Walt Disney Pictures presenta “Tangled” (Enredados), una de las historias más divertidas y descabelladas jamás contada. Cuando Flynn Rider (voz en inglés de Zachary Levi), el más buscado -y encantador- bandido del reino, se esconde en una misteriosa torre, Rapunzel (voz en inglés de Mandy Moore) le toma como rehén. Rapunzel es una bella y vivaz adolescente con una cabellera dorada de 21 metros, encerrada en una torre. La singular secuestradora de Flynn, que busca la forma de escapar del encierro donde ha permanecido durante años, hace un pacto con el atractivo ladrón. Así es como la pareja inicia un periplo lleno de acción, con un caballo súper-policía (llamado Maximus), un camaleón super-protector (llamado Pascal), y una pandilla de malencarados matones de bar.
Donnay Murphy, dos veces ganadora de un Premio Emmy®, presta su voz a Madre Gothel. Ron Perlman presta su voz a un Hermano Stabbington, uno de los socios de Flynn en sus andanzas delictivas, y Jeffrey Tambor y Brad Garrett ponen voz a dos de los matones que Flynn y Rapunzel encuentran en su camino.
“‘Tangled’ (Enredados) está repleta de personajes divertidísimos, aunque también hay acción y muchos sentimientos”, dice John Lasseter, Consejero Delegado Creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios. “Queríamos crear un mundo y una historia únicos que evocasen esa emoción, esa riqueza dramática que caracteriza a Disney, pero que también tuvieran frescura y humor para ofrecer al público algo que nunca ha visto en la animación por ordenador. Los realizadores han creado un mundo que recoge el legado de Disney pero que nos transporta a un lugar que es totalmente nuevo".
El productor Roy Conli añade: “Es una historia maravillosa sobre dos personas que todavía no saben lo que son y que descubren su destino a lo largo de la película. Queríamos romper con algunos de los estereotipos que se habían hecho antes. Flynn es un tipo que está de vuelta y que lo ha visto todo. Rapunzel es una chica superprotegida, inocente pero muy lista, que no está de vuelta y ¡que no ha visto nada! El la lleva a un lugar donde puede averiguar quién es, y ella le lleva a un lugar donde puede enmendar algunos de los errores que ha cometido en la vida. Juntos, rellenan los espacios vacíos que tienen en sus vidas”.
Lasseter recurrió a dos de los talentos más prestigiosos del estudio para pilotar la película de animación nº50 de Disney. Se encargó a Nathan Greno y Byron Howard, dos de las estrellas con más futuro en la industria del cine animado, que crearan una película que estuviera a la altura de los clásicos animados de Disney y cuyo dinamismo atrajera al público de hoy en día. Y Lasseter, dos veces ganador de los Premios de la Academia® (“Toy Story”, “Tin Toy”) con créditos como realizador de la talla de “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura) y “Cars”, afirma que lo han conseguido.
“Son algunos de los jóvenes directores con más talento que he conocido en toda mi vida”, comenta. “Tiene un sentido fantástico de la narración, pero una de las cosas que más me gusta de ellos es su sentido del humor. Y comprenden perfectamente lo que como convierte una película de Disney en un clásico de Disney: los sentimientos. Walt Disney siempre decía que 'para cada risa debe haber una lágrima'. Tienen una visión fresca y contemporánea de lo que debe ser el auténtico producto Disney.
“Es un clásico animado de Disney, pero también es una película en 3D animada por ordenador”, añade Lasseter, “así que no se parece a nada de lo que hemos hecho hasta ahora".
Howard dirigió “Bolt” de Walt Disney Animation Studios, la comedia de aventuras animada de 2008 que recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo y que recibió dos nominaciones a los Globos de Oro® (Mejor Película Animada y Mejor Canción Original), así como una nominación al Oscar® a la Mejor Película de Animación. Greno entró a formar parte de Walt Disney Animation Studios en 1996 y trabajó durante más de una década en el departamento de historias. Fue supervisor en “Bolt” en 2008 y escribió y dirigió el aclamado cortometraje “Super Rhino” en 2009.
"Tangled" (Enredados) tiene un increíble reparto de personajes animales y humanos tremendamente atractivos, además de escenarios fantásticos que van de castillos a torres pasando por bosques y pubs, y unos efectos visuales espectaculares incluyendo una maravillosa escena con 46.000 deslumbrantes farolillos. La película es una comedia contemporánea para públicos de todas las edades y también un paso de gigante en el plano técnico y artístico para Walt Disney Animation Studios y para el arte de la animación generada por ordenador.
“Puede que el público sepa lo que puede esperar de una película en la que sale Rapunzel”, dice Greno, "pero le hemos dado un giro totalmente nuevo para hacer una cinta que sea atractiva, fresca y diferente. A Byron y a mí nos encantan las películas clásicas de Disney, y queríamos recuperar ese look retro y tan bonito de los años cincuenta, y mezclarlo con una narración contemporánea, con el ritmo, la acción y el humor del cine actual. Es como colocar una nueva capa a este tipo de historia”.
Howard añade: "La escala de esta película es gigantesca—con persecuciones a caballo, luchas con espadas, fugas de prisión e inundaciones. La historia nos permitió integrar las virtudes y alicientes del cine actual en una historia clásica.
“También contamos con el divertidísimo e inteligentísimo Dan Fogelman para escribir el guión", añade Howard. "Dio vida a Flynn, inyectó ese toque de genialidad en Rapunzel y a Madre Gother, su personalidad sarcástica. No lo hubiéramos logrado sin él".
QUIÉN ES QUIÉN EN “TANGLED” (ENREDADOS)
Según el director Byron Howard, "Tangled" (Enredados) es una aventura de espadachines repleta de acción, risas, un caballo llamado Máximo que se apodera de la pantalla en cuanto sale y una serie de magníficos personajes que espero que sean inolvidables para los espectadores".
Los realizadores están convencidos de haber creado grandes personajes. "Los personajes se adueñan de la pantalla", dice Lasseter.
Es cierto que RAPUNZEL lleva toda su vida encerrada en una torre oculta, pero no tiene nada de una dama en apuros. La chica de la cabellera dorada de 21 metros ha dejado atrás su aislamiento y está lista para vivir aventuras. Cuando un atractivo ladrón busca refugio en su torre, hace el negocio de su vida. Abandona la torre para vivir un sinfín de aventuras divertidas y emocionantes que desenredarán muchos secretos. Mandy Moore, que prestó su voz a Rapunzel, afirma: "Sabía que Disney le daría su toque especial a la historia. Es increíblemente divertida y también muy tierna. Rapunzel es una joven alegre, divertida, curiosa, absolutamente arrolladora. Tiene 17 años, a punto de cumplir 18 y la conocemos justo antes de ese cumpleaños tan importante. Ha vivido en una torre toda su vida, pero es muy apasionada, creativa y está deseando descubrir el mundo. Está abierta a todo lo que le depare la vida y lleva la aventura en sus venas. Lleva toda la vida soñando con conocer mundo y aprender más sobre esas luces que aparecen todos los años en el día de su cumpleaños. La película hace mucho hincapié en el poder de las mujeres... ella es mucho más fuerte de lo que cree".
FLYNN RIDER rebosa confianza en sí mismo, y gracias a su ingenio, su encanto y su atractivo siempre ha salido airoso de las situaciones más inverosímiles. Flynn es un ladrón que busca dar ese último golpe que le permita tener la vida con la que siempre ha soñado. Y está a punto de conseguirlo cuando conoce a Rapunzel, una extraña chica con una melena kilométrica. Flynn vivirá la aventura de su vida al tejer una 'descabellada' alianza con la joven de la torre. “Es un bandido muy guapo", dice Zachary Levi, que presta su voz a Flynn. Y añade: "Pero me gusta cómo le han dado la vuelta. Es un ladrón egoísta pero al mismo tiempo es un tipo irresistible. La comedia es un elemento fundamental de esta película, que es muy divertida."
Es controladora, manipuladora y superprotectora, pero MADRE GOTHEL es la única madre que ha conocido Rapunzel. Gothel raptó a Rapunzel cuando era niña y la crió en la torre. Se aseguró de ser la única en tener acceso a la cabellera mágica de Rapunzel que utiliza como su fuente personal de juventud. Donna Murphy, la galardonada actriz de teatro, es la voz de Gothel. “Todo su mundo gira alrededor de Madre Gothel", dice Murphy. “Y Madre Gothel haría cualquier cosa por ella, aunque creo que el amor que siente por Rapunzel es un poco especial. Es una verdadera reina del glamour. Pero también es bastante realista. Ella se cree irresistible a pesar de que a Rapunzel no le hacen mucha gracia sus bromas. Pero te partes de risa con ella, es un verdadero crack para una actriz.
“En cierto sentido, la Madre Gothel es la clásica malvada de Disney”, sigue diciendo Murphy, “aunque psicológicamente, hay ciertas cosas más sofisticadas, para que encajen con esta historia y con esta época”.
Lasseter afirma: "Me encantan las historias con un buen villano y 'Tangled' (Enredados) tiene una 'mala' genial llamada Madre Gothel. Es muy teatral y tremendamente divertida. Ella es absolutamente genial, una de las mejores 'malas' que hemos creado jamás”.
Para MAXIMUS, el Capitán del caballo de la Guardia, capturar a Flynn Rider, el ladrón más buscado, es la misión de su vida. El caballo no tiene miedo a nada y corre todo tipo de peligros para seguir a Flynn a lugares donde nadie quiere ir. Nada parece interponerse en el camino de este 'poli duro'. Pero cuando Maximus conoce a Rapunzel el corazón se le reblandece y empieza a ver el mundo desde otra perspectiva. Lo que empezó como una persecución implacable va camino de convertirse en una maravillosa amistad. El caballo, cuyo comportamiento se parece más al de un perro, se adueña de la pantalla, tal y como afirman los realizadores. “Es un caballo animado que no se había visto nunca”, dice Greno. “Queríamos hacer algo fresco, algo vivo con este personaje”.
El único amigo de verdad que tiene Rapunzel es su silencioso compañero del alma PASCAL, que cambia de color. Pascal sólo es un pequeño camaleón, pero juega un gran papel en la vida de Rapunzel. Pascal es al mismo tiempo su confidente, su entrenador y su cheerleader. Es quien anima a Rapunzel a abandonar su solitaria torre. Este compañero que presta apoyo y aliento podría tener la clave de un misterio regio. “Pascal es el compañero del alma de Rapunzel”, explica Howard. “Es un diminuto camaleón. Lo creamos porque necesitábamos un personaje a quien Rapunzel pudiera contar sus sueños y esperanzas. Queríamos hacer algo original y así fue cómo nació Pascal. Está basado en un camaleón de verdad llamado Pascal que pertenecía a Kelly Lewis, una de las artistas de animación de la película. Y sale en los créditos como 'amaestradora de camaleones'. Pascal es algo así como el Pepito Grillo de Rapunzel. Es un tipo chiquito pero matón y es muy divertirlo verle actuar”.
