sábado, 6 de junio de 2020

DRÁCULA DE BRAM STOKER, EL SUPERPODER MÁS IMPORTANTE, SPIDER-MAN: TODA UNA VIDA, más reseñas breves y errores jurásicos


DRÁCULA DE BRAM STOKER
Las adaptaciones en comic de películas de estreno fueron muy comunes en su momento, si bien eran consideradas por la mayoría como poco más que un mero complemento de merchandising que acompañaba al título que se estrenaba en salas de cine. Pero para todo en esta vida hay excepciones, y si hace unos años pude disfrutar de Alien: La historia ilustrada, obra de Archie Goodwin y Walter Simonson, ahora le ha tocado el turno a Drácula de Bram Stoker, también de un duo de nombres tan destacados en el mundo de las viñetas como son Roy Thomas en el guión y un Mike Mignola anterior a que creara su personaje más emblemático: Hellboy.

La película original es de 1992 y fue dirigida por Francis Ford Coppola, contando en el reparto con nombres tan insignes como Gary Oldman, Winona Ryder, Keanu Reeves o Anthony Hopkins, con un resultado final MAGISTRAL. Pero dentro de su elenco técnico estaba también un por entonces poco conocido Mike Mignola, que colaboró como artista conceptual pero además logró fijar su nombre contractualmente en el supuesto de que se realizara una adaptación al comic de dicha cinta, ya que él se confesaba todo un fan del mítico personaje. La citada pasión queda reflejada de forma evidente en un comic notable en el que, en su versión en blanco y negro, destaca su ejemplar uso de las sombras y los contrastes.

Con una soberbia adaptación por parte de Roy Thomas, que consigue tanto versionar la obra de cine como enlazar con el original literario, estamos ante uno de esos pocos ejemplos en los que el merchandising que acompaña a un producto es casi tan bueno como este en sí. Lo único a lamentar sería el hecho de que por "problemas legales" este comic estuvo sin reemprimirse durante 20 años, lo que lo convirtió en una pieza muy codiciada por muchos aficionados, hasta llegar a esta edición que me he leído de Norma Editorial en un tomo con encuadernación holandesa, tapa dura y además con extras que incluyen varias páginas previas al entintado (detalle también primordial aqui, que corrió a cargo de John Nyberg)
EL SUPERPODER MÁS IMPORTANTE
Debido a la grave pandemia del Covid-19 que asoló el planeta durante inicios del 2020 (causa colateral del mucho tiempo que este blog ha estado inactivo) quedó claro que el ser humano es capaz de lo mejor y de lo peor. Entre lo primero muchos idealizaron, entre los cuales me incluyo, ese final del comic Watchmen, con toda la humanidad unida frente a un enemigo común, pero el tiempo ha demostrado que era tan solo una utopia de dificil realidad. Entre lo segundo está lo cruel del ser humano al ser capaz de despreciar incluso a aquellos que hacen frente al enemigo común, en este caso un virus. 

El escueto comic El superpoder más importante: Una historia de Superman, Krypto y tu vecina que regaló ECC por el progresivo retorno a la normalidad recoge en su brevedad un mensaje de positiva esperanza frente a la incertidumbre que provocó esta pandemia (y las medidas llevadas a cabo para contraatacarla) Al mismo tiempo es una evidente crítica contra aquellos que no saben apreciar el esfuerzo (y el riesgo) que llevó a cabo parte de la sociedad para que el resto pudieramos estar confinados, todo ello usando al superhéroe más emblemático por antonomasia: Superman.

El artista gallego David Rubín, responsable del guión, dibujo y color de este emotivo comic, consigue decir mucho en unas pocas páginas, ya que sintetiza de manera muy destacable el mensaje que nos quieren transmitir mediante la presencia del famoso kryptoniano de DC: un canto de amor y esperanza hacia las personas, las cuales pueden equivocarse (somos seres del todo imperfectos) pero que tienen dentro de si la capacidad para conseguir todo aquello que se propongan, más allá de banderas, religiones o poderes económicos. Es un comic que se lee rápido, pero sin duda alguna su mensaje cala hondo y hace meditar, hasta el punto de que creo que es una brillante herramienta pedagógica hacia las nuevas generaciones.
SPIDER-MAN: TODA UNA VIDA
Muchas veces he citado por este blog que su misma existencia fue una evolución lógica cuando en 2002 descubrí el amplio universo Spider-Man, e internet me mostró que era mucho más inabarcable de lo que yo pensaba. Lo que yo no sabía por aquel entonces es que como personaje emblemático que sin duda es, no se le puede permitir que evolucione (o al menos no lo que sería coherente en otras circunstancias) de tal forma que lleva ya muchas décadas anclado en la algo difusa barrera entre la veintena y la treintena, pese a que dentro de poco vaya a cumplir ya 60 años. A partir de que asumí dicho detalle he disfrutado más o menos con un personaje que se ha ido acomodando a cada época sin cambiar su esencia vital.

