HE-MAN Y LOS MASTERS DEL UNIVERSO, alargada es la sombra del Thor de Marvel de Taika Waititi (crítica sin spoilers)

Hablar de He-Man y los masters del universo (o tan solo Masters of the Universe en su título original) nos lleva a recordar, a todos aquellos que tuvimos la infancia en la década de los ochenta, todo el universo que generó la empresa juguetera Mattel. Incluso sin ser fan admito que tuve en mi infancia al menos (que recuerde) dos figuras de esta franquicia: el Principe Adam (alter-ego de He-Man) y Skeletor.

 

En una mezcla entre la fantasía heroica de Conan el bárbaro (y tantos otros ejemplos del subgénero de espada y brujería) con elementos de ciencia-ficción (cuando se creó esta línea de juguetes triunfaba a lo grande la trilogía clásica de Star Wars, que demostró la viabilidad del merchandising relacionado con ella), Masters of the Universe venía a narrar la lucha por el planeta Eternia entre He-Man y Skeletor.

 

Con gran cantidad de secundarios en los frentes de los dos personajes principales, la franquicia se expandió a los cómics (los que en origen venían con cada figura, más luego en DC, Marvel, Image y Dark Horse), así como varias series y películas de animación que van desde los años ochenta hasta la actualidad, aparte de sacar varias líneas de figuras de acción que aumentaban su mitología. 

 

En acción real no hubo la misma suerte: en 1987 la productora Cannon estrenó una adaptación con Dolph Lundgren encarnando al heroico He-Man y Frank Langella como Skeletor (y una, por aquel entonces, no tan famosa Courteney Cox en un papel secundario, que después se haría más popular con la serie Friends o la saga Scream). La película fue un fracaso de crítica y taquilla, que sumado al fiasco también ese mismo año de Superman IV: En busca de la paz acabó de apuntalar el fin de la productora Cannon. 

 

De todas formas la citada película de 1987 ha conseguido con los años el cariño de cierto sector de fans. En mi caso admito que la he visto por primera (y de momento única) vez hace pocos años en un pase televisivo, y aunque resultaban más o menos evidentes sus carencias (costó 22 millones de dólares y apenas recaudó 17,3), admito que era un más que solvente entretenimiento. Por eso tenía curiosidad ante esta nueva adaptación.

 

También he de admitir que nunca ahondé mucho en este universo, con lo cual al ir a ver esta película la verdad es que no tenía muy en mente sus muchos antecedentes en viñetas y animación, de los cuales si vi alguno sería de manera colateral. Mayormente, tal y como he dicho más arriba, por el recuerdo de que fueron unos juguetes de mi infancia. Si ya se intuye que el film no ha acabado de fascinarme, la verdad es que se acierta de pleno. 

 

Aún viniendo dirigida por Travis Knight (el director de Bumblebee, la mejor película de la saga Transformers), lo cierto es que su excesivo tono bufonesco me hizo pensar si el responsable era un Taika Waititi aún más desatado que en sus dos films de Thor. Y es que ya que cito al Dios del Trueno de Marvel, de hecho se puede decir que se sigue el estilo de las dos cintas que hizo el citado Waititi, con toques autoparódicos que recuerdan al Flash Gordon de 1980.

 

Eso lleva a que una franquicia que sin duda alguna acierta en la forma (visualmente es espectacular), falla en el fondo: se intenta de una forma tan desesperada infantilizar el resultado, que un espectador con experiencia ve mejor lo que podía haber sido, que lo que acaba siendo. Las imágenes lucen pero la forma y el desarrollo tropiezan, lo que se hace evidente en un Skeletor con una presencia imponente... siempre que no abre la boca para decir alguna chorrada.

 

El recurso de hacer que el protagonista se refugiara en la Tierra cuando era pequeño, y al que ya de mayor toman por loco por lo que dice, sigue todos los tópicos, clichés y estereotipos de esa variante argumental, pero admito que funciona. Es justo en esos momentos cuando hay ese acertado cameo que todos los nostálgicos esperaban, a lo que añadir los guiños en las dos escenas entre los créditos, más todos los que pululan por su metraje.

 

Me imagino que los fans de esta franquicia quedarán contentos (no me imagino una forma más acertada de llevar a acción real a esta línea de figuras de acción), pero como he dicho antes la Eternia que nos muestran bien podría ser el Asgard de Thor, con lo cual a partir de ahí los parecidos son más que razonables. No se ha querido arriesgar con una adaptación más adulta, para que sea accesible a cuanto más público mejor, pero le sobra humor. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de junio de 2026 
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BACKROOMS, lugares raros y perturbadores (crítica sin spoilers)

De vez en cuando se estrenan films como esta Backrooms, que buscan salirse de los cánones oficiales del terror para mostrarnos otra cosa. Es cierto que en ese género, debido a lo rentable que suele ser, se ha visto de todo, habiendo variantes, como el slasher o todo lo derivado de exorcismos, en la que es difícil sorprender a estas alturas (por no citar los films de criaturas como los vampiros o los zombis, a los que se ha explotado todo lo explotable).

 

Mucho de ese terror tiene ecos del pasado, pero en una sociedad que avanza se puede decir que sus miedos avanzan con ella. De foros, blogs o vídeos de Youtube han surgido historias cortas de terror, que se podrían considerar algo así como leyendas urbanas, recibiendo el nombre de creepypasta. Ahí está el origen de los backrooms (que se traduce como "cuartos traseros"): lugares raros y perturbadores, en donde uno se siente inquieto e inseguro. 

 

Todo ello tiene la definición de "espacios liminales", la cual se refiere a imágenes de despachos, oficinas, escuelas, centros comerciales o pasillos vacíos y silenciosos, sin ninguna presencia humana y algo así como olvidados, lo cual produce sensaciones de extrañeza si uno se viera en ellos. De ahí un joven Kane Parsons, el director de este film, realizó con apenas 16 años unos videos con estética VHS que llamaron la atención de la productora A24.

 

Apenas cuatro años después le han ofrecido transformar el concepto de esos cortos de su canal de Youtube, creados como si fueran found footage (metraje encontrado, como El proyecto de la bruja de Blair y tantos derivados posteriores) en película, contando como protagonista con el polifacético actor Chiwetel Ejiofor. Aquí los backrooms vendrían a ser algo así como un interminable laberinto de luces fluorescentes y paredes amarillentas.

 

Para sorpresa de muchos, si ya las previsiones para su estreno eran optimistas, las mismas se han disparado: costando 10 millones de dólares se evaluaba que conseguiría unos 40 o 50 millones en su primer fin de semana, pero la cifra ha sido de 81 millones en la taquilla americana y 118 a nivel global. Imposible una mejor carta de presentación para su director, que con apenas 20 años su primer film ya huele a franquicia (de la que espero no abusen).

