Crítica de cine: HAPPY FEET: ROMPIENDO EL HIELO

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: Happy Feet
AÑO: 2006
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Australia
DIRECTOR: George Miller
GUIÓN: George Miller, Warren Coleman, John Collee, Judy Morris
MÚSICA: John Powell
GÉNERO: Animación
PRODUCTORA: Coproducción Australia-USA; Warner Bros. Pictures / Kingdom Feature Productions / Kennedy Miller Productions / Village Roadshow Pictures

SINOPSIS

En la gran nación de los Pingüinos Emperador, en lo más profundo de la Antártida, no eres nadie si no sabes cantar, lo cual representa una gran desventaja para Mumble, que es el peor cantante del mundo. Ha nacido bailando según su propio estilo... claqué. Aunque la madre de Mumble, Norma Jean, cree que este pequeño hábito es estupendo, su padre, Memphis, dice "no es propio de pingüinos". Además, los dos saben que, sin una "Canción del corazón", Mumble no encontrará nunca el verdadero amor. Como si fuera cosa del destino, su única amiga, Gloria, es la mejor cantante de los alrededores. Mumble y Gloria establecen una relación desde el momento en el que se conocen, pero ella lucha con sus extrañas costumbres "hippity-hoppity". Mumble es demasiado diferente, especialmente para Noah el Viejo, el severo líder de la Tierra del Emperador, que finalmente le echa de la comunidad. Lejos de su hogar por primera vez, Mumble se reúne con un numeroso grupo de pingüinos totalmente diferentes de los de la nación del Emperador: los Amigos de Adelie. Guiados por Ramon, los Amigos de Adelie se aficionan inmediatamente a los estupendos bailes de Mumble y le invitan a formar parte de su grupo. En la Tierra de Adelie, Mumble pide consejo a Lovelace el Guru, un chiflado pingüino Rockhopper que contestará todas las preguntas sobre la vida por el precio de un guijarro. Junto con Lovelace y los Amigos, Mumble emprende viaje a través de amplios paisajes y, después de algunos encuentros épicos, demuestra que ser fiel a uno mismo es muy importante.

CRÍTICA

La animación por ordenador se supera con cada nueva película, hasta llegar a cotas de hiperrealismo realmente asombrosas. "Happy Feet" es el último ejemplo de ello, pero quien piense que detrás tenemos a la factoria Pixar (la más grande actualmente en lo que se refiere a animación por ordenador) se equivoca.

En este caso el responsable es George Miller, quien hace poco más de una década nos sorprendió con "Babe, el cerdito valiente", película que caló tan hondo en los espectadores que incluso consiguió varias nominaciones a los Oscars, incluida como mejor película. Tras varios años sin nada nuevo, ahora nos presenta este "Happy Feet", una película de animación por ordenador realmente fabulosa en el aspecto visual, con unas imágenes que si ya de por si se ven impresionantes en una pantalla de cine normal, recomiendo fervientemente que quien tenga la oportunidad de verla en formato IMAX que lo haga, porque seguro que allí debe de ser un espectaculo fabuloso.

Y es que la calidad gráfica de la película es de una belleza magistral porque recrea PERFECTAMENTE todo el ambiente que rodea a los pingüinos, e incluso también a estos (aunque claro, con las lógicas concesiones que los "humanizan" de cara al argumento que nos narra la película). Y la mayor sorpresa viene al final, porque la presencia de seres humanos tan perfectamente hechos te hace dudar durante unos instantes si de verdad ya han logrado tal maestria en los detalles, hasta que al final te apercibes de que estan mezclando imagen real y animación por ordenador... ¡¡¡y lo estan consiguiendo maravillosamente bien!!!

En cuanto al argumento en si de la historia, personalmente me recordó al de "El Rey León" (ahi es nada, también una de las mejores película de la Disney de toda su historia) con un protagonista que se ve separado de su grupo por circunstacias de la vida, emprendiendo el que será un viaje de iniciación para él. Todo ello mezclado (cual si de un musical se tratara) por las canciones que entonan los pingüinos y las coreografias de Mumble, el protagonista, que son las que le hacen diferente al resto de los suyos.

El problema quizás radica en el mensaje ecológico que te quiere transmitir la historia, realmente muy respetable y muy loable, pero quizás un poco simple, ya que en el fondo harian falta MUCHAS PERSONAS para que realmente el ser humano se concienciara del daño que le está realizando a la Naturaleza. Eso sí, si películas como esta sirven para concienciar a alguien (y los más proclives serían los espectadores infantiles), pues bienvenida sea. Pero como films con mensajes como este ya he visto yo más de uno y de dos, y la cosa continua igual, da más la sensación de ser un grito en el desierto que algo que de verdad vaya a cambiar algo.

Y quizás sea eso, al mismo tiempo, lo que entorpece un poco el resultado final de la película, ya que en si "Happy Feet" vendría a ser una mezcla de un documental de la National Geographic, "El Rey León", un musical y una película con mensaje ecológico (todas las opciones realmente muy buenas)... pero como al final no parece tomar partido por ninguna opción en particular, queda esa sensación final de haber visto un espectaculo REALMENTE BRILLANTE visualmente (no me extrañaría que fuera la ganadora de este año del Oscar a la mejor película de animación) pero que no acaba de ser esa película realmente magistral e imperecedera que por los materiales de origen uno podría llegar a pensar.

CALIFICACIÓN: ····

LO MEJOR: La animación es ESPECTACULAR. Así en mayúsculas. Y desde luego que si la película es una gozada visual en un cine convencional, quien pueda verla en formato IMAX se la recomiendo, porque allí debe de ser ya una experiencia sublime. Además la historia es entretenida (aunque algo irregular).

LO PEOR: La mezcla de géneros (documental, musical, ecológico) sin ahondar a fondo en ninguno de ellos.

Crítica de cine: DÉJÀ VU

FICHA TÉCNICA

Título original: Déjà Vu

Dirección: Tony Scott.

País: USA.

Año: 2006.

Duración: 126 minutos

Género: Acción, Thriller.

Intérpretes: Denzel Washington (Doug Carlin), Val Kilmer (agente Pryzwarra), Paula Patton (Claire Kuchever), Bruce Greenwood (Jack McCready), Adam Goldberg (Denny), Jim Caviezel (Oerstadt).

Guión: Bill Marsilii y Terry Rossio.

Producción: Jerry Bruckheimer.

Productora: Touchstone Pictures.

Música: Harry Gregson-Williams.

Fotografía: Paul Cameron.

Montaje: Chris Lebenzon.

Diseño de producción: Chris Seagers.

Vestuario: Ellen Mirojnick.

SINOPSIS

Todos hemos experimentado alguna vez un déjà vu, es decir, todos hemos tenido la sensación de que algo que ocurre ya lo hemos vivido antes, o cuando conocemos a alguien sentimos que ya lo conocíamos, o reconoces un lugar en el que nunca has estado... eso es un déjà vu.

Y eso es lo que le ocurre al protagonista de esta pelicula, Denzel Washington interpreta a Doug Carlin, un agente que tiene un déjà vu mientras investiga un terrible atentado.

Al acudir a reunir pruebas tras una explosión de una bomba en un Ferry de Nueva Orleans, Carlin está a punto de descubrir que lo que para la mayoría de la gente está sólo en su imaginación es algo mucho más poderoso que le llevará a una carrera por salvar cientos de vidas humanas.

Entonces nos preguntamos: Pero, ¿qué sucedería si estas sensaciones fueran de hecho advertencias enviadas desde el pasado o pistas para el futuro?

CRÍTICA

Personalmente dentro del género fantástico siempre he tenido una especial predilección por las películas que narran viajes en el tiempo, pero también es verdad que, salvo casos muy puntuales, no hay muchos títulos especialmente destacables.

Toda la teoria sobre las consecuencias positivas y/o negativas que podría tener el viaje en el tiempo creo que nunca ha estado mejor reflejado que en la trilogia de "Regreso al futuro" (especialmente en la segunda entrega). Y es que, dentro de la fantasía que representa aún eso, H.G.Wells estableció unos cánones en su obra maestra "La máquina del tiempo" que son en los que se han basado la mayoría de films que han tratado el tema, y es que se puede viajar indistintamente al pasado o al futuro. Eso ha sido muy bien representado en las dos mejores adaptaciones (más o menos fidedignas) de la obra original de Wells que ha habido hasta la fecha: "Los pasajeros del tiempo" de 1979, con Malcom MacDowell y David Warner; y "El tiempo en sus manos" (1960) de George Pal, con Rod Taylor (aunque la más fidedigna a la obra original sea esta última, siendo la primera un pastiche que fantasea lo que hubiera pasado si el propio Wells hubiera sido quien inventó la máquina del tiempo y hubiera perseguido a Jack el Destripador hasta el mundo actual).

El problema radica en cuando un film que quiere inscribirse al género inventa sus propias normas, como pasó con la película "Timecop" con Jean Claude Van Damme, donde sólo se podía viajar al pasado porque el futuro era indeterminado. Y eso mismo ocurre en esta "Déjà vu", donde sólo se puede ver el pasado, y encima sólo el de hace cuatro días y medio. Y sin posibilidad de viajar al mismo (sólo de verlo). O al menos eso es lo que al principio nos quieren hacer creer...

