LOS 4 FANTÁSTICOS: PRIMEROS PASOS, crítica sin spoilers de esta fascinante carta de amor a la primera familia de Marvel

Aunque el universo Marvel en los cómics empezó con Los 4 Fantásticos, no han tenido igual suerte en las diferentes adaptaciones que se han estrenado en las últimas tres décadas. Bueno, lo de "estrenado" sería un eufemismo en el caso de la primera en 1994, una producción de Roger Corman hecha solo por no perder los derechos, y que no llegó a las salas de cine. Sí lo hizo una década después (en 2005) la que para muchos (entre los que me incluyo) fue la primera adaptación que veían de los personajes, dirigida por Tim Story.

Su éxito (por aquí mi crítica) llevó a una rápida secuela justos dos años después (por aquí mi crítica). Pero la misma sólo confirmó que eran títulos discretos y menores, que no hacían ningún honor a lo que se merecían estos personajes. Por ello el cuarteto fantástico volvió al ostracismo hasta una década después.

En 2015 llegó 4 Fantásticos (mi crítica por este enlace), y ahí quedó de nuevo claro que como sólo se hacía con la intención de no perder los derechos, pues la cosa salió como salió: no es un horror... pero dista eones de ser como mínimo entretenida. Mal resultado y volvieron los personajes al banquillo a esperar una nueva oportunidad.

Aprovechando que la compra de Fox por parte de Disney llevó a que estos últimos pudieran disponer de esta franquicia y la de los X-Men, a la espera de que los mutantes de Marvel empiecen su andadura en el Universo Cinematográfico Marvel, ahora nos llega Los 4 Fantásticos: Primeros pasos, dirigida por Matt Shakman (responsable de la serie de televisión Wandavision (Bruja Escarlata y Visión), la primera y una de las mejores de la escisión televisiva del universo Marvel). En su reparto Pedro Pascal como Reed Richards, Vanessa Kirby (sin relación con Jack Kirby, co-creador del cuarteto) como Susan Storm, Joseph Quinn como su hermano Johnny Storm y Ebon Moss Bachrach como Ben Grimm, o (respectivamente) Mr.Fantástico, La Mujer Invisible, La Antorcha Humana y La Cosa.

De las discutibles versiones de este cuarteto llevadas a cabo en 2005 y 2007 admito que el Reed Richards encarnado por Ioan Gruffudd no me disgustó en aspecto, ya que le veía muy apropiado para el personaje. En su momento, cuando todo el mundo esperaba la nueva versión del grupo, se comentó que el más adecuado sería John Krasinski como Reed y su mujer en la vida real Emily Blunt como Susan Storm (como de hecho lo han sido en la saga Un lugar tranquilo). Escuchando a los fans el citado Krasinski ya fue un Reed alternativo en Doctor Strange en el Multiverso de la Locura, pero para sorpresa de muchos (yo mismo por ejemplo) al final el elegido fue Pedro Pascal.

El citado actor ha alcanzado la fama por ser el protagonista de la serie televisiva The Mandalorian, derivada del universo Star Wars, y quizás fuera por ello (unido a su omnipresencia en multitud de proyectos vigentes o más o menos recientes: The last of us, Gladiator II, Juego de Tronos, Narcos, etc.), que no me acababa de convencer su elección. Craso error: su Reed Richards es fiel al personaje, y aunque su aspecto no sea 100% fidedigno (por ese bigotillo tan característico del actor, del que sólo se desprendió para ser Maxwell Lord en Wonder Woman 1984), su interpretación de Mr.Fantástico en esta película es bastante acertada.

Otra sorpresa ha sido Vanessa Kirby (que pese al apellido, no tiene relación con Jack Kirby, cocreador del cuarteto junto a Stan Lee). Dicha actriz es bastante solvente, y me imaginaba que su Susan Storm sería más meritoria que la llevada a cabo por Jessica Alba en las dos películas de los 2000, donde su mayor atractivo radicaba sólo en su físico. Efectivamente ha sido así, y su personaje aquí es otra fiel recreación de la esencia de la Mujer Invisible en los cómics, en este caso lidiando entre sus vertientes como mujer, superheroína y madre. Destaca en esto último de forma especial, y sobre todo en cierto discurso aleccionador con el que (sin spoilers) convence a los que tenía en contra.

