Mostrando entradas con la etiqueta Steven Spielberg. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Steven Spielberg. Mostrar todas las entradas

sábado, 30 de diciembre de 2023

Lo mejor y lo peor del año 2023 (más ranking televisivo)


Como cada año cuando estamos casi finiquitándolo hago resumen de lo mejor y lo peor de lo que he visto de estreno en unos "premios" que este año se reparten tal que así, acompañando en cada apartado el que considero mejor y peor póster:

Siguiendo con el resumen, debido a la INMENSA producción televisiva que hay me ciño a aquellos cortos, miniseries, episodio especiales o series vistas (o acabadas de ver) en 2023, que conforman el siguiente ranking:

  1. Doctor Who (especiales 60 aniversario y navidad)
  2. Vota Juan (miniserie)
  3. Agente Elvis (temporada 1)
  4. Chucky (temporada 3 1ª parte)
  5. Loki (temporada 2)
  6. Black Mirror (temporada 6)
  7. The Mandalorian (temporada 3)
  8. Junji Ito Maniac (temporada 1)
  9. What If (temporada 2)
  10. Ahsoka (miniserie)
  11. Monarch: El legado de los monstruos (temporada 1)
  12. Vamos Juan (miniserie)
  13. La Tierra según Philomena Cunk (miniserie)
  14. Yo soy Groot (temporada 2)
  15. Entrevías (temporada 3)
  16. Moon Girl y Dinosaurio diabólico (temporada 1)
  17. Los Simpsons (temporada 34)
  18. El joven Sheldon (temporada 6)
  19. Invasión Secreta (miniserie)
  20. La Isla Calavera (temporada 1)
  21. FUBAR (temporada 1)
  22. Velma (temporada 1)

lunes, 21 de agosto de 2023

LOS PÁJAROS: EL LIBRO DEL 60 ANIVERSARIO / WHAT IF IMAGINA / E.T. EL EXTRATERRESTRE: LA GUÍA VISUAL DEFINITIVA (reseñas)

LOS PÁJAROS: EL LIBRO DEL 60 ANIVERSARIO

Aparte de Psicosis otra película que es claro ejemplo de la filmografía de Alfred Hitchcock sería Los pájaros, por lo que cuando vi por la biblioteca el libro con motivo de su 60 aniversario (cumplido este año 2023) enseguida le eché mano. En una destacable y prodigiosa obra escrita a tres manos entre Quim Casas, Carlos Díaz Maroto y Jaime Vicente Echagüe, se hace un completo repaso al citado título, tanto dentro de la filmografía de su responsable (con un completo análisis de como estaba su situación cuando llevó a cabo esta película), como de los principales miembros de su elenco (citando el evidente acoso sexual que padeció la protagonista a manos del director), así como la autora del relato en el que se basó este film (Daphne Du Maurier, más allá de que Hitchcock cogiera de él tan solo el título y el concepto básico, siendo todo el resto creado para la película) También se realiza un estudio estético tan simbólico como curioso de Los pájaros, así de como evolucionó el posterior subgénero de todo tipo de criaturas contra la humanidad (incluso se cita la secuela que tuvo este film en 1994, que ya por entonces cuando la vi me pareció bastante olvidable), citándose entre otros los dos recientes pero parciales biopics de su responsable: Hitchcock y The girl, siendo este último el que se centra en el periodo exacto en que se llevó a cabo Los pájaros. Un notable libro para fans de tan emblemático film.

WHAT IF IMAGINA

Me leo el tomo What If Imagina, que sería el tercero con el que Panini intenta recopilar toda la andadura original de dicha cabecera que imaginaba realidades alternativas para el universo Marvel. El presente volumen engloba de los números 24 al 35, que se editaron en origen entre finales de 1980 hasta finales de 1982, y me ha parecido bastante curioso el hecho de que muchas de estas historias paralelas tengan un final más fatalista que lo que fue la "realidad oficial", que en algunos casos se antoja un tanto innecesario, si bien más o menos resultan funcionales. Normalmente la variedad de personajes hace que uno se decante por los preferidos, pero en este caso los dos de Daredevil ya los conocía por el coleccionable del personaje que se editó con motivo del estreno de la película de 2003 (ambos con Frank Miller de responsable), mientras que de Spider-Man el de si hubiera salvado a Gwen Stacy lo compré en su día en la primera edición que hizo Panini (ya que estuvo inexplicablemente inédito hasta entonces), siendo para mi novedoso el otro donde se teoriza sobre si el clon de Spider-Man hubiera sobrevivido (en los 90, más de una década después, se hizo oficial como Ben Reilly)

Satisfecho con los de los personajes citados, en el resto hay un poco de todo, ya que por ejemplo se me hicieron curiosos el de si Fénix no hubiera muerto (que luego posteriormente si volvió en la continuidad clásica), el de si el Capitán América llegara a presidente, el de si Lobezno hubiera matado a Hulk en su primer enfrentamiento, el de si no existieran los 4 Fantásticos (aunque en este caso influye a la no-creación de varios superhéroes más) o el de Iron Man abandonado en la época del Rey Arturo, sin olvidar el número 34 de la serie, enfocado con un sarcástico sentido del humor que da lugar a las realidades alternativas más disparatadas. El resto de cómics serían más o menos entretenidos, si bien puedo estar más o menos familiarizado con los respectivos personajes, aunque todo el de la realidad alternativa de los Vengadores como peones de Korvac admito que se me hizo bastante cansino. Siempre me han resultado curiosas y más o menos llamativas estas historias de realidades alternativas, por lo que admito haber disfrutado bastante con este tomo de What If, una cabecera a la que siempre le he tenido bastante aprecio.

E.T. EL EXTRATERRESTRE: LA GUÍA VISUAL DEFINITIVA

Los que vivimos nuestra infancia en los ahora muy recordados años 80 tenemos en el altar de nuestra nostalgia una gran cantidad de detalles específicos de aquellos años, como por ejemplo series de televisión (como por ejemplo V, El equipo A, El coche fantástico o MacGyver) o películas que se estrenaron en aquella década (donde se hicieron míticas producciones como las de Regreso al futuro, Gremlins, Indiana Jones o E.T. El extraterrestre) Justo en referencia a esta última, probablemente el título más personal de su director junto con La lista de Schindler, si bien esta por otros motivos, me ví en el catálogo de la biblioteca esta obra y no me pude resistir a pedirla, ya que en mi caso guardo un grato recuerdo de la película E.T. El extraterrestre, que en su día me llevaron a verla de estreno en 1982 al cine Palacio Balañà de Barcelona cuando tenía yo ocho años, si bien luego la he revisado varias veces.