Y es que la primera parte de la película parece un poco confusa, con un montón de detalles que en principio parecen inconexos, y con una explicación sobre el tema "temporal" que hace dudar si al final veremos algún viaje o todo será una especie de investigación policial (y todo ello con una persecucción en coche entre el personaje de Denzel Washington y el villano... ¡¡¡separados por cuatro días de diferencia!!! y que recuerda a una persecución similar que tenía Sean Connery en "La Roca"). Pero tras una primera parte que no acaba de convencer mucho porque ni el mismo argumento parece saber que camino tomar, viene una segunda parte un poco más animada. Y lo de "un poco más animada" lo digo porque entonces empiezan a suceder cosas que si hacen concordar todos los elementos inconexos que habiamos visto antes, hasta el punto de llegar a un final sorprendentemente lógico en cuanto al tema (y que se podría resumir en que dos personas iguales no pueden compartir el mismo plano temporal).

El problema está en que el guión es demasiado deudor de una primera parte que no pasa de ser un simple cine de entretenimiento con ínfulas tecnológicas y científicas que parecen sacadas de una película de Michael Chrichton, lo cual pesa sobre la segunda mitad, que simplemente se dedica a enlazar todas las piezas del puzzle que nos habian colocado previamente frente a nosotros. Por eso que el resultado final resulta correcto en cuanto a la lógica "temporal" planteada en la película, aunque uno se queda con la sensación de que otras películas con temáticas más o menos parecidas han obtenido resultados mejores.

Esa irregularidad de la película es en parte achacable a la labor como director de Tony Scott, que sigue con su estilo habitual filme el tipo de película que filme, lo cual podría ir bien para un título como "Dominó" (con todos los "peros" que también se le pueden poner a ese film) pero que aqui no funciona, dándole a la película una indefinición final que la deja como un simple entretenimiento más, ni mejor ni peor que otros muchos vistos este año. Como mínimo hay que destacar el acierto de poner como protagonista a Denzel Washington, excelente actor y que sin duda lleva el peso de la película, aunque a su alrededor pululen unos cuantos personajes, algunos de los cuales eran facilmente obviables.

CALIFICACIÓN: *** (entretenida) 6/10

LO MEJOR: Denzel Washington y que pese a que al principio no lo parezca, la lógica "temporal" del argumento exista.

LO PEOR: Es demasiado indefinida (¿film policiaco? ¿ciencia-ficción? ¿fantástico?) quedándose al final "en tierra de nadie" y como una simple película de entretenimiento más.

Crítica de cine: RATÓNPOLIS

FICHA TÉCNICA

Título original: Flushed Away

Año: 2006

País: USA

Duración: 84 minutos

Director: Sam Fell, David Bowers

Reparto: Hugh Jackman, Kate Winslet, Ian McKellen, Andy Serkis, Bill Nighy, Shane Richie, Geoffrey Palmer, Simon Callow, Jean Reno

Guión : Dick Clement, Ian LaFrenais

Productora: DreamWorks Animation-Aardman

SINOPSIS

No cabe duda de que Roddy es una "rata de la alta sociedad" que vive como un rey en un piso de Kensington atendido por dos mayordomos, los hámsteres Gilbert y Sullivan (Nota: Estos personajes aparecen en el trailer de la película pero NO en la película).

Pero cuando una vulgar rata de alcantarilla llamada Syd aparece por la pila de la cocina y decide que esto es jauja, a Roddy no le queda más remedio que deshacerse del intruso atrayéndole hacia el "remolino". Puede que Syd sea vulgar e ignorante, pero no es tonto, y Roddy acaba desapareciendo por el inodoro hacia el mundo subterráneo de Ratónpolis.

Allí conoce a la trabajadora y emprendedora Rita, que sobrevive en las alcantarillas en su fiel barco, el "Jammy Dodger". Roddy solo tiene una idea, subir, pero antes tendrá que compensar a Rita por los problemas que le ha causado.

Y hablando de problemas, el malvado Toad (Sapo), que odia a todos los roedores, quiere congelarlos... literalmente. Toad encarga el trabajo a sus dos desventuradas "esbirratas", Spike y Whitey. Al no conseguirlo, no le queda más remedio que hacer venir a su primo de Francia, el terrible mercenario "Le Frog" (La Rana).

CRÍTICA

Con "Ratónpolis" se completa la trilogia de colaboraciones entre la productora inglesa Aardman y la norteamericana Dreamworks, y viendo el resultado final, la despedida es (sin duda) a lo grande.

La primera película fue "Chicken Run" en el año 2000, y sin duda aún sigue siendo para mi uno de los mejores films animados de los últimos años, donde no sólo se combinan personajes carismáticos e historia entretenida, sino que además la animación es portentosa dentro de su género. La siguiente película fue "Wallace y Gromit", que también estaba bien tecnicamente aunque pecaba de un argumento excesivamente infantiloide.

Y es que en el fondo es muy dificil hacer una buena película de animación, ya que no sólo influye el poseer las últimas tecnologias para ello, sino que tienes que tener una buena historia que no caiga en el tópico repetitivo. En ese sentido es Pixar en lo referente a animación por ordenador quien actualmente está realizando los films más completos a nivel técnico y argumental, por mucho que tenga competidores que le pisan los talones (como por ejemplo Dreamworks con su "Shrek") que pese a momentos de mayor o menor hilaridad, basan sus argumentos en una sucesión de chistes con un mínimo hilo argumental (o en ocasiones hasta sin él).

"Ratónpolis" es una agradable excepción, porque nos encontramos con la digna heredera de "Chicken Run". Al igual que en aquella, tenemos aqui a un par de héroes unidos por las circunstancias que se unirán para salvar a su colectivo de una amenaza mayor. Y si bien el esquema puede ser el mismo en las dos películas, aqui está traspasado a otras situaciones que (lejos de caer en el aburrimiento) logran sorprender y entretener a todo tipo de espectadores, desde el niño que se rie si hay algún chiste escatológico (que lo hay, por ejemplo los eruptos de Syd al principio) hasta el adulto que busca alguna referencia conocida (que también las hay, y varias: "La metamorfosis" de Kafka a cargo de una cucaracha, que confundan al ratón protagonista Roddy con Tom Jones, Superman (con la famosa frase de: "Es un pájaro,..."), Batman (parodia a la serie de los sesenta), Lobezno (al principio Roddy duda entre un traje de Elvis y el del famoso mutante de los X-Men), el mundial de futbol con una final entre Inglaterra y Alemania e incluso se ve un peluche de Gromit, el perro protagonista de la anterior película de la productora). Todo ello se ve hilvanado por una historia que si bien no aporta nada que no se haya visto ya en otros films, lo hace con una coherencia, diversión y entretenimiento que es muy de agradecer (citar las graciosísimas babosas cantarinas, cuya función vendría a ser la misma que la de las ratas de "Babe, el cerdito valiente", pero que tienen a su cargo algunos de los momentos más brillantes de la película). Es por ello que sin duda el resultado final es una de las mejores películas de animación del año.

También cabe mención especial a los dobladores, ya que si bien nos perdemos (si vemos la película en español) las voces originales de Hugh Jackman, Kate Winslet, Ian MacKellen o Jean Reno, el doblaje realizado por Fele Martinez, Maria Esteve o Javier Gurruchaga sólo se puede calificar de sorprendente, cuando generalmente los actores que no estan acostumbrados a esto del doblaje y se meten a hacer algo suelen hacer un trabajo bastante irregular la mayoría de ocasiones. Por lo demás sólo añadir la anécdota personal de que "Ratónpolis" es la primera película de animación que veo dos veces en cine, ya que a la primera sesión a la que acudí hubo una bajada de tensión que ocasionó que durante unos 10 minutos se oyera la película pero no se viera (la escena del museo del Sapo y del intento de congelación). Al comentarlo a una de las encargadas del cine me dijo que podía quedarme y volver a ver la película entera (cosa que sin duda hice, para aprovecharme de la ocasión y ya que el film se lo merece con creces).

CALIFICACIÓN: ***** (excelente) 10/10

LO MEJOR: Los personajes (TODOS) son simpáticos y divertidos, la historia es entretenidísima y la animación para llevarla a cabo sólo se puede catalogar de prodigiosa. En resumidas cuentas: UNA MARAVILLA.

LO PEOR: Nada intrínseco al film, sino a los dos ratones mayordomos de Roddy que acompañan al protagonista en el trailer de la película. ¿Que pasó con ellos, que en la película no salen?

Crítica de cine: EL PERFUME

Ficha técnica

Dirección: TOM TYKWER

Intérpretes: BEN WHISHAW, ALAN RICKMAN, RACHEL HURD WOOD, DUSTIN HOFFMAN, KAROLINE HERFURTH, SIMON CHANDLERM, JOHN HURT, BIRGIT MINICHMAYR, SIAN THOMAS, SAM DOUGLAS, CORINNA HARFOUCH

Guión: ALAN BIRKIN, BERND EICHINGER, TOM TYKWER

Producción: BERND EICHINGER, GIGI OERI, JULIO FERNANDEZ, MANUEL MALLE, ANDREAS SCHMID, ANDREAS GROSCH, SAMUEL HADIDA, MARTIN MOSZKOWICZ

Fotografía: FRANK GRIEBE

Montaje: ALEXANDER BERBER

Música: TOM TYKWER, JOHNNY KLIMEK, REINHOLD HEIL

Duración: 147 MINUTOS

Sinopsis

Jean Baptiste Grenouille fue abandonado por su madre en la basura. La autoridad se hizo cargo del bebé y sentenció a su madre a la horca. El chico creció en un ambiente hostil, nadie le quería e incluso intentaron asesinarle. Todo porque algo le hacía diferente: no tenía olor.

