundarios resultaba igualmente fundamental para los realizadores.
“Cuando sólo cuentas con unos pocos personajes secundarios, el interés por ellos es mayor emocionalmente, y de eso éramos muy conscientes”, dice Colson. “Me gusta especialmente que Amber Tamblyn y Kate Mara, interpretando a las dos chicas que Aron se encuentra al principio de su aventura, tengan una actuación tan divertida y luminosa. Incluso aunque parezca que el momento que comparten con Aron es muy breve, retrospectivamente adquieren una importancia inmensa porque representan el último recuerdo de auténtico contacto e intercambio con otro ser humano y en un sentimiento absolutamente vivo”.

Aun cuando Kate Mara y Amber Tamblyn simbolizan algo así como la festiva y distendida calma antes de que estalle la tormenta, Tamblyn señala que el rodaje de la película fue “físicamente una locura, escalando, corriendo y sudando continuamente”. Pero también dice: “Ha sido el logro de mi vida, conseguir trabajar con un maestro de la dirección en un lugar tan espectacular del país como éste. Kate y yo teníamos que crear una atmósfera agradable, divertida y despreocupada al principio del filme, algo que pareciera totalmente natural pero que también fuera tan inolvidable que después se convirtiera en algo realmente importante para Aron. Y eso resultaba muy interesante”.

Treat Williams y Kate Burton interpretan a los padres de Aron y su hermana es interpretada por Lizzy Caplan. Para encarnar a la novia de Aron –la chica a la que él lamenta no haberse confiado mientras lucha por su vida en el cañón–, los realizadores eligieron a la fulgurante actriz francesa Clémence Poésy, más conocida por interpretar a Fleur Delacour en la saga cinematográfica HARRY POTTER.
“Las escenas con la familia y los amigos de Aron salieron muy bellas”, dice Colson. “Poseen un aire melancólico que verdaderamente te hace sentir la necesidad que tiene Aron de volver al mundo y a las personas que ama”.

ENFOQUE E IDEAS VISUALES AUDACES

La poco habitual naturaleza del rodaje de 127 HORAS implicó que Danny Boyle y su equipo tuvieran que transgredir incluso los parámetros más creativos de la realización cinematográfica. Para Boyle, todo giraba en torno a una simple palabra: dinamismo. Su fuerza motriz consistía en mantener la pantalla, en cada segundo, repleta constantemente de emoción y movimiento, sin que aparentemente importaran los pequeños cambios que Aron iba sufriendo durante los días y noches que duraba su aventura.

Al principio de la película, Boyle imprimió el tono de velocidad y de altas dosis de adrenalina siguiendo al personaje de Aron mientras jugaba con la naturaleza de forma osada y excesiva, como habitualmente solía hacer. Aron vuela montado en su bicicleta de montaña a través del fascinante desierto, sube por rocas de color rojizo y dorado junto a dos chicas que ha conocido escalando, y se sumerge despreocupadamente en unas aguas claras y azules. Después el mundo se detiene para Aron y todo el movimiento sucede ya dentro de su cabeza.

Cuando, mientras Aron está atrapado, una serie de sucesos ocurren inesperadamente, incluyendo una tempestuosa tormenta que lo inunda todo, la perspectiva de Aron queda de repente reducida exclusivamente a lo que puede observar desde el interior del cañón: un trozo de cielo, pequeños rayos de sol, un cuervo misterioso, las lesiones de su propio cuerpo..., y su mente lo va observando todo.

Para Boyle, el hecho de reflejar un dinamismo constante una vez que el protagonista queda atrapado constituía toda una prueba de su propia imaginación. Boyle pensó que la solución podía residir en combinar creativamente distintas técnicas de cámara, incluyendo planos intercalados, trípticos y distintos tipos de negativos, ideas que en gran parte ya había apuntado directamente en el guión. Pero para garantizarse una aportación a nivel visual realmente significativa, el director hizo algo sin precedentes. Decidió contratar a dos destacados directores de fotografía para que filmaran la película al alimón.

“Decidimos utilizar dos directores de fotografía –Anthony Dod Mantle, que filmó SLUMDOG MILLIONAIRE, y Enrique Chediak, que filmó 28 SEMANAS DESPUÉS– porque necesitábamos múltiples puntos de vista y porque la cámara, en cierto sentido, compensa el hecho de que haya muy pocos personajes en la película”, explica Boyle.
Boyle prosigue, “Las personalidades de Anthony y Enrique son en sí mismas muy interesantes, y su estilo es completamente diferente. Enrique posee una sensibilidad muy sudamericana y el estilo de Anthony es más del Norte de Europa. Lo que hicimos fue proveer a cada uno con tres tipos de cámara –cámara tradicional, cámara digital y cámara fotográfica–, lo que nos permitió trabajar con un metraje enormemente diverso. Ambos filmaron imágenes hermosas e intensas, de modo que había la impresión de un cambio constante, la impresión de que Aron estaba inmerso en una gran aventura, incluso cuando se movía escasamente unos centímetros”.

El hecho de trabajar con dos unidades de fotografía principal conllevó un excepcional reto de logística, pero Colson dice que también supuso una oportunidad. “Resulta emocionante que no se haya llevado a cabo anteriormente. Danny desarrolló la idea al principio del proceso y todos tuvimos que ponernos rápidamente al día”, afirma Colson. “Descubrimos que las ventajas eran inmensas. Nos permitía reducir el calendario de rodaje y, al mismo tiempo, aprovecharnos de una mayor cantidad de energía creativa. La posibilidad de comprimir el tiempo de rodaje también implicaba mayor frescura en la interpretación de James. Todo el mundo sentía sus energías renovadas constantemente ya que con cada director de fotografía las formas de captar esa experiencia eran totalmente nuevas”.

Mantle y Chediak señalan que entre ellos nunca hubo un sentimiento competitivo sino más bien una sinergia mutua. “Ambos somos muy sensibles y vulnerables como artistas, pero también somos muy diferentes”, dice Mantle. “Nuestra visión es distinta, pero también tenemos mucho en común. Al principio, como no nos conocíamos, nos llevó un tiempo establecer un vínculo. Una vez que empezamos a filmar, trabajábamos de forma independiente, pero completamente pendientes de las imágenes que el otro rodaba”.

“Tanto mi forma de trabajar como la suya evolucionaron orgánicamente. Sin embargo, ambas percepciones encajaron perfectamente de forma natural porque nuestras sensibilidades son muy similares”, dice Chediak.

A ambos les entusiasmaba la idea de rodar de forma que la estrecha barrera entre pantalla y público se difuminara durante un par de horas.