Los HERMANOS STABBINGTON son una pareja de rudos malhechores cuyas robos y peleas les han colocado en la lista de los "Más Buscados" del Reino. El Stabbington con el parche en el ojo (voz en inglés de Ron Perlman) es el que se expresa en nombre de estos dos fornidos brutos. Pero está claro ambos se sienten más cómodos con los puños que con las palabras. Los antiguos compañeros de andanzas de Flynn Rider tiene una sola misión en la vida: vengarse. Están furiosos porque el astuto Flynn Rider los ha engañado y nada les detendrá hasta conseguir que pague y les devuelva el fruto de sus robos.
Hay pocos malhechores tan duros como estos, o tan aterradores como HOOKHAND (con la voz en inglés de Brad Garrett). Nadie sabe cómo perdió la mano, pero lo cierto es que nadie se atrevería a averiguarlo. Hookhand sabe cómo utilizar su garfio: hace una música maravillosa con él. De hecho, sueña con convertirse en pianista de concierto.
Pero una cosa está clara. BIG NOSE THUG no es el tipo más irresistible del bar. De hecho, con sus furúnculos, costras, bultos y moratones, no resulta muy agradable a la vista. Pero no hay que juzgar a nadie por su apariencia, y no debe juzgarse a un malhechor por sus cicatrices; en su interior, Big Nose es el más "guapo" de los malhechores. Es un romántico sin remedio que sueña con una sola cosa: encontrar el amor verdadero. Puede que un día encuentre a la dama que no se fije en su apariencia sino en su belleza interior y en su corazón de oro. Jeffrey Tambor es quién presta su voz a Big Nose.
El CAPITÁN DE LA GUARDIA, con voz de M.C. Gainey, es tan determinado y tenaz como su caballlo Maximus, pero no tan efectivo.
Una mirada al temible VLADAMIR hace temblar al tipo más duro del mundo. Pero detrás de esa fachada tan feroz -con la voz en inglés de Richard Kiel- se esconde un corazón tierno con un hobby muy especial: coleccionar unicornios de cerámica.
Al más pequeño de los malos del barrio, SHORTY, con la voz en inglés de Paul F. Tompkins, le gusta tener la última palabra, a pesar de que esa última palabra no sea muy coherente que digamos.
La pandilla de malhechores también incluye a KILLER, un musculoso rufián que lleva dentro de sí a un sastre; a TOR, un tipo duro con buena mano para la jardinería, y a ATTILA, un intimidante malhechor que se siente más cómodo con un delantal que con una armadura. ¿Su especialidad? Los 'cupcakes'.
DESENREDANDO A RAPUNZEL: LOS DIRECTORES NATHAN GRENO Y BYRON HOWARD DAN UNA VUELTA DE TUERCA A UN CUENTO CLÁSICO.
Hace mucho que la historia de Rapunzel ha fascinado a los magistrales cuentacuentos de Disney; la historia la fue desarrollando desde los años 40 el propio Walt Disney. Los directores Byron Howard y Nathan Greno ayudaron a trasladar “Tangled” (Enredados) a la gran pantalla.
Howard lo recuerda: "Nathan estaba trabajando en el guión antes de que nos convirtiéramos en los directores y vislumbró algo muy interesante en Rapunzel. Así que empezamos a hablar del personaje. Nos preguntamos: '¿Quién es este personaje y cómo podemos sacarla lo antes posible de la torre?' Sabíamos que ella era el motor de toda la historia y si se quedaba todo el tiempo encerrada en esa habitación, no conseguiríamos nada. Y esa fue la clave para construir el personaje".
“Queríamos convertirla en un personaje más dinámico, y eso significaba que tenía que haber un contrapeso”, añade Greno. “Necesitaba a alguien que fuera su igual, un personaje que pudiera dar la réplica a esta inteligente y extravagante chica. Es muy inteligente pero no sabe nada del mundo. Tiene una visión limitada del mundo y no tiene ni idea de lo que ocurre ahí fuera. Quiere saber lo que son esas luces que flotan en la lejanía. Y ahí es cuándo entra Flynn Rider. Es el tipo más viajado y más listo del barrio. Está de vuelta de todo y sabe cómo funciona el mundo. A lo largo de la película aprenderán a complementarse".
El director de historia Mark Kennedy y el guionista Dan Fogelman (“Bolt”, “Cars”) ayudaron a los realizadores a dar forma a su historia. La película tomó un nuevo rumbo con Howard y Greno y con algunas significativas aportaciones de John Lasseter. Así fue como se convirtió en un apasionante cuento con dos personajes que viven una intrépida aventura.
Mark Kennedy recuerda: "John quería que la película enamorara al público. Para él siempre fue muy importante que Rapunzel tuviera una personalidad fuerte y que su vida en la torre no fuera desagradable ni aterradora. Nos explicó que es era la hija de un rey y una reina, y que por lo tanto tenía que ser alguien valiente por naturaleza. Así que nos pusimos a trabajar en personajes que fueran divertidos e interesantes y que lograran atraer la atención del público”.
“Desde el principio, Nathan y Byron tenían una idea muy clara de lo que querían hacer con la historia”, añade Fogelman. “Querían contar una historia clásica de Disney de una forma totalmente nueva que encajara con el estilo de la animación generada por ordenador. Querían que la comedia y los personajes tuvieran una sensibilidad del siglo XXI pero conservando muchos de los elementos que el público quiere ver en las películas de Disney. La clave estaba en encontrar un buen equilibrio.
“Dar con la voz y el tono adecuado para Flynn, y hacer que fuera entretenido, fue el mayor reto”, añade. “El personaje está espectacular cuando se dedica a sus juegos mentales con otros. A él le encantan. Es el tipo de personaje que se divierte dándole vuelta a las palabras aunque a los demás no les parezca tan gracioso. Tiene algo de Cary Grant. En el fondo, es un alma perdida que no sabe lo que quiere ni quién es en realidad".
Howard añade: "A medida que avanza la historia, la película se centra en Rapunzel y Flynn. Es una cinta sobre estas dos personas tan diferentes y sobre la asombrosa química que se produce entre ellos. Y gracias a eso crecen y se convierten en mejores personas”.
“Rapunzel era un personaje tan interesante que teníamos que inventarnos más cosas positivas sobre Flynn para que estuviera a su altura", añade Greno. “Y a veces conseguía ser más interesante que ella, así que teníamos que encontrar un equilibrio. Pero gracias a este proceso ambos se convirtieron en personajes muy potentes. Está claro que esta película no funciona sin Rapunzel, pero tampoco funciona si quitas a Flynn Rider de la ecuación. Necesitamos a ambos personajes para que la maquinaria funcionase”.
“Intentamos que Flynn Rider fuera el personaje masculino más atractivo que Disney había hecho jamás", dice Howard. "Investigamos muchísimo. Todas las damas del estudio venían a la 'Reunión del hombre cañón', en la que recopilamos fotos de los hombres más guapos. Cogimos fotos de Internet, de libros y también de las carteras femeninas. Ellas sabían muy bien lo que les gustaba y lo que no les gustaba".
Greno añade: "Las mujeres venían y puntuaban las fotos".
“Todo el mundo estaba destrozado. Bueno, no se puede tener todo", dice Howard. “Era bastante complicado ser un hombre en esa reunión. Te sentías falta. Pero intentamos procesar toda esa información para convertirla en un personaje irresistiblemente guapo y atractivo".
“Creamos el hombre perfecto", dice Greno.
Al final, Greno ejerció una gran influencia sobre el personaje. “Nueve de cada diez veces, cuando necesitábamos decidir algo sobre interpretación en los dailies, Nathan era el primero en dar su opinión", dice Howard. “El personaje se le dio muy bien desde el principio. Cuando Zachary Levi se incorporó, añadió otra capa. Y cogíamos todo eso y lo incorporábamos a los storyboards y volvíamos a escribir el guión. Cuando alguien comprende tan bien a un personaje, el trabajo está prácticamente hecho”.
El productor Conli añade: "Lo más asombroso de esta película ha sido trabajar con Nathan y Byron. Llegaron con una historia que había que reescribir, reinventar. Y lograron darle la vuelta con gran rapidez y convertirla en algo realmente excepcional. La habilidad innata que tiene Nathan para contar una historia y el sentido del entretenimiento y la animación de Byron hizo de ellos la pareja idea para dirigir 'Tangled' (Enredados)".
Entendieron perfectamente los personajes y lograron representarlos y comunicarlos increíblemente bien al resto del equipo. Fue muy divertido y satisfactorio trabajo con realizadores tan jóvenes y con tanto talento".
APROVECHANDO LA TRADICIÓN DE LA ANIMACIÓN DE DISNEY
Glen Keane, un veterano con 35 años en Disney, está considerado uno de grandes maestros modernos del género. El fue quien aportó a "Tangled" (Enredados) esa fuerza que tienen los cuentos clásicos de Disney y quien está detrás de las animaciones tan expresivas y sutiles de los personajes.
“Contamos con un montón de animadores de enorme talento", dice Greno. Y añade: "Y tenemos a Glen, que está pasando todos los conocimientos y la tradición que atesora a la siguiente generación de animadores. Tenemos lo que no tiene ningún estudio: un legado".
A lo largo de su ilustre carrera, Keane ha creado y supervisado personajes tan inolvidables como el Profesor Ratigan (“Basil, el ratón superdective”), Ariel (“La Sirenita”), Marahute (“Los Rescatadores en Cangurolandia”), la Bestia, Aladdin, Pocahontas, Tarzán y John Silver (“El planeta del tesoro”), entre otros. En su último trabajo en “Tangled” (Enredados), diseñó el personaje de Rapunzel, fue supervisor de animación (junto con John Kahrs y Clay Kaytis) y trabajó estrechamente con todo el equipo de animación para elevar el listón de la animación humana en el mundo de la animación generada por ordenador.
“Cuando John (Lasseter) y yo vimos las primeras pruebas de 'Tron' en 1981, nos quedamos maravillados con la posibilidad de internarnos en ese mundo", recuerda Keane. “Nunca habíamos visto nada parecido así que enseguida empezamos a hablar de hacer una prueba. Trabajamos con los fondos y descubrí que cada vez que la animación generada por ordenador se cruza con la que se dibuja a mano, te obliga a dibujar mejor. Años después, todo lo que John estaba haciendo en Pixar nos recordó que en la animación generada por ordenador podemos movernos con total libertad en el espacio y alrededor de los personajes. En 'Tarzán' trabajé con técnicos especializados para añadir profundidad al personaje que se desliza entre los árboles en un entorno en 2D. Cuando estoy animando algo, lo veo más como un dibujo escultural".
Cuando Lasseter tomó las riendas creativas de Disney en 2006, la pregunta era si debían hacer "Tangled" (Enredados) en formato de animación generada por ordenador o dibujada a mano. Keane afirma: "Pensé en el pelo, en iluminar el pelo, las telas, las texturas de la piel. Así que seguí por ese camino, teniendo siempre en cuenta los principios de Ollie (Johnston) y Frank (Thomas) basados en la autenticidad de los personajes. Esos son los verdaderos cimientos”.
