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martes, 26 de marzo de 2024

GODZILLA Y KONG: EL NUEVO IMPERIO, crítica sin spoilers

El éxito del Universo Cinematográfico Marvel ha levantado las ansias de muchos por abrir sus propios universos. DC lo probó, dentro del mismo género de los superhéroes, pero al final ha tenido que cerrar el chiringuito, y a partir de 2025 veremos que nos da el nuevo que están preparando. Universal lo probó con su galería de monstruos clásicos, en lo que se iba a llamar Dark Universe, pero ya con la primera (La momia), les salió el tiro por la culata. En el mismo género (el terror) mejor suerte ha corrido lo generado por Expediente Warren (The conjuring), que de momento ha dado para nueve películas, con una décima en proyecto para estrenarse en 2025. 
 
Otro que ha funcionado bien ha sido el Monsterverse, del que esta película sería su quinta entrega, tras la Godzilla de 2014, Kong: La isla Calavera, Godzilla: Rey de los monstruos y Godzilla vs.Kong, a lo que añadir un par de series televisivas (La isla Calavera de animación y Monarch: el legado de los monstruos de acción real) De las películas digamos que me gustan más las de Kong que las de Godzilla, mientras que las series se me hizo correcta la de animación y entretenida la de Monarch, pese a que tenía el difícil propósito de hacer a los humanos interesantes, siendo eso lo más simple en historias de este tipo, sacando dicha serie monstruos aunque fueran breves minutos en cada episodio como justificación.

Para esta quinta aventura se nota MUCHO lo que se han gastado en monstruos y los entornos por donde pululan (siendo sin duda lo mejor de esta película), frente a unos humanos en los que no hay ni uno digno de mención, siendo meras figuras esbozadas bajo clichés y tópicos vistos hasta la extenuación (haciéndose especialmente cargante el personaje encarnado por Brian Tyree Henry, que parece el forzado inserto racial de supuesto "alivio cómico") Si en anteriores ocasiones cintas de este estilo hacen evidente que lo que el espectador quiere ver son las criaturas, siendo los humanos una mera presencia residual, eso se hace bien palpable en este film, ya que el nivel baja MUCHO cada vez que la pantalla NO se recrea en las múltiples criaturas que circulan por ella. Porque sí, aparte de los dos bicharracos que encabezan el cartel, hay por la parte de Kong una trama aventurera con primates como él, pero con intenciones más aviesas (cuidadín con el monito que se ha visto en los avances), mientras que Godzilla introduce a más criaturas de su universo.
 
La "trama" (por denominarla de alguna manera) estaría tan hueca como la propia Tierra planteada por los responsables de esta franquicia: un planeta cual si fuera una cáscara de huevo a tenor de lo que tiene dentro, que irá descubriendo a medida que avance la película un Kong que parece embarcarse en una variación simiesca y disparatada del clásico Viaje al centro de la Tierra. Por su parte Godzilla anda suelta por Europa, encontrando un cómodo nido en cierto monumento italiano y dejándose ver, entre otros, por dos localizaciones de la Península Ibérica, hasta que en su último tercio se unirá a un Kong con brazo biomecánico en la lucha contra un antagonista con idéntico nombre al del villano de El rey león. En lo básico este film cumple CON CRECES cada vez que hay bicharracos en pantalla, llegando en algunos momentos a ser incluso abrumador; bajando mucho cuando hay humanos tópicos e incordiosos. Al final esta película sería una reiteración de los defectos y las virtudes del film precedente, sólo que aumentando la espectacularidad.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo de 2024.
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miércoles, 20 de marzo de 2024

CAZAFANTASMAS: IMPERIO HELADO, crítica sin spoilers

En el presente año, la película original cumple 40 años, por lo que resulta curioso que de una franquicia como Cazafantasmas esta sea tan solo su quinta película (con matices) Y es que tras una secuela inicial allá por 1989, que no terminó de funcionar según lo esperado, la hipotética tercera entrega es algo que se rumoreó durante años, hasta que al final optaron por el remake de 2016, que levantó desprecio (creo que injusto) por parte de la mayor parte del público. 
 
Por eso fue mejor recibida la película de 2021, que si se podía considerar secuela directa, al estar ambientada en la misma línea temporal de las dos cintas primeras (el remake de 2016 sería algo así como una realidad alternativa), por lo que como secuela de la misma se estrena ahora Cazafantasmas: Imperio helado, quinta película de la franquicia y cuarta dentro de la continuidad original.

El problema con la de 2021 fue que el tiempo no pasa en balde, y los actores originales ya estaban mayores (Harold Ramis falleció en 2014), por lo que optaron por un nuevo y funcional reparto: Paul Rudd, Finn Wolfhard, Carrie Coon y McKenna Grace, aunque hubo hueco anecdótico para los veteranos Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Annie Potts y Sigourney Weaver (esta última sólo en la escena entre créditos)

Casi todos ellos están de vuelta en esta nueva entrega (la única ausente del todo sería Sigourney Weaver, lo cual es coherente teniendo en cuenta su anecdótica presencia en la película previa), y ahora situados en la ciudad. Eso puede ser un handicap (tener demasiados personajes y tener que darles aunque sea un mínimo de cancha a todos ellos), lo cual se hace evidente en los de McKenna Grace y Finn Wolfhard: mientras que la primera goza de una interesante trama cuando se ve desplazada del grupo debido a su edad; el segundo apenas aporta su mera presencia admitiendo que ya es mayor de edad y en un par de momentos con Slimer, el verdoso fantasma clásico de esta franquicia, que lleva en ella (en mayor o menor medida) desde el film inaugural de 1984. De todas maneras menos suerte tienen los personajes de Lucky y Podcast (ya vistos en la cinta precedente, y de nuevo a cargo de Celeste O'Connor y Logan Kim), cuya presencia se podría tildar de apenas anecdótica (una lástima en el caso de él, ya que demostró desparpajo en la película previa)

En cuanto a los progenitores, los personajes encarnados por Paul Rudd y Carrie Coon intentan mantener cierto orden en su disfuncional modelo de familia, en el cual él tiene que intentar asimilar su rol de padrastro al mismo tiempo que como familia recuperan el negocio familiar de Cazafantasmas. Por su parte los miembros más veteranos de la franquicia tienen una presencia anecdótica (como decía, los años no pasan en balde), si bien Dan Aykroyd tiene una función más activa (atención en la biblioteca al guiño fantasmal del primer film), mientras que Bill Murray (que muchas veces se ha jactado de haber pagado la universidad de sus hijos con lo que ganó con esta franquicia) se le nota algo más forzado, estando correctos tanto Ernie Hudson como Annie Potts. A todos ellos se une el personaje encarnado por Kumail Nanjiani, que será quien introduzca (sin saberlo) a Garraka, el villano ancestral del film, y luego tendrá una relativa importancia contra él, pero cuya función de "alivio cómico" en algunos momentos roza lo excesivo.