¿Que tiene de especial un comic como Spider-Man: Toda una vida? Pues que nos relata la dilatada vida de Peter Parker desde inicios de los años sesenta (cuando nació este personaje de la mano de Stan Lee y Steve Ditko) hasta 2019, con una salvedad muy interesante: el tiempo pasa por el superhéroe arácnido como para nosotros (de forma natural), sin anclar al trepamuros a una edad de la que no avanza. Dividido cada capítulo de esta serie límitada por décadas, en los mismos se hace un resumen de los hechos más trascendentes que ha vivido Spider-Man al mismo tiempo que vamos asistiendo a su progresivo envejecimiento, en toda una declaración de amor hacia tan emblemático personaje.

Curiosamente en su condensación radican sus mayores aciertos (todo fan del personaje se sentirá emocionado al revivir los momentos más determinantes de su larga trayectoria con este curioso planteamiento) así como el mayor defecto que se le puede achacar, y es que algunos hechos, detalles o personajes relacionados con el famoso arácnido son apenas citados o no tienen más allá que un simple cameo, quedándose uno con las ganas de saber más por esas vertientes. Pese a ello resulta comprensible ante la titánica tarea que representaba resumir seis décadas de un personaje que ha vivido tantísimo como el popular trepamuros de Marvel, siendo notable tanto la labor de Chip Zdarsky en el guión como la de Mark Bagley (al que conocí en su amplia estancia en Ultimate Spider-Man) en el apartado gráfico.
RESEÑAS EN FORMATO BREVE
Y ADEMÁS:

viernes, 6 de marzo de 2020

ANTOLOGIA OSAMU TEZUKA, ZOMBIS, STAN LEE VISITA EL UNIVERSO MARVEL, LA PRINCESA CABALLERO (INTEGRAL) y más reseñas


ANTOLOGIA OSAMU TEZUKA
Si hay un autor que destacó en el universo del manga, ese fue sin duda Osamu Tezuka: si no recuerdo mal he leido de la biblioteca todas las obras disponibles de este genio y sin lugar a dudas incluso en los ejemplos menos acertados no bajaría de una calificación media de notable (que muchos quisieran para si cuando no estan muy inspirados) Cual fue mi sorpresa al ver entre las recientes novedades de la biblioteca un TOMAZO de más de 900 páginas titulado Antologia Osamu Tezuka, por lo que no dudé ni un momento en que algo así me lo tenía que leer. En este volumen se recopilan cuatro obras de este autor realizadas entre finales de los años cuarenta e inicios de los cincuenta, por lo que aún no tienen ese tono más adulto de obras posteriores y se notan muy deudoras del estilo Disney que por aquel entonces cautivó a este autor. 

Las historias incluidas son La nueva isla del tesoro (que toma como base la clásica obra de Robert Louis Stevenson), Lost World (en este caso tomando de referencia El mundo perdido de Arthur Conan Doyle), Metrópolis (donde la base sería el famoso film de Fritz Lang, aqui con un protagonista que recuerda a su posterior Astroboy) y Next World (una historia de ciencia-ficción dividida en dos partes) Haciéndose patente muchos de los temas que interesaban a este autor de una u otra manera, vistas desde el punto de vista actual pueden pecar de demasiado ingenuas e infantiles (incluso con incoherencias) pero su lectura resulta entrañable si se lee con la mente situada en el periodo en que fueron creadas. Para completar este tomo incluyen el diario del propio autor en sus primeros tiempos como mangaka, así como notas donde reflexiona sobre las historias incluidas aqui.
ZOMBIS
Desde siempre he manifestado por este blog mis muchas simpatias hacia los comics de terror antiguos, bien sean los de EC, Creepy o cualquiera de sus derivados, por lo que resulta coherente que tras disfrutar en su momento de Haunted Love y luego del Frankenstein de Dick Briefer ahora haya leído con deleite el siguiente tomo de esta Biblioteca de comics de terror de los años 50 titulado Zombis. En sus poco menos de 150 páginas se hace una recopilación de 17 historias que en su momento vieron la luz entre 1951 y 1954, pero lejos del estereotipo que tenemos ahora con estos seres desde La noche de los muertos vivientes de George A.Romero (e incluso con otras visiones más modernas, donde estas criaturas son casi velocistas olímpicos), los zombis que aqui aparecen serían más deudores de la estética vudú, y algunos incluso piensan y razonan, estando motivados por venganzas o ajustes de cuentas.

