THE SPIRIT de FRANK MILLER (la peor adaptación de un comic vista en años)

FICHA TÉCNICA

Título: The Spirit
Dirección: Frank Miller
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 103 min.
Género: Drama, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Gabriel Macht, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Eva Mendes, Jaime King, Paz Vega, Eric Balfour, Stana Katic, Johnny Simmons, Sarah Paulson, Seychelle Gabriel, Dan Lauria, Louis Lombardi, Meeghan Holaway, Richard Portnow, Genia Michaela
Guión: Frank Miller
Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España
Productora: Lionsgate, Odd Lot Entertainment, Continental Entertainment Group (CEG)
Cásting: Jennifer L. Smith, Mary Tricia Wood
Dirección artística: Rosario Provenza
Fotografía: Bill Pope
Montaje: Gregory Nussbaum
Música: David Newman
Productor: Alton Walpole, Deborah Del Prete, F. J. DeSanto, Gigi Pritzker, Linda McDonough, Michael E. Uslan
Productor asociado: Marc Sadeghi
Productor ejecutivo: Benjamin Melniker, Bill Lischak, Michael Burns, Steven Maier
Vestuario: Michael Dennison

SINOPSIS

El policía novato Denny Colt (Gabriel Match) es asesinado pero regresa del más allá dispuesto a seguir combatiendo las fuerzas del mal que se esconden en Central City. Ahora su nombre es The Spirit. En esta ocasión debe hacer frente al Octopus (Samuel L. Jackson), que pretende arrasar toda la ciudad. Mientras intenta detenerle, The Spirit se encontrará con varias mujeres (Scarlett Johansson, Eva Mendes, Jaime King) que pueden ayudarle, enamorarle... o destruirle para siempre.

CRÍTICA

Vamos a ver, ¿por donde empiezo yo a comentar semejante despropósito? Porque si personalmente considero a los films Catwoman y Batman & Robin como las peores adaptaciones de un comic al cine de los últimos años, esta The Spirit no les va a la zaga. Y lo peor es que está hecha por un señor al que se le supone que entiende de comics, que es a fin de cuentas el origen del material adaptado.

De los tebeos del personaje de Will Eisner no puedo opinar mucho porque tan sólo me leí unas historias hace unos años pero que no me acabaron de convencer, principalmente porque eran de un estilo muy retro y anticuado (dicho esto con todos mis respetos hacia el valor artístico de las mismas), ya que no olvidemos que el origen del personaje data de los años 30/40 del pasado siglo XX. Aún así no eran historias despreciables, si bien su estilo hacía pensar en ocasiones en esas series negras protagonizadas por Humphrey Bogart o James Cagney. Cuando Frank Miller dijo que realizaría la película y cuando se empezaron a ver las primeras imágenes de la misma, muchos se llevaron las manos a la cabeza por el gran parecido visual que guardaba con la adaptación que hizo Robert Rodriguez junto con Frank Miller del comic Sin City, obra de este último. A mi me llamó la atención ese detalle pero no le dí mayor importancia ya que si se quería adaptar al personaje en una película aceptable para el público actual, había conceptos que tenian que ser modernizados. Esto lo comento porque uno de los pocos puntos positivos del film es su ambientación, muy deudora de la citada Sin City pero aún así vistosa y llamativa.

Pero el mayor problema de The Spirit es el guión, o probablemente la ausencia del mismo. Provocando que seguramente Will Eisner se esté revolviendo en su tumba ante el despropósito que han hecho con su personaje, Miller hace una película retro sólo en aspecto, pero contemporánea en multitud de detalles, provocando un anacronismo en el cual no sabes donde situar la acción del film (por citar unos detalles, no me cuadra que los personajes vistan de manera parecida a la sociedad de los años 40 del siglo XX, cuando nació el personaje, pero que luego en cambio se cite internet o se vean detalles contemporáneos como... una fotocopiadora). Vamos, que no tengo problemas en ese aire que toma elementos visuales prestados tanto de Sin City como incluso de las adaptaciones de Batman hechas por Tim Burton... pero que un hombre que se supone que sabe de comics como Frank Miller no sea capaz de dejar su impronta personal en la película dice poco de él y mucho de la calidad de Robert Rodriguez, el (finalmente) verdadero director de Sin City (Miller debía estar por allí pasando el rato y tomando notas para luego hacer... "esto").

Los actores tampoco ayudan mucho: Gabriel Macht resulta soso como protagonista, no destacando tampoco como héroe (y encima siendo doblado en español por el mismo que lo hizo a Chris O'Donell (el Robin de las nefastas películas de Batman realizadas por Joel Schumacher), con lo cual la voz de memo no se la quita nadie). Por su parte Samuel L. Jackson hace una interpretación totalmente histriónica, queriendo ser una especie de Joker pero resultando ser un villano de opereta al que nunca te acabas de creer y que da más vergüenza que la propia película en si. Lo que hay que reconocer es que son llamativas todas las féminas que pueblan el film, pero sólo sirven de eso, para hacer bonito, como demuestran los insípidos personajes de Eva Mendes, Scarlett Johansson o Paz Vega (lo de esta última no tiene nombre porque eso de interpretar a una francesa siendo española y que aparezca bailando una especie de danza árabe... ¡oh, como para sentir vergüenza ajena!).

Pero principalmente lo peor de todo es el ridículo total del conjunto y la gran cantidad de escenas vergonzosas que hay. Citaría para ello cada momento donde aparece un descontrolado Samuel L.Jackson, cuando se mezclan símbolos nazis (en la escena más vergonzosa de toda la película) con productos míticos (lo de la sangre de Heracles que da la inmortalidad), que el protagonista reconozca la acción de Sand Saref en una de sus investigaciones... porque esta se hizo una fotocopia del culo o la estupida escena donde Spirit se lanza con los pantalones bajados sobre un ascensor (¡!). También se cita en un momento dado a Robin (el compañero de andanzas de Batman) mientras que el origen de Spirit y de Octopus parece querer otorgarse a una especie de suero super-soldado como el que creó al Capitán América. Son probablemente los únicos detalles que sirven como guiños hacia el espectador que también sea lector de comics (junto con uno sobre Steve Ditko hacia el final), pero os aseguro que sin ser una comedia me he reido en gran cantidad de ocasiones, lo cual resulta lamentable para tomarse en serio una obra de estas características (que no creo que aspirara a causar la risa).

Y para el final dejo el tema de los ayudantes del villano (aunque la verdadera villana sería el personaje de Scarlett Johansson, porque parece ser la que maneja a Octopus). No sé que voz tienen en la versión original pero en español han sido doblados de tal manera que parecen unos extras de un show de Los Morancos. Si a eso unimos todo lo comentado previamente tengo que decir que aunque yo tengo tragaderas muy amplias y acepto según que tipo de películas aunque sean un bodrio, que un señor que ha dado obras maestras al comic como demuestra su etapa en Daredevil (y eso por poner sólo un ejemplo) me coja una obra catalogada de clásico y me haga esto... es como para cubrirlo de collejas de aqui hasta Marte. Y lo peor es encima como se compare con otras adaptaciones de comic como El Caballero Oscuro, ya que parece mentira que el mismo año en que Christopher Nolan demuestra como hacer una película basada en un comic que guste tanto a crítica como a público, el señor Frank Miller estrene semejante bodrio.

LO MEJOR: La ambientación (muy al estilo Sin City con elementos de los Batman de Tim Burton) y las mujeres (todas sexys).

LO PEOR: El ridículo argumento, el vergonzoso villano, los aún más vergonzosos ayudantes del villano, el anacronismo entre el estilo visual y los elementos citados, y los actores: desde el que se pasa tres pueblos (Samuel L.Jackson) como del que se queda corto (el protagonista) pasando por las que están sólo para hacer bonito (todo el plantel femenino).

