PINOCHO (2022), mimetismo innecesario (crítica sin spoilers)

Disney lleva muchos años viviendo del filón de los remakes en "acción real" de sus clásicos animados, con resultados dispares que van de lo curioso (unos pocos) a lo innecesario (la mayoría de ellos), aunque a veces combinando ambas definiciones. Y es que resulta innegable que para llevarlos a cabo no escatiman en medios, pero dejando palpable la mayoría de veces que un apartado visual portentoso no lo es todo si debajo no saben trasladar la "magía" del original, que es lo que lo hizo clásico. Eso es lo que le ocurre a este remake de Pinocho, que copia el aspecto del emblemático film de 1940, pero dejándose por el camino las emociones que transmitía aquella película de hace ya más de ocho décadas, que además ganó un Oscar por la popular canción When a wish upon a star (la cual se convirtió en la fanfarria de todas las producciones Disney de forma recurrente)

En una temporada en la que aparte de esta adaptación de Pinocho también llegará a Netflix la auspiciada por Guillermo del Toro, y con el recuerdo de la más reciente (2019) de Matteo Garrone con Roberto Benigni como Gepetto, yo me imaginaba que la mayor diferencia entre las dos de este 2022 radicaría en que esta de Robert Zemeckis sería la más conservadora y la del mexicano la más artística... pero lo que no me imaginaba es que esta lo sería TANTO, que replicaría la cinta de 1940 tan solo introduciendo guiños más contemporáneos, así como algunos detalles bastante anacrónicos, con un resultado final que no molesta, pero dista mucho de convencer.

Aunque los relatos sean diferentes, el mejor ejemplo para comparar a esta película con otro reciente remake surgido de la misma factoria sería El rey león de 2019 (e incluso con matices), ya que en ambos casos el acabado visual es destacable, si bien en este caso tiene detalles discutibles (el CGI no resulta muy acertado en algunos momentos); pero ambos coinciden en no ofrecer nada nuevo que mejore a la película original. En el presente caso resulta incluso más sangrante ver a un director que en su época fue emblemático como Robert Zemeckis, (responsable de clásicos como la trilogia de Regreso al futuro) junto a un actor como Tom Hanks (que ha demostrado su valía a lo largo de su carrera) trabajar en esta película con el piloto automático puesto, siendo meros replicadores de lo que la empresa les solicita: si el público pide más de lo mismo, pues hacemos más de lo mismo. De hecho el film de 1940 resultaba en algunos momentos algo perturbador, lo que aqui es sustituido por un tono monocorde en el que el espectador va asistiendo a las diferentes aventuras de Pinocho (por fuera llamativas, pero vacias por dentro) en su intento por convertirse en un niño de verdad.

Aunque el mayor porcentaje de metraje no deje de ser una copia del film animado de 1940, esta nueva versión se permite guiños al público un tanto autocomplacientes (como esos relojes plagados de personajes de películas de la factoria Disney, que resulta curioso pero apenas testimonial), así como detalles algo anacrónicos que se antojan tonterias innecesarias (ver algunos de los comentarios que hace el Honesto John, con voz original de Keegan-Michael Key) También suscitó polémica antes de su estreno la elección de Cynthia Erivo como el Hada Azul, por el cambio racial que representaba respecto a la imagen original de este personaje, pero más allá de los prejuicios que puedan tener algunos, se trata de una mera jugada comercial para contentar al máximo de público posible, que concuerda con el conformismo que destila este innecesario remake. Porque al final este decepcionante Pinocho tan solo busca el mayor mimetismo posible con la versión animada que deslumbró a muchas generaciones, dejándose por el camino todo lo demás, en un nuevo eslabón de remakes que prepara Disney para contentar a ese público que tan solo pide más de lo mismo.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA EN DISNEY PLUS: 8 de septiembre de 2022.
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ELVIS, un fastuoso pero muy dilatado biopic (crítica sin spoilers)

El mundo del espectáculo está lleno de "juguetes rotos" que sería el apelativo que se le suele dar a esos artistas que suben a la fama como la espuma, pero que están rodeados de supuestos "amigos" que en vez de gestionar su fortuna se dedican, cual si fueran carroñeros, a vivir "a todo tren" de sus beneficios, hasta que dicho artista ya no logra triunfar como antes... y entonces deja de ingresar dinero, lo que lleva a la inevitable caida, no solo económica sino también personal. Dicho ejemplo es bastante evidente en el mundo de la canción, y en especial si el artista es un joven que triunfa, entre otros factores, justo por ello, pero que al crecer pierde dicho candor... y con él la fama. 

 

Ejemplos de eso hay muchos: en el mundo de la canción española podría citar a Joselito o Marisol (aunque seguro que hay más), incluso anteriores a Elvis Presley podría citar a Judy Garland (anclada para siempre como la protagonista de El mago de Oz, como se vió en su biopic de hace unos años), aunque también hay otros más recientes como Macaulay Culkin (aunque vuelvo a insistir en que seguro que habrá más) Lo que ocurre es que en este caso de Elvis Presley el Coronel Tom Parker fue quien le llevó a la fama, y una vez arriba lo estrujó cual si fuera una esponja (aunque otro simil más o menos acertado podría ser compararlo con una garrapata), hasta que lo llevó a una prematura muerte que acabó con el cantante pero inició el mito (creo recordar que dijeron que es el artista difunto más rentable, aún habiendo fallecido hace ya 45 años)

Es por eso que el principal fallo de este fastuoso biopic dirigido por Baz Luhrmann estaría en contar toda la historia desde el punto de vista del Coronel Tom Parker, lo que le da al resultado final cierta ambigüedad entre lo que en verdad fue y lo que quiere aparentar ser. A eso no ayuda un Tom Hanks con prótesis para darle una figura más oronda, que nunca resulta creíble ni cuando parece apoyar a Elvis para llevarlo a la fama (dejando claro al espectador que lo que le mueve es la codicia), ni cuando quedan evidentes sus mentiras (ni era Coronel ni se llamaba Parker) así como sus intrigas para expoliarlo (a las que cede Presley por pura resignación, dando una imagen de persona totalmente manipulable) En este caso estariamos ante esos ejemplos en los que no acabas de ver al personaje, sino al actor de turno interpretando al personaje, por lo que con la carrera previa de Hanks, si se supone que es malo no convence, pero cuando va de supuesto benefactor tampoco. Por contra Austin Butler, actor sobretodo televisivo que tiene aqui su primer papel protagonista, cumple bastante bien (pese a mis reticencias iniciales) como Elvis Presley.

