LA MOMIA DE LEE CRONIN, interesante mezcla de conceptos genéricos en una disfrutable película de terror (crítica sin spoilers)

¿Es un poco presuntuoso que La momia de Lee Cronin tenga ese título, marcando el nombre de su guionista y director como si fuera alguien de renombre? Aunque no se trata ni mucho menos de su primer trabajo, hasta ahora la obra de más repercusión de su responsable había sido Posesión infernal: El despertar, la destacable secuela de la saga iniciada por Sam Raimi y que se hizo popular por su actor fetiche: Bruce Campbell.

 

De todas maneras me imagino que el título quiere diferenciarla bien de las otras momias más o menos recientes. Por un lado el film de 1999 con Brendan Fraser y Rachel Weisz (que dio lugar a dos secuelas en 2001 y 2008, con una más en proyecto). Por lo menos su primera entrega, se "vendió" como un remake del film clásico de 1932, pero resultó ser más bien un sucedáneo de aventuras al estilo de Indiana Jones.

 

La otra momia de mayor repercusión en los últimos años fue la de 2017. Se pretendía que fuera el inicio del Dark Universe, un intento por parte de la Universal para lograr tener un universo compartido por sus monstruos clásicos, al igual que el de los superhéroes de Marvel. Ese film fracasó entre crítica y público, pero la productora lo ha vuelto a probar de forma más modesta y desigual suerte con El hombre invisible y Hombre lobo.

 

Aún así, y sin relación con lo citado ya que la productora de esta película es Warner y no Universal, se presenta esta nueva versión de la momia... por así decirlo. Y es que el presente film tiene más parecidos con El exorcista que con el más tópico estereotipo que uno imaginaría sobre momias (es decir, muertos revividos envueltos en vendas). En ese sentido su título en el mercado latino (La posesión de la momia) puede ser mejor indicativo de lo que uno se puede encontrar aquí.

 

Sorprende de entrada una duración un poco superior a las dos horas (el cine de terror suele funcionar mejor cuando es más breve), pero tengo que admitir que la disfruté en todo momento. La mano de James Wan (responsable de todo lo que se ha generado de Expediente Warren) y Jason Blum (también famoso por las varias franquicias de terror de las que ha sido productor) se nota en el mejor sentido, bajo sus sellos Atomic Monster y Blumhouse Productions.

 

El film comienza con un prólogo en el que una familia egipcia comprueban "algo" que tienen escondido en el sótano, pero la comprobación sale mal. Después nos trasladan a El Cairo, en donde están el periodista americano Charlie Cannon (Jack Reynor) y su mujer Larissa  (Laia Costa) que es enfermera. Allí viven junto a sus hijos Katie y Sebastian, sin imaginarse que la niña está siendo engatusada por una desconocida, ya que ha sido marcada como objetivo.

 

En un momento inesperado Katie desaparece, sin dejar ninguna pista más allá de que la responsable ha sido una mujer que se esfuma sin dejar rastro. Pasan ocho años y la familia Cannon intenta sobreponerse de la pérdida en Alburquerque, donde viven con su nueva hija Maud (Larissa estaba embarazada cuando Katie desaparece), y un ya preadolescente Sebastian, aún con el trauma por la desaparición de su otra hermana.

 

Pero cuando se habían perdido todas las esperanzas, reciben una sorprendente llamada desde El Cairo: ha aparecido Katie viva dentro un sarcófago y envuelta como una momia. Lógicamente su situación no es buena, ya que se encuentra en un estado catatónico (la actriz Natalie Grace hace un papel digno de la Linda Blair de El exorcista), pero su familia decide llevarla con ellos, con la expectativa de que un ambiente familiar la podrá curar.

 

Más pronto que tarde se darán cuenta de que algo pasa... y no precisamente bueno. Empezarán a sucederse todo tipo de situaciones perturbadoras, violentas y retorcidas (para disfrute de los amantes del gore más grotesco, con ecos de la saga Posesión infernal), que afectarán a todos los miembros de la familia Cannon, incluida la religiosa abuela Carmen, la madre de Larissa, encarnada por la actriz mexicana Verónica Falcón.

 

En resumidas cuentas esta película funciona bien porque lejos de conformarse con el estereotipo de la momia (algo así como un zombi con vendas), o enfocarlo desde un punto de vista parecido al de los films con Brendan Fraser (más aventura que terror), se decanta por la sugestiva idea de poner una entidad demoníaca que bien podría ser deudora de un film de horror católico, pero situando su origen en el Antiguo Egipto. 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de abril de 2026 
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LA AHORCADA, amor obsesivo desde el más allá (crítica sin spoilers)

La película La ahorcada sería la adaptación de la novela del mismo título, escrita por la autora Mayte Navales. Pero en sí en su momento lo que me llamó la atención fue su póster, realmente impactante con la imagen del difunto personaje a cargo de Amaia Salamanca en una bolsa de cadáveres, el cual me hizo recordar a uno de los que tuvo la primera entrega de Smile. Aparte de la mencionada "similitud" no guardan ningún otro punto de conexión.

 

Y es que esta película trataría, más allá de su temática fantasmal, sobre el amor tóxico. En este caso sería el de Rosa Martín (Amaia Salamanca) cuando se da cuenta que Fran (Eduardo Noriega) quiere cortar la relación que mantiene con ella. Como no lo acepta, no se le ocurre otra cosa que ahorcarse en el árbol de la casa donde él mismo, seductor empedernido, lleva a sus conquistas cuando no le toca la custodia compartida de sus dos hijas.

 

Lo que vendría a ser un acto de venganza póstumo por parte de Rosa resulta no tener límites, ya que queda anclada al árbol en el que se mató, con lo cual su espíritu vaga por esa casa. Lógicamente eso le servirá para maquinar su revancha por ser la amante despechada, en una historia en la que se mezcla realidad y fantasía onírica. Tiene el referente de El ruiseñor y la rosa de Oscar Wilde, muy evidente ya que una hija de Fran le pone ese nombre (Oscar) a su ruiseñor.

 

Tengo que reconocer que de los dos nombres más populares de su elenco, Amaia Salamanca convence más que un Eduardo Noriega que no deja de representar a un personaje que bien podría hermanarse con otros previos suyos, como los de Tesis o Abre los ojos. Ella, en cambio, se nota que disfruta en su papel de villana, con lo cual sabe mal el destino que le dan, que me parece injusto justo por su fuerza interpretativa.