El título de La guía visual definitiva creo que es buena descripción de un libro de apenas 240 páginas, que aunque puede parecer poco para un film tan mítico, abarca ABSOLUTAMENTE TODO el proceso de gestación de esta película, desde que era un simple proyecto hasta su rodaje, su posterior repercusión, lo que vivieron sus responsables, un montón de curiosidades y anécdotas de todo tipo y lo que ha significado para varias generaciones (incluyendo el spot de Comcast de 2019 que reunió al personaje con un ya adulto Henry Thomas, el actor que interpretó a su amigo Elliot en la película original) Esta obra es, ante todo, muy visual, por lo que está plagado de fotografías promocionales, arte conceptual, storyboards y un sinfín de contenido extra, algunos de ellos "encartados" en el mismo libro (una curiosa edición), que hacen de su lectura una delicia para todos los fans de tan emblemática película. 

jueves, 9 de febrero de 2023

LOS FABELMAN de STEVEN SPIELBERG, así nació su mito (sin spoilers)

Steven Spielberg lleva ya cinco décadas dedicado al mundo del cine, bien sea como director (donde nos ha legado y deleitado con muchas películas magistrales), o bien en su faceta como productor (logrando que muchos films recibieran una taquilla extra solamente por el "arrastre" de seguidores que tenía su nombre en el cartel) Cualquiera que esté leyendo estas líneas y que admita disfrutar con el cine es IMPOSIBLE que no haya visto algún producto suyo a lo largo de los años, bien sea en una faceta o en otra (no en vano hay que recordar el título de Rey Midas de Hollywood que le dieron en su época de mayor esplendor, al lograr convertir en un éxito de taquilla casi seguro cualquier producto que viniese con su nombre, o el de su mítica productora Amblin)
 
Sus películas eran inicialmente una vía de escape, una sucesión de tremendas y entretenidas aventuras fantásticas que nos hicieron acompañar en sus andanzas desde a un escualo muy aterrador como a un aventurero arqueólogo (por mencionar APENAS dos ejemplos muy populares) Pero aunque conseguía el favor del público con ellas, los premios le eran esquivos hasta que logró su más que merecido triunfo con la magistral La lista de Schindler en 1993, por la que recibió su primer Oscar a mejor director (el segundo le llegó pocos años después en otra película con connotaciones bélicas: la notable Salvar al soldado Ryan) Ahora cabe la posibilidad de que consiga un nuevo premio por su labor como director en Los Fabelman, que está nominada a siete Oscar en la edición de este año..., y si por este humilde servidor fuera, dicho galardón lo tiene más que merecido.
 
Y es que su más reciente película como director sería una relativa autobiografía donde Spielberg desgrana como nació la pasión que le llevó a convertirse en uno de los mejores realizadores de las últimas décadas, en un hermoso relato donde incluso en el caso de que se desconozca lo que se esconde tras esta película (esa especie de espejo cinematográfico en el que se refleja su responsable), sin duda alguna verás una excelente historia y no una mera sucesión de anécdotas. Dicen que la experiencia es un grado, y aquí se nota porque esta película está tan bien narrada e interpretada que no puede uno menos que aplaudir a un ya veterano genio, que a sus 76 años (nació en diciembre de 1946) ha centrado casi toda su vida en lo que, ahora sabemos gracias a Los Fabelman, fue su gran pasión desde la más tierna infancia.
 
La película comienza con un pequeño Sam Fabelman (claro trasunto del propio Spielberg), al que sus padres llevan por primera vez al cine, allá por la década de los 50 del pasado siglo, algo que le dejará impactado, y que buscará reproducir y desarrollar. Normalmente en todas las familias hay sus más y sus menos, y a medida que avance el metraje veremos que en este caso también es así, pero en esta cinta los dos progenitores del futuro cineasta están interpretados de manera magistral por los actores Paul Dano (el que fuera el Acertijo en la reciente The Batman) y Michelle Williams (nominada a mejor actriz, también con toda justicia, por su trabajo en el presente film), notándose en ambos casos el cariño y el amor con el que están perfilados, definidos y desarrollados sus personajes, destacando el de ella por un evidente giro argumental que marcará la adolescencia del protagonista.
 
Aparte de los dos nombres citados es justo mencionar también a actores como Judd Hirsch (nominado a mejor secundario por esta película), que encarna a la persona por la que el protagonista decide ser director, o Seth Rogen, también bastante destacable como amigo de la familia que marcará un punto de inflexión en la misma (excelente esa complicidad que se establece entre su personaje y el de Michelle Williams) También es justo citar a Gabriel LaBelle encarnando al trasunto juvenil del propio Spielberg, en donde cuesta poco ver su propia imagen de juventud reflejada, o la sorpresa final de un mítico director de cine (encarnado por otro famoso director de cine) que será algo así como quien le dio el definitivo relevo en sus inicios en la industria. En líneas generales todo el reparto lleva a cabo un destacable trabajo, dirigidos muy bien por un maestro como Spielberg, que con esta película parece querer dar el relevo a la próxima generación de directores, en un gesto similar como con el que concluye el presente film.
 
Pero aunque Los Fabelman sería una obra maestra de todo un magnífico narrador de historias como es Spielberg, se ha topado con el handicap de que el público potencial al que puede llamarles la atención un film así son las generaciones que se criaron con sus películas más exitosas, ya que las nuevas (y las que más llenan las salas de cine hoy en día) lo verán tan solo como si fuera un aburrido relato de batallitas del abuelo. Ese puede ser el motivo de su pobre resultado en la taquilla americana, aparte del hecho de que se filtró por internet el film (en versión original y en buena calidad) ya desde finales del año pasado. Pero yo aguanté las ganas hasta poder disfrutarla en una sala de cine, y tengo que admitir que sus 151 minutos los disfruté en todo su esplendor, por lo que creo que Los Fabelman se puede situar entre las mejores películas de Spielberg (lo cual ya es mucho teniendo en cuenta que es un director con una amplia y destacable filmografía)
=================================

lunes, 20 de diciembre de 2021

WEST SIDE STORY (2021) de STEVEN SPIELBERG, crítica sin spoilers

Hay historias universales, y una de ellas es sin duda la de los amantes de Verona, la inmortal pareja formada por Romeo y Julieta. Quien más o quien menos, entre los que me incluyo, habrá visto alguna de las innumerables adaptaciones del famoso relato en todo tipo de formatos y formas, pero si hay una versión emblemática es la de West Side Story, que tiene el mérito de haber sido durante mucho tiempo la segunda cinta que más premios Oscar había conseguido (10, entre ellos los de mejor película y mejor director), antes de que los 11 de Titanic y El Señor de los Anillos: El retorno del rey, empatadas con Ben-Hur, la desplazaran hasta la cuarta posición. 
 
Pese a ello tengo que admitir que la tenía pendiente de ver, hasta que pocos días antes de acudir a ver la nueva versión de Steven Spielberg la emitieron en un canal televisivo local y me decidí por ella. Ante tan altas expectativas tengo que admitir que en principio me costó un poco "entrar" en el West Side Story de 1961, ya que en esencia la historia es sencilla pero los números musicales ralentizaban un poco el ritmo y desarrollo de la misma. Eso cambió cuando asistí a los temas más populares de esta obra: María, Tonight y América, con los que enseguida se me hizo más accesible, así como asimilar el evidente trasfondo social en lo que vendría a ser una alegoría de temas tan candentes en la actualidad (xenofobia, racismo, trato hacia los inmigrantes, etc.) como hace seis décadas, cuando la película original se estrenó en cines.
 
Y es que no voy a negar que la clásica historia de amor entre Romeo y Julieta es en esencia bastante sencilla como para que el resultado final esté sobre las dos horas y media de metraje (tanto en la versión de Robert Wise de 1961 como en la de Steven Spielberg de 2021), siendo esa una de mis reticencias hacia el primer visionado de la clásica, pero algo ya asumido de cara a su remake. Porque su argumento es tan sencillo como trasladar a las familias Montesco y Capuleto de la Verona italiana donde las situó William Shakespeare al Manhattan de mediados del siglo XX, transformándolas en dos bandas rivales de pandilleros (los Jets y los Sharks) Los jóvenes Tony y María, cada uno con afiliaciones a uno de esos dos bandos enfrentados, se conocerán y enamorarán, intentando desarrollar su historia de amor en un ambiente claramente hostil, en donde los acontecimientos no les ayudarán precisamente a ello. 
 