 

Otro palpable handicap de esta Elvis sería una extensa duración de 159 minutos, que provoca unos muy evidentes altibajos en su ritmo: uno esperaría que con casi tres horas de metraje no sólo se detendría en momentos destacables de la biografía del personaje sino que sabría desarrollarlos, pero se decanta por tan sólo exponer (siempre de esa forma fastuosa en la que entiende el cine Luhrmann), dejando en el espectador la opción de que si quiere saber más investigue por su cuenta. Es cierto que el periodo de tiempo que abarca este biopic (más de dos décadas) fue extenso en cuanto a acontecimientos, por lo que se requiere una labor de concreción que llevan a cabo de manera aceptable, pero da la sensación de que un formato de miniserie televisiva hubiera sido más acertado que el de largometraje de cara a exponer todos esos detalles de una forma más fidedigna. Incluso esta película se permite sugerir cierta preocupación por los derechos civiles en Elvis, que parece incluida tan solo para mostrar momentos históricos relevantes que sucedían en el lapsus de tiempo que abarca esta cinta, pero que aportan poco (o nada) al resultado final.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de junio de 2022.
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NOTICIAS DEL GRAN MUNDO con TOM HANKS (crítica sin spoilers)

Esta película representa una nueva colaboración entre Paul Greengrass como director y Tom Hanks como protagonista después de que ambos ya coincidieran hace unos años en el film Capitán Phillips, si bien en esta ocasión cambian de registro con un género radicalmente diferente al de su anterior trabajo en común como a la par que tremendamente clásico: el western. Con claras referencias a Centauros del desierto de John Ford (y con John Wayne de protagonista principal) en lo que a su premisa argumental se refiere, uno de sus detalles más evidentes sería el freno que se autoimpone el director, ya que nos había acostumbrado a un ritmo bastante más frenético (como el visto en sus películas de la saga de Jason Bourne), decantándose en esta ocasión por ofrecer una cinta con un desarrollo más pausado (sin que ello venga a significar que sea monótono, que era lo que inicialmente temía)

 

Parte del mérito a la hora de ofrecer un aceptable resultado puede estar en que esa contención que citaba también se traslada a su metraje (que no llega a las dos horas: 118 minutos) así como a un claro y evidente esquema episódico en lo que tambien se podía interpretar como una variante de road movie en el que unos personajes tienen que ir desde un punto A hasta un punto B, en donde lo que eran al principio se verá modificado por las circunstancias y vicisitudes que vivirán, acabando con una lección moral que les hará crecer como personas. Ahí se podría admitir que nada mejor que tener a un actor como Tom Hanks al frente, que tiene aqui su enésimo personaje noble ideal para él.

 

La historia se centra en el capitán Kidd, un veterano con un pasado traumático desde el final de la Guerra de Secesión (en donde luchó con los Confederados) que se dedica a ir de pueblo en pueblo ganándose unas monedas a cambio de informar a los habitantes que quieran de cuales son las últimas noticias que circulan por el mundo (hay que tener en cuenta que en aquella época de colonización el analfabetismo estaría a la orden del día, la información no circulaba tan veloz como en la actualidad, por lo que un "trabajo" como el del protagonista no parece del todo descabellado) En su periplo el destino le hará cruzarse con una niña alemana que fue secuestrada por los indios kiowa cuando era un bebé y a la que no tendrá más remedio que intentar llevar hasta lo que le queda de su familia más cercana. Destaca ahi la buena labor de la joven actriz Helena Zengel, que sabe dar la réplica al personaje encarnado por Hanks, siendo sobre los hombros de ambos que se sostiene acertadamente esta película, mientras que el resto del reparto sería más esquemático.

 

En un largo viaje en el que se encontrarán con todo tipo de problemas y dificultades (representadas en su mayoría por unos corruptos y depravados hombres blancos más que sobre unos indígenas que nunca son representados como otra cosa que no sea víctimas de la desproporcionada colonización), también la salvaje naturaleza les llevará hasta el límite. Eso llevará a que estos dos personajes desarraigados y solitarios establezcan unos inesperados vínculos que tienen en la decisión final del capitán Kidd la lógica resolución a la nobleza que destila la académica labor interpretativa de Tom Hanks (sin que ello se pueda tildar de handicap) en el que sería su enésimo personaje que rebosa bondad por todos sus poros. Es cierto que hilando fino se pueden ver ciertos paralelismos entre la situación política que nos propone esta cinta y la que vivimos en la actualidad, pero sería justamente ahi donde es innegable que la decencia encarnada por Hanks y la resolución de esta cinta nos ofrece una buena dosis de esperanza de cara a poder superar estos tiempos convulsos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO LIMITADO EN ESPAÑA: 29 de enero de 2021.
• FECHA DE ESTRENO EN NETFLIX: 10 de febrero de 2021.
  
• LO MEJOR: Aparte de la labor interpretativa de su duo protagonista es de justicia destacar también la preciosa fotografía de Dariusz Wolski y la notable banda sonora de James Newton Howard.
• LO PEOR: Nunca intenta trascender más allá de lo que propone, y los villanos con los que se cruzarán en su viaje no acaban de tener suficiente entidad como para convencer del todo.
  

TOY STORY 4, ¿hasta el infinito y más allá? (crítica sin spoilers)

Cuando se anunciaron toda la larga lista de secuelas que Pixar iba a emprender (y que hemos visto en estos últimos años), la que se me antojaba más innecesaria era Toy Story 4 porque consideraba que la tercera entrega ya fue un buen final para esta franquicia y era dificil aportar algo nuevo. Una vez vista esta cuarta entrega es justo decir que aún estando realmente MUY BIEN y aún siendo tremendamente entretenida, su historia se nota que hubiera estado ideal para haberla resuelto en un cortometraje, pero en exceso dilatada como para hacer de ella una película, máxime cuando en esencia tampoco aporta nada que no hubieramos visto (y sentido) con las anteriores entregas. No es una crítica negativa por mi parte porque en su apartado técnico esta cinta es sencillamente GENIAL, con imágenes de un fotorealismo tan perfecto que tienes que pensar que lo que estas viendo ha sido hecho por un ordenador. Pero ya no logró encandilarme como las previas.

En esta cuarta entrega Woody es el protagonista principal, junto al cual se mueven los dos personajes más importantes de esta secuela: por un lado Forky (un "apaño" de juguete que se considera a si mismo basura) y Bo Peep, la pastorcilla que estuvo ausente en la anterior entrega, siendo el prólogo de esta película la explicación para ello. En el primer caso estamos ante una cierta repetición del esquema de la primera cinta, pero mientras allí Woody tenía que aceptar que ya no era el juguete favorito de Andy en beneficio de Buzz Lightyear, aqui le sucede lo mismo con Forky respecto a Bonnie.

Logicamente si ya fue duro para el vaquero aquella ya lejana situación inicial de la primera película de 1995, el verse ahora viviendo algo parecido pero ya directamente con algo que ni es un juguete (la pequeña Bonnie lo "crea" con un tenedor de plástico, un palo de helado y plastilina) provoca que aumente su crisis de identidad. Aún así el bueno de Woody lo acepta con resignación y su máximo objetivo es complacer a Bonnie, de tal manera que se verá inmerso en una nueva operación de rescate cuando intentando convencer a Forky de su condición y funciones (pese a sus divertidas reticencias para verse como tal) el citado "apaño" de juguete se escapa. A partir de ahi se establece una trama que se alarga en sus 100 minutos de metraje, pero que en esencia bien podría haber quedado resuelta en menos, funcionando mejor en el carisma propio de sus personajes, tanto de los ya conocidos (si bien algunos su presencia resultaría meramente anecdótica) como los que se estrenan aqui (destacando de forma especial la agente de policia en miniatura que acompaña a Bo Peep, que me recordó a mi en su aspecto a la Lucy de Peanuts, el Duke Caboom al que pone voz Keanu Reeves o los cosidos Ducky y Bunny, dos muñecos de feria con mucha imaginación)

Pero como he citado antes, las dos presencias más esenciales de esta cuarta entrega serían el nuevo Forky y la renovada pastorcilla, que aqui se suma a todas esas "princesas" Disney que se han visto en estos últimos tiempos, con un caracter y personalidad bien definidos, sin caer en el estereotipo de "damisela en apuros" (que justo en el caso de este personaje es lo que podría haber sido lo más evidente) Eso resulta todo un acierto, más allá de que se introduzca por el hecho de ser el feminismo un concepto ahora más en boga, por la evidente virtud de romper los esquemas que les ofrecen a las niñas de hoy en día, hacia las que de forma evidente está orientada este personaje: la Bo Peep que nos encontramos aqui resulta independiente y valerosa, lo que la lleva a ser un elemento resolutivo de la trama, funcionando al mismo nivel que Woody pero no siendo dependiente de este en ningún momento. Por su parte Forky representa la esencia básica de esta secuela en su intención de volver a ser más cándida e infantil, motivo por el que quizás no he conectado tanto con ella, pero aún así destacable en el caso de este esperpéntico personaje es el hecho de defender en su esencia la imaginación de los más pequeños, en una era tecnificada como la nuestra donde da la sensación de que todo viene ya preestablecido.

