Mostrando entradas con la etiqueta Estrenos de cine 2013. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Estrenos de cine 2013. Mostrar todas las entradas

miércoles, 18 de diciembre de 2013

LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY, un fallido remake dirigido y protagonizado por BEN STILLER

FICHA TÉCNICA

Título: La vida secreta de Walter Mitty
Título original: The Secret Life of Walter Mitty
Dirección: Ben Stiller
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 25/12/2013
Duración: 114 min.
Género: Drama, Comedia, Aventuras
Reparto: Ben Stiller, Kristen Wiig, Patton Oswalt, Shirley MacLaine, Adam Scott, Kathryn Hahn, Sean Penn, Terence Bernie Hines
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Twentieth Century-Fox Film Corporation, Samuel Goldwyn Films, Red Hour Films, Truenorth Productions

SINOPSIS

Remake de ‘La vida secreta de Walter Mitty’ (‘The Secret Life of Walter Mitty’), película estrenada en 1947 y que fue dirigida por Norman Z. McLeod. La historia se basaba en un relato de James Thurber que giraba en torno al tímido empleado de una editorial que consigue evadirse de su gris existencia imaginando que es el héroe de grandes aventuras; un día, su sueño se hace realidad cuando conoce a una misteriosa mujer que le implica en una peligrosa misión.

CRÍTICA

No seré yo quien defienda los remakes, máxime cuando en la época actual ya se tira de ellos de manera abusiva, hasta el punto de que en la mayoría de casos son simples actualizaciones de historias por todos ya conocidas y que poco (o nada) nuevo aportan al espectador ya curtido (y para ello me remito al muy reciente de Carrie) Pero en el caso del presente film hablamos de una película original mucho más antigua (más de 60 años, frente a las apenas tres décadas de la historia de Stephen King) por lo que la idea de remake no me parecía descabellada, teniendo en cuenta lo que ha evolucionado la vida y el mundo, y lo que, por tanto, podía ofrecer de nuevo esta revisión del cuento original de James Thurber.

Sin haber visto la película de 1947 (ni haber leído el relato en que se basa) tengo que decir que si de esta nueva versión dependiera que me interesara por el material de origen... va a ser algo dificil. Y es que a diferencia de otras películas que aunque no sean perfectas me han levantado la curiosidad sobre el tema tratado (caso de los dos biopics de Hitchcock de principios de este año: el homónimo y The girl), en este caso lo que parecía que iba a ser una comedia con cierto ingenio y alguna que otra dosis de fantasía se queda tan solo en una simple declaración de intenciones (su inicio es lo mejor de la misma) que poco a poco se va desinflando, debido a una cierta ambivalencia de géneros desde que Walter comienza sus viajes "reales" (y por lo tanto su metamorfosis)

A priori el inicio de la película se podría decir que deslumbra con todo el ingenio que uno podía ver en los trailers previos, ya que sirve para ver las ensoñaciones de nuestro protagonista, donde él se convierte en el héroe que en la vida real no es. La identificación es inmediata para todos aquellos que en alguna ocasión hemos tenido la sensación de estar en una vida gris y monótona, por lo que las ansias de Walter por alardear frente a la compañera de trabajo a la que desea en secreto es algo que consigue la empatía del espectador desde la primera escena. En ese sentido uno de los hilos secundarios que mejor funciona es lo de su perfil en una página de contactos, al principio tan insípido como el protagonista aunque al final esté lleno de hazañas, si bien resulta un recurso un poco forzado en su último tramo.

¿Y en que falla? En el preciso instante en que el personaje de Ben Stiller decide vivir en persona todo aquello antes tan solo fantaseado, con la excusa de intentar recuperar el negativo de una foto de la que depende su puesto de trabajo. Si ese periplo viajero tenía que ser una catarsis para el personaje, la película falla a la hora de mostrarlo, ya que tanto ir de aqui para allá no solo sirve para dejar frio al espectador, sino para que (con mayor o menor acierto) uno ya vea previsible como acabará la historia. Además no resulta creible que si peligra su puesto de trabajo (y no da la imagen de que nuestro héroe tenga una economía muy boyante) se pueda permitir tanto viaje a lo largo del mundo. Por eso lo que en principio parecía una comedia más o menos acertada, o más o menos previsible se convierte en una sucesión de altibajos (no se sabe si es comedia, drama u otra cosa, algo evidente cuando comienzan los viajes "reales") que menguan el interés del conjunto, lo que provoca que el espectador vaya "desconectando" cada vez más de las andanzas de este Walter Mitty.

En el reparto aparte de un correcto Stiller (que cumple en sus dos facetas, como actor y director, sin tampoco destacar de manera especial) los nombres más conocidos serían los de Shirley MacLaine como la madre del protagonista (y que solo sirve para hilvanar un poco la lógica de la historia) así como un Sean Penn cuyo cameo (porque más o menos vendría a ser eso) no pasa más allá de cumplidor y para de contar. Del resto nada que destacar, ni para bien ni para mal, aumentando así la sensación de que esta nueva versión hubiera necesitado ciertos retoques (entre ellos una duración menor, porque el film dilata en exceso algunas escenas provocando que su ritmo pausado devenga en cansino) ya que este Walter Mitty del siglo XXI tiene buenas ideas... pero no consigue hacer de ellas una película entretenida.

LO MEJOR: Las ilusiones del protagonista, tan entrañables como delirantes, así como la propia personalidad con la que nos lo presentan, lo que lo hace empático hacia el espectador (valga de ejemplo la escena con la que se inicia la película). Y aunque venden una falsa imagen de lo que luego la película es, destacaría los ingeniosos posters promocionales con nuestro héroe perdido en diferentes escenarios.

LO PEOR: Su ambivalencia de géneros (¿es comedia? ¿es drama?... ¿que es esto?) así como una historia que a medida que va evolucionando, va perdiendo el interés inicial (a lo que no ayuda un ritmo con claros altibajos).

viernes, 13 de diciembre de 2013

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG, ¿acabará esto bien JACKSON?

FICHA TÉCNICA

Título: El Hobbit: La desolación de Smaug
Título original: The Hobbit: The Desolation of Smaug
Dirección: Peter Jackson
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 13/12/2013
Duración: 161 min.
Género: Aventuras, Fantástico
Reparto: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Aidan Turner, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, Ken Stott, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Cate Blanchett, Mikael Persbrandt, Sylvester McCoy, Billy Connelly, Orlando Bloom, Evangeline Lilly, Benedict Cumberbatch, Luke Evans, Stephen Fry, Lee Pace, Barry Humphries, Bret McKenzie, Conan Stevens, Manu Bennett.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, MGM

SINOPSIS

Segunda parte de la precuela de la trilogía El Señor de los Anillos, de J.R.R. Tolkien. En compañía del mago Gandalf (Ian McKellen) y de trece enanos, Bilbo (Martin Freeman) emprende un viaje a través del país de los elfos y los bosques de los trolls, desde las mazmorras de los orcos hasta la Montaña Solitaria, donde el dragón Smaug esconde el tesoro de los enanos. Finalmente, en las profundidades de la Tierra, encontrará el Anillo Único, que habrá de causar tantas batallas.

CRÍTICA

Nueva entrega (la quinta ya de toda la franquicia) y primera secuela de la trilogia que es precuela de la de El Señor de los Anillos (un inicio muy farragoso pero, ¿estais todos? muy bien, seguimos) Como es lógico suponer, hablo de la segunda película que adapta El Hobbit, o como estirar algo que no daba para tanto, para recaudar más y conseguir hacer más caja (operación similar a los finales partidos en dos de las sagas Harry Potter, Crepúsculo y Los juegos del hambre): vale que la trilogia de El Señor de los Anillos tiene tres películas, cada una por un libro, pero El Hobbit... ¿necesitaba tres films en lugar de uno? Como adaptación fiel a algo que en origen era tan solo un cuento infantil desde luego que no, y menos si las extiendes sin necesidad hasta las casi 3 horas de duración (aunque si sirve de consuelo La desolación de Smaug es un poco más corta que Un viaje inésperado).