Sin nadie restarle méritos hacia la huella que el film de 1961 dejó en la historia del cine, se antojaba un poco arriesgado que Steven Spielberg decidiera dirigir su primer musical haciendo un remake literal de la obra original, lo que en un principio me llevó a recordarme de una operación similar que llevó a cabo Gus Van Sant en 1998 con su versión de Psicosis fotocopiada de la de Hitchcock de 1960. Pero lejos de aquel ejemplo con mejores intenciones que buenos resultados, en este caso Spielberg también tiene sus mejores intenciones con la obra primigenia, y consigue plasmarlas con adecuados resultados, demostrando aquello de que "la veteranía es un grado", y que con 75 años (desde el pasado 18 de diciembre) es un director lo suficientemente versatil como para permitirse hacer el remake de todo un clásico, después de haber tocado a lo largo de su carrera casi todos los géneros, y encima hacerlo de forma destacable.

Al tener yo tan reciente el visionado de la película de 1961 y de esta nueva versión de 2021 se me hizo más patente que, lejos de ser un mero duplicado sin entidad propia, Spielberg actualiza conceptos e ideas pero sin que los mismos lleguen a ensombrecer el tono clásico de la historia, que se sigue manteniendo. Entre esas novedades está un elenco más acorde a la etnia de los personajes que tienen que interpretar (algunos dirán que más "politicamente correcto"), permitiéndose además que en ciertos momentos se expresen en español (en la versión original) como evidente detalle de su procedencia (serían originarios de Puerto Rico) Como guiño hacia el film de 1961 se ha cambiado el personaje de Doc (interpretado allí por Ned Glass) por el de Valentina, interpretado aqui por una vibrante Rita Moreno que ya estuvo en la versión original, entonces encarnando al personaje de Anita.

Del reparto de este remake el nombre más conocido sería el de Ansel Elgort, a quien descubrí por su papel protagonista en Baby Driver, pero la sorpresa creo que es en femenino y por partida doble: la debutante Rachel Zegler encarnando a la protagonista María, y Ariana DeBose dando vida a Anita consiguen destacar sobre un bastante adecuado elenco: la primera enamorando al público y la segunda insuflando toda la fuerza y energía que requiere su personaje. EN CONCLUSIÓN estamos ante un remake que, respetando la obra original, la moderniza en ciertos detalles pero manteniendo su clasicismo, al mismo tiempo que confirma que Spielberg tiene la suficiente veteranía para atreverse con el género que le de la gana (aunque ya el Anything goes que cantaba Kate Capshaw al inicio de Indiana Jones y el templo maldito dejaba ver que podía manejarse con los musicales, y que sólo era cuestión de tiempo)
=================================

lunes, 17 de diciembre de 2018

BUMBLEBEE, la mejor de TRANSFORMERS (aunque parezca mentira)

La saga Transformers se ha caracterizado por ir poco a poco a peor, sobretodo por ser paulatinamente más apabullante (en el peor de los sentidos), provocando que cuanto mayor era el exceso, menor era el interés de la audiencia. A ese progresivo declive supongo que habrá influido el haber dejado las cinco películas (hasta la fecha) en manos de Michael Bay, un director no precisamente muy sutil y amigo de los excesos visuales (algo evidente en esta saga), lo que finalmente se ha vuelto en su contra, con unos resultados cada vez inferiores en cuanto a la taquilla. A unas películas que siendo muy magnánimos uno podría tildar tan solo de "toscos" entretenimientos, Bay las dilataba más allá de las dos horas de duración, lo que para el espectador equivalía más a una prueba de aguante que a un verdadero disfrute.

Pero como los números siguen cuadrando (en el sentido de que siguen lo suficientemente rentables) ahora se ha decidido hacer un spin-off de uno de los robots más populares del grupo (ese Bumblebee que da título a esta película) cambiando también en la silla del director al ya muy cansino Bay por Travis Knight. El resultado se nota sin ninguna duda bastante mejor, siempre asumiendo el tipo de film que es, pero lejos de los excesos del resto de entregas y teniendo como primordial objetivo el entretener al espectador sin agobiarlo ni marearlo (pese a que la mano de Bay como productor se hace evidente, parece que ha prevalecido la del también productor Spielberg, con el claro objetivo de realizar una película más familiar)

En un ejercicio de retrocontinuidad (y también de cara al ahora muy valorado efecto nostalgia de los años ochenta), esta película sería en si una precuela al estar ambientada en 1987, pero lo que nos narra resulta coherente si asumimos que la continuación sería la primera película (y la única más decente) que vimos de estos robots firmada por Michael Bay. Pero supongo que la mayor diferencia entre esta película y sus antecesoras está en el hecho de que aqui hay algo que contar: es cierto que tampoco tiene un guión maravilloso, pero al menos tiene algo sencillo que narrarnos, fuera del "envoltorio" que caracterizó a las películas previas de la saga, que se podría resumir con la acertada frase de "mucho ruido y pocas nueces" (por más que la primera nos introdujera a ese mito erótico para toda una generación que ha sido Megan Fox) Bumblebee tiene presente el espíritu Amblin y bien podría considerarse una de las producciones que dicho sello estrenó durante esos años, ya que es evidente los aires de nostalgia y el candor que destila este film (atención a su destacable banda sonora, en la que hay muchos temas musicales famosos de aquellos años)

Además del evidente protagonismo del robot que da título a esta película, su amiga humana esta interpretada por la actriz Hailee Steinfeld, a la que muchos conocieron en el Valor de ley de los hermanos Coen, en el cual (pese a su juventud) no desentonaba frente a actores veteranos como Jeff Bridges. Ya algo más mayorcita nos la encontramos en este film en un personaje sencillo pero con el que consigue encandilar al público, gracias a sus capacidades para lograr transmitir todo lo que siente su protagonista (muchos pueden encontrar ecos de E.T. en la relación que establece ella con el robot, lo que da una idea de las pretensiones de este spin-off) Asimismo todos aquellos detalles que estaban mucho más descontrolados en las secuelas de Bay aparecen aqui de forma contenida y coherente, lo que se agradece sobretodo en detalles tales como las escenas de acción y los efectos visuales, no tan desmadrados como en las confusas películas anteriores (digamos que aqui si se recupera el sabor ochentero de estos personajes, logrando hacerlos más distinguibles y no una mera masa amorfa de robots que se mueve por pantalla)
============================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de diciembre de 2018
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Su protagonista y sus sencillas pretensiones, ofreciendo un digno entretenimiento que además no se excede en su metraje (no llega a las dos horas, cuando todas las demás superaban con creces dicho tiempo)
  • LO PEOR: Menospreciarla por lo excesivo de todas las entregas que la anteceden: aqui Bay ya no dirige lo cual beneficia al resultado final.

jueves, 7 de junio de 2018

JURASSIC WORLD: EL REINO CAIDO, una bastante notable secuela

El tiempo no para: ya han pasado 25 años desde que se estrenó Parque Jurásico, el film de Steven Spielberg que adaptaba la obra homónima de Michael Crichton y que fue un impresionante éxito que propició un renovado interés por los dinosaurios. Contradictorio como en ocasiones soy, tengo que admitir que dicha película me gustó pero sin entusiasmo, debido a que como tenía reciente la lectura de la novela, su adaptación se me hizo demasiado simplificada. Al menos la primera secuela fue más consecuente, y precavido que iba me ofreció lo que yo esperaba, pero la tercera entrega bajó tanto el listón que dejó la franquicia parada hasta que en 2015 Jurassic World se convirtió en otro inesperado éxito, que es el que nos lleva hasta el presente film, una secuela con signo español al estar dirigida por Juan Antonio Bayona.