Howard añade: "En esta película, la animación humana no se parece a nada de lo que se ha visto hasta ahora. Y no me estoy echando flores porque creo que ambos estamos muy orgullosos de lo que han logrado los animadores. Si nos fijamos en películas como “Ratatouille” y “Los Increíbles”. Los niveles de sutileza de esas películas pusieron el listón muy alto. Y necesitábamos seguir elevando el listón.
Y los animadores estuvieron a la altura de la misión, con pequeñas micro-animaciones en los párpados inferiores de los ojos, diminutos movimientos de ojos que recogen todo ese fantástico subtexto que tiene la película y que es importantísimo para la historia".
Los avances tecnológicos permitieron a directores y animadores trabajar juntos en el aspecto de la película como nunca habían hecho antes. Utilizando una tableta digital, Keane podía pintar encima de un fotograma de animación por ordenador durante los dailies. “Byron y Nathan son unos actores inmensos", dice Keane. “Actuaban para los animadores, intercambiaban ideas, trabajando juntos. Byron interpretaba a Flynn y Nathan hacía de Rapunzel, o viceversa. Yo podía acelerar, retroceder, congelar y también dibujar encima”.
“Nos encanta Glen”, dice Howard. “Es la persona más encantadora y como más talento que podíamos tener en este proyecto. Glen trabajaba con los dibujos de los animadores en los dailies y pudimos aprovechar su enorme talento de dibujante y regidor. Es como una cámara instantánea. Si Nathan o uno de los animadores hacían una pose divertida, él los miraba un segundo y después dibujaba algo increíble que iba a servir de inspiración a los que estaban trabajando en esa escena para lograr una animación de máxima calidad”.
Lasseter añade: “Glen Keane es uno de los grandes animadores de la historia de Disney. Es uno de los artistas más excepcionales con los que he tenido el placer de trabajar. Le conozco desde el verano de 1975. Me acababa de graduar en el instituto e iba a empezar en el California Institute of the Arts, en el Programa de Animación de Personajes. Glen acababa de incorporarse al programa de formación del estudio. Acabada de graduarse en Cal Arts. Y empezó a crear personajes espectaculares como Ariel, la Bestia, Aladdin, Pocahontas, Tarzán... Todos vivirán para siempre gracias a su inmenso talento. Ha formado parte de 'Tangled' (Enredados) desde el mismísimo principio, y ha sido fuente de inspiración para toda una generación de animadores de la animación por ordenador que han conseguido que alcance un nuevo nivel. Glen Keane personifica la animación clásica de Disney, la animación dibujada a mano, ese estilo que es sinónimo de este estudio y que no tiene ningún otro. Y trabajó sin descanso con los animadores, con los diseñadores de personajes. Ha logrado elevar esta película a un nivel que no tiene ninguna otra. Es un clásico Disney pero al mismo tiempo es nuevo y refrescante, no se parece a nada de lo que ha visto el público hasta ahora”.
DANDO VIDA A LOS PERSONAJES: EL EQUIPO DE ANIMACIÓN DE DISNEY Y LAS MEJORES VOCES CREAN ACTUACIONES ABSOLUTAMENTE MEMORABLES.
Animar personajes humanos siempre ha sido una de las cosas más difíciles en la animación por ordenador. Películas como "Los Increíbles" y "Ratatouille" (ambas de DisneyŸPixar) han sentado las bases de este género artístico. En esas películas los personajes humanos estaban muy caricaturizados y están dotados de una sutileza y una expresividad desconocida hasta entonces. Bajo la dirección de los supervisores de animación Glen Keane, Clay Kaytis y John Kahrs, la animación de “Tangled” (Enredados) representa otro paso de gigante en la animación de personajes humanos, así como la creación de personajes animales de enorme atractivo. Los supervisores de animación Lino Di Salvo y Mark Mitchell trabajaron en coordinación con el trío de supervisores para mantener el máximo nivel en la animación. En total, el reparto animado de "Tangled" (Enredados) incluye cinco protagonistas, 21 malhechores, el rey y la reina y 38 habitantes.
Howard afirma: "La primera cualidad que debe tener una película animada es que los personajes sean atractivos. En 'Tangled' (Enredados), los humos están lo suficientemente caricaturizados para que sean divertidos. No son demasiado realistas ni tampoco muy 'de dibujos animados'. Son lo suficientemente reales para que el público se crea sus emociones, pero también con una amplitud de registro que permite disfrutar de la comedia, que es un elemento fundamental en las películas animadas".
“Rapunzel es uno de los personajes más complicados que hayamos tenido que animar jamás”, dice Kaytis. “El primer paso fue encontrar un modelo que tuviera buen aspecto y después conseguir que se moviera correctamente. Y que sus mejillas reaccionaran con el movimiento de la boca. Pero una vez que empiezas a animar al personaje, todo cambia cuando empieza a moverse. Tienes que pensar en qué ángulos le favorecen y cuáles no. Cuando no está guapa, tienes que analizar cada fotograma para conseguir que resulte atractiva. Hay algo muy engañoso en la animación generada por ordenador. No sale automáticamente lo mejor, así que tienes que hacerlo tú”.
Kahrs, que llegó a Disney después de pasar 10 años en Pixar como supervisor de animación en películas como “The Incredibles” (Los increíbles), “Cars” o “Ratatouille”, dice, “Esta película es nuestros 'Increíbles' en el sentido de que teníamos que superar las dificultades que planteaba animar personajes humanos y superar lo que se había hecho hasta ahora. Los personajes humanos de 'Tangled' (Enredados) resultan más reales que todos en los que he trabajado en otras películas. Byron y Nathan dejaron muy claro que no querían que la animación se moviese porque sí. Querían que la acción estuviese sustentada por la emoción. Y la película contiene todos los principios de la animación: anticipación, seguimiento del movimiento y claridad. Pero ellos lo complementaron con excelentes interpretaciones.
“Una de las cosas que John Lasseter dice siempre es 'dejar que los personajes respiren'”, continua Kahrs. “Y en esta película, lo que da verdadera vida a los personajes es cómo respiran. En particular, Mandy Moore utiliza la respiración como parte de su interpretación. Lo oyes todo el tiempo. Y no se debe exactamente a que coge o expulsa aire.
Tiene que ver con la forma en la que la espina dorsal rota y se dobla, y cómo se suben y bajan las clavículas. Es el núcleo del interior del personaje. John nos decía que había que corregir la respiración de toda una escena. Decía cosas como: 'Piensa en los sentimientos del personaje desde dentro, desde el corazón'.
“Los animadores han hecho un trabajo fantástico a la hora de captar la profundidad y la sutileza de los sentimientos", añade Kahrs. “A veces, estábamos sentados en la sala de proyección viendo un plano terminado y parecía una chica de verdad. Te olvidas que estás viendo una película de animación. Y eso es exactamente lo que hay que lograr. La meta siempre es la misma: hacer que el público olvide que está viendo una película de animación, que olvide que está en el cine, que está viendo una película y que acabe sumergiéndose en la historia. Los animadores me enseñaban escenas que eran tan auténticas que me sumergía completamente en la historia. Estoy muy orgulloso del equipo de animación y del trabajo que han realizado”.
Para la actriz y artista de grabación Mandy Moore, poner voz a Rapunzel, el personaje protagonista, fue una verdadera revelación. Lo explica así: "Es un verdadero reto imaginar un mundo que no existe en realidad, utilizando bocetos de historia y las descripciones de los directores para visualizar el argumento. Al final tienes que echar mano a la imaginación. Lo que más me gustó de mi trabajo en 'Tangled' (Enredados) fue que tuve que utilizar una parte creativa de mi cerebro que no había usado nunca. Tienes que dejar de lado todos tus prejuicios, lanzarte y divertirte. En cierto sentido es como volver a ser un niño, porque tienes que comprender lo que significa vivir en un mundo fantástico y ser ese personaje”,
Howard afirma: "Mandy tiene una voz con alma, además de una claridad y una pureza asombrosas. Además tiene ese lado tan realista, tan de chica normal, que la convierte en la voz perfecta de una heroína Disney. No sólo es una excelente actriz, también es una gran cantante”.
Zachary Levi (“Chuck” de NBC, “Alvin and the Chipmunks: The Squeakquel” [Alvin y las ardillas 2]) dice, “Siempre he sido un gran fan de la animación y llevo toda la vida queriendo poner la voz a un personaje de Disney. El Pato Donald era mi favorito y estaba seguro que en un momento de mi vida me ofrecerían un trabajo en el que tuviera que hablar como él. Tienes que poner muchísima energía en el proceso de grabación, dejarte llevar y poner mucho sentimiento en lo que estás haciendo. Me gusta que esta película sea una gran comedia de aventuras que te transporta a mundo repleto de paisajes y personajes. Hay persecuciones y peleas, y también un poco de magia. Además hay muchísima química entre Rapunzel y Flynn, excelentes diálogos y muchos sentimientos. Todo eso es lo que hace que esta película sea tan auténtica e inolvidable".
“Cuando Zac llegó al estudio de grabación, comprendió inmediatamente quién era su personaje”, comenta Greno. Era ese adorable ladrón de capa y espada y lo clavó. Zac nos ha ayudado muchísimo a encontrar al personaje. Una vez que la voz del personaje funciona, sabes exactamente lo que tienes que hacer con él en la siguiente secuencia. Lo hizo todo con una facilidad asombrosa, con inteligencia, además de resultar muy divertido. Exactamente lo que necesitábamos para Flynn. El personaje tiene algo de chico malo pero al mismo tiempo te encantaría estar con él. Nos pusimos un poco nerviosos cuando tuvimos que preguntarle si sabía cantar. Pero cuando lo hizo nos dejó alucinados".
Los directores imaginaron a Madre Gothel como un personaje perverso y malo pero tremendamente divertido. La veían como una malvada psicológica al estilo de la madrastra de Cenicienta.
Donna Murphy (“The Nanny Diaries” [Diario de una niñera], “Lovemusik” [teatro]) es “una actriz increíble, una todo terreno”, dice Howard. “Tiene esa vena tan exuberante, tan teatral. Y además tiene una voz increíblemente fuerte que luce maravillosamente bien en ‘Tangled’ (Enredados). Teníamos un personaje perfectamente construido. Pero al llegar, Donna hizo un montón de preguntas y quería saber cosas en las que no habíamos pensado todavía. Nos ayudó a insuflar vida al personaje. Donna se fundió con el personaje y se entregó al cien por cien en su interpretación”.
También prestaron sus voces: Brad Garrett (“Everybody Loves Raymond” [Todo el mundo quiere a Raymond] y “’Til Death” [Hasta que la muerte nos separe] para la televisión) como Hook Hand, Jeffrey Tambor (“The Hangover” [Resacón en las Vegas], “Arrested Development” para la televisión) como Big Nose, M.C. Gainey (“Lost” [Perdidos] para la televisión) como el Capitán de la Guardia, Paul F. Tompkins (“There Will Be Blood” [Pozos de ambición]) como Shorty, Ron Perlman (“Sons of Anarchy” [Hijos de la anarquía] para la televisión) como un Hermano Stabbington y Richard Kiel (“Happy Gilmore” [Happy Gilmore (Terminagolf)]) como Vladimir.