Quizás esa pretensión de intentar abarcar demasiado es lo que lleva a la irregularidad del conjunto, si bien se insiste en el elemento nostálgico (sin abusar), en una trama en la que la amenaza como tal no se concreta hasta su último tercio, lo cual puede impacientar a los que busquen cuanto antes lo que los avances previos prometían, aunque en mi caso eso no fue obstáculo para entretenerme en sus 115 minutos de metraje. Esta quinta película de la franquicia corre a cargo de Gil Kenan, con crédito también como coguionista junto a Jason Reitman (como pasó con la entrega previa), sólo que en este caso intercambiando con él la silla de director. Y si Cazafantasmas: Más allá estaba dedicada a Harold Ramis, esta va a la memoria de Ivan Reitman, fallecido el pasado 2022 y que fue el responsable tras las cámaras de las dos primeras películas, siendo su hijo Jason quien tomó el relevo para la entrega de 2021. Esta película tiene una escena entre créditos que resulta meramente anecdótica, relacionada con ciertos personajillos que vuelven a aparecer por aquí.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de marzo de 2024.
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viernes, 8 de marzo de 2024

KUNG FU PANDA 4, innecesaria pero funcional (crítica sin spoilers)

Cuando algo tiene éxito, resulta lógico que pronto genere secuela, la cual correrá la misma suerte (y así sucesivamente) hasta que se agote dicha franquicia, aunque hoy en día tampoco sería sinónimo de descarte porque para eso tenemos reboots y remakes que te vuelven a empezar lo que sea, o que te lo continúan desde el punto que se tercie. Es por eso que aunque una cuarta entrega de una franquicia puede hacer levantar la ceja de la incertidumbre en gran parte de los espectadores (de hecho yo mismo tenía mis dudas), admito que la presente Kung Fu Panda 4 me ha resultado entretenida, aunque en esencia tampoco es que sea (y creo que tampoco lo pretende) tan novedosa como lo fue la primera, en el ya lejano 2008.

Esta franquicia se ha expandido más allá de las películas, ya que existen dos series televisivas derivadas de ella (La leyenda de Po y El caballero del dragón), que un servidor admite no haber visto, por lo que ignoro si hay alguna referencia de ellas en esta cuarta entrega. De hecho la primera de esas dos series es anterior a la tercera película (2011 mientras que la tercera cinta es de 2016), pero no se me hizo necesaria verla para poder disfrutarla, pese a que ya en ella se hacía evidente el progresivo desgaste de la franquicia, también patente aquí.
 
Esta cuarta aventura de Po empieza justificando la ausencia de los Cinco Furiosos (que llevan acompañando al personaje desde el inicio) con el argumento de que están realizando todo tipo de misiones por el mundo, lo cual sirve para dejar "casi" todo el protagonismo al panda, que se verá aquí en la difícil disyuntiva, según le informa su maestro Shifu, de legar su título de Guerrero del Dragón para ascender a líder espiritual del Valle de la Paz. Y lo de "casi" que he puesto entre comillas se debe al estreno en la franquicia de Zhen, una raposa bastante amiga de lo ajeno, que me hizo recordar a Kitsune, un personaje similar originario del cómic Usagi Yojimbo del maestro Stan Sakai, que también muchas veces ha jugueteado con el protagonista de dicho manga (el conejo samurái que le da título) en la fina línea que separa el bien del mal.

No sería el único de los personajes nuevos de esta entrega que se hacen merecedores de interés: por el lado del villano en esta ocasión se echa mano de la Camaleona, una malvada metamorfa que puede adoptar el aspecto de quien sea, pero que ansía conseguir también los poderes de lucha que en su momento le negaron, algo de lo que Po será una pieza fundamental en sus planes cuando se desvele hasta donde han llegado los planes de la antagonista. El problema radica en que siendo un personaje atractivo en su presentación y desarrollo, el final se antoja tópico hasta la extenuación, con el manido recurso de que incluso cuando esté vencida haga un último ataque antes de caer del todo. Además de ella, los otros más llamativos de esta entrega serían un trío de conejitos, tan adorables como aficionados a la violencia más extrema, en los cuales no sé si han querido reflejar de forma irónica la insensibilización de las nuevas generaciones hacia el salvajismo más brutal. Con la excepción de ciertos cameos y/o "alivios cómicos" (los padres de Po), el resto de personajes son intrascendentes.

Si Pixar ya ha echado mano de secuelas para un montón de sus títulos más exitosos (con un resultado dispar, aunque en líneas generales aceptable), esta cuarta entrega que lleva a cabo Dreamworks de una de sus franquicias más exitosas (con la presentación del logo se ven otras como Shrek, Madagascar, Los Croods o Como entrenar a tu dragón) se convierte en una película ideal para llevar a los chavales, manteniendo aún la mínima gracia para que también disfruten los adultos, si bien se hace evidente que por más que defienda su historia que cambiar es bueno, con esta cinta sus responsables juegan sobre seguro con una marca popular y de éxito contrastado (de momento) Sus mayores virtudes estarían en un apartado gráfico brillante, donde sin duda destaca la calidad de la animación y lo bien que luce; frente a los handicaps evidentes de su intrascendencia, su simplicidad y del citado hecho de que sea un intento de jugar sobre seguro arriesgando lo mínimo, dejando su final (al ritmo de un tema de Britney Spears) la puerta abierta a futuras entregas.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de marzo de 2024.
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IMAGINARY, inquietante imaginación infantil (crítica sin spoilers)

El terror es un género fácil de llevar a cabo (los presupuestos de sus propuestas no suelen costar mucho), y por lo tanto sencillo de que se amortice (sin que la película en cuestión arrase cual blockbuster, con una recaudación usual para un producto medio suele cubrir la papeleta e incluso dar para secuela) Eso lo saben muy bien los responsables de Blumhouse, que en los últimos años han plagado la cartelera de todo tipo de propuestas que se catalogarían de terror (otra cosa es que al final luego lo sean), que en algunos casos han pasado sin pena ni gloria, pero que en otros han logrado recaudaciones sorprendentes incluso para sus mismos responsables.

¿Adonde llegará Imaginary, su nueva propuesta? Suele ser difícil de prever algo así, pero en este caso jugaban con su premisa básica de un oso de peluche maligno, lo que lleva al espectador a pensar en Chucky, villano protagonista de la franquicia Muñeco Diabólico, pese a que otros igual se recordarán de la muñeca Annabelle, que ha sido el reclamo de una trilogía (de momento) que surgió como spinoff de la saga Expediente Warren (The conjuring).
 
Una vez vista la película digamos que puede tener más de lo segundo que de lo primero, lo cual beneficia que no sea tan previsible como uno podría pensar, aunque bien es cierto que su bastante sencillo guion cae sin pudor en varios clichés y lugares comunes vistos en el género del "terror" en los últimos años.