Como protagonistas repiten Chris Pratt y Bryce Dallas-Howard, aunque no son los únicos porque también se suman BD Wong como Henry Wu y se vuelve a recuperar a un bastante desaprovechado Jeff Goldblum en el papel de Ian Malcolm, el cual esperaba que se integrara más dentro de la historia, pero que tan solo sirve para el prólogo y el epílogo de esta película. También tienen presencia en esta cinta otros interpretes más o menos famosos como James Cromwell, Geraldine Chaplin, Toby Jones o Ted Levine entre otros, aunque sin duda alguna las estrellas son esos dinosaurios de todo tamaño y condición, que tienen en esta secuela una presencia tan abrumadora como no recuerdo en las entregas previas, sin importar que sean ambientes terrestres, acuáticos, etc.

Hasta ahora en esta franquicia uno de sus escenarios más comunes habia sido Isla Nublar, que había aparecido en mayor o menor medida en todas las entregas previas, pero la primera parte de esta secuela ya la descarta de ahora en adelante. El motivo está en el volcán de la misma que ha entrado en erupción, llevando al debate de si es mejor que los dinosaurios que la pueblan se extingan (nuevamente) o habría que intentar conservarlos como especies en peligro. Ello es debido a que tras los sucesos del film precedente estos animales han colonizado la isla, conviviendo en los restos de lo que fue el parque temático Jurassic World, donde se les ha dejado existir en tan específico aislamiento, hasta que ahora ha surgido la duda sobre su futuro debido a la destrucción de su habitat por parte de la propia naturaleza. En los tres años que ya han pasado desde la anterior entrega la antes responsable del mencionado parque, Claire Dearing, se ha convertido en una activista a favor de los derechos de los animales que volverá a la isla junto con el experto Owen Grady tras que se ponga en contacto con ella el representante de un antiguo amigo de John Hammond. La intención inicial es salvar a cuantos más ejemplares mejor para llevarlos a una isla preparada para ellos, pero sobre los buenos propósitos se esconden otras intenciones...

El otro escenario primordial de esta película es la mansión Lockwood, donde acontece su segunda parte tras lo que ocurre en Isla Nublar, y que será donde destaque la nueva creación genética de esta película: el Indoraptor. Dicho animal vendría a ser el equivalente al Indominus Rex del film anterior, pero si allí se partía de un Tiranosaurio para generar esa especie nueva, en este caso es de un Velociraptor. Dicha criatura se luce cual si fuera una malévola gárgola, logrando escenas muy notables como las del acoso a la niña protagonista, apareciendo cual si fuera una angustiosa pesadilla (siendo ahi donde se puede hacer más evidente la mano de Bayona, recordando a su primera película: El orfanato) Aunque esta entrega sea una de las mejores de esta franquicia, al menos hasta el momento, también peca de ciertos detalles como lo maniqueo y tópico del villano, o que pasa al final con el personaje de Geraldine Chaplin, que se nota apuesta del propio Bayona para llevar la historia a su terreno, pero cuya presencia sería más que nada testimonial. Pero son detalles sobretodo secundarios si uno se deja llevar por una historia con un encomiable mensaje ecologista en un relato con un tremendo ritmo que se mantiene de una manera acertada durante todo su metraje, y en donde destaca sin duda su segunda mitad en la mansión Lockwood, al ser un escenario hasta ahora inédito en esta saga pero que Bayona aprovecha de forma notable.
============================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de junio de 2018
  • Galeria de posters por este enlace.
  • LA ESCENA: Habría muchas, pero me quedo con las finales (incluida una tras los títulos de crédito) que te dejan CON ANSIAS de que llegue la próxima entrega, justificando el título...
  • LO MEJOR: El magnífico trabajo de Bayona tras las cámaras, alabado por el propio Spielberg, en el que ha sabido conjugar su pasión cinéfila con un estilo propio, además del notable uso de los efectos especiales (combinando tradicionales con digitales) así como todo el tramo que sucede en la mansión Lockwood.
  • LO PEOR: Ciertos detalles del guión, como lo esquemático del villano o la resolución de algunos de sus personajes secundarios.

jueves, 22 de marzo de 2018

READY PLAYER ONE de STEVEN SPIELBERG, crítica sin spoilers

Previsor que soy, hace ya unos meses que me leí la novela homónima de Ernest Cline en la que está basada esta película de Steven Spielberg, la cual ya me era previsible que estaría bien plagada de referencias a la cultura popular de los años ochenta y noventa, de las cuales también se pueden encontrar en la obra literaria, con especial notoriedad hacia las de los videojuegos de aquellos años. Con semejantes características y siendo el director de la película alguien de la talla de Steven Spielberg (sinónimo del más puro cine de entretenimiento de aquellos años), las expectativas eran considerables sobretodo tras el resbalón que tuvo con Mi amigo el gigante, su apuesta previa hacia el cine más comercial, la cual se resolvió por debajo de lo esperado tanto a nivel de crítica como de público.

A la espera de saber que tal le irá a nivel comercial, en esta ocasión el popular cineasta ha acertado, logrando ofrecer 140 minutos de notable entretenimiento, los cuales sólo tienen el handicap de leves altibajos a lo largo de toda su proyección (si se pueden considerar como tales los tramos que pasan en nuestra realidad, si bien pueden querer mostrar la diferencia con el inmenso mundo virtual en el que transcurre gran parte de la historia) Con un ritmo muy trepidante, de lo que sería un ejemplo perfecto su primera hora (que pasa en un suspiro), la gran cantidad de referencias de todo tipo es TAN INMENSA que estamos ante esa típica cinta para repetir y fijarse en nuevos detalles cada vez, ya que hay que agudizar la vista y el ingenio para pillarlos todos.

Entre lo mejor está eso de poder "entrar" en las películas: atención a cierto clásico de Stanley Kubrick basado en una obra de Stephen King que será visitado, provocando los mejores momentos de un título sin duda alguna cargado de ellos. Otro detalle que me dejó bastante sorprendido es su factura visual, que iría un paso más allá de lo logrado por James Cameron en Avatar, si bien me pasó en algunos momentos que era todo TAN virtual que se me hacía algo apabullante, aunque nunca cansino porque cuando puede parecer que agota, tiene en la recámara nuevas novedades, guiños y referencias de todo tipo como para contentar a todos, desde a los jóvenes de hoy en día como a esos que lo fuimos en las décadas de los ochenta y noventa (con especial mención a aquellos rudimentarios videojuegos iniciales, lejos de las cotas de perfeccionismo actual) Resulta evidente el trabajo del autor original de la novela, Ernest Cline, que colaboró en el guión de esta adaptación junto con Zak Penn, ya que la labor de ambos consigue mantener la esencia de la obra literaria pese a evidentes cambios de las páginas a la pantalla. También es justo reseñar la notable y muy bien ajustada banda sonora de Alan Silvestri.