Pero ahora olvidemos por un instante que Jackson está adaptando la obra de Tolkien de manera fiel y concedamos que tan solo es la base para un ejercicio de continuidad enlazado con lo que fue la trilogia original de El Señor de los Anillos. Es cierto que en los films que nos llegaron en los albores del siglo XXI la épica era un elemento primordial de los mismos, algo carente en la base de lo que sería su precuela, pero... ¿no por ello insertable? En un juego de "cohabitación" como hacen los comics de superhéroes de Marvel y DC (aventuras diversas pero dentro de un marco común) El Hobbit: La desolación de Smaug funciona mejor que su predecesora, sobretodo en lo que sería el resurgir del posterior Señor Oscuro Sauron (algo paralelo a la caida de Anakin en el Lado Oscuro que se vió en las galácticas precuelas de Star Wars, siendo parte de lo que funcionaba mejor de las mismas) Otro detalle en el que aqui aciertan sería el ir directa al grano nada más empezar, al no ser necesaria la presentación de personajes (uno de los puntos debiles, en cuanto a los enanos, de Un viaje inésperado)

Lo que ocurre es que estos nuevos personajes de la Tierra Media no tienen el encanto y el carisma de los de la trilogia de El Señor de los Anillos: salvo Thorin el resto de los enanos importan más bien poco (se les suponen relaciones familiares que no van más allá de la simple mención, como lo del padre de Gimli), mientras que el protagonista de estos nuevos films (un Bilbo Bolsón de nuevo encarnado por Martin Freeman) queda relegado a un papel más secundario, teniendo su mayor momento de gloría en el tramo final con el dragón Smaug del que se han visto algunos momentos en los trailers previos a su estreno. En cuanto a la citada criatura (que se nos ocultaba en el título anterior) hay que decir que impresiona, a lo que ayuda mucho que le haya otorgado voz Benedict Cumberbatch, pero no asombra como lo hizo el luego carismático Gollum en las primeras películas (aunque en parte supongo que es porque el citado personaje si era novedad en imágenes allá por el 2002 en Las Dos Torres, mientras que dragones en el cine, y en todas partes, se han visto multitud)

Si en El Hobbit: Un viaje inésperado teniamos algunos cameos más o menos extensos que nos enlazaban con la anterior trilogia (Galadriel, Elrond y Saruman) aqui ya no serían meras presencias, porque salen más que en una simple escena, pero tenemos el retorno del elfo Legolas (de nuevo interpretado por Orlando Bloom) quien acompaña en sus hazañas a Tauriel (preciosa Evangeline Lilly), una compatriota elfa de la que se nota que está enamorado, si bien ella se decanta más por uno de los enanos del grupo de Bilbo Bolsón. Es ese "romance" el que se nota un tanto metido con calzador, ya que con el mismo se intenta una equivalencia a los encarnados por Viggo Mortensen y Liv Tyler en la trilogia original (aunque también es justo mencionar la nula evolución de los personajes en este capítulo "bisagra" para montar la trilogía, espero que Jackson acierte en Partida y regreso para darle un buen final)

De nuevo Ian McKellen vuelve a ser Gandalf, personaje que ya será mítico en su historial como por ejemplo el de Magneto en los X-Men, si bien en esta película se desmarca pronto del grupo que comanda Thorin hacía una aventura que le llevará a enfrentarse con el luego posterior Sauron (cuya pre-forma neblinosa me recordó al simbionte Veneno de Spiderman) si bien resulta un poco torpe por parte del citado Gandalf saber que se está metiendo en una trampa... y aún así caer rehén en la misma. Otro que también repite de manera escueta es el Radagast al que da vida el ex-Doctor Who Silvester McCoy aunque atentos justo al inicio al cameo del propio Peter Jackson saliendo de la Posada del Pony Pisador, que me recordó al estilo de los que acostumbraba a hacer Alfred Hitchcock.

En cuanto a la estructura de la película, se opta por una versión "videojuego" que consiste primordialmente en lanzar a los personajes desde donde se quedaron en el anterior film para hacerlos pasar por diferentes escenarios (cual si fueran los niveles de un videojuego) donde tendrán que superar diferentes entuertos que les lleven a la siguiente "fase" (escenario) y así hasta el final, que tampoco es ninguna sorpresa si digo que transcurre en la guarida del Smaug del título (antes habrán combatido con arañas gigantes, escapado de los elfos y ocultado de los humanos entre otras peripecias)

Reconozco por tanto que la película es más deudora de la trilogia original que de la obra en la que se basa (se inserta más épica, con mayor o menor acierto, que la que contiene el original Hobbit de Tolkien), pero pese a mi ignorancia hacia los "insertos" que permiten enlazar una trilogia con la otra (según dicen, en algunos casos provenientes de la obra de Tolkien), he disfrutado del espectáculo aunque tengo mis reservas acerca de la fidelidad (y por momentos coherencia) del mismo, pese a lo cual se agradece que aún y su extensión (y algún que otro altibajo) entretenga de principio a fin. Espero que esto se mantenga (y no empeore) para su final dentro de un año.

LO MEJOR: Sigue siendo un espectáculo visual de primera coherente con el resto de títulos de la saga, lo que satisfará a los que (como yo) querían darse de nueva un paseo por la Tierra Media de Tolkien.

LO PEOR: Sigue sin llegar a la maestría de los primeros films, evidente aqui en ciertos detalles un poco forzados (como lo relativo a la elfa Tauriel). Asimismo salvo tres o cuatro personajes (Bilbo, Thorin, Gandalf y poco más) el resto padecen una evidente falta de carisma respecto a los de la trilogía inicial.

viernes, 6 de diciembre de 2013

CARRIE, adaptando la adaptación del relato de STEPHEN KING

FICHA TÉCNICA

Título: Carrie
Título original: Carrie
Dirección: Kimberly Peirce
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 05/12/2013
Duración: 100 min
Género: Drama, Terror
Calificación: No recomendada para menores de 16 años
Reparto: Chloe Moretz, Judy Greer, Julianne Moore, Gabriella Wilde, Ansel Elgort, Alex Russell, Portia Doubleday, Skyler Wexler, Michelle Nolden, Connor Price
Guión: Roberto Aguirre-Sacasa
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Screen Gems, Misher Films

SINOPSIS

Carrie White (Chloe Moretz) es una torpe y solitaria adolescente que es humillada constantemente por sus compañeros de clase, además de ser castigada y golpeada por su madre (Julianne Moore), una fanática religiosa. Pero Carrie esconde un secreto: Dios, o quien quiera que sea, la bendijo con el don de la telequinesis. El problema es que ella no quiere utilizar ese poder porque teme quedarse aislada para el resto de su vida y que la traten como a un monstruo. Sin embargo, cuando las humillaciones y la frustración pasan el límite de lo humano, la propia Carrie es incapaz de controlar ese poder.

CRÍTICA

Hablar de Stephen King es citar a unos de los más prolíficos autores de las últimas cuatro décadas, famoso sobretodo por sus relatos de terror, si bien en una carrera que empezó hace cuarenta años sus obras han tocado otros géneros. Buscando como siempre objetivos para nuevos films, su literatura ha sido objeto de varias adaptaciones, pero salvo ejemplos muy contados la calidad ha sido como mucho correcta y entretenida, destacando sobre el resto casos puntuales como los que nos obsequió Kubrick en su maravillosa adaptación de El resplandor (probablemente la mejor película basada en un relato de este autor) o Frank Darabont en La niebla y Cadena perpetua.

Otro de los títulos míticos sería Carrie, una de sus primeras novelas que tuvo ya adaptación hace 37 años de la mano de un gran director como Brian de Palma, que consiguió resultados notables para la época convirtiéndose sin problemas en un mito, en especial las escenas de una ensangrentada protagonista y su dosis de venganza contra sus humilladores. El mayor prejuicio que se puede tener sobre dicho título sería la edad de sus actores, porque siendo el más joven John Travolta (22 años en aquel 1976) no concordaba mucho que los 27 años (por aquel entonces) de la protagonista Sissy Spacek fueran una edad muy adolescente que digamos.

