jueves, 24 de octubre de 2019

TERMINATOR DESTINO OSCURO, relevo generacional (sin spoilers)

Es del todo asumible que la saga Terminator "brilló" de forma especial en sus dos primeras entregas (las dirigidas por James Cameron) para a continuación ofrecer tres secuelas que desde mi punto de vista no están mal, pero en las que de forma indudable se hacía evidente que la cosa ya no era la misma. Ahora, en una operación comercial que muchos han comparado con El despertar de la fuerza, se recupera la esencia básica que hizo triunfar a esta saga en una ya sexta entrega que nos "venden" como continuación directa de los dos primeros films de Cameron. Esta cinta podriamos decir que "cierra" el arco argumental que se abrió en la primera hace ya más de tres décadas, dejando las puertas abiertas para que la franquicia prospere, pero siempre con una mirada hacia atras, lo que se hace evidente en el esquema de esta sexta/tercera entrega, que se desarrolla con parámetros ya conocidos por los seguidores fieles.

Ese relativo problema se hace más evidente en una estructura en la que se repiten detalles ya usados antes, por lo que resulta muy previsible, e incluso me atrevería a decir que los fans incondicionales se verán venir ciertos giros de guión (por más que algunos de ellos si que ofrecen una mínima sorpresa, por aquello de no ser una copia exacta) Ahi recordé a la propia Terminator 2, que muchos aceptan como remake de la inicial de 1984 pero invirtiendo los roles y ¡claro está! con mucho más dinero para el presupuesto. Esta Destino Oscuro la veo como una variación del esquema básico planteado en aquellas pero "cerrando" la trama principal aunque abriendo una "relativamente" nueva.

Eso se hace evidente en que aqui tenemos (casi) todas las equivalencias planteadas en origen, por lo que es sencillo darse cuenta quien es el nuevo Skynet, quien es la que será salvadora de la humanidad (¿por llevar en su vientre al nuevo John Connor? eso es un spoiler que no revelaré aqui...), también quien será su defensora así como la aparente invulnerabilidad del contrincante a batir. Entremedio de eso aparece de forma realmente notable Sarah Connor, justificando que ella fue la que estuvo en una situación similar en la que se encuentra ahora el nuevo objetivo de las máquinas, y cerrándose su arco argumental al dejar claro nada más comenzar cual fue el destino de John Connor y como ese tan decisivo hecho la moldeó para justificar como la reencontramos en esta nueva entrega. Cabe decir que con los sesenta años ya superados su forma física es emblemática y digna de mérito, hasta el punto de que no desentonaría en una hipotética versión femenina de Los mercenarios de Stallone (si un proyecto así fuera asumible por el Hollywood actual)

Curiosamente, y a título totalmente personal, se me hizo más forzada la inclusión de un viejo Arnold Schwarzenegger en esta sexta entrega que justo en la previa (Génesis), si bien sirve muy bien para cerrar las andanzas de los T-800 a los que ha interpretado en cada episodio de esta franquicia, ya que con los "nuevos" derroteros por los que se embarca la historia serían asumibles Terminators que no tienen que salir de fábrica con la misma cara (algo que ya se puso a prueba en la de Salvation, aunque con resultados tan solo correctos en el mejor de los casos) El enemigo contra el que tendran que luchar será en este caso un invulnerable Terminator modelo Rev-9 que recuerda de forma evidente al T-1000 visto en la segunda entrega, algo que se acentúa con la interpretación maquinal que hace de él Gabriel Luna, si bien siempre manteniendo en el recuerdo lo que hizo Robert Patrick en la de 1991. Una sorpresa tengo que admitir que me la dió la actriz Mackenzie Davis como Grace, ya que su papel de defensora lo lleva a cabo con bastante solvencia manteniendo su dualidad al ser una humana "aumentada", lo que de nuevo "cierra" la obligación de tener a Arnold en ese rol tal y como se vió en demasiadas entregas previas: la segunda, tercera y quinta ya que en la primera era villano y en la cuarta tan solo un cameo.