 

Todo lo citado lleva a pensar si esta película es tan buena como aparenta, y la respuesta es sin duda que sí, pese a su (por otra parte) sencillo argumento: todo gira sobre un personaje que descubre una especie de portal a otro lugar extraño, se lo cuenta a su psicóloga (la cual en principio no le cree), pero cuando el protagonista desaparece misteriosamente será ella misma la que cruce el portal, e intente sobrevivir a las perturbadoras rarezas que le esperan al otro lado.

 

Aparte del citado Chiwetel Ejiofor como el protagonista Clark (esforzado vendedor de una tienda de muebles que no rinde lo suficiente, que llegó a tener opciones de arquitecto, pero al que un divorcio y problemas con el alcohol han vuelto una persona resentida y amargada), el otro personaje principal está encarnado por la actriz noruega Renate Reinsve. Ella es la terapeuta de Clark, y en la segunda mitad del film viene a ejercer un personaje con ecos de final girl. 

 

Pese a dicho calificativo (a título personal), que nadie se espere los recursos convencionales del terror como género: esta película se decanta más por ser perturbadora y extraña que por dar los típicos sustos y muertes sangrientas a los que está acostumbrado el publico más general, al que quizás le pueda decepcionar. De hecho hay una pareja secundaria cuyo destino se intuye, pero que en ningún momento se muestra en primer plano... 

 

Como es lógico, el final deja las suficientes preguntas en el aire como para que al menos una próxima secuela responda (o no) alguna de ellas. Por lo demás se puede decir que Backrooms es un laberinto pesadillesco en el que se refleja lo peor de cada uno (atención a la versión deformada de cierto personaje) y que funciona, según citan en el mismo film, como si fuera un "algo" que recuerda cosas, pero sin saber concretar los detalles.  

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de junio de 2026 
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MULTIVERSO WHAT IF VOL.1 / SUPERMAN: LOS ÚLTIMOS DÍAS DE LEX LUTHOR / LA MOMIA / MANDALA: PRINCESA DE LAS TINIEBLAS / y más

MULTIVERSO WHAT IF VOL.1 

Me leo Multiverso What If volumen 1 dentro de la Marvel Limited Edition. He disfrutado con él, ya que siempre he sido curioso ante eso de las historias que podrían haber sido. En este tomo se recopila el primer año de su segunda vida entre julio de 1989 y abril de 1990, más el Special One-Shot de junio del 88 que, como citan, igual quedó pendiente de su anterior periplo editorial.

Este extenso tomo justo empieza por esa historia, que lleva por título ¿Y si Iron Man hubiera sido un traidor?, y que es una bastante entretenida variante del citado personaje que goza de un acertado guion que se complementa con un apartado gráfico de nada menos que Steve Ditko, creador gráfico de Spider-Man y Doctor Extraño. Con eso de entrada ya tenían toda mi atención.

A partir de ahí comienza el volumen 2 de What If que se inició a finales de los ochenta con ¿Y si Los Vengadores hubieran perdido la guerra de la evolución?, donde el citado grupo ve como al final el Alto Evolucionador si consigue lo que pretendía, con un desarrollo argumental que acaba afectando a todo el universo en sí. Esta ya lo conocía de un retapado de la primera edición española que leí hace años (no será el único de este tomo).

La siguiente historia es ¿Y si Daredevil hubiera matado a Kingpin?, que planea lo que su título indica englobándolo dentro de la (por entonces) reciente saga de Born Again que redefinió al personaje. Esta también estaba en el retapado que he citado antes, aunque no la siguiente, que se titula ¿Y si Steve Rogers se hubiese negado a dejar de ser el Capitán América?, en donde se mantiene (también costumbre de la cabecera) unas resoluciones agridulces para los afectados. 

Para que no prevalezca el tono algo melodramático de algunas de las historias alternativas, también hay otras breves con sentido del humor, como las tres posteriores donde vemos que el sobrino de Ben Parker es Galactus, Franklin Richards es quien encuentra el martillo de Thor y Lobezno trabaja de charcutero. Tras ese breve inciso irónico le sigue otra donde el traje alienígena de Spider-Man de las primeras Secret Wars si logró poseerlo del todo, y que ya había leído.

Le sigue otro donde los destinos del Hombre Maravilla y La Visión difieren en cuanto a la continuidad tradicional, si bien luego convergen a un punto similar. El humor lo pone una viñeta con Hulk como monitor de instituto en lugar de mafioso, mientras que en el sexto número de la serie se evalúa que hubiera pasado si los X-Men hubieran perdido Inferno (un evento reciente en aquellas fechas), si bien el mayor protagonismo lo tiene el Doctor Extraño. 

Tras ver como Lobezno fue miembro de SHIELD y no de los X-Men, y las breves parodias con una tía May con garras como el canadiense, un Capitán América como atracción congelada y un Castigador que aplica azotainas, viene una historia en la que Iron Man perdió la guerra de las armaduras, y fue chantajeado por Justin Hammer. Y si hubieran muerto los X-Men (surgidos del Giant Size X-Men 1 de 1975), siempre hay otras posibles alineaciones. 

Tras otro par de variantes humorísticas llega el relato que muestra como El Castigador se generó de una manera diferente, para encarar la recta final con otras tres variantes de humor. Este tomo lo cierran las 4 historias en una sobre Los Cuatro Fantásticos, si hubieran tenido todos cada uno de sus respectivos poderes (con variados resultados), seguida de la que nos narra que hubiera pasado en caso de que los X-Men se hubieran quedado en Asgard.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5) 

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

SUPERMAN: LOS ÚLTIMOS DÍAS DE LEX LUTHOR

Que algo se anuncie con un título como este hace levantar suspicacias a los lectores que llevan años en los cómics de superhéroes, porque si una cosa se ha demostrado clara es que la muerte es un estado transitorio para la gran mayoría (lo cual incluye a sus enemigos, como es el presente caso con la némesis más popular de Superman). Pero que salga bajo el sello de Black Label hace pensar que al estar fuera de continuidad, sus responsables (Mark Waid y Bryan Hitch) tendrían una mayor libertad creativa, como así ha resultado. 

Con la premisa de que un Lex Luthor enfermo tiene que acudir a Superman para que le ayude se hace un repaso vital de ambos personajes, del dilema moral ante lo planteado, un periplo por varios escenarios del universo DC, y todo ello con un apartado gráfico notable, que a gran formato luce espectacular. Sin duda alguna recomendable.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

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MONSTRUOS DE UNIVERSAL: LA MOMIA

Este cómic es uno más de los que se dedica a reimaginar monstruos clásicos de la Universal, de los cuales ya me he leído otros. En este caso es el film de 1932 el que toma como referencia, si bien las dos entregas de Stephen Sommers de 1999 y 2001 con Brendan Fraser partían de lo mismo, sólo que allí dándole un toque más aventurero.