FRANKENWEENIE de Tim Burton (crítica más el corto vía Youtube)

FICHA TÉCNICA

Nombre original: Frankenweenie
Año: 1984
Duración: 27 minutos
Estudio: Walt Disney Productions
Productor/Productor asociado: Julie Hickson/Rick Heinrichs
Director: Tim Burton
Guión: Leonard Ripps
Fotografia (blanco y negro): Thomas E. Ackerman
Montaje: Ernest Milano
Música: Michael Convertino, David Newman
Dirección artística: John M. Mansbridge
Diseño de vestuario: Jack Sandeen
Reparto: Shelley Duvall (Susan Frankenstein), Daniel Stern (Ben Frankenstein), Barret Oliver (Victor Frankenstein), Joseph Maher (Mr. Chambers), Roz Braverman (Mrs. Epstein), Paul Bartel (Mr. Walsh), Domino (Ann Chambers), Sparky (Sparky)

SINOPSIS

El perro de Victor Frankenstein, Sparky, muere atropellado por un coche cuando corre hasta la carretera detrás de una pelota. No obstante, Victor ha visto en clase de ciencias como su profesor revivía una rana muerta mediante electricidad. Después de todo, tal vez hay otra oportunidad para Sparky...

CRÍTICA

Hay directores cuyas temáticas preferidas son siempre las mismas, siendo elementos y estilos característicos de ellos (desde sus orígenes) en todas sus obras. En este caso la prueba está en este cortometraje de Tim Burton, donde ya se pueden ver varios de los elementos que serían típicos de su filmografía (por citar unos ejemplos, el cementerio recuerda al de Pesadilla antes de Navidad, mientras que el recosido perro protagonista puede recordar a la Catwoman de Batman vuelve o a la Sally de la ya citada Pesadilla antes de Navidad). Incluso siendo la base la misma se podría considerar un ensayo de lo que luego el propio Burton hizo en Eduardo Manostijeras (otro homenaje al clásico de Mary Shelley, pero desde un punto de vista más personal).

En resumidas cuentas, ¿qué es Frankenweenie? pues una muestra no sólo de la (futura) genialidad de Tim Burton, sino que además es un declarado homenaje al Frankenstein de James Whale, realizado con un clarísimo respeto hacia la obra original, aqui adaptada en un (más o menos) tono infantil... que es donde radica el problema. En su momento (el corto ya tiene casi 25 años) fue considerado demasiado fuerte para los niños de la época por la Disney (su productora) y sólo tuvo estrenos restringidos, recuperándose ahora (junto con el también genial corto Vincent) para la edición en DVD de Pesadilla antes de Navidad.

Poco más puedo añadir de un clásico donde ya se veian los elementos más característicos de la filmografía de su director, el cual tiene en proyecto para la citada Disney un remake en formato largometraje de este corto, realizándose en stop-motion (la animación fotograma a fotograma empleada en títulos como la antes citada Pesadilla antes de Navidad).

LO MEJOR: Todo

LO PEOR: Nada

FRANKENWEENIE de Tim Burton (vía Youtube)

AUSTRALIA con Hugh Jackman y Nicole Kidman

FICHA TECNICA  

Título: Australia, Dirección: Baz Luhrmann, País: Estados Unidos, Australia, Año: 2008, Duración: 165 min., Género: Drama bélico, Reparto: Hugh Jackman, Nicole Kidman, David Wenham, Bruce Spence, Bryan Brown, Bill Hunter, Jack Thompson, Ben Mendelsohn, John Jarratt, Jacek Koman, David Gulpilil, Essie Davis, Barry Otto, Brandon Walters, Guión: Stuart Beattie, Baz Luhrmann, Distribuidora: 20th. Century Fox, Productora: Twentieth Century-Fox Film Corporation, Bazmark Films, Cásting: Nikki Barrett, Ronna Kress, Dirección artística: Ian Gracie, Karen Murphy, Diseño de Producción: Catherine Martin, Montaje: Dody Dorn, Michael McCusker, Música: David Hirschfelder, Mandy Walker, Productor: Baz Luhrmann, Catherine Knapman, Catherine Martin, G. Mac Brown, Paul 'Dubsy' Watters, Vestuario: Catherine Martin

SINOPSIS 

Ambientada en el Norte de Australia durante la Segunda Guerra Mundial, se centra en una aristócrata inglesa (Nicole Kidman) que hereda un rancho del tamaño de Maryland, propiedad de su marido fallecido (Ben Mendelsohn). Cuando los grandes ganaderos ingleses trazan un plan para hacerse con sus tierras, ella se alía de mala gana con un tosco conductor de ganado (Hugh Jackman) para conducir 2000 cabezas a través de centenares de millas de la tierra más implacable del país, solo para encontrarse con el bombardeo por parte de los japoneses a Darwin, Australia.  

CRÍTICA 

No me considero un fan del director Baz Lurhman, pero tengo que reconocer que pese a que no me acabó de entusiasmar la versión actualizada de Romeo y Julieta que hizo a mediados de los noventa, si me gustó bastante en su día el musical Moulin Rouge, la primera vez que trabajó junto a la también protagonista de esta película, Nicole Kidman. Pero es mejor ir a ver este film sin ideas preconcebidas porque uno se va a llevar una ingrata sorpresa si espera algo parecido a lo visto en sus anteriores films... o no. 

Y es que las historias de un amor apasionado que han inundado la filmografía de Lurhman se vuelven a ver aquí, porque no cuesta mucho imaginarse que la pareja protagonista acabará junta (por si de por sí la imagen del poster no hubiera dejado claro ya ese detalle). Pero Australia es más (y podía haber sido más) de lo que nos muestra en su extenso metraje, y ahí es donde probablemente entra la pretenciosidad de su director. Cuando uno trata con la obra de otros nombres como por ejemplo James Cameron ya sabe que sus películas serán GRANDIOSAS en todos los términos (no necesariamente de calidad pero si de medios técnicos y artísticos). Con Australia uno tiene la sensación de que esta película tenía que haber sido realizada por un director megalómano (tipo el citado Cameron), ya que ellos probablemente hubieran llevado la historia hasta sus últimas consecuencias, no cayendo en la previsibilidad (y por lo tanto la falta de interés) que es lo que ocurre aqui. 

Y es que hay que reconocer la verdad, lo que pesa más en este film es su duración, especialmente tras una primera parte brillante que me hacía preguntar si estaba ante una de las mejores películas del año. Es cierto que cae en todos los tópicos del cine épico, (que sería donde más bien se puede englobar el presente film), pero durante ese tramo la película consigue sacar méritos tanto del apartado artístico como del técnico, combinando a la perfección los géneros sobre los que trabaja, y demostrando brillantez en todo momento; no como para decir que estamos ante un clásico pero si ante una película de esas que te dejan plenamente satisfecho en todos los aspectos. 

Lo que ocurre es que llega cierto momento en que parece que el film se acaba... y es ahí donde se tenía que haber acabado. Ese tramo donde baja el nivel es el que acontece en el ataque japonés contra Australia, ya que esa parte recuerda bastante a Pearl Harbor (no en vano narra un hecho del mismo periodo) y es ahí donde el relato se vuelve más previsible; si bien consigue mantener un nivel entretenido (por el interés sobre la historia y los personajes levantado en el tramo inicial) aunque con altibajos, sobretodo por el supuesto destino de uno de los protagonistas. Con esto me refiero a esa noticia vista recientemente donde se comentaba que Lurhman había transformado un melodrama en un drama romántico, cambiando el destino final del personaje de Hugh Jackman, que en un principio moría al final de la película. Dicha noticia la veo más que posible viendo la película porque hay un momento -ATENCIÓN SPOILER- en el que parece que ha muerto el personaje de Kidman (sin ser así) -FIN DEL SPOILER- con lo cual me imaginaba una resolución al estilo de Romeo y Julieta. Eso no se produce en búsqueda de un final feliz no necesariamente forzado pero si bastante cogido con pinzas, especialmente por el destino del villano que ha estado fastidiando a los protagonistas, resuelto de manera visualmente impecable pero argumentalmente pobre (después de todo lo acontecido uno piensa: ¿y así AHORA? ¿no podía haber sido antes?). 