En ese aspecto es donde sale ganando este remake, sobretodo gracias al acierto de coger a Chloe Moretz como la sufrida Carrie, si bien aún en esas lides resulta demasiado guapa para como el personaje está presentado en la novela original.  Pero es Julianne Moore como su fanática religiosa y desquiciada madre quien tiene algunos de los mejores momentos de este remake (sin ir más lejos el inicial, con el perturbador nacimiento de Carrie, algo no visto en el film de 1976) siendo correcto el resto del reparto, a la espera de si alguno triunfa posteriormente como pasó en el original con John Travolta, Amy Irving, Nancy Allen o William Katt (este último mítico en los 80 con la serie de televisión El gran héroe americano)

De todas maneras resulta triste que se invierta en realizar remakes tan innecesarios como este, porque fuera de actualizar al clásico de Brian de Palma, el resto circula por los mismos cauces que su película, por lo que más que poner en los títulos de crédito que es una adaptación de la novela de Stephen King se tendría que haber puesto que es una adaptación de la adaptación que tuvo en 1976 la novela de Stephen King, ya que la directora viene a actualizar detalles sobre una idéntica base, al estilo de lo que hizo Gus Van Sant en 1998 con el remake de Psicosis (cuyo poster también rompía uno de los momentos clásicos de la película, al igual que le pasa a esta Carrie con posters como el adjunto u otros más reveladores)

Pero lo que ganamos en actualizarla lo perdemos tanto en sorpresa (toda la esperable destrucción final) como en libertad, ya que en el film de 1976 en la escena inicial de las duchas se veían cuerpos femeninos desnudos, mientras que ahora en 2013 todo está tapado de manera muy pudorosa; aunque por contra el estigma del acoso escolar sigue tan vigente (o más) que entonces. El tramo final, que todos esperan, está actualizado y llevado a cabo con solvencia y sin caer en el gore, por lo que en resumidas cuentas este remake de Carrie es eficaz aunque siempre tendrá el estigma de basarse en una película mejor (aunque demasiado deudora de su época)

LO MEJOR: Chloe Moretz como Carrie y Julianne Moore como su fanática religiosa madre. Además hay una clara mejora técnica, evidente sobretodo en el destructivo tramo final.

LO PEOR: Que si remakeas un clásico, todo el mundo se conoce el final por lo que quitas toda sorpresa.


PLAN DE ESCAPE, la evasión de STALLONE y SCHWARZENEGGER

FICHA TÉCNICA

Título: Plan de escape
Título original: Escape Plan
Dirección: Mikael Håfström
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 05/12/2013
Duración: 115 min
Género: Thriller, Acción, Intriga
Calificación: No recomendada para menores de 16 años
Reparto: Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Vinnie Jones, 50 Cent, Matt Gerald, James Caviezel, Vincent D'Onofrio, Sam Neill, Caitriona Balfe, Amy Ryan
Distribuidora: eOne Films
Productora: Summit Entertainment, Emmett/Furla Films, Atmosphere Entertainment MM, Grosvenor Park Media, Envision Entertainment Corporation

SINOPSIS

El veterano Ray Breslin (Sylvester Stallone) es el mayor experto en seguridad estructural de todo el planeta. Tras analizar todas y cada una de las prisiones de alta de seguridad que hay en los Estados Unidos, él mismo podría diseñar una cárcel de la que fuera imposible escapar. El problema es que ahora es él quien ha sido encarcelado en un centro de estas características. Primero debe salir con vida de allí y, después, encontrar a la persona que le ha metido entre rejas.

CRÍTICA

La pareja protagonista del presente título tuvo sus dias de gloria durante los años 80 y principios de los 90, convirtiéndose en seguros éxitos de taquilla (salvo excepciones) tanto los films del italoamericano Stallone (y sus míticos Rocky y Rambo) como los del austriaco Schwarzenegger (con sus emblemáticos Conan y sobretodo Terminator) Tiene gracia que sin ser 100% norteamericanos ejemplifiquen junto con el belga Jean-Claude Van Damme las películas de acción y aventuras propio de aquellos años (no cuento a Chuck Norris, 100% estadounidense, aunque él se movía más bien por la serie B... cuando no Z).

Para la ocasión la unión viene determinada por una historia de fugas carcelarias, género en el que ya se ha visto de todo, por lo que la película no innova mucho (si acaso su diseño de producción, con esa gran prisión en estilo de colmena, que me recordó a la de las criaturas de La cabaña en el bosque), siendo su mayor interés el saber donde está localizada, hecho que se descubre cuando ya llevamos una hora de metraje (y que no citaré por ser el único spoiler más evidente del film) También resultan curiosos los métodos de la fuga (por ejemplo lo del sextante), a medio camino entre la acción ochentera tipo McGyver contra la innovación al estilo de Misión Imposible.

Cumpliendo todos los tópicos y clichés tanto del género carcelario como de los títulos de acción de la época de esplendor de estos héroes casi jubilados, la película gustará a los aficionados a los mismos, si bien al final resulta un mero trámite para demostrar la amistad que les une detrás de las cámaras. El duo de ya maduros héroes se reparte dejando a Stallone más acción (en si el protagonista sería él) y a Arnie más frases lapidarias de esas que a él le gustan tanto desde su ya clásico "Volveré" de la saga Terminator (Schwarzenegger en todo momento muestra lo bien que se lo debió pasar rodando este Plan de escape). De todas maneras el espectador se queda al final con la sensación agridulce de que si esta película se hubiera hecho en los años 80 o 90 igual hubiera ilusionado a los fans más que ahora, que pilla demasiado mayores a estos héroes de acción y demasiado experimentado al espectador.

Del resto del reparto citar también la presencia de Sam Neill como médico de esta prisión de alta seguridad, y que jugará un papel determinante en la fuga, mientras que en el bando contrario el director de la prisión (encarnado por Jim Caviezel) y su lugarteniente (al que da vida Vinnie Jones) encarnan todos los tópicos más evidentes de los malvados de este tipo de films (lo que hará recordar a muchos la película Encerrado, donde también Stallone tenía una carcel de la que fugarse y un director de la misma, allí encarnado por Donald Sutherland, que no se lo iba a poner nada facil) En la confrontación final de Sly con el director de la penitenciaría, el gesto del personaje de Caviezel queda más bien ridículo, siendo más digna la pelea previa con Jones, digna de cualquier entrega de Los Mercenarios

LO MEJOR: Es un correcto entretenimiento con el que los dos amigos protagonistas dejan evidente que se lo pasaron muy bien rodándolo.

LO PEOR: Su guión desbordado de tópicos y clichés

LA CURIOSIDAD: Su título previo (The tomb, o sea La tumba) hace referencia al nombre de la prisión aunque más a nivel metafórico que literal (por eso queda mejor su título final, más expeditivo y adecuado para una película con estos dos de protagonistas).

EL DOBLAJE: Nada que objetar al correcto trabajo realizado... pero sigue siendo raro escuchar a Schwarzenegger en castellano con una voz distinta a la tan inconfundible que tuvo como la del fallecido Constantino Romero. Hay voces que marcan para toda una vida.


miércoles, 4 de diciembre de 2013

3 BODAS DE MÁS, una BRIDGET JONES al estilo de los FARRELLY

FICHA TÉCNICA

Título: Tres bodas de más
Título original: Tres bodas de más
Dirección: Javier Ruiz Caldera
País: España
Año: 2013
Fecha de estreno: 05/12/2013
Duración: 94 min
Género: Romance, Comedia
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: María Botto, Rossy de Palma, Quim Gutiérrez, Martiño Rivas, Inma Cuesta, Sílvia Abril, Paco León
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Antena 3 Films, Think Studio, Apaches Entertainment, Ciskul

SINOPSIS

Una mujer llamada Ruth (Inma Cuesta) asiste a las sucesivas bodas de los hombres de su vida, sin que ella consiga encontrar a su media naranja. Tres ex novios para tres bodas. Un cóctel explosivo para Ruth, que tendrá que enfrentarse a su pasado y decidir con quién quiere compartir su futuro.