Pero si su apartado visual es de excelente para arriba (de lo mejorcito que he visto en mucho tiempo), el resultado final se compensa con nuestra realidad, que resulta curiosa en principio pero poco atractiva en esencia, quizás intentando mostrar porque todo el mundo escapa hacia ese idealizado universo virtual. Asimismo los actores tienen a su cargo personajes algo maníqueos, de los que poca tajada pueden sacar, provocando que en algunos casos (como el del protagonista) resulten más carismáticas sus versiones CGI que las verdaderas pese al mensaje implícito tanto en la novela como en esta adaptación, de que aunque la realidad no nos resulte atractiva, es la única que tenemos (lo cual puede ser un buen mensaje hacia esos que viven obsesionados con sus vidas virtuales, en muchos casos simple "postureo" hacia una realidad que reflejan de una manera distorsionada) Aparte de la joven Olivia Cooke, en probablemente su trabajo más comercial desde que salió de la serie Bates Motel, el personaje del que me quedé con ganas de más no sería el villano de Ben Mendelsohnn (actor que ya hizo de malo en Rogue One) sino el que lleva a cabo Mark Rylance en su nueva colaboración con Spielberg.
============================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de marzo de 2018
  • Galeria de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Es una buena adaptación de la obra original, con la que comparte ese evidente mensaje de que nunca hemos de olvidar la realidad, a lo que sumar un apartado visual realmente EXCEPCIONAL como no se ha visto en mucho tiempo.
  • LO PEOR: Supongo que de cara a evidenciar el contraste, el tramo en nuestra realidad puede no ser tan fluido y atractivo como el virtual.

lunes, 14 de agosto de 2017

LAS GUERRAS SILENCIOSAS, EL DIARIO DE LA PRINCESA, ORÍGENES SECRETOS (2), TODO EL POLVO DEL CAMINO y READY PLAYER ONE

Sigo descubriendo la obra de Jaime Martín y ahora le ha tocado a Las guerras silenciosas, que bien podría haber sido el preámbulo de su posterior Jamás tendré 20 años, ya que si en aquella premiada historia se centraba en la vida de sus abuelos, en la presente nos cuenta como fue el servicio militar de su padre en Ifni (Marruecos) en la época de los años 60.

Este comic tiene continuos saltos en el tiempo entre un presente donde el propio autor nos revela sus dudas e inquietudes ante la historia que va a narrarnos (no en vano es algo que le toca muy de cerca, al hablar de su padre) hasta el relato de las peripecias de su progenitor, las cuales estaban predeterminadas por esas normas de la sociedad de aquel entonces, en la cual tus funciones básicas eran echarte novia, hacer la mili, casarte y procrear.

El padre del autor llega a África en 1962 en la guerra "silenciada" a la que hace referencia el título de esta obra, un conflicto entre España y Marruecos del que se quería dar la "imagen" de que era un asunto menor, sin informar de los muertos, heridos y desaparecidos que conllevó. Pese a estar en un relativo periodo de "alto el fuego", la tensión en el ambiente es patente, lo que unido a las condiciones realmente infrahumanas en las que tenian a los reclutas realza aún más las anécdotas que pueblan este relato (dando fé de esa veracidad muchas fotos incluidas en el mismo) haciendo de este comic un notable retrato histórico y social de la época.

No estamos ante una historia bélica, aunque su título pueda llevar a pensarlo, sino que lo que nos ofrece aqui Martín es el relato de un periodo de la vida de su padre que era claramente paralelo al que pasaron muchos de los jóvenes de aquella época, lo que justifica que en muchos casos el narrarnos sus "batallitas" sea tan solo el deseo de recordar lo mínimo bueno que hubo entre tanto malo, porque en el fondo lo que tenian que soportar era estar "secuestrados" durante interminables meses haciéndoles perder parte de su juventud para luego retomar sus vidas ya como adultos de pleno derecho (de hecho se decía que uno "se hacía hombre" en la mili) Para más mal que bien, así era la vida en aquellos oscuros años, y esta obra sirve para no olvidarlo.
Creo que con mencionar tan solo Star Wars medio planeta habrá visto alguna de las películas de dicha franquicia (y al otro medio como mínimo le sonarán de algo) por lo que es facil situar a la actriz Carrie Fisher, la cual dió vida al personaje de la Princesa Leia Organa, el cual creo que es el mejor personaje femenino que ha dado dicha saga (aunque esto último es tan solo opinión personal, a la espera de como evolucione la trilogia en curso)

Este libro no es una autobiografía sino que se trata más bien de los recuerdos y anécdotas que vivió la actriz en 1976 cuando se estaba rodando la primera entrega. Teniendo que sobrellevar de pequeña el ser la hija de dos estrellas del Hollywood de aquel entonces como Eddie Fisher y Debbie Reynolds, lo que jamás llegó a figurarse era que aquel personaje en una (en principio) simple y sencilla película de ciencia-ficción la marcaría de por vida y la dejaría encasillada para multitud de espectadores de varias generaciones.

Entre las muchas anécdotas que se citan se me hizo curiosa la de saber que fue rechazada para la película Grease, o que en su momento hizo las pruebas para Leia al mismo tiempo que las hacia para Carrie de Brian de Palma (que ella cita por lo irónico que hubiera sido que llamándose ella Carrie hiciera el susodicho papel en la película del mismo título), aunque sin duda la mayor parte de esta obra se centra en descubrirnos la aventura romántica que tuvo con Harrison Ford durante el rodaje del primer film (incluyendo los poemas que le escribía) 

Narrada desde la distancia que da el tiempo transcurrido (40 años) este libro resulta una lectura muy curiosa tanto para los aficionados al cine en general como a los de Star Wars en particular, ya que podrán acceder más a la actriz por encima del personaje que le otorgó fama mundial. La parte final de este libro es una divertida y sarcástica reflexión sobre lo que ha supuesto la fama para ella, con algunos ejemplos entrañables y conmovedores de lo que le han llegado a decir y/o pedir en la multitud de convenciones de todo tipo a las que ha asistido desde entonces.
Una colección que se titula Orígenes secretos deja bien claro cual será su contenido, por lo que no hay duda que lo que me he encontrado en este segundo tomo recopilatorio de la misma (que ha sido donativo de Ficomic a la Biblioteca Tecla Sala), los orígenes de nueve personajes tan variados de la editorial DC como son Harley Quinn, el Robin de Damian Wayne, Green Arrow, Ciborg, Capucha Roja, Mera, Wonder Woman, Deadman y Sinestro.

Como es evidente, un comic de estas características está orientado hacia los nuevos lectores, para que así conozcan los inicios de algunos de los personajes más famosos de la editorial, con todo que muchos de ellos ya han sido contados en más de una ocasión. De lectura muy concisa (el origen de cada personaje se repasa en breves historias de unas pocas páginas) el resultado global está más orientado a informar a aquellos neófitos abrumados por lo extenso del universo DC (pese a su reciente reinicio) ya que en si es una obra correcta pero en ningún momento ni magistral ni trascendente sino más bien una simple guía para saber quien es quien.
Siguiendo con Jaime Martín ahora ha sido el turno de Todo el polvo del camino, lo que pasa es que en la presente obra es suyo el dibujo tan solo, mientras que el guión corre a cargo de Wander Antunes. La historia está situada en la Gran Depresión Americana, ese periodo de tiempo que ha dado para múltiples obras de cine, literarias, etc. que han analizado tal dificil situación desde todo tipo de ópticas.