Es por eso que probablemente debido a cierta pretenciosidad por parte del director el resultado global de la película es simplemente entretenido, más debido a una muy interesante primera parte que a una más previsible segunda, lo cual puede hacer recordar a films al estilo de Titanic por el estilo épico que se le imprime al argumento pero donde James Cameron consiguió una obra memorable, Lurhman se deja llevar por cierta pretenciosidad pensando que está haciendo una obra maestra... pero no consiguiéndolo por querer abarcar demasiado.  

LO MEJOR: La pareja protagonista (sobretodo en la parte inicial cuando se describen las características de cada uno de ellos), la fotografía (no me extrañaría para nada una nominación o incluso un premio en este apartado) y un tono épico perfectamente desarrollado en su primera mitad, antes del tramo que acontece tras el ataque japonés contra Australia. 

LO PEOR: Lo que era un buen inicio que podía haber dado una de las mejores películas del año no se consigue llevar a sus últimas consecuencias, provocando altibajos de calidad (sobretodo en su segundo tramo, que opta más por el drama que por la aventura y la épica de la primera parte) dejando un producto simplemente entretenido... que podía haber llegado a más.

ULTIMÁTUM A LA TIERRA (2008)

FICHA TÉCNICA

Título: Ultimátum a la Tierra (2008)
Título original: The Day the Earth Stood Still
Dirección: Scott Derrickson
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 103 min.
Género: Ciencia-ficción
Reparto: Keanu Reeves, Jennifer Connelly, Jon Hamm, Kathy Bates, John Cleese, Brandon T. Jackson, Jaden Smith, James Hong, Aaron Douglas, Roger R. Cross
Guión: David Scarpa
Distribuidora: Hispano Foxfilm
Productora: Twentieth Century-Fox Film Corporation
Dirección artística: Don Macaulay
Diseño de Producción: David Brisbin
Fotografía: David Tattersall
Montaje: Wayne Wahrman
Música: Tyler Bates
Productor: Erwin Stoff, Gregory Goodman, Paul Harris Boardman
Vestuario: Tish Monaghan

SINOPSIS

Remake del clásico dirigido por Robert Wise en 1951 en el que un extraterrestre (en este caso, Keanu Reeves) llega a la Tierra acompañado por un robot gigante. Su objetivo es plantear un ultimátum a los humanos: o cesan de batallar entre ellos, o se verá obligado a intervenir.

CRÍTICA

Tengo que reconocer que ví la versión original de este film hace un año aproximadamente, sabiendo que estaba en proyecto el presente remake. La película, muy propia de la época en que se rodó (mediados del siglo XX), ahora mismo se ve más como curiosidad anecdótica que porque tenga unos efectos especiales destacables (sino más bien arcaicos) o un desarrollo espectacular (sino más bien propio de las historias de ciencia-ficción típicas de la Guerra Fría). Vamos, que es un clásico pero debido a lo desfasado que ha quedado, un remake hecho en la actualidad podía ser un proyecto no tan descabellado siempre que más o menos siguieran la tónica del film original pero actualizando los aspectos arcaicos del mismo.

Pues no, nada de eso. Este nuevo Ultimátum a la Tierra peca de todo: de duración (10 minutos más que el film original para contar lo mismo o menos), de sentimentalismo (con un niño repelente interpretado por el hijo en la vida de real del actor Will Smith, el aspecto más flojo del film) y de efectos especiales exagerados e innecesarios (la destrucción que provoca Gort cuando se convierte en esa especie de nube de bichos nanotecnológicos que arrasan todo lo que pillan por su paso... y esto no es spoiler porque se ha visto en casi todos los trailers). Destacaría, eso si, el aspecto final del citado Gort, que cuando tiene su forma robótica si tiene parecido con el de la película original, si bien aqui a tamaño King Kong.

¿Y la historia? Pues si en los años 50 el extraterrestre avisaba a los humanos sobre su extremada belicosidad, aqui viene a decirnos que estamos destruyendo nuestro planeta y nos van a exterminar para que éste se pueda regenerar. Con esta base cuyo final podía haber sido desde una variante del visto en la película original (con Klaatu dando su mensaje antes de marcharse) a uno más destroyer (porque expuesto asi la humanidad si se merece su exterminio) el film finalmente opta por el más estupido de todos que se resume en la frase "cambiamos cuando estamos al borde del precipicio". Y ya no digo más si bien hay relativos spoilers a partir de ahora.

Empecemos: a diferencia de la parábola cristiana que era la película original (por aquello de la muerte y resurección del protagonista) aqui se mezclan conceptos de Starman pero con un Keanu Reeves que cruza su estética de Constantine con su cara de palo vista en Matrix. Por su parte Gort se parece, tal y como he citado, al original pero ¿porque se transforma luego en esa nube de bichos nanotecnológicos? ¿porque Klaatu comenta que no sabe si podrá pararlo cuando se supone que ha sido él quien lo ha traido? Pero aún hay más: ¿porqué Klaatu se comunica con el personaje encarnado por Jennifer Connelly una vez que se escapa, cuando lo lógico es buscar a alguno de los líderes mundiales con los que quiere comunicarse? Y si quiere comunicar su aviso a ellos, ¿porque se escapa rumbo a "no-se-sabe-donde" para luego volver otra vez a la ciudad cuando Gort ataca? ¿Porqué la protagonista es científica si para el caso podía haber sido cualquier cosa, hasta ama de casa como en el film original? ¿porqué John Cleese sale sólo un momento y con lo que dice ya convence a medias a Klaatu? (de hecho la frase que cito arriba para que el protagonista se de cuenta de su error viene a colación por el comentario del personaje de Cleese), ¿porque Klaatu sólo puede parar a Gort tocando la esfera? ¿porque la destrucción del citado Gort me hizo pensar en las siete plagas de Egipto al estilo de lo visto en los films de La Momia? ¿Y porque la parte final bajo el puente me hizo recordar al final de Cloverfield?

Como estas uno se pregunta un montón más de cosas cuando ve esta película, que se pueden resumir en ¿porque hacer este remake? No añaden nada al film original, no le dan una visión diferente ni innovan sobre él. La historia es la misma sólo que peor contada, principalmente por un Keanu Reeves al que nunca te crees como extraterrestre (por la citada mezcla que hace de films previos suyos como Constantine y Matrix) pero sobretodo por un Jaden Smith repelente como él solo, y que ya hace temer el resultado del remake de Karate Kid que se supone va a protagonizar el niño. Los efectos especiales si son más novedosos que los del film original pero no añaden nada nuevo al mismo, aparte de que tampoco es que sean muy originales porque aparte del citado Gort que recuerda al original, el resto del aspecto visual de la película no resulta ni novedoso, ni espectacular, ni destacable, siendo el resultado final un simple film de ciencia-ficción más que no pasará ni a los anales del cine ni a los de la ciencia-ficción ni tan siquiera al de los remakes (los hay más conseguidos que este).

LO MEJOR: Que Gort se parece al de la película original y los efectos especiales, logicamente más novedosos que los de la versión de 1951 (lo cual tampoco significa que mejores). Y Jennifer Connelly, pese a su esquemático papel.

LO PEOR: La historia (con lagunas impresionantes e incoherencias varias que van aumentado a medida que el film avanza) y los actores (especialmente el innecesario y repelente personaje encarnado por el hijo de Will Smith).