“Trabajábamos a partir de multitud de matices–atmósfera, colores, movimientos de cámara– y de cualquier forma de expresión que a uno de los dos se nos pudiera ocurrir para recrear las fantasías y recuerdos de un hombre, así como su línea de pensamiento”, manifiesta Mantle. “Danny quería que sumergiéramos por completo al espectador tanto en el interior del cañón como en la mente de Aron, y que usáramos nuestras cámaras para transportar al público desde lo meramente físico a lo puramente mental y emocional. Realmente tuvimos que seguir nuestro instinto, dejar que la cámara formara parte de la psique de Aron. Teníamos que pensar más allá del encuadre y de la iluminación porque, en esta película, la técnica tenía un papel mucho más profundo”.

“Desarrollamos un lenguaje totalmente nuevo de cómo pueden interrelacionarse tres imágenes”, considera Mantle. “Fue un regalo tener la posibilidad de hacer algo como esto”.

Boyle añade: “Fue una manera muy interesante de captar la textura y la rutina de los días vividos por Aron sin que el público tuviera que experimentar realmente esas 127 horas. Asimismo, nos permitió reflejar simultáneamente lo que pasaba en realidad en el cañón y las reflexiones que hacía Aron al respecto”.

Colson resume: “Danny y los directores de fotografía concibieron un lenguaje visual propio para mantener el ritmo, la energía y la fluidez a lo largo de la película. Incluso los flashbacks resultan poco convencionales porque los recuerdos de Aron se insertan directamente dentro del cañón, tal y como a Aron le pareció que ocurría realmente”.

La visión del filme en su relación con el icónico paisaje del western también fue reformulada tanto por Boyle como por los dos directores de fotografía. “Estos paisajes han sido escenario de cientos de rodajes del género western, pero nosotros queríamos dotarles de un nuevo enfoque”, dice Mantle. “El paisaje no sólo es el fondo del decorado sino que también se constituye como paisaje emocional, rodado con abundante carga emocional. Es un paisaje hermoso pero despiadado”.

“Lo que hicimos en el cañón fue una recreación del estado psicológico de Aron, situando al cañón como telón de fondo”, dice Chediak. “Pero es el cañón –el destello de la cámara, la incomodidad, el sol, el calor, el polvo– lo que se ha incorporado para recrear el estado mental de una persona que posiblemente va a morir”.

Para todo el mundo era realmente importante rodar fragmentos del filme en el sitio exacto donde el destino de Aron cambió por completo: Blue John Canyon, un estrecho y abrupto conducto de arenisca, de complicado descenso, ubicado en el Parque Nacional Canyonlands.

Hoy conocido principalmente por aventureros escaladores, montañeros y especialistas en descenso de cañones, Blue John está tan lejos que un helicóptero tenía que transportar al reparto y al equipo técnico y de realización una y otra vez, pasando luego la noche en un campamento ubicado en plena naturaleza.

Además de rodar en el auténtico Blue John Canyon, la diseñadora de producción y de vestuario Suttirat Larlarb (SLUMDOG MILLIONAIRE) reconstruyó también en un plató el espacio de pocos centímetros de anchura donde Ralston quedó atrapado, lo que aportó mayor flexibilidad y seguridad a la hora de rodar durante un período prolongado. Para que el diseño fuera absolutamente fidedigno, el equipo delimitó cada uno de los contornos del terreno y construyó a escala las arqueadas paredes del cañón así como la roca de más de 360 kilos de peso que mantuvo prisionero a Aron.

Todos los elementos de la película, desde la dirección de fotografía, el diseño de producción, la extraordinariamente ecléctica banda sonora de A.R. Rahman (SLUMDOG MILLIONAIRE) y la personal interpretación de James Franco, contribuyen a anticipar el clímax de la sorprendente evasión de Aron. Lo que visualmente empieza siendo un momento inquietante se transforma en una exultante liberación cuando Aron asombrosamente escapa de lo que podía haber sido su tumba.

“La película despliega un extraordinario sentimiento de liberación y energía justo en ese momento”, afirma Colson. “Tras haber estado atrapado junto a Aron, en una trampa tan brutal y tan real, el sentimiento del espectador es extraordinario tanto por haber escapado de la muerte como por volver de nuevo al mundo. Creo que la película no sólo contiene grandes dosis de acción sino también mucha belleza”.

SOBRE EL REPARTO

La metamorfosis que JAMES FRANCO (Aron Ralston) experimentó interpretando el personaje homónimo del biopic de TNT “James Dean” le valió unas críticas de las que hacen historia, así como un Globo de Oro al mejor actor de telefilme. Asimismo, fue nominado al Emmy y al Premio del Sindicato de Actores por este memorable trabajo. Su actuación junto a Sean Penn en MILK, de Gus Van Sant, le proporcionó un Premio Independent Spirit al mejor actor de reparto, y fue nominado al Globo de Oro por su papel en la comedia SUPERFUMADOS, de David Gordon Green, donde actuaba junto a Seth Rogen. También es popular por su papel de Harry Osbourne en la trilogía de SPIDERMAN, dirigida por Sam Raimi.
Más recientemente, Franco ha aparecido en COME, REZA, AMA, de Ryan Murphy, junto a Julia Roberts, y ha formado parte del reparto de grandes estrellas de la comedia NOCHE LOCA, de Shawn Levy. Próximamente le veremos encarnando al célebre poeta Allen Ginsberg en HOWL, de Rob Epstein y Jeffrey Friedman. En el año 2011, Franco protagonizará junto a Danny McBride y Natalie Portman la comedia de David Gordon Green YOUR HIGHNESS, así como CAESAR: RISE OF THE APES, la entrega más flamante de la saga “El planeta de los simios’.
Otros títulos cinematográficos en su haber son NOCHES DE TORMENTA, de George C. Wolfe; EN EL VALLE DE ELAH, de Paul Haggis; el drama coral THE DEAD GIRL, de Karen Moncrieff; el drama AN AMERICAN CRIME, de Tommy O’Haver; EL GRAN RESCATE, de John Dahl; THE COMPANY, de Robert Altman; así como CONDENADO, junto a Robert DeNiro, y JÓVENES SALVAJES, producida por Martin Scorsese. En televisión, Franco protagonizó la aclamada serie FREAKS AND GEEKS
Franco ha escrito, dirigido y protagonizado los filmes GOOD TIME MAX y THE APE. El cortometraje HERBERT WHITE, del que es guionista y director, protagonizado por Michael Shannon, se ha estrenado en el Festival de Cine de Sundance en 2010. THE FEAST OF THE STEPHEN, también escrita y dirigida por Franco, se estrenó y obtuvo un Premio Teddy en el Festival de Cine de Berlín. Además, Franco dirigió SATURDAY NIGHT, un documental que narra la producción, durante una semana, de un episodio del programa “Saturday Night Live”, que se estrenó este año en el Festival SXSW y en febrero de 2001 lo hará en las salas de cine. La última película que ha escrito y dirigido, THE CLERKS TALE, se ha estrenado en mayo en Cannes. Franco tiene previsto dirigir dos películas durante el año próximo: una adaptación del libro de Charles Bukowski HAM ON RYE (‘La senda del perdedor’, en España) y una biografía del poeta Hart Crane titulada THE BROKEN TOWER.