CRÍTICA

No soy consumidor habitual de cine español, pero antes que nada no diré que de eso tenga la culpa la calidad del mismo (como hace poco comentó y luego rectificó cierto ministro español) sino que con la evidente hegemonia del cine "made in USA", los films españoles tienen una férrea competencia por lo que una película autóctona lo tiene duro a la hora de luchar en cartelera por el interés del público. Pero dejando de lado mis temores suspicaces ante una comedia de este estilo, tengo que reconocer que me he divertido más de lo esperado gracias a la buena conjunción de los elementos que conforman estas 3 bodas de más (¿el título es un guiño a Cuatro bodas y un funeral? Puede ser, porque consigue algo del carisma que tuvo la citada película con Hugh Grant).

Bajo el esquema de las comedias románticas que nos han inundado en los últimos lustros, hay que reconocer que esta lo tenía muy facil para caer en lo rancio de las mismas, pero consigue evitarlo con ciertas pequeñas dosis de un humor más zafio que parece heredero de los hermanos Farrelly de Algo pasa con Mary. De hecho la protagonista Inma Cuesta vendría a ser una especie de Bridget Jones autóctona que funciona muy bien en su personaje (gracias a la versatilidad de la actriz) aunque en algunos momentos tenga que preguntar lo que es un bukkake al hablar de sexo con uno de los personajes (sirva de ejemplo conforme en algunos momentos las conversaciones parecen dignas de South Park).

De todas maneras ese final feliz que uno espera en una comedia de estas características también está presente aqui, por lo que para entonces quizás uno es testigo de la parte más previsible de la película, si bien está resuelta con acierto y corrección, dándole un puntillo gamberro a la almibarada conclusión que nos vemos venir (atención al video en Youtube de la última boda). No es nada malo, porque incluso en la comedia americana más innovadora siempre acabamos viendo que lo que prevalece es lo clásico, pero es importante citar también la labor de los secundarios, que consiguen algunos de los momentos más hilarantes de la función (atención por ejemplo a Rossy de Palma como madre de la protagonista: apenas unas pocas escenas pero realmente desternillantes)

Sin duda alabando que consiga lo que en si es su objetivo (entretener y divertir) se le puede echar en cara, como he citado antes, el uso de esquemas ya vistos, pero sin inflar sin necesidad el metraje (dura unos ajustadísimos 94 minutos, ni más ni menos) el director Javier Ruiz Caldera consigue un producto apto para todos los públicos. Por su parte en cuanto a los estereotipos que conforman a la protagonista Ruth (una entrañable chica que vendría a ser una variante entre Bridget Jones y Betty la fea, heredando de esta última que con apenas unos retoques ya mejore su belleza) la actriz Inma Cuesta los maneja con soltura y se desenvuelve muy bien, logrando nada más aparecer en pantalla cautivar al espectador con una empatía que nos hace desear y esperar el previsible final feliz a sus tribulaciones.

LO MEJOR: Es la mejor comedia romántica con cierto tono gamberro que veo desde la época de Algo pasa con Mary, lo que la hace escalar leves puestos sobre el nivel medio del género en la actualidad. Por su parte Inma Cuesta está genial como protagonista, ayudada por unos secundarios que en ocasiones tienen los momentos más desternillantes de la película.

LO PEOR: Tiene un final previsible y se le puede achacar el caer en tópicos de la comedia romántica vistos en los últimos lustros. Además cierto tono de humor un poco más zafio (aunque a mi modo de ver sin llegar a ser grosero) puede turbar alguna mente sensible.

martes, 3 de diciembre de 2013

12 AÑOS DE ESCLAVITUD, brutal alegato contra esa lacra social

FICHA TÉCNICA

Título: 12 años de esclavitud
Título original: 12 Years a Slave
Dirección: Steve McQueen
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 13/12/2013
Duración: 133 min
Género: Drama, Histórico, Biográfico
Reparto: Michael Fassbender, Brad Pitt, Chiwetel Ejiofor, Michael K. Williams, Paul Dano, Benedict Cumberbatch, Garret Dillahunt, Ruth Negga, Sarah Paulson, Scoot McNairy, Lupita Nyong'o
Distribuidora: DeA Planeta Home Entertainment
Productora: Summit Entertainment, New Regency Pictures, Plan B Entertainment, River Road Entertainment

SINOPSIS

Película basada en la increíble historia real de un hombre que luchó por su libertad en los años previos a la guerra civil de los Estados Unidos. Solomon (Chiwetel Ejiofor) es un negro libre de Nueva York que un día es raptado y vendido como esclavo. Su comprador (Michael Fassbender) realiza con él todo tipo de crueldades. Pero Solomon no se rinde y sueña con recuperar su libertad y su dignidad. En los 12 años que ejercerá como esclavo, su encuentro con el abolicionista canadiense Bass (Brad Pitt) dará a su situación un giro de 180 grados.

CRÍTICA

Pese a la casualidad de llamarse igual, el Steve McQueen que consta como director de este film no tiene nada que ver con el actor de idéntico nombre que vimos en clásicos como La gran evasión, Papillon y Bullit. Por su parte en cuanto a lo referente a la esclavitud prevía a la Guerra de Secesión Americana, no es la primera (ni será la última) película en tratar el tema, por lo que tampoco hay mucha novedad en la base... aunque si en el fondo, que es lo que ha hecho destacar al presente título y posicionarlo como favorito para las próximas entregas de premios.

De entrada lo primero a reconocer es la gran labor de Chiwetel Ejiofor que le tendría que valer no solo una nominación al Oscar como mejor actor sino la entrega del premio, porque en sus hombros está la mayor parte del metraje de esta dura película que provocará una angustia frente a las torturas que se ven en pantalla (por su brutal realismo) casi paralela a la vista en La Pasión de Cristo de Mel Gibson. Pero cuando otros hubieran perdido la esperanza, el protagonista la mantiene, sin rendirse ni desfallecer, lo que lo dota de una empatía hacia el espectador realmente abrumadora.

Entre los secundarios me gustaría citar al trio más conocido formado por Benedict Cumberbatch (entre otros de la serie de televisión Sherlock), Brad Pitt (reciente protagonista de Guerra Mundial Z) y Michael Fassbender (el nuevo Magneto del reboot precuela de los X-Men), los cuales hacen una labor encomiable... aunque sin duda es el último de ellos, por su salvaje brutalidad, quien puede conseguir otra nominación a mejor secundario para la película, ya que vendría a ser un malvado sin piedad del estilo al que encarnó Ralph Fiennes en La lista de Schindler (que también le valió en su momento una nominación al citado actor)

Más breve es la presencia del siempre polivalente Paul Giamatti, aunque no por ello inferior a las de los citados, formando entre todos un conjunto que sirve para llevar al espectador a una de las épocas más polémicas y criticables de los Estados Unidos prevía a la abolición de la esclavitud. Pero 12 años de esclavitud también sirve para que no olvidemos esta lacra, que pese a la evolución de la sociedad sigue estando presente en la misma en forma de explotación sexual en mujeres y menores de edad (y sino basta con mirar un poco las noticias).

Una magnífica obra, que quizás hubiera sido necesaria antes (no negaré que el tema de la esclavitud ha sido tratado en tantas ocasiones que puede resultar cansino) Si acaso su mayor mérito sería en no caer en mojigaterias innecesarias y mostrar la crudeza de esta barbarie, hasta el punto de que sale herida al final de la historia incluso el alma del espectador (viendo esto queda lejos el estereotipo de la esclava negra que inauguró Lo que el viento se llevó con ese ya mítico "Si Señorita Escarlata")

LO MEJOR: Es la más realista película sobre la histórica esclavitud racial en Estados Unidos (no se corta en muchas de sus escenas más violentas). Asimismo también destacar su plantel de actores, desde el Solomon protagonista a todos los que se cruzará en su fatídica odisea, a lo que se suma lo destacable de su ambientación en todos los sentidos.