CONOCER A KEANE: GLEN KEANE, UN GRANDE DE LA ANIMACIÓN DISNEY, DIRIGE Y SIRVE DE INSPIRACIÓN A UNA NUEVA GENERACIÓN DE ANIMADORES
Glen Keane posee un talento especial para el arte y la tecnología y llevaba mucho tiempo deseando aunar ambas cosas. Así que “Tangled” (Enredados) fue una magnífica oportunidad para él. “No estaba buscando un avance técnico en particular. Lo que quería era materializar esa idea de dibujo escultural", dice Keane. “Si tuviera que acuñar una frase para definir lo que hago, sería dibujo escultural. Cada vez que animo algo, es como si intentara probar que no se trata de un dibujo plano. ¡Cada vez que tengo una oportunidad, muevo al personaje y enseño su espalda! Sombreo mis dibujos para que parezcan más reales. La técnica de animación por ordenador sigue siendo única para dar profundidad y dimensión. Pero a mí me gusta dibujar. 'Tangled' (Enredados) nos ha dado la oportunidad de preguntarnos: '¿Qué es el dibujo?'”
Para ayudar a Keane y a sus compañeros realizadores a contestar a esa pregunta, se convocó una reunión llamada: "Lo mejor de ambos mundos". En un lado de la habitación, se reunieron los mejores ejemplos de la animación generada por ordenador. En la otra, lo mejor de la animación dibujada a mano.
“El dibujo a mano tenía ese aspecto orgánico, intuitivo que aporta belleza estética a las líneas y al diseño, y lo hace de forma natural", afirma Keane. “La animación por ordenador tenía dimensión y credibilidad. Tenía muchas más posibilidades de texturas. Nos dividimos en pequeños grupos e hicimos brainstorming para averiguar la mejor manera de hacer nuestra película. Y muchas de las conclusiones de esas reuniones fueron los cimientos de 'Tangled' (Enredados). Gracias a su formación de dibujantes, Byron y Nathan supusieron un apoyo importantísimo”.
Keane afirma: "Estoy orgullosísimo del nivel de los artistas que han trabajado en la película. La maestría artística de esta película es la mejor que se ha visto jamás en animación generada por ordenador”.
LA MAGIA ESTÁ EN EL PELO: CREAR Y ANIMAR 21 METROS DE PELO
La clave del éxito de la película era encontrar una forma de animar el pelo de Rapunzel y hacerlo creíble, orgánico y que los realizadores y animadores pudieran hacer con él todo lo que necesitaban hacer.
Keane es uno de los mayores especialistas a la hora de animar cabellos. “Si te fijas en mis personajes, sus problemas siempre tienen que ver con el pelo”, dice. “Ariel siempre está flotando en una nube de pelo rojo. Quiere decir que esta chica vive en un mundo pero quiere estar arriba, en otro. En el caso de la Bestia, su pelo hace alusión a su pelaje. Es un animal y le cubre todo el cuerpo. El viento siempre está agitando el pelo de Pocahontas. Esta peculiaridad representa su lado espiritual, y su lucha por comunicar la invisible naturaleza espiritual del Nuevo Mundo a aquellos que sólo ven el oro que esconde. Las raíces de Tarzán eran las de Lord Greystroke. Pertenece a la aristocracia, pero ahora lleva unas melenas que no han visto nunca un peine. El pelo define su problema: ¿es un ser humano o un animal? En el caso de Rapunzel, su pelo nos recuerda constantemente que tiene un potencial increíble”.
Keane enseñó a los animadores cómo animar y colocar el pelo y trabajó con el equipo técnico en el proceso de simulación. “Hice un montón de dibujos y les hablé de los principios que hay que tener siempre en mente. El pelo debía tener un aspecto sensual, algo que resultara atractivo y que irradiara belleza. Y también tenía que pesar. Rapunzel tiene que tocarlo y utilizarlo. Además desempeña un papel muy importante en su historia. Es un lugar en el que se esconde, y cuando se siente libre, lo lanza por los aires”.
Clay Kaytis, el supervisor de animación, lo explica: “Ningún estudio había hecho nunca 21 metros de pelo. En el pelo que se había visto hasta ahora en animación, el pelo es bastante pasivo. Los personajes no suelen interactuar con él. No lo lanzan por los aires ni lo enredan en las sillas. Es la primera vez que se ha hecho este tipo de trabajo. Estoy alucinado con la capacidad técnica que se han conseguido en esta película. Sin lugar a dudas estamos ante una proeza tecnológica.
Y añade: “Animar el pelo de Rapunzel ha sido una gigantesca tarea para nuestro equipo". “Si el movimiento no exige interacción, como cuando ella está corriendo o sentada o haciendo cosas normales, se añade una simulación recta. Pero si necesita coger la melena y lanzarla, las cosas se complican. Hay varias soluciones técnicas, pero la más básica es la que el animador controla a mano, moviendo un tubo largo".
El supervisor de efectos visuales Steve Goldberg, el supervisor de efectos generados por ordenador Jesús Canal, el supervisor técnico Mark Hammel y un equipo técnico de expertos en pelo (encabezado por Xinmin Zhao y Kelly Ward), fueron los encargados de encontrar una forma de dar vida a la melena de Rapunzel. Desarrollaron un nuevo software (llamado Dynamic Wires) y nuevas técnicas para llevar a cabo las ambiciosas ideas de los realizadores sobre la animación del pelo.
“Glen convocó reuniones y nos dio directrices específicas para asegurarse de que el pelo de Rapunzel siempre estuviera fantástico, atractivo y natural”, dice Canal. “No quería que el pelo cayera formando una línea recta ya que eso resultaba muy soso. Debía tener volumen, ondas sensuales, mechones marcados y un remolino muy característico en la frente. Tuvimos que colocar y simular el pelo en cada plano siguiendo esas directrices. El equipo técnico animó 147 tubos que representaban la estructura del pelo, de la que saldría una imagen individual con cerca de 140.000 cabellos”.
La ingeniera informática Ward, que trabajó a las órdenes del supervisor de simulación Zhao, fue parte del equipo de tres (junto con Maryann Simmons y Andy Milne) encargado de crear el software de simulación para el pelo. Ward, licenciado en Informática por la Universidad de Carolina del Norte, escribió su tesis sobre el pelo y ha pasado los 10 últimos años dedicado a animar pelo en el ordenador. Está considerada una de las mayores expertas en la materia.
“El primer obstáculo fue simular un pelo tan largo", explica Ward. “Desarrollamos el programa Dynamic Wires para 'Bolt'. Pero en esa película el pelo era muy corto. Al ser más largo se plantean enormes problemas de tiempo porque la simulación dura mucho más y se necesitan muchos recursos informáticos. Otro gran problema fue que el pelo se amontonaba en el suelo cuando Rapunzel se movía. Una vez que logramos algo que se pareciera a una melena de 21 metros, tuvimos que darle el estilo artístico. En la siguiente fase tuvimos que trabajar con los directores y los animadores para comprender qué aspecto querían que tuviese el pelo y cómo tenía que moverse”.
La investigación incluyó anuncios de champú en YouTube y observar a una modelo con una melena de casi dos metros par comprender la física. Se realizaron un montón de pruebas para ayudar a los simuladores a perfeccionar el movimientos del pelo. Ward apunta: "Nuestro trabajo consistió en hacer que el pelo fuera atractivo. Teníamos que dar ese toque artístico que lo convirtiera en una materia exquisita, maravillosa, voluminosa y brillante”.
“Fue una tarea realmente ardua", dice Zhao. “Llegó un momento en el que supimos que podíamos simular el pelo. Pero después, teníamos que tener en cuenta las necesidades de la dirección artística a la hora de crear formas, curvas, movimiento y peso. El reto era conseguirlo rápidamente y ajustarlo para que los usuarios pudieran conseguir los resultados deseados. Al principio, nos costó dos semanas terminar una escena. Después lo conseguimos reducir a diez horas o menos".
El supervisor de efectos Michael Kaschalk y su equipo añadieron los toques finales a la melena de Rapunzel para dar ese brillo mágico. Dave Goez, director artístico, les explicó lo que quería y el equipo de efectos creó un nuevo aspecto para que el pelo tenga poderes cuando se canta el conjuro. “No queríamos utilizar polvo de hadas, o algo que ya se había hecho antes", dice. “Lo que hicimos fue añadir espirales, formas helicoides que fluyen a través del pelo y crean un resplandor interior que emana hacia el exterior. Da la impresión de que el pelo está iluminado desde el interior".
El equipo de efectos también encontró la forma de hacer mechones e introducir cambios sutiles en el tono para que no pareciera demasiado uniforme.
VER LA LUZ: LAS PROEZAS TÉCNICAS DE 'ENREDADOS' CONSIGUEN UNA PELÍCULA MUCHO MÁS DIVERTIDA
Además del impresionante uso de la tecnología para avanzar en el arte de la animación, “Tangled” (Enredados) reunió a un grupo de fantásticos talentos técnicos para crear el impacto visual y la deslumbrante belleza que habían imaginado los realizadores.
El supervisor de efectos visuales Steve Goldberg, un veterano con 20 años en Disney, se encargó de supervisar a los equipos que crearon el aspecto, los entornos y los efectos de la película. “Llegué a Disney con el convencimiento de que si el arte y el talento que existen aquí en el estudio podían aplicarse al medio de la animación por ordenador, el resultado sería único y extraordinario", dice Goldberg. “Disney siempre ha contado con los mejores artistas de la industria y un legado para hacer animación de cinco estrellas. Y estoy convencido que 'Tangled' (Enredados) es la expresión perfecta de todo ese potencial. Con grandes artistas como Glen Keane, Dave Goetz y Dan Cooper en la cúspide de sus carreras, la magnífica dirección de Nathan y Byron, y la asombrosa maestría en técnicas digitales que atesora el estudio y que es mayor con cada película, Disney ha creado algo absolutamente especial con esta película.
“Con 'Tangled' (Enredados) quisimos superar todas las limitaciones y prejuicios sobre lo que es difícil y materializar la visión de los realizadores y directores artísticos", añade. “Con las técnicas generadas por ordenador, lo fácil y lo difícil es tremendamente variable. En una película puede haber algo que parece imposible y que se resuelve fácilmente en la siguiente. La tecnología evoluciona muy rápidamente y en la siguiente película vamos aplicando lo que aprendimos en las anteriores".
El supervisor de efectos generados por ordenador, Jesús Canal encabezó un equipo que se hizo cargo de los aspectos del desarrollo y diseño de los personajes, de las maquetas y el montaje. Su grupo también se encargó de simular el movimiento del pelo y de la ropa en las escenas que no exigían que los animadores hicieran ajustes individuales. “Simular la ropa de Rapunzel y de Madre Gothel fue un auténtico reto en esta película”, cuenta Canal. “Rapunzel lleva tres capas de ropa, lo que significa que se produce un roce entre las diferentes capas. Lleva una enagua, encima una falda y un corsé con mangas abullonadas. Madre Gother lleva un vestido y una capa con capucha. Para los directores era muy importante que las mangas fueran largas para que pareciera que la madre asfixia simbólicamente a Rapunzel cada vez que la abraza".