En este caso Todo el polvo del camino está centrado en Tom, un hombre que deambula sin destino tras haberlo perdido todo. En su camino se cruzará con Buck, un chaval que busca las aventuras que ha leído en las novelas de su autor favorito (Jack London), pero su encuentro será tan solo breve aunque el destino provocará que sea la justificación para la búsqueda de redención de nuestro protagonista. Eso dará lugar a una gran historia que bien podría ser una especie de road movie en la cual Tom vivirá todo tipo de anécdotas así como encuentros con caracter trágico derivados de la misería que imperaba en dicha época.

Pese a no llegar ni a las 100 páginas Todo el polvo del camino vuelve a demostrar lo buen dibujante que es Jaime Martín, ya que retrata con acierto todos los personajes y lugares por los que circula el relato, ayudado de una documentación bien amplia como se indica en las notas finales. En cuanto a la historia tengo que admitir que en su gran sencillez está su mayor acierto, y si la misma podía dar algún falsa idealización sobre su final (que yo mismo admito haber pensado), el mismo nos muestra que ante todo lo que prevalece es el triste y duro realismo de lo que se vivia por aquel entonces, aunque nos dona un pequeño resquicio para la esperanza. Sin duda un muy buen comic.
Finalizo esta batería de reseñas con Ready Player One, una novela que tenía pendiente de leer desde hace tiempo, que levantó mi interés cuando supe que sería el próximo film de Spielberg y que me hizo decidir por fin dar buena cuenta de ella tras el trailer de la película que salió en la pasada Comic-Con (el estreno de la misma será el 30 de marzo del 2018)

La acción nos situa en un futuro más o menos cercano, en 2044. En esta fecha se nos plantea una distopía donde el mundo no ha ido a mejor sino que la crisis, la superpoblación y la falta de recursos para todos ha provocado que la gran mayoría de la humanidad viva rozando (o incluso cayendo) en el umbral de la pobreza. En ese planeta en decadencia la única vía de escape está en el mundo virtual de Oasis, una realidad informática paralela donde el protagonista reconoce pasar más tiempo que en el mundo real. El gran creador de Oasis fue un excéntrico informático que lo recreo con multitud de detalles relacionados con el entretenimiento y el ocio que hubo en los años 80 del pasado siglo XX, cuando se supone que fue adolescente.

A su muerte (sin herederos) surge una sorpresa en su testamento: dentro de Oasis hay las pistas necesarias para jugar a un juego oculto, el ganador del cual se convertirá en el heredero oficial. Pese a que muchos intentan descubrir ese citado misterio oculto, las crípticas pistas provocan que el juego esté paralizado hasta que al joven Wade en nuestro mundo real (y Parzival en el de Oasis) logra desentrañar la primera. A partir de ese momento se establece una carrera contra-reloj en la que nuestro héroe y los aliados que se le irán sumando tendrán que luchar por llegar al final antes que una corporación que busca el ferreo control de Oasis si consiguen ser los primeros, y que no se parará ante nada para lograrlo.

Igual que la generación actual no entiende un mundo sin internet, lo que nos plantea Ernest Cline es algo similar pero unos treinta años en el futuro, por lo que se justifica muy bien que ante una realidad sin posibilidades para subsistir, la mayoría prefiera vivir en ese mundo virtual creado por un filántropo idealista con síndrome de Asperger. Con esta actual moda de recordar con añoranza lo que hubo en la década de los 80 (y que en el film de Spielberg puede que abarque más) la historia está plagada de referencias a la cultura pop de aquellos años, destacando sobretodo la dedicada a aquellos videojuegos que vistos ahora parecen de lo más arcaicos.

De lectura ágil y entretenida, Ready Player One es una delicia para todos aquellos que fueron adolescentes en los años 80 del siglo XX, si bien en su pléyade referencial quizás se abusa un poco de los videojuegos frente al resto de ocio, por lo que aquellos no muy interesados en ese aspecto pueden perder interés en los momentos en los que la historia se centra más en ellos. Asimismo se le puede achacar el tener unos personajes un tanto maníqueos, algo más evidente sobretodo en el caso de los villanos, pero aún así nadie le niega el gran entretenimiento que es, hasta el punto de que uno se queda con ganas de volver a ese mundo virtual multireferencial.

lunes, 4 de julio de 2016

MI AMIGO EL GIGANTE, infantilismo con sabor añejo y anacrónico

Cuando me leí hace unos meses la historia en la que está basada esta película ya comenté mi relativo temor a que el gigante protagonista se convirtiera en el nuevo Jar Jar Binks, y aunque al final no resulta tan cansino como el odiado personaje digital de La amenaza fantasma, tampoco acaba siendo tan entrañable como se supone que nos tiene que parecer a los espectadores. Con este título Spielberg demuestra seguir siendo un buen narrador clásico (se nota -y bastante- su mano) pero esta variante de su emblemático E.T. (con la que coincide en su guionista, la fallecida Melissa Mathison) dudo que cale en el público como lo hizo el famoso alienígena y su amigo Elliot a principios de los ochenta.

Ojo porque ello no es obstáculo para que en su apartado visual el film no sea realmente asombroso, sobretodo cuando la acción nos descubre el mundo de los gigantes (aparte del carisma de Mark Rylance, nuevo actor fetiche de Spielberg, que consigue que su gigantesco alter-ego digital no resulte tan irritable como pensaba por su enrevesada forma de expresarse) Digamos que con el presente título Spielberg vuelve al pantanoso terreno de otras películas suyas, como por ejemplo Hook, donde un conjunto de elementos a priori más o menos seguros no dan como resultado el producto que nos quieren vender.

Mi amigo el gigante está basada en una historia que el escritor Roald Dahl (autor de títulos tales como por ejemplo Charlie y la Fabrica de Chocolate) le dedicó a su fallecida hija de ochos años. La misma nos cuenta como una pequeña huérfana descubre durante una noche a un gigante benévolo que la llevará a su pais, donde verá la afición de este por atrapar y conservar sueños en tarros de cristal, y junto al que solicitará ayuda a la Reina de Inglaterra para acabar con el secuestro de niños por parte de los otros gigantes malvados, que los cogen para comérselos (de ahi el apelativo de "guisantes" con el que estas criaturas se refieren a los seres humanos)

Con semejante sinopsis, y teniendo en cuenta ese tono infantilizado que le ha dado Spielberg a muchas de sus obras (sean dirigidas o producidas por él) la película será disfrutada por los niños pequeños, mientras que el público adulto asiste a un film con sabor añejo y anacrónico en su desarrollo dramático, que parece llamar a gritos a la infancia perdida, aquella que tuvimos los ahora treintañeros y cuarentones en una etapa preinternet y prevideojuegos que los chavales de hoy en día ya no han vivido (de ahi mis dudas sobre como este título calara en el imaginario colectivo, especialmente por la saturación de blockbusters que hay en la época veraniega: en el fin de semana de su estreno la también infantil Buscando a Dory de Pixar, pese a llevar tres semanas en cartelera, recaudó más del doble que esta película)