 

Como el terror es un género del que se ha abusado hasta límites exorbitantes, esta película no puede evitar el circular por "terrenos comunes" a dicha temática: la casa con fantasma, la médium que intentará poner fin a la situación, la niña que percibe cosas, la venganza de ultratumba, etc. Son todos ellos detalles que uno va identificando paulatinamente, y pese a que algunos están mejor utilizados que otros, la sensación que deja es que no hay nada nuevo aquí.

 

Otro detalle un tanto discutible es que Rosa, el personaje de Amaia Salamanca, se supone que es una cantautora conocida con el nombre artístico de... ¡La Ahorcada!. La verdad es que no sé como se reflejará en la novela, pero en la película es un detalle que parece un tanto rebuscado y te hace pensar si te están vacilando. Asimismo en su tramo final se cambia de forma abrupta la percepción del relato, volviendo a colocar todo de manera un tanto discutible.

 

Es posible que en la obra literaria todo esté mejor resuelto, pero da la sensación de que a la hora de apañar el guion se han dejado por el camino multitud de detalles que podrían haber servido para dar contexto a una historia con la que es difícil empatizar. No me extrañaría nada que esta misma historia, adaptada a un formato de serie televisiva o a una película un tanto más extensa hubiera dado un resultado más optimo, desarrollando detalles que daban para más.

 

Quizás se tendría que haber optado por darle este material a un director más cercano a ese tono de novela gótica que tiene el relato, ya que su responsable es Miguel Ángel Lamata, a quien se le recuerda sobre todo por comedias. De todas formas, más allá de su pareja principal, destacaría a la pequeña actriz Cosette Silguero, que encarna a Patti, la hija menor de Fran, saliendo bastante airosa de un personaje que pedía a gritos un mayor desarrollo. 

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril de 2026

EL DRAMA, inestabilidad prematrimonial (crítica sin spoilers)

Esta El drama sería la primera de las cuatro películas con una fecha de estreno ya confirmada que veremos estrenadas este año 2026 con Zendaya. En este film quien la acompaña es el actor Robert Pattinson, mientras que en verano la veremos en Spider-Man: Brand New Day junto a su pareja en la vida real (el actor Tom Holland), y el año acabará con ella junto a Timothée Chalamet en Dune Part Three.

 

Aún siendo algunos éxitos bastante previsibles, el proyecto más ambicioso en el que se la podrá ver este año es La Odisea de Christopher Nolan. Se trata de la nueva obra del director de Oppenheimer justo después del éxito, tanto de crítica como de público (compitiendo con Barbie y triunfando en los Oscars de ese año), que tuvo esa película centrada en el controvertido "Padre de la bomba atómica".

 

Todos ellos son títulos bien variados en cuanto a temática como para que Zendaya vuelva a demostrar que es algo más allá de sus inicios como chica-Disney o de ser la cara visible de cierta y muy popular casa de cosméticos y perfumes de lujo francesa. De hecho ya ha sido bastante aclamada también por la serie Euphoria, con la cual ha ganado dos premios Emmy y un Globo de Oro entre otras menciones.

 

Pero ya centrándonos en esta película, la productora A24 plantea un detalle que voy a intentar cumplir de la manera más escrupulosa, ya que admito que al verla sin tener más allá que mínimas dosis de información de lo que iba a ver, encuentro que la he disfrutado más de lo que probablemente lo haría alguien que ya sepa por anticipado cual es el drama al que hace referencia su título, y en el que se centra toda la película. 

 

También es curioso que llamándose como se llama no sea exactamente lo que dice ser, o lo que quizás pueda aparentar por su material promocional: una enésima comedia romántica de las que el público ha visto multitud de todo tipo y condición. Ojo, porque en sí tiene tanto de comedia como de drama, pero este film sería el vivo ejemplo de esas películas a las que no puedes catalogar de una sola forma, sobre todo por el leitmotiv sobre el que gira todo.

 

Los protagonistas de esta historia son Charlie (encarnado por un nervioso Robert Pattinson) y Emma (a cargo de Zendaya), ambos la viva imagen de lo que sería una pareja joven y atractiva, que están preparando su próxima boda. Todo parece ir bien, pero de repente sucede algo que trastoca a los personajes, cambiando la valoración que tienen unos sobre otros debido a lo que se ha revelado, y que llevará la situación hasta el límite.

 

Lo que ocurre, sin revelar ningún spoiler, sería que en una intrascendente cena con unos amigos, mientras están probando el catering para la boda, el hecho de quizás pasarse de la raya con el vino les lleva a plantear un reto: ¿qué fue lo peor que hiciste en tu vida? De forma insospechada sale a la luz cierto secreto que había permanecido oculto hasta entonces, y que lleva a que se resquebraje lo que hasta el momento parecía una relación idílica.

 

Pese a que por mis palabras se pueda interpretar el enésimo caso de infidelidades del pasado, la cosa no va precisamente por ahí, ya que lo revelado sirve para cuestionar también un problema muy presente en la sociedad norteamericana. Eso es el detonante no solo para que a la pareja protagonista se les abra un abismo emocional, sino también para que sus amigos vean el problema desde el punto de vista de alguien afectado por una situación similar.

 

Esta película, escrita y dirigida por el cineasta noruego Kristoffer Borgli, consigue que mediante esa inesperada revelación la historia ofrezca ciertas dosis de comedia, ya que uno de los personajes principales no conseguirá procesar lo revelado, generándole todo tipo de dudas. Esa tensión irá en aumento hasta que al final la prevista boda se convierta en un escenario caótico, en esta acertada sátira social con discutible (a mi gusto) opción final a la esperanza.  

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de mayo de 2026 
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BUENA SUERTE, PÁSALO BIEN, NO MUERAS (crítica sin spoilers)

Con esta Buena suerte, pásalo bien, no mueras tenemos el regreso del director Gore Verbinski, cuya última película hasta ahora era La cura del bienestar estrenada hace ya una década. El problema es que fue un fracaso de taquilla, y eso suele verse como un problema por parte de un Hollywood siempre hambriento de títulos que triunfan. Ya de hecho la previa a esa (El llanero solitario en 2013) no generó muchas simpatías ni de crítica ni de público.

 

Para encontrar el último triunfo de Verbinski habría que retroceder al año 2011, cuando estrenó la película de animación Rango, con la que además de realizar un título rentable, logró ganar el Oscar al mejor film de animación de aquella temporada. Antes de eso había logrado sus mayores triunfos: las tres primeras entregas de la saga Piratas del Caribe y The Ring (La señal), el mejor remake americano del, por entonces, muy popular terror oriental.