EL INTERCAMBIO de Clint Eastwood y con Angelina Jolie

FICHA TÉCNICA

Título: El intercambio
Título original: Changeling
Dirección: Clint Eastwood
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 140 min.
Género: Intriga
Reparto: Jason Butler Harner, Devon Conti, Gabriel Schwalenstocker, Jason Ciok, Kevin Glikmann, Anthony Giangrande, Riki Lindhome, Devon Gearhart, Angelina Jolie, Eddie Alderson, Michael Kelly, Colm Feore, Jeffrey Donovan, John Malkovich, Amy Ryan
Guión: J. Michael Straczynski
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Malpaso Productions, Imagine Entertainment
Dirección artística: Patrick M. Sullivan Jr.
Diseño de Producción: James J. Murakami
Fotografía: Tom Stern
Montaje: Joel Cox
Productor: Brian Grazer, Robert Lorenz, Ron Howard
Productor ejecutivo: J. Geyer Kosinski
Vestuario: Corey Bronson

SINOPSIS

Los Ángeles, marzo de 1928. Un precioso sábado por la mañana en un barrio obrero, Christine Collins (Angelina Jolie), madre soltera, se despide de Walter, su hijo de nueve años, para acudir a su trabajo de operadora telefónica. Pero cuando Christine regresa a su casa, se enfrenta a la peor pesadilla de cualquier madre: su hijo ha desaparecido.

Lo denuncia ante la policía y empieza una minuciosa e infructuosa búsqueda. Walter ha desaparecido sin dejar rastro. Sin embargo cinco meses después, aparece otro niño que asegura ser su hijo. La policía, a la que le vendrá muy bien la publicidad que surgirá de un reencuentro público, le entrega el niño. Christine, aturdida por los fotógrafos, los reporteros y la policía, acaba llevándoselo a casa a pesar de saber que no es su hijo Walter.

Christine no se rinde e insiste en que la policía siga buscando a su verdadero hijo, pero pronto descubre que, en la época de la Prohibición en Los Ángeles, una mujer no se enfrenta al sistema y sobrevive para contarlo. Acusada de desequilibrada y de ser una madre irresponsable, encuentra un aliado inesperado. Se trata del reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich), que la ayuda a luchar contra la municipalidad y a buscar a su hijo.

A pesar de un departamento de policía corrupto que cuestiona su salud mental y de un público escéptico deseoso de ver un final feliz, Christine no deja de buscar respuestas. Esta valiente mujer acabará convirtiéndose en una heroína de los pobres y los oprimidos, que habían sido maltratados e ignorados sistemáticamente por la policía de Los Ángeles. Ahora, una mujer ha decidido seguir adelante hasta encontrar a su hijo, a menos que los encargados de protegerla y ayudarla la silencien para siempre.

CRÍTICA

Lo malo que tienen algunos directores es que cuando te han acostumbrado a obras realmente buenas (cuando no magníficas) un título menor dentro de su filmografía siempre sabe a poco. Y eso es lo que ocurre con El Intercambio, film con todo a su favor para hacer diana... pero que no acaba acertando. La historia de una madre que luchará contra viento y marea para recuperar a su hijo (o en su defecto saber que le ha ocurrido) parte con la desventaja de que al estar basado en hechos reales, el esquema del argumento recuerda mucho a tantos y tantos telefilms de sobremesa con temáticas parecidas. Esto no es una crítica hacia el film sino hacia el mismo material de partida con el que salía, y que hace que no llegue a ahondar en el espectador como lo hubiera hecho de no ser un tema ya bastante manido en todas sus vertientes (incluso no sólo en la que lleva la coletilla de "basado en hechos reales").

Pese a ello Clint Eastwood es un maestro en la dirección, y eso lo sigue demostrando en un resultado final que visualmente resulta coherente con su filmografía (este mismo material en manos de otros directores probablemente hubiera dado a luz un drama lacrimógeno del montón). De todas maneras Eastwood consigue entretejer bastante bien las diferentes partes del argumento (el inicio con la presentación de la protagonista, la desaparición y todo lo que conlleva, y por último los resultados finales del caso), si bien este no se hace muy sorprendente en su desarrollo debido a que durante todo el metraje uno siempre tiene la sensación de que este tipo de historia y este tipo de argumento ya lo ha visto antes (vamos, que no es la primera "madre coraje" que se ve en pantalla).

Aún así la película no aburre en ningún momento, especialmente por la encomiable labor de Angelina Jolie en el papel protagonista, en donde demuestra sus dotes como actriz (alejándose aunque sea un poco de su imagen de icono sexy). Es por esa parte por donde le veo más posibilidades de nominaciones y/o premios a la película, ya que la actriz sostiene el interés del relato durante todo su (quizás) excesivo metraje, pese a un final también criticable porque si bien es esperanzador (relativamente) no resulta coherente con lo visto hasta ese momento, ya que si había ocurrido lo que se supone que había ocurrido, lo que queda es asumirlo, no que en ese tramo final parece que se quiera jugar al despiste, dando a entender que quizás no ha pasado.

A la espera del estreno de Gran Torino, la otra película de Clint Eastwood de este año, el resultado final de El Intercambio es satisfactorio para aquel que quiera ver una película entretenida y de esas que dejan satisfecho a casi cualquier tipo de espectador... pero que resulta una obra menor dentro de la filmografía de Eastwood, y que será recordada más por ser la unión entre él como director y Angelina Jolie de protagonista que por la calidad final del producto (tan solo correcta).

LO MEJOR: Angelina Jolie como protagonista (mostrando su vertiente actoral por encima de la de icono sexual) y Clint Eastwood como director (demostrando como hacer una película destacable pese a lo poco original de su desarrollo)

LO PEOR: Al estar basada en hechos reales (y siendo del tipo que son esos hechos) da la sensación de ser algo visto en innumerables telefilms de sobremesa.

BOLT

FICHA TÉCNICA

Título: Bolt
Dirección: Chris Williams, Byron Howard
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 96 min.
Género: Animación
Calificación: Apta para todos los públicos
Guión: Chris Williams, Dan Fogelman
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Pictures
Cásting: Jen Rudin
Decorados: Thomas Baker
Dirección artística: Paul A. Felix
Director de animación: Gil Zimmerman
Música: John Powell
Productor: Clark Spencer
Productor asociado: Lisa M. Poole, Makul Wigert
Productor ejecutivo: John Lasseter
Voz original: Chloe Moretz, Diedrich Bader, Greg Germann, J. P. Manoux, James Lipton, John Travolta, Malcolm McDowell, Mark Walton, Miley Cyrus, Nick Swardson, Randy Savage, Ronn Moss, Sean Donnellan, Susie Essman

SINOPSIS

Para el super-perro Bolt (John Travolta), todos los días están repletos de aventuras, peligros e intriga... al menos hasta que las cámaras dejan de grabar, ya que es el protagonista de un famoso programa de televisión. Pero cuando la estrella canina del gran éxito televisivo es enviada accidentalmente desde sus estudios de Hollywood a Nueva York, comienza su mayor aventura en un viaje campo a través por el mundo real.

Bolt está convencido de que todos sus increíbles poderes y hazañas son reales. Pero, con la ayuda de dos extraños compañeros de viaje, un hastiado y abandonado gato de compañía de nombre Mittens (Susie Essman), y un hámster en una bola de plástico obsesionado por la televisión llamado Rhino, Bolt descubre que no necesita superpoderes para ser un héroe. Miley Cyrus (Hannah Montana) pone la voz al personaje de Penny, la coprotagonista humana de Bolt en la serie de televisión.

CRÍTICA

Decir que Pixar está a la cabecera de la animación por ordenador no es algo gratuito, basta con ver sus obras y compararlas con las de la competencia (¿hay color entre maravillas como Wall-E y mediocridades como Shrek Tercero? La primera es una OBRA MAESTRA mientras que la segunda es penosa... y eso por poner sólo un ejemplo). Por ello no sorprende que se aliaran con Disney, y este Bolt es el primer fruto de dicha unión.