Curiosamente el estreno de esta película me ha hecho recordar aquella moda que tuvo Hollywood durante algunos años, estrenando en una misma temporada dos films de temática bastante similar pero de resultados dispares (como Volcano y Un pueblo llamado Dante's Peak en 1997 o Deep Impact y Armageddon en 1998, por citar tan solo dos ejemplos) Eso se debe a que en pocos meses se estrenará la película Amigos imaginarios (If), cuyo título hace evidente las similitudes con el presente film, pero que me imagino orientado a un público más amplio y familiar. No es igual en esta película, ya que aquí Chauncey, el nombre del amigo imaginario personificado en el oso de peluche, está planteado como una entidad que en algún momento logró vida propia, no estando muy conforme con eso de que los niños crezcan y olviden sus juegos de infancia con sus amigos fantásticos (lo que llevará a que se mencione como curiosidad a Bing Bong, personaje del film Del Revés (Inside Out), que allí cumplía una función similar, pero en términos más amables)
 
Con un tono bastante femenino (los personajes principales de esta película son mujeres), la historia comienza con Jessica (encarnada por la actriz DeWanda Wise), una popular dibujante de relatos infantiles, que no se le ocurre otra cosa que mudarse a la casa donde vivió en su infancia, junto con su nueva pareja Max (Tom Payne) y las dos estereotipadas hijas de este, la adolescente Taylor (de 15 años) y Alice (de tan solo 8) Como lo maligno por regla general siempre va a por el eslabón más débil, la más pequeña de las hermanas encontrará en el sótano un osito de peluche que en su día fue de su madrastra, y aunque en inicio los juegos con él serán inocentes, poco a poco irán tomando un cariz más siniestro. A partir de dicha premisa, el director Jeff Wadlow ofrece una película de lo que en si daría para poco más que un episodio de una serie televisiva (algo que se hace muy evidente), que resuelve de manera sencilla y funcional para mantener en la medida de lo posible la atención de los espectadores que se decanten por ella.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de marzo de 2024.
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viernes, 1 de marzo de 2024

DUNE PARTE DOS, continuista portento visual (crítica sin spoilers)

Si después de esta segunda entrega de Dune, su director Denis Villeneuve quisiera completar trilogía, no me extrañaría nada que marcara claramente un antes y un después en la valoración de la ciencia-ficción, al igual que Peter Jackson logró lo mismo con el género fantástico gracias a su trilogía de El señor de los anillos. Cuando hice la crítica de la primera parte, estrenada en 2021, ya aventuraba que dicha película tenía todas las de ganar en cuestión de premios técnicos, ya que su poderío visual era innegable (algo que sigo manteniendo)
 
Ello se confirmó cosechando diez nominaciones a los Oscar de aquel año, logrando alzarse con seis estatuillas en categorías técnicas (se llevó los de mejores efectos visuales, fotografía, banda sonora, sonido, diseño de producción y montaje), con lo que acabó como el título más premiado de aquella temporada, aunque no consiguió el galardón a mejor película, ni logró que ninguno de sus interpretes llegase a estar nominado.

Su ambición hacia que la secuela solo fuese segura si resultaba lo mínimo de rentable posible, y estrenada al año siguiente de la pandemia, muchos temieron que no lograra lo suficiente para ello, si bien al final sumó más de 430 millones de dólares a nivel global, aunque sólo el 25% fue en la taquilla americana, salvándose por el 75% del resto del mundo.
 
Debido al grosor de la novela de Frank Herbert es por lo que se decidió de dividirla en dos películas, con lo cual el film de 2021 se podría considerar como una "presentación", siendo aquí donde tendría que haber más desarrollo, por lo que era eso lo que yo esperaba tras una entrega inicial que no me acabó de cuadrar en cuanto a unos personajes que, supongo que por sintetizar lo mejor posible la densa obra literaria, quedaban apenas perfilados y no me resultaban atrayentes. Eso queda un poco corregido aquí, que parte con la ventaja de que los espectadores ya conocen lo básico de los personajes para a partir de ahí moverlos por la historia, pese a que he leído comentarios que recalcan de forma más evidente una labor de síntesis sobre la obra original que hace que las palabras literarias de Herbert apenas queden esbozadas y desarrolladas en las (por otra parte) FASCINANTES IMÁGENES con las que nos vuelve a deleitar su responsable, un Denis Villeneuve que postula esta secuela a las mismas cuotas de excelencia técnica que su antecesora.

Debo admitir que resulta difícil ponerle pegas al presente film, más allá de que la mitología que desarrolla conecte con los espectadores o no. En mi caso no ha sido así (me sigue faltando empatía hacia los personajes), pero pese a ello admito que esta película resulta visualmente impecable en todos sus detalles, mientras que a nivel de argumento se podría simplificar diciendo que todo gira sobre la venganza de los pocos Atreides supervivientes por lo que les pasó en el título previo (ayudados aquí por los Fremen), mezclando por el camino un mensaje mesiánico en (y de) Paul Atreides, sobre el que gira la mayoría de esta ambiciosa secuela. El reparto cumple, tanto los que repiten como los nuevos fichajes (por cierto, los Harkonnen me recordaron estéticamente mucho a los villanos de la película Dark City), y poco más a añadir ya que quien gozó con la primera, volverá a disfrutar con esta; mientras que los que no conectaron con el film de 2021 debido a su ritmo, frialdad emocional y extensión no creo que cambien mucho de opinión con esta.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de marzo de 2024.
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domingo, 25 de febrero de 2024

ROBOT DREAMS (crítica de la película y reseña de la novela gráfica)

ROBOT DREAMS

Quiero entonar el mea-culpa, ya que cuando se estrenó Robot Dreams el pasado 6 de diciembre del 2023 no me decanté por ella al prejuzgar MAL (pido perdón) que tenía pinta de ser demasiado infantil. Pero posterior a eso he visto como no ha hecho nada más que encadenar menciones y premios por todas partes, incluida la nominación al Oscar a mejor película de animación del año, con lo cual cuando vi en la biblioteca en la sección infantil la reciente novedad de la novela gráfica en la que se basa (de Sara Varon), decidí que era momento de cumplir por partida doble. La cuestión es que si la historia en viñetas ya es muy buena, la adaptación (al poder comparar una con otra) es esencialmente EXCELENTE, siendo de esos rarísimos casos en los que se coge una obra para adaptarla a otro formato y el cambio resulta tan digno como mucho mejor de lo esperado. Mis torpes prejuicios previos podían estar "justificados" por una animación algo naif, pero que resulta todo un acierto para el homenaje hacia el Nueva York anterior al 11S que realiza su director, Pablo Berger.

La grandeza tanto del cómic inicial como de su adaptación está en la humanidad que destila por todos sus poros, más allá de que los personajes sean animales antropomórficos y androides, hasta el punto de que su ausencia de diálogos (las imágenes ya transmiten las emociones) la hace accesible a todo tipo de público, seas de donde seas o como seas. Tratando temas tan actuales como la soledad y los problemas para establecer lazos sociales con cierta entidad, la película se centra en Perro, que ansiando tener un amigo en el Manhattan ochentero en el que vive, decide comprarse un robot con el que establecerá una entrañable amistad. Lamentablemente un inesperado incidente (y el no poder subsanarlo) hará que ambos amigos tomen rumbos diferentes en sus vidas, si bien Robot soñará con volver al lado de Perro. Y si alguien se piensa que habrá un previsible final feliz, ahí sorprende con un giro que me recordó al final de LaLaLand, en el hecho de admitir que la vida puede dar muchas vueltas, pero que siempre quedará el agradable recuerdo de aquello que compartimos.