 

Teniendo en cuenta que había comenzado los 2000 con la película The mexican en 2001 (con Julia Roberts y Brad Pitt), la cual fue rentable sin ser un éxito apabullante, debido sobretodo al tirón de su pareja protagonista, se puede decir que esa primera década de este siglo fue la mejor etapa para Verbinski, lo que le llevó a ser un director famoso y comercial. Pero ya su última entrega de los piratas y la del Llanero Solitario hicieron evidente un exceso de metraje innecesario.

 

Ese problema aún persiste, y vuelve a hacerse patente en esta Buena suerte, pásalo bien, no mueras cuya moraleja hubiera quedado más concisa en menos de dos horas que en sus 134 minutos. De hecho algunos dirán que incluso en menos, porque no deja de tomar como base el mensaje de la serie televisiva Black Mirror, el cual (por si quedaban dudas) se hace muy evidente en el flashback relacionado con la madre que ha perdido a su hijo, y lo que pasa a continuación.

 

Aparte del citado parecido, este film vendría a ser un compendio de diversas referencias que Gore Verbinski ha pasado por una licuadora, saliendo de la mezcla este disparatado popurri donde se pueden atisbar detalles que van desde Terry Gilliam (12 monos y El rey pescador), al primer Terminator, Atrapado en el tiempo (que incluso se menciona), La noche de los muertos vivientes de George A.Romero, y hasta Matrix (por el tema de las diferentes realidades).

 

La película comienza cuando una noche en un restaurante entra un tipo con indumentaria estrafalaria, y admitiendo que tiene un detonador que hará explotar. Según este hombre viene del futuro, ya ha hecho eso 117 veces (y ninguna de ellas ha funcionado) pero él persevera. Su misión es reclutar a un grupo indeterminado de los comensales de esa noche, para que le ayuden a evitar un inminente apocalipsis provocado por la inteligencia artificial.

 

Dicho hombre del futuro es encarnado por un frenético Sam Rockwell, que en su nuevo intento para lograr parar lo que se avecina reclutará a los personajes encarnados por Zazie Beetz, Michael Peña, Asim Chaudhry, Haley Lu Richardson y Juno Temple, entre los cuales hay (flashbacks mediante) una pareja de profesores preocupados por la alienación juvenil por los móviles, una mujer que ha perdido a su hijo y una alérgica a la tecnología.

 

En la irregular mezcla que conforma esta sátira de humor negro y terror tecnológico se podría decir que no solo nos avisan por enésima vez del peligro de la inteligencia artificial, sino que directamente lo hacen de forma obvia. Esa distopia de la que viene el hombre del futuro a lo mejor ya está latente aquí y ahora, en una sociedad cada vez más alienada hacia las pantallas de todo tipo, siendo por tanto un film tan entretenido en la forma como perturbador en el fondo.

 

Aunque ya he citado los múltiples referentes que tiene este film presentado en la reciente Berlinale (fuera de concurso), si admito que me sorprendió ese grotesco gato que en cierto momento toma la pantalla, y que ignoro si habría que tomarlo como homenaje estrambótico al meme del Nyan Cat o gato arcoíris desde el punto de vista enfermizo de la inteligencia artificial contra la que se enfrentan los personajes de esta película.    

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de abril de 2026 
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TE VAN A MATAR, grotesco desmadre sangriento (crítica sin spoilers)

No miento si digo que Te van a matar (no en el sentido literal, ya se entiende...) es una película de la que casi ni sabía de su existencia hasta que me llegó hace poco el aviso del pase. Se puede admitir, hasta cierto punto, que es lógico porque ante el aluvión de estrenos (tanto en cines como en las plataformas de streaming), es comprensible que el espectador más ocasional se quede sólo con lo más puntero, y excluya el resto.

 

Pero admito que me picó la curiosidad cuando vi el póster (si bien me gustó más este previo que el posterior definitivo), ya que enseguida reconocí a su protagonista, la actriz Zazie Beetz, a la que se ha visto como Domino en Deadpool 2, así como también en el elenco del film Bullet Train. También se la recuerda como Sophie Dumond, la vecina con la que está algo obsesionado el Joker de Joaquin Phoenix.

 

Y no es el único rostro conocido: en el reparto de esta película están también Tom Felton (el Draco Malfoy de la saga Harry Potter, al que también se ha visto en El origen del planeta de los simios) así como las veteranas Patricia Arquette y Heather Graham, en ambos casos dos actrices con una vasta filmografía a sus espaldas que incluye géneros de todo tipo. El director de Te van a matar sería Kirill Sokolov, en la que sería su tercera película como director y la primera americana.

 

Es tan clara la influencia del cine de Tarantino en este film que a algunos incluso les parecerá insultante, en el sentido de que si ya las obras del director de Pulp Fiction no dejan de ser una revisión de títulos previos, renacidos bajo su particular prisma; en este caso tenemos una película que intenta jugar con los mismos elementos, pero que peca de un resultado final, aunque tremendamente entretenido, demasiado superficial. 

 

Las aspiraciones tarantinescas de Te van a matar son obvias no solo por el evidente parecido con títulos tales como Kill Bill (algo obvio solo con ver el material promocional previo), sino por la manera estilizada de visualizar la violencia. A todo eso hay que añadir la propia estructura narrativa, con flashbacks que van dando información a medida que avanza el relato (el cual bien pronto va directo al grano), episodios nominados e incluso el uso de la música. 

 

Con el también muy tarantiniano nombre de Asia Reaves (que bien podría ser del mismo grupo que la Beatrix Kiddo de Kill Bill), la protagonista a la que encarna Zazie Beetz es una mujer con un pasado un tanto problemático, que consigue trabajo en el selecto hotel Virgil. Pero bien pronto descubre que los habitantes de dicho hotel no son lo que parecían... aunque ella también les dará la sorpresa, demostrando ser una contrincante de armas tomar. 

 

Con detalles que, más allá de Tarantino, también pueden recordar al Sam Raimi de sus inicios, e incluso a Guy Ritchie, este film no se corta a la hora de mostrar todo tipo de brutales salvajadas que rozan (y superan) lo grotesco, pero cuando se descubre (¿quizás demasiado pronto?) la especial condición de los personajes del hotel, todo toma cariz de videojuego: Asia Reaves tendrá que acabar con quien se cruce en el camino e ir avanzando de nivel. 

 

Eso se debe a un guion del propio director, junto a Alex Litvak, que no ahonda en lo que plantea (algo así como una sátira social sobre la guerra de clases), quedándose tan solo en la superficie. Eso se hace evidente en todos los personajes del hotel, apenas esbozados y carentes de ningún desarrollo (con la excepción del encarnado por Patricia Arquette). Es por ello que aún siendo muy entretenida en su desenfreno, al final ni ella misma aspira a más.   