Las historias son breves, concisas y concretas, pero en ellas se puede disfrutar del arte de algunos de los mejores autores de la época como Wally Wood o Gene Colan. Como preámbulo a estos relatos el presente tomo incluye un prólogo bastante ilustrativo a cargo de los editores americanos, en donde se nos pone en situación del momento en que estos comics vieron la luz, y como la estricta moral de aquellos años, unida a la estrechez de miras y ese rancio conservadurismo (aún presente en la actualidad) culpó a estas obras de la delincuencia, generando ese fatídico Comics Code Authority con el que sólo se permitia la existencia de obras que fueran de moral intachable, sin elementos perturbadores, inquietantes o violentos. Es una pena ver, cual si habláramos de los nazis, hogueras como la que aparece en la página 8, en las que se quemaban todas estas obras según ellos delictivas y perniciosas.
STAN LEE VISITA EL UNIVERSO MARVEL
No cabe duda de que Stan Lee marcó para siempre los comics de superhéroes, por lo que siempre resulta algo entrañable (sobretodo ahora que el susodicho no se encuentra entre nosotros) dedicarle un homenaje como es el presente Stan Lee visita el Universo Marvel: una serie limitada de cinco números donde la persona se encuentra con los personajes (o, para ser más exactos, el real Stan Lee comparte viñetas con cinco personajes de ese vasto mundo de superhéroes iniciado en parte por él) De nombre real Stanley Martin Lieber, este comic que leo a nivel póstumo se ideó en 2006 para homenajear al citado creador de la mano de artistas como Ed McGuinness, Joss Whedon, Lee Weeks, Brian Michael Bendis, Alan Davis, Jeph Loeb, Mark Bagley, Mark Buckingham, Michael Gaydos, Mike Wieringo, Olivier Coipel, Paul Jenkins, Roy Thomas, Salvador Larroca, Scott Kolins, Fred Hembeck, Chris Giarrusso, Johnny Ryan, Tom Beland y Jacob Chabot.

Los personajes escogidos para encontrarse con uno de los creadores de su mundo fueron Spider-Man, Doctor Extraño, La Cosa, Doctor Muerte y Estela Plateada, predominando en todas ellas un irónico sentido del humor. No se puede decir que estemos ante una obra maestra, pero la gran pléyade de artistas consigue un resultado destacable (cada uno en su estilo), en el que además se cuelan referencias a como estaba el Universo Marvel por aquel entonces, que sirven para situar en el tiempo cuando vió la luz en origen esta obra. La edición se completa con historias clásicas de los personajes que aparecen por aqui encontrándose con Stan Lee, extraidas de The Amazing Spiderman 87 USA, Fantastic Four 79 y 87 USA, Marvel Premiere 3 USA y Silver Surfer 14 USA, que bien podrían servir de ejemplo del estilo del citado creador, aunque a nivel personal me gustaron más (por ser más coherentes) las que se centran en homenajear a Stan Lee.
LA PRINCESA CABALLERO (INTEGRAL)
A los que nacimos en la década de los setenta los primeros animes que recordamos son los clásicos Marco y Heidi, también Mazinger Z o El bosque de Tallac, pero curiosamente del que tengo un recuerdo más claro es el de La princesa caballero, por lo que en cuanto supe que era la adaptación de un manga del genial Osamu Tezuka no dudé de que algún día tendría la oportunidad de leerlo completo (ya que la edición de primeros de siglo de Glénat no estaba disponible y/o en condiciones debido al tiempo transcurrido, ya que el más o menos frecuente tránsito por las bibliotecas afecta a las obras que se dejan en préstamo, envejeciéndolas y/o estropeándolas) Lo he podido cumplir con la edición integral: el TOMAZO (por su grosor: casi 700 páginas) editado por Planeta Comic en 2018.

Recordando más la serie de animación por las imágenes que dejó en mi cabeza, debo admitir que su base argumental me sonaba levemente (una princesa que tiene que fingir ser hombre) por lo que lo de ahora ha sido un (re)descubrimiento casi desde su mismo origen, siendo el resultado una AUTÉNTICA MARAVILLA. Más allá de que la serie de animación estuviera realizada en 1967, aunque se viera por estas tierras algunos años después, el manga original se gestó a lo largo de más de una década, desde los años 50 hasta mediados de los 60, por lo que hay que leerlo desde el punto de vista del momento en que vió la luz (ahora mismo admito que puede verse demasiado inocente, si bien ahi radica también su virtud) La heroina es Zafiro, una princesa que tiene que hacerse pasar por príncipe debido a que un ángel juguetón le dió dos corazones en el momento en que nació, el masculino y el femenino, pero sólo podrá acceder al trono siendo hombre.