LO PEOR: Tendría que haber llegado antes, porque poca novedad aporta al tema (si acaso el mostrarlo en toda su crudeza y brutalidad)


sábado, 23 de noviembre de 2013

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS, se acerca la revolución

FICHA TÉCNICA

Título: Los juegos del hambre: En llamas
Título original: The Hunger Games: Catching Fire
Dirección: Francis Lawrence
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 22/11/2013
Duración: 146 min.
Género: Aventuras, Acción, Ciencia ficción
Reparto: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Sam Claflin, Elizabeth Banks, Alan Ritchson, Jena Malone, Stanley Tucci, Woody Harrelson, Philip Seymour Hoffman
Distribuidora: eOne Films
Productora: Lionsgate, Color Force, Alarm Clock Films

SINOPSIS

Los Juegos del Hambre: En llamas comienza con Katniss Everdeen volviendo a casa sana y salva después de ganar los 74º Juegos del Hambre anuales junto a su tributo Peeta Mellark. Ganar significa tener que dejar atrás a familia y amigos, y embarcarse en el Tour de la Victoria por los diferentes distritos. A lo largo del camino, Katniss se da cuenta de que una rebelión comienza a gestarse, pero en el Capitolio continúa todo bajo control mientras el Presidente Snow organiza los 75 Juegos del Hambre anuales (El Vasallaje), una competición que cambiará Panem para siempre.

CRÍTICA

En Hollywood andan desesperados detrás de la perfecta franquicia que les haga ganar mucho dinero una vez que finalizó la más taquillera de todas (la de Harry Potter) motivo por el cual son innumerables las novelas orientadas hacia el público infantil y/o juvenil con elementos fantásticos que han probado suerte en pantalla, con resultados dispares que han dado quizás para alguna secuela (como es el caso de Percy Jackson) pero que no han acabado en rentables sagas como la del mago de J.K.Rowling.

La excepción que continuó el (progresivo) éxito sería la muy criticada Saga Crepúsculo, pero ya ahi se notó la avaricia de los estudios, al dividir la adaptación de su cuarto y último libro en dos películas, siguiendo el ejemplo de la saga Potter (que hizo lo mismo con el séptimo y último libro de su saga) Son jugadas con las que uno puede estar más o menos de acuerdo (ahí está el ejemplo de El Hobbit, estirado para tres películas siendo un solo libro), pero que enseguida se plagian unos a otros, porque Sinsajo, el tercer libro de la trilogia de Los juegos del hambre, seguirá el mismo camino entre 2014 y 2015.

Aunque en su momento la obra inicial me gustó (así como toda la trilogia literaria en su conjunto) reconozco la progresiva bajada de interés, algo palpable ya en esta En llamas, cuyo esquema argumental vendría a ser el mismo que el del primer libro, sensación que se transmite a esta película en su segunda mitad, que transcurre durante el Vasallaje de los 25, unos Juegos del Hambre especiales donde se recopilan antiguos ganadores de la competición. Pero aunque pueda sonar a más de lo mismo, Francis Lawrence (responsable de títulos como Constantine o Soy leyenda por ejemplo) consigue sacarla adelante con notable resultado y grandes dosis de entretenimiento.

Pese a que en muchas ocasiones soy el primero en criticar los metrajes dilatados, tengo que reconocer que Los juegos del hambre: En llamas dura lo que tiene que durar, ya que la historia va evolucionando sin bajones destados y de una manera fluida y coherente. En cuanto a los personajes sin duda la principal sigue siendo la Katniss Everdeen que aqui vuelve a estar interpretada por la emergente Jennifer Lawrence, tomando ahora conciencia de lo simbólico de sus actos de cara a  la futura rebelión contra el Capitolio, lo que se nota en el conflicto motivacional que tiene con el Presidente Snow en el tramo inicial de esta película (cuando él quiere forzarla a ser un elemento conciliador para los revueltos distritos). Sin duda uno de los detalles más destacados y disfrutables de esta secuela.

Otro punto positivo de esta segunda entrega estaría en lo acertado de su guión, que se concentra más en el tema político pero sin liarlo, de manera que queda claro para todo tipo de público. Así por ejemplo tan solo es necesario el comentario de Peeta sobre la fórmula para vomitar que le ofrecen en un banquete (para luego seguir comiendo sin parar) para darnos cuenta de las graves desigualdades sociales que hay en el futuro distópico de esta saga, que también son evidentes a nivel visual teniendo en cuenta lo que gana el film en presupuesto (de 78 millones de dólares que costó la primera a los 130 que ha valido esta) lo que permite ver la pompa y boato del Capitolio frente a la escasez y las restricciones en los Distritos.

En la película de Gary Ross uno de los detalles más negativos eran sus escenas de acción, rodadas de manera inquieta y mareante, sin poder discernir a las claras el espectador lo que está sucediendo. Ese detalle está corregido en esta secuela por Francis Lawrence, haciendo que quede bastante claro en todo momento qué pasa, sin marear al público. Asimismo aqui ya es más palpable el hartazgo del sufrido pueblo, la represión a la que se ven sometidos por ello y la rebelión que está naciendo tomando a Katniss como símbolo (representado en el logo del Sinsajo), por lo que evoluciona más allá de mostrar en pantalla esta curiosa mezcla entre Supervivientes, Gran Hermano y Battle Royale que son los juegos del título.

Volviendo de nuevo al inicio de esta crítica, y con la moda separatista actual, el problema de esta secuela se podría decir que está en su brusco final, que si bien coincide con el de la novela... deja al espectador con la intriga. Lo que pasa es que esto no es una serie y por lo tanto no tendremos la resolución del conflicto la siguiente semana sino dentro de un año (si no hay retrasos sobre el plan previsto, Los juegos del hambre: Sinsajo (parte 1) se estrenaría a finales de noviembre del 2014 y para acabar Los juegos del hambre: Sinsajo (parte 2) justo un año después)

LO MEJOR: Sigue la tónica planteada en el film precedente, pero corrigiendo errores (mejorando las escenas de acción y justificando su metraje)

LO PEOR: Su abrupto final (que me recordó al de Matrix Reloaded), que nos deja con una intriga que durará varios meses.



viernes, 22 de noviembre de 2013

EL CONSEJERO de RIDLEY SCOTT: un aburrimiento con BRAD PITT, CAMERON DIAZ, JAVIER BARDEM y PENÉLOPE CRUZ

FICHA TÉCNICA 

Título: El consejero
Título original: The Counselor
Dirección: Ridley Scott
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 29/11/2013
Duración: 117 min.
Género: Thriller
Reparto: Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem, Cameron Diaz, Natalie Dormer, Dean Norris, John Leguizamo, Rosie Perez, Goran Visnjic
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Scott Free Productions, Kanzaman, Nick Wechsler Productions, Translux, 20th Century Fox

SINOPSIS

Narra la historia de un respetado abogado del sudoeste de Estados Unidos que se introduce en el mundo del tráfico de drogas. Escrita por el novelista Cormac McCarthy (La carretera, No es pais para viejos), en su primer guión original pensado expresamente para el cine que llega a las pantallas, dirigido por el reputado director Ridley Scott.

CRÍTICA

De manera definitiva puedo admitir que Cormac McCarthy no es para mi. Y ahora es cuando os preguntareis quien es ese: pues el guionista de esta cinta, la nueva película como director de Ridley Scott, a favor del cual quiero romper una lanza (suyas son dos joyas como Blade Runner y Alien), que se limita a hacer lo que puede con una historia aburrida hasta las trancas (aunque no olvidemos algunos deslices que ha tenido este director que le hicieron perder parte del mérito de sus orígenes).

El citado guionista saltó a la fama gracias al éxito conseguido hace unos años por No es pais para viejos, película con la que Javier Bardem ganó su primer Oscar. Si ya aquel título se me hizo cansino, no me quise arriesgar con la adaptación de La carretera (si acaso la obra más conocida del citado autor) pero me decanté por El consejero, ya que su reparto es bastante llamativo. Pero de nuevo se confirma que unos cuantos actores (más o menos buenos o famosos) no levantan un argumento tan soso como este, que parte del vacio para quedarse al final en nada.