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo de 2026 
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SHELTER: EL PROTECTOR con JASON STATHAM, crítica sin spoilers

He podido ver Shelter: El protector, una película ya estrenada en la cartelera americana, aunque aquí en España no llegará, salvo cambios de última hora, hasta el próximo 27 de marzo. Dicho film ha logrado una entrada muy discreta en la cartelera americana en su estreno, con un sexto puesto y 5,5 millones de dólares recaudados, por lo que a priori parece difícil que recupere lo invertido en ella (unos 50 millones de dólares de presupuesto).

 

Como cada territorio es un mundo, que no destaque en Estados Unidos no priva para que si lo haga en otras partes, ya que de forma curiosa en Oriente Medio y África del Norte está funcionando bien, logrando por allí ese número 1 de taquilla que no ha conseguido en su estreno americano. También ha destacado su recaudación en Emiratos Árabes Unidos, siendo datos curiosos aunque por ahora con poca relevancia para la industria de Hollywood.

 

Pero antes de entrar en si la película es mejor o peor, un inciso sobre su título: con esta seria ya la tercera vez que se usa El protector para el título de un film con Jason Statham aquí en España. En el 2013 Homefront se tituló directamente así, en 2024 con Beekeper se añadió al mismo (y con su prevista secuela para 2027 no me extrañaría que lo pusieran), y ahora con este Shelter vuelven a hacer lo mismo. Luego decimos que el cine de hoy ha perdido imaginación, pero los traductores parece que también... 

 

Más allá del decepcionante resultado en taquilla de esta película (que algunos justifican por coincidir su fecha de estreno con un tiempo climatológico bastante desapacible como para animar a ir al cine) es de lo más justo también citar que no está teniendo malas críticas, por lo que sería un tanto improcedente argumentar que sus flojos datos iniciales en Estados Unidos se deben unicamente a que sea una mala película (que ya digo que no lo es).

 

Tampoco hay que levantar falsas expectativas, cuando uno va a ver una película con Jason Statham ya se imagina más o menos el tipo de espectáculo al que asistirá (de hecho el propio actor tiene algunos títulos en su filmografía que sería para cogerlos con pinzas). Pero no es el caso de un film al que, para sorpresa mía, le encontré paralelismos en su esquema al de todo un clásico de los noventa (para un servidor): León, el profesional de Luc Besson. 

 

El citado Statham encarna aquí a Michael Mason, un solitario que vive junto a su perro en una isla aislada en las Hébridas Exteriores de Escocia. Su único contacto con el exterior es que cada semana un pescador local (encarnado por el actor Michael Schaeffer) y su sobrina adolescente Jesse (a cargo de la actriz Bodhi Rae Breathnach) le traen lo primordial para subsistir. Con ello queda claro que el protagonista es más bien misántropo. 

 

Un día bastante desapacible (en una zona donde el clima tampoco lo pone fácil) el barco de suministros se hunde, y Mason sólo puede salvar a Jesse. Intenta curarle un tobillo lesionado, pero cuando ve que la situación le supera irá hasta la costa para buscar suministros. A partir de ahí ya nos queda claro que Mason es un agente del gobierno que tuvo que desaparecer tras incumplir una orden, y ahora un sistema de vigilancia por inteligencia artificial lo ha detectado.

 

Posteriormente se establece una persecución implacable por parte de su exjefe en el MI6 (a cargo de un solvente Bill Nighy) mientras que la jefa actual del servicio secreto británico (encarnada por Naomi Ackie) intentará averiguar los motivos de Mason. La historia es una mera excusa para demostrar la solvencia de Statham como héroe de acción, pero el resultado se revela bastante acertado y funcional a todos los niveles.

 

Y, como he indicado más arriba, me recordó al citado film de Luc Besson porque tanto aquí el personaje de Statham como allí el de Jean Reno son solitarios, a ambos llega una niña desamparada y ambos intentarán por todos los medios salvarla del mundo en el que viven. Por su parte la adolescente verá paulatinamente que su única salida es ayudar a ese protector (lo único que puede justificar su título español).

 

De todas formas es un esquema en el que los detalles evolucionan de forma diferente: allí el personaje de Reno asumía que la jovencita encarnada por Natalie Portman le había cambiado la vida, pero lo equivalente aquí no acaba de funcionar por los límites de Statham como actor dramático. En cuanto a ella no hay ningún tipo de connotación sexual como pasaba allí, lo cual repercutió en una (por entonces) principiante Natalie Portman. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo de 2026 
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PROYECTO SALVACIÓN, una apabullante epopeya (crítica sin spoilers)

Es innegable que Proyecto Salvación tiene buenas referencias: se trata de la adaptación de la novela Proyecto Hail Mary de Andy Weir (de hecho el título original de la película es ese). Dicha obra me la leí hace unos años de la biblioteca, por ser del mismo autor de El Marciano, que tuvo una adaptación de la mano del director Ridley Scott en la destacable Marte (The Martian), con Matt Damon de protagonista.

 

En cuanto al presente film, quien encabeza el cartel es Ryan Gosling, actor polifácetico al que se ha visto en productos de todo tipo y condición (Blade Runner 2049, Barbie, La La Land: La ciudad de las estrellas, El especialista, etc. si bien en donde creo que hizo un papel digno de mérito fue en la película Dos buenos tipos, que en su día fue un fracaso de taquilla). Para el próximo año 2027 estrenará Star Wars: Starfighter. 

 

Y si eso es en referencia a su actor protagonista, en cuanto a sus directores (Phil Lord y Christopher Miller) hay que citar que son los responsables de las películas animadas de Spider-Man de Sony con Miles Morales de protagonista, que empezó en el 2018 con Spider-Man: Un nuevo universo (ganadora del Oscar a mejor película de animación de aquella temporada), a la cual siguió Spider-Man: Cruzando el multiverso y acabará en 2027 con Spider-Man: Beyond the Spider-Verse.

 

Siendo esta Proyecto Salvación una película de ciencia-ficción espacial resulta curioso recordar que sus dos responsables (Phil Lord y Christopher Miller) fueron los directores iniciales de Han Solo: Una historia de Star Wars. Pero ambos fueron despedidos en la fase de rodaje: tras cuatro meses su estilo un tanto improvisado y cómico chocó con lo que pretendía la productora, siendo reemplazados por Ron Howard, que se limitó a cumplir con el compromiso. 