La Cosa y La Antorcha Humana también resultados acertados, siendo el primero (ahora sí) un acertada recreación de su homónimo en las viñetas, mientras que el segundo evoluciona un poco sobre la imagen de niñato que a veces tiene (y que le dio Chris Evans en las dos películas de los 2000) cuando desentraña el misterio sobre el heraldo de Galactus. Respecto a este, que Silver Surfer no sea Norrin Radd sino Shalla-Bal es un cambio aceptable y bien resuelto en el apartado visual, aunque algo más escueto en el emocional. Bravo también por esa utopía retrofuturista de los años 60 donde sucede todo, la Tierra 828 (como homenaje a Jack Kirby, ya que sería el mes y el día en que nació: 28-8-1917).

Espero que en algún momento futuro se vuelva a ese escenario, ya que me parece realmente fascinante y deja con ganas de más. Eso mismo también ocurre con Galactus, el ¿villano? de la función, algo que pongo entre interrogantes porque saben captar su esencia de fuerza de la naturaleza, más allá del bien y del mal. Consigue ser (ahora sí) una acertada recreación del de los cómics, superando a la decepción de la película de 2007, donde era una mera nube cósmica. Además este film coincide, con la reciente Superman, en narrar los orígenes en flashbacks para ir directos a la acción, pero en este caso sin deudas con el Universo Cinematográfico Marvel, siendo una aventura del todo independiente.

Al igual que pasó con el film de James Gunn dedicado al kryptoniano de DC, en este caso Matt Shakman ofrece también un mundo y unos personajes fascinantes, quedándose uno con las ganas de saber más de ellos. Lo mejor de esta película es que si Stan Lee y Jack Kirby aún estuvieran en este mundo, sin duda alguna (y con razón) se podrían sentir orgullosos de haber inspirado algo así. Sus 115 minutos se hacen incluso cortos, logrando un destacable drama familiar dentro del género de superhéroes, en el que se evalúa la disyuntiva entre la pérdida de un hijo o la pérdida de todo tu mundo. Sin duda la mejor película del año en dicha temática, y una de las mejores de su ya extenso universo. 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de julio de 2025.
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NOSFERATU (2024), remake del clásico centenario (crítica sin spoilers)

Cuando hoy en día se hace un producto sucedáneo de otro más famoso o popular, lo normal en algunos sectores es criticarlo, pero eso no es algo que venga de ahora, y no siempre representa un desprecio por no ser del todo fiel al original. En 1922 se estrenó la primera versión de Nosferatu, una película muda que adaptaba la novela Drácula de Bram Stoker, pero con el importante matiz de que como no quería (o quizás no podía) pagar por los derechos de la citada obra, se hicieron todos los cambios necesarios para evitar obstáculos legales. Pese a ello los tuvo, ya que la viuda de Bram Stoker puso una demanda contra ella por plagio (que ganó), sin importarle que se hubieran cambiado en ella nombres, escenarios y personajes. La lentitud en aplicar la sentencia, que ordenó la destrucción de la cinta, llevó a que se conservaran copias ocultas que permitieron que la película no desapareciera.

Dicho film de F.W.Murnau (estrenado con el subtítulo de Una sinfonía del horror) se convirtió en un título de culto. Pese a que pueda sonar coherente eso de hacer un remake de una película que ya tiene más de un siglo de antigüedad, dicho film ya tuvo uno en 1979 de la mano de otro director de renombre (Werner Herzog), y con un elenco con Klaus Kinski, Isabelle Adjani o Bruno Ganz entre otros. 

 

Como curiosidad en 2000 se estrenó La sombra del vampiro, película sobre el rodaje del film de 1922, en el que Willem Dafoe (presente en este remake dirigido por Robert Eggers) hizo de Max Schrek, el actor que interpretó al Conde Orlok, el vampiro protagonista, recibiendo una nominación al Oscar a mejor actor secundario de aquella temporada (la otra nominación que logró la cinta fue a mejor maquillaje) El nombre de ese actor también tiene una curiosa relación con Batman: en la segunda entrega del superhéroe de DC dirigida por Tim Burton fue el nombre que se le dio al personaje encarnado por Christopher Walken, un ambicioso empresario y otro de los villanos de dicho film junto con el Pingüino de Danny de Vito y la Catwoman de Michelle Pfeiffer.