AMBER TAMBLYN (Megan), experimentada y sensacional artista desde muy temprana edad, está consagrada por completo a expresar su talento artístico tanto mediante los polifacéticos personajes que interpreta en cine y televisión como a través de los íntimos y arriesgados lugares adonde transporta a sus lectores en su faceta de escritora.
Amber aparecerá este próximo otoño en la longeva y aclamada serie de Fox HOUSE. Interpretará a una brillante estudiante de medicina que el personaje interpretado por Hugh Laurie, el doctor Gregory House, recluta para que forme parte de su equipo de diagnóstico, a pesar de que no está del todo cualificada para tratar con pacientes. La séptima temporada de HOUSE se estrenó el pasado lunes 20 de septiembre.
En la gran pantalla, Amber se ha embarcado recientemente en la producción de MAIN STREET, dirigida por Horton Foote, en la que trabaja con Orlando Bloom.
Amber actuó recientemente en el remake que actualiza el clásico del cine negro de 1956 MÁS ALLÁ DE LA DUDA, junto a Michael Douglas. Anteriormente la pudimos ver en la comedia de Warner Bros. UNAS LOCAS VACACIONES, estrenada en el Festival de Cine de Sundance de 2009, junto a Parker Posey, Amy Poehler y Rachel Dratch. En el verano de 2008, Amber repitió su personaje de Tibby de la película UNO PARA TODAS (2005) en UNO PARA TODAS 2, de Warner Bros. Amber trabajó también en EL CASO DALEY, de Regent Films, por la que fue muy aclamada por la crítica y nominada al Premio Independent Spirit a la mejor actriz de reparto en 2007. Esta película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2006 (Premio Waldo Salt al mejor guión) con excelentes críticas. La película compitió después en el Festival Internacional de Cine de Locarno (Premio Leopardo de Oro a la mejor actriz para Amber) y en el Festival Internacional de Cine de Milán (premio a la mejor dirección), ambos en 2006. La película, escrita y dirigida por Hilary Brougher, está protagonizada por Amber, dando vida al personaje del título, junto a Tilda Swinton. EL CASO DALEY narra la historia de una chica de 16 años acusada de ocultar su embarazo y asesinar a su bebé. Amber actuó también en el biopic de televisión THE RUSSELL GIRL, junto a la actriz ganadora del Tony Jennifer Ehle, por la que también obtuvo excelentes críticas. Otras películas en su haber son LA SEÑAL, de Gore Verbinski, EL GRITO 2, de Takashi Shimizu, y 10 MINUTES OLDER, de Wim Wenders.
Amber empezó profesionalmente en GENERAL HOSPITAL a los 11 años, por cuyo trabajo recibió el Premio Hollywood Reporter Young Star a la mejor actriz de serie diurna durante dos años consecutivos. Amber resulta muy conocida para muchos por las dos inolvidables temporadas en las que interpretó al personaje homónimo en "Joan de Arcadia", el laureado drama familiar de CBS que le valió a Amber ser nominada al Emmy en 2004 como mejor actriz principal de serie dramática, siendo la serie también nominada como mejor serie dramática. La primera temporada le supuso a Amber la nominación al Globo de Oro de 2003 como mejor actriz de serie dramática, y la serie recibió el Premio People's Choice a la mejor serie nueva de 2003. En televisión, la última aparición de Amber ha sido protagonizando la serie "The Unusuals", de ABC, donde interpretaba a la detective Casey Shraeger, una brillante policía que sin embargo es la oveja negra de su acaudalada familia.
Como escritora admirada, Amber ha publicado recientemente su segundo libro de poemas bajo el título de “Bang Ditto”, editado por Manic D. Press. A los 14 y a los 17 años, Amber autoeditó dos colecciones de “literatura de cordel” sobre poesía, arte y fotografía, tituladas "Plenty Of Ships" y "Of The Dawn". En 2006, Amber firmó con la editorial Simon & Schuster el lanzamiento de su primer libro de poesía en gran formato, "Free Stallion”, que le valió el Premio Borders Book Choice en la categoría de obra novel en 2006. Asimismo, su trabajo ha sido publicado en varios periódicos y revistas a nivel nacional. Adicionalmente, Amber es cofundadora de The Drums Inside Your Chest, un evento que, con carácter bianual, muestra algunas de las principales actividades artísticas del país, y asimismo es cofundadora de una organización sin ánimo de lucro llamada Write Now Poetry Society, que recauda fondos para cursos de poesía. Amber también ha colaborado recientemente en un documental titulado "The Drums Inside Your Chest”, donde, a través de poesía y música, se refleja el sentido del humor, la impudicia, el lirismo y la pasión de siete galardonados jóvenes poetas de Norteamérica (incluyendo a Amber) durante una actuación en Los Ángeles.
Amber nació y se crió en Los Ángeles, residiendo actualmente en la ciudad de Nueva York.

KATE MARA (Kristi) nació y se crió en Bedford, Nueva York, y comenzó a actuar a los 14 años en proyectos teatrales de la localidad. A los quince años, Kate cambió el teatro por el cine y trabajó en su primera película, RANDOM HEARTS (dirigida por Sydney Pollack). Después trabajó en la película sobre el fin de la adolescencia TADPOLE, dirigida por Gary Winick.
Otros filmes en los que ha participado son BROKEBACK MOUNTAIN (dirigida por Ang Lee), interpretando a la hija de Heath Ledger; TRANSSIBERIAN, con sir Ben Kingsley y Woody Harrelson (dirigida por Brad Anderson); EQUIPO MARSHALL, con Matthew McConaughey y Matthew Fox (dirigida por McG); SHOOTER: EL TIRADOR, con Mark Walhberg (dirigida por Antoine Fuqua); LA PIEDRA DEL DESTINO, con Charlie Cox (dirigida por Charles Martin Smith), y THE OPEN ROAD, con Justin Timberlake y Jeff Bridges (dirigida por Michael Meredith).
En 2009, Kate trabajó en HAPPYTHANKYOUMOREPLEASE junto a Josh Radnor y Malin Akerman (dirigida por Josh Radnor); PEEP WORLD: UNA FAMILIA DISFUNCIONAL, con Michael C. Hall, Sarah Silverman, Ben Schwartz y Rainn Wilson (dirigida por Barry Blaustein); IRON MAN 2, con Robert Downey Jr. (dirigida por Jon Favreau), y IRONCLAD, con Paul Giamati y James Purefoy (dirigida por Jonathan English).
HappyThankYouMorePlease se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2010, donde obtuvo el Premio del Público. En Nueva York, se estrenó en el Festival de Cine Gen Art en abril de 2010, donde, una vez más, recibió el Premio del Público.
Asimismo, Mara ha aparecido en numerosas series de televisión, incluyendo personajes fijos en las series ‘24’ y, más recientemente, ENTOURAGE.