 

Sin desmerecer lo que hizo Howard allí (como mínimo fue funcional), hubiera estado bien ver en la famosa saga galáctica un trabajo como el que llevan aquí a cabo Lord y Miller: visto en formato Imax es sin duda visualmente apabullante y arrebatador, logrando un resultado final tan digno como lo fue el de Marte (The Martian). Se nota la mano del guionista Drew Goddard, responsable de ambos libretos que tienen ciertos elementos de similitud.

 

El más evidente es el hecho de tener a un protagonista perdido en un viaje espacial, pero en este caso el Ryland Grace al que encarna Ryan Gosling tiene además el problema de una inicial amnesia, que le hace preguntarse quién es, dónde está y qué se espera que haga. Todo eso lo iremos viendo en progresivos flashbacks que nos narrarán hasta el final todo lo previo a que el protagonista se encontrará como único pasajero vivo en una nave espacial.

 

Y entramos en lo más problemático: cuando me leí la novela yo no sabía lo que Ryland Grace se iba a encontrar en su viaje, pero la productora de la película no ha tenido problema en mostrarlo en la promoción del film. Cabe indicar que sería un elemento, pese a todo, muy bien gestionado, que te deja una hermosa moraleja final de una inesperada amistad en la que no hay límites espaciales, ofreciendo un solido relato de ciencia-ficción quizás algo dilatado. 

 

Aún así sus 156 minutos se disfrutan, por ser un espectáculo visual abrumador con una factura técnica impecable. Sería una mezcla entre Marte (The Martian), Interstellar, Náufrago y E.T. El extraterrestre, títulos que pueden parecer dispares entre sí, pero una vez que se ha visto este film se entiende mi mención. Digamos que ese dicho popular que dice "Tienes menos sensibilidad que una piedra" toma nuevos matices en Proyecto Salvación.   

 

La fecha de estreno de este film era el 20 de marzo (por ejemplo, para Estados Unidos entre otros mercados) pero aquí en España será una semana más tarde, el 27 de marzo. Supongo que la distribuidora (Sony) no quiere que sea competencia directa con el estreno de Torrente Presidente (13 de marzo, que también distribuyen ellos y está funcionando bien), o lo nuevo de Almodóvar que llega el 20. En fin, curiosidades de la distribución en España... 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo de 2026.
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¡LA NOVIA!, extravagante monstruosidad feminista (crítica sin spoilers)

Se estrena ¡La novia! cuando aún está reciente el Frankenstein de Guillermo del Toro. Y aunque sea difícil de entender, a ambos films les une la Criatura revivida por Victor Frankenstein, pero desde dos ópticas totalmente diferentes. Allí el director mexicano se decantó por una adaptación del texto original, pasado por su particular sello como realizador, mientras que aquí Maggie Gyllenhaal se decanta por una nueva adaptación de La novia de Frankenstein.

 

El citado film de 1935, dirigido por James Whale, fue secuela de su adaptación de Frankenstein de 1931, repitiendo Boris Karloff como la Criatura, al que se sumó Elsa Lanchester como la novia del título. Es posiblemente una de las secuelas mejor valoradas de la historia del cine, y todo un clásico en su género, para algunos incluso superior al film que la precedió. Su influencia posterior fue extensa, por lo que hay que valorar atreverse nada menos que con algo así. 

 

La idea de Gyllenhaal, que encara con esta su segunda película como directora tras La hija oscura de 2021, era dotar de más personalidad a un personaje que, en la citada secuela de 1935, tenía una presencia más bien anecdótica. Con guion también propio, el propósito de esta película para su responsable sería el de explorar la personalidad de dicha novia, un personaje femenino icónico cuya imagen ha pasado a la historia, pero que no fue desarrollado en su momento (también hay que tener en cuenta que eran otros tiempos).

 

Una vez que se ha visto ¡La novia! queda clara una cosa: estamos ante una película radical, que como ya se intuía vendría a ser una mezcla del clásico del que parte (aunque más bien poco) con trazos de Bonnie y Clyde, del Joker y Harley Quinn y (relacionado con ello), de la segunda película de dicho villano con Joaquin Phoenix, ya que en este film también hay ciertos momentos musicales, enfocados como si fueran fantasías, todo ello en un tono excesivo y frenético.

 

La protagonista (a la que da vida la actriz Jessie Buckley) es Ida, una mujer sometida a lo que para ella marca la sociedad conservadora de la década de los años 30 del pasado siglo. Pero en un prólogo que roza lo metafísico, la propia autora de Frankenstein (interpretada también por Buckley) viene a quejarse de lo mismo, y toma posesión (cerebral) de Ida. Pero no como recurso de terror, si no que para "liberarla" de las ataduras de los convencionalismos sociales.

 

A partir de ahí un cortés y educado, aunque algo ansioso, monstruo de Frankenstein (a cargo de un solvente Christian Bale) se siente solo, por lo que acude a ver a la doctora Euphronius (Annete Benning) para que le conceda una compañera. Tras las iniciales reticencias ella accederá, y exhuman el cadáver de Ida, que en el prólogo antes citado digamos que "se rompe la crisma" por su convulsa actitud después de la inicial "posesión" de Mary Shelley.

 

La Ida revivida está amnésica, pero sigue teniendo dentro al espíritu de la autora de Frankenstein, por lo que a partir de ahí empieza un desmadrado periplo en el que la pareja de engendros son perseguidos por sus acciones por una pareja de policías, a los que dan vida Peter Sarsgaad y Penélope Cruz. Jake Gyllenhaal, hermano de la directora, es el otro rostro más popular del elenco, encarnando a un actor de musicales al que el monstruo de Frankenstein idolatra.

 

¡La novia! es una película que no admite medias tintas: o te encanta o la rechazas. En mi caso admito la valentía de su responsable para esta relectura feminista tan peculiar del clásico de 1935, pero creo que se excede más de la cuenta con una por momentos espasmódica y frenética protagonista, que aunque en esencia pueda hacer recordar a Harley Quinn con su visión anárquica de la locura, digamos que la deja en comparación como una santa.

 

Es coherente que la protagonista intente forjarse una personalidad propia que vaya más allá de "La novia de...", y por ello la "esencia" de Mary Shelley le abrirá las puertas a un viaje de autodescubrimiento interior que la ayude a ser ella misma en una sociedad que intenta definirla. Pero todo ello está plasmado de manera irregular, cual si fuera el mismo monstruo de Frankenstein: a pedazos que funcionan mejor, frente a otros que son un delirio extravagante. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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GREENLAND 2, ¿y después del fin del mundo? (crítica sin spoilers)

Con esta Greenland 2 me he visto en una situación similar a la de Sisu: Camino a la venganza: las primeras entregas las vi en televisión, y el resultado fue lo bastante favorable para jugármela con sus secuelas. Ojo que al igual que la citada, tampoco es que las alabe a lo máximo, pero sin duda alguna son de esas películas que te sorprenden, por lo que lamentas no haberlas visto antes. Más allá de esa coincidencia ahora me centro en este film del género de catastrofes.