La novela gráfica de Sara Varon expresa eso mismo pero de una manera más generalista, lo cual no está mal pero permite una menor implicación del lector adulto, que lo puede asumir como una sencilla fábula o algo similar. Pero la traslación que hace Pablo Berger y todos los responsables de esta película es magnífica porque está plagada de guiños muy específicos a una época muy específica (por ejemplo a la serie Alf por citar apenas uno) que emocionan a todos los que vivimos nuestra infancia en la década de los ochenta. A ello hay que sumar otros guiños tan curiosos como simpáticos (Perro está leyendo Cementerio de animales de Stephen King), un auténtico y palpable amor por el cine (ver todo lo referente a la versión clásica de El mago de Oz), así como otros detalles ampliados y mejorados, que si ya son notables en papel (aunque menos concretados y desarrollados), en película resultan unos rotundos aciertos que enseguida encandilan a cualquier espectador, lo cual justifica con creces todas las alabanzas y premios que está cosechando esta OBRA MAESTRA.

  • CALIFICACIÓN (de la película): Excelente (5/5)
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en Imdb (en inglés) y Filmaffinity (en español)
  • CALIFICACIÓN (de la novela gráfica): Buena (4/5)
  • ROBOT DREAMS, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

martes, 13 de febrero de 2024

MADAME WEB, destino final de los ángeles araña (crítica sin spoilers)

¿Está en crisis el mundo de los superhéroes en cine? Tras una época en la que parecían acierto seguro para la taquilla (sobretodo Marvel, los de Warner-DC se apuntaron después, con suerte desigual) el pasado año cosechó los peores resultados en casi todos los films del género que se estrenaron, a lo que se añadió una recepción crítica tirando a negativa (salvo unas contadas excepciones) 
 
Al coincidir también el pasado año la huelga de actores, eso llevó a que Marvel retrasara todos sus estrenos previstos para este año a 2025 y posteriores, siendo Deadpool y Lobezno el único que llegará a los cines este próximo verano, a lo que añadirse un cierto freno por parte de Disney en la producción de material televisivo de dicha franquicia para Disney Plus, su plataforma de streaming (bien por ellos si se decantan por eso de "lo poco gusta, pero lo mucho cansa") Por su parte Warner-DC finiquitó su irregular universo cinematográfico, con lo que hasta 2025 no se verá nada del nuevo dirigido por James Gunn.

¿Y Sony? Bueno, ellos son los que aún tienen los derechos del universo de Spider-Man, y con una intención algo difusa (si es que hay alguna...) han creado una serie de películas relacionadas con personajes de la franquicia arácnida... pero sin su superhéroe titular. En esa "vertiente" de momento ha habido dos films de Veneno (en 2018 y 2021) y uno de Morbius (todos ellos más o menos vapuleados por la crítica, y con unos resultados en taquilla progresivamente menguantes)
 
Este 2024 Sony se envalentona y estrenará hasta TRES películas de este Spiderverso sin superhéroe: la presente Madame Web, la de Kraven the hunter (retrasada casi un año porque tenía que haber llegado el pasado octubre y lo hará a finales del próximo verano, quiero suponer que para mejorar lo que se vio en el tráiler) y una tercera entrega de Veneno. En el colmo de los despropósitos incluso se valoró un film de El Muerto, que ya no se podría calificar de personaje secundario del universo arácnido, sino tan solo una mera presencia testimonial (apenas ha aparecido en un par de cómics) que dista de tener el mérito suficiente para merecerse una película. En el caso de esta Madame Web se la juegan dándole el papel protagonista a una, pese a todo, solvente y bastante adecuada Dakota Johnson, a la que el público mayoritario conoce por la trilogía de 50 sombras de Grey (lo cual para muchos no será muy meritorio que digamos), algo que asombra cuando ese personaje en origen era una anciana con poderes precognitivos.

Madame Web fue uno de los primeros personajes del universo arácnido a los que conocí en las viñetas, ya que con el coleccionable de Planeta que se editó con la primera película de Spider-Man de Sam Raimi, se incluyó en sus primeras entregas el mítico arco argumental ¡Nada puede detener al Juggernaut!, que me sirvió también como primer contacto con ese supervillano, con el que también ha tenido otros encuentros posteriores, todos ellos recopilados en un tomo que me leí de la biblioteca. Con los muchos giros que se acumulan en la franquicia arácnida, el personaje original creado por Denny O'Neil y John Romita Jr. murió, pasando sus poderes a Julia Carpenter, en origen la segunda Spiderwoman, y que estuvo en Spider-Man: Cruzando el multiverso, siendo dicho personaje interpretado aquí por la actriz Sidney Sweeney, aunque ojo porque su apellido varia respecto al original (no es Carpenter sino Cornwall) Junto a ella también aparecen otros personajes que fueron arácnidos en algún momento, tales como Anya Corazon y Mattie Franklin.

Los avances previos daban a entender que en esta película aparecerían algunas de las diferentes encarnaciones de las superheroinas arácnidas a la que han dado vida los citados personajes (Julia Cornway, Anya Corazon y Mattie Franklin), pero digamos que esto sería tan solo la película de orígenes... más o menos. En si me recordó más en muchos momentos a Destino final y slashers más o menos parecidos, con la salvedad de que aquí los citados personajes huyen de un Ezequiel Sims que, como villano principal, es malo y tampoco necesita mucho más. Con la escueta justificación para sus maldades contra las citadas féminas de algo así como una premonición, se antojan más viables las visiones de la protagonista, que la acercan más a la citada franquicia de Destino final. Las capacidades precognitivas de Cassandra Webb se justifican con un suceso traumático y un origen que mezcla elementos del origen de otra arácnida aquí ausente (Jessica Drew) sólo que cambiando la localización a Perú y añadiendo a unos aborígenes adoradores de las arañas.
 
Madame Web es consciente de su condición de película secundaria en esta moda de superhéroes, ya que prevalece más lo citado antes que lo que en si uno esperaría en un film de este estilo, dando la sensación de llegar varias décadas tarde, porque no hubiera desentonado para nada a principios de los 2000 (que es cuando está situada) De hecho todo se sitúa en 2003, estableciendo un nexo irónico con Spider-Man ya que no vemos el origen del personaje sino de la persona (y no digo más porque sería spoiler), a lo que añadir un final discreto pero funcional que me hizo pensar en una hipotética secuela para esta, cual si fuera una especie de adaptación de Los ángeles de Charlie al universo arácnido. Admito que tenía mis dudas ante eso de darle una película a un personaje tan secundario como este, pero el resultado final convence por la mínima, entreteniendo al fan arácnido por el popurrí de conceptos que usan de su universo en este simple pastiche de superheroinas que se resuelve mediante la ley del mínimo esfuerzo.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

CURIOSIDAD: No hay escena ni post ni entre créditos (no lo he citado en la crítica y me lo han preguntado por redes sociales, de ahí este añadido posterior).