CLÉMENCE POÉSY (Rana) empezó su carrera cinematográfica cuando fue seleccionada para interpretar a Magali, la alocada hija de Carole Bouquet y Andre Wilms, en la comedia francesa dirigida por Francis Palluau WELCOME TO ROSES (BIENVENUE CHEZ LES ROSES). Desde entonces, Poésy ha trabajado en filmes como GUNPOWDER, TREASON AND PLOT, de Gillies MacKinnon; LE GRAND MEAULNES, de Jean-Daniel Verhaeghe; LE DERNIER GANG, de Ariel Zeitoun; SANS MOI, de Olivier Panchot; LA TROISIÉME PARTIE DU MONDE, de Eric Forestier, y en 2005 Poésy apareció interpretando por primera vez a Fleur Delacour en HARRY POTTER Y EL CÁLIZ DE FUEGO, de Mike Newell. Más recientemente, Poésy ha trabajado en ESCONDIDOS EN BRUJAS, de Martin McDonagh, con Colin Farrell y Ralph Fiennes, y en HEARTLESS, de Philip Ridley, con Jim Sturgess
El año pasado, Poésy repitió el papel de Fluer Delacour en HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE (Parte 1 y Parte 2), de David Yates, y fue elegida para interpretar al personaje homónimo del filme LULLABY FOR PI, dirigido por Benoît Philippon.
Poésy también ha disfrutado de una exitosa carrera en televisión, trabajando en las series EL FIN DE LOS TIEMPOS, de NBC, y GOSSIP GIRL, de CW.

KATE BURTON (Madre de Aron) recientemente ha trabajado en Broadway representando el musical SPRING AWAKENING, galardonado con un Tony. Kate consiguió excelentes críticas por su trabajo en la producción de Williamston THE CORN IS GREEN, dirigida por Nicholas Martin, donde actuaba junto a su hijo, Morgan Ritchie, e interpretó en el City Center la reposición de APPLAUSE, junto a Christine Ebersole. Kate fue nominada al Tony por su papel protagonista en THE CONSTANT WIFE, para el Roundabout Theatre, que dirigió Mark Brokaw, y representó THE WATER’S EDGE junto a Tony Goldwyn en el Second Stage Theatre. Interpretó a Olga en la producción del West End, muy alabada por la crítica, THREE SISTERS, junto a Kristen Scott Thomas, dirigida por Michael Blakemoore.
En Broadway, Kate fue doblemente candidata al Tony en 2002: por encarnar al personaje homónimo de HEDDA GABLER, con dirección de Nicholas Martin, y por el papel de la señora Kendall en EL HOMBRE ELEFANTE, dirigida por Sean Mathias. En Broadway, asimismo, Kate ha trabajado en THE BEAUTY QUEEN OF LEENANE (incluyendo gira por Reino Unido e Irlanda), AN AMERICAN DAUGHTER, JAKE'S WOMEN, SOME AMERICANS ABROAD (nominada al Drama Desk) y PRESENT LAUGHTER (Premio Theater World). Kate ha participado durante trece temporadas en el Festival de Teatro Williamstown.
Entre sus trabajos en cine destacan: RECUÉRDAME (Allen Coulter), MAX PAYNE (John Moore), ALGO PASA EN HOLLYWOOD (Barry Levinson), CELEBRITY (Woody Allen), LA TORMENTA DE HIELO (Ang Lee), EL CLUB DE LAS PRIMERAS ESPOSAS (Hugh Wilson), AUGUST (Anthony Hopkins), GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA (John Carpenter), INFIEL (Adrian Lynne), FANÁTICA (John Polson), TRÁNSITO (Marc Forester), SHERRYBABY (Laurie Collyer), QUID PRO QUO (Carlos Brooks), THE KINGS OF APPLETON (Bobby Moresco) y el filme indie CONSENT. Recientemente, Kate ha trabajado en PUNCTURE, de los directores Adam y Mark Hassen.
En televisión, Kate ha interpretado personajes recurrentes en las series ANATOMÍA DE GREY (nominada a dos premios Emmy), EQUIPO DE RESCATE y LEY Y ORDEN, y también ha participado en numerosas ocasiones como estrella invitada.

LIZZY CAPLAN (Sonja) ha trabajado recientemente en la producción QUEENS OF COUNTRY, una comedia independiente, también protagonizada por Ron Livingston, sobre una chica de una pequeña ciudad de Arizona que encuentra un extraviado iPod repleto de canciones que parecen ir dirigidas a ella, y se convence de que su propietario es su alma gemela.
Además de su personaje de Janice Ian en la película que la lanzó, CHICAS MALAS, otras películas en las que Caplan ha trabajado son: JACUZZI AL PASADO, dirigida por Steve Pink y protagonizada por John Cusack y Rob Corddry; el éxito filme de ciencia-ficción MONSTRUOSO, de JJ Abrams; UNA NOVIA PARA DOS, junto a Kate Hudson; TERRITORIO PROHIBIDO, con Harrison Ford, Sean Penn y Ray Liotta; el drama independiente TU AMOR ES MI DROGA; CRASHING, con Campbell Scott; y THE LAST RITES OF RANSOM PRIDE, con Scott Speedman, Jon Foster y Dwight Yoakam. Caplan también ha producido y protagonizado el cortometraje SUCCESSFUL ALCOHOLICS, estrenado en el Festival de Cine de Sundance de 2010.
En televisión, Caplan ha interpretado recientemente a 'Casey Klein' en la alabada comedia "Party Down" (Premio AFI en 2009). También obtuvo excelentes críticas por su interpretación de 'Amy', la vegetariana a la que le entusiasma la sangre de vampiro, en el galardonado drama de Alan Ball TRUE BLOOD, de HBO.
Entre otros trabajos suyos en televisión destacan THE CLASS, por la que Caplan fue señalada como una de las diez actrices a tener en cuenta por Daily Variety, RELATED, PADRE DE FAMILIA, AMERICAN DAD, TRU CALLING, UNDECLARED y la serie de culto producida por Judd Apatow FREAKS AND GEEKS.
Caplan reside en su ciudad natal, Los Ángeles.