Es destacable que aunque sea una película de temática fantástica, ahonde en un tema tan actual como el de la inmigración mexicana, mostrándolo de una manera más coherente y menos tendenciosa que la vista en la también reciente Rambo Last Blood. No deja de ser un detalle colateral pero aporta una inesperada lectura política si se quiere ver más allá del potente espectáculo de acción que es, demostrando la acertada elección que hizo James Cameron de Tim Miller por los resultados que este tuvo como director en Deadpool, con lo que si allí se desenvolvió con soltura pese a un ajustado presupuesto, en este caso desarrolla escenas impresionantes al gozar de más medios. De todas maneras de nuevo volvemos al pasado con algunas que recordarán a otras similares vistas en las dos primeras entregas, por lo que aún cuando puedan igualar el nivel de aquellas, no alcanzan el mismo grado de sorpresa, pero eso no es obstáculo para que esta Destino Oscuro nos ofrezca "nuevos" caminos para esta franquicia que (convenientemente desarrollados) pueden revitalizar a esta emblemática saga sin necesidad de girar siempre sobre los mismos personajes.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de octubre de 2019
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Mejora sin duda alguna a las tres películas que la anteceden, aunque ahora esten fuera del canon al ser esta Destino Oscuro continuación de las dos primeras, resultando un buen relevo generacional.
  • LO PEOR: Aunque se varien algunos detalles, su esquema básico vendría a ser el ya conocido por los seguidores de esta saga, lo que la hace algo previsible. Asimismo la pobre excusa argumental para el retorno del T-800.

miércoles, 16 de octubre de 2019

ZOMBIELAND (2): MATA Y REMATA, notable secuela (crítica sin spoilers)

Hace 10 años, cuando la moda zombi estaba surgiendo, hubo una cinta que vino a ofrecer la versión cómica, divertida y sin prejuicios de lo que en la mayoría de opciones se optaba por el drama de supervivencia ante una situación asi: hablo de Bienvenidos a Zombieland (título español de lo que se tendría que haber quedado tal cual era el original) Llegó a tal punto el aprecio del público por el mencionado título que se reclamó en innumerables ocasiones una secuela, que por fin se estrena una década después (dejando para el olvido ese proyecto de serie de televisión que afortunadamente no prosperó) La misma ha tardado tanto tiempo para llevarse a cabo debido a la dificultad para volver a convocar a sus cuatro actores principales, sin duda alguna uno de los mayores aciertos de la película original (y el motivo por el que fracasó su traslación televisiva que he mencionado antes, al carecer de esa química que desprendía el cuarteto cinematográfico) La década que separa a la primera entrega de esta secuela quedó reflejada en la comparativa entre posters que derivó en el 10 year challenge, donde se puede apreciar que Abigail Breslin sería la única que evidenciaba el tiempo pasado (de niña a adolescente), ya que el resto se conserva casi igual.

Otro que repite tras las cámaras es Ruben Fleischer, que junto con los guionistas de Deadpool (detalle para relacionarlas en su tono gamberro) añaden a la secuela nuevos rostros como los de Rosario Dawson o Luke Wilson entre otros, con un resultado final bastante destacable hasta el punto de que no desmerece para nada ante la primera entrega.

Se le podría achacar el hecho de no arriesgar mucho e ir sobre seguro, con la repetición de su cuarteto protagonista en una trama que (en esencia) vendría a ser bastante aproximada, pero en este caso se demuestra una opción acertada al seguir manteniendo los elementos con los que triunfó el título precedente, sin por ello olvidar su condición de secuela e ir un poco más allá en lo planteado en la cinta de 2009. Sería justo el personaje de Abigail Breslin el que no solamente ha cambiado sino que también ha madurado, dejando atras su condición infantil de la primera entrega y deseosa de lograr algún tipo de compañero sentimental teniendo en cuenta el mundo en el que vive y los miembros de su disfuncional grupo (en el cual el personaje de Harrelson queda claro que actúa sobre ella cual si fuera la imagen paterna ausente, mientras que Eisenberg y Stone seguirían siendo la pareja que se concretó en el film precedente) Ese sería justo el punto de inflexión a partir del cual esta secuela desarrolla una aventura tremendamente simpática, plagada de un humor tan cafre y gamberro como el de la anterior entrega, y en el que hay referencias realmente hilarantes (¡y que funcionan!) que van desde la saga Terminator o la serie de animación Los Simpsons hasta una que me hizo especial gracia en referencia al comic The walking dead.

La pareja formada por los personajes de Eisenberg y Stone también juega en inicio con el factor de que el paso del tiempo puede llevar a la monotonia, razón por la cual se introduce (como elemento perturbador para la fortaleza de dicha relación) al desternillante personaje encarnado por Zoey Deutch, el cual puede ser justificado de una manera un tanto forzada pero que se convierte en un inesperado y muy acertado "alivio cómico" en su condición de estereotipo de rubia tonta. Un tanto más desdibujado, si bien perfectamente funcional para lo que plantea esta película, sería el personaje de Avan Jogia, algo que también ocurre con el que está a cargo de Rosario Dawson, si bien ambos tienen un desarrollo bastante coherente a las pretensiones de la historia. Pero siendo un film en esencia gamberro me hizo gracia que no se tomara en serio ni a si mismo, al cachondearse de los estereotipos que representan los personajes de Eisenberg y Harrelson cuando se ven más o menos "reflejados" en un duo similar que se les cruzará en el destino, lo que también sirve para un plano secuencia que sin duda está muy bien resuelto (se nota el evidente aumento de presupuesto de esta secuela respecto a la anterior, un detalle que le habrán concedido a Fleischer tras el éxito de taquilla logrado el año pasado con Venom, de la que fue director)