A partir de ahi se establecen innumerables aventuras plagadas de un montón de personajes carismáticos en lo que sería un culebrón decimonónico que pese a todo consigue enganchar al lector con todo tipo y variedad de giros de guión que logran hacer avanzar un relato que uno pensaría que no puede dar para tanto. Sencilla y honesta en su concepción se la considera el primer manga de la categoria shojo (el dedicado especificamente a las jóvenes adolescentes) y tiene un hermoso dibujo tan amable como alegre que puede recordar a los films clásicos de animación de Disney, de los que Tezuka fue siempre un rendido fan. En resumidas cuentas, una más de las muchas obras maestras que nos ofreció su autor a lo largo de su larga y fructífera trayectoria profesional.
Y ADEMÁS:

jueves, 5 de marzo de 2020

BLOODSHOT, otra adaptación de otro superhéroe (crítica sin spoilers)

Estamos sin duda ante una época dorada para la adaptación de comics en series o films sobretodo de superhéroes, con Marvel a la cabeza y DC intentando llegar al mismo nivel; pero no todo tiene porque venir de las dos más grandes, ya que el mercado es muy amplio. El problema está en que las dos citadas crearon a sus máximos emblemas hace ya décadas, cuando si se les podía considerar innovadores, hasta el punto de que en muchos superhéroes que han llegado despues (incluso dentro de las mencionadas) se nota la influencia de los más clásicos.

La editorial independiente Valiant es donde se creó este superhéroe llamado Bloodshot, que si tiene éxito en los cines (¡vete tú a saber!) podría generar un Valiant-verso (porque tienen más superhéroes para ello) lo mismo que ya tenemos universos cinematográficos en Marvel (más homogéneo) y DC (con excesivos altibajos) En mi caso los comics de este personaje no los conocía, por lo que decidí que la película me daría una opinión sobre lo que hacer... y desde luego que me ha dado una respuesta bien clara.

Igual mi problema (total y absolutamente personal) sea que no me cae bien Vin Diesel. A diferencia de otros más o menos coetáneos como Dwayne Johnson o Jason Statham (o de "clásicos" tipo Stallone o Schwarzenegger) le noto un exceso de chuleria y falta de carisma, hasta el punto de que lo único que me ha gustado ha sido que le ponga voz (original) a Groot de los Guardianes de la galaxia.

Como he indicado antes, ignoro la fidelidad de esta adaptación respecto a lo que hay en las viñetas, pero si el resultado es medianamente parecido a esto, no estaría sin duda alguna dentro del tipo de personajes que me interesan. Igual sea por culpa de los guionistas de este film (Eric Heisserer y Jeff Wadlow, acertado el primero tan solo con La llegada) o del director Dave Wilson (experto en efectos especiales, lo cual se nota mucho cuando echa mano de ellos, siendo el resto un cúmulo de tópicos y clichés) pero al final esta Bloodshot ha cumplido las pobres expectativas con las que iba, siendo sólo una película de acción más del montón, ni mucho menos memorable, bastante esquemática y de una simpleza apabullante. No diré que sea mala (la atención del espectador si la saben mantener) pero en su conjunto lo mejor que se puede decir de ella es que estamos ante una película muy "discreta", evidente en un ajustado presupuesto de 42 millones de dólares con el que no han querido arriesgar mucho por si al final no acaba de cuajar (ahora queda ver como responderá el público)

La historia se centra en Ray Garrison (el personaje a cargo de Vin Diesel), al que se nos esboza con cuatro trazos en unos primeros mínutos que resultan excesivamente convencionales y genéricos (incluyendo cierto "baile" que hace que uno ya se empiece a sospechar que las expectativas con las que iba se van a cumplir) Tras cierto incidente traumático para el "gran héroe", aunque del todo intrascendente para el espectador, ya que es dificil empatizar con un personaje del que apenas has visto poco más que dos escenas, nos metemos en acción con un protagonista que vendría a tener el factor regenerativo de Lobezno y la firme resolución de un Terminator en una base argumental que me recordó mucho a la de Soldado Universal (por lo que resulta evidente que la novedad brilla por su ausencia) El resultado no mejora porque todas esas semejanzas, y más, hacen salir perdiendo a esta Bloodshot, lo que se acrecienta con unos personajes secundarios entre insustanciales y risibles que caen en todos los tópicos posibles (desde mujeres-florero que están sólo para hacer bonito, a informáticos que son brillantes con el teclado pero antisociales)

Otro problema que se hace patente, además de la insustancial presencia de Guy Pearce (el otro nombre más conocido de su elenco) sería que la película está realizada para que la vea cuanta más gente mejor, de ahi una clasificación PG-13 que en muchos momentos se queda corta, ya que con un planteamiento donde la acción y la violencia campan por sus anchas, resulta un tanto irónico que la sangre brille por su (mucha) ausencia, centrándose en tiroteos y persecuciones como se han visto en innumerables ejemplos previos. Eso me hizo recordar a la nueva versión de Hellboy estrenada hace unos meses, que también fue manufacturada dejando de lado su toque más violento, aunque eso dudo que hubiese hecho mejorar la muy decepcionante adaptación perpetrada por Neil Marshall. Quizás el no conocer los comics de Bloodshot han impedido que mi decepción fuera tan grande como la que me lleve con esa citada versión del personaje de Mike Mignola, siendo al final tan solo una simple película de acción del montón, sin nada que destacar: un mero pasatiempo olvidable.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de marzo de 2020
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: El director de esta película proviene del campo de los efectos visuales, notándose eso (para bien) en algunas escenas de acción bastante llamativas.
  • LO PEOR: Un guión esquemático, unos personajes insustanciales y sobretodo Vin Diesel.