Estos antecedentes sirven para imaginarse lo que uno va a encontrar, y es que lejos de experimentos fallidos de la Disney como fue Chicken Little (divertida pero poco más) aqui la famosa compañía del ratón nos muestra la película más tipo Pixar del año... sin que sea de Pixar. La mano de John Lasseter como productor se nota en un producto final que por muchos momentos recuerda a los momentos más magistrales de los films pixarianos.

Las peripecias del protagonista en un viaje de regreso a casa que además resulta iniciático para él al descubrir por fin su carencia de poderes resulta entretenidísimo, unido además a unos personajes secundarios como las simpáticas palomas o el hamster hiperactivo que se convierten por si solos en los miembros más carismáticos del grupo. Hay detalles más infantiles (como que todos tengan al perro engañado para que se crea de verdad lo que sucede en la serie que protagoniza, o cierta cursileria relacionada principalmente con la niña protagonista) pero todo ello está perfectamente calculado para nunca pasarse de la raya aunque sin ser un producto tan 100% perfecto como las obras de Pixar (si bien poco le falta). Entre lo más destacado en cuanto a cameos o chistes me gustaría destacar uno en clara referencia a Buscando a Nemo protagonizado por las citadas y simpáticas palomas.

Por lo tanto, y en resumidas cuentas, el resultado final es una muy buena película de animación bastante más recomendable que la también recientemente estrenada (y bastante inferior) Madagascar 2 y con claros referentes pixerianos aunque sin llegar a la maestría de los mismos.

LO MEJOR: A nivel de personajes el hamster hiperactivo y las palomas (suyos son los momentos más brillantes de la película), asi como el protagonista (valiente y entrañable a partes iguales). El argumento es muy entretenido y escenas como la inicial son realmente espectaculares, aparte de lo simpáticos que resultan todos los personajes animales.

LO PEOR: Tiene cierto tono infantil (incluyendo una canción totalmente prescindible) que resulta superior al de los films Pixar con los que más facilmente se la puede emparentar (aunque perfectamente controlado para no resultar molesto).

CREPÚSCULO

FICHA TÉCNICA

Título: Crepúsculo
Título original: Twilight
Dirección: Catherine Hardwicke
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 120 min.
Género: Thriller
Reparto: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Billy Burke, Peter Facinelli, Elizabeth Reaser, Nikki Reed, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Kellan Lutz, Cam Gigandet, Edi Gathegi, Rachelle Lefevre, Anna Kendrick, Christian Serratos
Guión: Melissa Rosenberg
Distribuidora: Aurum Producciones S.A.
Productora: Summit Entertainment, Maverick Films, Temple Hill Entertainment, Twilight Productions
Cásting: Deborah Aquila, Jennifer L. Smith, Mary Tricia Wood
Dirección artística: Christopher Brown, Ian Phillips
Fotografía: Elliot Davis
Montaje: Nancy Richardson
Música: Carter Burwell
Productor: Greg Mooradian, Jamie Marshall, Karen Rosenfelt, Mark Morgan, Wyck Godfrey
Vestuario: Wendy Chuck

SINOPSIS

Bella Swan (Kristen Stewart) siempre ha sido diferente a los demás. Cuando su madre se casa por segunda vez, decide marcharse a vivir con su padre a un recóndito y lluvioso pueblo llamado Forks. Aquí conocerá al misterioso Edward Cullen (Robert Pattison). Inteligente e ingenioso, Edward consigue atraer la atención de Bella y muy pronto entablan una estrecha amistad.

Con el tiempo, Bella termina por descubrir el gran secreto de Edward: él y su familia son vampiros. No envejecen, no tienen colmillos y son físicamente perfectos. Y tú, si fueras eterno, si vivieras para siempre... ¿por qué morirías?

CRÍTICA

Llega a las pantallas de cine la adaptación de la obra literaria de Stephanie Meyer, que parece haber tenido un poder de convocatoria semejante al conseguido por Harry Potter (lo cual no deja de tener mérito en una juventud que por regla general reconoce no coger un libro nada más que obligados). Ante la lógica aplastante de que probablemente veamos la saga de cuatro novelas adaptada en pantalla grande (con un coste de 37 millones de dólares, este film ya ha triplicado tal cifra sólo en la taquilla americana y sólo en dos semanas) la pregunta es: ¿merece la pena?

La respuesta sería que si... relativamente. El film no deja de estar claramente orientado hacia el público joven, pero a diferencia del fenómeno Potter, aqui (más que a los niños) está orientado al público adolescente y sobretodo femenino. Y es que el clásico recurso de los típicos Romeo y Julieta es lo que se da aqui, lo que pasa que con la diferencia de que en vez de ser de clases o ámbitos diferentes, en este caso son de razas diferentes: ella humana y él vampiro.

Por lo demás que nadie se sorprenda ya que el resto no deja de ser como si con los vampiros de Anne Rice y un pueblo parecido al de 30 días de oscuridad hicieses la típica historia de amantes imposibles tipo la citada Romeo y Julieta. Eso (el apartado romántico) es de lo que más puede adolecer la película (si bien el libro, que me leí recientemente, aún ahondaba más en ese terreno) porque el resto no sorprenderá para nada a aquellos que hayan visto vampiros cinematográficos de todo tipo y característica.

Y entonces es cuando empieza el problema. Quizás por pillarme a mi ya lejos en edad de la adolescencia y por la gran cantidad de films con estos personajes que he visto, para mi Crepúsculo no deja de ser un film entretenido pero simple, donde no hay nada que me sorprenda ya que aparte de lo citado antes está el hecho de que estos vampiros más bien parecen surgidos de Blade (por los aires de modernidad que quieren transmitir, incluso conduciendo coches). En cuanto a la relación romántica, aqui no llega a los límites de cursileria del libro (eso que se ahorran) pero aún así me resulta poco creible, ya que ella no parece demostrar mucha pasión que se diga mientras que él parece más bien un ídolo gótico para adolescentes o (como leí en un foro) "un emo mojabragas" digno de un poster de las revistas Nuevo Vale o SuperPOP. En ese sentido también había relación romántica en el Drácula de Francis Ford Coppola y aquella me resultó mucho más creible que esta. Y si a eso sumamos lo de la familia de vampiros protagonista, que actua como si salieran de una película almibarada de Spielberg... con eso creo que lo digo todo: estos vampiros parecen de todo menos eso.

En resumidas cuentas, Crepúsculo es una película que simplemente entretiene pero que no resulta novedosa ni original, y con la que es mejor enfrentarse con la idea de simplemente ir a pasar el rato, pero sin dejarse engañar porque sus records de taquilla puedan hacer pensar que estamos ante un gran film. No es el caso, simplemente no está mal y punto.

LO MEJOR: La bastante fidelidad que guardan con el libro.

LO PEOR: La poca originalidad o novedad del producto, sobretodo en la visión de los vampiros.

PROTEGIDOS POR SU ENEMIGO (LAKEVIEW TERRACE) con Samuel L.Jackson

FICHA TÉCNICA

Título: Protegidos por su enemigo
Título original: Lakeview Terrace
Dirección: Neil LaBute
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 110 min.
Género: Thriller
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Samuel L. Jackson, Patrick Wilson, Kerry Washington, Ron Glass, Justin Chambers, Jay Hernandez, Regine Nehy, Jaishon Fisher, Robert Pine, Keith Loneker, Caleeb Pinkett, Robert Dahey, Ho-Jung, Bitsie Tulloch
Guión: David Loughery, Howard Korder
Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España
Productora: Screen Gems, Overbrook Entertainment
Cásting: Heidi Levitt
Decorados: Don Diers
Dirección artística: Paul Sonski, Tom Taylor
Diseño de Producción: Bruton Jones
Fotografía: Rogier Stoffers
Montaje: Joel Plotch
Música: Jeff Danna, Mychael Danna
Productor: James Lassiter, Orin Woinsky, Will Smith
Productor ejecutivo: David Loughery, Jeffrey Graup, Joe Pichirallo, John Cameron
Vestuario: Lynette Meyer
Fecha de estreno en España: 19-12-2008

SINOPSIS

Chris Mattson (Patrick Wilson) y su esposa Lisa (Kerry Washington) son una joven pareja que se acaba de mudar a la casa de sus sueños, en California. Muy pronto descubrirán que no son bien recibidos por uno de sus vecinos, un oficial de policía llamado Abel Turner (Samuel L. Jackson) que empezará a acosarlos sin motivo aparente.