Es de agradecer cuando una película es coherente y sabe ofrecer lo que promete, algo que sin duda cumple con creces esta Zombieland: Mata y remata, pero en estos tiempos en los que el éxito de las películas de Marvel parece haber provocado la moda de incluir escenas entre los títulos de crédito o al final de los mismos (sean necesarias o no), resultan simpáticas y tremendamente divertidas las que se incluyen aqui, al recuperar a uno de los secundarios más brillantes de la anterior cinta para mostrarnos como vivió el inicio de la pandemia enmedio de la promoción de una hipotética culminación de una trilogia cuya mera mención ya demuestra lo muy disparatado de semejante propuesta. Hay que ser justos y admitir que no aportan nada relevante a esta secuela, pero debido al carisma de quien las protagoniza se convierten en una inesperada y bastante agradable sorpresa que no sirve nada más que para redondear una secuela que quizás puede haber tardado demasiado en llevarse a cabo, pero que sin duda alguna resulta tan brillante, divertida, simpática y gamberra como lo fue la cinta previa de 2009 (quizás le falte ese factor sorpresa que tuvo aquella, pero sabe desenvolverse notablemente bien, dejándome con las ganas de más. ¿Nadie ha pensado en expandir esta saga a las viñetas del comic? Podría ser una opción...)
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de octubre de 2019
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Aunque haya tardado una década en llevarse a cabo, consigue no solo convencer sino que también disfrutar gracias al retorno del cuarteto protagonista en una historia tan cafre y gamberra como lo fue aquella, con un montón de guiños y referencias muy simpáticos, que mantienen la esencia de esta parodia.
  • LO PEOR: Su esquema básico podría considerarse bastante similar, así como la pérdida del factor sorpresa que si tuvo la entrega precedente de 2009.

lunes, 14 de octubre de 2019

EL JUEVES: CRÓNICA SENTIMENTAL DE ESPAÑA, DOCTOR WHO: LAS FUENTES DE LA ETERNIDAD y EL TEATRO ESCALOFRIANTE


De una revista como El Jueves han salido no sólo clásicos de la carcajada, sino que además ha sido un sarcástico repaso a la actualidad de este pais, por lo que no lo dudé a la hora de cogerme de la biblioteca el libro (en encuadernación de lujo) titulado El Jueves: Crónica sentimental de España. En la mencionada obra se hace un destacable y amplio repaso a toda la actualidad que hubo entre los años 1977 (cuando nació esta revista) y 2018 (este recopilatorio se editó en mayo de 2019) En este libro se condensa como se vió la evolución de este pais en diferentes aspectos, pero siempre de forma sarcástica, haciendo que sus autores sean sin duda dignos testimonios de cada época de la sociedad española en estas últimas cuatro décadas. Con una selección bastante ajustada y apropiada se pueden repasar con ella multitud de momentos y sucesos con los que se compartirán tanto sentimientos de nostalgia (en el periodo de tiempo que abarca esta obra se engloba parte de mi infancia y adolescencia) como la constancia de que "cualquier tiempo pasado NO fue mejor" (aunque eso tampoco es sinónimo de que vivamos en la gloria, porque aqui también hay ejemplos de que según en que aspectos negativos no es que hayamos evolucionado mucho que digamos) Pero bueno, las cosas vistas con humor siempre se hacen más llevaderas.
Me he percatado de una cierta "lógica" que parece seguir (de momento) Fandogamia en su edición española de los comics de la serie Doctor Who, ya que el más reciente (que lleva por título Las fuentes de la eternidad) sería ya el tercero de la serie regular con el Décimo doctor, aunque el quinto que se ha sacado hasta el momento. Es decir, que si se quiere en su orden van Revoluciones de terror y luego Los ángeles llorosos de Mons tras el cual va el presente que lleva por título Las fuentes de la eternidad, mientras que serían independientes el de Cuatro doctores y Las muchas vidas del Doctor, pese a haber salido intercalados con los citados de la serie regular. En cuanto al de esta reseña digamos que este tomo contiene los números 11 al 15 de la cabecera original del Décimo Doctor y en él asistimos (tras un pequeño prólogo que nos traslada a la lavanderia de la Tardis) al arco argumental que le da título, en el cual nuestro protagonista, con la companion que le acompaña en esta andadura en las viñetas llamada Gabby González, se ven inmersos en una entretenida historia en la que una vieja gloria de Hollywood consigue un misterioso artefacto extraterrestre con el que se convoca a un terror cósmico relacionado con los dioses del Antiguo Egipto, estando metida entremedio una secta ancestral.
  • Doctor Who: Las fuentes de la eternidad, ficha editorial por este enlace.
Por haber se que puede haber muchos, pero en mi caso dos serían los autores de manga de terror a los cuales les tengo un especial aprecio: Junji Ito y Hideshi Hino. Del primero intenté infructuosamente conseguir su firma cuando vino hace unos años al Salón del Manga de Barcelona pero al final me quedé con las ganas. Del segúndo, en cambio, si que conseguí dos mangas suyos dedicados de cuando vino hace ya casi una década, y como dí buena cuenta de todo el material suyo que hay por las bibliotecas pensaba que no habría más, hasta que descubrí El teatro escalofriante. El presente manga se compone de cuatro historias totalmente independientes entre si, en las cuales se puede percibir una destacable crítica sobre ciertos aspectos de la sociedad enmedio de tramas en las cuales pueden a lo mejor convivir sin problemas dos conceptos dispares como la compasión y el gore (evidente en la primera y más extensa, titulada El monstruo terrorífico, y que bien se podría considerar una revisión del mito de Frankenstein), si bien el tono general de los relatos entraría más dentro del fantástico que del terror, como ocurre en la segunda y tercera historia (esta además con un evidente componente poético) Este tomo finaliza con un cuarto relato que sería una demoledora crítica contra la mezquindad del ser humano y su xenofobia, en este caso ejemplificada con el ogro protagonista.