Para Michael Kaschalk y su equipo, el reto consistió en crear uno de los efectos más complejos y complicados que se ha visto en animación generada por ordenador. Entre estos efectos está el resplandor que adopta el pelo de Rapunzel cuando aplica sus propiedades curativas, un cielo repleto de farolillos con luz de velas, aguas embravecidas y grandes masas de espectadores.
CUIDADO CON LAS INUNDACIONES
Una de las escenas con efectos más impresionantes se desarrolla en un pozo minero mientras Rapunzel y Flynn escapan de sus perseguidores en una rápida retirada de la taberna a la caverna. Estalla una presa y las aguas inundan la zona creando una escena de gran dramatismo. El equipo de efectos estudió la atracción Grizzly River Run que se encuentra en el Parque Temático de Aventuras de Disney en Anaheim, California, en busca de inspiración. Querían saber cómo se filtra el agua a través de la desvencijada presa de madera que estalla en la película.
“Nunca habíamos hecho agua a una escala parecida", dice Kaschalk. “Hay 87 millones de litros de agua virtual generada por ordenador que se vierten cuando la presa se derrumba, junto con cientos de trozos de tablones y madera saltando por todas partes. La secuencia tiene que ser lo más dramática posible y para conseguirlo creamos docenas de fuentes de agua de mentira para filmarlas fuera de la pantalla”.
LUCES VOLANDO
Crear un cielo repleto de farolillos para la escena capital de la película que acompaña a la canción “I See the Light” fue otro gran reto que tuvo que superar el equipo de efectos. John Ripa, artista de historia, tuvo la idea de este espectáculo además de algo que John Lasseter había experimentado personalmente.
Greno lo explica: "Nos estábamos dando golpes en la mesa intentando imaginar qué haría que Rapunzel saliera de la torre. Hablamos de fuegos artificiales o de algo que ella pudiese ver desde la distancia. Y entonces John Ripa tuvo la idea de esos farolillos flotando".
“Había leído sobre esas ceremonias con farolillos que celebran en Indonesia y el Lejano Oriente. En realidad son farolillos hechos con papel de arroz con una vela dentro y los echan a volar”, añade Howard. "Hay decenas de miles de ellas y el resultado es espectacular. Cuando se lo contamos a John Lasseter, nos dijo: 'Sí, yo ha he hecho eso'. Él y su mujer, Nancy, habían estado en Indonesia y habían lanzado uno de esos farolillos en una ceremonia. Sabía exactamente de lo que estábamos hablando y dijo: 'Hay que hacerlo. Será espectacular'."
Kaschalk lo cuenta así: “Buscamos material de Tailandia e investigamos muchísimo a qué rapidez volaban los farolillos, cuántos se solían soltar y cómo podríamos reproducirlo en nuestra gigantesca escena. Nos basamos en el enfoque de líneas que fluyen para recrear los movimientos de los farolillos. Pero no sólo fluyen haciendo un movimiento curvo, sino entre ellos. Los farolillos bailan entre ellos formando espirales. Esos movimientos simbolizan armonía y transmiten la idea del amor”.
El equipo de efectos creó un grupo de 14 farolillos de diferentes formas y colores. Se colocó una llama de 10.000 micropuntos de luz en cada uno, y se duplicaron los farolillos hasta alcanzar una cifra máxima de 46.000 en una de las escenas cumbre de la película.
“A medida que Rapunzel se pierde en su ensoñación, los farolillos se dispersan, se hacen más difusos, más brillantes y se multiplica su número", añade Kaschalk. “Al principio de la escena, el mar tiene olas y textura, pero a medida que avanza, se alisa y se convierte casi en un espejo.
De esa forma los farolillos se reflejan y da la impresión de que los dos están volando en su góndola rodeados de un universo cuajado de farolillos”.
El director artístico Dave Goetz dice: “La secuencia de los farolillos es la culminación de su historia de amor. La película pasa de ser una comedia romántica en la que los dos protagonistas están siempre de uñas (aunque de una forma muy divertida) a una auténtica historia de amor. Además, ha alcanzado la meta de su vida que era saber lo que son los farolillos. Queríamos que esta escena fuera romántica y que irradiara una gran belleza".
PASO A LAS MASAS
Antes del lanzamiento de los farolillos, miles de personas se reúnen en el patio del rey para contemplar el espectáculo. El equipo de efectos creó una muchedumbre digital de 3.000 personas para poblar la zona. Es la mayor multitud de personas que ha creado Disney en una película de animación hasta la fecha. Esto se consiguió eligiendo a 40 personajes, vistiéndolos y pintándolos de forma diferente, modificando rasgos como la barba, y multiplicándolos de forma aleatoria durante toda la escena.
ILUMINACIÓN CÁLIDA
Otro departamento que contribuyó a que la película resplandeciera fue el de iluminación, bajo la supervisión de Mohit Kallianpur. Kallianpur también supervisó los departamentos de desarrollo de aspecto y efectos de la película. “En esta película nuestra meta era hacer que la iluminación fuera brillante, alegre y transmitiera una sensación de felicidad”, dice Kallianpur. “Lasseter y el grupo artístico quería que fuera como la luz de la Provenza o de la Toscana para que la gente viera las imágenes y quisiera irse allí de vacaciones. La iluminación es suave y cálida en casi toda la película. Hay muchas luces que rebotan por todas partes, y fenómenos atmosféricos que añaden profundidad. Utilizamos un montón de colores saturados, con un buen equilibrio entre los tonos cálidos y fríos. La torre de Rapunzel es un escenario muy importante de la película, y la vemos en diferentes circunstancias. La iluminación nos sirvió para crear estados de ánimo que añaden impacto emocional a la historia".
Una de las tareas más difíciles del departamento de iluminación fue el interior del pub Snuggly Duckling. Cuando Rapunzel y Flynn llegan allí, la iluminación es muy fuerte e intimidante. Pero cuando empiezan a cantar, la iluminación se hace muy teatral y se acompaña con focos. La luz durante la canción de Madre Gother llamada “Mother Knows Best” también utiliza una luz muy teatral.
CREANDO EL ESCENARIO: EL DIRECTOR ARTÍSTICO DAVE GOETZ UTILIZA FORMAS, DECORADOS Y COLORES QUE POTENCIAN LA FUERZA VISUAL Y LA NARRACIÓN
Dave Goetz, director artístico y Dan Cooper codirector artístico (junto al diseñador de producción Doug Rogers) se encargaron de crear el aspecto de la película diseñando los ambientes, los elementos arquitectónicos y la paleta de colores. Basándose en lo que había dicho John Lasseter, diseñaron la torre de Rapunzel como si fuera el hotelito más encantador del sur de Francia”. ¿Sus razones? Justificar por qué Rapunzel, siendo tan lista, no se había escapado antes de cumplir los 18 años. Así que la torre tenía que ser un lugar muy acogedor. El equipo artístico creó platós generados por ordenador que fueran originales y de gran belleza. Se inspiraron en la forma en S de "Cenicienta" y en las voluminosas proporciones de "Pinocho", que dan un toque sugestivo y cálido. Goetz utilizó una paleta de colores saturados para crear esa realidad tan intensificada que querían los realizadores.
“La totalidad del concepto de diseño está basado en las curvas en S y en formas muy fluidas", explica Goetz. “Byron y Nathan querían llevar el estilo clásico de Disney a una película generada por ordenador. Si nos fijamos en 'Cenicienta', todo es grácil, y casi todo proviene de un banco de formas que está hecho de combinaciones de curvas en S. Todo está imbuido de suavidad. No hay ángulos. Así que había que eliminar todo lo que tuviese un aspecto demasiado literal y que pareciese hecho a mano y no muy perfecto. Hemos estilizado las cosas para que las formas fueran gráciles y permitiesen al espectador escapar de la vida real. Pero al mismo tiempo todo esto existen en un universo que es creíble con texturas, iluminación y ambientes realistas”.
Cooper añade: "Estamos traduciendo el estilo clásico de Disney en algo que está generado por ordenador y el resultado es algo totalmente nuevo. El aspecto ha pasado por el filtro de la estética de Dave. Los directores querían explorar este aspecto, y Dave es el cabecilla que lo analiza y lo incorpora a este nuevo medio".
“Queríamos inventar un mundo creíble, aunque con una realidad exagerada”, añade Greno. “Queremos que el público sienta que es un lugar donde ellos mismos podrían estar, pero que es más bonito que el mundo real. Es un sitio imaginario muy real”.
Crear la torre de Rapunzel fue la tarea que llevó más tiempo y la que cambió menos durante el transcurso de la producción.
“Lo importante es que la torre resultase atractiva", dice Goetz. “Se encuentra en un valle precioso, y Rapunzel ha vivido allí feliz pero aislada. Pinta en las paredes y reproduce la vida que ve a su alrededor. El mural es su diario, con comentarios sobre su vida. Ve el mundo, lo traduce y eso se refleja en alguna parte del mural".
Los coloridos murales los diseñó Claire Keane (hija de Glen Keane), que aportó su talento y su imaginación.
“Empecé el proceso de creación del mural estudiando dibujos medievales y también la forma en la que algunos artistas relacionan los objetos", explica Keane. "Quería encontrar un nuevo lenguaje en su forma de pintar las paredes. El mural no sólo tiene funciones decorativas sino que expresa sus deseos y emociones subconscientes. Ella se pasa la vida cantando con los pájaros y regando las plantas. Le gustan las plantas porque ella viene de una flor.
También introduje el factor del paso del tiempo. Se reconoce el otoño, el invierno, la primavera y el verano. También hay marcas que nos dicen lo que ha crecido con el paso de los años”.
Glen Keane afirma: “Claire tiene algo del personaje de Rapunzel. Es indomable, el adjetivo que mejor define a Rapunzel. Cuando Claire tenía 18 meses, puse lápices y papel en su cuna e hizo un dibujo de su madre. Lo hizo todo al revés, pero tiene la barbilla de Linda, su nariz respingona, sus ojos, su peinado y sus pendientes. Siempre estaba preguntando si podía pintar los techos".
Al crear el pub Snuggly Duckling, una especie de bar de moteros medievales. Flynn lleva allí a Rapunzel para asustarla y que regrese a casa. Goetz estudió muchos pubs ingleses e hizo un viaje a la famosa taberna de Oakland que data de finales de los años 1800.
“El pub es el plató más divertido de la película. Y es muy posible que acabe recreándose algún día en un parque temático de Disney", dice Goetz. “John Lasseter me sugirió que visitase Jack London Bar en Jack London Square. Cuando entras en el bar todo el suelo se inclina. Hay cosas colgando del techo, incluyendo cientos de sombreros y las paredes están cubiertas de fotografías y recortes de prensa. Fue una excelente fuente de inspiración. Nuestro pub tiene armaduras colgando del techo y carteles de los 'Más buscados' por todo el local.”