Con eso me vengo a referir a que quien tenga dichos films más o menos presentes, enseguida reconocerá sobretodo nombres de personajes, en una obra con guion y apartado gráfico de Faith Erin Hicks. En este caso se decanta por centrarse en la protagonista femenina del film original, que era la más reciente encarnación de la princesa anhelada por la momia Imhotep, para hacerla eje central de la trama. El resultado final es entretenido y una incorporación muy digna a esta reimaginación de los monstruos clásicos.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.  

MANDALA: PRINCESA DE LAS TINIEBLAS

Nuevo manga que me leo de Hideshi Hino, aunque lo de "nuevo" sería un eufemismo ya que en origen vio la luz en 1982, lo que pasa que había estado inédito por estas tierras hasta que en Ediciones La Cúpula no lo han sacado en este formato con el que ha entrado hace poco en la biblioteca. En conjunto resulta entretenido, aunque con matices.

Pese a gustarme el autor por como trata el terror y el gore, digamos que en este relato ambos elementos se encuentran más contenidos, siendo más bien una historia de suspense. Sayoko, la protagonista, es una niña maldita que está en la búsqueda incansable de un objeto mágico. Su llegada a la escuela enseguida se hace de notar ya que por mucho que finja, su aspecto y su comportamiento levantan suspicacias, lo que provoca situaciones grotescas. El autor lo usa como un alegato a favor de la diversidad y contra el acoso escolar. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

Y MÁS RESEÑAS

• Beata y Calisto: Abogados de Cristo. 
• Gente haciendo cosas raras: Las notas del Profesor Migraña. 

STAR WARS: THE MANDALORIAN AND GROGU, a lo fácil (sin spoilers)

Con esta Star Wars: The Mandalorian and Grogu los de Disney prueban dos cosas: que esta franquicia puede volver a la gran pantalla después de siete años (2019) desde el estreno de su anterior entrega, y de que lo que han creado en series para la televisión puede tener salida más allá de la pequeña pantalla, probando en este caso con la que lo inició todo. 

 

Y es que en origen recordemos que Disney prometió una nueva trilogía y films complementarios para cuando no se estrenaran entregas de la citada trilogía. Pero (y es un "pero" grande) los episodios VII, VIII y IX estrenados entre 2015 y 2019 dejaron en líneas generales un sabor agridulce, y de los films que iban en los años intermedios, el de Han Solo se tropezó con una taquilla reticente, que frustró seguir ese camino. 

 

Tampoco es que Disney se quedara quieta, desde entonces ha habido varias series televisivas de Star Wars (tan solo en acción real, y algunas con más de una temporada: The Mandalorian, El libro de Bobba Fett, Obi-Wan Kenobi, Andor (la más valorada), Ahsoka, The Acolyte y Skeleton Crew (Tripulación perdida), a lo que sumar varias de animación, antológicas y cortos), que con una mayor o menor repercusión han demostrado que la marca comercial podía seguir siendo rentable. 

 

La que lo empezó todo fue The Mandalorian en 2019, teniendo hasta la fecha tres temporadas, de las que las mejores son sin duda las dos primeras, que demostraron que la franquicia en acción real podía ser igualmente viable y espectacular en televisión. Pero el problema radica en estirar las cosas más de la cuenta cuando tienen éxito, siendo algo evidente en la tercera, a lo que sumar lo mucho que le debe a Grogu, también conocido como Baby Yoda.

 

Estoy seguro que The Mandalorian (la serie) triunfó como lo hizo, más allá de la calidad de sus dos primeras temporadas, porque con el primero conocido como Baby Yoda, y al que luego se nombró como Grogu, se consiguió crear un personaje entrañable que caló entre el público, hasta el punto de que Disney no tardó en comercializarlo estampando su imagen en todo tipo de formatos imaginables (ropa, juegos, muñecos y toda clase de merchandising).

 

Ya en la tercera temporada me dio la sensación de que Grogu era un mero complemento, una vez pasado el tiempo en que (por la novedad) todo el mundo quedaba enamorado de lo cuqui que era. Además ese forzado giro para que se quedara con el Mandaloriano no me acababa de convencer. En este film esa sensación continúa, ya que parece que su única función sea caer entrañable al público porque a efectos prácticos lo veo poco práctico (valga la redundancia). 

 

Probablemente sea que ya no tengo la edad para disfrutar con una película como esta, ya que si de por si se dice que Star Wars es una saga orientada a los chavales, esta película da buena fe de ello. Y es que el tramo en el que Grogu con otros "simpáticos" bichos intenta resolver cierta situación me levantó ecos de los Ewoks, también personajes que dijeron en su día que estaban metidos sólo para vender muñecos al público infantil. 

 

El guion de esta película no es sencillo, no... ¡lo siguiente! No negaré que resulta funcional pero uno quizás espera que cuando una serie da el salto a la gran pantalla, lo que nos cuenten allí sea trascendental. Bueno, pues en este caso como que no, por lo que para contar lo que cuentan, bien podrían haberlo hecho en televisión, ya que de hecho todo este film parece un episodio extendido de la serie de la que parte. No está mal, pero quizás se esperaba más.

 

En resumen estamos ante un producto sencillo y funcional, que no arriesga y va a lo fácil. El ritmo es entretenido, mola escuchar en una sala de cine la banda sonora de Ludwig Göransson. Por su parte en cuanto a su elenco citar que Sigourney Weaver tiene un papel secundario, mientras que Martin Scorsese y Jeremy Allen White ponen su voz original (que se pierde en el doblaje) a los llamativos Hugo Durant y Rotta The Hutt, las criaturas más destacables de este film.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de mayo de 2026 
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TÍO GILITO: EL PATO MÁS PODEROSO DE LA TIERRA / EL DESTINO DE TÍO GILITO / DAREDEVIL: EL REINADO DEL DIABLO / y más reseñas

TÍO GILITO: EL PATO MÁS PODEROSO DE LA TIERRA

Cuando vi en el catálogo de las bibliotecas la portada de este cómic me percaté de ese guiño de la portada a Star Wars, con el Pato Donald congelado en carbonita como lo fue Han Solo al final de El Imperio contraataca. ¿Era posible que esto fuera un crossover muy loco que mezclara a los personajes de Disney con Star Wars y Marvel (su sello también está en la portada)? Sin duda tenía que descubrirlo...

Al final el guiño se queda tan solo en eso: "Los Conocedores", unos alienígenas que se dedican a recolectar todo lo que pueda tener algún valor en este mundo, van a por la fortuna de Gilito. Lo secuestran y se infiltran en su mente, con la idea de que les revele donde tiene todo su dinero, lo cual lleva a que se encuentre, entre sus recuerdos, con otras versiones de sí mismo y su larga historia: cuando fue limpiabotas, vaquero, capitán, etc. 