SOBRE LOS REALIZADORES

La primera película de DANNY BOYLE (Director/Guionista/Productor), TUMBA ABIERTA, le valió el Premio Alexander Korda a la mejor película británica en los premios BAFTA, así como numerosos reconocimientos, incluyendo el premio al mejor director en el Festival de Cine de San Sebastián, el Premio Empire al mejor director y mejor película británica, y el premio del Círculo de Críticos de Cine de Londres al mejor nuevo realizador británico. El segundo filme de Boyle, TRAINSPOTTING, es una de las películas británicas con mayor recaudación de todos los tiempos. Esta película, aclamada por la crítica, ganó cuatro premios Empire, incluyendo el de mejor director y mejor película, y fue nominada al Premio Alexander Korda de los BAFTA.
En 2002, Boyle realizó el popular filme de terror 28 DÍAS DESPUÉS, que recaudó más de 80 millones de dólares en todo el mundo. Cono esta película Boyle consiguió el Premio Saturn a la mejor película de terror que otorga la Academia de Cine de Ciencia-Ficción, Fantasía y Terror.
Otras películas dirigidas por Boyle son: MILLONES, protagonizada por James Nesbit, Alex Etel y Lewis McGibbon; LA PLAYA, protagonizada por Leonardo Di Caprio; UNA HISTORIA DIFERENTE, protagonizada por Ewan McGregor y Cameron Diaz; ALIEN LOVE TRIANGLE y SUNSHINE. ALERTA SOLAR, protagonizada por Cillian Murphy. SLUMDOG MILLIONAIRE es su octava película estrenada internacionalmente, y a partir del Premio People's Choice, obtenido en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2008, el filme siguió ganando más de un centenar de premios de la industria internacional, incluyendo 4 Globos de Oro, 7 premios BAFTA y 8 premios de la Academia.
Su trabajo en televisión incluye la producción de la controvertida película ELEPHANT, dirigida por Alan Clark, y la dirección de los filmes STRUMPET, VACUUMING COMPLETELY NUDE IN PARADISE así como de la serie MR. WROE’S VIRGINS, por la que fue nominado al BAFTA.
Boyle empezó profesionalmente en el teatro con VICTORY, de Howard Barker, THE GENIUS, de Howard Brenton, y SAVED, de Edward Bond, que obtuvo el Premio Time Out. Boyle también ha dirigido cinco producciones para la Royal Shakespeare Company.

SIMON BEAUFOY (Guionista) se formó originalmente como director de documentales en la Bournemouth Film School, pero luego se convirtió en guionista, accidentalmente, tras ocasionar una gran pérdida económica a la BBC por un documental que nunca llegó a rodarse. Entre sus trabajos cinematográficos destacan FULL MONTY, AMONG GIANTS, THE DARKEST LIGHT y THIS IS NOT A LOVE SONG, y también participó en el guión de UN GRAN DÍA PARA ELLAS. Se está rodando actualmente su última adaptación para la gran pantalla, SALMON FISHING IN THE YEMEN.
Beaufoy escribió también el guión de BURN UP, un thriller en dos partes para la BBC sobre la política en relación con el cambio climático, y YASMIN, para Channel 4. Anteriormente colaboró con Danny Boyle y Christian Colson en la multipremiada SLUMDOG MILLIONAIRE. Actualmente está escribiendo el episodio piloto de la serie EMERGENCY SEX, para HBO, cuyo productor ejecutivo es Russell Crowe.
ARON RALSTON (Basada en su Historia/Libro), criado en la región del Medio Oeste antes de trasladarse con su familia a Colorado en 1987, no tuvo mucho contacto con la naturaleza salvaje. Pero en el momento en que se decidió a escalar una remota área del país caracterizada por sus profundos cañones, Utah, en abril de 2003, ya se había convertido en un experimentado montañero, esquiador y gran conocedor del medio natural. Ese día, cuando ya se había internado más de 11 kilómetros dentro del cañón, Aron movió accidentalmente una roca que aplastó y aprisionó su mano derecha. Tras seis días de solitario enclaustramiento, Aron consiguió liberarse gracias a un cuchillo multiusos, logrando ascender hasta su milagroso rescate. Desde su accidente, Aron ha escrito un libro superventas, ha dado conferencias en 200 ciudades de todo el mundo y ha ayudado a desarrollar diferentes tipos de prótesis. Utilizando estos elementos adaptados de reciente creación, Aron ha vuelto a manifestar su pasión por la naturaleza, incluyendo su famoso proyecto de escalar todas y cada una de las 59 montañas de más de 4.000 metros de altura que hay en Colorado, en solitario y en invierno. En 2008, Aron fue el primer discapacitado en bajar esquiando Denali, la montaña más alta de Norteamérica, y hace un año fue la primera persona amputada que cruzó en balsa el Gran Cañón. Actualmente, Aron y su esposa Jessica viven en Boulder, Colorado, donde crían a su hijo recién nacido, Leo. Además de trabajar como asesor en la adaptación cinematográfica de su libro, Aron es un firme defensor de la conservación del paisaje natural de Utah y Colorado.

CHRISTIAN COLSON (Productor) es un oscarizado productor cinematográfico y presidente de la productora Cloud Eight Films, con sede en Londres.
Nacido en 1968 en Buenos Aires, Argentina, Christian se graduó en inglés por la Universidad de Oxford con matrícula de honor. En 1994 se inició en la industria cinematográfica trabajando para la agencia artística London Management, convirtiéndose posteriormente, en 1998, en jefe del área de Reino Unido de Miramax Films, compañía de Harvey Weinstein.
Entre 2002 y 2009, Colson fue director ejecutivo de Celador Films, donde produjo siete filmes, incluyendo la mundialmente famosa película de terror THE DESCENT, dirigida por Neil Marshall en 2005, y la multipremiada por la Academia SLUMDOG MILLIONAIRE, dirigida por Danny Boyle, por la que Christian recibió el Oscar a la mejor película de 2008.
En marzo de 2009, Christian fundó Cloud Eight Films. Actualmente se encuentra en la preproducción del drama sobre los derechos civiles SELMA, del director de PRECIOUS, Lee Daniels.