Se me puede objetar que es una película eminentemente infantil, pero los personajes que actuarian como relativos villanos de la función (Gabby Gabby y sus muñecos ventrilocuos) tendrían que haber sido algo más tenebrosos, en especial ellos ya que su presencia logra ser bastante inquietante aunque nunca va más allá de ahi, mientras que la relativa malvada a la que pone voz Christina Hendricks pronto queda claro que en esencia tampoco lo es tanto, sino motivada por su situación más personal. Al final esta Toy Story 4 se puede enfocar como epílogo de la franquicia en referencia a su protagonista principal (teniendo en cuenta la decisión que toma al final de la presente entrega), pero al no tener un final tan cerrado como tenía la entrega previa no parece descartable que en algún momento futuro se siga echando mano de esta popular saga, ya que esta cuarta película se antoja como el equivalente para las nuevas generaciones de lo que fue Toy Story para todos los que eramos chavales (más o menos) hace ya 24 años cuando todo empezó. Como siempre en estos casos, la rentabilidad final dictará si la franquicia aún continúa vigente o es mejor dejarla descansar más tiempo (pese a que la tercera película tardó una década en llegar, y esta cuarta casi lo mismo) 

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de junio de 2019
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• LO MEJOR: Resulta una película bastante buena con un nivel técnico portentoso...
• LO PEOR: ... pero no hay nada que la haga especialmente necesaria o meritoria.

CABLE: CONQUISTA, LAS CAPRICHOSAS MALDICIONES DE SÔICHI, JAMES BOND: EIDOLON y TIPOS SINGULARES de TOM HANKS

Mi experiencia con este personaje de Cable es más bien escasa, aunque admito conocer que fue creación de Rob Liefeld en las viñetas e hijo de Cíclope (de los X-Men) y Madelyne Pryor (clon de Jean Grey) en su cronologia personal, si bien el mayor interés estaría en su reciente presencia como compañero de aventuras de Deadpool en esa segunda película del mercenario bocazas donde tenía los rasgos de Josh Brolin (actor que también ha cedido rostro para Thanos en Vengadores: Infinity War)

Si habláramos en términos cinematográficos, el presente comic podría ser el equivalente a esas películas con una buena ración de acción y efectos especiales pero con un argumento que cabe en una servilleta: todo gira en relación a la persecución que hace Cable del villano Conquista, quien pretende recopilar todos los fragmentos de la Espada del Tiempo escondidos en distintas épocas. A partir de ahi el resto es un paseo por el Salvaje Oeste, el Japón feudal, el Yucatán de los mayas, la Rusia zarista o el Cretácico africano, todo ello en pos del objetivo citado.

Es dificil evaluar un comic de estas características, porque lo que a alguien le parecerá alucinante a otro le puede parecer intrascendente. Esa es la sensación que me ha quedado a mi; tal y como he expresado en el primer párrafo, un espectáculo vistoso por fuera pero vacio por dentro. De hecho ha sido su impresionante apartado gráfico a cargo de Carlos Pacheco el que me ha decidido a otorgarle aunque sea una leve mención por aqui, y es que leyendo este comic en muchas ocasiones la calidad del dibujo hacia que disfrutara más con él que con una historia muy simple y excesivamente básica.

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Es cierto que esa tradición de los niños traviesos está presente en todas las culturas, e incluso se podría decir que esto sería la variante que hace Junji Ito de ese estereotipo tan habitual (en el caso español se podría añadir por ejemplo a Zipi y Zape) El problema es que esa clase de niños tiene que de alguna forma ser simpáticos hacia el lector, y ahi tengo que admitir que en ese sentido no he podido con Sôichi, ya que representa para mi (me imagino que con acierto si me provoca esas sensaciones) TODO lo más repelente, repulsivo e intratable de la infancia, el típico niño consentido que dice y hace lo que le da la gana y al que le hubiera ido bien un buen adiestramiento y unas cuantas hostias bien dadas para corregir su caracter.

El protagonista de estos dos volúmenes es Sôichi Tsujii, una repelente criatura de rostro ojeroso, que tiene la manía de ir chupando clavos y más malo que un demonio: ególatra, egocéntrico y egoista a la enésima potencia, siempre que no sale algo a su caprichoso gusto se dedica a lanzar todo tipo de maldiciones para atormentar a todos los que le rodean, incluso aunque sean de su propia familia. El resto de personajes tendrán que soportar como buenamente puedan los maleficios de este crio, que como resulta predecible siempre tomarán el cariz más oscuro, tenebroso y siniestro. Es en ese tono donde sigue acertando Ito, al ser ya experto en esto del terror, ya que los macabros planes de Sôichi hay que reconocer que en algunos casos son bastante ingeniosos, si bien todos giran en torno al mal que perpetrará contra todos aquellos que no se inclinen hacia sus antojos y caprichos.

Con todo lo que llevo leido de este autor tengo que admitir que congenio más con él cuando muestra el terror de forma más grotesca, en algunos casos sin dar opción alguna a la salvación, ya que con el gamberro que protagoniza estos relatos tan solo cabe el humor negro, el cual por abuso se puede hacer cansino. Aún siendo una obra menor (a mi gusto) de este autor, no negaré aciertos puntuales así como el hecho de que algunas de ellas funcionen bien (como las que muestran a este crio perverso siendo ya adulto), lo cual me imagino que vuelve a ser mérito de esa experiencia del autor con el terror, el cual maneja a nivel gráfico con su habitual destreza.

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Tras haber leído en su momento el primero (Vargr) y el tercero (Hammerhead) por fin entró en las bibliotecas el segundo, titulado Eidolon, y que ha sido una de mis recientes lecturas. Lo más bueno de esta serie dedicada a James Bond es que sus arcos argumentales se pueden leer de forma independiente, al funcionar de manera unitaria, por lo que aunque sea el tercero que me leo (y el segundo en su orden) no hay ningún problema si alguien lo escoge para empezar por él.

En este caso la misión de 007 será proteger a una contable que ha descubierto por casualidad una peligrosa información que pone su vida en peligro. Como es lógico, el custodiar a esa chica no será para nada algo sencillo, con muchos enemigos en contra que intentarán evitar el trabajo de Bond. Con un ritmo trepidante hay que admitir que estamos ante un comic muy entretenido, que pese a sus generosas dosis de acción sabe desarrollar su historia para que en todo momento el lector entienda lo que pasa, siendo lo primordial en este caso averiguar el significado de ese misterioso nombre que da título a este comic.