viernes, 28 de febrero de 2020

EL HOMBRE INVISIBLE, la amenaza que no ves (crítica sin spoilers)

El tema de la invisibilidad ha sido mostrado en innumerables obras de todo tipo y formato (cine, televisión, etc.) desde que se hizo popular gracias a la mítica novela de H.G.Wells con idéntico título al de esta nueva versión de 2020. De todas maneras más allá del clásico de la Universal de 1933 dirigido por James Whale y con Claude Rains de invisible protagonista no hay ninguna versión que destaque de manera especial (si bien hay algunos títulos meritorios por sus logros técnicos como Memorias de un hombre invisible de John Carpenter y con Chevy Chase, o El hombre sin sombra de Paul Verhoeven con Kevin Bacon, esta última con una escena que podría considerarse como un preludio de esta nueva versión de Blumhouse)

En fechas recientes se estuvo hablando de realizar una nueva versión de la novela original dentro de ese bastante fallido intento de universo compartido que fue el Dark Universe que empezó (y ahi se quedó) con La momia protagonizada por Tom Cruise. Si dicha propuesta hubiese tenido éxito la versión de El hombre invisible que se planeaba llevar a cabo hubiese estado protagonizada por Johnny Depp, en una posible franquicia donde también se contaba con otros nombres famosos como Javier Bardem para Frankenstein o Russell Crowe como Jekyll, este último ya presente como secundario en la antes citada La momia. La salida del protagonista de Piratas del Caribe y el posterior fichaje de Elisabeth Moss en su lugar (muy popular por la serie de televisión El cuento de la criada) forjó una adaptación diferente.

Lejos de la suposición inicial de que cambiarian el sexo del protagonista al variar de hombre a mujer el artista principal (lo cual si ha sucedido en otros casos, hecho común junto con el de cambiar razas de personajes sin ningún motivo aparente o justificado), en este caso Elisabeth Moss no da vida a esa hipotética mujer invisible sino que sería la sufridora víctima del hombre invisible de este caso, en una historia que lleva al terreno de lo fantástico el evidente problema de la violencia de género. Se la ha comparado con la película Durmiendo con su enemigo, en la cual Julia Roberts encarnaba a la esposa y víctima de los malos tratos de su marido en la ficción, encarnado por el actor Patrick Bergin, por lo que su esquema bien se podría decir que seria el mismo, salvo que añadiendo aqui lo de la invisibilidad. La labor como director que hace en esta cinta Leigh Whannell resulta realmente digna de mérito, al conseguir inquietar al espectador de manera sorprendente con recursos como el silencio o los encuadres vacios, manteniendo la tensión y el suspense con bastante soltura y casi sin altibajos durante sus quizás un tanto excesivos 124 minutos de metraje (igual podría haber mejorado aún más ajustando un poco dicha duración, si bien el resultado final es bastante convincente)

De todas maneras ese intenso suspense que durante casi todo el rato había dejado inquietado al espectador (al menos a mi me sucedió) se "rompe" en un final bastante efectista, en el que las sutilezas que habian destacado durante todo el relato se transforman en un mensaje claro y conciso sobre la opinión que merece el tema de base (la violencia machista) Resulta innegable que está insertado para satisfacer al sector femenino, y no negaré que en su conjunto puede resultar coherente, pero un hombre invisible que hasta aquel entonces había llevado las cotas de terror ante lo desconocido a unos límites muy refinados (no olvidemos que el presupuesto de la película es limitado, por lo que tiene que sustituir los efectismos por las sutilezas, que el director maneja con acertada fluidez), se me antoja demasiado "torpe" con los hechos que transcurren en sus últimos minutos, los cuales cierran esta película de una forma forzada y abrupta. Dejando la puerta abierta a posibles secuelas, lo mejor de esta nueva adaptación de El hombre invisible sería el supeditar toda la historia al punto de vista de su protagonista femenina, haciendo ahi Elisabeth Moss un trabajo notable, en una solvente actualización de un personaje tan emblemático en el que incluso hay un guiño a la obra de H.G.Wells (este hombre invisible también se apellida Griffin)
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de febrero de 2020
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Los notables trabajos de su protagonista frente a las cámaras y del director tras ellas, que maneja con brillantez el uso del suspense a lo largo de casi todo su metraje.
  • LO PEOR: Un final efectista, que aunque funcione me da la sensación de ser un tanto brusco y forzado, lo que me ofrece un relativo cierre que "rompe" el ritmo que había tenido hasta entonces.