JOHN SMITHSON (Productor) es fundador y director creativo principal de Darlow Smithson Productions (DSP), una importante productora londinense de cine y televisión.
La compañía ha conseguido el reconocimiento de la industria a nivel mundial a través de su novedosa y activa producción.
El trabajo de John Smithson ha sido galardonado con más de 30 premios internacionales.
Smithson produjo TOCANDO EL VACÍO (dirigida por Kevin Macdonald), que ganó el premio de la Academia de Cine Británica a la mejor película nacional, además de otros 14 galardones. Se trata de la película británica de carácter documental más exitosa de la historia en las taquillas de Reino Unido y Estados Unidos.
En televisión, una encuesta comparativa dentro de la industria señaló a DSP como una de las marcas más admiradas y respetadas en el ámbito de la televisión de no ficción a nivel mundial. John Smithson es responsable de las más de 50 horas de programación activa de alta calidad que DSP realiza cada año para muchas de las principales cadenas de televisión del mundo.
Entre sus recientes trabajos destacan la aclamada miniserie EL DIARIO DE ANA FRANK, de BBC/PBS, y la famosa y práctica serie INTO THE UNIVERSE WITH STEPHEN HAWKING (Discovery Channel).
Otros títulos cinematográficos recientes son THE BECKONING SILENCE, docuemntal ganador del Premio Emmy internacional de 2008 en la categoría de mejor logro, y el documental THRILLA IN MANILLA, de HBO, ganador del Premio George Foster Peabody en 2010.

BERNARD BELLEW (Productor Ejecutivo) empezó a trabajar en la industria cinematográfica, mientras estaba en el instituto, trabajando como proyeccionista en una pequeña sala de cine independiente de Brighton, Inglaterra.
Posteriormente, Bellew empezó a trabajar en películas como asistente de producción, ascendiendo luego a segundo ayudante de dirección en numerosas producciones, tales como FRANKENSTEIN DE MARY SHELLY, SENTIDO Y SENSIBILIDAD, JUEZ DREDD, KUNDUN, STAR WARS EPISODIO 1: LA AMENAZA FANTASMA y NOTTING HILL.
Su trabajo como director de producción incluye filmes como HERMANOS DE SANGRE, UN NIÑO GRANDE y HARRY POTTER Y LA CÁMARA SECRETA. Como productor de línea y coproductor, Bellew ha trabajado en BRIDGET JONES: SOBREVIVIRÉ, SUNSHINE: ALERTA SOLAR y 28 SEMANAS DESPUÉS.

JOHN J. KELLY (Productor Ejecutivo) nació en Liverpool, Inglaterra, y se crió en Phoenix, Arizona. Su temprano interés por el teatro le condujo a la industria del entretenimiento. John empezó profesionalmente en una compañía de producción y distribución independiente, que producía diez películas por año, trabajando como controlador de producción, promocionando después rápidamente a director de la unidad de producción, productor de línea y, finalmente, jefe de producción. Durante este tiempo, John produjo y supervisó más de setenta episodios de televisión, cuarenta películas y numerosos vídeos musicales para los estudios.
Entre sus trabajos destacan SPARTAN, TRISTÁN E ISOLDA, BURT MUNRO: UN SUEÑO, UNA LEYENDA, LA DALIA NEGRA, HACIA RUTAS SALVAJES, GENTLEMEN BRONCOS y WARRIOR, de estreno inminente.

FRANÇOIS IVERNEL (Productor Ejecutivo) está graduado por la prestigiosa escuela de negocios Hautes Etudes Commerciales (HEC) de París. Se unió al departamento financiero de Chargeurs en 1986. Posteriormente, Chargeurs adquirió Pathé y, en 1994, Ivernel empezó a trabajar en la producción cinematográfica, convirtiéndose en director ejecutivo de Pathé Image en 1998. Fue nombrado director ejecutivo de Pathé Reino Unido en junio del año 2000. Desde entonces, Ivernel ha dirigido el equipo de Pathé Reino Unido hasta convertirla en una sostenible y lucrativa compañía con producciones y adquisiciones tales como LA JOVEN DE LA PERLA, MRS. HENDERSON PRESENTA, EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA, VOLVER, THE QUEEN (premiada con un BAFTA y un Oscar), LA DUQUESA, BRIGHT STAR y la ganadora de ocho premios de la Academia SLUMDOG MILLIONAIRE.

CAMERON McCRACKEN (Productor Ejecutivo) es director ejecutivo de Pathé Reino Unido. Cameron McCracken es miembro del British Screen Advisory Council, del British Council Film Committee y directivo de Screen Yorkshire.
Antes de ostentar su cargo en Pathé, hace ocho años, Cameron fue director de asuntos comerciales en el organismo precedente del UK Film Council, el British Screen Finance Limited, desde 1997 hasta el año 2000.
Cameron estudió derecho en el Balliol College, de la Universidad de Oxford, y trabajó como abogado de la industria cinematográfica durante nueve años en Londres, París y Roma, antes de establecerse por su cuenta como productor independiente.
Cameron ha sido coproductor y productor ejecutivo en más de 25 películas, tales como LA JOVEN DE LA PERLA, dirigida por Peter Weber; THE QUEEN, dirigida por Stephen Frears y ganadora del Oscar, y SLUMDOG MILLIONAIRE, dirigida por Danny Boyle y ganadora de ocho premios de la Academia.

LISA MARIA FALCONE (Productora Ejecutiva) fundó Everest Entertainment en 2008 para desarrollar contenidos de alta calidad basados en guiones potentes, complejos personajes y temática significativa. Otra particularidad de Everest es su compromiso de donar parte de su recaudación a causas benéficas coherentes con los temas que trabajan. La primera película de la compañía fue MADRES E HIJAS, de Rodrigo García.
Nacida y criada en el Spanish Harlem de la ciudad de Nueva York, Lisa siempre fue una apasionada de las actividades creativas y artísticas, a pesar de la falta de oportunidades que tuvo en su infancia para perseguir tales intereses. Por este motivo, Lisa, que estudió Bellas Artes, está especialmente interesada en encontrar y presentar a artistas que de otro modo podrían no ser descubiertos. Su principal objetivo vital es buscar y apoyar a personas con visión creativa, así como pasión y dedicación artística. Famosa por su labor filantrópica, Lisa es miembro de la junta directiva del New York City Ballet y la Diller-Quaille School of Music, ha presidido numerosas galas, como la del Museo de Historia Natural, y es una de las principales donantes y defensoras de ‘Friends of the High Line’, organización que defiende la creación del primer parque público elevado de Nueva York.