Al igual que ocurría con Vargr (el otro comic que me he leído tiene a otro equipo artístico) el trabajo de Warren Ellis es meritorio, dotando a la historia de la suficiente profundidad como para que evolucione con coherencia, y no sólo se trate de una leve excusa para ir hilvanando diferentes escenas de acción. En cuanto al gran protagonista nos presenta a un Bond firme, seguro y resolutivo que bien podría estar a medio camino entre el clásico de Sean Connery y ese más reciente con los rasgos de Daniel Craig. Y todo ello con un apartado gráfico soberbio, que sabe adecuarse a cada momento de la forma más adecuada (sirva de ejemplo la ausencia total de onomatopeyas, lo cual no es obstáculo para que en los momentos de acción haya toda la violencia que merecen)

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Es indudable que el mayor interés de este recopilatorio de relatos es el hecho de ser la primera obra literaria del conocido actor Tom Hanks, lo cual levanta el interés de cualquier cinéfilo para juzgar por si mismo si es igual de destacable el trabajo del citado intérprete en esta novedosa labor. El resultado final es una digna "hija de su padre" en el sentido de que en muchos relatos que componen esta antología no cuesta mucho imaginarse al propio Hanks en la piel de algunos de los personajes que circulan por ellos.

De entre las 17 historias que componen esta novela encontramos todo tipo de relatos, algunos muy actuales y otros ambientados en el pasado (o incluso alguno con personajes que repiten de historias previas), pero en todos ellos queda palpable la gran humanidad de su autor, ya que en el fondo no dejan de ser historias sencillas, en donde está el nexo común de que Tom Hanks las escribió con diferentes máquinas de escribir, ya que tiene una colección con más de 250. Las 17 historias que la componen son las siguientes:

1. Tres semanas agotadoras: El protagonista de esta primera historia mantiene una relación sentimental durante el periodo de tiempo que el propio título ya indica, en el cual su pareja lo meterá en todo tipo de actividades. No es muy dificil imaginar una comedia romántica a partir de esta historia que bien podría haber protagonizado el Tom Hanks de los años ochenta.
2. Nochebuena de 1953: En un principio se puede pensar que es la típica historia navideña, pero en si le sirve a su protagonista (un veterano de guerra) para recordar que tal le fueron esas fiestas hace 10 años, cuando era soldado, así como todo lo que ha cambiado su vida desde entonces. Como es lógico aqui también se puede imaginar a dicho protagonista con el rostro de Hanks.
3. Una gira promocional en la Ciudad de la Luz: Se nota de nuevo que estamos ante algo que el autor conoce muy bien, ya que vendría a relatarnos el montón de compromisos que tiene asociado el trabajar para un blockbuster de Hollywood desde el punto de vista de los implicados. Resulta curioso y uno se imagina algo así para muchos films con campañas de marketing masivo.
4. Un elefante en la redacción es una breve crónica periodística desde el punto de vista de un redactor (Hank Fiset) que no acaba de hacerse a la idea de los cambios que conllevan las nuevas tecnologias dentro de su ramo.
5. Bienvenido a Marte: Pese a que el título pueda dar a entender algo de ciencia-ficción, estamos ante la historia de un padre y un hijo que van a surfear, y en donde el más joven descubrirá por accidente que ya nada volverá a ser lo mismo con su progenitor.
6. Un mes en Greene Street: Se centra en la mudanza de la protagonista de esta historia a su nuevo hogar en Greene Street, en el que descubrirá características y secretos de sus vecinos que le harán ver que bajo una sonrisa puede haber un drama de superación ante las adversidades.
7. Alan Bean y cuatro más: Recupera a los personajes de la primera historia para un relato espacial que puede llevar a recordar a la propia Apolo 13 protagonizada por Hanks, pero enfocado desde un punto de vista más "casero".
8. De garbeo por la Gran Manzana es otra breve crónica periodística a cargo de Hank Fiset que en este caso trata sobre lo que ofrece Nueva York en un paseo por la ciudad.  Al igual que el previo de este mismo estilo, resulta un relato más que nada anecdótico.
9. ¿Quién es quién?: Una aspirante a actriz a finales de los años setenta parece que lo tiene todo en contra hasta que se cruza con un antiguo conocido que la ayudará a triunfar, aunque el relato se centra más en el proceso previo al estrellato (incluida la elección de "nombre artístico")
10. Un fin de semana especial: Un joven chaval de 10 años narra el fin de semana que pasa con su madre, ya que sus padres están separados y han emprendido nuevas vidas, lo que no le impedirá una lógica nostalgia por cuando sus padres aún formaban una familia. Ello se acentua al estar situado cuando la guerra de Vietnam, con la inocencia que empezó a perderse por entonces.
11. Estas son las meditaciones de mi corazón: En un mundo tan tecnológico como el de ahora, ¿para que es necesaria una máquina de escribir? Pese a la respuesta obvia, la protagonista del relato comprará una que le llevará a otra con la que quiere dejar un legado a sus futuros hijos.
12. De vuelta de un viaje en el tiempo es otra breve crónica periodística de Hank Fiset en la que conocemos más de su pasado a cuenta de todo lo que él recuerda tras comprar una vieja máquina de escribir en un mercadillo de 2ª mano.
13. El pasado es importante para nosotros: Ambientado en el futuro, el protagonista de este relato puede viajar al pasado pero sólo a cierta fecha y durante cierto tiempo, lo cual no evita se enamore de una mujer de esa época, hecho que le llevará a intentar romper las normas del viaje temporal.
14. Quédense con nosotros: Escrito cual si fuera un guión de cine, esta historia se centra en un excéntrico millonario y su fiel ayudante que en busca de negocios irán a parar a un solitario y perdido motel de carretera donde conocerán a la veterana pareja que lo dirige.
15. Ve a ver a Costas: Esta historia se centra en el dificil viaje hasta Estados Unidos de un inmigrante con escuetas nociones del idioma y los problemas para conseguir trabajo (que es lo que justifica el título)
16. Vuestra evangelista, Esperanza sería la cuarta crónica periodística de Hank Fiset, todas ellas englobadas en lo que se titula Noticias de nuestra ciudad, en este caso centrado en una defensora de las máquinas de escribir frente al exceso tecnológico en el que vivimos.
17. Steve Wong es perfecto: De nuevo nos encontramos con los personajes con los que se inició esta recopilación de relatos, estando ahora la historia centrada en el Steve Wong del título y su maestría a la hora de jugar a los bolos.

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SULLY, cumplidor nuevo film de CLINT EASTWOOD con TOM HANKS

Cuando uno acaba de ver una película como Sully lo que primero se le viene a la cabeza es que se trata de una historia tan solo anecdótica, que teniendo en cuenta para lo poco que da de si, por eso se queda en unos correctos 98 minutos. Aun así tengo que reconocer que tenía mis reservas ante el presente título (por mucho que fuera dirigido por Clint Eastwood) ya que con una premisa más o menos parecida el director Robert Zemeckis nos presentó hace pocos años El vuelo (Flight) con Denzel Washington, que a mi no me convenció, debido mayormente a lo hinchado de su metraje para lo poco que tenía que contar.