Pese a todo quiero dejar bien matizado que una película como esta no se puede tildar de mala a la primera, porque si tiene momentos puntuales brillantes. Pero el problema radica en una historia muy insípida que no consigue ser levantada por el elenco protagonista, que en algunos casos parece que esté presente tan solo como reclamo para vender la película que por la importancia de su personaje (si bien como no acaban todos vivos hay que reconocer que cierta sangrienta muerte, que indico un poco más abajo, es uno de los grandes logros de esta, por otra parte, irregular película)

Del reparto el primero al que le toca "recibir" es sin duda Michael Fassbender, que pese a todo lo que le sucede, nunca consigue transmitir la empatía necesaria como para que al espectador le interese lo que le va pasando. Si continuamos con mi compatriota pareja de actores (los españoles Javier Bardem y Penélope Cruz) digamos que el primero sale en el mismo plan excéntrico que tenía en Skyfall mientras que la segunda no va más allá del mero adorno (su escena inicial casi lo mejor que hace durante todo el metraje). Otro que tan solo cumple sería Brad Pitt, si bien es junto con Cameron Diaz los que tienen los personajes más determinantes... y no digo más para no spoilear.

En cuanto a la valoración general, a El consejero le pese mucho ser una película más reflexiva que activa, de ahi que tan solo haya un par de escenas memorables, siendo una de ellas la aplicación de cierto elemento ahorcador con el que uno de los protagonistas acaba desangrado, ya que el citado chisme (como una especie de brida que poco a poco se aprieta más) puede acabar cortando la cabeza de la víctima (algo que, ¡lástima!, no se vé) pero la misma muere antes al rebanarse la carótida.

LO MEJOR: El director y el reparto, llamativos para todo aficionado al cine, así como puntuales escenas como la del ahorcamiento final de uno de los personajes.

LO PEOR: Es lenta, aburrida y los personajes hablan mucho y hacen poco.

LA CURIOSIDAD: Si la película se titula El consejero, ¿porque los subtítulos del pase de prensa al que acudí traducen esa palabra por "abogado"?


miércoles, 20 de noviembre de 2013

FROZEN: EL REINO DE HIELO, un instantáneo clásico DISNEY

FICHA TÉCNICA

Título: Frozen, el reino de hielo
Título original: Frozen
Dirección: Chris Buck
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 29/11/2013
Duración: 108 min.
Género: Familiar, Animación, Aventuras
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Kristen Bell, Idina Menzel, Josh Gad, Alan Tudyk, Santino Fontana, Chris Williams
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Cuando una profecía condena a un reino a un invierno eterno, Anna, una joven optimista se une a un temerario montañero llamado Kristoff y a su compinche el reno Sven. Juntos emprenden un viaje épico en busca de Elsa, hermana de Anna y Reina de las Nieves para poner fin al gélido hechizo. Adaptación del cuento "La reina de las nieves".

CRÍTICA

Que Disney es una de las mayores fábricas de ilusiones del mundo es algo evidente en su amplio historial de títulos que en muchos casos se han convertido en clásicos por méritos propios, marcando la infancia de varias generaciones. Aunque ahora puede estar en un buen momento (en parte gracias a las muchas alegrias en taquilla que han dejado los títulos de Pixar) no hay que olvidar que también hubo una edad "oscura" dentro de la compañia, de la que resurgió a finales de los 80 y principios de los 90 con films tan recordados y apreciados como Aladdin, El Rey León o La Bella y la Bestia (por poner unos ejemplos)

El espíritu, el candor y la magía de clásicos modernos como los que he citado está presente también en Frozen: El reino de hielo, una estupenda (aunque libre) adaptación del relato de Hans Christian Andersen titulado La reina de las nieves, y que la factoría Disney consigue llevar a su terreno, consiguiendo un espectáculo tan notable que no sería precipitado de tildarlo como el mejor título no-Pixar que ha salido de las entrañas de esta fábrica de fantasias en los últimos tiempos, aparte de que uno ya se imagina su adaptación en Broadway porque se presta a ello como ya pasó con La Bella y la Bestía (con la que guarda una similar estructura) La espera ha merecido la pena, ya que el propio Walt Disney quería haber adaptado el relato hace ya 70 años, hasta que al final claudicó por imposible (para la época)

Previo a la película nos deleitan con un nuevo corto de Mickey Mouse para celebrar su 85 cumpleaños titulado Get a horse!. El mismo puede parecer ya antiguo en su estilo gráfico, pero tras un inicio clásico se integra al espectador dentro de la acción al "romperse" la pantalla, saliendo por ella los mismos personajes pero en animación digital en 3D, en un "juego" que puede recordar a El moderno Sherlock Holmes de Buster Keaton, La rosa púrpura del Cairo de Woody Allen o El último gran héroe de John McTiernam y con Schwarzenegger parodiando los estilos de sus películas por aquella época.

En cuanto a Frozen: El reino de hielo, hay que reconocer que vendría a ser una continuación de lo ya visto en Tangled (Enredados) y sobretodo en Brave (Indomable) de Pixar, al servir para renovar una variante tan propia de Disney como son sus famosas princesas, labor que lleva a cabo sin renunciar a sus elementos más representativos, pero orientado de manera clara hacia un público moderno que no congeniaría con esquemas morales caducos y rancios. No en vano de nuevo aqui son las mujeres las que llevan la acción del relato (todo gira en torno a las hermanas protagonistas Anna y Elsa), sin verse mermadas para nada por las presencias masculinas, que además quedan en un rol más secundario.

A raiz del éxito de Shrek (y sus secuelas y derivados) se propagó una vertiente más sarcástica dentro del cine de animación que puede pecar de caduca al estar centrada en unos conceptos concretos y no siempre perdurables (que es lo que ha hecho que la parodía, incluso en imagen real, haya derivado al bajo concepto que tiene ahora mismo) Esa ironía también se propagó en la Disney, y se podría decir que la misma puede estar patente de manera leve en Anna, la hermana joven, quizás muy moderna teniendo en cuenta el estilo de la película. Pero son meros detalles circunstanciales en una historia desarrollada desde el clasicismo, pero con ese toque actual que evita pretéritas cursilerias tópicas, y todo ello con las técnicas de animación más modernas (digital 3D frente al tradicional 2D: ¿Tiana y el sapo será la última de Disney en ese "arcaico" estilo?)

En cuanto a los personajes, estan todos bien perfilados como para que ninguno levante antipatias entre el público, siendo de entre los principales mi preferido el de Elsa, la mayor de las dos hermanas y que ha de vivir con la maldición de que todo lo que toca se congela, lo que provoca algunos de los momentos más intensos y álgidos de la película cuando dicho poder le resulta incontrolable (al principio me recordó al Hombre de Hielo de los X-Men, aunque la capacidad de esta supera con creces al del citado mutante de los comics de la Patrulla X) A ella, desde cierto punto de vista, se la podrían considerar la villana (o bruja) de la historia, pero su drama introspectivo levanta sin problemas las simpatías del público, aunque eché de menos una explicación del origen de sus congeladoras facultades.

Entre los secundarios incluidos como alivio cómico a la acción, mi preferido es el reno Sven, que siguiendo el estilo clásico de Disney, no necesita hablar para hacerse del todo expresivo. Aún así tenias mis reservas con Olaf, un muñeco de nieve con vida que desea disfrutar del calor del verano (y orientado de manera clara hacia los espectadores más jovencitos) pero consigue hacerse simpático y ameno sin caer en lo molesto (no es Jar Jar Binks), convirtiéndose en un importante punto del triángulo secundario que formaría junto con los personajes de Kristoff y el ya citado de Sven, entre los cuales el muñeco Olaf nunca desentona (asumida su orientación más infantil)

En resumen, sin duda alguna Frozen: el reino de hielo es todo un clásico de la Disney a la par que su mejor musical animado desde la época de La bella y la bestía.

LO MEJOR: Todo está perfectamente ensamblado como para crear un resultado final tan notable como entrañable, que nos servirá para recordar los clásicos de antaño con los que nos obsequió en nuestra infancia la Disney.