Esta nueva miniserie de Jason Aaron (que ya tocó antes a este personaje y su mundo) es un simpático entretenimiento, que combina con acierto la unión de varias versiones temporales de Gilito con lo que acontece fuera de su mente, donde tanto Donald como sus sobrinos están intentando hacer frente a los alienígenas. Con un acertado uso de la ciencia-ficción, su (relativo) hándicap estaría en un apartado gráfico donde hay tantos artistas que aunque el resultado sea acertado, no priva  para que haya cierta pérdida de coherencia visual. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

EL DESTINO DE TÍO GILITO

Más de este personaje, en esta ocasión con una aventura que aunque sea moderna (según pone en sus créditos vio la luz en origen entre 2022 y 2023), vendría a ser secuela de Tío Gilito y las lentejas de Babilonia, mítica historia de 1960 con Romano Scarpa, legendario autor italiano, haciéndose cargo tanto del guion como del apartado gráfico. El resultado de esta obra es un cómic realmente destacable.

Los Golfos Apandadores traman un fraude relacionado con las lentejas de Babilonia mediante el cual logran dejar en la quiebra al tío Gilito, quedándose con toda su inmensa fortuna. Al ser, en principio, todo legal no hay lugar a quejas, por lo que lo único que le faltaba a Gilito es que en su desesperación se le apareciese el fantasma de su destino. Dicho espectro le reta a recuperar toda su fortuna en un mes, o se quedará con sus recuerdos.

A partir de dicha premisa, en esta historia con guion y dibujos de Fabio Celoni (demostrando una notable cualificación en ambos conceptos) se desarrolla una aventura que llevará a Gilito y sus sobrinos a diferentes destinos. Estamos ante una obra que resulta todo un evidente homenaje al clásico Carl Barks, mítico historietista del Pato Donald, en la que se aúna con acierto diversión y emoción. Sus casi 200 páginas son una notable conjunción entre las virtudes del pasado y lo que demanda el lector actual, ofreciendo una gozada apta para todo tipo de público.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

DAREDEVIL: EL REINADO DEL DIABLO

Teniendo aún reciente el final de la segunda temporada de la serie Daredevil Born Again, que se centraba en el final de la etapa de Wilson Fisk como Alcalde de Nueva York, he tenido la suerte de poder pillar de la biblioteca este tomo, que continúa al previo que me leí hace ya poco más de un año. ¿Qué puedo decir de este Daredevil: El reinado del diablo? Pues que es el mejor colofón a esta brillante andadura del Diablo Guardián.

Marcando el climax de esta etapa con Chip Zdarsky al guion y Marco Checchetto, lo que se nos ofrece es una aventura con ecos de la popular Civil War, en la que las injustas leyes del alcalde Fisk llevan a que los superhéroes más urbanos de Marvel unan fuerzas para expulsarlo de su actual cargo. Daredevil, Spider-Man, Luke Cage, Jessica Jones o Elektra entre otros se juntarán para evitar que Kingpin domine la voluntad de toda la ciudad.

Si se ha seguido toda esta etapa, aunque sea a grandes saltos temporales como me ha pasado a mí al leerla de esta forma, es increíble ver como se recogen todos los cabos sueltos dejados a lo largo del pasado para ofrecer una aventura que es lo que tendría que ser lo habitual en los cómics de superhéroes: una acertada mezcla de suspense y acción, todo ello con un destacable uso de unos personajes muy bien caracterizados. A destacar, aunque todo es destacable, cómo Kingpin lucha por intentar recuperar el recuerdo de quien era Daredevil. 

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro. 

Y MÁS RESEÑAS

• Titanes del bochorno tomo 1: política española.
• Ultimate Endgame 2. 
• El Castigador: Red Band 5. 
• El Jueves Luxury Gold Collection: Makinavaja Golden Years. 
• Monstruos en el archivo: Mi año de terror con Stephen King.

UNA PELÍCULA DE TERROR de Paul Tremblay (reseña sin spoilers)

Una película de terror es una novela, pero bien puede acabar siendo real tarde o temprano (o no), ya que en este caso es un relato metacinematográfico. Su autor es Paul Tremblay, de quien justo me enteré de su existencia gracias a la adaptación que hizo M.Night Shylaman en 2023 de su novela La cabaña del fin del mundo con el título de Llaman a la puerta. Me gustó lo suficiente para que por la biblioteca fuera dando cuenta de toda las novelas de dicho autor.  

Tras Una cabeza llena de fantasmas, la antes mencionada La cabaña del fin del mundo, El club de los portaféretros, Desaparición en la roca del diablo y La canción del superviviente, ahora le ha llegado el turno a esta Una película de terror, editada aquí en España el pasado mes de septiembre de 2025. En este caso se trata de una historia que explora el terror psicológico y la más bien difusa frontera entre realidad y ficción con un resultado ambiguo que puede gustar (o no) según las expectativas del lector.  

La traducción del título es fiel (el original es Horror movie), por lo que los más o menos aficionados al cine pueden recordar esa larga serie de películas paródicas que tenían una formula similar (Scary Movie, Epic Movie, Disaster Movie, etc.). Por suerte es una mera casualidad porque este caso no tiene nada que ver con aquellos films (poco a poco peores). 

La sinopsis puede hacer recordar otro título mítico de la década de los noventa como fue El proyecto de la bruja de Blair de 1999, que en su momento jugó mucho con la ambigüedad de hasta que punto era real o no, aunque lo de esta novela se ambienta seis años antes: en 1993. En dicha fecha un grupo de jóvenes ruedan una película de bajo presupuesto titulada Una película de terror, pero debido a extraños sucesos y una tragedia, dicho film no llega a estrenarse nunca. 

De todas maneras tres escenas si consiguen ver la luz, por lo que dicho título alcanza categoría de culto y multitud de fans. Hollywood ve la perfecta oportunidad para realizar un remake (¿o sería más bien un reboot, teniendo en cuenta que el original nunca se estrenó?). Uno de los actores de la película original, al que acuden para la nueva versión, y que encarnó al personaje del Chico Flaco, es quien nos narra esta historia en dos líneas temporales: pasado y presente. 

Aún así, entre uno y otro se va intercalando el guion original de la película, en el que hay detalles como bullying, horror corporal y slasher entre otras características. Sería esa mezcla narrativa (lo que relata el que fue el Chico Flaco y el guion original) lo que atrapa el interés del lector, manteniendo una intriga que quizás queda algo insípida cuando las esperadas explicaciones son más bien suposiciones, dejando el final a criterio del lector. 

La condición de “película maldita” que tiene el film original en esta novela me llevó a recordar, ya en su tramo final, a la película El cuervo, donde perdió la vida Brandon Lee debido a una escena mal planificada. Si tenemos en cuenta que esa película póstuma para el hijo de Bruce Lee y la ficticia que nos narran aquí se rodaron en 1993, ignoro si hay algún tipo de homenaje implícito o apenas es una mera casualidad temporal lo del el año escogido. 