Pero el ya veterano Eastwood ha vuelto a demostrar, a sus 86 años, que sigue sabiendo dirigir de manera estupenda, aunque lo que nos tenga que contar sea poco más que la extensión de un suceso de las noticias. Porque este film, para el que no lo sepa, se centra en el aterrizaje casi milagroso en el rio Hudson que llevó a cabo en 2009 Chesley “Sully” Sullenberger (a quien da vida Tom Hanks) logrando salvar la vida de las 155 personas que iban en el avión tripulado por él.

Semejante acción heroica es digna de mérito, pero la sombra del 11-S es alargada y ya se da a entender en cierto momento de la película que siempre es de agradecer algo positivo respecto a una incidencia en un avión, cuando por tónica general suelen ser todo lo contrario. Pero lo que para el público es una labor heroica (que le dará una repercusión mediática con la que se nota que no está del todo conforme), la NTSB (National Transportation Safety Board) lo pone en duda, investigando si actuó de manera correcta tanto Sully como su copiloto Jeff Skiles (al que da vida Aaron Eckhart) haciendo que el propio protagonista llegue a dudar de si mismo y de si tomó la opción más acertada. Eso le llevará a preocuparse de que por dicha heroicidad pierda su empleo y su pensión, pese a sus más de 40 años de experiencia volando, cuando él tan solo cree que hizo lo correcto, sin esperar nada a cambio (ese temor lo compartirá vía telefónica con su esposa Lorrie, encarnada por Laura Linney)

De algo que tan solo es poco más que una noticia de sucesos Clint Eastwood ofrece una película en su línea habitual (por lo que no se le puede reprochar nada en ese sentido) donde sin duda destaca el trabajo de Tom Hanks, que será raro si no opta a algún premio ahora que comienza la temporada de los mismos (sin olvidar unos efectos visuales realmente notables, que recrean a la perfección el suceso desde varios puntos de vista, quedando realistas en todo momento) Es cierto que en manos de otro responsable esta película no habría sido más que una especie de telefilm de sobremesa, pero Eastwood nos deleita con una obra pequeña dentro de su filmografía que insiste en el género del "héroe" americano que ya trabajó en El francotirador, con resultados más o menos similares en el presente caso (coincide también en mostrar en los títulos de crédito a las personas reales de la historia recreada en la película)

Aunque esperamos que continue en activo durante mucho tiempo, es lógico pensar que Eastwood está viviendo el ocaso de su carrera (el actor y director tiene ya 86 años) por lo que se podría realizar quizas una doble lectura sobre la idea que nos plantea el presente film: al igual que el protagonista, que duda sobre si pesarán más sus cuatro décadas de experiencia o un hecho puntual que lo puede trastocar todo, se podría entender que el director se pregunta como será valorado su legado cinematográfico (si de manera positiva por las obras maestras que nos deja o de forma negativa por aquellas veces que no supo estar a la altura de si mismo) Y aunque espero y deseo que Sully no sea su despedida, si así fuera Eastwood puede quedarse tranquilo porque somos muchos los que pensamos que él es un excelente director (aunque haya tenido sus fallos, como todo ser humano) dejándonos una filmografía digna de mérito de la que muchos podrian tomar ejemplo.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de noviembre de 2016
• LO MEJOR: La labor como director de Clint Eastwood apoyada en un notable Tom Hanks, además de unos efectos visuales que recrean con precisión el accidente.
• LO PEOR: La historia es poco más que una simple noticia de sucesos, por lo que tampoco da mucho de si.

INFERNO, en los infiernos de la mediocridad (que no del bodrio)

De vez en cuando sale un producto de masas, algo consumido (o como mínimo probado) por la gran mayoría del público, que lo llevará hacia el éxito inmediato, sin que sea obstáculo para ello la calidad del mismo (y en ese sentido cabe de todo: películas, series, programas, libros, etc.) Justo en relación a esto último hace ya una década (¡como pasa el tiempo!) el best-seller de moda era sin duda El código Da Vinci, el cual supieron adaptar de manera más o menos entretenida, aunque con algún que otro detalle un poco dificil de creer. Pese a que en su origen (literario) era precuela, el éxito de la película con Tom Hanks sacó adelante una secuela, Ángeles y demonios, que ya no engañaba (o al menos a mi no) demostrando ser un auténtico bodrio. Si en algún momento llegué a pensar en leerme la novela en la que se basaba, el ver aquello me quitó las ganas de golpe.

Dan Brown, el creador del personaje de Robert Langdon (al que da vida Tom Hanks) ya ha realizado una tetralogía con el mismo, y como en Hollywood hay escasez de ideas (y me remito a los tropecientos remakes, secuelas, precuelas, y reboots en marcha) se ha decidido adaptar Inferno para "completar" (por asi decirlo) la "trilogia DaVinci". Cabe decir que si la primera tenía un aprobado raspado y la segunda era una chorrada, esta tercera no es tan mala como la previa pero ni por esas se puede calificar como un film entretenido (¡que menos!), a lo que no ayuda un Tom Hanks que se nota que se ha metido en este berenjenal tan solo por el correspondiente cheque.

Desde luego que el hipotético espectador de esta película, si no ha leído el libro en el que se basa, dudo mucho que viendo esto le entren ganas de hacerlo, pero intentando encontrar algo positivo en el resultado final, hay que reconocer que este film resulta un bonito recorrido por Venecia, Florencia y Estambul, ciudades en las que transcurre la acción (ojo, porque con ello tampoco me vengo a referir a que la cosa vaya mucho más allá de la visión que se podría ver en un documental... e incluso menos) Y es que el acelerado montaje de Inferno, algo propio de gran parte del cine actual, nos lleva a que haya muchas cosas que no pasan más allá de una pobre mención sin desarrollo, cuando probablemente hubieran dado más de sí (como por ejemplo las más interesantes referencias a Dante frente a la más tópica amenaza vírica de su tramo final)

Otro detalle muy logrado serían las visiones iniciales del personaje de Hanks (si no fuera porque la mayoría me suena que ya estaban en los trailers previos, por lo que poca sorpresa darán) También es de agradecer que no se haya establecido un innecesario nexo romántico entre él y el personaje al que da vida Felicity Jones, más que nada porque Hanks casi le dobla en edad (aunque las motivaciones de ella para ayudar a nuestro protagonista resultan un tanto endebles) Eso si, desde que la compañera de aventuras de nuestro héroe aparece en pantalla ya me sospechaba un giro imprevisto en referencia a su actuación (y digamos que no me equivoqué)

En su esquema básico esta Inferno parece un popurrí (y no del todo afortunado) entre las sagas de James Bond y Jason Bourne, tomando del primero al villano megalómano que quiere destruir el mundo (y cuyas motivaciones haran recordar a muchos al Ozymandias de Watchmen) y del segundo la acción trepidante, que en esta ocasión entienden por un montaje acelerado, justificado por la velocidad del relato, que además peca de tener infinidad de agujeros a la que uno se ponga a buscar algo de sentido a lo que acontece (que no sé hasta que punto ya tienen su origen en su base literaria... pero que no pienso comprobar leyendo ahora el libro)

Igual es que como iba con el talante de encontrarme algo aún peor que la de Ángeles y demonios el resultado final me ha convencido (un poco) más, o igual influye la estimulante presencia de Felicity Jones (vista en Un monstruo viene a verme y a la que veremos en Rogue One: Una historia de Star Wars) pero creo que todo aquel que quiera probar con este título tiene tan solo dos maneras de enforcarlo: o bien es que le gusta su base literaria (que no lo discutiré, cada cual tiene sus gustos) o lo mejor es que se deje llevar sin analizar todas las inconsistencias que tiene la historia. El resto dudo que salga muy contento.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de octubre de 2016
• LO MEJOR: Algunos pequeños detalles distribuidos a lo largo del metraje (como las notables apocalípticas visiones iniciales del personaje de Hanks)
• LO PEOR: Una historia tan absurda como incoherente, repleta de inconsistencias y a medio camino entre Bond y Bourne sin llegar a ser ni lo uno ni lo otro.