En resumen podemos decir que partiendo de una base que podría haber dado un clásico infantil tenemos en su lugar un film correcto (que no es poco, pero viniendo de Spielberg sabe a poco) al que quizás le falta ese carisma que uno esperaría de un director que marcó con su obra la infancia y adolescencia de varias generaciones. Todo esto, eso si, es mi opinión en un pase de prensa previo en versión original subtitulada, por lo que según como haya realizado el doblaje en este pais (lo digo por la forma de hablar del gigante) será clave para que guste (o no) en mayor o menor medida, aunque insisto en que es el trabajo de Mark Rylance el que logra que su personaje no sea el nuevo Jar Jar Binks, pese a que no por ello (pese a que lo intentan) me transmitió la ternura que tuvo E.T.
=====================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de julio de 2016
  • LA CURIOSIDAD: El título original tanto de la historia original como de la película (The B.F.G.) serían las siglas de Big Friendly Giant, traducido literariamente como Gran Gigante Bonachón o aqui por el escueto Amigo Gigante.
  • LA ESCENA: Para ayudar a la digestión el gigante tiene una bebida que en vez de hacerte eructar, te hace tirarte pedos (por algún sitio tiene que salir el aire) Imaginaos eso en el Palacio de la Reina de Inglaterra...
  • LO MEJOR: El trabajo de Spielberg (que incluso en sus horas más bajas es uno de los mejores directores en activo) y la labor de Mark Rylance, pese a la necesaria digitalización para su alter-ego gigante.
  • LO PEOR: La enrevesada forma de hablar del gigante (tanto del protagonista como del resto) que parece un simple recurso para buscar la risa facil entre los más pequeños (e irritar a los adultos)

miércoles, 23 de diciembre de 2015

EL GRAN GIGANTE BONACHÓN (lectura de biblioteca de la próxima película de STEVEN SPIELBERG) y mis felicitaciones navideñas para todos

Este próximo verano (en julio para ser exactos) se estrenará la nueva película como director de Steven Spielberg, que para la Disney se ha encargado de Mi amigo el gigante, adaptación de la novela El gran gigante bonachón de Roald Dahl (bajo mi reseña teneis el teaser trailer de ese film) y que ha sido además el guión póstumo de Melissa Mathison, que fue también la autora del libreto de E.T. el extraterrestre (probablemente el film más mítico de Spielberg)

Con mi logica curiosidad la citada novela ha sido mi más reciente lectura de biblioteca, y aunque tengo la confianza del cinéfilo que vió marcada su infancia (en el buen sentido) con el famoso E.T. antes citado, no sé yo lo que puede salir de aqui. La historia es muy sencilla (no en vano es infantil) y los personajes principales serían la joven Sofia (que cumple todos los estereotipos de personaje Dickensiano, incluyendo el estar en un orfanato) y el Gran Gigante Bonachón (que se abrevia con las siglas G.G.B. en español, y B.F.G. en su versión inglesa) que secuestrará a la primera cuando una noche ella lo ve de manera fortuita (aqui no hay spoilers, eso es tanto el inicio de este cuento como lo que se ve en el primer teaser trailer del film dado a conocer hace unos dias)

Como obra orientada hacia el público infantil (la novela sería apta para chavales de 12 años en adelante) digamos que es entretenida y correcta. El gigante protagonista se aliará con la pequeña Sofia para pararle los pies al resto de gigantes de su grupo, aficionados a secuestrar y comerse niños (con lo que esa premisa me recordó al manga Ataque de los titanes, donde también seres gargantuescos comen humanos) Pero tengo dudas sobre cual pueda ser el resultado final porque hay sin duda un detalle MUY enervante en la forma de hablar del Gigante (tanto del bueno como de los malos): con la excusa de que nunca ha ido al colegio su dicción es HORRENDA y su forma de expresarse, inventandose o variando dos de cada tres palabras que salen por su boca, me hizo recordar al Jar Jar Binks de las precuelas de la saga Star Wars (con lo cual será facil que conecte con los más pequeños y les haga gracia... pero que a los adultos puede llegar a crisparles los nervios)

Aprovechando ya que la Navidad está a un tiro de piedra, comparto por aqui las felicitaciones que he hecho por tal motivo, que algunos habreis recibido por email, otros habreis visto por Facebook y ahora si que todos podeis ver por aqui. ¡A pasarlo bien!

jueves, 19 de noviembre de 2015

EL PUENTE DE LOS ESPIAS, una muy buena película de SPIELBERG

Nuevo proyecto en común de Steven Spielberg como director y Tom Hanks de protagonista, después de que ambos ya coincidieran en las mismas funciones en títulos como Atrápame si puedes, La terminal y sobretodo Salvar al soldado Ryan (que le valió a Spielberg ganar su segundo Oscar como mejor director, tras el que consiguió por La lista de Schindler)

Con la clara intención de ser apreciada para la próxima temporada de premios, su paso por la taquilla ha sido discreto (no estamos sin duda ante el Spielberg más comercial, sino más bien ante el más personal), si bien de momento ya cubre su presupuesto de 40 millones de dólares. Pese a todo es indudable el afirmar que estamos ante una película de ritmo clásico y de narración muy fluida, en la que Spielberg nos vuelve a demostrar por qué (cuando quiere) sigue siendo uno de los mejores directores que tenemos en activo.

Este título respira clasicismo por todos sus poros, y su ambientación de dicho periodo histórico resulta muy acertada (sobretodo cuando la acción se traslada a Alemania) beneficiada por detalles como un buen guión (por parte de los hermanos Coen) y unas acertadas banda sonora (de Thomas Newman) y fotografía (de Janusz Kaminski, un habitual en la filmografía de Spielberg), consiguiendo que la enésima historia sobre la Guerra Fría (un conflicto histórico visto ya hasta la saciedad) sea una película disfrutable para el espectador actual.

Asimismo el director no cae en el patriotismo gratuito que una historia así podía mostrar, centrándose en la parte más humana de la misma, para lo que siempre va bien contar con los servicios de un actor como Tom Hanks (que suele conseguir esa imagen de nobleza e integridad, de un héroe capaz de enfrentarse a todos en pos de lo que cree justo) Eso si, el mejor personaje no sería el suyo, sino el supuesto espia soviético al que da vida Mark Rylance, que espero que sea valorado en su justa medida en la próxima temporada de premios, ya que su trabajo resulta sin duda soberbio.

Aún así si que se le puede achacar a El puente de los espias de caer en cierta simplicidad a la hora de hacer la diferencia entre buenos y malos, lo cual queda evidente en el trato que recibe cada uno de los presos en su respectiva carcel (los americanos tratan bien al suyo mientras que los rusos se muestran más bruscos) También se le puede echar en cara una moderada sensiblería a la hora de reflejar la heróica labor de su héroe (el personaje de Hanks) intentando hacer lo correcto y justo (un doble canje de prisioneros), pese a que le indican que se centre en lo que se estipuló en origen.