Drácula, en su gran infinidad de variantes (incluida esta) ha sido probablemente uno de los personajes que ha sido visto más veces en una pantalla de cine, pero en los últimos tiempos el género vampírico no ha obtenido el éxito deseado en la taquilla, como por ejemplo les ocurrió a cintas como Abigail, Renfield (esta con Nicolas Cage ejerciendo de Drácula) o El último viaje del Demeter (esta adaptando el tránsito marítimo del vampiro de Transilvania a Londres), quedándose todas con resultados que no llegaron a lo esperado por sus responsables. En ese aspecto no se que tal le irá a esta, pero en mi caso el referente más palpable con el que comparar era con el Drácula de Coppola, obra maestra de los noventa que me ayudó a afianzar mi pasión por el cine, ya que nada de lo posterior a ese film estrenado hace ya tres décadas ha calado en el imaginario vampírico clásico como lo hizo aquella cinta de 1992, cuyo éxito dio lugar a diferentes variantes donde la más acertada fue Entrevista con el vampiro, estrenada dos años después.

Con los cuchillos afilados (metafóricamente hablando) empecé a ver esta versión, presto a ver una simple copia y... ¡oh, sorpresa! admito que he disfrutado de esta película como hacía tiempo que no disfrutaba en el cine de terror (basado en arquetipos genéricos que más o menos funcionan según la mano que haya detrás, pero que no asombran al espectador ya curtido) Tampoco afirmo que los que conozcan el relato de Bram Stoker (o alguna de sus muchas variantes) no se darán cuenta de los muy evidentes parecidos razonables que hay entre personajes y situaciones que se ven aquí y sus homólogas, bien sea literarias o cinematográficas. Pero me imagino que ahí radica la gracia de ver a estas variantes de Mina Harker, su marido Jonathan, el chiflado Renfield, el profesor Abraham Van Helsing o el propio Drácula, aquí denominado Orlok, y no pasarlo bien intentando discernir si el desarrollo y el destino de todos ellos será el mismo al conocido o variará (y ya anticipo que en algunos casos da la sorpresa, es diferente y funciona bien)

La labor como director de Robert Eggers es fantástica, ya que el film deslumbra con una ambientación magnífica que se ve redondeada por una destacable forma de rodar (atención al brillante uso de las sombras), inspirada en los ejemplos que le precedieron (sobretodo Murnau), que logra transmitir inquietud incluso en momentos que, aunque ya se conozcan, se ven aqui desde otro prisma. La sorpresa del elenco es Lily-Rose Depp, la hija del actor Johnny Depp y la cantante Vanessa Paradis, cuyo personaje de Ellen Hutter (el equivalente a Mina Harker) consigue en algunos momentos inquietar más que el propio Orlok. También destaca un magnífico Willem Dafoe, que vendría a ser el equivalente de Van Helsing, mientras que por su parte Bill Skarsgard da vida a un Orlok que pierde el tono romántico asociado a otras adaptaciones vampíricas para ofrecer a un ser perverso, malévolo y perturbador, si bien su caracterización quizás no sea tan inquietante como la que logró como Pennywise en las dos entregas de It de Andy Muschietti.

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre de 2024.
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JURADO Nº 2 de Clint Eastwood, una certera reflexión sobre la justicia

En este año tres directores bastante veteranos y con un gran prestigio han estrenado o bien estrenarán sus más recientes películas: primero fue Francis Ford Coppola (85 años) con su ambiciosa Megalópolis, a mediados de noviembre será el turno de Ridley Scott (86 años) con su Gladiator II, pero entre ambos se cuela Clint Eastwood (94 años) que estrena esta Jurado nº2. Y contra lo que pudieran imaginar algunos, ninguno de ellos piensa que ninguna de esas películas vayan a ser su última aportación al mundo cinematográfico, lo que deja muy claro que estamos ante cineastas de primera categoría, para los que la edad no es ningún obstáculo, más allá de que luego cada cinta convenza en mayor o menor medida al público.