LO PEOR: Nada achacable a la película sino al videoclip con la canción La puerta hacia el amor, interpretada por Abraham Mateo, concesión lógica de Disney al típico producto de moda del momento.

domingo, 17 de noviembre de 2013

MACHETE KILLS, innecesaria secuela de este JAMES BOND mexicano

FICHA TÉCNICA

Título: Machete Kills
Título original: Machete Kills
Dirección: Robert Rodriguez
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 11/10/2013
Duración: 107 min
Género: Criminal, Thriller, Acción
Reparto: Jessica Alba, Mel Gibson, Michelle Rodriguez, Danny Trejo, Tom Savini, Sofía Vergara, Vanessa Hudgens, Alexa Vega, Cuba Gooding Jr., Amber Heard
Distribuidora: Lionsgate
Productora: 1821 Pictures, Overnight Films, Aldamisa Entertainment

SINOPSIS

El gobierno de los Estados Unidos decide reclutar al legendario Machete (Danny Trejo) para luchar contra los traficantes de armas que operan en la frontera mexicana. Pero esta vez Machete tendrá que enfrentarse a algo peor: un arma que podría volar por los cielos y sembrar toda la región de la más absoluta destrucción. Como siempre, muchos tiros, mucha sangre y muchas mutilaciones -además de chicas súper hermosas- en una película que rebosa acción por los cuatro costados.

CRÍTICA

Cuando ví la anterior entrega de esta ¿saga? (mi crítica la teneis por este enlace) ya dejé clara mi opinión de que era un simple entretenimiento realizado por Robert Rodriguez con mucho cachondeo y poca vergüenza. Lo malo es que lo que tenía que haberse quedado ahi lo han intentado estirar con esta innecesaria secuela, con aviso de tercera (Machete kills again in space) en el falso trailer previo al inicio de esta Machete kills, que recupera la estética de celuloide cutre con el que nació la idea, allá por GrindHouse en 2007 (algo que luego esta secuela no continua).

Cuidado, porque no negaré la gracia de ese citado anticipo, donde se demuestra que la sombra de Star Wars es alargada (atención a ese sucedaneo de Darth Vader bajo cuya máscara tendremos sorpresa o a ese Justin Bieber robótico al estilo de C3PO) algo a lo que ayuda todo lo que sucede en la parte final de esta película, con incluso una disparatada referencia al destino de Han Solo al final de El imperio contraataca o el origen a ese villano sucedaneo de Vader. El problema es que Machete kills en el fondo es TAN simple que su metraje se antoja excesivo, ya que hay muchas escenas que no aportan nada al conjunto, que no tendría que haber superado ni los 90 minutos.

De nuevo las mujeres es lo más llamativo de la película, todas ellas muy sexys pero que tampoco hacen mucho más allá de lucir tipo y punto (el chiste de la gracia de lo de las tetas de Sofia Vergara no aporta nada más allá de lo visto en el poster, aunque si se me hizo simpático que previo al supuesto desnudo de Amber Heard nos avisen de ponernos las gafas 3D) Y es que se sigue usando al personaje de Machete como si fuera el prototipo de macho deseado por cualquier mujer, en clara parodía a la saga de James Bond... aunque en algunos momentos sus maneras recuerdan más bien a las de Tarzán (por lo monosilábico de muchas de sus respuestas)

Hay una "relativa" referencia arácnida porque circula por allí un asesino de nombre Camaleón y cuyo cambio de rostro es la tonta excusa para que esté interpretado en diferentes momentos de la película por Lady Gaga, Antonio Banderas y Cuba Gooding Jr. Son simples cameos metidos con calzador tan solo por la supuesta gracia de ver algún que otro rostro famoso o conocido, aunque su presencia sea episódica y su importancia en el relato oscile de ridícula a sencillamente prescindible, algo evidente en el citado Camaleón, que en esencia NO PINTA NADA.

Eso si, no voy a negar los dos claros aciertos que tiene esta secuela, que son los de incluir como Presidente de los Estados Unidos al actor Charlie Sheen (aqui rebautizado como Carlos Estevez, su nombre original) siendo destacable la escena de cama que comparte con tres mujeres (¡porque con una no basta!) El otro acierto es Mel Gibson, cuyo villano resulta de lo más divertido (sería como uno de esos megalómanos de la saga Bond que pretenden dominar el mundo) pese a todo lo que tarda en salir en pantalla (tiene que pasar casi una hora de metraje para que aparezca)

Pese a que la anterior entrega cuadriplicó su presupuesto inicial, eso no parece que vaya a pasar con esta secuela, por lo que no es probable que volvamos a ver a Machete en pantalla... aunque para el caso bien podría Santiago Segura hacer un crossover e incluirlo en alguna futura entrega de su Torrente, que en esencia vendría a ser lo mismo (ese también se ha posicionado como pseudo-parodía de James Bond) pero con todos los estereotipos españoles más rancios y casposos (el nivel de cutrez de ambas sagas así como sus aspiraciones finales viene a ser más o menos paralelo)

LO MEJOR: Aunque tampoco sean ninguna maravilla, los personajes encarnados por Charlie Sheen y Mel Gibson, aparte de la lógica empatía que aún desprende el protagonista Machete. Y el trailer previo de la hipotética tercera entrega, que sigue el espíritu GrindHouse con el que nació la idea.

LO PEOR: Es demasiado larga, algo evidente en un ritmo con altibajos y con claros insertos de personajes que no pintan nada más allá de ser el curioso cameo de tal o cual celebridad (aparte de la sensación general de que es un simple chiste estirado más allá de lo debido y que resulta por momentos cansino al no aportar detalles reseñables y ser tan solo más de lo mismo)

sábado, 16 de noviembre de 2013

LOS MUERTOS DEL HAMBRE, idiotizando LOS JUEGOS DEL HAMBRE

FICHA TÉCNICA

Título: Los muertos del hambre
Título original: The Starving Games
Año: 2013
Duración: 83 min.
País: Estados Unidos
Director: Jason Friedberg, Aaron Seltzer
Guión: Jason Friedberg, Aaron Seltzer
Música: Tim Wynn
Fotografía: Shawn Maurer
Reparto: Maiara Walsh, Brant Daugherty, Cody Christian, Lauren Bowles, Christopher Matthew Cook, Joseph Aviel, Eric Buarque, Jason Stanly
Productora: The Safran Company / Louisiana Production Consultants
Género: Comedia | Parodia

SINOPSIS

Parodia de "Los juegos del hambre" de los creadores de "Date Movie" y "Epic Movie". También parodiará producciones de éxito recientes como "Los vengadores", "Sherlock Holmes" o las últimas entregas de "Harry Potter"

CRÍTICA

Aún no me explico como he sido capaz de ver esto (menos mal que es corta) ya que con la horrible experiencia que fue Casi 300 (que fue donde conocí a los perpetradores de cosas como Epic Movie, Date Movie y similares) esperar algo VISIBLE, que no necesariamente bueno o tan solo entretenido, era una utopia. Pero valiente como soy, pensé: "yo puedo, venga, yo puedo"... y menos mal que no he pagado por ver esto en cines porque es que casi diría que no merece la pena ni de verla gratis (aunque no te hace perder mucho tiempo)

Seré sincero, yo soy de los que les gustó la película de Los juegos del hambre (ya había disfrutado con la novela antes) y estoy a la espera de que se estrene pronto su primera secuela (En llamas) por lo que tenía curiosidad por ver que se podía hacer dentro de los márgenes en los que se mueven los perpetradores de este film (presupuesto paupérrimo, efectos de risa, actores de pena, referencias forzadas a otros títulos,...) En si esta es la segunda película de estos individuos que veo completa (la primera fue la citada Casi 300) ya que otros bodrios suyos los he visto por televisión haciendo zapping (¡no pago por ver según que cosas!)