En el castillo del rey y la reina de "Tangled" (Enredados), Goetz y su equipo querían crear algo que no se pareciera nada a los anteriores castillos de Disney. Buscaron arquitectura de casi todos los países europeos, incluyendo España, Italia, Portugal, Alemania, Francia y la República Checa. .
“Nos inspiramos en los castillos daneses", recuerda Goetz. “Las bóvedas con juntas de cobre tenían un aspecto muy original y parecían encajar en el estilo de nuestra película. El castillo no es un rascacielos enorme. Tiene una escala más humana. Estudiamos qué área de la dirección artística podíamos ajustar para que la película fuera más atractiva. Y eran la escala, el color y la calidez. La arquitectura no es un elemento hostil, las formas son redondeadas y un poco estrambóticas".
Otra clave de la película es el bosque. Goetz manipuló la paleta de colores y utilizar un estilo hiperrealista para crear un ambiente más atractivo. “Los directores dieron instrucciones muy precisas sobre el diseño de los árboles y del bosque”, dijo. “La naturaleza de las formas es el elemento que las hace atractivas. Cuando Flynn es perseguido por los guardias del Rey y por Max, se adentra entre esos enormes árboles y tiene que abrirse camino. Pero Nathan y Byron no querían que pareciera espeluznante y diera miedo, sino que el bosque transmitiera una sensación misteriosa y más salvaje. Utilizamos el diseño de las formas, la iluminación y el color para dar un tono más ligero y no tan agobiante".
Doug Rogers añade: "Queríamos árboles de hoja caduca, no bosques de pinos, debido a las formas. Queríamos árboles con formas suaves. Una vez que creamos los árboles pudimos diseñar las copas. ¿Qué hace interesante a un árbol? Las raíces, la corteza, la estructura de las ramas. Todos nuestros árboles están dotados de personalidad y actitud. Los alineamos en diferentes formaciones.
Teníamos un catálogo de árboles, y en las imágenes generadas por ordenador, siempre tienes la posibilidad de cambiar la cámara dentro del mismo plató, y llegar a descubrir algo mejor".
DISNEY DIGITAL 3D™: UNA NUEVA AVENTURA QUE PONE LOS PELOS DE PUNTA
Gracias a las maravillas de la tecnología moderna y a la calidad cinco estrellas de Disney Digital 3D™, el público de todo el mundo tendrá la oportunidad de disfrutar y sumergirse en la maravillosa aventura de Rapunzel y Flynn.
El director Byron Howard apunta: "Ver la película en 3D permite a los espectadores experimentar la historia y la acción de una forma totalmente inédita. En vez de ver castillos pintados como fondo, el rey se convierte en un sitio real. El bosque es real, con partículas de polvo que flotan en los rayos de luz. El público se sumerge en el mismo entorno en el que se mueven los personajes".
Para Robert Neuman, el supervisor estereoscópico de la película, "Tangled" (Enredados) ofrecía muchas oportunidades para incluir fantásticos efectos en 3D y marca el último paso en la evolución del cine en 3D de Disney. Él y su equipo se implicaron en las primeras fases del diseño y trabajaron estrechamente con los directores y varios departamentos técnicos (iluminación, efectos, etc.) para aprovechar al máximo el proceso.
“Una de las razones por las que 'Tangled' (Enredados) resulte tan bien en 3D es que este medio es excelente para el pelo", afirma Neuman. “Se nota la separación de los cabellos y también el volumen. Y hay algunos momentos divertidos en 3D cuando Rapunzel suelta su melena por la torre. Los directores buscaban un ángulo dinámico y querían que el pelo se alejase de la cámara o se acercase a ella. Sacaron el máximo provecho a la técnica en 3D y se esforzaron por crear composiciones cuyos tamaños funcionaran bien.
“Esta película recoge los últimos avances que ha realizado Disney en 3D”, añade Neuman. “Ahora utilizamos la profundidad de forma más artística. Y no nos preocupa la transcripción literal de profundidad entre cámara y proyector sino la interpretación de esa profundidad".
En “Tangled” (Enredados), Neuman y su equipo utilizaron a fondo una innovadora técnica llamada "multi-rigging". Disney ha sido la primera en utilizar este proceso que le da un enfoque más teatral al 3D utilizando múltiples pares de cámaras con distancias interaxiales distintas dentro de una escena. Las escenas se dividen en varios grupos de elementos, basados en la distancia que los separa de la cámara. Por ejemplo, se puede fotografiar el primer plano con un juego de cámaras para conseguir la profundidad y el efecto deseado. Los sujetos o los personajes se fotografían con otro juego de cámaras con la distancia interocular ajustada para que dé los mejores resultados para ese nivel. Y de la misma forma, se puede dar la profundidad que se necesita a los fondos. Todos esos elementos se unen formando un sandwich en la etapa de composición para crear algo que sería imposible en la realidad pero que es muy efectivo en la narración visual.
Entre las escenas en 3D más espectaculares de la película está la persecución a caballo en la que Flynn y los Hermanos Stabbington corren por el bosque perseguidos por la guardia del Rey. Otra es la huida de prisión de Flynn (con utilizando largos pasillos, arcos y rayos volumétricos de luz), y también la inundación de la cueva en la que están atrapados Flynn y Rapunzel, sin olvidar la espectacular escena de los farolillos.
“Uno de los mejores momentos en 3D de la película es la escena en el pub Snuggly Duckling donde los malhechores cantan canciones sobre sus sueños", dice Neuman. “Esto es genial para la composición estéreo, porque puedes seguir la escena con los ojos en caminos continuos, sin dar grandes saltos. El plató está muy bien decorado, con mucho gusto. Los personajes son interesantes, hay ángulos orgánicos y muchas cosas con profundidades diferentes. El resultado es un paisaje continuo de profundidad que es un festín para los ojos".
Para resumir las logros en 3D de la película, Neuman concluye: "Para empezar, cogemos algo que tiene muy buen aspecto en 2D y añadimos ese plus que atrae al espectador y le hace pensar que se trata de algo más que luz proyectada en una pared, una extensión de la realidad en la que pueden sumergirse. La posibilidad de ofrecer ese 'plus' y sus resultados son muy gratificantes. Este ha sido el proyecto más ambicioso de Disney en 3D hasta la fecha, y estamos muy orgullosos del resultado".
LA MÚSICA: EL EXPERIMENTO DE ALAN MENKEN Y GLENN SLATER CON NUEVOS ESTILOS MUSICALES
“Tangled” (Enredados) presenta cinco nuevas canciones y una banda sonora de Alan Menken, el compositor de música/canciones ganador de ocho Oscar® (“The Little Mermaid” [La Sirenita], “Beauty and the Beast” [La Bella y la Bestia], “Aladdin”, “Pocahontas” y “Enchanted” [Encantada]). Las letras son de Glenn Slater, nominado a los premios Tony® y Grammy® por su trabajo en “The Little Mermaid” (La Sirenita). “Something that I Want” es una de las canciones de los créditos finales, escrita e interpretada por la cantante de Hollywood Records, Grace Potter.
“Es muy divertido buscar música actual para la película pero conservando siempre esa cualidad de intemporalidad", dice Menken. “Es genial probar nuevos vocabularios. Una de las primeras cosas que hice fue leer la historia de Rapunzel e intentar imaginar algo nuevo. Algo que tuviese que ver con el pelo y con las ganas que tiene de salir de la torre. Eso me recordó a artistas de folk rock como Joni Mitchell, James Taylor, Cat Stevens y Jackson Browne. Me dio un punto de partida para crear algo nuevo".
Rapunzel (Mandy Moore) canta la canción de apertura de la película, “When Will My Life Begin?” en la que expresa su inquietud y su deseo de explorar el mundo. Menken afirma: "En cierto sentido, está inmersa en un viaje que desconoce completamente. No sabe que existe el mundo exterior. Es algo que no puede comprender. Así que el reto era crear un deseo por algo que no sabe en qué consiste. Queda perfectamente reflejado en la letra de la canción: 'Soy muy feliz aquí, pero quiero que mi vida empiece'".
Moore afirma: “Nos divertimos mucho creando esta canción, pero también fue un verdadero reto porque hay que incluir mucha información en un tiempo cortísimo. No se pueden poner muchas palabras en una sola frase a riesgo de quedarse sin aliento. Es una manera perfecta de sumergirse en la película y en la historia de esta joven. Ella es muy divertida y está llena de vida. La canción ayuda al público a contar quién es el personaje y saber que le gusta su vida. No se siente sola. Sólo dice que le falta algo, pero no acierta a decir de qué se trata”.
Para el gran número musical de Madre Gothel, “Mother Knows Best”, Menken y Slater se inclinaron por un estilo musical más clásico y eterno. Menken afirma: "Tiene un tono muy de 'Cabaret'. El personaje tiene matices de Ursula de 'La Sirenita'. Quiere a Rapunzel pero necesita controlarla. En muchos aspectos, Madre Gothel se parece a todas las madres. Es una versión exagerada y la canción expresa cómo asfixia una madre a su hija en su intento de protegerla".
“Donna Murphy clavó la canción", añade Conli. “Estábamos en la sesión de grabación totalmente alucinados. Se convirtió en el personaje de Madre Gother aportando todos los matices. Encajaba muy bien en la película y es perfecta para el papel".
Una de las escenas más entretenidas de "Tangled" (Enredados) es el momento musical en el que Rapunzel y Flynn entran en el pub Snuggly Duckling y se enfrentan a un puñado de malhechores y gente con muy mala pinta. Rapunzel logra desactivar la situación con la canción “I Have a Dream” y en el pub descubre algunas revelaciones sorprendentes.
Menken lo explica: "Para Rapunzel era muy importante encontrar un grupo de personas del que formar parte al principio de su viaje. Flynn intenta asustarla, pero este momento en el punto es absolutamente clave. Cuando escribí la canción quería algo que se puede escuchar en ‘The Mighty Wind’ o una canción interpretada por el Kingston Trio. Tenía que tener un pie en el mundo medieval y el otro en el irónico universo folk de Pete Seeger”.
Otro de los grandes momentos musicales de la película es el dueto “I See the Light” en el que Rapunzel y Flynn empiezan a mirarse de forma diferente y totalmente nueva. Se desarrolla en un barco en el mar, con miles de resplandecientes farolillos que flotan en el cielo alrededor de ellos. La canción es bellísima y también una revelación. “‘I See the Light’ es un momento íntimo y precioso repleto de emoción", explica Menken. "Es sencilla y tiene algo de folk norteamericano que encaja con el resto de las canciones. Mandy tiene una voz maravillosa y consigue una mezcla de contención, vulnerabilidad y sensualidad. Es una verdadera perfeccionista y trabajó muchísimo para que el resultado fuera impecable. Ella y Rapunzel se funden en una sola voz. Zac tiene una cualidad vocal muy apreciada, la naturalidad. Fue estupendo trabajar con él. No estaba seguro de que pudiera hacerlo, pero lo hizo genial. Los dos han sabido expresar a la perfección ese momento en el que te enamoras y sientes que ambos estáis en la misma burbuja, una burbuja de amor".