 

En esta secuela (que en su versión original adjunta el sucinto subtítulo de Migration) repiten Gerard Butler y Morena Baccarin a la cabeza del cartel, dando vida cada uno al matrimonio Garrity (John y Allison), que en la anterior entrega luchaban contra viento y marea para lograr sobrevivir ante la amenaza de un asteroide que iba a chocar contra el planeta Tierra y provocar una catástrofe mundial, más o menos al nivel de la extinción de los dinosaurios.

 

Si algo ha caracterizado el género catastrofista en las últimas décadas es por aprovechar los avances técnicos que se han dado en el campo de los efectos visuales, para poner en imágenes el apocalipsis de rigor con el mayor realismo posible. Pero por contra sus guiones han sido, ya desde su inicial época de esplendor, allá por la década de los 70, bastante rutinarios, decantándose por dramas humanos con el justo interés (o menos) para que el espectador no se aburriera, ya que muchas veces lo más interesante era el desastre en sí. 

 

Pero curiosamente en Greenland (aquella subtitulada El último refugio), aun cayendo en tópicos y clichés, lo que había era una historia y unos personajes verosímiles, decantándose el desarrollo por un drama familiar en el que uno podía sentir la escala humana ante la posibilidad del fin del mundo. Aunque también puede influir que cuando se estrenó, en septiembre de 2020, estábamos con la pandemia del Covid, que hacía ver la crisis mundial mucho más cercana.

 

Fuera por lo que fuera, al final la película se embolsó 52,3 millones de dólares sobre un presupuesto de 35, y eso sumado a la (más o menos) aceptable recepción crítica, llevó a que el presupuesto de esta secuela subiera hasta los 90 millones de dólares. Esa cifra se ha disparado quizás en exceso, y en el momento en que escribo esto no parece que lo vaya a lograr, ya que estrenada en mejores condiciones que la primera no lleva recaudado ni la mitad de lo que costó.

 

No diré que es una pena (no es que tampoco estemos hablando de nada que no vaya más allá del mero entretenimiento), pero supongo que ha tenido que lidiar con un cierto hartazgo por parte del respetable, que ya ha visto muchas catástrofes apocalípticas, y al que lo que se ve aquí no le va a pillar por sorpresa. De hecho algunos films del mismo género que se han estrenado estos últimos años (por ejemplo Moonfall) se toparon con una taquilla que los ignoró.

 

Ric Roman Waugh, responsable de las dos entregas de esta saga, se decanta aquí por un intenso viaje de supervivencia (la migración de su subtítulo original), ya que por hechos que se verán en el inicio, ahora sólo les queda una esperanza (podría decirse que "La vida se abre camino" como decían en Parque Jurásico) pero para llegar a ella tendrán que recorrer un largo periplo lleno de peligros y amenazas, que pondrá a prueba a los protagonistas.

 

Aún manteniendo el interés en sus 98 minutos contados (la anterior duraba 114), esta secuela peca quizás de un guion que parece sacado de un videojuego de supervivencia, en el que lo esencial es pasar al siguiente nivel como sea. También es previsible que no habrá secundario que destaque (cumplen lo que tienen que cumplir y punto), así como el final de uno de los miembros del trío principal, el cual es plasmado con connotaciones bíblicas. 

 

A su favor hay que alabar que siga el camino de la anterior entrega (aunque con menos acierto), anteponiendo lo más usual y mundano por encima de banderas patrióticas o discursos grandilocuentes (¡cuanto daño le ha hecho Roland Emmerich al género de catástrofes justo por abusos de ese estilo!). De todas maneras que la familia Garrity tenga la gran carambola de superar todo tipo de percances es un recurso que se antoja bastante forzado.   

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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CUMBRES BORRASCOSAS, clásico erotizado (crítica sin spoilers)

He ido a ver Cumbres borrascosas sin haber leído ni la novela en la que se basa, ni las varias adaptaciones previas a esta. Eso para los más puristas puede ser un claro sacrilegio, pero de esa forma reseño la presente película sin las lógicas presiones que tiene en comparación con sus antecedentes. Que no son unos pocos precisamente, porque ha sido una obra con gran cantidad de adaptaciones a lo largo de las décadas.

 

Según me informa por varios medios (entre ellos filmaffinity) hay varias versiones de la obra literaria de Emily Brontë, que van desde el cine clásico de Hollywood (la más recordada y emblemática sería la dirigida en 1939 por William Wyler, que contó con Laurence Olivier y Merle Oberon); hasta otras tales como una de 1954 dirigida por Luis Buñuel y titulada Abismos de pasión. En 1970 hubo otra protagonizada por un entonces joven Timothy Dalton, y otra en 1992 con Ralph Fiennes (que marcaría su debut), junto a Juliette Binoche. 

 

A todas ellas se une ahora esta nueva de Emerald Fennell, que cuenta en su reparto como pareja protagonista a Margot Robbie y Jacob Elordi, este último nominado esta temporada al Oscar como mejor actor de reparto por su notable interpretación de la Criatura en el Frankenstein de Guillermo del Toro.

 

Con tantos precedentes ya tenía asumido que la fidelidad con el texto original iba a ser poca, pero cuando algunos ya citan directamente que la autora (Emily Brontë) tiene que estar revolviendose en su tumba, entonces ya te queda claro que esto será de fiel a la novela original como (salvando las distancias) lo son las películas del Sherlock Holmes de Guy Ritchie a las obras que del famoso detective escribió Sir Arthur Conan Doyle. Pero aún así, ¿merece la pena?

 

Los que conozcan la obra literaria y/o cualquiera de las versiones previas irán con los cuchillos afilados, pero si hay alguien como yo, a la que todo esto le pilla de nuevo, tengo que reconocer que han intentado meter ciertos detalles discutibles, más propios de 50 sombras de Grey, a un texto literario que estoy seguro que sólo insinuaba lo que aquí no hay problema en sugerir explícitamente. Una obra del siglo XIX "adaptada" a los gustos del público del siglo XXI.