Él, en cambio, tenía un olfato impresionante. A los 20 años, después de trabajar en una curtidería, consigue trabajar para el perfumero Bandini, le enseña a destilar esencias. Pero Baptiste quería atrapar otros olores, el olor del cristal, del cobre... y sobretodo el olor de ciertas mujeres.

A cambio de centenares de fórmulas de perfumes con los que Bandini se enriqueció, le escribió una carta de recomendación para aprender el arte de "enfleurage" en la capital mundial del perfume: Grasse. Una vez allí, consigue su objetivo, un perfume cuyos ingredientes son la esencia de jóvenes muchachas de la ciudad, a las cuales debía matar y mutilar para obtenerla.

Crítica

Hace un rato que he salido del cine de ver esta película en compañía de una amiga. A ella no le ha gustado, a mi quizás un poquito más, pero tampoco es como para tirar cohetes. ¿Porqué?

A priori es un film "de época" con una ambientación muy bien cuidada (uno de los puntos a favor del film) y con los típicos destellos de genialidad que aportan la presencia de actores secundarios de renombre, en este caso Dustin Hoffman y Alan Rickman. Es más, incluso añadiría que la presencia de estos actores secundarios tampoco es de lo más destacable del film, ya que la historia de Jean Baptiste Grenouille (excelentemente interpretado por Ben Wishaw, que le otorga al personaje las suficientes dosis de tristeza en la mirada por buscar desesperadamente ese perfume perfecto que le obliga a realizar los crímenes que comete) personalmente me pareció bastante entretenida en cuanto a planteamiento y nudo del relato. Pero el problema viene en la resolución.

En anteriores ocasiones he citado la moda actual de películas de duración estratosférica, donde directores bastante egocéntricos no saben "meter tijeras" en historias que ganarían mucho con una duración menor. Y ese mismo caso es el de "El Perfume" en su tramo final, que además argumentalmente me pareció una "ida de olla" total del guionista, máxime cuando la amiga que me acompañaba (que si se ha leido el libro en el que se basa) me dijo que esa resolución no está expresada en el libro de la misma manera que lo muestran las imágenes de la película (la cuestión es que, una vez vista la película, personalmente creo que tengo cosas más interesantes que hacer que leer la novela original)

Y es que tal y como me comentó ella, el libro parece ser que si tendría la categoria de "infilmable" que según ciertos rumores dijeron que había comentado Stanley Kubrick cuando evaluó la posibilidad de llevarlo al cine. Por eso que esta adaptación puede ser correcta a nivel de formas (ya digo que las dos primeras horas de película, sin ser especialmente destacables, me parecieron bastante entretenidas) pero el problema viene en el tramo final, excesivamente alargado y donde pasan unas cosas... que vamos, rompe con la lógica y la coherencia de lo visto hasta entonces (y si en el libro es más o menos lo mismo, pues mi opinión es la misma)

De todas maneras no quita que (a nivel personal) me molaría tener un perfume que me otorgase las "facilidades" que le otorga al protagonista en esa resolución, porque me serviría para conseguir todo y a todas las que quisiese. Por eso (justamente por eso, por el espíritu egoista que todos llevamos dentro) no sólo me pareció ilógico lo relacionado con el perfume en el cadalso, sino además la resolución ya de nuevo en Paris, metiéndome el tema de la ¿antropofagia? de la manera más pretenciosa posible.

En resumidas cuentas, que si se quiere probar, pues allá cada uno, pero para ver una película de época buena de verdad, que se opte mejor por "El Ilusionista", actualmente en cartelera, mucho mejor que este pretencioso "El Perfume" que sin ser una mala película desde luego que si podía haber sido mucho mejor de lo que es.

CALIFICACIÓN: *** (entretenida) 5/10

LO MEJOR: La historia es entretenida (sin tampoco ser nada del otro mundo) durante sus dos primeras horas, con un buen protagonista y una buena ambientación.

LO PEOR: La parte final es alucinante. Y no por lo bueno sino por eso, por lo alucinante, porque parece que al guionista se le fue la olla con ciertos giros argumentales de dudosa lógica y coherencia. Además esa parte es la más pesada, pudiéndose haber abreviado (y sino obviado) para mejorar considerablemente el resultado final de la película.

Crítica de cine: CASINO ROYALE

Ficha técnica

Dirección: MARTIN CAMBELL

Intérpretes: DANIEL CRAIG, JUDI DENCH, MADS MIKKELSEN, EVA GREEN, JEFFREY WRIGHT, GIANCARLO GIANNINI, CATERINA MURINO, SIMON ABKARIAN

Guión: NEAL PURVIS, ROBERT WADE, PAUL HAGGIS

Producción: MATTHEW STILLMAN, DAVID MINKOWSKI

Efectos especiales: CHRIS CORBOULD

Fotografía: PHIL MEHEUX

Música: CHRIS CORNELL, DAVID ARNOLD, MONTY NORMAN

Duración: 144 MINUTOS

Sinopsis

Casino Royale presenta a JAMES BOND antes de conseguir su licencia para matar. Pero no por eso Bond es menos peligroso, y con dos asesinatos profesionales de rápida sucesión, se le promociona al estatus de 00.

La primera misión de 007 le conduce a Madagascar donde debe espiar a un terrorista, Mollaka (Sebastien Foucan). No todo sale como estaba planeado y Bond decide investigar, independientemente del MI6, para localizar el resto de la célula terrorista. Tras llegar a las Bahamas, se encuentra con Dimitrios (Simon Abkarian) y su novia, Solange (Caterina Murino). Allí descubre que Dimitrios tiene relación con Le Chiffre (Mads Mikkelsen), un banquero para las organizaciones terroristas del mundo.

Crítica

La franquicia de James Bond es una de las más extensas de la historia del cine, con nada menos que 21 títulos repartidos en cinco décadas diferentes. Este de aqui es el más reciente, que sirve para presentar al sexto actor que encarna al personaje: Daniel Craig.

A nivel personal los films del agente 007 me parecen entretenidos (aunque nunca he sido fan del personaje). Como toda franquicia, hay títulos de mayor calidad y otros de menor, aunque la mayoría se han basado en los cánones que impuso Sean Connery, el primero y sin duda el mejor actor que ha sabido interpretar al personaje (pese a que en sus últimas apariciones como James Bond ya se le notaba el cansancio que le provocaba el personaje). Entremedio se coló George Lazenby en un único título ("Al servicio secreto de su Majestad") que si bien aportaba novedades sobre la franquicia, tenía la pega de un actor al que nunca acababas de ver en la piel del personaje. Posterior a Connery la cosa fue bastante desigual: Roger Moore fue el James Bond más duradero (siete títulos) pero personalmente de él me gustan más los últimos que los primeros. Timothy Dalton fue el segundo más breve (sólo dos títulos) que no pasan de ser historias entretenidas y muy propias del cine de los ochenta (cuando se realizaron, especialmente la segunda "Licencia para matar").

Pero hete aqui que cuando todo el mundo daba la franquicia por fenecida, vino Pierce Brosnan, probablemente el mejor Bond tras Connery. De él tuvimos cuatro títulos, siendo los dos mejores el primero ("Goldeneye") y el último ("Muere otro día"). Pero tras el abandono de Brosnan tocaba sustituto, ¿quien podía encarnar al mejor Bond posible del siglo XXI? Aqui es cuando salta la sorpresa: Daniel Craig. Actor secundario visto en títulos como "Camino a la perdición", su aspecto (a priori sin la belleza física de Brosnan), su pelo (rubio, a diferencia de todos los anteriores que habian sido morenos) y su estilo (bastante rudo) hicieron llover las críticas. Visto lo visto, personalmente creo que estaban equivocadas.

Con esto no voy a afirmar que "Casino Royale" sea la mejor película de James Bond (que no lo és) ni que Daniel Craig sea el mejor Bond de la historia (que no lo és). Pero la sorpresa radica en como en la película 21 de la franquicia han conseguido POR FIN renovar al personaje. Y es que cuando Brosnan tomó las riendas de 007, hay que reconocer que el argumento arquetípico de la franquicia se siguió manteniendo, cosa que se nota sobretodo en el último título ("Muere otro día") que peca de ser demasiado extraordinario y fantasioso. Por contra, "Casino Royale" es una vuelta a los orígenes: pese a ser contemporánea, vendría a ser una precuela de todas las películas, contando el origen del personaje (de hecho el prólogo antes de los títulos de crédito nos muestra los trabajos que le hicieron acreedor de la licencia doble cero). A eso ayuda el GRAN ACIERTO que ha supuesto la elección de Daniel Craig, que si te crees como agente secreto, en la tradición puesta ahora de moda por sagas como las de Jason Bourne. Y es que en films anteriores Bond parecía más bien un superhéroe que aguantaba todo lo que le echaran sin despeinarse; aqui, por contra, le vemos al borde la muerte por envenamiento, le vemos torturado (y no diré nada sobre la escena porque es BRUTAL) y le vemos sangrando y con heridas, lo cual lo hace más creible. Además, Craig tiene un rostro lo suficientemente ambiguo para que nunca sepas si va a atacar o a besar (haciéndolo creible como el asesino que en el fondo es James Bond), dándole además al personaje la arrogancia de la que siempre hizo gala en las novelas originales de Ian Fleming.