Pese a ser un relato metacinematográfico acertado, que al final no se den certezas sobre si esa transformación fue real o no, así como el origen del elemento que la provoca, lleva a una conclusión un tanto ambigua. En la misma es posible que haya sido real, pero también que quizás estamos ante algo así como los delirios de uno de esos actores de antaño (Johnny Weissmüller con Tarzán, Bela Lugosi con Drácula) que tanto se metían en su papel que al final se lo creían.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

LA AHORCADA, mucho mejor novela que su adaptación en película

Cuando hice la crítica de la película La ahorcada hace unas semanas cité en la misma que muy probablemente la novela dejara quizás las cosas más claras de lo que lo hacía el film, el cual sería uno de esos a los que más que parecer que le sobra metraje, en este caso le faltaba. Ahora he podido leer la novela homónima en la que se basa, de la autora Mayte Navales, y me reafirmo en lo que cité en su día, como ahora voy a desglosar en esta reseña sin spoilers. 

El libro es una novela muy ágil de leer pese a que ronde casi las 300 páginas, porque los capítulos son en su mayoría muy breves (basta con decir que tiene 83 con lo cual usted mismo, apreciado/a lector/a, puede dar fé de ello sólo con los números citados y echando cuentas sencillas). Está dividida en cuatro partes que llevan por título La mujer del árbol (capítulos 1 a 59), Rosa Martín (capítulos 60 a 66), Patti (capítulos 67 a 79) y Mírame (capítulos 80 al 83).

Quienes han visto la película enseguida se darán cuenta de que la acción principal corresponde a la primera parte del libro, la citada La mujer del árbol, que abarca hasta que el personaje de Rosa Martín, la susodicha ahorcada, toma relevancia en la historia como si la misma, de repente, se nos enfocara desde otro punto de vista. Esa, por así decirlo, segunda parte de la película coincide con la misma de la novela, con el nombre de su protagonista femenina.

Y entonces, aparte del material previo que da contexto al relato y define mejor a los personajes, llegas a la lectura de las dos últimas partes de esta novela (capítulos 67 al 83), y te das cuenta que es justo ahí donde están las carencias que le encontré a la película, que podía haber sido mucho mejor si hubiera plasmado esos hechos en imágenes, aunque fuera con flashbacks o algo así, ya que hay un salto temporal de 15 años muy importante, mal resuelto en el film.

La historia se centra en la venganza de ultratumba que planea y lleva a cabo Rosa Martín, una cantautora con más bien poco éxito, sobre Fran, un productor musical que le prometió lo que quiso a cambio tan solo de tener sexo con ella. En imágenes el citado Fran (Eduardo Noriega) me dejó una sensación decepcionante, quizás por una sosa interpretación, pero ahí tengo que admitir que el personaje en el libro es igual de pusilánime, por lo que el resultado es adecuado.

En la finca de Fran, donde acontece la mayoría de la historia, el árbol en el que se cuelga Rosa Martín es una sabina a la que se le intuyen propiedades mágicas, siendo por eso que el espíritu de la difunta queda anclado a la misma. Justo por eso pide permiso a la pequeña Patti para poder entrar en la casa y seguir con su plan, en un guiño a una costumbre de los vampiros usual casi desde siempre, que queda más clara en las páginas de la novela que en la película.

De las hijas de Fran, se supone que Patti tiene percepción extrasensorial, la misma que citan que también tiene la difunta Rosa (de ahí que pueda llevar a cabo su venganza de ultratumba). Esa capacidad queda mejor desarrollada en la novela, dándole un contexto de pasado y futuro que la hace más coherente. También queda clara la animadversión que siente la ahorcada por el perro, que no usa a su favor como si hace con el ruiseñor al que Patti llama Óscar.

Cuando cité en mi crítica de la película que no me gustaba el final que le daban a la protagonista, una vez leída la novela he de admitir que no solo me reafirmo, sino que en el libro hay una confrontación entre ella y una Patti más mayor (y que se ha ido preparando para ello, estando mejor desarrollado ese hiato temporal en el libro que en la película) que deja con un estupendo final que me llevó a recordar, al menos a mi, a la protagonista maldita de The Ring.

También cabe indicar que el hecho de que la ahorcada tenga un nombre artístico idéntico es una licencia que se toma la película para quizás dejar (mal) aclarado que eso es una realidad alternativa, no teniendo necesidad de ello en la novela. Es por todo ello que La ahorcada es mucho mejor novela que película, porque en la primera se desarrollan unos hechos que ofrecen un mejor contexto al conjunto, mientras que el film todo queda mal resumido y pobremente explicado.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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LAS OVEJAS DETECTIVES, blanco misterio ovino (crítica sin spoilers)

Admito que la primera sensación ante algo como esta película, que lleva por título Las ovejas detectives, puede ser incertidumbre por si merece la pena (o no) algo con semejante nombre. En mi caso también tenía mis reservas, lo admito, pero fue ver el tráiler y darme cuenta de que merecía que le diera una oportunidad. Además también me sirvió para percatarme de que ya había visto la novela en la que se basa este film por la biblioteca, pero la había descartado por disparatada.

 

Soy el primero en disfrutar en mayor o menor medida con los relatos de misterio, en los cuales hay un protagonista que suele escarbar las pistas para lograr desentrañar lo que ha sucedido. Como un ejemplo clásico siempre se cita al mítico Sherlock Holmes, aunque han sido muchos (y variopintos) los detectives e investigadores que se han visto inmersos en todo tipo de intrigas. Pero es que esta historia ¡propone a ovejas en tales funciones!, lo cual admito que de entrada choca bastante.

 

Eso fue lo que me llevó a descartar de forma prematura la novela Las ovejas de Glennkill de Leonie Swann, una obra editada hace casi dos décadas en el mercado literario español y que por fin leí hace pocos meses de la biblioteca. Con lo visto en los anticipos, en mi reseña ya dejé claro que lo que pensaba que podía ser algo descabellado quizás si funcionase. El éxito de la novela llevó a que incluso tuviera una secuela literaria (¡Que viene el lobo!), que leí poco después.

 

Con la experiencia reciente que hay en los whodunits tras la trilogía (de momento) de Puñales por la espalda, más lo visto por anticipado que puede recordar a Babe, el cerdito valiente y tantos otros films con animales parlantes que surgieron a raíz de su éxito (se llevó el Oscar a los mejores efectos visuales de aquel año) me llevaron a pensar que con lo que se ha evolucionado en ese campo, no habría problemas a la hora de recrear bien esta premisa.

 

Y es que Las ovejas detectives, adaptación de la obra antes citada, nos cuenta como un pastor (Hugh Jackman) les lee a su rebaño de ovejas todos los días, pensando que le entienden. Pero un día dicho pastor aparece muerto, y será su rebaño quienes intentarán resolver el misterio de quien ha sido el culpable de ese asesinato (según deducen ellas), con toda la experiencia que creen haber logrado por todo lo que les leyó mientras aún vivía. 