miércoles, 9 de octubre de 2019

CONAN EL BÁRBARO: INTEGRAL 2, LA LOCA HISTORIA DE MEL BROOKS, EXPERTOS EN JETÓN y MARVEL MONSTER SPIDERGIRL #1


¡Que felicidad más grande tuve cuando me enteré de que aquel tomazo de Conan el Bárbaro que me leí hace casi dos años tenía continuidad! (y lo que quedará por llegar) en un segundo volumen igual de abultado, que abarca nada menos que los números 27 al 60 que Marvel editó entre 1973 y 1976, con un muy destacable trabajo de Roy Thomas en los guiones (hasta adaptando historias originales del personaje) a lo que añadir el apartado gráfico del gran John Buscema. En una edición de bastante calidad, si bien con algunos detalles puntuales que se podrian haber subsanado (por ejemplo se echan en falta la inclusión de las portadas originales) hay que reconocer que resulta evidente que es gracias a estas historias con las que se forjó la imagen típica de Conan que ha pasado al imaginario colectivo. También destacaría la buena remasterización de los colores llevada a cabo por Dark Horse, que le moderniza su aspecto (he visto comparativas donde resulta evidente el tono más apagado y viejuno del original), si bien en algunos casos los encontré algo oscuros, aunque en casi todo momento bien empleados, acabando este tomo con el inicio de lo que ya leí en el tomo Conan y Bêlit hace unos cuatro años, si bien ahora disfrutándolo a todo color (aunque sea digital)
La película sin duda más conocida de Mel Brooks sería El jovencito Frankenstein, todo un clásico que descubrí cuando era pequeño en un pase televisivo, pero de hecho no fue lo único ya que en su momento mi madre me llevó al cine para ver La loca historia de las galaxias, la parodia de la saga Star Wars que estrenó el citado Brooks en 1987. Como todo lo que me recuerde a mi infancia me levanta una evidente nostalgia, no lo dudé a la hora de cogerme y leerme de la biblioteca el libro La loca historia de Mel Brooks de Jorge San Román, en donde el autor me ha permitido conocer a un hombre polifacético que supo destacar en uno y otro lado de las cámaras. Además de la consabida biografía del personaje, que permite conocer multitud de anécdotas muy divertidas, se hace un repaso a su filmografía así como a las películas en las que ejerció como productor, siendo curioso descubrir entre las mismas títulos y géneros de todo tipo (no solo la comedia, por la cual es más popular), incluyendo otro gran éxito (y clásico) de los ochenta como fue La mosca de David Cronenberg. Tras haberlo leído uno reflexiona sobre el humor y la sátira, dándose cuenta de que Brooks no le ponía ningún tipo de límite, algo muy dificil en la actualidad para no situarse fuera de la frontera de lo "políticamente correcto" y no resultar ofensivo (para algunos)
Mauro Entrialgo es otro de esos autores a los que en su momento conocí por su trabajo en la revista satírica El jueves, y de los que desde entonces he leido todo aquello suyo que haya llegado a mis manos, siendo lo más reciente un album que lleva por título Expertos en jetón y que recopila sus colaboraciones gráficas en la revista Mongolia entre 2012 y 2016. Por su propio título ya uno puede hacerse una idea de la temática de su contenido, y es que el mismo corresponde al periodo de tiempo cuando gobernaba en España Mariano Rajoy y se descubrian casos de corrupción relacionados con su partido hasta debajo de las piedras, con lo cual hay una buena ración de reflexiones satíricas ante todo lo relacionado con eso. Además también se tocan otros temas, como la dificil situación diaria de muchos españoles, la vulneración o pérdida de derechos sociales, unas condiciones laborales vergonzosas o un descarado abuso de poder (entre otros), pero que gracias a Entrialgo se nos ofrece de una manera tan evidente a través de la sátira que nos permite reflexionar sobre ello, siempre que no hayamos llegado a ese punto en el que lo asumimos pero ya nos da todo lo mismo y que nos lo muestren así tan solo sirve para cabrearnos más al ver los modos de operar de esta gente con la cara tan dura que sin duda son Expertos en jetón.
Aunque logicamente ya he entendido que el destino de este personaje será girar siempre sobre los mismos conceptos para no perder su esencia, al principio de aficionarme a Spider-Man lo veía como alguien que también tenía que evolucionar a medida que pasaba el tiempo, por lo que me parecía coherente que su relación con Mary Jane (no en vano era su esposa por aquel entonces) prosperara y que incluso tuvieran descendencia. A finales de los años noventa, cuando aún coleaba la polémica Saga del clon, hubo un giro argumental que hacia posible eso, por lo que me decepcionó mucho que luego la cosa fuera por otros derroteros. Pero en el amplio mundo de los What If se decidió aprovechar la existencia de dicha hipotética hija para crear a Spidergirl, una serie de culto salvada de la cancelación en numerosas ocasiones que pese a todo ya acabó hace años, pero de la que he tenido la suerte de poder leer de la biblioteca el primer Marvel Monster que le dedicaron para acabar de editar su serie por aqui. Incluyendo los números 36 al 47 de su cabecera, que vieron la luz entre 2001 y 2002. La casualidad me ha hecho cruzarme aqui con el capítulo correspondiente al Mes mudo que tuvieron todos los comics Marvel tras lo del 11S, en un tomo entretenido y curioso para ver la evolución de según que personajes de esta franquicia en esta hipotética realidad alternativa.