 

Es curioso la masacre que deben haber hecho respecto a la novela de Brontë (a tenor de lo que leo) cuando en cambio, a nivel de fotografía, vestuario y peluquería, se puede afirmar que este film luce con una estética fascinante y fastuosa, que destaca sobretodo en una Margot Robbie que viste una buena ración de ostentosos vestidos a lo largo del film. Podría decirse que la directora se ha dejado llevar por aquello de "Vale más una imagen que mil palabras". 

 

La película gira exclusivamente sobre la relación que se establece, desde que son niños, entre Heathcliff (Jacob Elordi) y Catherine Earnshaw (Margot Robbie), pero el inicio no es la mejor de las presentaciones cuando ya queda claro que ella es una niña caprichosa y veleidosa. Al final, después de muchas idas y venidas, la relación entre ambos hace bueno aquello de "Ni contigo ni sin ti" y "Eres como el perro del hortelano" (este último citado literal).

 

En resumidas cuentas esta adaptación de 2026 de Cumbres borrascosas luce fastuosa en imágenes, aunque no tanto en su guion, donde se intuye una escabechina sin piedad sobre el texto original de Emily Brontë. A los gustos del espectador de hoy en día puede convencer (a mi se me hizo entretenida, aunque algo dilatada), por un resultado visual fascinante y una pareja atractiva encabezando el reparto, si bien chirría su algo forzada erotización. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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COMO CABRAS, mezcla de ZOOTRÓPOLIS y SPACE JAM (sin spoilers)

Con el estreno de Como cabras apenas pocos meses después del de la secuela de Zootrópolis de Disney muchos verán, con toda la razón del mundo, una situación parecida a la que pasó en 1998, y también en el campo de la animación, con los estrenos con pocos meses de diferencia de Bichos (Una aventura en miniatura) de Pixar y Antz (Hormigaz) por parte de Dreamworks. No es raro porque ya ha habido otros casos de films con premisas similares con poca diferencia de estreno.

 

Por su parte la temática deportiva de esta película puede recordar a la de Space Jam, film noventero a mayor gloria del jugador de baloncesto Michael Jordan junto con los personajes de los Looney Tunes, en un intento de capitalizar el (por entonces) reciente éxito de ¿Quien engañó a Roger Rabbit?, en su mezcla de acción real con animación. Dicho film resultante no llegó a ese nivel, pero se ganó el suficiente aprecio como para tener hace unos años una innecesaria secuela.

 

Esta Como cabras (o Goat: la cabra que cambió el juego en países de Hispanoamérica) es una producción de Sony Pictures Animation, cuyos éxitos más recientes han sido Las guerreras K-Pop y la saga animada de Spiderman con Miles Morales de protagonista (que se supone que cerrará trilogía en junio de 2027), por lo que eso deja pistas claras de por donde deriva su estilo visual. Por su parte consta como productor el jugador de la NBA Stephen Curry, lo que en este caso ya hace suponer por donde derivará el argumental. 

 

Tengo que admitir que asistí a un pase previo con público (en su mayoría infantil), lo que pasa que no quise arriesgarme a poner mi opinión demasiado por anticipado, porque las distribuidoras son muy puristas con el tema y no quería buscarme innecesarios problemas. El citado pase fue el pasado sábado 7 de febrero y cabe decir que al acabar el film todo fueron aplausos... aunque yo admito que no salí tan entusiasmado como los chavales.

 

Supongo que en eso influenciará que no sería el público potencial al que va dirigido el presente film, pero ha habido otras películas de animación que si han sabido conectar con todo tipo de espectadores. Además, el tema deportivo no se me hizo muy apasionante, aunque es curioso su título original (GOAT se traduce como cabra pero también por las siglas "Greatest of all time", o "El mejor de todos los tiempos", usado para definir a jugadores míticos). 

 

En cuanto a la historia, me imaginaba el enésimo intento de colar esa moraleja de que "si quieres puedes, porque al final conseguirás tu objetivo", algo muy bonito para ilusionar a los chavales pero que no siempre se cumple como desearíamos. Lo más novedoso estaría en presentar dicho mensaje de una forma muy actual, con muchas referencias a las tendencias en internet y las redes sociales, algo vital (¿y adictivo?) para las nuevas generaciones.

 

Ojo porque tampoco es que diga que Como cabras es una mala película, nada más lejos. El problema es que si la ves con la idea en la cabeza de los precedentes que he citado antes (Zootrópolis y Space Jam) te das cuenta que toma lo más tópico y esquemático de ambas, siendo carencias que no se pueden esconder con el enésimo ejemplo de superación, envuelto con un estilo visual (eso también es de justicia mencionarlo) bastante acertado.

 

En resumidas cuentas digamos que esta película es un film de animación claramente orientado hacia el público infantil, ya que los adultos asistiremos al enésimo relato de creer en uno mismo pese a las adversidades, que no es un mal mensaje pero ya se ha visto (y mejor expuesto) en muchos otros productos previos. Me imagino que también la disfrutarán los aficionados al baloncesto, aunque en esta historia tenga el curioso apelativo de "rugebol". 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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PRIMATE, un slasher con mono (crítica sin spoilers)

Esta Primate se une a la ingente cantidad de películas que ha habido (y habrá) con un animal o animales descontrolados (justificado con todo tipo de excusas), viniendo a ser la moraleja más o menos común de la mayoría de ellas el hecho de que el ser humano no respeta como se debe tanto a la naturaleza como a sus animales, y cuando (bien una o bien otros) se rebelan, la humanidad paga las consecuencias. Y como es algo que siempre tiene salida, de ahí nace esto.

 

Este subgénero ha dado para todo tipo de amenazas (creo que no hay bicho viviente que no pueda serlo para el guionista más osado), pero también hay que incluir títulos tan emblemáticos como el Tiburón de Steven Spielberg (que años después empezó la franquicia jurásica, cuya premisa básica también sería animales descontrolados, sólo que en ese caso antediluvianos). Y si hablamos de monos, como en este film, otro clásico sería King Kong. 

 

Entonces, ¿merece la pena Primate? ¿Puede acabar siendo un clásico de serie B? Eso sólo el tiempo lo podrá decir, pero sin duda alguna estamos ante una película extremadamente básica, en la línea de otros films de su director (Johannes Roberts) como A 47 metros y su secuela, donde el peligro animal lo representaban tiburones (de los que también se ha llevado a cabo un abuso desmesurado en películas de todo tipo, desde que hace medio siglo el antes citado Spielberg demostrara que pueden ser una inquietante amenaza marina).