 

No seré yo quien niegue que si superas el desconcierto inicial ante las ovejas parlantes (lo que se puede hacer ya vistos los avances previos), la película es tan entretenida como encantadora, ya que las protagonistas principales son el rebaño, siendo los humanos unos personajes esbozados con los estereotipos de rigor para que puedan ser considerados sospechosos en un mayor o menor grado (aunque hay giro final sorprendente cuando se desvela la verdad).

 

Y es que esta película se toma licencias respecto a la novela, que acercan el resultado final a una mezcla entre los dos títulos que he citado antes: Babe, el cerdito valiente y Puñales por la espalda. Mientras que en el libro se decantaban por un giro trágico con toques dramáticos, aquí se sigue el esquema básico del whodunit, con demostración final por parte de Tim Derry (el policía local) de quién sería el responsable y lo que le llevó a hacerlo. 

 

El citado agente de la ley (a cargo de Nicholas Braun) de tan prudente que quiere ser casi parece tonto, pero siguiendo las pistas que le "insinúan" las ovejas (que se comunican entre ellas, pero no con los humanos) conseguirá revelar la verdad. Por su parte el rebaño aprenderá a salir de su "zona de confort" (el prado) y lidiar con sus emociones en vez de olvidar para no sentir (esto último una vez visto el film se entiende a lo que me refiero).

 

En resumen Las ovejas detectives sería un acertado entretenimiento con un guion blanco y apto para todos los públicos, que se resuelve al estilo de los cozy mistery (tipo Se ha escrito un crimen y similares), planteando una divertida y emotiva historia rural. Quizás, al igual que le pasaba a la novela, le sobra metraje (la hubiera dejado entre 90 y 100 minutos; dura 109), pero eso no le impide ser una reconfortante película feel-good en toda regla.

 

Curiosidad: en estos tiempos de escenas poscréditos a la que nos ha acostumbrado Marvel (y otros), en este caso es una de las ovejas quien tiene una frase al final de los mismos, que tampoco aporta nada trascendental pero sirve simplemente para esbozar una sonrisa de complicidad tras lo visto en el film. Y ojo al inicio de la película y el león clásico de la Metro Goldwyn-Mayer... 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de mayo de 2026 
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LOS ARCHIVOS DE CTHULHU 1: SHERLOCK HOLMES Y LAS SOMBRAS DE SHADWELL / MISS MERKEL: ASESINATO EN TERAPIA DE GRUPO

LOS ARCHIVOS DE CTHULHU 1: SHERLOCK HOLMES Y LAS SOMBRAS DE SHADWELL

Este Los archivos de Cthulhu 1: Sherlock Holmes y las sombras de Shadwell es un pastiche que me ha asombrado bastante, y me atrevería a recomendarlo a todo seguidor del popular detective. Pero es que aunque el hecho de que sea Holmes no me garantiza que el resultado final me llegue a gustar (algo lógico con todo el material que existe del personaje, en el que no todo sería bueno ya que hay para todos los gustos), el mayor mérito radica en que lo mezcle con el universo de H.P.Lovecraft con un resultado óptimo, cuando no ha sido (como mínimo hasta el momento) algo de mi predilección lectora (admito que lo poco que he leído del autor de Providence no ha acabado de calar en mí).

Este primer volumen sería el inicio de una trilogía que se completa con Sherlock Holmes y las monstruosidades de Miskatonic y Sherlock Holmes y los demonios marinos de Sussex, habiendo una diferencia temporal de 15 años entre uno y otro (o sea, este primero se sitúa en 1880, el segundo en 1895 y el tercero en 1910). Y mi satisfacción de esta primera entrega es buena pese a las licencias que se toma sobre la obra original de Conan Doyle, ya que aquí leemos que mucho de lo narró el Canon es poco menos de invenciones, para ocultar a la humanidad los horrores cósmicos que se citan aquí.

Quien afirma eso es un avejentado Watson, que pone por fin por escrito todo lo acontecido, por lo que eso plantea un relativo hándicap (vendría a ser el único) cuando los personajes implicados (no sólo Holmes y Watson) están en inminente peligro, ya que el lector sabe que de una forma u otra saldrán indemnes. Aún así James Lovegrove, el autor británico responsable de esta saga, consigue insuflarle al relato de un ritmo tan vibrante y una narrativa tan acertada que hace que sea uno magnánimo con el hecho de que se varíen ciertos hechos trascendentales en la historia del detective de Baker Street según la sabíamos hasta el momento.

Aunque luego futuras entregas trastoquen algún dato más, en lo referente a este primer libro de Los archivos de Cthulhu se supone que varían los hechos narrados en Estudio en escarlata (ya que Holmes y Watson se conocen antes según esta obra), aunque el nexo de unión sigue siendo Stamford, si bien aquí se ve inmerso a su pesar en esta aventura debido a la condición de sus aficiones. Asimismo también se ve afectado El intérprete griego, ya que Watson conoce a Mycroft de una forma diferente, tal y como se narra en estas páginas. 

Tampoco serían fidedignas ni El problema final ni La casa vacía, ya que también Watson conoce a Moriarty antes de dichos hechos según la presente obra, aunque el escenario de las cataratas de Reichenbach de la primera de las historias citadas tiene en esta primera entrega su equivalente... y hasta aquí puedo citar para no desvelar spoilers.

Deseoso de leer lo antes posible las próximas entregas (la trilogía original vio la luz en origen entre 2016 y 2018 aunque en España ha tardado en llegar, ya que este primer libro se editó el pasado 2025), años después James Lovegrove la amplió con una cuarta entrega que se editó en origen en 2024 (Sherlock Holmes y los horrores de Highgate), la cual sólo queda esperar que en algún futuro indeterminado veamos por aquí traducida al idioma de Cervantes. 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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MISS MERKEL: ASESINATO EN TERAPIA DE GRUPO

El escritor  alemán David Safier ha encontrado un filón en su serie de libros dedicados a la excanciller Angela Merkel, a la que imagina cual si fuera una especie de Miss Marple (personaje creado por Agatha Christie) que se dedica a resolver misterios para entretenerse en su jubilación. La primera aventura se narró en Miss Merkel: El caso de la canciller jubilada que me leí en 2022, a la que siguió (pocos meses después) Miss Merkel: El caso del jardinero enterrado.

Tras un periodo de tiempo en que Safier se dedicó a escribir otra novela, alejada de esta particular saga creada por él, hace poco tiempo pude leer la tercera aventura de esta curiosa investigadora, que llevaba por título Miss Merkel: Asesinato en alta mar. Pero lo que no me imaginaba es que pocos meses después le tocaría el turno a esta Miss Merkel: Asesinato en terapia de grupo, que marca ya el cuarto misterio con el que tendrá que lidiar su perspicaz protagonista. 