lunes, 24 de febrero de 2020

ONWARD, una obra menor en el catálogo de PIXAR (crítica sin spoilers)

El planteamiento de Onward es, con diferencia, lo más destacado de esta nueva producción de Pixar y Disney: todos conocemos mundos imaginarios llenos de todo tipo de criaturas fantásticas, bien sean los creados por Tolkien en El Señor de los Anillos, los generados en esa famosa franquicia de Dragones y Mazmorras o los que transita Conan el Bárbaro. Pero, ¿qué ocurriría si dejaran ese universo fantástico-medieval y se quedaran tan solo con lo primero, al ser ellos criaturas fantásticas, pero evolucionando lo segundo a una sociedad bastante paralela a la que vivimos nosotros?

En inicio algo así me hizo recordar a Bright, película de Netflix con Will Smith a la cabeza que partía de una premisa similar, si bien con un resultado bastante más decepcionante. Afortunadamente en Pixar son lo bastante inteligentes como para desarrollar un punto de partida así de manera más destacable, si bien resulta evidente el hecho de que caen en demasiados tópicos que hacen que el resultado final sea entretenido, pero dando la sensación de que a Pixar, responsable de tantas joyas de la animación, se le podía exigir algo más.

El director de esta Onward es Dan Scanlon, siendo esta su segunda película tras haber sido el responsable de Monstruos University. La premisa de la que parte el presente film la vivió él de forma personal, al perder a su padre muy joven, teniendo siempre la incertidumbre de como habría sido de verdad de haberlo conocido.

Al inicio de esta crítica he citado todo el "envoltorio" alrededor de la nueva producción de Pixar, pero el mismo es tan solo aprovechado para darle un escenario a la historia, a la espera de que futuras secuelas (si las hubiera) o derivados que bien pueden ir a la plataforma Disney Plus saquen más jugo de esta, sin duda alguna, fructífera fuente. Porque practicamente toda la historia está centrada en los dos hermanos elfos protagonistas, totalmente contrapuestos el uno al otro, a los que ponen voz en su versión original Tom Holland a Ian (el más apocado de los dos) y Chris Pratt a Barley (el más desinhibido y descarado, un auténtico fan de los juegos de rol al estilo de Dragones y Mazmorras, que en este universo especial en el que viven están basados en hechos históricos más o menos reales) 

El más pequeño de los dos (Ian) no tiene recuerdos de su padre, mientras que el mayor (Barley) apenas guarda unos pocos, y no todos necesariamente agradables (se intuye que murió de una grave enfermedad), pero todo cambiará cuando en el 16º cumpleaños del primero reciba un inesperado regalo de su progenitor fallecido: un bastón mágico, una piedra y un hechizo con el que conseguirán volver a estar con él durante todo un día, desapareciendo luego para siempre. El problema radica en como usar la magía en un mundo mágico que ha dejado de creer en ella (impagable la escena de los unicornios rebuscando en la basura como alimañas), por lo que inicialmente no llegan a lograr su objetivo, ya que esta sociedad en la que viven ha dejado a un lado todos los temas más mitológicos y es más convencional.

Cuando se consigue llevar a cabo ese hechizo, un incidente provoca que tan solo puedan recuperar al padre de cintura para abajo, lo que embarcará a ambos hermanos en la búsqueda de otra piedra como la que tenían (que se consumió con el uso) para poder "completar" a su padre, teniendo un periodo temporal de apenas 24 horas, ya que pasado ese tiempo se acaba la magía y su fallecido progenitor desaparecerá para siempre. A partir de ese momento se transforma en una road movie que transita a medias con esa típica historia de búsqueda de un tesoro vista más veces, en una aventura con ciertos toques que pueden recordar a Indiana Jones, El Señor de los Anillos o cualquiera de sus múltiples derivados, solo que con un "estilo" más infantil (sin que ello signifique algo negativo) 

Como ocurre en muchas ocasiones, en este relato no es tan importante lo que van a buscar como lo que vivirán durante dicho periplo, siendo lo más interesante la evolución de la relación entre los dos hermanos, demostrándose ahi el acierto de su responsable al tener ambos unas personalidades bien marcadas, en la que no es dificil imaginar a Ian como el alter-ego del propio director, por la anécdota personal de él que configuró esta Onward.  En su tercer acto la historia intenta combinar épica y emotividad, destacando más en el segundo apartado (en el que Pixar ya se ha demostrado muy habil en anteriores ocasiones) ya que en el primero la resolución se nota estándar pero un tanto abrupta. Con un resultado final más bien correcto y funcional que emblemático, estamos ante una entretenida historia que aunque muchos momentos sea poco sutil en sus pretensiones y demasiado convencional en su desarrollo, acierta en su apartado más emotivo.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de marzo de 2020
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: El mundo en el que se ambienta la película, del que apenas vemos algunos detalles al centrarse más en la aventura principal. Asimismo el sobresaliente nivel de animación y el punto de partida que generó esta película, que se hace especialmente emotivo en su tramo final.
  • LO PEOR: Aunque bien usados, transita por demasiados tópicos de otras muchas aventuras de búsquedas de tesoro y road movies, lo que le resta originalidad más allá de su llamativa premisa argumental. Asimismo en algunos momentos le falta sutileza y le sobran convencionalismos.