Por lo demás, la película sigue teniendo el estilo propio de la franquicia, pero todo ello dentro de un "lavado de cara" a la misma que la hace encarar con nuevos brios una nueva etapa que creo que (con la ayuda de Daniel Craig) puede convertirse en una de las mejores del personaje. Sólo queda que las posteriores secuelas tengan la calidad mínima que tiene esta. Atención además a la excelente banda sonora así como al tema principal ("You know my name" de Chris Cornell) que me ha gustado bastante. ¡Ah, y por cierto! ¿en que lugar dejo a Craig como Bond? Pues digamos que para mi el mejor es Connery, seguido de Brosnan, en tercer lugar Craig, en cuarto Moore, en quinto Dalton y en sexto Lazenby.

CALIFICACIÓN: **** (buena) 7,5/10

LO MEJOR: Daniel Craig, Eva Green (está preciosa), la entretenida historia y las novedades respecto a los arquetipos del personaje, que sirven para renovarlo.

LO PEOR: Es el Bond más largo (144 minutos). ¿Era necesario? Es entretenida, si, pero muy larga.

Crítica de cine: EL ILUSIONISTA

FICHA TÉCNICA

Titulo Original: The Illusionist

Director: Neil Burger

País: USA

Año: 2006

Duración: 110 min.

Género: Drama

Interpretación: Edward Norton (Eisenheim), Paul Giamatti (Inspector Uhl), Jessica Biel (Sophie von Teschen), Rufus Sewell (Príncipe Leopold), Eddie Marsan (Josef Fischer), Jake Wood (Jurka), Tom Fisher (Wiligut), Karl Johnson (Doctor).

Guión: Neil Burger. Basado en el relato "Eisenheim: The illusionist" de Steven Millhauser.

Producción: Michael London, Brian Koppelman, David Levien, Bob Yari y Cathy Schulman

Música: Philip Glass

Fotografía: Dick Pope

Montaje: Naomi Geraghty

Diseño de producción: Ondrej Nekvasil

Vestuario: Ngila Dickson

SINOPSIS

Cuando Eisenheim (Edward Norton) comienza a actuar con su asombroso espectáculo de ilusionista en Viena, pronto corre la voz sobre sus poderes sobrenaturales… llegando a los oídos de uno de los hombres más poderosos y pragmáticos de Europa, el príncipe heredero Leopold (Rufus Sewell). Convencido de que el mago no es más que un experto impostor, Leopold asiste a uno de los espectáculos de Eisenheim, con intención de desacreditarle durante su actuación. Pero cuando la bella prometida del príncipe, Sophie von Teschen (Jessica Biel), aparece, Eisenheim y Sophie se reconocen de la infancia y un amor latente es reavivado. Con Eisenheim y Leopold luchando por el afecto de Sophie, pronto se hará evidente que ambos están dispuestos a no poner límites para reivindicar y mantener su amor. El amor clandestino continúa y el inspector de policía Uhl (Paul Giamatti) tiene como misión, por órdenes de Leopold, de desenmascarar a Eisenheim, por lo que intensifica sus esfuerzos a pesar de que el mago sigue cosechando grandes éxitos entre su público. Mientras que Uhl insiste tenazmente en descubrir los trucos de este hombre, Eisenheim prepara su número más ambicioso.

CRÍTICA

El cine es magia. Cuando vamos al cine lo que queremos es (al igual que nuestros antepasados en los teatros) ser sorprendidos y entretenidos. Ese espíritu es el que rodea a este magnífico film, toda una sorpresa dentro del actual panorama cinematográfico. Dotado de una ambientación y un vestuario exquisito (algo propio si tenemos en cuenta de que es una película de época, pero que aqui resulta especialmente remarcable) la película destaca además por una banda sonora magnífica a cargo de Philip Glass.

Pero todo eso (vestuario, ambientación, música) son detalles secundarios si el resto no funciona... y aqui he de decir que funciona perfectamente. La historia de amor resulta en todo momento creible y sincera, por más que no deja de ser el típico triángulo amoroso visto ya en infinidad de ocasiones. Probablemente el éxito del asunto está en los actores: Edward Norton (dotando de un gran misterio a su personaje en todo momento), Jessica Biel (demostrando que puede ser buena actriz tras su participación en el remake de "La Matanza de Texas"), Rufus Sewell (experto ya en ser villano de época tras ejercer esa misma función en "La leyenda del Zorro") y Paul Giamatti (cuyo inspector Uhl vendría a ser el narrador de la historia y casi, casi desde el punto de vista desde el que se explica el argumento del film).

Respecto a los trucos de magia, es totalmente claro que en algunos de ellos se han empleado efectos digitales, pero aún así el mérito del asunto está en que todos ellos estan basados en los que se realizaban en aquella época, lo cual te deja tan anónadado viéndolos en pantalla como debieron estar los espectadores que vieron algo más o menos parecido a finales de siglo XIX (citar por ejemplo la recreación de los espíritus o el truco inicial con el naranjo).

Por su parte el argumento guarda un giro realmente trágico, que forzará las situaciones que vengan a raiz del mismo, pero con una sorpresa final cuando (al creer que no habría lugar para el final feliz) este se produce en un nuevo giro argumental con sorpresa final incluida que me recordó a los finales de los films de M.Night Shyamalan, donde mediante flashbacks se nos explica la verdadera naturaleza de unos hechos que nosotros creiamos que habian sucedido de una manera y que han sido totalmente diferentes. Y dicho final, como mérito al personaje encarnado por Edward Norton, nos demuestra la verdadera magia, ya que nos han engañado durante casi toda la historia... que es a fin de cuentas lo que siempre ha de conseguir un buen mago, engañar al público para hacerle creer lo que él quiere que crean. Y conmigo he de reconocer que lo consiguieron, con lo cual ese mérito que tienen los creadores de la película.

CALIFICACIÓN: **** (Buena) 8,5/10

LO MEJOR: Los actores, la ambientación, el vestuario, la banda sonora y la entretenidísima historia.

LO PEOR: Le falta algo (no sabría decir el qué) para ser una película totalmente redonda... aunque ya digo que poco le falta para serlo.

Crítica de cine: UN BUEN AÑO

TITULO ORIGINAL: A Good Year

AÑO: 2006

DURACIÓN: 118 min.

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Ridley Scott

GUIÓN: Marc Klein (Libro: Peter Mayle)

MÚSICA: Marc Streitenfeld

FOTOGRAFÍA: Philippe Le Sourd

REPARTO: Russell Crowe, Albert Finney, Tom
Hollander, Freddie Highmore, Marion Cotillard, Valeria Bruni Tedeschi, Didier Bourdon

PRODUCTORA: Fox 2000 Pictures

SINOPSIS: Un inversor inglés (Russell Crowe) hereda un viñedo de su tío en la Provenza. Cuando llega a su nueva propiedad, conoce a una atractiva mujer americana que reclama las tierras como suyas.

CRITICA

Ridley Scott es un director al que todo el mundo tiene en cuenta por sus dos míticas películas "Alien" y "Blade Runner", realizadas casi al comienzo de su carrera cinematográfica. Posterior a esos dos títulos nunca ha conseguido el beneplácito unánime de la crítica en ninguna de sus obras posteriores, pese a que la cosa ha variado entre las que fueron mejor recibidas (al ser mejores) caso de "Hannibal", "Black Rain" o "Black Hawk derribado", las que se convirtieron en películas de dudable catalogación (causaron muchas discrepancias "Gladiator", "Thelma y Louise", "El reino de los cielos" o "1492, la conquista del paraiso") o aquellas que directamente se pueden calificar de "basura para orcos" caso de la vomitiva "La teniente O'Neill".

En este caso con "Un buen año" Scott ha conseguido uno de sus mejores films de los últimos años, sin ser tampoco nada del otro mundo. Y posiblemente ahi radica parte del encanto de la película, en su falta de pretensiones más allá del hecho de intentar hacer pasar al espectador un rato agradable y entretenido con una historia sencilla y orientada mayoritariamente hacia el publico adulto (que será quien mejor sepa entenderla), todo ello envuelto dentro de un paquete de comedia de situación donde priman los gags verbales sobre los visuales.

El propio protagonista, Russell Crowe, realizó unas declaraciones durante la promoción del film diciendo que se decantó por el guión de esta película debido a que en él podía mostrar claramente su estado de ánimo, y una vez vista la película sin duda se puede admitir que Russell Crowe debe de estar bastante contento, porque aparte de que la historia del film es de esas que si tienes un mal día te puede hacer (como mínimo) esbozar una sonrisa y levantarte el ánimo, el propio Crowe demuestra aqui una vis cómica muy simpática que tanto a mi como a la amiga que me acompañó para ver esta película nos sorprendió muy gratamente.

Por lo demás la historia no plantea grandes sorpresas, el argumento básico del personaje ávaro y/o engreido al que las circunstancias le obligan a cambiar de caracter es un recurso que ya se ha visto desde los tiempos del Scrooge de "Cuento de Navidad". Pero como en la mayoría de películas de hoy en día, lo que importa no es que la base de la historia sea novedosa, sino que esté bien narrada (pese a recursos narrativos tan manidos como el hecho de utilizar colores azules para la ciudad, para demostrar su frialdad, y colores más vivos para las imágenes en la Provenza, para demostrar la calidez del ambiente).

En resumen, en esta ocasión hay que reconocer que Ridley Scott ha acertado plenamente, convirtiendo a este simpático y entretenido film en una clara mejora dentro de su filmografía tras la anterior "El Reino de los Cielos", película pretenciosa y aburrida que nos hizo rememorar al Scott de sus peores años.