TESSA ROSS (Productora Ejecutiva) controla la división cinematográfica y la producción dramática de Channel 4. Inicialmente, diciembre de 2002, se encargó de la división cinematográfica (Film4), y en noviembre de 2004 recayó también bajo su responsabilidad la producción dramática.
La división cinematográfica de Channel 4 ha consolidado su reputación desarrollando y financiando películas tales como SLUMDOG MILLIONAIRE, de Danny Boyle, que ganó numerosos premios, incluyendo ocho Oscar, cuatro Globos de Oro, siete BAFTA y un BIFA a la mejor película; la oscarizada EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA; THIS IS ENGLAND, ganadora del BAFTA; HUNGER, de Steve McQueen, que ganó el Premio Camera d’Or en Cannes, tres premios BIFA y el Premio Carl Foreman de los BAFTA; DIARIOS DE MOTOCICLETA, TOCANDO EL VACÍO y CAMINO A GUANTÁNAMO.
Entre las producciones recientes de Film4 destacan: ESCONDIDOS EN BRUJAS, de Martin McDonagh, premiada con un Globo de Oro y un BAFTA; HAPPY: UN CUENTO SOBRE LA FELICIDAD, de Mike Leigh, premiada con un Globo de Oro; CÓMO PERDER AMIGOS Y ALIENAR A LA GENTE, de Bob Weide; BRICK LANE, de Sarah Gavron; FOUR LIONS, de Chris Morris; BUSCANDO A ERIC, de Ken Loach; BUNNY AND THE BULL, de Paul King; NOWHERE BOY, de Sam Taylor-Wood, y THE LOVELY BONES, de Peter Jackson. Entre sus próximas producciones se incluyen THE EAGLE, de Kevin Macdonald; ANOTHER YEAR, de Mike Leigh; NEVER LET ME GO, de Mark Romanek; 127 HORAS, de Danny Boyle; ONE DAY, de Lone Scherfig, y SUBMARINE, de Richard Ayoade.
En los primeros tiempos de su gestión en el área dramática de Channel 4, Ross aplicó con éxito una estrategia que ha consolidado una reputación dramática basada en el riesgo y la innovación. Entre sus producciones de esta época destacan “Shameless”, “Teachers”, “Not Only But Always”, “Bodily Harm”, “White Teeth”, “No Angels”, “La cuadrilla”, “Enterrado”, “Forty” y “Second Generation”.
Otras destacadas producciones de Ross son la miniserie dramática sobre la Guerra Civil “The Devil’s Whore”, de Peter Flannery; “Longford”, protagonizada por Jim Broadbent y Samantha Morton; “Elizabeth I”, protagonizada por Helen Mirren; la película premiada con un BAFTA “Sex Traffic”, y “Omagh”, de Pete Travis, entre muchas otras. Tessa vino a Channel 4 procedente del Independent Commissioning Group de BBC, donde estaba encargada del departamento dramático. Ross fue productora ejecutiva y supervisó producciones de cine y televisión para la BBC tales como BILLY ELLIOT, CLOCKING OFF, HEARTS AND BONES, TIERRA DE ABUNDANCIA, TALKING HEADS II, LIAM, PLAYING THE FIELD, BIRTHS MARRIAGES AND DEATHS, por nombrar sólo algunas.
Tessa ha sido examinadora externa del máster en guión cinematográfico de la Northern Film School, y actualmente es directora de la National Film and Television School, directora del BFI, socio honorario de la London Film School y miembro de la junta directiva del ICA. Tessa ha sido condecorada con el título de CBE (Comandante del Imperio Británico) en 2010.

ANTHONY DOD MANTLE, B.S.C., D.F.F. (Director de Fotografía) ganó un Oscar por su trabajo en SLUMDOG MILLIONAIRE. También colaboró con Danny Boyle en 28 DÍAS DESPUÉS, que le valió el premio al mejor director de fotografía europeo, que otorga la Academia de Cine Europea, así como en MILLONES. Mantle fue también mejor director de fotografía europeo, por segunda vez, el año pasado por las películas ANTICRISTO, de de Lars Von Trier, y SLUMDOG MILLIONAIRE, de Boyle.
Mantle ha trabajado por todo el mundo en numerosas y aclamadas películas, tales como CELEBRACIÓN, ANTICRISTO, JULIEN DONKEY BOY, DOGVILLE, MANDERLAY, BROTHERS OF THE HEAD y EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA, que consiguió 34 premios internacionales, incluyendo un BIFA al mejor logro técnico en dirección de fotografía. Mantle vuelve a reunirse con el director de EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA, Kevin MacDonald, en la película de inminente estreno THE EAGLE, cuya acción transcurre en la Britania dominada por los romanos.

En 1999, Daily Variety nombró a ENRIQUE CHEDIAK (Director de Fotografía) uno de los "diez directores de fotografía a tener en cuenta", y Chediak no ha decepcionado. Entre sus trabajos cinematográficos destacan SIEMPRE A MI LADO, protagonizada por Zac Efron; REPO MEN, protagonizada por Jude Law y Forest Whitaker; 28 SEMANAS DESPUÉS; EL CASO WELLS, protagonizada por Richard Gere y Claire Danes; EN EL VALLE, protagonizada por Edward Norton; TURISTAS; LA COARTADA; CRÓNICAS; UNA CASA EN EL FIN DEL MUNDO; y UNDEFEATED, para HBO, en la que Chediak fue también productor ejecutivo. Con anterioridad, Chediak había trabajado en BROWN SUGAR; UNA BUENA CHICA, estrenada en el Festival de Cine de Sundance de 2002; LA SEGURIDAD DE LOS OBJETOS; SONGCATCHER; EL INFORMADOR; y THE FACULTY, dirigida por Robert Rodriguez.
Chediak ganó el premio al mejor director de fotografía del Festival de Cine de Sundance de 1997 por su trabajo en HURRICANE STREETS. Su debut cinematográfico fue AMERICAN SOUTHERN, dirigida por John Joshua Clayton.
Nacido en Quito, Ecuador, Chediak estudió fotografía (fija) en Madrid y ciencias de la comunicación en Santiago, Chile, antes de graduarse en la escuela de cine de la Universidad de Nueva York en 1992, donde ganó el premio al mejor director de fotografía del Festival de Cine First Run de la Universidad de Nueva York.