Aquí todo comienza con Angela arrastrando un estado depresivo, ya que tras escribir su autobiografía se ha dado cuenta de que había dejado problemas por resolver. Eso la lleva a estar de un carácter tan irritable que sus allegados le recomiendan que vaya a terapia de grupo. Pero tras una primera sesión, en la que conoce a algunos pacientes, su terapeuta el doctor Fenstermacher muere al explotar su casa flotante. 

A partir de ahí comienza una ingeniosa y entretenida trama, con un tono similar a las entregas precedentes de esta particular saga con la excanciller alemana, en la que los varios pacientes a los que atendía el difunto parecen tener motivos para acabar con él. Pero resulta que tal y como se había planteado todo desde su origen tenía una posible explicación que llegados a cierto punto se cumple (como yo ya intuía), si bien son luego no una sino dos las muertes que habrá que aclarar, lo que se logra con un giro final adecuado y consecuente. 

Más allá de la trama detectivesca, si por una cosa se ha caracterizado esta serie es por su acertado uso de los personajes secundarios. Eso vuelve a ocurrir aquí, no solo con Achim (el cariñoso nombre de Joaquim Sauer, esposo en la vida real de Angela Merkel, y aquí retratado como un hombre honesto y fiel) sino que sobretodo con Mike, el sufrido guardaespaldas de la excanciller, que aquí vivirá una nueva aventura junto a su jefa mientras se prepara para su boda e intenta reconciliar a sus padres (algo de lo que también se intuye como acabará), que asistirán a la misma.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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TURNO DE NOCHE, un disparatado apocalipsis (crítica sin spoilers)

En ocasiones te cruzas con películas como esta Turno de noche (en el mercado latino Alerta: Extinción mientras que su título original sería Cold Storage, homónimo al de la novela de David Koepp que adapta, la cual aquí en España se conoce como Bajo cero). De hecho ese sería uno de sus incentivos, ya que el citado Koepp es un guionista entre cuyos créditos estarían varios films de sagas como la de Indiana Jones, la jurásica o el Spider-Man de Sam Raimi.

 

El nombre de Koepp, que aquí se encarga de adaptar su propia novela, no sería el único conocido. Para los más veteranos tenemos ahí a un incombustible Liam Neeson, que parece haberle cogido el gusto a eso de apuntarse a películas de todo tipo y condición. Como curiosidad en este film también aparece la actriz Vanessa Redgrave, suegra en la vida real de Liam Neeson mientras estuvo casado con su hija (Miranda Richardson) hasta el accidente de 2009 en el que ella falleció.

 

De todas formas los protagonistas serían los personajes a cargo de Joe Keery y Georgina Campbell. En el caso de él la mayoría lo conoce por su participación en la exitosa serie de Netflix Stranger Things, y en el caso de ella se la recuerda en especial por las penalidades por las que pasaba su personaje en Barbarian, la película de Zach Cregger como director previa a su reciente Weapons. Pese a todo este film ha pasado bastante desapercibido, ¿merece la pena? Depende.

 

Su premisa en principio es prometedora, ya que mezcla cine de zombis (aunque aquí serían más bien infectados al estilo de The Last of Us, en este caso por un hongo alienígena), género de catástrofes (siempre con el peligro de que esta amenaza se expanda a nivel global) y conspiraciones gubernamentales, con un tono de película de serie B de antaño digna de algo como el Grindhouse de Tarantino y Rodriguez en 2007 con Death Proof y Planet Terror respectivamente.

 

Esta película comienza con un prólogo en el vemos como la reentrada en la atmósfera de una misión de la NASA hace que llegue a nuestro planeta un peligroso hongo mutado en el espacio, tan letal que los agentes encargados tienen que arrasar donde ha caído y contenerlo en un lugar seguro para que no sea un peligro. Pero el tiempo pasa y lo que en origen fue un almacén de alta seguridad, al ser vendido por el gobierno, acaba siendo unos trasteros para alquilar.

 

Lo que pensaban que había quedado enterrado y olvidado despierta, debido al cambio de las condiciones climáticas en las que está aislado, y el peligroso hongo empieza a expandirse y mutar, como pronto descubrirán los responsables del turno de noche del lugar (a cargo de Joe Keery y Georgina Campbell), él un exconvicto al que le cuesta quedarse callado y ella una joven madre que necesita trabajar, a los que les espera una noche movidita.

 

El hecho de tomarse a cachondeo un apocalipsis zombi, y como lo viven dos personas normales, me llevó a recordar la cinta Zombies Party (o Shaun of the Dead en su título original), pero aunque en este caso funciona de una forma adecuada la pareja protagonista, no creo que lleguen al nivel que marcaron Simon Pegg y Nick Frost en el citado film de Edgar Wright  de 2004. Digamos que aquí buscan la comedia pero el resultado acaba siendo más bien tan solo simpático.

 

Lo que acierta muy bien esta película es en dar la idea de que todo puede descontrolarse en cualquier momento, ya que cuando el virus empieza a hacer de las suyas (afectando tanto a animales como personas) hay un desmadre gore funcional, pero no creo que tampoco sea excesivo, aunque puede soliviantar a espectadores no acostumbrados a este tipo de cosas (ya se sabe que en este tipo de relatos algo desagradable siempre suele haber).

 

En resumidas cuentas digamos que esta Turno de noche parece más bien una comedia de terror, pero de lo primero digamos que provoca más sonrisas que risas, mientras que lo segundo queda solapado justo por lo anterior. Funciona como un mero entretenimiento, sin tampoco aspirar a más. Quizás podría haber sido más perturbadora, pero entonces su tono hubiera sido otro. Como mínimo no se le puede negar ser sincera: un divertimento ligero y sin pretensiones.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril de 2026 
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LA MOMIA DE LEE CRONIN, interesante mezcla de conceptos genéricos en una disfrutable película de terror (crítica sin spoilers)

¿Es un poco presuntuoso que La momia de Lee Cronin tenga ese título, marcando el nombre de su guionista y director como si fuera alguien de renombre? Aunque no se trata ni mucho menos de su primer trabajo, hasta ahora la obra de más repercusión de su responsable había sido Posesión infernal: El despertar, la destacable secuela de la saga iniciada por Sam Raimi y que se hizo popular por su actor fetiche: Bruce Campbell.

 

De todas maneras me imagino que el título quiere diferenciarla bien de las otras momias más o menos recientes. Por un lado el film de 1999 con Brendan Fraser y Rachel Weisz (que dio lugar a dos secuelas en 2001 y 2008, con una más en proyecto). Por lo menos su primera entrega, se "vendió" como un remake del film clásico de 1932, pero resultó ser más bien un sucedáneo de aventuras al estilo de Indiana Jones.

 

La otra momia de mayor repercusión en los últimos años fue la de 2017. Se pretendía que fuera el inicio del Dark Universe, un intento por parte de la Universal para lograr tener un universo compartido por sus monstruos clásicos, al igual que el de los superhéroes de Marvel. Ese film fracasó entre crítica y público, pero la productora lo ha vuelto a probar de forma más modesta y desigual suerte con El hombre invisible y Hombre lobo.