CALIFICACIÓN: *** (entretenida) 7,5/10

LO MEJOR: La entretenida historia, los preciosos paisajes franceses y los actores protagonistas (especialmente Russell Crowe y Albert Finney)

LO PEOR: No tiene ninguna pretensión más allá de hacer pasar un buen rato al espectador, lo cual puede dejar indiferente a los que busquen "algo más" en el argumento de la película.

Crítica de cine: INFILTRADOS

FICHA TÉCNICA 

 

TITULO ORIGINAL: The Departed 

AÑO: 2006 DURACIÓN: 149 min.  

PAÍS: Estados Unidos  

DIRECTOR: Martin Scorsese  

GUIÓN: William Monahan (Remake: Alan Mak, Felix Chong)  

MÚSICA: Howard Shore  

FOTOGRAFÍA: Michael Ballhaus  

REPARTO: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Alec Baldwin, Martin Sheen, Ray Winstone, Vera Farmiga, Todd Peterson 

PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures 

 

SINOPSIS  

 

Scorsese vuelve al cine de mafias con esta historia ambientada en Boston que narra cómo a la vez que un policía (DiCaprio) se infiltra en la mafia irlandesa, uno de los mafiosos (Damon) se consigue introducir en el departamento de policía. Nicholson interpreta a un gángster irlandés. Remake de un aclamado film de Hong Kong (Wu jian dao -Infernal Affairs-, 2002).  

 

CRITICA 

 

El cine de mafiosos es un género de esos que se han explotado tanto que (personalmente) ya no me dice nada. Al igual que el western, por regla general se ciñe a ciertos parámetros que todas las películas suelen seguir a rajatabla, hasta el punto de que ya me cansa, incluso en sus versiones paródicas (como las dos entregas de "Una terapia peligrosa" con Robert De Niro y Billy Cristal). 

 

Pero en este caso he de reconocer que me he equivocado. Es verdad que el plantel de la película ya daba a entender que raro sería que este fuera un film malo, porque hacía tiempo que no veía un plantel de estrellas hollywoodienses como el que tiene "Infiltrados": Leonardo Di Caprio, Matt Damon, Mark Whalberg, Jack Nicholson, Martin Sheen y Alec Baldwin. Pero, ¿que tiene de especial la película? A priori nada en contenido, sino en forma. La historia que narra es sencilla en si misma (la lucha de un departamento de policia contra una banda mafiosa, narrada desde los puntos de vista del infiltrado mafioso en la policia y del infiltrado de la policia en la banda) pero en este punto es donde entran en acción la labor del director y la de los actores.  

 

Martin Scorsese tuvo bastantes problemas para llevar a cabo sus dos anteriores trabajos, "Gangs of New York" y "El aviador". Eso se nota en unos resultados finales correctos pero que distan mucho de ser brillantes. Aqui, en cambio, dota a la película de un gran brio e intensidad, hasta el punto de que no hay lugar para el aburrimiento en las (pese a todo) excesivas dos horas y media de duración. 

 

En cuanto a los actores, todos ellos estan muy bien: Leonardo Di Caprio demostrando en su personaje la tensión de estar caminando en la difusa linea entre el bien y el mal, y preocupado porque lo descubran (y sin duda mucho mejor que en sus anteriores colaboraciones con Martin Scorsese); Matt Damon en una caracterización de maldad oculta que recuerda a la que empleó en "El talento de Mr.Ripley"; Mark Whalberg como un agente plenamente convencido de sus ideas y que será al final el punto de inflexión en la resolución final; Jack Nicholson demostrando que es un mito viviente al hacer suyo el papel de capo mafioso; Martin Sheen como jefe de la policia, honrado y legal, que será uno de los únicos puntos de apoyo del personaje de Leonardo Di Caprio. 

 

Es decir, que sin ser una obra maestra, nos encontramos en "Infiltrados" a un Scorsese enérgico, que rodeado de una excelente caterba de actores consigue uno de sus films más conseguidos de los últimos años, enérgico y entretenido, en el que sorprende sobretodo el final, asi como también el montón de muertes de personajes más o menos importantes que hay a lo largo del metraje (nada menos que cuatro).  

 

CALIFICACIÓN: **** (buena) 8,5/10  

 

LO MEJOR: El pulso narrativo de Scorsese y la excelente labor de los actores, asi como una historia muy entretenida (pese a que podía haber caido en los tópicos del cine de gangsters).  

 

LO PEOR: La duración de 150 minutos, que pese a que no molesta, al finalizar la película te hace pensar si no se podía haber contado lo mismo igual de bien (o mejor) en menos tiempo.

Crítica de cine: HIJOS DE LOS HOMBRES

Ficha Tecnica

Nombre: Hijos de los hombres

Titulo V.O.: Children of men

Genero: Ciencia-ficcion, Drama

Director: Alfonso Cuarón

Productor: Marc Abraham, Eric Newman, Hilary Shor, Tony Smith, Iain Smith

Guion: Alfonso Cuarón, Timothy J. Sexton

Fotografia: Emmanuel Lubezki

Interpretes: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor

Duración: 105 minutos

Compañia: United International Pictures

Nacionalidad: EE.UU, Reino Unido

Año: 2006

Estreno: 20 de Octubre de 2006

Sinopsis

"Hijos de los hombres" se desarrolla una generación más allá de la nuestra. El mundo ha caído en la anarquía debido a la infertilidad de la población. El habitante más joven de la Tierra acaba de morir a los 18 años y la raza humana se enfrenta a la posibilidad de su extinción. Con el telón de fondo de un Londres desgarrado por la violencia y los enfrentamientos entre sectas nacionalistas, el filme cuenta la historia de Theo, un desilusionado ex activista convertido a burócrata que se ve obligado a enfrentarse a sus propios demonios si quiere proteger la última esperanza del planeta.

Crítica

HIJOS DE LOS HOMBRES, la última película de Alfonso Cuarón, es (pese a ser una película de ciencia-ficción) un film que narra problemas muy actuales pero dentro de un contexto fantástico. Dicho elemento fantástico es el planteamiento de que durante 18 años no ha nacido ningún niño (la acción se sitúa en el año 2027), lo que nos lleva a un problema del que se habló en su momento en la realidad y es el envejecimiento de la población. Además también vemos a lo que ha llevado la inmigración masiva, con un futuro ciertamente deprimente para ese colectivo. También se citan otros detalles que uno puede relacionar muy bien con el mundo actual, pero el argumento mayoritariamente sigue al protagonista y como intenta proteger a una mujer embarazada, que dará a luz al primer bebe que se ve en el mundo en casi dos décadas.

La película funciona por las referencias hacia esos conceptos que pueden recordar a los problemas que cada día vemos citar en las noticias, aunque eso pasa a un término secundario, centrándose más en la historia de salvar a la chica embarazada, lo cual es un hilo argumental que resulta también destacable, aunque en ocasiones es demasiado irregular, faltándole al guión la fuerza necesaria para hacer de esta película un film clásico de la ciencia-ficción crítica como lo fueron en los sesenta y setenta títulos como EL PLANETA DE LOS SIMIOS con Charlton Heston. Y eso pese a que el argumento tiene algunas sorpresas, sobretodo relacionadas con los tres protagonistas, ya que uno de ellos es el verdadero motor de la acción, mientras que los otros dos son más bien secundarios... sobretodo a raíz de la sorpresa de lo que ocurre con ellos. El resto de actores resultan bastante correctos aunque su trascendencia en la historia es más minoritaria, siendo más destacable la actuación del trío principal: Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine (este último especialmente demuestra en sus breves apariciones porque es uno de los mejores actores clásicos aún en activo).

Eso si, uno de los puntos más destacables de la película es la ambientación, con un Londres sucio y deprimente, que hasta cierto punto de vista me hizo acordarme de la película V DE VENDETTA, que pese a que a mi me gustó bastante, a algunos les falló por una ambientación poco creíble respecto a lo que se veía en el comic original. El Londres que vemos en HIJOS DE LOS HOMBRES me recordó mucho a ese Londres visto en la novela gráfica original de Alan Moore y David Lloyd.

CALIFICACIÓN: *** (entretenida) 7/10

LO MEJOR: El trío protagonista, la ambientación y los problemas que cita, que pese a ser dentro de un contexto fantástico, son claramente reconocibles en el mundo actual.

LO PEOR: Pasado un rato la historia se centra demasiado en el argumento de la chica embarazada y menos en la crítica de aspectos de la realidad presente, lo cual le hace perder fuerza.

Crítica de cine: EL LABERINTO DEL FAUNO

Ficha Tecnica 

Director: Guillermo Del Toro

Productor: Guillermo del Toro, Alvaro Agustín, Alfonso Cuarón, Betha Navarro, Frida Torresblanco

Guion: Guillermo Del Toro

Fotografia: Guillermo Navarro

Música: Javier Navarrete 

Interpretes: Alex Angulo, Sergi López, Manolo Solo, Ivana Baquero, César Bea, Ariadna Gil, Doug Jones, Roger Casamayor, Maribel Verdú 

Duración: 117 minutos 

Calificación: Apta para mayores de 13 años 

Compañia: Warner Bros. Pictures

Nacionalidad: EE.UU, Mexico, España

 

Sinopsis:

 

"El laberinto del fauno" nos sitúa en el año 1944, quinto año de paz, y cuenta el apasionante viaje de Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 13 años que junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista, nuevo marido de Carmen y por el que Ofelia no siente ningún afecto.

 

La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes de la zona. También ahí se halla el molino donde Vidal tiene su centro de operaciones; en él les aguardan Mercedes (Maribel Verdú), una joven que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor (Alex Angulo), que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen.