EL PUENTE DE LOS ESPIAS, una muy buena película de SPIELBERG

Nuevo proyecto en común de Steven Spielberg como director y Tom Hanks de protagonista, después de que ambos ya coincidieran en las mismas funciones en títulos como Atrápame si puedes, La terminal y sobretodo Salvar al soldado Ryan (que le valió a Spielberg ganar su segundo Oscar como mejor director, tras el que consiguió por La lista de Schindler)

Con la clara intención de ser apreciada para la próxima temporada de premios, su paso por la taquilla ha sido discreto (no estamos sin duda ante el Spielberg más comercial, sino más bien ante el más personal), si bien de momento ya cubre su presupuesto de 40 millones de dólares. Pese a todo es indudable el afirmar que estamos ante una película de ritmo clásico y de narración muy fluida, en la que Spielberg nos vuelve a demostrar por qué (cuando quiere) sigue siendo uno de los mejores directores que tenemos en activo.

Este título respira clasicismo por todos sus poros, y su ambientación de dicho periodo histórico resulta muy acertada (sobretodo cuando la acción se traslada a Alemania) beneficiada por detalles como un buen guión (por parte de los hermanos Coen) y unas acertadas banda sonora (de Thomas Newman) y fotografía (de Janusz Kaminski, un habitual en la filmografía de Spielberg), consiguiendo que la enésima historia sobre la Guerra Fría (un conflicto histórico visto ya hasta la saciedad) sea una película disfrutable para el espectador actual.

Asimismo el director no cae en el patriotismo gratuito que una historia así podía mostrar, centrándose en la parte más humana de la misma, para lo que siempre va bien contar con los servicios de un actor como Tom Hanks (que suele conseguir esa imagen de nobleza e integridad, de un héroe capaz de enfrentarse a todos en pos de lo que cree justo) Eso si, el mejor personaje no sería el suyo, sino el supuesto espia soviético al que da vida Mark Rylance, que espero que sea valorado en su justa medida en la próxima temporada de premios, ya que su trabajo resulta sin duda soberbio.

Aún así si que se le puede achacar a El puente de los espias de caer en cierta simplicidad a la hora de hacer la diferencia entre buenos y malos, lo cual queda evidente en el trato que recibe cada uno de los presos en su respectiva carcel (los americanos tratan bien al suyo mientras que los rusos se muestran más bruscos) También se le puede echar en cara una moderada sensiblería a la hora de reflejar la heróica labor de su héroe (el personaje de Hanks) intentando hacer lo correcto y justo (un doble canje de prisioneros), pese a que le indican que se centre en lo que se estipuló en origen.

Ese idealismo que destila su vulnerable protagonista puede restarle algo de credibilidad (parece un heredero de los héroes clásicos como James Stewart, algo hoy en día un tanto obsoleto), si bien se puede entender como una visión de los valores morales que Spielberg cree que no se tendrian que perder. En resumidas cuentas, sin tener la crudeza de La lista de Schindler (puede que el mejor film digamos "serio" de su director) este título si nos sirve como digno heredero de ese clasicismo que en la actualidad está en vias de extinción (si acaso Clint Eastwood sería otro director de la vieja escuela que aún lo practica) y confirma a su responsable con la merecida fama y valoración lograda con su trabajo en las últimas décadas.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• Más información en la web de la película
• EL MOMENTO: Cuando la acción se traslada a Alemania, donde la ambientación es realmente muy acertada.
• LO MEJOR: El trabajo de Mark Rylance, simplemente soberbio
• LO PEOR: Ciertos defectos inherentes al estilo de narrar de su director.
• LA CURIOSIDAD: Este es el cuarto trabajo en común de Steven Spielberg y Tom Hanks, los mismos que ha tenido el director con Harrison Ford, lo que motivó unas declaraciones en las que afirmó que haría Indiana Jones 5 para así romper ese empate que hay entre los dos actores.

AL ENCUENTRO DE MR.BANKS, el dificil "making-off" de MARY POPPINS

FICHA TÉCNICA

Título: Al encuentro de Mr. Banks
Título original: Saving Mr. Banks
Dirección: John Lee Hancock
País: Reino Unido, Estados Unidos, Australia
Año: 2013
Fecha de estreno: 31/01/2014
Duración: 125 min
Género: Drama, Comedia, Biográfico
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Tom Hanks, Colin Farrell, Emma Thompson, Paul Giamatti, Jason Schwartzman, Bradley Whitford, Kathy Baker, Rachel Griffiths, Ruth Wilson, B.J. Novak
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: BBC Films, Ruby Films, Essential Media and Entertainment

SINOPSIS

Producción centrada en la historia real de cómo Walt Disney (Tom Hanks) estuvo catorce años cortejando a la escritora australiana P.L. Travers (Emma Thompson) para que le cediera los derechos cinematográficos de su primera y más popular novela, "Mary Poppins", que finalmente fue llevada a la gran pantalla en 1964 en el clásico filme protagonizado por Julie Andrews (Victoria Summer).

CRÍTICA

Son muchas las generaciones que han crecido con las obras de Disney por lo que es raro no citar alguna que traiga buenos recuerdos a nuestra memoria. En mi caso Mary Poppins la ví siendo pequeño en una sala de cine que compartía con Los aristogatos (también de Disney) en ese feliz pasado donde existian los cines de reestreno con programa doble. Divertida y entretenida, reconozco no haberla visto desde hace mucho tiempo (la última vez fue en un pase por televisión) aunque ya se quedado un tanto antigua (no en vano tiene 50 años) en comparación a lo que ha evolucionado el ocio infantil en estas cinco décadas (¿alguien se imagina un remake? Correría el gran riesgo de caer en el ridículo y la vergüenza ajena)

Tengo que reconocer que hasta que no supe de esta película no sabía que Mary Poppins había sido basada en una novela, por lo que asumí el visionado de este Al encuentro de Mr.Banks desde el punto de vista del biopic parcial como fueron los dos que tuvo Hitchcock la pasada temporada: el homónimo y el telefilm The girl  (y es que la información previa que leí daba a entender que esto vendría a ser un "cuento" sobre lo ocurrido más que en si la cruda realidad, suavizando a Disney (Hanks) y Travers (Thompson) y lo que ocurrió entre ellos para adaptar la novela de ella)

Al igual que sucedió por ejemplo con Psicosis (donde en el libro Norman Bates no tenía los conocidos rasgos de Anthony Perkins por los que luego se hizo famoso), en la película Mary Poppins había claras diferencias respecto a la obra en la que se basaba, hecho que provocó que la autora (descontenta con el resultado final) se negara a permitir las adaptaciones de las cuatro secuelas que tuvo su libro de 1934 (todo ello según leo en la ficha de la Wikipedia a P.L.Travers) Convertida la película en un éxito, y al igual que pasó con el film de Hitchcock, la fama y el mito del film fagocitó su base literaria.