 

Aún así, y sin relación con lo citado ya que la productora de esta película es Warner y no Universal, se presenta esta nueva versión de la momia... por así decirlo. Y es que el presente film tiene más parecidos con El exorcista que con el más tópico estereotipo que uno imaginaría sobre momias (es decir, muertos revividos envueltos en vendas). En ese sentido su título en el mercado latino (La posesión de la momia) puede ser mejor indicativo de lo que uno se puede encontrar aquí.

 

Sorprende de entrada una duración un poco superior a las dos horas (el cine de terror suele funcionar mejor cuando es más breve), pero tengo que admitir que la disfruté en todo momento. La mano de James Wan (responsable de todo lo que se ha generado de Expediente Warren) y Jason Blum (también famoso por las varias franquicias de terror de las que ha sido productor) se nota en el mejor sentido, bajo sus sellos Atomic Monster y Blumhouse Productions.

 

El film comienza con un prólogo en el que una familia egipcia comprueban "algo" que tienen escondido en el sótano, pero la comprobación sale mal. Después nos trasladan a El Cairo, en donde están el periodista americano Charlie Cannon (Jack Reynor) y su mujer Larissa  (Laia Costa) que es enfermera. Allí viven junto a sus hijos Katie y Sebastian, sin imaginarse que la niña está siendo engatusada por una desconocida, ya que ha sido marcada como objetivo.

 

En un momento inesperado Katie desaparece, sin dejar ninguna pista más allá de que la responsable ha sido una mujer que se esfuma sin dejar rastro. Pasan ocho años y la familia Cannon intenta sobreponerse de la pérdida en Alburquerque, donde viven con su nueva hija Maud (Larissa estaba embarazada cuando Katie desaparece), y un ya preadolescente Sebastian, aún con el trauma por la desaparición de su otra hermana.

 

Pero cuando se habían perdido todas las esperanzas, reciben una sorprendente llamada desde El Cairo: ha aparecido Katie viva dentro un sarcófago y envuelta como una momia. Lógicamente su situación no es buena, ya que se encuentra en un estado catatónico (la actriz Natalie Grace hace un papel digno de la Linda Blair de El exorcista), pero su familia decide llevarla con ellos, con la expectativa de que un ambiente familiar la podrá curar.

 

Más pronto que tarde se darán cuenta de que algo pasa... y no precisamente bueno. Empezarán a sucederse todo tipo de situaciones perturbadoras, violentas y retorcidas (para disfrute de los amantes del gore más grotesco, con ecos de la saga Posesión infernal), que afectarán a todos los miembros de la familia Cannon, incluida la religiosa abuela Carmen, la madre de Larissa, encarnada por la actriz mexicana Verónica Falcón.

 

En resumidas cuentas esta película funciona bien porque lejos de conformarse con el estereotipo de la momia (algo así como un zombi con vendas), o enfocarlo desde un punto de vista parecido al de los films con Brendan Fraser (más aventura que terror), se decanta por la sugestiva idea de poner una entidad demoníaca que bien podría ser deudora de un film de horror católico, pero situando su origen en el Antiguo Egipto. 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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LA AHORCADA, amor obsesivo desde el más allá (crítica sin spoilers)

La película La ahorcada sería la adaptación de la novela del mismo título, escrita por la autora Mayte Navales. Pero en sí en su momento lo que me llamó la atención fue su póster, realmente impactante con la imagen del difunto personaje a cargo de Amaia Salamanca en una bolsa de cadáveres, el cual me hizo recordar a uno de los que tuvo la primera entrega de Smile. Aparte de la mencionada "similitud" no guardan ningún otro punto de conexión.

 

Y es que esta película trataría, más allá de su temática fantasmal, sobre el amor tóxico. En este caso sería el de Rosa Martín (Amaia Salamanca) cuando se da cuenta que Fran (Eduardo Noriega) quiere cortar la relación que mantiene con ella. Como no lo acepta, no se le ocurre otra cosa que ahorcarse en el árbol de la casa donde él mismo, seductor empedernido, lleva a sus conquistas cuando no le toca la custodia compartida de sus dos hijas.

 

Lo que vendría a ser un acto de venganza póstumo por parte de Rosa resulta no tener límites, ya que queda anclada al árbol en el que se mató, con lo cual su espíritu vaga por esa casa. Lógicamente eso le servirá para maquinar su revancha por ser la amante despechada, en una historia en la que se mezcla realidad y fantasía onírica. Tiene el referente de El ruiseñor y la rosa de Oscar Wilde, muy evidente ya que una hija de Fran le pone ese nombre (Oscar) a su ruiseñor.

 

Tengo que reconocer que de los dos nombres más populares de su elenco, Amaia Salamanca convence más que un Eduardo Noriega que no deja de representar a un personaje que bien podría hermanarse con otros previos suyos, como los de Tesis o Abre los ojos. Ella, en cambio, se nota que disfruta en su papel de villana, con lo cual sabe mal el destino que le dan, que me parece injusto justo por su fuerza interpretativa.

 

Como el terror es un género del que se ha abusado hasta límites exorbitantes, esta película no puede evitar el circular por "terrenos comunes" a dicha temática: la casa con fantasma, la médium que intentará poner fin a la situación, la niña que percibe cosas, la venganza de ultratumba, etc. Son todos ellos detalles que uno va identificando paulatinamente, y pese a que algunos están mejor utilizados que otros, la sensación que deja es que no hay nada nuevo aquí.

 

Otro detalle un tanto discutible es que Rosa, el personaje de Amaia Salamanca, se supone que es una cantautora conocida con el nombre artístico de... ¡La Ahorcada!. La verdad es que no sé como se reflejará en la novela, pero en la película es un detalle que parece un tanto rebuscado y te hace pensar si te están vacilando. Asimismo en su tramo final se cambia de forma abrupta la percepción del relato, volviendo a colocar todo de manera un tanto discutible.

 

Es posible que en la obra literaria todo esté mejor resuelto, pero da la sensación de que a la hora de apañar el guion se han dejado por el camino multitud de detalles que podrían haber servido para dar contexto a una historia con la que es difícil empatizar. No me extrañaría nada que esta misma historia, adaptada a un formato de serie televisiva o a una película un tanto más extensa hubiera dado un resultado más optimo, desarrollando detalles que daban para más.

 

Quizás se tendría que haber optado por darle este material a un director más cercano a ese tono de novela gótica que tiene el relato, ya que su responsable es Miguel Ángel Lamata, a quien se le recuerda sobre todo por comedias. De todas formas, más allá de su pareja principal, destacaría a la pequeña actriz Cosette Silguero, que encarna a Patti, la hija menor de Fran, saliendo bastante airosa de un personaje que pedía a gritos un mayor desarrollo. 

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril de 2026