lunes, 7 de octubre de 2019

GÉMINIS, con WILL SMITH contra si mismo (crítica sin spoilers)

En su momento Avatar fue alabada como un "prodigio técnico" que no se veía acompañado de un argumento a su misma altura, y a partir de entonces han abundando ejemplos de mejoras tecnológicas a la hora de ver en pantalla (casi) cualquier cosa que nos imaginemos, pero con guiones que en el mejor de los casos son un entretenimiento sencillo y en el peor te hacen recordar ese dicho popular de que "aunque la mona se vista de seda, mona se queda". Digamos que la nueva película del director Ang Lee con producción de Jerry Bruckheimer y teniendo de protagonista (por partida doble) a Will Smith se situaría en un punto intermedio entre los dos extremos que he indicado arriba, con lo cual tengo que admitir tanto que vista en la gran pantalla de un cine sería moderamente espectacular, como que no tiene nada en su historia (y el desarrollo de la misma) que la haga minimamente memorable.

En su apartado técnico hay que citar que Ang Lee ha rodado esta cinta con la tecnología HFR a 120 fotogramas por segundo y en 3D, algo que me imagino que no estará disponible en todos los cines. En el caso de verla así (yo asistí a un pase en una sala de cine que tiene ese citado sistema) tengo que admitir que contiene momentos espectaculares, si bien menos de los esperados, en los que dicho método logra una alta y notable sensación inmersiva dentro de la película, aunque en algunos casos se situa en esa difusa frontera entre lo más cinematográfico y lo meramente propio de un videojuego, a lo que añadir que eso no se ve reforzado con un guión a la altura de las circunstancias.

De los nombres que he citado al principio de esta crítica, si alguno de ellos deja su sello de forma más evidente en Géminis sería su productor (Jerry Bruckheimer), ya que se hace bastante evidente el estilo que le imprimió él al cine de acción en los años noventa, con ejemplos como La Roca, Armageddon o Con-Air. Es muy palpable la esencia de aquel estilo de cine si nos atenemos ante el hecho de que la historia de esta película se fraguó en 1997 (hace 22 años), teniendo que quedarse en el limbo hasta que se desarrollara la tecnología capaz de plasmarla en imágenes. Es por ello que resulta lamentable que un guión en el que han metido mano hasta seis personas resulte tan pobre, manido y esquemático, dando la sensación de ser una mera excusa para probar el nuevo sistema técnico con el que se ha realizado esta película. Probablemente hace dos décadas podría haber triunfado, pero muchos de los recursos con los que juega su historia ya se han visto (e incluso de una forma más acertada en algunos casos) en las sagas de Misión Imposible, Jason Bourne o (si mucho me apuras) incluso en la de James Bond, dejando de nuevo tan solo sobre el apartado técnico la mayor novedad que ofrece este producto.