En referencia a Al encuentro del Sr.Banks resulta bastante evidente su intención inicial de obtener premios y menciones en la temporada de los mismos, pero para sorpresa de muchos se ha tenido que conformar con tan solo una nominación a la banda sonora (tampoco en los Globos de Oro tuvo suerte, con también solo una nominación, en ese caso a mejor actriz para Emma Thompson) Al igual que los antes citados dos biopics de Hitchcock, se puede decir que las pretensiones no van parejas al resultado final, aparte de que más que biopics son (también en este caso) la historia de un momento específico en la vida de los personajes principales.

Este material en manos de otro director podría haber llegado a ser notable e incluso excelente, pero de nuevo comparado con los dos recientes biopics de Hitchcock, y al igual que sucedía en ellos, aqui tenemos una historia de la que se podía haber sacado más, pero todo se reduce a un conjunto final todo lo correcto que uno podría imaginar pero sin detalles con los que deslumbrar (al estar tras las cámaras un director más impersonal sin ningún asomo de autor)  Lástima porque los años 60 del siglo XX fue una época muy prolífica y creativa (de ella son muchos de los superhéroes de los comics Marvel o series míticas de televisión como Doctor Who) y siempre se agradece una recuerdo o aproximación a los mismos (como de hecho fue, para este último, An adventure in space and time)

Se puede asumir que el mayor desequilibrio que aqueja a este Al encuentro de Mr.Banks puede venir de que tenemos dos films en uno, aunque es sin duda más interesante el making-off del popular clásico de Disney que la otra historia que nos explica el origen (real) de Mary Poppins, donde el protagonista es un muy inmaduro Colin Farrell que parece que padezca el síndrome de Peter Pan porque es más infantil que sus propias hijas (una de ellas, previsible desde el primer momento, la posterior autora encarnada por Emma Thompson, cuyo caracter y forma de ser se forjó por lo narrado en ese flashback)

Un mejor resultado global quizás se hubiera logrado ahondando un poco en el lado oscuro de los personajes, ya que todos son presentados de manera amable (incluso la en origen cascarrabias encarnada por Emma Thompson no deja de ser una variante del Scrooge de Cuento de Navidad con lo que ya se supone que acabará "volviéndose buena") De todas maneras es curioso el guiño del Disney fumador (que lo fue)... todo sea por no enviciar a las nuevas generaciones, aunque también se hubiera agradecido ahondar más en una época tan interesante cinematográficamente.

LO MEJOR: Siendo mejorable en mi caso es un film "motivacional", ya que al igual que títulos como Hitchcock, The girl o Daredevil (por poner ejemplos variados) estamos ante un material interesante del que no se acaba de sacar todo su jugo pero que te deja con las ganas de más (o sea, te levanta interés sobre su base) También destacar el poster original, donde las sombras de Tom Hanks (Disney) y Emma Thompson (Travers) reflejan sus míticos personajes (Mickey Mouse para él y Mary Poppins para ella)

LO PEOR: La infancia recordada en los flashbacks que componen la "otra" película que hay dentro de esta, donde un poco forzado Colin Farrell se hace cargo del papel de un padre bastante inmaduro, que parece querer vivir en una variante de cuento de hadas, y con el que reconozco no haber empatizado en ningún momento.

LA CURIOSIDAD: Aficionado como soy al cine es habitual vivir todo tipo de experiencias, pero lo que me ha pasado con este film hacía tiempo que no me ocurría: en la sala a la que he asistido era EL ÚNICO espectador. La primera vez que me pasó algo así recuerdo que fue con Crash de David Cronenberg.

CAPITAN PHILLIPS con TOM HANKS y del director de la saga BOURNE

FICHA TÉCNICA

Título: Capitán Phillips
Título original: Captain Phillips
Dirección: Paul Greengrass
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 18/10/2013
Duración: 134 min.
Género: Thriller, Acción, Biográfico
Reparto: Tom Hanks, Catherine Keener, Max Martini, John Magaro, Christopher Stadulis, Chris Mulkey, Corey Johnson, David Warshofsky, Yul Vazquez, Angus MacInnes
Guión: Billy Ray
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Scott Rudin Productions, Trigger Street Productions, Michael De Luca Productions, Translux

SINOPSIS

El 8 de abril de 2009, una banda de piratas somalíes secuestró a los tripulantes del carguero estadounidense Maersk Alabama. Hacía 200 años que ningún barco yanqui era capturado por enemigos. Se inició así una frenética negociación con los secuestradores, en mitad de una gran tensión. El capitán Phillips (Tom Hanks) tuvo que proteger a sus hombres y, a la vez, hacer frente a los somalíes con valentía y responsabilidad. Esta película refleja lo que sucedió durante aquellas horas con toda la crudeza que sólo los hechos reales son capaces de proyectar.

CRÍTICA

Del director de la saga Bourne (fue responsable de la primera y tercera entrega) nos llega esta película basada en hechos reales, lo cual es un punto interesante si el responsable es el mismo de la muy recomendable United 93 aunque no hay que olvidar que este mismo señor junto con Matt Damon hicieron la bastante insulsa Green Zone (Distrito protegido) por lo que la balanza de las expectativas (para lo bueno y para lo malo) estaba equilibrada teniendo en cuenta que tenemos aqui a un Tom Hanks que parece posicionarse para una nueva nominación a los Oscars (lo que veo más o menos facil, otra cosa es que se lo den)

Como suponía, al final el mejor calificativo que se le puede decir a este Capitan Phillips es que resulta entretenida, si bien con el eterno defecto de casi el 75% del cine actual, y es durar más de la cuenta para lo que nos quieren narrar. Es una lástima porque ya cuando empieza lo hace de manera interesante en la charla que mantienen en el coche el personaje de Hanks y su ficticia mujer, entre cuyos diálogos se cita lo dificil que está la búsqueda de empleo hoy en día (lo que permite tener un fuerte aire de actualidad al relato, ya que apenas han transcurrido 4 años desde los sucesos reales)

Destaca la caracterización de los piratas somalies, que acierta en mostrarlos como unos pobres desgraciados que se han metido en un delictivo empleo que les supera (de hecho concuerda con la visión que dió Greengrass de los terroristas del 11-S en su film United 93 antes citado), si bien tampoco es que vaya mucho más allá. De todas maneras aunque puede provocar en el espectador cierta empatía (por ejemplo el del pie... y no digo más que será spoiler) son personajes simples y sencillos, aunque al menos tiene un mínimo presencia en comparación con los americanos que luego negocian con ellos, o la tripulación del barco de Hanks, que estan en un plano MUCHO más secundario.

Al alargar quizas demasiado la introducción se provoca la sensación final de que lo que cuenta en 134 minutos lo podría haber hecho en (como mínimo) 20 menos. Eso si, hay que reconocer la buena labor tanto de dirección como de montaje, consiguiendo un palpable tono de realismo y dinamismo (este último a partir del primer ataque hasta la segunda parte del film en donde es el personaje de Hanks el centro de la acción...y no digo más porque sería spoiler) Quizás si se hubiera abreviado un inicio correcto aunque igual demasiado extenso el resultado final hubiera sido más compensado.