Moore añade: "Me gusta la música y también cantar. Así que formar parte de un proyecto como éste es apasionante porque es una combinación de ambas cosas. Poder grabar con Zac fue fantástico. Cuando abrió la boca me di cuenta de que cantaba muy bien. Tiene una voz preciosa, esa naturalidad que personifica tan bien Disney. Grabamos mucho juntos para conseguir la máxima compenetración.
Creo que la canción es algo muy especial porque es un momento mágico que cuenta la historia desde ambos lados. Es la canción que recordará la gente al salir del cine, porque es un momento maravilloso de la historia".
“La canción es la culminación del viaje que han emprendido juntos", dice Levi. “Rapunzel y Flynn ven por fin la luz. Han bajado la guardia y se abren el uno al otro. Es entonces cuando se dan cuenta que están enamorados. Ya no hay prejuicios ni malentendidos. Los dos estamos en la misma onda y la canción lo refleja perfectamente.
“Uno de los mayores alicientes de esta película es cantar una canción de Alan Menken", continúa diciendo. “Alan es un genio, y hace muchísimo tiempo que admiro su talento, como le ocurre a todo el que conoce su trabajo.”
Menken concluye diciendo: “En esta película gran parte de nuestro proceso de compositores ha sido construir una especie de autopista que nos condujera a ese preciso lugar que buscábamos. ¿Puede existir una colaboración más estrecha? Nuestro reto ha sido encontrar la voz que cuenta la historia cantando”.
LOS REALIZADORES
NATHAN GRENO (Director) nació en Kenosha, Wisconsin, en la orilla suroeste del lago Michigan. Desde niño le gustó dibujar y su afición no tardó en convertirse en una pasión por la narrativa visual. Influenciado por libros de cómic y tiras de dibujos en los periódicos, empezó a llenar hojas de papel con miles de bocetos. Empezó a crear sus propios personajes, sus propios mundos e historias. Sus frecuentes visitas al cine de su barrio anunciaron su futura carrera en Walt Disney Animation Studios. Vio todos los clásicos de Disney en la gran pantalla. En poco tiempo la animación se convirtió en su género narrativo favorito, así que a los ocho años, ya sabía que quería trabajar para Disney.
Greno se dedicó a estudiar todo lo que había sobre el arte de la animación. Siguió creando sus propios personajes, dibujando en los márgenes de sus libros de texto. En 1989, viajó con su familia a Disneylandia y fue la primera vez que vio el trabajo que hacían los animadores. Allí fue donde vio como los artistas daban vida a sus personajes y se prometió que algún día formaría parte de la familia Disney. Asistió al Columbus College of Art and Design en Columbus, Ohio.
En 1996, Walt Disney Animation Studios de Florida aceptó el portafolio de Greno. Su carrera comenzó como artista de limpieza de animación en “Mulan” (Mulán). No había perdido su afición a la narración y se dedicó a estudiar el proceso narrativo que se lleva a cabo en el estudio. Comprendió que la narración se parecía a la de los cómics y tiras de dibujos con los que había crecido y que él mismo había dibujado.
Así fue como Greno se incorporó al departamento de historias en 1998. Formó parte del equipo de guionistas de “John Henry” y “Brother Bear” (Hermano Oso). Se trasladó a California en 2003, donde continuó trabajando en el departamento de historias desarrollando distintas funciones. Fue guionista, artista de historia y actor de doblaje en “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson) y ascendió a director de historia en “Bolt”.
En ese papel, revisó la historia de la película, dirigiendo su desarrollo así como creando el storyboard. Debutó como director en el cortometraje “Super Rhino”, que apareció en una caja especial para Navidad en el DVD Blu-ray de “Bolt”. También prestó su voz a Dasher el Reno en "Prep and Landing", el especial de animación de Disney de las Navidades de 2009.
Actualmente reside en Glendale, California. Su película favorita de todos los tiempos siempre será “Dumbo”.
BYRON HOWARD (Director) creció en el distrito de Landsdowne, Pensilvania (cerca de Filadelfia). Se trasladó junto a su familia a la zona de Seattle cuando tenía 10 años. Su innato amor al arte empezó cuando era niño y llenó resmas de papel de ordenador con personajes e historias que él mismo inventaba. En el instituto, su pasión por la narración y el arte se convirtieron en afición al cine y estudió narrativa en la literatura y el cine en el Evergreen State College de Washington (donde se licenció en Arte y Humanidades).
Howard diseñó su educación siguiendo los consejos de los veteranos animadores de Disney Frank Thomas y David Block, y en 1990 se estableció en Florida donde se convirtió en un anfitrión del Animation Tour al “otro lado” del cristal en los Estudios Disney-MGM. Su talento natural no pasó desapercibido después de un par de trabajos y en 1994 terminó sus prácticas y se incorporó a Walt Disney Animation Studios como artista 'inbetweener' y de limpieza en “Pocahontas”. Más adelante se convirtió en animador en “Mulan” (Mulán) y supervisor de animación en“Lilo & Stitch”,”John Henry” y “Brother Bear” (Hermano Oso); también trabajó en el diseño de personajes de estas últimas tres películas.
Poco tiempo después de terminar su trabajo en “Brother Bear” (Hermano Oso), Howard se trasladó a California. Trabajó como artista de historia y diseñador de personajes antes de convertirse en director en 2006. Debutó como director de largometrajes de animación en “Bolt”, que Walt Disney Animation Studio estrenó en 2008. La película fue nominada al Premio de la Academia® al Mejor Largometraje Animado.
Además de su pasión por la animación, a Howard le gusta la música, el teatro, viajar y los animales (tiene dos gatos). Actualmente reside en Glendale, California.
ROY CONLI (Productor) debutó como productor para Walt Disney Animation Studios en “The Hunchback of Notre Dame” (El Jorobado de Notre Dame) tras una destacada carrera como productor y director de teatro.
Nació y creció en Los Angeles, estudió teatro en el prestigioso American Conservancy Theater (ACT) de San Francisco. Tras un encuentro fortuito con un grupo de talentos creativos del Pasadena Playhouse, Conli entró a trabajar en el legendario teatro y fue director de operaciones durante cuatro años. En ese cargo, inició la restauración de la sede que estaba muy deteriorada. Fue jefe de producción y consiguió que el teatro reabriera sus puertas en 1983. Se trasladó a Boston donde continuó su formación en la Universidad de Boston y donde obtuvo un M.F.A. Después de graduarse, ejerció como productor asociado del Festival Camden Shakespeare en Maine. En 1989 Conli formó parte del equipo de producción del Mark Taper Forum, el famoso teatro regional de Los Ángeles.
En los cuatro años siguientes dirigió proyectos especiales y estrenos en el Taper, con obras tan galardonadas como “Angeles en América”, “Jelly’s Last Jam” y “The Kentucky Cycle”.
Conli se incorporó a Disney Animation Studios en 1993, y después de organizar todos los elementos creativos del “Jorobado de Notre Dame” y lanzar el proyecto, se mudó a Francia para supervisar el equipo de animación con sede en París durante los dos años que duró la producción. Cuando terminó la película, se instaló en Francia y trabajó en las películas de animación “Hercules” (Hércules) y “Tarzan” (Tarzán). Conli regresó a los estudios de Burbank para producir “Treasure Planet” (El planeta del tesoro).
Conli forma parte del equipo directivo de Walt Disney Animation Studios y se siente orgulloso de participar en "Tangled" (Enredados), la película número 50 de Disney.
JOHN LASSETER (Productor Ejecutivo) es el consejero delegado creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios y el primer asesor creativo de Walt Disney Imagineering. Como director ha sido galardonado con dos Premios de la Academia® y supervisa todas las películas de Walt Disney y Pixar Animation Studios, así como otros proyectos de los estudios. Ha dirigido películas tan galardonadas y revolucionarias como “Toy Story” (Juguetes), “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura), “Toy Story 2” (Toy Story 2: los juguetes vuelven a la carga) y “Cars”. Además, entre sus créditos como productor ejecutivo se encuentran títulos como “Monsters, Inc.” (Monstruos, S.A.), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “The Incredibles” (Los increíbles), “Ratatouille”, “WALL•E”, “Bolt”, y la aclamada “Up” (Up, una aventura en altura) estrenada en 2009, con la que tuvo el honor de inaugurar el Festival de Cine de Cannes de 2009 y que ganó dos Premios de la Academia® como Mejor Película de Animación y Mejor Banda Sonora. Lasseter también ha sido productor ejecutivo de la película nominada a los Oscar® de Disney “The Princess and the Frog” (Tiana y el sapo), una comedia musical que se desarrolla en la maravillosa ciudad de Nueva Orleans, así como el éxito más reciente de crítica y taquilla de Disney•Pixar, “Toy Story 3”, basada en una historia escrita por Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich.
Lasseter ha escrito, dirigido y animado un buen número de los primeros cortometrajes de Pixar, entre los que se encuentran “Luxo Jr.” (1986), “Red’s Dream” (1987), “Tin Toy” (1988) y “Knick Knack” (1989). También ha sido productor o productor ejecutivo en un gran número de cortos, incluidos “Geri’s Game”, “For the Birds”, “One Man Band”, “Lifted”, “Presto”, “Partly Cloudy” y "Day & Night". "Tin Toy" de Pixar se convirtió en la primera película animada por ordenador que ganaba un Oscar de la Academia® en 1988 al Mejor Cortometraje de Animación. Pixar recibió dos premios más de la Academia® por “Geri’s Game” (1997) y “For the Birds” (2000).
Bajo la supervisión de Lasseter, los largometrajes y los cortos animados de Pixar han recibido multitud de premios y galardones por parte de la industria. En 1995, Lasseter recibió un Oscar® especial por su capacidad de liderazgo en la dirección del equipo de "Toy Story" (Toy Story, Juguetes). Su trabajo en "Toy Story" (Toy Story, Juguetes) también le valió una nominación al Premio de la Academia® al Mejor Guión Original. Fue la primera vez que un largometraje de animación era reconocido en esa categoría.
En 2004, Lasseter fue galardonado por la Asociación de Directores Artísticos con su prestigioso premio Outstanding Contribution to Cinematic Imagery, y también un título honorífico del American Film Institute. En 2008 fue galardonado con el premio Winsor McCay otorgado por ASIFA-Hollywood como reconocimiento a su trayectoria y aportación al arte de la animación. En 2009, Lasseter y sus compañeros realizadores de Pixar fueron homenajeados en el 66º Festival Internacional de Venecia con el León de Oro como premio a toda una carrera. También fue distinguido con el Premio David O. Selznick Avhievement 2010 de la Asociación de Productores de América en la categoría de Largometrajes, convirtiéndose en el primer productor de cintas animadas que recibía este galardón.