 

Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, última de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas antes de la luna llena. En el transcurso de esta misión, fantasía y realidad se abrazan para dar rienda suelta a una maravillosa historia donde la magia que rodea a Ofelia nos transporta a un universo único, lleno de aventuras y cargado de emoción.

CRITICA 

 

Si una palabra sirviera para definir la última película de Guillermo del Toro esa sería sorpresa. Y si fueran dos palabras serían excelente sorpresa. Y es que Guillermo del Toro me ha sorprendido con la que (creo) es la mejor película de su filmografía, donde auna realidad y fantasia en una historia excelentemente narrada.

 

La película no cuenta nada novedoso. De hecho a mi me recordó a la reciente "La Joven del Agua" de M.Night Shyamalan (por aquello de introducir elementos fantásticos dentro de un entorno deprimentemente real) pero a su vez también puede recordar a "La historia interminable" (el aspecto del Fauno recuerda a algunos de los seres de aquella novela y posterior película) o más claramente a "Alicia en el Pais de las Maravillas" (cuyo ejemplo más claro sería el aspecto de Ofelia antes de entrar en el arbol del sapo) Y es que hay que asumir que las grandes historias ya estan narradas, y que es imposible sorprender con algo realmente novedoso e inaudito. 

 

Pero la gracia está en (con los elementos de siempre) cocinar una película bien realizada, bien interpretada, con una buena historia y muy entretenida. Todo eso lo consigue Guillermo del Toro en este film. La filmografía anterior del director siempre había estado orientada hacia el género fantástico. De hecho, una de sus máximas siempre ha sido que a veces son más monstruosas las personas reales que los propios seres fantásticos, algo que nuevamente pone de relieve en este film, ya que pese a que el Fauno o el otro ser con los ojos en las palmas de las manos puedan ser inquietantes, el mayor monstruo de todos es sin duda Vidal (Sergi Lopez), un auténtico fascista sanguinario y despiadado. 

 

Pero a las películas anteriores de Guillermo del Toro, fueran mejores o peores, siempre te daba la sensación de que les faltaba "ese puntillo" para ser films realmente redondos. Eso aqui está subsanado, probablemente por un guión que, lejos de depender de convencionalismos del género del terror ("Mimic") o de personajes con base en los comics ("Hellboy") sólo intenta narrar un simple cuento de hadas, lo que pasa que (al igual que "La Joven del Agua" que antes he citado) más orientado hacia el público adulto que hacia el infantil. 

 

Lo único que quizás algunos le echaran en cara a la película es que (a diferencia del film de Shyamalan, donde fantasía y realidad si se mezclaban) aqui la parte que transcurre en la posguerra española y la parte fantástica en el Laberinto del Fauno parecen ir cada una por su parte, sin mayor nexo de unión que la niña protagonista (una, por otra parte, muy buena Ivana Baquero). Pero teniendo en cuenta que esa fantasía es la que le hace a la niña liberarse de la oprimente realidad que la rodea, creo que está perfectamente justificada esa "separación". 

 

En cuanto al reparto actoral, todos los actores están muy bien, pero destacan especialmente tanto la ya citada Ivana Baquero (que me recordó por su actuación al Haley Joel Osment de "El Sexto Sentido", es decir, niños creibles y que no son repelentes) como sobretodo Sergi Lopez, PERFECTO en su papel de capitán de la guardia franquista con un caracter seco, agrio, sádico y despótico.  

 

CALIFICACIÓN: ***** (excelente) 10/10 

 

LO MEJOR: La entretenidísima historia (incluido el emotivo final), los actores (especialmente Ivana Baquero y Sergi Lopez) y los efectos especiales (con el Fauno y el ser con los ojos en las palmas de las manos). 

 

LO PEOR: La "separación" entre la parte fantástica y la real puede no convencer a alguno.

Crítica de cine: SERPIENTES EN EL AVION

FICHA TÉCNICA

Interpretes: SAMUEL L. JACKSON, JULIANNA MARGULIES, NATHAN PHILLIPS, BOBBY CANNAVALE, FLEX ALEXANDER, TODD LOUISSO, SUNNY MABREY, KENAN THOMPSON, ELSA PATAKY, DAVID KOECHNER

GÉNERO: Thriller
DURACIÓN: 107 Minutos
CALIFICACIÓN: Mayores 13 años
PRODUCCIÓN: GARY LEVINSOHN. DON GRANGER Y CRAIG BERENSON

DISTRIBUIDORA: TRIPICTURES

DIRECCIÓN: DAVID R. ELLIS

GUIÓN: JOHN HEFFERNAN Y SEBASTIAN GUTIERREZ

MÚSICA: TREVOR RABIN

ARGUMENTO

Sean Jones pasea con su moto por el exuberante paisaje de Hawai cuando es testigo del brutal asesinato de un destacado fiscal de Los Angeles a manos de un conocido gangster llamado Eddie Kim. Kim esperaba que este golpe pusiera fin a la investigación sobre sus negocios de drogas, armas y prostitución infantil pero el testigo estropea su plan. Sean es la única persona que le ha visto cometer el crimen y así se convierte en el único testigo capaz de asegurar que este famoso criminal pase el resto de sus días en la cárcel. Lo primero que tiene que hacer el FBI es convencer a Sean para que testifique ante el gran jurado y después sacarle de la isla antes de que los secuaces de Kim le maten. Y no será fácil porque Kim sabe que Sean será la clave de la acusación del fiscal y la única forma de destrozar su imperio del crimen. Y hará lo que sea para impedirlo. El agente del FBI Neville Flynn es un experto en situaciones peligrosas. Salvará a Sean del primer intento de asesinato de Eddie Kim pocas horas después de la muerte del fiscal. Y se preparará para enfrentarse al reto de llevar a Sean a Los Angeles y así encarcelar a uno de los criminales más buscados de Estados Unidos. Su plan consiste en utilizar un avión privado como señuelo y a la vez ocupar el piso superior de un avión comercial para llevar a Sean al juicio. Sin embargo, un informador de Kim en el aeropuerto le pasa los detalles del plan y ahora lo único que tiene que hacer Kim es asegurarse de que el avión no llegue a Los Angeles o de que Sean no baje vivo del avión.

CRITICA

Es imposible hacer una crítica más o menos seria de esta película, porque nos encontramos ante un film cuyo único aliciente es entretener al espectador (otra cosa es que lo consiga, ahi habrá opiniones para todos los gustos).

Y es que en "Serpientes en el avión" que nadie busque un argumento coherente, unas interpretaciones de Oscar (o del premio que sea) y una película a recordar. Ya de por si el planteamiento roza el delirio (¿de verdad no hay otra manera de eliminar a un testigo que llenando el avión donde va de serpientes?), los actores hacen unos personajes esquemáticos (Samuel L.Jackson hace el papel de tipo duro que se le suele dar tan bien, mientras que el resto de actores son meros personajes secundarios con roles típicos de películas catastróficas como se podría calificar, aunque sea lejanamente, a esta). Así tenemos a la azafata ya madurita que se sentirá atraida por el personaje de Jackson, a la otra rubia y buenorra, al testigo a proteger (tipo íntegro y formal), al borde que ya te ves venir que acabará muerto y a un montón de personajes más de los que ahora no me acuerdo, pero que en si tampoco importan mucho.

¿Que queda entonces? La posible simpatia que puedas sentir hacia Samuel L.Jackson (que por mi parte, es un actor que me cae bien) y la posible curiosidad de ver a Elsa Pataky en su primer papel en Hollywood, aunque su personaje (una hispana con bebé) hace una actuación simplemente correcta pero bastante secundaria. Y acción, y movimiento, y muchas serpientes... aunque no mucha coherencia argumental.

CALIFICACIÓN: *** (entretenida) 6/10

LO MEJOR: Es una película ideal para ver con amigos, al estilo de las películas de terror ochenteras tales como "Viernes 13" y derivados.

LO PEOR: Quien busque una película coherente (o incluso apreciable) más vale que no entre.

Crítica de cine: WORLD TRADE CENTER

Ficha técnica:

Dirección:OLIVER STONE

Intérpretes:NICOLAS CAGE, MICHAEL PEÑA, MARIA BELLO, MAGGIE GYLLENHAAL, JUDE CICCOLELLA, STEPHEN DORF

Guión: ANDREA BERLOFF

Producción: MICHAEL SHAMBERG, STACEY SHER, MORITZ BORMAN, DEBRA HILL

Montaje:DAVID BRENNER, JULIE MONROE

Música:CRAIG ARMSTRONG

Fotografía:SEAMUS MCGARVEY

Duración: 125 MINUTOS

Sinopsis

Basada en hechos reales ocurridos a John y Donna McLoughlin y a William y Allison Jimeno. Verdadera historia de supervivencia y heroico rescate de John McLoughlin y Will Jimeno, dos policías pertenecientes a la Autoridad Portuaria de Nueva York, que quedaron atrapados en los escombros del World Trade Center el 11 de septiembre de 2001 después de intentar ayudar a la gente a salir de las torres. La película sigue a sus familias mientras intentan saber qué les ha pasado y al equipo de rescate que consiguió encontrarles y sacarles de entre los escombros. Sólo 20 personas fueron rescatadas con vida del World Trade Center después de que los dos edificios se derrumbaran. El agente Jimeno y el sargento McLoughlin fueron el decimoctavo y decimonoveno respectivamente.