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de febrero de 2024.
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viernes, 2 de febrero de 2024

ARGYLLE, excesivo disparate de espionaje (crítica sin spoilers)

Argylle sería el primer estreno de este 2024 con ínfulas de éxito en taquilla, aunque sólo sea por su llamativo plantel actoral: Henry Cavill, Bryce Dallas-Howard, Sam Rockwell, Bryan Cranston, Samuel L.Jackson, John Cena y Sofia Boutella, además de la cantante Dua Lipa. El responsable del presente film es Matthew Vaughn, director de películas tales como Stardust (basada en la obra homónima de Neil Gaiman), Kick-Ass (adaptando el cómic homónimo de Mark Millar y John Romita Jr.), X-Men: Primera generación (que levantó el interés de la franquicia mutante de Marvel, por entonces algo tocada por una tercera entrega que no convenció a todos) o Kingsman: Servicio secreto (con nexos en común con el presente film, por tocar el tema del espionaje, y que de momento ha dado para una secuela y una precuela)

Lo primero que me llamó la atención, sólo con su sinopsis, fueron los evidentes parecidos razonables: Si Argylle se centra en Elly Conway (a cargo de Bryce Dallas-Howard) escritora de thrillers de espionaje que se verá abrumada por la realidad que hay en ellos; eso me hizo recordar a otras "escritoras" de ficción que se veían metidas en aventuras de todo tipo, tales como la Kathleen Turner de Tras el corazón verde (que se apuntó a la moda imperante por aquel entonces de aventuras tipo Indiana Jones, y tuvo secuela), la Jodie Foster de La isla de Nim o la Sandra Bullock de la algo más reciente La ciudad perdida.

Admito que durante su primera hora Argylle funciona bastante bien con su planteamiento inicial: una famosa y algo apocada escritora se ve desbordada cuando los libros de espionaje que escribía (donde el protagonista es el agente que da título al film) le demuestran que son muy reales, con la salvedad de que el impoluto espía surgido de su imaginación, capaz de las más increíbles hazañas (interpretado por un Henry Cavill que vuelve a demostrar, como ya hizo en Operación Uncle, que sería un solvente sustituto como James Bond tras el final de la etapa de Daniel Craig), en realidad es un agente secreto más mundano y no tan guay (al que da vida un divertido Sam Rockwell) Durante ese tramo es evidente el contraste entre la ficción, que parece digna de la saga Misión Imposible, y la más terrenal realidad, que a la estupefacta protagonista por momentos se le mezclan, con resultados irónicos, viéndose inmerso en la aventura incluso su gato (real y de la familia del director) en una mochila de transporte con un diseño bastante vanguardista.
 
Teniendo siempre presente el lema "cuanto más grande es el espía, mayor es la mentira", que citan varias veces cual si fuera el "todo gran poder conlleva una gran responsabilidad" de Spider-Man, llega un momento en que el uso de un recurso narrativo (la amnesia) sobre el que se ha sustentado otra famosa saga de espías (la de Jason Bourne) lleva a que Argylle de un giro brusco, con el que la suspensión de incredulidad del espectador resulta bastante difícil de mantener, haciendo bueno ese refrán de "quieren hacernos comulgar con ruedas de molino". Eso se topa con el problema de un desarrollo tan frenético y delirante, con una sucesión de giros de guion llevados hasta el exceso, que hace el disparate más disparatado (digamos que las "ruedas de molino" se hacen "losas de mausoleo", es decir, que ya da igual y vale todo), recreándose en los supuestos clichés que parodiaba (lo hizo mejor Vaughn en Kingsman) y lastrado también por una inadecuada duración de más de dos horas, algo evidente en todo lo posterior al socorrido recurso de la amnesia.

En resumidas cuentas Argylle es un SIMPLE entretenimiento, poniéndose énfasis en lo de SIMPLE una vez te das cuenta de las innecesarias vueltas que da la historia para en si lo sencilla que resulta en esencia. A cambio tienes a un montón de actores conocidos que se pasean por la historia con mejor o peor fortuna, destacando sobretodo un Sam Rockwell que se nota lo mucho que disfrutó al dejarse llevar por el disparate que representa todo. Lástima que lo que en un principio comienza bien y se mantiene de igual manera llegue un punto en el que ya se desmadra del todo y se dilata demasiado, con el añadido de una escena entre créditos donde se hilvana un nexo algo forzado entre el presente film y otra de las obras de su responsable, que ya veremos si se concreta en algo o es simple relleno sin ninguna importancia. Matthew Vaughn peca en Argylle de autocomplacencia, creyendo que el resultado final es mejor de lo que al final acaba siendo, salvando el percal con la ayuda de un elenco más o menos atinado.
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de febrero de 2024.
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martes, 30 de enero de 2024

FERRARI, sin gasolina en las venas (crítica sin spoilers)

Este pasado 2023 llegaron a la cartelera dos películas de dos veteranos directores octogenarios, que han demostrado su talento en la amplia y variada filmografía de cada uno de ellos. Me imagino que la idea de las respectivas productoras de ambos títulos sería el intentar conseguir el máximo de nominaciones en esa temporada de premios que hay cada final de año, pero digamos que "el tiro les salió por la culata". Las dos películas a las que me refiero son Napoleon de Ridley Scott (que sólo ha logrado nominaciones en los apartados técnicos) y esta Ferrari de Michael Mann (con una suerte similar en cuanto a premios, a lo que añadir el total ninguneo en los próximos Oscars
 
La primera en mi caso tengo que admitir que me gustó, si bien seguro que será algo mejor en esa versión extendida de cuatro horas y diez minutos que se estrenará cuando la película llegue a su plataforma de streaming (Apple TV), lo que le ha valido cierta "reprimenda" crítica respecto al hecho de estrenar algo que sería tan sólo la versión parcial de una película más completa. 
 
Por su parte el Ferrari de Michael Mann llega a las pantallas de cine españolas el próximo 9 de febrero, desde su presentación en el pasado Festival de Venecia, y con un elenco actoral encabezado por Adam Driver, Penélope Cruz y Shailene Woodley (entre otros), en lo que sería un proyecto en el que estaba muy interesado su director Michael Mann desde hace bastante años.

Una vez vista cabe preguntarse si su responsable se vio sobrepasado por el trabajo, o si tan solo le interesaba lo que le interesaba (las escenas de coches lucen con más intensidad que todo lo demás), ya que esta adaptación de la obra de Brock Yates titulada Enzo Ferrari: The man, the cars, the race, the machine no toca ni de lejos todos los puntos citados en dicho libro, ya que se centra más en todo lo relacionado con la marca comercial que en el resto, quizás por no ser un biopic como tal sino la narración de un año específico en su vida: 1957. En la citada fecha se sitúa a Enzo Ferrari haciendo frente a varias problemáticas: por un lado la turbulenta relación con su esposa (a cargo de una Penélope Cruz imitando el estilo de las actrices italianas de aquella época), por otro la pérdida de su hijo (drama que tienen aún muy presente), a lo que añadir las presiones de su amante para que legalice a su hijo ilegítimo, que su empresa está al borde de la ruina y la presión para ganar la Mille Miglia para revalorarizar su nombre comercial.