 

¿Tiene virtudes Primate? Aunque parezca mentira la verdad es que sí: es una película concisa, concreta y no deja hueco a dobles lecturas, por lo que resulta absurda cualquier expectativa de un tipo de terror más "elevado". Siguiendo con el tono habitual en el subgénero en el que se engloba, la historia tampoco rehuye de otros tópicos habituales del terror como son un escenario agreste y recóndito, o unas víctimas adolescentes de manual.

 

De todas maneras aunque la causa de la rabia del mono protagonista queda pronto aclarada (le ha mordido una mangosta), eso no es obstáculo para que el film en ocasiones sea ambiguo a la hora de mostrar al animal. Con esto me vengo a referir que el mismo sería infectado (lo cual "explica" sus actos posteriores), pero en muchos momentos no se duda en enfocarlo de manera claramente maligna y monstruosa, contradiciendo la "excusa" de la infección.

 

Cómo pudo llegar la rabia a Hawaii (donde está situada la historia) cuando, como indican más adelante, dicha patología allí está erradicada tendría que hacer pensar en que la culpa quizás provenga de alguna acción humana que lo propició. Pero Primate no da lugar a una reflexión sobre ello: el mono está infectado, se ha vuelto malvado y hay que acabar con él para preservar la vida humana. Cómo indiqué antes es concreta y concisa (y punto).

 

En ese sentido podríamos afirmar que Primate se decanta más bien por el género slasher, ya que si cambiamos al mono por un psicópata como Jason Voorhees, Michael Myers o derivados, en esencia este film sigue todos los parámetros del tipo de películas por las que se han hecho famosos matarifes así. O sea, adolescentes con las hormonas desatadas que caen de la forma más sangrienta posible, aquí con la novedad de que el causante es un mono. 

 

La película, que se estrenó en Estados Unidos a principios de enero, y llegará a la cartelera española el 6 de febrero, tiene un presupuesto de 21 millones de dólares, recaudando en su primer fin de semana 13,4 millones a nivel global. Si quiere ser rentable necesita recaudar entre 50 y 63 millones, pero estamos ante un tipo de película de la que lo mejor que se quede sólo en lo que es, y rehuir de hipotéticas secuelas que tan solo serían más de lo mismo. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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EL HOMBRE MENGUANTE, y ahora francés (crítica sin spoilers)

La película El hombre menguante vendría a ser una nueva adaptación del relato homónimo de Richard Matheson que se escribió en 1956, el cual me leí hace ya unos años, y me dejó tan satisfecho que bien poco tardé en ver la rápida primera adaptación. Con el título de El increible hombre menguante, el film de Jack Arnold se estrenó apenas un año después (1957) de que se editará la novela original, contando con el propio autor de la misma para hacerse cargo del guion.

 

Resulta curioso que una obra tan mítica de Richard Matheson como es el presente título no tuviera más adaptaciones, ya que otro relato emblemático del mismo autor como es Soy leyenda ha tenido varias versiones, siendo las más notorias las que contaron con Vincent Price (El último hombre sobre la Tierra en 1964), Charlton Heston (El último hombre... vivo, con título original The Omega Man, de 1971) y Will Smith (Soy leyenda de 2007).

 

En este caso, más allá de la citada adaptación de 1957, sólo hubo una versión posterior titulada La increíble mujer menguante en 1981, una comedia dirigida por Joel Schumacher que admito que no he visto en el momento de escribir estas líneas. A la misma se habría sumado un proyecto en 2008 con el título de El increíble hombre menguante que no se llegó a concretar, dirigida por Brett Ratner y con Eddie Murphy de protagonista, aunque con el mencionado actor el tono se supone que hubiera sido también de comedia.

 

Si tenemos en cuenta que la adaptación más fiel al relato tiene ya casi 70 años, es lógico pensar que con los avances en el campo de los efectos especiales se podrían conseguir resultados más espectaculares (los de la película de 1957 son sin duda ingeniosos y encantadores para su época, pero muy evidentes para el espectador actual). Pero cuando uno se imaginaría un remake norteamericano, la sorpresa viene con uno que llega desde Francia. 

 

Con la dirección de Jan Kounen y teniendo de protagonista al actor Jean Dujardin (famoso a nivel internacional sobre todo por la película The Artist), esta película parte de la misma premisa que la obra literaria original, si bien los personajes y las causas varían, aunque pese a ello conservan toda su esencia. El protagonista no se llama Scott Carey sino tan solo Paul, y la historia está ambientada en la actualidad y no en la década de los 50.

 

Asimismo la causa de su progresivo tamaño menguado entonces se "justificaba" en el peligro radioactivo, mientras que en esta nueva adaptación es una mera espiral nubosa bastante extraña con la que empieza esta película (por lo que no sería spoiler), aunque en esencia nunca se aclara más sobre ello. A partir de ahí ambas coinciden en lo posterior: en este caso Paul verá como paulatinamente va menguando, sin causa ni justificación posible.

 

Como yo me imaginaba, la recreación de los efectos sobre el protagonista son visualmente más espectaculares en esta versión, casi siete décadas posterior a la previa. Pero es que en esencia se parte del mismo "truco": tan solo hay que jugar con las perspectivas para dar la idea de ese tamaño cada vez más mermado, por lo que el objetivo entonces y ahora sería el mismo, tan solo cambiando los medios para hacerlo más pulido y asombroso.

 

Lo único malo que tiene eso, aunque de forma colateral y no por la película en sí, es que aunque no sean adaptaciones de la obra de Matheson en particular, a lo largo de los años hemos visto películas donde sus personajes también disminuían de tamaño (por ejemplo las del superhéroe Ant-Man de Marvel), por lo que a ojos del espectador actual (en el caso de no conocer los referentes) tampoco es que el resultado sea más o menos inédito.  

 

A eso hay que sumar que la obra literaria original de Matheson planteaba cuestiones que el film de hace casi 70 años no tocó por ser temas delicados por la moral imperante de entonces. Esos detalles aquí ni se plantean, ya que es bastante evidente la fascinación del director Jan Kounen por el film de 1957, recreando aquí de nuevo algunos de los momentos más míticos del mismo, como el acecho del gato primero y de la araña después.

 

Otro hándicap con el que tiene que enfrentarse esta película es que el tono aventurero de su premisa argumental, sobre todo cuando tiene que hacer toda una labor de supervivencia en el sótano donde quedará atrapado, deriva en este caso en un mayor énfasis en lo filosófico y lo existencialista. Eso lleva a que esta adaptación se tome demasiado en serio a sí misma, aumentando un dramatismo en el que no tenía que haberse recreado tanto. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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