En algunos momentos mientras estaba viendo esta película echaba en falta algo de humor, porque su (escueta) historia se toma tan en serio a si misma que no sabe darse cuenta de algunos de los disparates con los que va avanzando, buscando un innecesario tono dramático cuando lo más lógico hubiera sido más jolgorio. Resulta muy evidente que con doble ración de Will Smith esta película sería tan solo recomendable a sus fans (o a los que busquen tan solo mero espectáculo), si bien su trabajo resulta a lo sumo correcto, aunque el drama existencial en el que parece regodearse su versión adulta resulta en exceso manido. En cuanto a su versión joven del protagonista, creada por CGI con resultados que catalogaría de bastante asombrosos en algunos momentos y algo más forzados en otros, desaprovecha esa reflexión que se podría haber planteado sobre lo ético de la clonación (la referencia a la oveja Dolly demuestra el tiempo transcurrido desde que se diseñó el guión del presente film hasta que el mismo ha sido llevado a cabo)

Peor suerte corren Mary Elizabeth Winstead (la hija de John McClane en las dos últimas entregas de la saga Jungla de Cristal) en un papel perfectamente prescindible e introducido dentro de la historia tan solo para poder tener un personaje femenino con el que dejar entrever una cierta tensión sexual con el protagonista, recurso que se usa en un momento dado cuando ella ha de presentarse ante la versión joven del personaje de Smith, siendo en el resto de esta cinta una comparsa que acompaña al protagonista sin ningún atisbo de desarrollo. Tampoco se sabe sacar un buen provecho de Benedict Wong (visto como compañero del Doctor Extraño de Marvel), ya que su personaje se nota que está introducido como un relativo "alivio cómico" que nunca acaba de despuntar, haciéndose al final tan prescindible como el de ella. Por su parte el villano al que da vida Clive Owen resulta muy esquemático, cuando se podría haber profundizado más en la moralidad y la ética de sus actos, algo que apenas queda sugerido, quedando también desaprovechado. En resumidas cuentas Géminis sería una película en exceso deudora de los adelantos que han permitido su realización, ofreciendo poco más digno de mención más allá de eso, al sustentarse en una historia enfocada y desarrollada con excesiva simpleza.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de octubre de 2019
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  • LO MEJOR: La evolución técnica que representa dentro del desarrollo que está experimentando el cine del siglo XXI, dando como resultado una cinta más o menos funcional en su apartado visual.
  • LO PEOR: La esquemática historia, que desaprovecha sus posibilidades con tópicos vistos hasta la extenuación con resultados poco o nada destacables (argumentalmente llega dos décadas tarde)

martes, 1 de octubre de 2019

JOKER, un genial origen del payaso de GOTHAM (crítica sin spoilers)

En esa batalla que llevan entablando desde hace unos años los equipos de Marvel / Disney por una parte frente a los de DC / Warner por el otro, ha tenido un clarísimo vencedor entre los primeros, con una serie de títulos que han sido bien recibidos por la crítica y el público en general. Por contra desde que el señor Christopher Nolan abandonó el barco (tras su trilogia de Batman), los resultados de los segundos han sido bastante más desafortunados, con tan solo tres ejemplos (Wonder Woman, Aquaman y Shazam) entre las películas realizadas y que hayan tenido una buena acogida entre público y crítica, mientras que el resto han fallado en uno u otro de esos conceptos (cuando no en los dos directamente) Por ello queda claro quien vence.

Pero también resulta acertado admitir lo que muchos achacan a las películas Marvel: tener una especie de "esquema" al que se ciñen, logrando así los buenos resultados conseguidos hasta la fecha, de tal forma que en su mayoría de películas uno más o menos ya suponga el estilo de lo que se va a encontrar. Eso en DC no ocurre, por lo que cada nuevo estreno es una total caja de sorpresas, en las cuales han predominado (de momento) los resultados negativos, si bien esa falta de una coherencia más o menos común (que si tiene Marvel) ha permitido unos ejemplos como los antes citados, que en parte solapan lo que el resto no ha sabido (o logrado) alcanzar.