Ese idealismo que destila su vulnerable protagonista puede restarle algo de credibilidad (parece un heredero de los héroes clásicos como James Stewart, algo hoy en día un tanto obsoleto), si bien se puede entender como una visión de los valores morales que Spielberg cree que no se tendrian que perder. En resumidas cuentas, sin tener la crudeza de La lista de Schindler (puede que el mejor film digamos "serio" de su director) este título si nos sirve como digno heredero de ese clasicismo que en la actualidad está en vias de extinción (si acaso Clint Eastwood sería otro director de la vieja escuela que aún lo practica) y confirma a su responsable con la merecida fama y valoración lograda con su trabajo en las últimas décadas.
=============================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • Más información en la web de la película
  • EL MOMENTO: Cuando la acción se traslada a Alemania, donde la ambientación es realmente muy acertada.
  • LO MEJOR: El trabajo de Mark Rylance, simplemente soberbio
  • LO PEOR: Ciertos defectos inherentes al estilo de narrar de su director.
  • LA CURIOSIDAD: Este es el cuarto trabajo en común de Steven Spielberg y Tom Hanks, los mismos que ha tenido el director con Harrison Ford, lo que motivó unas declaraciones en las que afirmó que haría Indiana Jones 5 para así romper ese empate que hay entre los dos actores.

viernes, 12 de junio de 2015

JURASSIC WORLD, muchos dinosaurios y unos tacones muy resistentes

FICHA TÉCNICA

Título: Jurassic World
Título original: Jurassic World
Dirección: Colin Trevorrow
País: Estados Unidos
Año: 2015
Fecha de estreno: 12/06/2015
Duración: 124 min
Género: Aventuras, Ciencia ficción
Reparto: Vincent D'Onofrio, Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Jake M. Johnson, Nick Robinson, Ty Simpkins, Irrfan Khan, B.D. Wong, Omar Sy, Judy Greer
Distribuidora: Universal Pictures International (UPI)
Productora: Amblin Entertainment, Legendary Pictures, Universal Pictures International (UPI)

SINOPSIS

Cuarta entrega de la famosa saga de dinosaurios inaugurada por Steven Spielberg en 1993 con 'Parque Jurásico'. Veintidos años después del catastrófico ensayo perpetrado por John Hammond, Isla Nublar por fin está funcionando como el parque temático que debía ser. La gente paga una fortuna por visitarla y ver de cerca a los dinosaurios, que ya no son una especie extinguida. Sin embargo, el estreno de una nueva atracción va a ser el inicio de otra pesadilla que podría desencadenar el dominio de los gigantescos reptiles sobre la Tierra... igual que hace 65 millones de años.

CRÍTICA

Lo normal ante el éxito de una película era sacar la secuela cuanto antes mejor, pudiendo ser de año en año (caso de Saw) aunque que la tercera entrega de Men in Black llegará una década más tarde del anterior film (o que se hable de secuelas de Independence Day 20 años después o Blade Runner más de 30 años después) ya es sinónimo de que en el mundo del cine nada está muerto y todo es reutilizable. Asimismo otro concepto muy usado es el de reboot, aplicable ahora sobretodo a los superhéroes (Batman, Spider-Man) pero que no priva para ser usado por cualquier franquicia, como es el caso.

22 años después de que Steven Spielberg estrenara la saga (con una película que simplificaba hasta lo infantil la bastante mejor novela de Michael Crichton) y a la que siguieron dos secuelas más en 1997 y 2001 (siendo más o menos aceptable la segunda, totalmente olvidable la tercera) volvemos a una franquicia que en principio se consideraba cerrada, después de la muerte en 2008 de su autor literario. Pese a los varios intentos que hubo de realizar una cuarta entrega (barajando la idea de mezclar híbridos entre humanos y dinosaurios en algunos de los guiones previos) 14 años después se han decantado por un reseteo que al mismo tiempo funciona como secuela de la primera entrega (las otras ni se citan)

Avalada de nuevo por Steven Spielberg como productor, es curioso recordar que aparte de su labor en el primer film, suyo es también el mérito de haber dado nuevos matices a las "películas de monstruos" cuando hace 40 años nos presentó a su Tiburón. Eso sirve para ver la evolución del genérico "cine de monstruos": donde los efectos especiales más "artesanales" hacian que diera más miedo sugerir que mostrar (ya que en ese momento podía verse el trucaje), en esta Jurassic World se decanta por pecar por exceso que por defecto, de manera que se sustituye el suspense que si tenía Parque Jurásico en algunos momentos (recordar la escena de la cocina) por lo espectacular de cuantos más dinosaurios mejor.

Cabe agradecer que los niños (porque si, hay dos niños) que aparecen en esta entrega no caen tan repelentes como los de la primera y la segunda (la tercera no la cuento porque falla en muchos más conceptos), notándose el ataque que sufren los chavales en la giroesfera como claro homenaje al primer ataque del Rex en el film original. Y es que el primer título está muy presente e incluso sus acontecimientos son citados, y se ven algunos elementos y detalles que nos la recuerdan, pese a que el esquema de esta secuela es el mismo, aunque ahora sin la sorpresa de como son los dinosaurios.

Jurassic World es una trepidante película de aventuras, así como (sin lugar a dudas) la mejor secuela de la saga hasta la fecha, pero dentro de su (quizás) excesivo respeto hacia el origen de la franquicia, pierde los elementos de ciencia-ficción (e incluso de terror) que vimos en la película de 1993 (se nota bastante más la mano de Spielberg como productor que de Trevorrow como director, que se limita a ofrecer el espectáculo que todos esperaban) Del reparto citar lo bien que cumple Chris Pratt, que sin duda hace méritos para ser el nuevo Indiana Jones, tras verlo aqui como experto en velociraptores (y después de haberlo descubierto el gran público en Guardianes de la galaxia la pasada temporada).

Pese a lo evidente de que los personajes antipáticos o esquemáticos duraran más bien poco con vida (valga ahi de ejemplo el que encarna Vincent D'Onofrio, cuyo destino se hace muy previsible desde que aparece) hay un detalle que resulta MUY curioso: el personaje al que interpreta Bryce Dallas Howard comienza en un plan un tanto prepotente para luego pasar a ser una variante de Ripley (verla con la camiseta de tirantes) pero ATENCIÓN a sus zapatos: ¡son de tacón alto, pero pese A TODO lo que le pasa no se descalabra con ellos! Sin duda será la envidia de muchas mujeres (nótese mi sarcasmo...)

Aunque en esta película no repite ninguno de los protagonistas de la película inicial, si hay un actor que regresa: BD Wong vuelve a encarnar al genetista Doctor Henry Wu. En cuanto a lo más vistoso (los dinosaurios) no son 100% fieles a lo que debieron ser porque como dicen los personajes en un momento de la acción, lo que querian eran bichos más grandes y con más dientes (lo que se hace evidente en el caso del Mosasaurio, que realmente fue más bien del tamaño de un delfin que no de una ballena como aparece aqui)

LO MEJOR: Se posiciona sin problemas como la mejor secuela de la franquicia (hasta la fecha), siendo un espectáculo muy entretenido y una aventura realmente trepidante, que no decepcionará a los que busquen eso (aparte del placer que es de nuevo escuchar en una sala de cine la banda sonora de John Williams, realmente mítica)

LO PEOR: Quizas demasiado respeto hacia la película inicial de 1993 (que tampoco era ninguna genialidad) lo que le resta entidad propia a esta secuela reboot, notándose más la mano del productor que del director. Y esos tacones tan fantásticos de ella...