CRÍTICA

Que nadie espere ver una historia original en esta película porque no es así. La referencía básica (y el referente más claro que se me vino a la mente) sería un film de principios de los años 90 titulado De repente un extraño con Michael Keaton, Matthew Modine y Melanie Griffith. Pero junto con el ejemplo citado ha habido un montón más que se basan en el individuo, al principio de confianza, que poco a poco irá acosando al protagonista o protagonistas hasta una resolución final donde se desatará la violencia arrastrada hasta ese momento con resultados dañinos para una de las dos partes.

¿Que puede ofrecer de novedoso un film con un esquema tan previsible? Pues a priori nada, y ninguna esperanza tenía yo en él, pero mira tú por donde que demostrando que en ocasiones es un sólo actor quien levanta una película, el ver aqui a Samuel L.Jackson a los dos lados de la ley (en el film es policia y es el malo) resulta lo suficientemente atractivo y entretenido gracias a la fuerza que el actor sabe imprimirle a todos sus papeles, lo cual vuelve a demostrar aqui. El problema es lo que le rodea, que funciona de manera más justita, sobretodo por la falta de fuerza del matrimonio acosado respecto al personaje de Jackson, a lo que no ayudan unas interpretaciones más bien sositas de Patrick Wilson (al que veremos proximamente en Watchmen) y Kerry Washington (vista en Los Cuatro Fantásticos como Alicia Masters, la novia de la Cosa).

También no resulta muy apropiada la duración de la película, porque si bien el resultado global es entretenido, hay algunos tramos excesivamente alargados (ver por ejemplo cuando con cierta conversación en un bar se intenta justificar el comportamiento del personaje de Samuel L.Jackson). Eso y una realización simplemente correcta por parte del director (esto podría haber sido una simple tv movie) le dan al film un tono más simple (no destaca precisamente por ser una película visualmente apabullante), a lo que también ayuda el conservadurismo que parece entrever el personaje del villano, con ciertos comentarios bastante anticuados para la forma de pensar de hoy en día (citar ahi las normas que el personaje les inculca a sus hijos o su actitud ante el sexo en público o las uniones entre blancos y negros).

Ahora que claro, ese último punto juega a su favor y en su contra porque si bien uno enseguida choca con los modos de ver tan arcaicos de ese personaje, la atractiva interpretación de Samuel L.Jackson ayuda a que (pese a que no nos guste) queramos saber más de él. Asimismo el hecho de que sea policia parece como si nos quisiera mostrar el lado violento que hay detrás de todos los que tienen pensamientos tan conservadores estando en posiciones de poder (¿por ejemplo Bush?), hasta el punto de que se puede considerar buena la supuesta actitud liberal de la pareja protagonista mientras que el personaje del policia vendría a ser un arquetipo... ¿del pensamiento republicano norteamericano?

En fin, igual son sólo paranoias mias pero tanto esa manera de analizar la base de la película como la ya citada buena actuación de Samuel L.Jackson son los que me hicieron pasar un rato entretenido con una película normalita pero que como mínimo no aburre si uno no tiene más que las expectativas justas ante ella.

LO MEJOR: Samuel L.Jackson y lo entretenido de la historia.

LO PEOR: Los tópicos del género del acosador, aqui con la única (y relativa) novedad de que el malo es un policia.

007: QUANTUM OF SOLACE

FICHA TÉCNICA

Título: Quantum of Solace
Título original: Quantum of Solace
Dirección: Marc Forster
País: Estados Unidos, El Reino Unido
Año: 2008
Duración: 106 min.
Género: Acción
Reparto: Mathieu Amalric, Jeffrey Wright, Gemma Arterton, Oona Chaplin, Neil Jackson, Rory Kinnear, Joaquín Cosio, Jesper Christensen, Daniel Craig, Judi Dench, Giancarlo Giannini, Anatole Taubman, Olga Kurylenko
Guión: Neal Purvis, Robert Wade, Paul Haggis
Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España
Productora: Columbia Pictures, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), United Artists, Danjaq Productions, Eon Productions Ltd.
Diseño de Producción: Dennis Gassner
Fotografía: Matt Chessé, Richard Pearson, Roberto Schaefer
Música: David Arnold
Productor: Barbara Broccoli, Michael G. Wilson
Productor ejecutivo: Anthony Waye, Callum McDougall
Vestuario: Louise Frogley

SINOPSIS

Como vimos al final de su anterior aventura, James Bond (Daniel Craig) ha conseguido capturar al señor White (Jesper Christensen). Ahora le utilizará para informarse sobre un misterioso grupo terrorista. M (Judi Dench) asignará una nueva compañera a Bond: la agente del MI6 destinada en Bolivia que responde al nombre de Fields (Gemma Arterton). Además, el agente 007 contará con la ayuda del agente de la CIA Felix Leiter (Jeffrey Wright) y de Rene Mathis (Giancarlo Giannini). Pero quien de verdad supondrá una gran ayuda será la agente doble Camille (Olga Kurylenko).

CRÍTICA

Cuando se dio la noticia de que el actor Daniel Craig era quien encarnaría a James Bond tras la temporada en que lo hizo Pierce Brosnan, hubo muchas críticas no sólo por lo poco adecuado que consideraban al actor por su físico (aún recuerdo lo que se habló de que fuera el primer 007 rubio) sino porque incluso le podía faltar (eso va según gustos) el atractivo físico inherente al personaje que tan bien transmitieron en su época el imprescindible Sean Connery, el simpático Roger Moore y el más reciente Pierce Brosnan.

Por eso sorprendió a propios y extraños que la 21ª película del personaje (Casino Royale) se convirtiera en el éxito de taquilla que fue, maravillando a muchos fans que veían por fin al personaje cambiando según los esquemas del actual siglo XXI y abandonando esos tópicos que lo habían hecho famoso pero que en parte habían quedado ya anticuados. Pese a ello las similitudes con los films de Jason Bourne eran más que evidentes, especialmente por ese aire (digamos) "realista" que querían darle al conjunto, alejándolo de ciertos capítulos de la saga más próximos al fantástico cuando no directamente a la ciencia-ficción.

Curiosamente el primer detalle del que uno se apercibe viendo Quantum of Solace es que lo que en la anterior era en exceso (la duración, próxima a las dos horas y media) aquí es en defecto (si la memoria no me falla podemos estar ante el Bond más corto de la saga, apenas 105 minutos). Y si en la anterior entrega eso significaba ciertas escenas muy alargadas y un ritmo que en ocasiones decaía, ahora ello hace que la película se resienta de personajes un poco esquemáticos (citar el supuesto villano, encarnado por Mathieu Amalric) cuando no directamente prescindibles (el personaje de Gemma Arterton, que parece estar sólo para justificar cierto guiño a uno de los primeros títulos de la franquicia, lo único que aquí con un material... diferente, y hasta aquí puedo decir para no soltar spoilers).