Antes de incorporarse a Pixar en 1986, Lasseter fue miembro del departamento de informática de Lucasfilm Ltd., donde diseñó y animó el personaje generado por ordenador llamado 'Stained Glass Knight' en la producción de Steven Spielberg de 1985 titulada "Young Sherlock Holmes" (El joven Sherlock Holmes).”
Lasseter formó parte de la primera promoción del programa de Animación de Personajes del California Institute of the Arts donde se graduó en 1979. Durante su estancia en el California Institute of the Arts, Lasseter produjo dos películas de animación, ambas ganadoras del Premio Estudiante de la Academia® en la categoría de Animación, “Lady and the Lamp” (1979) y “Nitemare” (1980). Logró su primer premio con 5 años cuando ganó quince dólares en el Model Grocery Market de Whittier, California, por un dibujo a lápiz del Jinete sin Cabeza.
GLEN KEANE (Productor ejecutivo/Supervisor de animación) está considerado uno de los mayores talentos de la animación actual. Su estilo atrevido y expresivo y sus innovadores diseños de personajes le han valido el favor de la crítica y de los compañeros de profesión así como de los grandes maestros de este género artístico. A lo largo de sus ilustres 35 años en el estudio ha sido responsable de la creación de personajes como Ariel (“The Little Mermaid”) (La Sirenita), la Bestia, Aladino, Pocahontas, el Profesor Ratigan (“The Great Mouse Detective” [Basil, el ratón superdetective]), Tarzán y John Silver (“Treasure Planet” [El planeta del tesoro]).
Keane creció en Paradise Valley, Arizona, donde aprendió el oficio de su padre, Bil Keane, el creador/dibujante de la tira cómica “The Family Circus”. Su padre le animó a aprender a dibujar no sólo tiras cómicas sino también anatomía y bodegones.
En 1972, Keane se matriculó en CalArts con la intención de convertirse en guionista de dibujos animados. Pero su portafolio acabó por accidente en la escuela de animación y decidió intentarlo. A los 19 años descubrió la animación y no tardó en darse cuenta que reunía todo lo que le gustaba.
En 1974 se incorporó a Disney y se formó con los animadores legendarios Ollie Johnston y Eric Larson. Participó en las escenas de animación de “The Rescuers” (Los rescatadores) y “Pete’s Dragon” (Peter y el dragón Elliot) antes de ascender a director de animación en “The Fox and the Hound” (Tod y Toby), donde se encargó de la animación de la espectacular secuencia de la pelea del oso. En “Mickey’s Christmas Carol” (Una Navidad con Mickey), dibujó a Willie el Gigante. También fue supervisor de animación en “The Great Mouse Detective” (Basil, el ratón superdetective), (se encargó de Ratigan) y en “Oliver & Company” (Oliver y su pandilla).
En “The Little Mermaid” (La Sirenita) Keane diseñó y animó el personaje de Ariel (compartiendo la supervisión de animación con Mark Henn) y animó el número musical de “Part of Your World”. Su talento alcanzó un nuevo hito con su siguiente encargo, “The Rescuers Down Under” (Los Rescatadores en Cangurolandia), para el que creó el movimiento, la personalidad y la interpretación de una espléndida águila dorada llamada Marahute en su papel de supervisor de animación. Keane obtuvo reconocimiento público por su aportación a la película de Disney de 1991, “Beauty and the Beast” (La Bella y la Bestia), ganadora de un Premio de la Academia®. Se encargó de diseñar y animar el complejo personaje de la Bestia y de supervisar al resto de los animadores asignados a este personaje.
Este animador de talento volvió a dibujar personajes humanos cuando le encargaron la supervisión de animación del gran éxito internacional de Disney de 1992, “Aladdin” (Aladino). Keane fue responsable del diseño y la animación del personaje que da título a la película y supervisó un equipo de 10 artistas que consiguieron tan magnífico personaje. Tras esa producción, aportó su espíritu y su vitalidad al personaje protagonista de "Pocahontas" (1995). En su siguiente película, Keane se encargó de diseñar al personaje protagonista de "Tarzan", la película animada de aventuras mientras trabajaba en los Estudios de Animación de Disney en París. Se tomó un año sabático en parís para preparar el proyecto. Allí estudió anatomía humana y escultura. También realizó un estudio de los gorilas en su hábitat natural durante un viaje de investigación a África.
Keane supervisó la animación de John Silver, un cyborg intergaláctico (mitad hombre, mitad máquina), en la ambiciosa aventura espacial de Disney, “Treasure Planet” (El planeta del tesoro), en 2002. Combinando animación dinámica dibujada a mano con elementos generados por ordenador (brazos, piernas y ojos), Keane supo combinar lo mejor de ambos mundos en la creación del personaje.
Además de su trabajo como animador, Keane ha escrito e ilustrado una serie de libros infantiles muy populares.
DAN FOGELMAN (Guionista) ha trabajado habitualmente en Pixar Animation Studios y Walt Disney Animation Studios. Su primera película fue "Cars" de DisneyŸPixar, dirigida por el co-fundador de Pixar John Lasseter, seguida de “Bolt” (2008) y la de este año “Tangled” (Enredados).
Entre los créditos de acción real de Fogelman se incluyen títulos como “Fred Claus” (2007) protagonizada por Vince Vaughn así como los próximos estrenos de “My Mother’s Curse” (Paramount), en la que Barbra Streisand y Seth Rogen son madre e hijo, y “Last Vegas” (CBS Films), dirigida por Peter Chelsom. También ha escrito el guión de “Crazy Stupid Love” (2011), protagonizada por Steve Carell.
En 2003, Fogelman creó y se encargó de la producción ejecutiva de la serie de media hora “Like Family” (Como una familia) (WB). Desde entonces cabe destacar entre sus trabajos títulos como “Lipshitz Saves the World” (NBC), protagonizada por Leslie Nielsen, y “The 12th Man” (Fox).
Nacido en New Jersey, Fogelman se graduó en Lengua inglesa en la Universidad de Pennsylvania, que incluía un año de estudios en Oxford.
ALAN MENKEN (Compositor) ha compuesto la música de las siguientes producciones teatrales: “God Bless You Mr. Rosewater” (Dios le bendiga, Mr. Rosewater), “Atina: Evil Queen of the Galaxy”, “Little Shop of Horrors” (La pequeña tienda de los horrores), “The Dream on Royal Street”, “Kicks: The Showgirl Musical”, “The Apprenticeship of Duddy Kravitz” (El aprendizaje de Duddy Kravitz), “Beauty and the Beast” (La Bella y la Bestia), “A Christmas Carol” (Cuento de Navidad), “Weird Romance”, “King David”, “Der Glöckner von Notre Dame” (El Jorobado de Notre Dame) y “The Little Mermaid” (La sirenita). Compuso la letra y la música de “Real Life Funnies” y “Patch Patch Patch”. También ha compuesto canciones para musicales como “Personals, Diamonds” y “It’s Better with a Band”.
Menken ha compuesto música para películas como “Little Shop of Horrors” (La pequeña tienda de los horrores), “The Little Mermaid” (La Sirenita), “Beauty and the Beast” (La Bella y la Bestia), “Aladdin” (Aladino), “Newsies”, “Pocahontas”, “The Hunchback of Notre Dame” (El jorobado de Notre Dame), “Hercules” (Hércules), “Home on the Range” (Las vacas vaqueras), “A Christmas Carol” (Cuento de Navidad) y “Enchanted” (Encantada). Entre sus bandas sonoras para el cine más destacadas están “Lincoln”, “Life with Mikey” (Dadme un respiro), “Noel” (El milagro de Noel) y “The Shaggy Dog” (Cariño, estoy hecho un perro). Como compositor, entre sus créditos destacan “Home Alone 2” (Solo en casa 2), “Rocky V”, “Life with Mikey” (Dadme un respiro) y “Noel” (El milagro de Noel).
Entre sus letristas están Howard Ashman, Tim Rice, Stephen Schwartz, Lynn Ahrens, David Zippel, Jack Feldman, Dean Pitchford, Tom Eyen, Steve Brown, David Spencer, David Roger, Marion Adler y Glenn Slater.
Menken ha ganador más Premios de la Academia® que cualquier otro ser vivo, incluyendo cuatro Oscar® a la Mejor Banda Sonora (“The Little Mermaid” [La Sirenita], “Beauty and the Beast” [La Bella y la Bestia], “Aladdin” [Aladino] y “Pocahontas”) y cuatro Oscar® a la mejor canción (“Under the Sea” [Bajo del mar], “Beauty and the Beast” [La Bella y La Bestia], “A Whole New World” [Un Mundo Ideal] y “Colors of the Wind” [Colores en el viento]). Además, fue nominado 18 veces, incluidas las nominaciones a la Mejor Canción por “Mean Green Mother from Outer Space”, “Kiss the Girl”, “Belle” (Bella), “Be Our Guest” (Nuestro huésped sea usted), “Friend Like Me”, “Go the Distance”, “Happy Working Song”, “So Close” y “That’s How You Know”, y una nominación a la Mejor Banda Sonora por “The Hunchback of Notre Dame” (El Jorobado de Notre Dame). Obtuvo 10 Premios Grammy® (incluida la Canción del año por “A Whole New World” [Un Mundo Ideal]), siete Gobos de Oro®, el Premio London Evening Standard, el Premio Olivier Award y el Premio Outer Critics Circle.
Otros éxitos son un single que fue número uno del Billboard (“A Whole New World”), un álbum que también fue nº1 (“Pocahontas”), un doctorado honorífico en Bellas Artes de la Universidad de Nueva York y su inclusión en el Hall of Fame de Compositores de Canciones. Entre los próximos proyectos teatrales y cinematográficos de Menken están un nuevo musical para el teatro de “Leap of Faith” (que se estrena en Broadway en el otoño de 2010) y una adaptación para los escenarios de “Newsies”.
GLENN SLATER (Letrista) fue nominado a un premio Tony® y a un Grammy® en 2008 por su trabajo en “The Little Mermaid” (La Sirenita) de Disney. Actualmente está representado por el exitoso éxito musical del West End, “Sister Act” (Una momia de cuidado). Entre sus recientes proyectos cabe destacar el western de animación de Disney de 2004, “Home on the Range” (Las vacas vaqueras), y la revista del Manhattan Theatre Club “newyorkers” ganadora del premio Obie (nominaciones a los premios Lucille Lortel, Drama Desk, Outer Critics Circle). Entre sus próximas producciones teatrales están “Love Never Dies,” la secuela de “Phantom of the Opera” (El fantasma de la ópera) con el compositor Andrew Lloyd Webber, “Leap of Faith” con el compositor Alan Menken, “Houdini” con el compositor Danny Elfman, “The Hudsucker Proxy” con el compositor Stephen Weiner, y “Beatsville” con su mujer, la compositora y letrista Wendy Leigh Wilf.
Recibió el prestigioso Keban Award for Lyrics, y los premios ASCAP/Richard Rogers New Horizons y Jonathan Larson. Es un antiguo alumno del BMI Musical Theatre Workshop y miembro tanto de la ASCAP como del Dramatists' Guild.
Slater vive en Nueva York City y tiene dos hijos, Benjamin y Daniel.
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