En esa montaña rusa que es DC / Warner alguien debió pensar que no todo tenía que girar por los mismos patrones, que no todo tenía que tener una buena ración de efectos visuales (para recrear los poderes de los superhéroes), que se podian hacer cosas diferentes, arriesgadas y (¿quien sabe?) igual acertadas. Es ahi donde entra esta Joker, en la que se nos narra el origen del más popular villano del amplio universo Batman, que en los últimos años había tenido el (histriónico) rostro de Jared Leto en Escuadrón Suicida o el (mucho más acertado) de Heath Ledger en El Caballero Oscuro, por el que además este último se llevó el Oscar a mejor secundario de manera póstuma. Además este film de Todd Phillips toma como ejemplo a seguir el estilo de algunas de las películas que popularizaron al director Martin Scorsese, compartiendo en un papel secundario a uno de los actores habituales del mencionado realizador: Robert de Niro. Todo ello se ha saldado con unas enormes expectativas hacia su estreno, tras además conseguir el León de Oro en el prestigioso Festival de Cine de Venecia de este año, siendo la primera vez (que yo recuerde) que un film con su base en un comic ha conseguido un galardón tan prestigioso de un evento alejado de lo que suele ser el escaparate habitual de este tipo de cintas.

Ya me ha pasado en algunas ocasiones, que las expectativas me han jugado una mala pasada, pero en este caso tengo que admitir que se cumplen CON CRECES en una cinta fabulosa que puede ser disfrutada desde por aquellos que conocen al personaje hasta los que a lo mejor han vivido bajo una piedra y no saben ABSOLUTAMENTE NADA del universo del que sale (con 80 años a sus espaldas sería raro que a alguien como mínimo no le sonara de algo, pero nunca se sabe) El Arthur Fleck al que da vida de una manera formidable Joaquin Phoenix es un personaje tremendamente real y creible, con el cual el espectador puede empatizar ya desde el primer momento, porque todos conocemos personas como él: desarraigados de la sociedad, desfavorecidos que no encuentran algo de aceptación en un mundo cruel en el que todo aquello que no entra en los cánones estandarizados resulta rechazado y despreciado. El único objetivo del protagonista es tan solo poner una sonrisa en la cara de la gente, pero una Gotham de ambientación ochentera que ya empieza su degradación (y por ende la sociedad a la que representa) nunca se lo pondrá nada facil, con todo tipo de infortunios que unicamente servirán para ahondar aún más en la enajenada mente de Arthur Fleck, haciendo salir al personaje que da título esta película.

Joker nos propone una magnífica reflexión sobre el mundo y esta sociedad en la que vivimos a cuenta de un personaje que aunque tenga su origen en las viñetas, está presentado de una manera que lo podría hacer tristemente real (se percibe una afilada crítica contra la facilidad con la que se puede adquirir armamento en Estados Unidos, lo cual lleva muy relacionado esas periódicas masacres que vemos en los informativos) Esto tampoco justifica que uno se abandone a la anarquia, ni que los espectadores de esta película se vuelvan asesinos en serie, acabando con todo lo que pillen por delante. Pero habría que pensar en esas muchas personas frágiles, sensibles y que arrastran problemas (como el Arthur Fleck de esta cinta), a las que si al menos no podemos ayudar, como mínimo habría que comprender en la medida de lo posible, y no menospreciar o ignorar, lo cual podría evitar males mayores. Ese es el mayor mérito de una película que pese a todo inserta algunos guiños que serán muy reconocibles para los lectores de comic, en un tramo final donde por esa versión del Zorro que estan viendo (la de 1981) junto con varios detalles de la ambientación son los que me llevan a situarla cronológicamente a inicios de los ochenta (y el resto se lo pueden imaginar...), si bien su mensaje sería totalmente atemporal.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de octubre de 2019
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Un espléndido Joaquin Phoenix, que situa a su Joker entre los mejores que ha tenido nunca este personaje, logrando humanizar a algo que ha sido la mayoría de las veces una mera caricatura (si Ledger se llevó un Oscar póstumo, como mínimo aqui tendría que recibir una nominación) Asimismo la evidente crítica social, totalmente válida para los tiempos en que vivimos, que acompaña a la brillante forma en que se muestra la progresiva caida en la locura del protagonista por culpa de una sociedad que no se lo pone nada facil a la hora de integrarse en ella.
  • LO PEOR: A mi me encantó en su conjunto, pero la persona que me acompañaba al pase citó (como detalles secundarios) que en cierto momento se "aclare" que ciertas escenas previas no han sido reales, sino producto de la imaginación de Fleck (algo que se hace evidente), así como la inclusión final de ese otro "origen" que ya hemos visto y/o leido muchas veces. Pero vamos, detalles menores... (por este enlace teneis su crítica)

domingo, 29 de septiembre de 2019

ANTES DE WATCHMEN (ESPECTRO DE SEDA y MINUTEMEN) y GROO (LA APUESTA DE LOS DIOSES, GROO VS CONAN y EL HOMBRE MÁS...)