jueves, 20 de febrero de 2020

MARVEL SAGA DAREDEVIL (varios), CATWOMAN: SOULSTEALER, DOCTOR WHO: VIDA TRAS LA MUERTE y más reseñas variadas


MARVEL SAGA DAREDEVIL: EL DIABLO EN LA GALERIA D 
Como ya cité en su momento, la etapa de Ed Brubaker y Michael Lark en Daredevil la he leído en orden inverso, al haber llegado a mis manos antes las entregas finales (esta y esta otra) que las iniciales, que asumí que tendría que leer cual si se tratara de precuelas. Afortunadamente si pude leer de forma más o menos coherente las susodichas, empezando por El diablo en la galeria D, donde los autores antes citados tuvieron que enfrentarse a la dificil dicotomia de como habian ellos "heredado" al personaje del equipo anterior (Matt Murdock encerrado en Ryker junto con su mortal enemigo Kingpin), y continuar a partir de ahi. Este arco argumental se divide entre mostrar una destacable historia de género carcelario, en la que aparte de Murdock y Kingpin también meterán baza Bullseye y Punisher, mientras en el exterior se investiga como puede ser que se esté viendo a Daredevil por la Cocina del Infierno, cuando se supone que si es Matt Murdock ya estaria entre rejas (esta temporada está situada antes de que Matt consiguiese que de nuevo su identidad fuera desconocida para el resto del mundo) El resultado es un tomo con un ritmo intenso y muy bien desarrollado, gracias a un soberbio equilibrio entre el destacable guión de Brubaker con el muy adecuado apartado gráfico para plasmarlo en viñetas, a cargo de Lark.
MARVEL SAGA DAREDEVIL: EL DIABLO SE DA UN PASEO
Después de que en el tomo previo nos hicieron creer en un inicio que Foggy Nelson había muerto en una reyerta tras ir a ver a su amigo a prisión, esa situación quedó pendiente porque las últimas viñetas mostraban que no había sido asi. Por eso este volumen comienza mostrando la vida del citado personaje dentro del programa de protección de testigos con un apartado gráfico en ese número a cargo de David Aja, para luego volver a Michael Lark (con Stefano Gaudiano) para el arco argumental en cinco entregas que da título a este tomo, donde Matt Murdock se irá de gira por Europa para intentar descubrir la verdad sobre la muerte de su amigo Foggy, que en inicio cree como real. En su periplo se encontrará con unos viejos conocidos como Matador o Lápida, y descubrirá la intrincada trama que ha tejido a su alrededor Vanessa Fisk, que se revela como la causa de sus desgracias. Centrando más el relato en el misterio y las investigaciones que lleva a cabo el protagonista (dejando un poco aparcada la parte superheróica), se hace muy evidente que con el presente arco argumental Ed Brubaker deja ya cerrada de forma destacable la trama enmedio de donde le dejó Brian Michael Bendis, siendo libre a partir de ahora de contar lo que quiera de Daredevil.
MARVEL SAGA DAREDEVIL: AL DIABLO LO QUE ES DEL DIABLO
En el siguiente tomo de Daredevil ya quedan más o menos finiquitadas todas las tramas que dejó colgadas Bendis, por lo que Brubaker ya tiene vía libre, lo que aprovecha en el primer número de los seis incluidos en esta entrega para que sea la narradora Milla Donovan, la esposa ciega de Matt Murdock, que conoce su identidad secreta como Daredevil. En el mismo se ahonda de una forma bastante acertada en el caracter del citado personaje, que pese a ser ciega no quiere ser la típica damisela en apuros, pero que pese a todo sufre por la ausencia de su marido y los peligros que corre. En los cinco números que completan este volumen, y cuyo arco argumental es el que le da título, se puede ver la (no del todo óptima) evolución de la relación entre Milla y Matt, así como las investigaciones que hace este como Daredevil sobre cierta tónica común que parece relacionar los crímenes que se están cometiendo en la Cocina del Infierno, a lo que añadir la presencia de Melvin Potter (Gladiador), acusado de unos asesinatos que insiste en que no cometió. Todo ello se entrelaza de forma bastante amena hasta acabar en un cliffhanger que se resolverá en el siguiente tomo (Sin miedo), donde se incluye el número 100 de esta colección después de su renumeración... y que en este momento NO ESTÁ en ninguna biblioteca.
DAREDEVIL: CRUEL E INUSUAL 
Debido a la ausencia antes citada, he tenido que saltar a este tomo titulado Cruel e inusual, en el que tras lo acontecido en la entrega que no me he leído, la situación del protagonista vuelve a su tónica habitual: la de la tragedia. Tras haberse enfrentado con Mister Miedo y que este afectara a Milla Donovan, la mujer de Matt, provocando que fuera ingresada en un centro psiquiátrico, aqui nos encontramos a un protagonista bastante atormentado (el primer número sería eso) que en este volumen estará relacionada con dos tramas. En la primera de ellas, un one-shot y segundo número de este tomo, el personaje principal sería Tarántula Negra, uno de tantos villanos redimido a antihéroe y que deja con la sensación de que igual Marvel quería probar a darle una colección propia. Correcta y entretenida, por las mismas sendas circula el arco argumental de cuatro números que da título a este tomo, donde se investigará la historia de cierto preso con la condena de ejecución a la vuelta de la esquina (por un triple asesinato del que se declara culpable) pero que provoca serias dudas sobre su total veracidad. En esta historia bastante entretenida Brubaker se ve acompañado al guión por Greg Rucka, uniendo a los que fueron responsables de uno de los comics más emblemáticos de DC: Gotham Central.