Como toda supuesta parodía que se precie aqui también tenemos supuestos chistes sexuales y/o escatológicos que decir que no tienen gracia es ser suave con ellos, aunque al menos tienen más coherencia (dentro del desastre) que el meter, sin venir a cuento, referencias a Avatar, Los Mercenarios o Los Vengadores, todas ellas de un humor pésimo y que encima no se relacionan para nada con el resto del ¿relato?, así como la afición "barbuda" de uno de los personajes por las marcas tipo Nike, McDonalds o Starbucks (que dudo mucho que hayan pagado por publicidad tan lamentable)

No es lo único, por allí también habrá referencias a Harry Potter (sin venir a cuento, como todo lo demás) aunque es la que hacen a Sherlock Holmes la que mejor funciona, al no mostrarla tan descaradamente (del film de Guy Ritchie toman la previsión del combate que hace el protagonista) Y es que siguiendo el estilo de sus supuestos directores, la cuestión es hacer un montón de chistes por minuto con la esperanza de que alguno hará gracia, bien sea escatológico, absurdo, sexual o referencial, lo que al final acaba aburriendo.

LO MEJOR: Que dura poco, ya que la película en si son unos 70 minutos siendo el resto las supuestamente divertidas tomas falsas y los títulos de crédito. Y lo gracioso de la traducción de su título (probablemente lo único que hace gracia) así como el cambio del logo (ver imagen inferior)

LO PEOR: Lo ridículo de las parodias de Avatar (con inclusión de un simil de James Cameron), Los mercenarios (que es parodiar a unos actores que de por si ya parodían los estereotipos de sus films más conocidos) y Los Vengadores (que parecen vestidos con los descartes del último Carnaval) El resto sigue el esquema de Los juegos del hambre pero todo a base de chistes idiotas, forzados y sin la supuesta gracia que tan desesperadamente buscan sus perpetradores (porque llamar a eso directores es un insulto incluso para el peor de ellos)

sábado, 9 de noviembre de 2013

MALAVITA (THE FAMILY) de LUC BESSON, la Mafia contra ROBERT DE NIRO, MICHELLE PFEIFFER y TOMMY LEE JONES --[¡ACTUALIZADO!]--

FICHA TÉCNICA

Título: Malavita
Título original: The Family
Dirección: Luc Besson
País: Francia, Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 15/11/2013
Duración: 111 min
Género: Criminal, Comedia, Acción
Reparto: Robert De Niro, Michelle Pfeiffer, Tommy Lee Jones, Dianna Agron, Dominic Chianese, David Belle, Vincent Pastore
Distribuidora: TriPictures
Productora: Relativity Media, Media Magik Entertainment, EuropaCorp

SINOPSIS

Un capo de la mafia y su familia se trasladan a un tranquilo pueblo en Francia, llevados ahí por el programa de protección de testigos, tras facilitar información criminal a la policía. A pesar de los esfuerzos del agente Stansfield (Tommy Lee Jones) por mantenerles a raya, Fred Manzoni (Robert De Niro), su mujer Maggie (Michelle Pfeiffer) y sus hijos Belle (Dianna Agron) y Warren (John D'Leo), no pueden evitar recaer en viejas costumbres al lidiar con sus problemas al estilo de la familia. El caos llegará cuando los antiguos compinches intentan localizarles y ajustar las cuentas en el lugar más insospechado...

CRÍTICA

Tengo que reconocer que el género mafioso ha sido usado tantas y tantas veces que lo encuentro muy aburrido tan solo de entrada a menos que tenga algún detalle que no lo haga ser "más de lo mismo". En que me decantara por esta opción tuvo mucha importancia su reparto, ya que el trio protagonista se puede admitir sin duda que son buenos intérpretes, por más que en sus carreras haya títulos para todos los gustos. Siendo previsor ya me he cogido en préstamo la novela en la que está basada esta película (que en su momento será reseñada en mi blog para esos temas) (ACTUALIZACIÓN: MI RESEÑA DEL LIBRO POR ESTE ENLACE), pero antes de que le llegue su turno de lectura vamos a comentar el film, que en el fondo no deja de ser un simple entretenimiento donde (¡menos mal!) el manido tema mafioso no agobia ni aburre.

Y es que al igual que en 1999 Una terapia peligrosa demostró que hay humor en ese género (sobretodo a cuenta de su infinidad de clichés y estereotipos), otro tanto ocurre con esta Malavita, título original tanto de la novela como de este film, aunque se haya estrenado en Estados Unidos como The family y en Latinoamérica como Una familia peligrosa (quizás intentando hacer una equivalencia con el citado film de 1999 de Harold Ramis). Por eso resulta lógico que repita Robert de Niro como mafioso (aunque ya sé lo poco original de la elección) ya que podriamos decir que es el actor actual más emblemático para ese género, lo mismo que (valga el paralelismo) Hugh Jackman es el mejor Lobezno o Anthony Hopkins el mejor Hannibal Lecter.

De todas maneras si es justo reconocer que al igual que los actores del ejemplo, el señor De Niro no se esfuerza mucho en su papel, con la lógica de que su sola presencia hace creible al personaje... lo cual le funciona con momentos acertados (cuando tiene que hacer ver que es escritor, el tramo del fontanero o en sus violentos pensamientos) aunque en otros no tanto (como el coloquio final tras la película que va a ver, que daba perfecto pie a que soltara un poco su vena histriónica) Como mínimo su intervención es correcta, al igual que la de un Tommy Lee Jones que vuelve a encarnar por enésima vez a un defensor de la ley (su galardonado Gerard de El Fugitivo ya se le ha quedado perenne para siempre)

Cumplidora es también la presencia de Michelle Pfeiffer, que vuelve a demostrar su talento en momentos tan brillantes como la compra en el supermercado. Y es que será a partir de ahi cuando veamos como los personajes no pueden dejar de lado su experiencia mafiosa, algo que se hace más patente en los dos hijos de la pareja y como se "integran" dentro del instituto donde van a parar (aunque los métodos del hermano son los más "evidentes" de su pasado, sorpresa agradable que me he llevado con el descubrimiento de la preciosa hermana encarnada por Dianna Agron (vista en la serie Glee) que desde su tramo inicial con los chicos que la llevan en coche ya deja claro que aunque sea guapa no es ni mucho menos una jovencita indefensa) Correcta también la labor de Luc Besson como director, si bien no llega al nivel de su clásico León: el profesional.

A lo largo de sus 111 minutos se irán sucediendo varios incidentes que son los que sirven para ver que el "pasado" de esta familia no les abandona, si bien hay algunos detalles secundarios que se podrían decir que estan un poco "de relleno" (por ejemplo lo del agua marrón) aunque sin duda el que mejor funciona es el relativo al pase de la película Uno de los nuestros de Martin Scorsese (curiosamente también productor de esta película) si bien ahi es cuando, como he indicado antes, De Niro podría haberse desmadrado un poquito, ya que si consideramos este film como comedia (donde mejor podría encajar) lo sería con cierta ambigüedad, funcionando mejor los tramos de los hijos (que se prestan más a ello) que el de los padres (con más altibajos)

De todas maneras resulta previsible desde el primer momento que los mafiosos que les siguen encontrarán a esta familia (aunque se refugien en un perdido pueblecito francés) por lo que el tramo final podría ser el más tópico y típico (incluyendo la sucesión de "casualidades" que propicia esa confrontación final) Además en ese último tramo hay ciertos detalles un poco dificiles de "encajar" (por ejemplo ese personaje que llegados al último tramo parece que se va a suicidar pero que luego parece desenvolverse muy bien entre tiroteos y escaramuzas) Aún así el único objetivo de la película es entretener, algo que cumplen de manera óptima pese a ciertos altibajos y ambigüedades de un guión que por momentos no sabe por que camino decantarse.

LO MEJOR: Robert de Niro, Michelle Pfeiffer y Tommy Lee Jones son tan correctos como uno podía preveer, pero la sorpresa me la he llevado con una Dianna Agron, que resulta creíble incluso como hija de la Pfeiffer (de madre hermosa sale hija preciosa) Asimismo algunos gags donde nos resulta evidente que esta disfuncional familia no puede acabar de "olvidar" los métodos de sus orígenes.

LO PEOR: Cierta indefinición patente durante todo su metraje (aunque sea comedia parece querer ser otras cosas pero sin decantarse por ninguna), así como detalles secundarios (como lo del agua marrón o lo de la iglesia) que no aportan nada al resultado final.