Comentario

Hollywood en ocasiones hace dos películas el mismo año sobre un mismo tema. Y puede ser dentro de cualquier temática, los ejemplos más recientes que se me ocurren son el western (en 1994 se estrenaron "Tombstone" con Kurt Russell y "Wyatt Earp" con Kevin Costner), la animación con bichos ("Antz" y "Bichos" en 1998), la catástrofe con meteoritos ("Deep Impact" y "Armageddon") y así podría continuar con más ejemplos. Este año 2006 le ha tocado el turno a la tragedia de las Torres Gemelas, con "United 93" y "World Trade Center". Como la primera ya la comenté en su momento, me concentraré ahora en esta.

Antes que nada he de aclarar que personalmente creo que es una buena película, pero no es tampoco una obra maestra (como si creo que lo fue "United 93"). Oliver Stone, su director, demuestra tener la suficiente experiencia como para saber rodar una película lo suficientemente entretenida para todos los públicos y que dejará más o menos contento a gente de todas las ideologias, por más que un personaje como Stone (cuyas películas siempre han solido tener alguna polémica) realiza aqui el que probablemente sea su film menos personal de los últimos años.

Y es que la película insisto en que está bien rodada, pero peca de un esquema demasiado hollywoodiense. ¿A que me refiero con eso? La novedad en este caso sería el estar ambientada en una tragedia tan reciente, pero el mensaje que quiere transmitir la película, que el ser humano siempre será capaz de luchar contra la mayor de las adversidades, es algo que ya se ha visto en muchas otras películas, bien de problemas con enfermedades ("Philadelphia" y el SIDA, "Elegir un amor" y el cancer) o bien de tragedia naturales (la multitud de cintas catastróficas de finales de los setenta y de los noventa). Es cierto que entre todo ese cúmulo de títulos los hay mejores y peores, pero el cine de Hollywood roza demasiado la sensibleria en ese tipo de producciones, logrando sobreponerse a ello si quien conduce la función es un director lo suficientemente capacitado (por ejemplo el James Cameron de "Titanic" frente al más sensiblero Joel Schumacher de "Elegir un amor").

Oliver Stone realiza una película neutra, que no abusa de esa sensibleria que antes he citado, aunque la parte que transcurre entre los dos protagonistas enterrados en las ruinas y la preocupación de sus familias se hace quizás la menos interesante y más tópica de un relato (por otra parte) lo suficienteme ágil y ameno. Además, la neutralidad de Stone también se nota en que no juzga a nadie (por más que los policias y bomberos quedan como los héroes de la tragedia, cosa por otra parte indudable) y se decanta más por mostrar la tragedia desde los ojos de la gente de la calle que desde la de las "grandes alturas" (de hecho sólo se ve la sombra del primer avión antes de impactar en una torre mientras que del segundo sólo el comentario de un policia que lo escucha por el movil de boca de su mujer).

Como momentos impactantes, uno de los más conseguidos es la recreación de las Torres Gemelas, en parte supongo que gracias a la infografia y las imágenes de archivo cuando estan enteras, aunque es impactante los primeros planos tras el accidente, algunos de ellos tan "cercanos" que digo yo que habrán sido creados ex-profeso para la película (y sinceramente estan muy conseguidos) mientras que otros ya se ve que corresponden a imágenes ya vistas cientos y cientos de veces.

El relativo problema es la sensibleria que he citado antes, la cual es rozada en ocasiones (sobretodo trás el desplome que deja atrapados a los dos protagonistas) aunque insisto en que Stone la evita, más o menos, de la mejor de las maneras... aunque ello no signfica que ciertos momentos no te dejen esa sensación de "déjà vu" propia de algo ya visto en semejante estilo en otras películas.

Los actores estan correctos en sus respectivos papeles, aunque sin tampoco destacar demasiado, ya que si no fuera porque estamos hablando de la tragedia del 11-S y de caras conocidas como la de Nicolas Cage, esto podría haber sido perfectamente un "estrenos TV" normal y corriente. Y aunque algunas críticas acusan a la película de ser un film descaradamente patriótico, no creo que lo sea más o menos que otras películas de semejantes características que Hollywood nos ha dado en los últimos años, aunque si es verdad que escenas como la del marine que escucha la llamada de Dios (¡!) o las dos apariciones de Jesucristo (¡¡!!) son quizás lo más chirriante de un relato, por otra parte, correcto en formas aunque demasiado tópico en contenido.

CALIFICACIÓN: **** (buena) 7,5/10

LO MEJOR: La película es entretenida, la labor de Oliver Stone como director es correcta y en ocasiones espléndida (especialmente antes de la caida de las Torres) y la recreación de lo que pasó ese día a nivel técnico está muy bien realizada.

LO PEOR: El argumento básico es demasiado tópico, sonando a algo ya visto en infinidad de títulos más donde en ocasiones el sentimiento se convierte en sensibleria. Oliver Stone consigue evitar que eso haga decaer el resultado final de la película, aunque no evita que eso convierta a este film en el menos personal de su carrera en los últimos años.

Crítica de cine: MI SUPER EX-NOVIA

Título original: My Super Ex-Girlfriend

Año: 2006

País: USA

Duración: 95 minutos

Estreno en España: 22-09-2006

Estreno en USA: 21-07-2006

Director: Ivan Reitman

Reparto: Uma Thurman, Luke Wilson, Anna Faris, Eddie Izzard, Rainn Wilson, Wanda Sykes

Guión: Don Payne

Productora: 20th Century Fox

Género: Comedia

ARGUMENTO

Matt Saunders es un chico atractivo cercano a los treinta que no ha afrontado todavía una cita seria en lo que lleva de vida. Aunque posee una torpeza encantadora, no parece encontrar una chica para él. Es entonces cuando conoce a Jenny Johnson, una chica atractiva pero algo excentrica que no se parece en nada a ninguna otra chica que Matt haya conocido antes. Matt se siente el hombre más afortunado de la tierra cuando se entera de que su chica es en realidad G-Girl, la superheroína más fantástica que jamás haya existido. ¡No puede ni imaginarse las posibilidades que esos superpoderes pueden aportar a su relación! Pasan momentos maravillosos juntos y llevan su vida sexual hasta límites nunca antes imaginados...Pero trás la emoción del principio, Matt rompe con Jenny trás descubrir su excesiva dependencia y su gran vena neurótica. Sin embargo, pronto se da cuenta de que una superheroína despechada puede ser de lo más sufrido. G-Girl despliega sus superpoderes para humillarle y atormentarle, no dejandole desaparecer de su vida hasta ver la vida de Matt convertida en un auténtico infierno.

COMENTARIO

La comedia norteamericana es un género que ha ido degenerando hasta un punto en que ya no importa el argumento, ni si la historia a contar es más o menos coherente, sino simplemente el hecho de enlazar una gracia tras otra, de manera que si el espectador no se rie con el primer chiste, puede que si le haga gracia el chiste 53, el 67 o el del final del film. Por eso la comedia típica de los ochenta, aquella que puso de moda Ivan Reitman con títulos clásicos como "Los Cazafantasmas", hace mucho tiempo que no atrae al público a los cines.

Y es que si de algo puede pecar "Mi Super Ex-Novia" es de ser una comedia muy al estilo de las que estaban de moda en los ochenta (incluso la banda sonora lo recuerda). De hecho, en el papel protagonista de Luke Wilson uno puede imaginarse sin problemas a Bill Murray si este film se hubiera realizado hace diez años o más. Por eso, por ese estilo de comedia (ahora tan en desuso), me resultó agradable encontrarme con una película simpática como esta, que lo único que quiere es hacer pasar un buen rato al espectador (y conmigo he de reconocer que lo consiguieron).

Es cierto que el planteamiento básico del film puede recordar a muchas comedias románticas que ha habido y habrá (el chico torpe pero encantador, el amigo del protagonista, la chica inocente pero deseada, etc), pero su mayor atractivo está en mezclarlo con el género superhéroico (tan de moda estos últimos años gracias al éxito de las adaptaciones de comics Marvel y (en menor medida) DC). Así, lo que encontramos, es una historia que más que centrarse en las aventuras fantásticas de la protagonista (aunque las hay), está más centrado en los personajes, con lo cual se auna otro beneficio que yo siempre he buscado en los comics, y es que la vertiente humana tenga tanta importancia como la vertiente superhumana. Aunque cuando ambas se mezclan hay momentos muy hilarantes, sobretodo en las aplicaciones de hacer el amor en una cama o en el aire con una superhéroina...

Con esto tampoco quiero dar a entender que estamos ante una obra maestra, siendo justos es una película entretenida y ya está. Pero mientras que mi vertiente crítica le daría tres estrellas y un 7/10, anímicamente he de reconocer que hacía tanto tiempo que no me lo pasaba tan bien en una comedia que lo que le daría sería un 10/10 y cinco estrellas. Por eso (para ser justos) no me decanto ni por una opción ni por la otra, aunque mis palabras creo que ya dejan bastante claro mi opinión de la película y lo que disfruté con ella.

Y es que, en el fondo, cuando uno va a ver una comedia espera que le hagan sonreir, y ultimamente las comedias norteamericanas, tal y como he citado antes, provocaban más la risa por los excesos que por la gracia de las situaciones (como ejemplo citaría "Algo pasa con Mary" de los Farrelly, buena como comedia pero superexplotada en otros films que querian hacer lo mismo pero más chabacanamente). "Mi Super Ex-Novia" es simpática y hace reir porque tiene situaciones cómicas y diálogos ingeniosos (muchos a costa del género superhéroico, como lo de la aliteración, al llamarse la protagonista Jenny Johnson). No es una obra maestra, no es una gran película, pero desde luego es la mejor película que hay para pasar un rato divertido y entretenido sin más. Y la verdad, cuando uno va al cine, eso es lo mínimo que espera, ¿no?