SUTTIRAT LARLARB (Diseño de Vestuario/Diseño de Producción) trabaja tanto para cine como teatro, y con Boyle ha sido diseñadora de vestuario anteriormente en SLUMDOG MILLIONAIRE y SUNSHINE: ALERTA SOLAR. Entre las películas cuyo diseño de vestuario ha realizado más recientemente destacan EL AMERICANO, protagonizada por George Clooney, la comedia THE EXTRA MAN, el thriller PEACOCK y BEASTLY, que combina romance y fantasía en la ciudad de Nueva York.
Como directora artística, entre sus trabajos destacan: LA FAMILIA SAVAGES, EL BUEN NOMBRE, UNA CHICA FUERA DE SERIE, LA LLAVE DEL MAL, ALFIE, GARFIELD y K-PAX. Otros títulos en su haber son HOMBRES DE NEGRO II, ENIGMA y LA PLAYA. Como diseñadora de producción ha trabajado en ASH TUESDAY, UNA NOVIA PARA DOS HERMANOS y GUNPLAY.
Suttirat se crió en Los Ángeles, ha vivido en San Francisco y en Londres y actualmente reside en la ciudad de Nueva York.

Entre los trabajos cinematográficos de JON HARRIS (Montaje) destacan: SILENCIO EN EL LAGO, STARTER FOR 10, SNATCH: CERDOS Y DIAMANTES, THE CALCIUM KID, EL PUNTO SOBRE LA I y EL JUEGO DE RIPLEY. KICK-ASS: LISTO PARA MACHACAR constituye la tercera colaboración de Jon con Matthew Vaughn, habiendo trabajado previamente con él en LAYER CAKE: CRIMEN ORGANIZADO y STARDUST. Jon ganó el premio al mejor logro técnico por THE DESCENT en los premios BIFA de 2005, y posteriormente dirigió y se encargó del montaje de THE DESCENT: PART 2.

El ganador de dos Oscar A. R. RAHMAN (Compositor) es popularmente conocido como el hombre que ha redefinido la música india contemporánea. Calificado por la revista Time como el “Mozart de Madrás”, Rahman ha vendido, según estimaciones de la BBC, más de 150 millones de copias de su trabajo, constituido por más de 100 bandas sonoras y álbumes en más de seis idiomas, lo que incluye famosas músicas de películas como ROJA, BOMBAY, DIL SE, TAAL, LAGAAN, VANDEMATARAM y, más recientemente, JODHAA AKBAR, DELHI 6 y SLUMDOG MILLIONAIRE.
Rahman quiso dedicarse a la música profesionalmente desde que era muy joven, y tras estudiar con destacados músicos de la India, empezó a trabajar componiendo jingles y bandas sonoras para populares películas de televisión. Asimismo, estudió la música clásica de Occidente en el Trinity College of Music de Londres, y creó su propio estudio de grabación con el nombre de Panchathan Record-Inn en Chennai. En 1991, el importante realizador Mani Ratnam le ofreció componer la música de ROJA, una película de tremendo éxito que le proporcionó a Rahman fama y reconocimiento a nivel nacional. Gracias a esta película, Rahman fue también reconocido con el premio al mejor compositor del país, siendo la primera vez que lo recibía un debutante. Desde entonces, Rahman ha ganado este premio nacional en tres ocasiones, algo que no ha conseguido ningún otro músico.
En 1997, con motivo de la conmemoración de los 50 años de independencia de la India, Sony Music le suscribió un contrato a Rahman, siendo su primer artista en el área sudasiática. El resultado fue “Vande Mataram”, un álbum con el que rápidamente los indios se sintieron identificados, consiguiendo despertar su espíritu patriótico. En 2001, Andrew Lloyd Webber le ofreció a Rahman componer la música de BOMBAY DREAMS, siendo la primera vez que Lloyd Webber producía un musical que él mismo no había compuesto. BOMBAY DREAMS se estrenó en el West End de Londres con un lleno absoluto y, sorprendentemente, se mantuvo durante dos temporadas, estrenándose posteriormente en Broadway. Rahman ha compuesto recientemente la música para la producción teatral de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, uno de los más caros proyectos sobre el escenario.
Rahman ha realizados varias giras de conciertos, siempre con las localidades agotadas, en más de 30 destinos del mundo, incluyendo el prestigioso Hollywood Bowl en 2006. Recientemente, la revista Time situó a la banda sonora de ROJA entre las diez principales de la historia del cine; y el periódico británico The Guardian clasificó la banda sonora de BOMBAY entre los “1.000 álbumes que hay que escuchar antes de morir”.
El trabajo de Rahman es conocido internacionalmente por la banda sonora de diversas películas, tales como EL SEÑOR DE LA GUERRA, PLAN OCULTO y MARIDO POR SORPRESA. Su composición “Bombay Theme” tiene el honor de haber sido ejecutada en más de 50 repertorios internacionales. Rahman también ha compuesto la música de las producciones americanas ELIZABETH: LA EDAD DE ORO, SLUMDOG MILLIONAIRE y TODO INCLUIDO así como de la película china WARRIORS OF HEAVEN & EARTH, producida por Sony Pictures.
En 2008, el trabajo de Rahman adquirió un reconocimiento mundial por el extraordinario éxito de su banda sonora para SLUMDOG MILLIONAIRE, que ganó ocho premios de la Academia, incluyendo dos para Rahman:. mejor banda sonora y mejor canción. Rahman recibió más de 15 premios por la música de este filme, incluyendo dos Grammy, un Globo de Oro y un BAFTA.
Rahman fue galardonado con los premios Padma Bhushan y Padma Shri, dos de los honores más importantes de la sociedad india, en reconocimiento a su contribución musical, además de otros muchos premios, incluyendo cuatro premios de la Academia de Cine de la India y 25 premios Filmfare, el principal reconocimiento del país a nivel cinematográfico. También es doctor honorario del Trinity College of Music, la Aligarh Muslim University, la Anna University y la Middlesex University. Asimismo, la revista Time le señaló como una de las 100 personas más influyentes del mundo en 2009.
Rahman tiene ahora nuevos objetivos, como la creación de la A.R. Rahman Foundation para ayudar a niños pobres y desfavorecidos. En 2007 editó su primer single en inglés, 'Pray For Me Brother', cuya recaudación fue íntegramente a la fundación. También es Embajador de la ONU para los Objetivos de Desarrollo del Milenio en 2015. Rahman ha anunciado también algunas iniciativas para implantar en la India la tradición de la música clásica, típica de Occidente, y recientemente se ha embarcado en la ambiciosa aventura de crear el KM Music Conservatory y la KM Music Symphony Orchestra, con sede en Chennai, India. Asimismo, proyecta ofrecer una plataforma de música no comercial a través de su sello discográfico KM Musiq, que muy pronto lanzará a un par de artistas.

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