Resulta curioso que siendo esta película sobre quien es, no abunden más las escenas de carreras de coches, si bien cuando alguna toma presencia, ahí si parece notarse el brío y la energía de Michael Mann (pese a la resolución de las dos escenas principales de accidentes que tiene el presente film: una en el tramo inicial, donde resulta muy evidente el maniquí que hace de víctima que salta por los aires, y otra más trágica en el tramo final, mostrada con una minuciosidad analítica que parece ajena al tono de esta película) El resto se mueve entre la superficialidad con la que está mostrado el matrimonio del protagonista (donde las apariencias y el interés comercial fagocitaron el amor), un cierto tono culebronesco en general, que intenta ser épico sin conseguirlo, y un soso desarrollo narrativo, que peca de un total desinterés hacia lo que nos está mostrando. En resumidas cuentas Ferrari parece mentira que haya sido dirigida por Michael Mann, porque salvo en las escenas de coches (que si lucen), el resto es un relato desganado y anódino.

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de febrero de 2024.
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viernes, 26 de enero de 2024

LOS TRES MOSQUETEROS: MILADY, crítica sin spoilers de esta secuela

Esto de rodar las películas a pares (o de tres en tres) no es algo nuevo: como ejemplos más o menos recientes se podría citar las entregas 2 y 3 de Regreso al futuro o de Matrix (rodadas al unísono y estrenadas con un año de diferencia en el primer caso, y con apenas pocos meses el segundo) o la trilogía de El Señor de los Anillos (rodada de forma integral y luego dividida en tres entregas que se estrenaron en tres años consecutivos) De hecho el propio Peter Jackson intentó "repetir" la jugada con El Hobbit, pero los resultados ya no dejaron satisfechos a todos por igual, al alargarlas innecesariamente. Otro ejemplo (hay más que podría citar) serían las dos Kill Bill de Tarantino, separadas pero que bien podrían haberse unificado.
 
Y luego también está, más allá de que sea coherente o no a la historia, el hecho de dividir adaptaciones literarias en dos entregas con la idea de, si es posible, recaudar el doble en taquilla, siendo el ejemplo más palpable los dos films que adaptaron Harry Potter y las reliquias de la muerte. ¿Es esa la jugada que han pretendido con esta nueva versión dirigida por Martin Bourbolon de Los tres mosqueteros? En abril del 2023 llegó a las salas de cine de este pais la primera entrega, con el subtítulo de D'artagnan, mientras que ahora se estrena en España la secuela, esta con el añadido de Milady. Si sumamos los metrajes (121 minutos aquella, 115 esta) el resultado final de este díptico serían casi cuatro horas, lo cual puede explicar la decisión final de dividirlo en dos cintas para hacerlo comercialmente más viable... ¿o no?
 
Desde que llegó hace menos de un año la primera entrega de esta nueva adaptación de la obra de Dumas, se han estrenado películas como Los asesinos de la luna de 3 horas y media de metraje, o el Napoleón de Ridley Scott de dos horas y media (pero con el anuncio de una versión de cuatro horas que se estrenará cuando llegue a su plataforma de streaming) Incluso Zack Snyder tuvo sus cuatro horas de Liga de la Justicia, y ahora tiene una versión extendida de su Rebel Moon para Netflix que no me extrañaría que fuera de una duración similar (partiendo de que en origen es una película en origen dividida en dos también por su extensión, siendo en abril cuando llegará la secuela a dicha plataforma, por lo que la suma de ambas sin versiones extendidas ya ofrecerá cuatro horas) La única explicación a lo que han hecho con este díptico sería que al ser la película francesa, no hay en Europa una opción similar a la de algunos de los ejemplos que he citado, siendo su destino el que ha tenido, o haberse estrenado como miniserie televisiva.

Y es que cuando acaba esta segunda entrega titulada Milady te das cuenta de que la historia AÚN PUEDE DAR MÁS DE SI, quedando la ilusión de que si se lleva a cabo una tercera entrega (eso depende de la recaudación de estas dos), la misma se concrete en los personajes encarnados por Vincent Cassel y Eva Green, que son los más emblemáticos e interesantes por la relación en la ficción que los une (de hecho ella es enfocada, más que como villana al uso, como mujer que se vale de artimañas femeninas para sobrevivir en un mundo dominado por los hombres) Entonces es cuando uno piensa que quizás el formato más adecuado para esta adaptación tendría que haber sido mejor una miniserie televisiva de lujo, que pudiera haberle rendido el mérito que se merece al clásico de Alejandro Dumas (sin despreciar por ello este díptico, que en el presente caso se decanta por ser totalmente continuista con el film precedente, tanto en sus virtudes técnicas y de puesta en escena, como en el handicap de narrar una historia archiconocida
 
El cambio más evidente entre D'artagnan y Milady sería que si la primera se dedicaba a plantear el terreno de juego, en esta comienza la partida, teniendo unas mayores dosis de acción (sirva de ejemplo el asedio a La Rochelle), que de nuevo en ocasiones resulta algo confusa. También puede haber discrepancias en la corrección histórica de un nuevo personaje que aparece aquí llamado Hannibal, pero el mismo tendría justificación histórica adecuada. Por lo demás continúan las intrigas palaciegas planteadas en el film precedente, que llevarán a los mosqueteros a intentar evitar un conflicto entre Francia e Inglaterra, todo ello precedido de un prólogo que sirve para recordar como quedó todo en la primera cinta, que sirve aún más para darle a este díptico la definición de folletín, en el que se englobaría la obra literaria original. Su final abierto deja la esperanza de que esta no sea la última vez que veamos en acción a estos míticos personajes, con la esperanza de que se centre en los dos que he citado unas líneas más arriba.
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de enero de 2024.

martes, 23 de enero de 2024

POBRES CRIATURAS, fascinante extravagancia (crítica sin spoilers)

Admito que así, de entrada, Pobres criaturas no era un film que me llamara la atención. Y es que lo primero que me "sorprendió" (y no precisamente para bien) de esta película fue un primer póster que sencillamente tildaría de horroroso, donde una actriz tan guapa como Emma Stone salía (valga el apelativo) como un adefesio. Pero parece ser que cuando se afea la belleza es cuando se valora más y mejor la labor artística, ya que al igual que le ocurrió a Charlize Theron (que ganó un Oscar a mejor actriz en 2004 por Monster, afeando bastante su aspecto), las previsiones dan posibilidades a que Emma Stone gane un segundo Oscar tras el que logró por La ciudad de las estrellas (La la land) en la ceremonia de 2017.
 