LO MEJOR: Es simpática, divertida, concreta y muy entretenida.

LO PEOR: La parte final en el desfile de modas, más típica y tópica (aunque no por ello desdeñable).

Crítica de cine: CORRUPCIÓN EN MIAMI

Ficha técnica:

Dirección: MICHAEL MANN

Intérpretes: COLIN FARRELL, JAMIE FOXX, GONG LI, NAOMI HARRIS, CIARAN HINDS, ELIZABETH RODRIGUEZ, JOHN ORTIZ, BARRY SHABAKA HENLEY, LUIS TOSAR.

Guión: MICHAEL MANN

Producción: MICHAEL MANN, PIETER JAN BRUGGE

Música: JOHN MURPHY

Fotografía: DION BEEBE

Duración: 126 MINUTOS

Sinopsis

Jaime Foxx y Colin Farell interpretan a los detectives Ricardo Tubbs y Sonny Crockett, respectivamente, quienes luchan contra el crimen en las calles de Miami. El filme está basado en la famosa serie de TV de los años 80 "Corrupción en Miami".

Comentario

La serie de TV "Corrupción en Miami" fue uno de los entretenimientos que tenía cuando era pequeño (la dieron cuando yo tenía unos 13 años más o menos). La recuerdo como un producto entretenido aunque tan típico de su época (años 80) que probablemente verla ahora hará que se le noten mucho los años pasados, si bien fue la que abrió la veda de lo que luego se ha dado por llamar "estilo videoclipero" a la hora de rodar. Su productor fue Michael Mann, que posteriormente ha tenido una carrera desigual en cine (su mayor éxito comercial ha sido "Collateral") pero al que no se le puede negar una grandilocuencia impresionante a la hora de rodar (que supongo yo que quizás sea la evolución del estilo videoclipero que él mismo puso de moda en la serie original).

Esta película, remake de aquella serie, tiene un factor a favor, y es que Michael Mann ha optado por realizar una historia nueva con un estilo nuevo. Si bien los dos policias protagonistas se llaman igual, su estilo es muy diferente al de sus homónimos televisivos (aunque vistan, eso si, igual de guapetones los dos), siendo y viéndose más actual y más realista. Y es que eso de realista puede sonar raro hablando de una película de estas características, pero es que la mayoría del film está rodado o bien cámara en hombro o bien con efecto granulado, hasta el punto de que algunas escenas parecen más bien sacadas de aquel programa de televisión llamado "Cops" y que contaba la vida real de policias americanos, que no del remake de una serie televisiva policiaca de los ochenta (de hecho esta película empieza directamente, sin títulos de crédito, ni título de la película ni nada, con lo cual estar atentos desde principio).

Aún asi, y pese a la espectacularidad (o grandilocuencia) con la que rueda Mann (hay algunas escenas generales de paisajes, etc. que parecen rodadas ex-profeso para cines IMAX por la espectacularidad con la que nos son mostradas en pantalla) el film peca quizás de no tener excesiva acción, pareciendo que en el argumento Mann ha tomado como base otro film policiaco suyo anterior ("Heat") que personalmente yo encontré en su día demasiado largo y tedioso. Eso, afortunadamente, aqui no ocurre (también la duración es menor, en este caso estamos hablando de sólo 126 minutos) pero aún así la historia se alarga quizás demasiado sólo por la grandilocuencia de Mann a la hora de planificar algunas escenas, alargándolas innecesariamente.

En cuanto a los actores, me resulta raro ver a Colin Farrell como Sonny Crockett, ya que para mi siempre estará ligado a la cara de Don Johnson, mientras que Jaime Foxx como Ricardo Tubbs me convenció más, ya que la impronta que dejó Phillip Michael Thomas en el personaje televisivo no fue tanta. Como anécdota no sólo citar que el villano esté interpretado por el actor español Luis Tosar (aunque lo que ocurre con su personaje al final te deja un poco con las ganas de decir: "¿Y ya está?") sino que dicho personaje, en una escena de la película está leyendo un periódico donde se ve en el titular el nombre de Amancio Ortega (el célebre empresario español).

CALIFICACIÓN: *** (entretenida) 7/10

LO MEJOR: Que sea tan diferente a la serie original.

LO PEOR: Que en ocasiones le falle el ritmo.

Crítica de cine: MONSTER HOUSE

Ficha técnica:

Dirección: GIL KENAN

Intérpretes: STEVE BUSCEMI, NICK CANNON, MAGGIE GYLLENHAAL, JON HEDER, KEVIN JAMES, JASON LEE, SAM LERNER, SPENCER LOCKE, MITCHEL MUSSO

Producción: STEVE STARKEY, JACK RAPKE, ROBERT ZEMECKIS, STEVEN SPIELBERG, JASON CLARK

Música: DOUGLAS PIPES

Fotografía:XAVIER PEREZ GROBET

Duración: 87 MINUTOS

Sinopsis

DJ Walters, de doce años, está atrapado en ese incómodo momento entre la niñez y el comienzo de la pubertad. Tiene mucho tiempo libre y se le ha metido entre ceja y ceja que hay algo extraño en la casa del viejo Nebbercracker al otro lado de la calle. Las cosas siguen desapareciendo en el desvencijado edificio: Balones de baloncesto, triciclos, juguetes y mascotas. Y pensando en ello, ¿qué le ha pasado a la señora Nebbercracker?

Estamos en el día siguiente a Halloween y DJ y su cándido amigo Chowder tienen un roce con el señor Nebbercracker después de que el balón de baloncesto cayera en su césped y fuera barrido misteriosamente hacia la casa. Ésta intenta tragarse a su nueva amiga Jenny y nadie les cree cuando claman asustados que en la casa pasan cosas extrañas. Es el momento de investigar.

Comentario

"Monster House" es una película que se queda a medio camino entre sus ideas y sus intenciones. El mayor problema puede ser por ser como es, una película orientada hacia el público infantil. Pero hay películas infantiles que si funcionan bastante bien (este mismo año se ha podido ver "Cars"). ¿Que le pasa a "Monster House"?

Supongo que más de uno se recordará de esas películas que hubo principalmente en los ochenta como "Los Goonies", "Regreso al futuro" o "El secreto de la pirámide". Eran aventuras juveniles para toda la familia, muy entretenidas y donde salian contentos desde el niño pequeño hasta el adulto. El problema es que ese tipo de cine (lo mismo que las "buddy movies" como "Arma letal" y demás sucedáneos) se estancó, repitiéndose una y otra vez sobre los mismos parámetros. Pues bien, "Monster House" intenta ser un tipo de cine como aquel, pero mientras que si la película la vé un niño pequeño, a él le puede sorprender y gustar, a una persona mayor (y tampoco me considero yo tan mayor, apenas sobrepaso la treintena) le suena todo a algo ya visto otras veces. Primer error del film.

La película es de animación por ordenador. Dentro de los muchos tipos de animación que hay, por lo que he leído parece ser que aqui se siguió un ejemplo parecido al empleado en "Polar Express". Aquella película he de reconocer que no la he visto, pero observada la animación de esta película, se puede valorar de dos maneras. Primero, si la comparamos como simple animación por ordenador con cualquier otro film estrenado este año, salta a la vista que Pixar y "Cars" sigue a la cabeza, porque la técnica aqui empleada no es tan perfecta como la empleada no sólo para la película de los coches, sino incluso para "Los increibles" (por aquello de que estamos hablando más bien de la manera de representar a personajes humanos). Pero como el film tiene un aire muy al estilo del Tim Burton visto en "Pesadilla antes de Navidad" o "La novia cadaver", otra forma de valorarla sería como una animación por ordenador que quiere tener aires de "stop-motion". De tal manera el resultado es un poco mejor, pero si no llega ni a los resultados de Pixar ni a los resultados de las películas de Burton, aqui tenemos el segundo error del film.

A eso no ayuda que los protagonistas sean tres crios que tienes los mismos esquemas (arriba o abajo) que Harry Potter y sus amigos Ron y Hermione, con lo cual otro "déjà vu" de algo ya visto. Y encima la idea principal (que toda la casa es un monstruo) queda explicada hacia el final de la pelicula en un pequeño flashback que (si no fuera porque estamos hablando de un film de animación) podría haber tenido la misma mala leche que algunas historias clásicas de terror de EC. Y por último añadamos que la casa monstruosa al final mucho susto, mucho susto pero en si no pasa nada (y con eso me refiero a algunos personajes "desaparecidos" y lo que se ve de ellos en los títulos de crédito finales).

Por eso que, al final, ¿que queda? Pues una película de animación simplemente correcta, con un argumento simplemento correcto y con una resolución simplemente correcta, que no llega a las cotas de genialidad de "Cars" (la mejor película de animación que he visto este año) pero ni tan siquiera a los niveles de simple entretenimiento que tenía "Ice Age 2".

CALIFICACIÓN: ** (regular) 4/10

LO MEJOR: En ciertas ocasiones la animación, más en los objetos que en los personajes, especialmente en la casa. Y lo de la casa monstruosa, que como idea está bien aunque en una película de acción real (y puramente de terror) hubiera estado mejor resuelto.

LO PEOR: No destaca, no sorprende y suena todo a algo ya visto muchas otras veces.