Por lo demás citar que a todos aquellos a los que no les gustó el título precedente por lo mucho que se alejaba del concepto clásico del personaje, que no vayan a ver esta entrega. Y es que profundizando más en ese sentimiento "realista", sin la parafernalia visual que se hizo típica del personaje, aquí volvemos a encontrar un film con claros paralelismos con la saga de Jason Bourne, incluso con escenas como la de una persecución por los tejados de una ciudad, que recuerda poderosamente a una del mismo estilo vista en la tercera entrega de la saga protagonizada por Matt Damon.

Argumentalmente (y por su escasa duración respecto a otras entregas) el film peca de la citada poca profundidad en los personajes, porque aparte del mencionado antes de Gemma Arterton (que parece justificar sólo el guiño final del mismo), el villano encarnado por Mathieu Almaric queda tan difuso como el de la anterior entrega, aquí máxime con el agravante de que uno no sabe si es el malo porque quiere controlar el agua, el petroleo, el pais o que-se-yo, siendo al final sólo la presencia y el físico del actor lo que ayuda a hacer moderadamente creible su personaje. Ahora que claro, igual lo que nos quieren dar a entender es que en el mundo actual los villanos de Bond serían más difusos y no tan pintorescos como los de sus primeros tiempos. Pero aún así en esos detalles se nota mucho que en esta ocasión (al contrario que con Casino Royale) una cierta cantidad más de duración habría ido en beneficio del resultado final.

Pese a todo la película cumple con sus funciones de entretener si uno no tiene altas expectativas, sobretodo por el nivel que tuvo Casino Royale y al que esta no llega (ni tan siquiera la canción de los créditos, ya que no me gustó Another day to die de Alicia Keys y Jack White como me gustó el You know my name de Chris Cornell en el anterior film).

LO MEJOR: Lo entretenido del conjunto y lo breve del mismo (es posiblemente el Bond más corto, 105 minutos). En cuanto a los protagonistas me sigue gustando este Bond tan hosco y seco que encarna Daniel Craig, acompañado por una chica tan perfecta para la ocasión como la bellísima Olga Kurylenko.

LO PEOR: La citada duración, que va en detrimento de unos personajes que quedan esquemáticos cuando no directamente prescindibles. Con un poco más de tiempo (quizás llegando a las dos horas como ha sido lo típico en la franquicia) el resultado hubiese mejorado.

MADAGASCAR 2

FICHA TÉCNICA

Título: Madagascar 2
Título original: Madagascar: Escape 2 Africa
Dirección: Eric Darnell, Tom McGrath
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 89 min.
Género: Animación
Calificación: Apta para todos los públicos
Distribuidora: Paramount
Productora: DreamWorks Animation
Música: Hans Zimmer
Estreno USA: 7/11/2008
Estreno en España: 28/11/08
Productor: Alison Fedrick Donahue, Christopher Leahy, Craig Rittenbaum, Diana K. Lee, Erik Vignau, Jason Bertsch, Mark Swift, Mireille Soria, Ryan Harris, Wendy Berry
Voz original: Andy Richter, Ben Stiller, Bernie Mac, Cedric The Entertainer, Chris Rock, David Schwimmer, Sacha Baron Cohen

SINOPSIS

Alex (Ben Stiller), Marty (Chris Rock), Melman (David Schwimmer), Gloria (Jada Pinkett Smith), el rey Julien (Sacha Baron Cohen), Maurice (Cedric The Entertainer, los pingüinos (Tom McGrath, Christopher Knights, Chris Miller) y los chimpancés (Conrad Vernon) se encuentran abandonados en las remotas playas de Madagascar. Para superar este obstáculo, los neoyorquinos han ideado un plan tan loco que puede que funcione. Con precisión militar, los pingüinos han reparado (bueno, casi) un viejo aeroplano accidentado.

Una vez que despega el primer vuelo de la compañía Aerolíneas Pingüino, la insólita tripulación consigue permanecer en vuelo el tiempo suficiente como para llegar al lugar más salvaje de todos: las inmensas llanuras africanas, en donde los miembros de nuestro grupo de animales criados en el zoo de Nueva York se encontrarán por primera vez con miembros de su especie. África parece un sitio genial, pero. ¿es mejor que su hogar en Central Park?

CRÍTICA

Tengo que reconocer que la primera película de Madagascar no la ví en cine en su momento porque no me llamaba la atención. Incluso aluciné cuando en su momento consiguió vencer en la taquilla española a Batman Begins, sin duda mucho mejor film. Pero cuando lo confirmé fue cuando el film fue emitido por Telecinco hace unos meses... porque me dormí viéndola.

Y con eso no quiero decir que fuera mala (a veces me puede el cansancio después de madrugar para trabajar durante toda la semana) pero si que es verdad que no tenía nada especialmente destacable que consiguiera que no se me cerraran los párpados. Pese a ello si reconozco lo divertidos que eran los pingüinos, en un ejemplo parecido a las películas de Ice Age, donde es más graciosa la rata Scrat que los mismos animales protagonistas.

En la secuela se repiten los mismos errores y las mismas virtudes que en el título previo. En lo referente a lo positivo vuelven a ser los pingüinos los más divertidos del conjunto, si bien sus escenas son pocas (destacaría aquella en la que el león le pregunta a uno de ellos quien lo nombró jefe... y este saca cierto objeto que no le deja ninguna duda al citado león). Lamentablemente en los aspectos negativos vuelve a estar un caracter eminentemente infantil, que además en esta secuela no tiene ningún rubor en realizar una especie de remake solapado de El Rey León... sólo que con resultados que dejan mucho que desear. Por su parte la animación tampoco es destacable, no sólo comparándola con la de los films de Pixar (sin duda alguna los reyes en este campo) sino incluso con la de Kung Fu Panda, que siendo también de Dreamworks me pareció más conseguida que esta. Y eso por no hablar de los personajes, con los que es dificil empatizar y de los cuales poco nos importa lo que les pase o les deje de pasar.

En resumidas cuentas, si hay que escoger el mejor título de animación del año desde luego que antes me quedo yo con Wall-E y con la antes citada Kung Fu Panda. Y es que como leí una vez: "la diferencia entre Pixar y sus competidores es que estos hacen cine infantil mientras que los primeros hacen cine a secas".

LO MEJOR: La gran mayoría de escenas donde aparecen los pingüinos, auténticos secundarios de lujo que consiguen subir el nivel bastante irregular de la película.

LO PEOR: Si obviamos el citado infantilismo que destila toda la película, lo peor sería la sinvergüenzeria con la que hacen esa especie de remake de El Rey León (con personajes incluidos que resultan casi idénticos al film de Disney).

RED DE MENTIRAS con Russell Crowe y Leonardo DiCaprio

FICHA TÉCNICA

Título: Red de mentiras
Título original: Body of Lies
Dirección: Ridley Scott
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 128 min.
Género: Acción
Reparto: Leonardo DiCaprio, Russell Crowe, Mark Strong, Golshifteh Farahani, Oscar Isaac, Ali Suliman, Alon Abutbul, Vince Colosimo, Simon McBurney, Mehdi Nebbou, Michael Gaston, Kais Nashif
Guión: William Monahan
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Scott Free Productions, De Line Pictures
Cásting: Avy Kaufman, Jina Jay
Dirección artística: Alessandro Santucci, Charley Beal, Hinju Kim, Marco Trentini, Peter J. Hampton, Robert Cowper
Director de fotografía: Alexander Witt
Diseño de Producción: Arthur Max
Montaje: Pietro Scalia
Música: Marc Streitenfeld
Productor: Donald De Line, Ridley Scott
Productor ejecutivo: Charles J. D. Schlissel, Michael Costigan
Vestuario: Janty Yates

SINOPSIS

Basada en la novela del columnista del "Washington Post" David Ignatius sobre un agente de la CIA, Roger Ferris (Leonardo DiCaprio), destapa a uno de los mayores líderes terroristas sospechoso de estar operando fuera de Jordania. Cuando Ferris idea un plan para infiltrarse en su red, debe primero ganar la confianza del astuto veterano Ed Hoffman (Russell Crowe) y del colegiado de la CIA, aunque quizás sospechoso, jefe de la inteligencia jordana.