Ya se sabe que el aspecto físico no deja de ser algo tan solo temporal, y los (buenos) interpretes juegan con dicho factor para demostrar su polivalencia artística. Ese parece ser el camino emprendido por Emma Stone, a la que conocí como Gwen Stacy en las dos entregas de The Amazing Spider-Man, aunque antes la había visto en Zombieland y su posterior secuela, pero que probó otros horizontes en títulos como Birdman, La batalla de los sexos o la antes citada La la land. En este caso Pobres criaturas sería su segunda colaboración con el director Yorgos Lanthimos (del que admito no haber visto ninguna película suya en el momento de escribir esta crítica) después de La favorita, film que no he visto aún pero no descarto, en el que Emma Stone está también rodeada de un elenco bastante llamativo.

En este caso acompañada en el reparto por Willem Dafoe y Mark Ruffalo como nombres más conocidos, la presente Pobres criaturas se estrena por fin en España tras una carrera de avales que comenzó con el León de Oro a mejor película en el pasado Festival de Venecia, así como una multitud de nominaciones en los más diferentes premios, de los cuales ya ha ganado varios su protagonista principal. ¿En serio es para tanto? Pues tengo que admitir que una vez vista la respuesta sería afirmativa, aunque con matices: un error muy común en el panorama cinematográfico actual es no saber cortar las cosas a tiempo, y este film es una nueva prueba de ello ya que sus 141 minutos podían haberse quedado de forma clara en un metraje más común que rondara las dos horas. Esos excesos se hacen evidentes en momentos en los cuales se recrea ociosamente en secuencias que, siendo prácticos, ya han contado todo lo que tenían que contar (lo cual resulta curioso porque luego tiene momentos visuales realmente bellos que sinceramente se me hicieron incluso cortos)
 
Pobres criaturas vendría a ser algo así como una apología del feminismo (en una época en la que la mujer era poco más que la posesión de su marido o tutor, obediente y sumisa) envuelta en un apartado visual y de ambientación portentoso (estéticamente es bastante transgresora), mostrando una sociedad victoriana alternativa con referentes steampunk, en una historia con detalles que pueden recordar al clásico Frankenstein. La protagonista es Bella Baxter (encarnada por solvencia por Emma Stone), una mujer revivida por un desfigurado doctor (papel para Willem Dafoe), cuya mente infantil desea aprender y ver mundo, lo que en principio se le niega. Cuando ve la oportunidad un abogado bastante sinvergüenza (Mark Ruffalo) se la llevará para mostrarle nuevos horizontes, al mismo tiempo que se aprovecha sexualmente de ella por su inocencia; en un periplo que para Bella será iniciático, siendo especialmente llamativo su desinhibición hacia todo lo relacionado con el sexo (sirva de ejemplo lo que ocurre en Paris)

En resumidas cuentas estamos ante una película bastante destacable (en especial por la labor de su actriz principal, que no se corta ante nada incluso en unas escenas con connotaciones sexuales bastante explícitas), cuyo apartado visual es por momentos tan surrealista (ver las escenas rodadas cual si fuera un ojo de pez) como hermoso (los detalles steampunk son brillantes), mezclando con acierto el clásico blanco y negro (en el tramo inicial) con el color (a partir de que Bella expande sus horizontes) No descarto que algunos detalles puedan resultar ofensivos para ciertos espectadores, pero el resultado final de esta adaptación de la novela homónima de Alasdair Gray es sin duda alguna un espectáculo visual fascinante, a la par que una extravagancia narrativa sorprendente (los conceptos que maneja en un principio puede parecer que cuadran poco entre si), que quizás podía haber llegado a ser mejor de no ser tan autocomplaciente consigo misma, por un metraje claramente dilatado en exceso y que se podía haber reducido en la sala de montaje.
 
CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de enero de 2024.
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jueves, 11 de enero de 2024

ECHO, el ¿preámbulo? a DAREDEVIL: BORN AGAIN (crítica sin spoilers)

Desde que comenzó la moda de los superhéroes de Marvel en cine era tan solo cuestión de tiempo que aterrizaran en otros medios. Ese fue la televisión, primero con las series que llevó a cabo Netflix (Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage, Iron Fist, Punisher y The Defenders), y luego ya con las de Disney Plus (donde desde que se inauguró con Wandavision ha habido una gran variedad tanto de ofertas como de resultados) No han sido las únicas, pero digamos que las mencionadas son las que han tenido una mayor repercusión, hasta el punto de que muchos enarbolan con toda la razón que el tono a seguir en algunos de esos casos tenía que haber sido el de (sobretodo) la primera temporada de Daredevil en Netflix, por su forma descarnada de plasmar la violencia.

Quizás como relativo preámbulo a esa Daredevil: Born again que realizará Disney para su plataforma de streaming, con parte del reparto original del Daredevil de Netflix (Charlie Cox como Matthew Murdock/Daredevil y Vincent D'Onofrio como Wilson Fisk/Kingpin) se ha estrenado esta Echo bajo el (nuevo) sello Marvel Spotlight, con el que se "justifica" sobretodo una visión más descarnada de la violencia, al igual de la que hacía gala la serie de Netflix. En cuanto a intenciones les honra, de cara a buscar nuevos objetivos de público, pero en resultados Echo resulta algo discreta.

El problema más grave arrastrado por esta serie es el mismo del que también se resienta otras futuras como esa Agatha: Darkhold diaries (antes conocida como Coven of chaos), que parten de personajes secundarios de series previas que han resultado más o menos llamativos, y a los que se les concede una serie sin mayor justificación de si son una propuesta atractiva para ello, o simplemente se sacan ideas hasta debajo de las piedras. En el caso citado el personaje encarnado por Kathryn Hahn en Wandavision ha dado pie a ello, y en el presente la (relativa) villana de la serie Ojo de Halcón es la que recibe esta serie de apenas 5 episodios, que se estrenaron todos a la vez el pasado 10 de enero (cuando la tónica habitual hasta el momento era el estreno semanal de un nuevo episodio hasta completar la media de 6 episodios por temporada que han tenido hasta el momento la mayoría de ellas)
 
El personaje protagonista es Maya López, una nativa americana sordomuda (al menos en los cómics) y que tiene una pierna protésica (esto añadido en la serie por ser la condición de su actriz protagonista Alaqua Cox), a la que Wilson Fisk acogió bajo su manto cuando era pequeña, y que ha acabado siendo uno de los agentes más expeditivos de Kingpin a la hora de implantar sus órdenes en el mundo del crimen. Eso cambió desde lo que se vio en la serie Ojo de Halcón, por lo que como continuidad a aquella, digamos que esta se centra en el plan de la protagonista de pasar lo más desapercibida posible volviendo a sus orígenes, sin saber que Kingpin no ha "desaparecido" del todo como ella se pensaba. Lógicamente ambos personajes tendrán confrontaciones para dirimir sus diferencias (lo que dará pie a una violencia más descarnada de la vista hasta ahora en estas series), en las que se verán metidos familiares y amigos de Maya.