Y no, no me olvido del que es la gran estrella de la película, es decir, Tom Hanks: en cuanto al citado actor consigue volver a encarnar a otro papel dramático de esos que gustan tanto en las ceremonias de premios (tras toda la tensión sufrida, atención a su grito de desesperación final) pero aunque nunca acabas de ver del todo al personaje (y no al actor, aunque eso es algo que Hanks arrastra desde Salvar al soldado Ryan) hay que reconocer que el mismo se desenvuelve bastante bien en el ambiente marítimo por lo que resulta creíble y convincente.

LO MEJOR: Ofrece lo que uno esperaría de una película así, destacando la labor de su protagonista Tom Hanks.

LO PEOR: Su introducción se podía haber concretado más.

ÁNGELES Y DEMONIOS de Ron Howard

FICHA TÉCNICA

Título: Ángeles y demonios
Título original: Angels & demons
Dirección: Ron Howard
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 15/05/2009
Duración: 140 min.
Género: Criminal, Drama, Thriller, Intriga
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Tom Hanks, Ewan McGregor, Stellan Skarsgård, Ayelet Zurer, Armin Mueller-Stahl, Carmen Argenziano, Ursula Brooks, Pierfrancesco Favino, Nikolaj Lie Kaas, Thure Lindhardt
Guión: David Koepp, Akiva Goldsman
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Columbia Pictures, Imagine Entertainment, Sony Pictures Entertainment (SPE), Sony

SINOPSIS

Cuando Robert Langdon (Tom Hanks) descubre evidencias del resurgimiento de una antigua hermandad secreta conocida como Illuminati (la más poderosa organización clandestina de la historia), descubre también el peligro mortal en que se encuentra la existencia de la organización más odiada por las sociedades secretas: la Iglesia Católica.

Langdon comprende que el reloj de una imparable bomba de los Illuminati se ha puesto en marcha y vuela a Roma, donde une fuerzas con Vittoria Vetra (Ayelet Zurer), una bella y enigmática científica italiana. Ambos se embarcan en una incansable búsqueda a través de criptas selladas, peligrosas catacumbas, catedrales desiertas e incluso el corazón de la tumba más secreta de la tierra. Langdon y Vetra seguirán la pista de unos antiguos símbolos de hace 400 años, los cuales se convierten en la única esperanza de supervivencia del Vaticano.

CRÍTICA

Bueno, antes que nada vamos a dejar una cosa clara, literariamente hablando esta historia es anterior a El Código Da Vinci, pero cinematográficamente la han convertido en secuela, ya que al principio del film se cita (así "como el que no quiere la cosa") claras referencias al film anterior (que no pasan de eso, simples comentarios).

A partir de aqui, y lo digo muy en serio, me planteo como hacer una reseña de semejante disparate cinematográfico; y es que el anterior film, beneficiado por la polémica generada por el libro, aún tenía detalles que la hacian como mínimo curiosa y que el resultado final fuese minimamente entretenido (con todo que la supuesta seriedad inicial iba desembocando en un disparatado final que YA COMENTÉ EN SU DIA POR ESTE BLOG). Pero es que aqui se les va la mano en un argumento disparatado que sólo sirve para darle supuesta acción a una película que finalmente no cuenta absolutamente nada (apenas dos o tres datos de interés, y tan conocidos por el público en general que no tiene ningún mérito), haciéndose monótona y aburrida casi desde el inicio. Y es que el "supuesto experto" (nótese la ironia) encarnado con cara de besugo por Tom Hanks le bastan minutos para resolver intrincados misterios y perseguir a los malos de turno (aunque, ¡mira tú por donde!, siempre llegando minutos tarde) en un argumento que parece querer ser una especie de film de James Bond, con una misteriosa sociedad secreta que planea un gran atentado. Pero si sólo eso fuera lo malo...

Realmente lo nefasto viene al final, protagonizado por el personaje al que encarna Ewan McGregor y que sin duda es lo más bochornoso del film, especialmente desde el mismo momento en que pretende ser martir... y hasta ahi puedo leer. Lo que se lía después creo que provocará más urticarias que las originadas por el también criticado final de la reciente Señales del futuro con Nicolas Cage. O eso o directamente la carcajada ante el disparate argumental, si bien eso ya se lo supone uno desde el mismo momento en que se nos muestra como se planea el atentado, que tal y como he citado antes es una solución tan fantástica (en el sentido fantasioso del tema, no porque sea bueno) que sólo queda ver por allí al Doctor No o alguno de los villanos megalomaniacos de los films de 007.

En cuanto al reparto si antes he citado al abesugado Tom Hanks y al bochornoso Ewan McGregor al menos he dicho algo de ellos, porque otros nombres conocidos del reparto como Stellan Skarsgård o Armin Mueller-Stahl parece mentira lo poco aprovechados que estan en una larguísima trama que se extiende durante unos excesivos 140 de los que habría que recortar al menos 2/3 (y retocar el tercio restante para darle más coherencia y seriedad de la que nos quieren vender que tiene... y de la que carece). ¿Y los otros miembros del reparto? Pues Ayelet Zurer como la chica del film pinta lo mismo que los floreros del Vaticano (o sea, nada) y el resto ya ni me acuerdo.

En resumidas cuentas, con un guión perpetrado por el mismo señor que hizo esa "joya" (vuelvo a ser irónico) llamada Batman & Robin y por un director como Ron Howard, sobrevaloradísimo por films tan mediocres como Una mente maravillosa, el resultado final es un engaño que se puede considerar más o menos fiel al libro (supongo, aunque no me lo he leido) pero que me sirve para ver el gran negocio del señor Dan Brown, autor de ambas novelas, que vende sus libros (y ahora sus películas) más por la polémica que por verdaderos valores artísticos. Eso podía más o menos sospecharse en El Código Da Vinci, pese a que como mínimo se dejaba ver, pero con ESTO queda sin duda confirmado.

LO MEJOR: La ciudad de Roma sale muy maja.

LO PEOR: La trama es ridícula, la resolución roza la vergüenza ajena, los actores o son más sosos que una patata sin sal o parece que estén de adorno y a todo eso no ayuda una extensión larguísima que provoca que el aburrimiento campe por sus anchas casi desde su inicio. Y ya no hablo del doblaje porque entonces aún la liaremos...

Los cortometrajes de PATER DIXIT y nuevo poster de ÁNGELES Y DEMONIOS

Aprovechando que me he hecho seguidor del blog del compañero Pater me gustaría compartir con vosotros dos de sus cortometrajes, uno de ellos inspirado en la famosa serie de televisión Heroes. Si hace(n) esto con pocos medios, ¿que conseguiria(n) con un presupuesto chachi?. Además también cito el poster que hay EN ESTE ENLACE de la película Ángeles y demonios.

Because YES! Teaser from Primo Studios on Vimeo.

Segundo trailer en español de ÁNGELES Y DEMONIOS

Imagen de WATCHMEN con el Dr.Manhattan desnudo, 4 imágenes de ÁNGELES Y DEMONIOS y los seguidores del Chacal

Como son fotos grandes mejor que se vean tal cual: EN ESTE ENLACE una escena donde se ve desnudo al Doctor Manhattan en Watchmen y EN ESTE ENLACE cuatro imágenes de Ángeles y Demonios, la precuela de El Código Da Vinci. Además citar que añado en la columna de la derecha del blog una nueva opción de blogger para que se apunten todos los que quieran seguir este blog.