CATWOMAN: SOULSTEALER
Tengo que admitir que me sorprendí cuando descubrí una novela literaria de Wonder Woman que poco después pude leer de la biblioteca, con resultado tan solo correcto y de sencillo entretenimiento. Se trataba de una serie de cuatro novelas dedicadas a los supuestos icónos de los comics DC y que continuó con Batman Nightwalker que me decepcionó tanto que no acabé. Ha pasado el tiempo y en las bibliotecas se les han unido los otros dos icónos de esta serie de cuatro: Superman y Catwoman, por lo que con las sospechas que tengo de que la novela del kryptoniano será algo así como la serie televisiva Smallville (algo que, creo, ya está superado), me decanté por la segunda sobretodo por la curiosidad de haberla incluido para hacer cuarteto dentro de la Trinidad de DC, formada por Superman, Batman y Wonder Woman.

En el caso de esta Catwoman Soulstealer tengo que admitir que me he encontrado una novela bastante entretenida, y que aunque se podría considerar una especie de Catwoman begins de una realidad alternativa del personaje (aqui Batman ya es un superhéroe plenamente establecido), no me costó mucho disfrutar con uno de los personajes de DC a los que siempre he tenido más aprecio, que aqui se junta con otras dos villanas muy conocidas: Poison Ivy y Harley Quinn. En una historia orientada, como todas en esta serie, hacia un público juvenil, si la protagonista desafía la ley (aunque tiene sus motivos) frente a ella no está Batman, que igual por edad sería demasiado mayor en esta realidad, sino Batwing, un personaje que conocí hace poco y al que veo como una mezcla de Iron Man y el propio Batman, escondiéndose bajo su máscara Luke Fox, hijo de Lucius Fox, uno de los baluartes de Bruce Wayne en su cruzada contra el crimen.
DOCTOR WHO: VIDA TRAS LA MUERTE
Como sé que de momento los comics de la serie Doctor Who no los van a tener en las bibliotecas (no tienen esa suficiente demanda que necesitarian), se trata de la única compra fija que hago cada vez que sale uno, para así de camino apoyar el esfuerzo de la editorial Fandogamia hacia una cabecera que no tiene por estas tierras un apoyo tan mayoritario como en su lugar de origen. Tras varios ya publicados donde predominan las aventuras del Décimo Doctor (que conocimos con los rasgos del actor David Tennant), ahora le ha llegado el turno al Undécimo (a cargo de Matt Smith) con el tomo titulado Vida tras la muerte (si bien, error perdonable, en el lateral pone Las fuentes de la eternidad, que fue justo el anterior

Por las indicaciones que dan estas aventuras estarían situadas entre las temporadas 5 y 6 de la serie de televisión, con el Doctor viajando solo tras dejar a Rory y Amy. En el Londres de 2014, fecha de estos comics, conocerá a Alice Obiefune, nueva compañera a la que pronto se unirá otro personaje con toques a lo David Bowie. A lo largo de varias aventuras más o menos autoconclusivas se irán planteando varios detalles de algo más grande, relacionado con una misteriosa empresa llamada Teservimossa, todo ello bien insertado con bastante acierto dentro de los parámetros habituales de esta serie. Lamentablemente las virtudes por un lado tienen el handicap de su apartado gráfico, que no parece estar tan a la altura, resultando en líneas generales bastante irregular.
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