En la serie Daredevil de Netflix, una de sus escenas más alabadas era la de la pelea que transcurría en un pasillo, vista en su primera temporada, y a la que parece rendir un homenaje la que transcurre en un almacén en el primer episodio de Echo, siendo además ahí donde realiza su cameo el Daredevil a cargo del actor Charlie Cox, que tendrá una pelea con la protagonista. El problema radica en que todo lo que se nos narra en estos cinco episodios resulta tan superficial y tan intrascendente que nunca acaba de repercutir en el ánimo del espectador, por más que la presencia secundaria de Kingpin vuelva a confirmar el gran acierto que fue conseguir a Vincent D'Onofrio para encarnar a dicho personaje (que además en la escena entre créditos finales de esta serie ya sugiere pistas de como lo podemos encontrar cuando se materialice la antes citada Daredevil: Born again, en una trama ya vista en los cómics hace pocos años)

Como curiosidad me gustaría destacar un detalle que se repite en esta serie, y que se vio por primera vez hace pocas semanas en un episodio de la temporada 2 de What If: si en el sexto de aquella se presentaba a Kahhori, un nuevo personaje que era nativa americana (mohawk en aquel caso) y que lograba unos poderes ancestrales, se da la curiosidad de que aquí Maya López también es una nativa americana (chocktaw en este caso) que logra unos poderes ancestrales. En resumidas cuentas si ese sello de Marvel Spotlight sirve para enfocar desde un punto de vista más adulto y violento algunas historias y personajes (por ejemplo Daredevil, al que le viene la mar de bien), pues entonces de acuerdo, pero si Echo era el preámbulo a ello, el resultado final es un muy discreto entretenimiento en el que no sé yo la confianza que tenían sus propios responsables cuando se han estrenado todos los episodios a la vez.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 10 de enero de 2024.
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miércoles, 20 de diciembre de 2023

AQUAMAN Y EL REINO PERDIDO (AQUAMAN 2), crítica sin spoilers

Hasta aquí hemos llegado: diez años después del estreno de El hombre de acero el universo DC en cines toca a su fin con esta secuela, previa al reboot orquestado por James Gunn, del que empezaremos a ver algo a partir de 2025. En esta década han sido unas cuantas las cintas que han compuesto este universo compartido, que pretendía hacerle la competencia al de Marvel (exitoso en sus inicios, ahora más dubitativo), pero que se han topado con una recepción crítica que no las ha aceptado, en líneas generales, igual de bien (hay sus pocas excepciones) a lo que sumar un éxito algo variable, que en el caso de los títulos estrenados de forma más reciente (Black Adam, Shazam: La furia de los dioses, Flash y Blue Beetle) se ha convertido en una ristra de fracasos consecutivos, quizás porque el público ya anticipaba que con el reboot antes indicado, todo esto ya no importaba para nada.
 
A toda esa problemática hay que añadirle los muchos retoques que ha sufrido esta película desde que se acabó de rodar, hace ya casi dos años, hasta que por fin llega a las salas de cine. Por un lado está la Mera encarnada por la actriz Amber Heard, cuyo personaje ha sido reducido a su mínima expresión (poca presencia y aún menos diálogos) debido al muy mediático juicio que tuvo con su expareja el actor Johnny Depp, que dejó su imagen pública bastante dañada.
 
No ha sido lo único: en Flash se reintroducía al Batman encarnado por Michael Keaton en el film de Tim Burton de 1989, con la idea de convertirlo en eje de este universo, motivo por el que también aparecía en la cancelada Batgirl (estando la película casi finiquitada), y que tenía que aparecer también en esta secuela, al igual que también probaron con el Batman oficial de este universo (encarnado por el actor Ben Affleck), aunque al final ni uno ni otro, lo cual se nota mucho en ciertos momentos donde esta película va por su cuenta, y casi parece que no exista ningún otro superhéroe en este mundo nada más que Aquaman. Asimismo se establece una relación más o menos forzada, debido a las circunstancias, entre el protagonista y su hermano en la ficción (encarnado por el solvente Patrick Wilson), donde se nota mucho que el ejemplo a seguir lo han tomado de las películas del universo Marvel de Thor, y la relación de este con su hermano Loki, salvo que aquí sin la química que allí si hay entre los actores Chris Hemsworth y Tom Hiddelston.

En cuanto a villanos se vuelve a echar mano del Black Manta al que en el film precedente encarnó Yahya Abdul Mateen II, que repite en esta secuela con la única motivación de su venganza contra Aquaman. Para ello tendrá la suerte de conseguir cierto poder ancestral relacionado con ese Reino Perdido al que hace referencia su título, y cuyo poder en la sombra recuerda BASTANTE al Sauron de El señor de los anillos (no sería la única semejanza, ya que hay cierto momento que me llevó a recordarme del Jabba The Hutt de la saga Star Wars) A eso agregemos el regreso de cierto cefalópodo que hizo gracia en la primera película, y que aquí goza de algo más de tiempo; a lo que sumar un tono, en determinados momentos, de comedia forzada que no siempre funciona (digamos que uno ya es previsor cuando se echa mano casi de entrada al humor escatológico con su retoño, mientras ejerce como padre y héroe con esa socarronería macarra que le ha funcionado bastante bien a Jason Momoa al encarnar a este personaje)
 
De ese universo cinematográfico DC (que es la novena franquicia más rentable de la historia, con 6300 millones de dólares) da la casualidad de que su film más taquillero hasta el momento era la primera Aquaman, siendo la única en superar los 1000 millones de dólares de recaudación mundial (lo cual no deja de sorprender teniendo en cuenta que tienen una fama mayor otros superhéroes de esa editorial como Batman y Superman) Y es que mucho también se ha querido relacionar a dicho universo con el director Zack Snyder, si bien han sido otros directores (como Patty Jenkins o James Gunn, por poner dos ejemplos) los que han conseguido mejores resultados artísticos. O como en este caso, y el film precedente, un James Wan consciente de las muchas carencias del material del que parte, pero que aún así consigue cohesionar un resultado final funcional, pese a que también sea evidente que en muchos momentos pretenden tapar esos agujeros de montaje y guion con un abrumador uso de efectos especiales.
 
Agradeciendo, aunque sea con bastante brocha gorda, cierto mensaje ecologista en la historia que nos plantea, no deja de resultar curioso a nivel actoral que repitan intérpretes de cierto renombre como Dolph Lundgren o Nicole Kidman que, para lo poco que aportan, podían haber sido obviados, y curiosamente quien destaque más sea el personaje encarnado por Randall Park, que durante todo el metraje uno se pregunta si acabará llegando vivo al final. En cuanto a la moda de las siempre presentes escenas entre o tras los créditos de las películas de superhéroes, la única que tiene esta película (en el primer caso) sería una mera gracia "gastronómica", relacionada con cierto chiste previo entre los dos protagonistas, y que acaba siendo un colofón tan inocuo como intrascendente para un universo que, pese a que nadie le niega sus contados aciertos, no ha logrado alzarse y llegar a las cotas esperadas. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de diciembre de 2023.
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