Como más o menos  quedé bastante convencido tras leer las precuelas de Watchmen dedicadas al Doctor Manhattan y a Buho Nocturno decidí seguir con las que tenía disponibles y en este caso la siguiente fue la de Espectro de Seda. Al igual que las precedentes, estamos ante una historia que se demuestra innecesaria respecto a la obra maestra de la que parte, pero que no por ello sería menospreciable, ya que estamos ante un comic tan tremendamente entretenido como de amena lectura. Uno de los puntos que más me llamó la atención sería que entre los responsables estuviera el destacable Darwyn Cooke, si bien suyo sería el guión (que no el apartado gráfico, el cual corre a cargo de Amanda Conner) lo cual no sería un obstáculo para que el trabajo conjunto sea tremendamente acertado y atractivo. En los cuatro números que conforman esta miniserie incluidos en este tomo se nos cuenta la juventud de Laurie Juspeczyk, y como fue su tormentosa relación con su madre (la primera Espectro de Seda de la que heredó el título), así como su periplo cuando agobiada con ella se fuga de casa con su novio. Los detalles que conectan con la obra original de Alan Moore y Dave Gibbons serían aqui circunstanciales, pero pese a todo son insertados de una manera coherente, siendo un digno complemento a la misma.
La siguiente en la lista de precuelas de Watchmen sería Minutemen, y casi me podría arriesgar a afirmar que es la mejor de todas las que me he leído hasta el momento, aunque solo sea porque en ella si que trabaja como autor completo (o sea, tanto guión como dibujo) Darwyn Cooke, con un resultado que supera el simple aprobado y que sería facil de definir como realmente destacable. Y es que el arte gráfico de este tristemente fallecido autor se ajusta como un guante a lo que se nos quiere narrar en esta serie limitada de seis números (todos incluidos en el presente tomo): mostrar lo que sería la Edad de Oro de los superhéroes (al menos en el universo de Watchmen), y que tras ella no todo era tan brillante como se nos daba a entender. Pero aunque a nivel gráfico funcionara, podía darse el caso de que el guión no estuviera a la altura, aunque es algo que enseguida se nos demuestra erróneo, ya que Cooke es tremendamente fiel a lo expuesto por Moore y Gibbons en la obra original, y si tiene que añadir detalles (que los hay) los mismos están insertados de forma coherente, a lo que se añade un destacable desarrollo de los personajes principales. Esa calidad en el trabajo de Cooke brilla aún más comparado con las dos miniseries que completan este volumen, a cargo de otros autores y dedicadas a Dollar Bill y Moloch, y que si que entrarían dentro de la categoria general de meros correctos complementos de la serie Watchmen original.
Leido también Groo el errante: La apuesta de los dioses, siendo el arco argumental que le da título el más extenso de este tomo (ocupa cuatro de las cinco historias incluidas) y en el que vemos como Groo se ve inmerso en una competición para designar al mejor héroe, aunque siendo el protagonista todo un desastre con patas el resultado no será el esperado, algo que se extiende a la quinta (y autoconclusiva) historia que completa este muy divertido volumen.
Siguiendo con el mítico personaje de Sergio Aragonés, tengo que admitir que aunque Groo nació como parodia del género de espada y brujeria (cuyo más popular ejemplo sería Conan), jamás me pude imaginar que ambos personajes llegaran a coincidir. Pero como nunca hay que dudar de nada, aunque sea el mayor de los disparates, ese cruce entre ambos ocurre en estas páginas, en una muy divertida historia que representa salir de la mente alocada de Sergio Aragonés, lo cual da pie a otra línea argumental paralela en la que él y su colega Mark Evanier se ven metidos en una trama que gira sobre el intento de salvación de una clásica tienda de comics, que planea ser derribada para que un empresario voraz edifique otro centro comercial. Con una sencilla anécdota argumental pronto quedan enfrentados los destinos de ambos personajes, los cuales no pierden ni un solo ápice de lo que los hace emblemáticos ofreciendo un comic bastante curioso (aunque sólo sea por el contraste gráfico entre Aragonés y Thomas Yeates, el primero con su tono caricaturesco habitual y el segundo a cargo de todo lo más realista que rodea al famoso cimmerio)
Lo que siempre ha hecho representativo a Groo ha sido su tremenda estupidez, con lo cual ¿que pasaría si de pronto diera un giro radical y se convirtiera en un personaje inteligente? Sobre eso es sobre lo que gira el comic titulado El hombre más inteligente del mundo, donde de nuevo demuestran que dentro de la parodia en la que se engloba puede tener cabida una mirada sarcástica sobre el negocio de los estupefacientes, bien sea de los ilegales hasta (en un destacable giro final) otros que asumimos como perfectamente cotidianos.