Aunque son aparentemente sus aliados, Ferris se pregunta hasta dónde puede confiar realmente en estos hombres sin poner toda su operación (y su propia vida) en grave peligro.

CRÍTICA

Este film se englobaría dentro de las películas que narran o estan englobadas en sucesos reales, actuales o bastante recientes en el tiempo, caso de Black Hawk derribado, Tres Reyes, World Trade Center, United 93 o Syriana. En este caso la acción del film se englobaría dentro de la "guerra contra el terror" que puso en marcha Estados Unidos tras los atentados del 11-S, y aqui lo que nos narran es la búsqueda de un lider terrorista por parte de dos agentes, uno "de campo" (encarnado por Leonardo DiCaprio) y otro que gestiona desde los despachos (encarnado por Russell Crowe).

De todos los ejemplos que he citado anteriormente los sucesos que narraba cada film estaban englobados dentro de un género en el cual podian funcionar mejor o peor, pero tenian una historia entretenida que contarnos. Si bien la cosa funcionaba bien desde el punto de vista más o menos realista (United 93) o poniendo ciertas dosis de comedia (Tres reyes) el resultado era más justito, desde mi punto de vista, si se englobaba en el género bélico puro y duro (Black Hawk derribado) o en el drama patriótico (World Trade Center) por no citar casos como el de Syriana, con el que me aburrí soberanamente. Cerca de este último ejemplo se situa esta Red de mentiras, la cual opta por el thriller convencional, siendo su valoración final la de una película equivalente a (por ejemplo) American Gangster. ¿A que me refiero?

Teniendo como cabeza de cartel a dos actores como Leonardo DiCaprio y Russell Crowe la respuesta es lógica: ellos. Y es que ambos hacen unas interpretaciones que se cuentan facilmente entre lo más destacable de una película que, si no fuera por eso, no destacaría especialmente en nada, ya que la trama de suspense y acción que la conforma resulta poco destacable e interesante, siendo más bien una mezcla de la citada American Gangster con cualquier noticia escuchada en un noticiero y situada en Oriente Medio. Todo eso, además, es regado con el típico mensaje subliminal de que las acciones de los americanos no han de ser cuestionadas porque son las buenas (aunque hay breves esbozos de crítica por el hecho de meterse en asuntos que muchas veces no les conciernen). Si encima sumamos la forzada historia semi-romántica que le buscan al personaje de DiCaprio con una enfermera de la zona en conflicto, el resultado final se resiente más, si bien en ningún momento acaba por suspender (aunque tampoco por aprobar). Es decir, la película promete más de lo que da, quedándose a medio camino en todos los frentes (político, film de acción, drama y/o thriller).

O sea, en resumidas cuentas el nuevo film de Ridley Scott se salva minimamente por la labor de sus dos actores principales, ya que como historia lo que nos narra no es especialmente destacable ni entretenido ni novedoso sino bastante convencional, si bien el citado Scott consigue que el nivel se mantenga minimamente aunque una vez visto el film no me extraña que no haya conectado con el público americano, donde ha sido un fracaso de taquilla.

LO MEJOR: Leonardo DiCaprio y Russell Crowe como protagonistas y de una manera más justita la labor de Ridley Scott como director.

LO PEOR: La historia, que nunca acaba de sorprender ni de convencer por su estilo demasiado convencional, por más que lo quieran vender como otra cosa.

ANACONDA 3: THE OFFSPRING con David Hasselhoff

FICHA TÉCNICA

Dirección:Don E. FauntLeRoy
País:USA
Año:2008
Duración:96 min.
Género:Terror
Guión:Nicholas Davidoff y David C. Olson
Producción:Phillip B. Goldfine, Vlad Paunescu y Alison Semenza
Fotografía:Don E. FauntLeRoy
Montaje:Scott Conrad
Reparto:Crystal Allen, David Hasselhoff, John Rhys Davies y Zoltan Butuc.

SINOPSIS

Un mercenario a sueldo (David Hasselhoff) acepta una misión de un millonario para capturar una peligrosa anaconda que posiblemente podría ayudar a curar una enfermedad terminal...

CRÍTICA

Es sorprendente que una película como fue la original Anaconda haya dado para dos secuelas (tres si contamos la que preparan como continuación de esta), pero primero de todo hay que admitir lo poco relacionadas que estan unas con otras (hasta ahora, claro está).

Personalmente el primer film me pareció entretenido, un jocoso híbrido entre terror y aventura donde lo más llamativo era una principiante Jennifer Lopez, aparte de unos risibles efectos especiales que hacian que se notase mucho que la Anaconda que daba título al film era falsa generada por ordenador y con animatronics. La película tuvo una tardia secuela varios años después (que no he visto) pero que no guardaba ninguna relación con el film original aparte del nexo de juntar a varios personajes nuevos y ponerlos a merced del bicho de rigor (es decir, el esquema básico de todo film de terror con amenaza y posibles víctimas pululando por su alrededor)

Como aquella fué ya un fracaso de taquilla uno no esperaría más películas sobre el tema, máxime con las malas críticas que cosecharon las dos estrenadas en pantalla grande. Pero mira tú por donde que directa a DVD se presenta esta tercera entrega, protagonizada por un David Hasselhoff que vivió tiempos mejores. Y se prepara una cuarta, con el mismo equipo de esta.

En Anaconda 3 se nota mucho que el film es de caracter televisivo, ya que su factura y su estética nos hacen pensar en todo momento en que estamos viendo el episodio piloto de una serie de televisión y no una secuela de un film de terror con bicho monstruoso estrenada en cines. A eso no ayuda un protagonista tan pésimo artísticamente hablando como el citado David Hasselhoff, que intenta buscar aqui el éxito que no tiene desde El Coche Fantástico y Los vigilantes de la playa pero que encima tienen la sinvergüenzería de poner como protagonista cuando (salvo por un par de escenas previas) su personaje no aparece hasta pasada la mitad del metraje.

En cuanto al resto entra de lleno en ese tipo de películas que son tan malas y tienen tan propia conciencia ellas de que son malas que es que al final te tienes que reir de la sinvergüenzeria del resultado final y del morro que le echan teniendo en cuenta lo pésimo del esquema de entrada. Y los ejemplos no serían solo en la anaconda que da título al film, que también se nota (y mucho) que es un bicho de pega a medio camino entre el animatronic y el CGI: citaría como ejemplo la cantidad de sangre falsa que utilizan en las muertes, hasta el punto de que en una de ellas se nota cantidad que esta es digital.

Pero aún hay más, y es que la búsqueda de un remedio contra el cancer experimentando con animales descontroladamente parece querer recordarnos a historias como la de La isla del Doctor Moreau, sólo que aqui el que financia todo el tema es el despótico personaje encarnado por un John Rhys Davies bastante envejecido desde que lo vimos como Sallah en la trilogia inicial de Indiana Jones. Su presencia es aún más mínima que la de Hasselhoff, saliendo sólo en la parte inicial y final de la película, igual tiene más protagonismo en la cuarta entrega (ya veremos...)

Por lo demás poco que comentar, ya que te encuentras de todo: desde estilos que parecen recordar a Parque Jurásico (pero a lo cutre) hasta la típica investigadora más o menos atractiva que se pasa toda la película (y esto es literal) en camiseta de tirantes pasando por unos viajes en furgoneta tras el bicho de rigor donde el croma se nota cantidad (es decir, ruedan en un coche parado haciendo ver que conducen mientras en el croma que tendrán alrededor se ponen imágenes en movimiento por un bosque).

LO MEJOR: Tomada con sentido del humor uno se lo pasa bien por la cutrez del resultado final.

LO PEOR: Si en su momento decian que la primera era mala... esta ni te cuento.