Clint Eastwood en el presente caso se pone tan solo tras las cámaras como director, en la que sería su película número 40 ejerciendo como tal, dejando en el reparto a intérpretes como Nicholas Hoult (actor polifacético que se hizo conocido por ser Hank McCoy "Bestia" en las películas de los X-Men a partir de Primera Generación), Toni Collete (otra versátil actriz, que empezó a ser conocida por el gran público a partir de El sexto sentido), J.K.Simmons (en este caso popular por ser J.Jonah Jameson en las películas de Spider-Man, ganó un Oscar más que merecido por Whiplash) y Kiefer Sutherland (solvente actor que se hizo tremendamente popular encarnando a Jack Bauer en la serie televisiva 24, e hijo de toda una leyenda de Hollywood como Donald Sutherland, recientemente fallecido)

El protagonista de este film es Justin Kemp (encarnado por un sensacional y brillante Nicholas Hoult), un hombre normal y corriente que se encuentra junto con su mujer viviendo los últimos días del embarazo de riesgo de ella, cuando de pronto es convocado para ejercer como jurado en un importante juicio por asesinato. Como no hay ningún atenuante que lo pueda eximir, al final Justin es elegido el jurado número 2 en un grupo de 12 personas, que se supone que tendrán que dictar sentencia de manera imparcial, y basándose tan solo en las pruebas. El problema vendrá cuando a medida que se vaya explicando lo que sucedió aquel día, el propio Justin se de cuenta de que puede estar implicado más de lo que el mismo pensaba, lo que le llevará a dudar sobre si dejar que el proceso siga su previsible desarrollo, y condenar a un hombre inocente, al que todo el mundo da como culpable debido a sus antecedentes violentos... o confesar él lo que sabe y en tal caso arruinar su propio futuro, ahora que parecía encauzado formando una familia.

Esa incertidumbre ante como afrontar el dilema sin salir perjudicado llevará a que Justin intente convencer al resto de los miembros del jurado de que existen dudas sobre el caso, encontrándose de frente con la certeza fehaciente de casi todos, que ven al acusado como culpable (en algunos casos incluso admitiendo que se decantan por la opción más evidente para acabar cuanto antes con algo que para ellos es una molestia) En un principio contará con el respaldo de otro miembro del jurado que también duda de ciertos detalles (encarnado por un algo secundario J.K.Simmons), pero frente a ellos estará la implacable fiscal a la que da vida Toni Collette, interesada en que el juicio se resuelva lo antes posible para afianzar su elección como Fiscal del Distrito (como curiosidad Toni Collete y Nicholas Hoult fueron madre e hijo en la ficción en la película Un niño grande, algo de lo que me acordé viendo la última conversación que comparten sus personajes, previa a un ambiguo final que deja la resolución según la valoración de cada espectador)

Con esta Jurado nº 2 lo que Clint Eastwood pretende es ofrecer una bastante acertada reflexión sobre el sistema judicial, cuestionándolo en su base pese a que (como en cierto momento menciona un personaje) no sería el mejor, pero es el que tenemos. Eso lleva a encontrarnos con una película judicial que sin duda habría sido un éxito allá por los noventa, cuando triunfaban las adaptaciones de las novelas de este estilo de John Grisham, pero que hoy en día puede pasar de forma más inadvertida, cuando es una nueva muestra más de la maestría del Eastwood director, que espero que no haya firmado aquí su obra póstuma... aunque si así lo fuera, sin duda alguna estamos ante un digno epílogo. A algunos quizás su ambiguo final no les convenza, pero con el mismo lo único que quiere expresar es algo ya sugerido con anterioridad: se elija lo que elija, siempre habrá alguien que saldrá perdiendo, dejando a juicio de cada espectador cual sería la solución más justa ante lo planteado. En resumen: un film magnífico para reflexionar sobre la justicia humana. 

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de octubre de 2024.

LA SUSTANCIA, terror carnal con fundamento (crítica sin spoilers)

Vivimos en una sociedad bastante cruel, que glorifica lo joven y nuevo y deshecha lo viejo y antiguo. A medida que van pasando los años se hace más palpable ese dicho popular sobre que vale más una imagen que mil palabras, pero el mismo se ha retorcido hasta el extremo de que dicha "imagen" fagocita al resto, sin importar nada más. También sería muy apropiado otro dicho como el de "tiran más dos tetas que dos carretas", en el sentido de que sexualizando lo que sea, todo puede convertirse en un objeto de consumo. Eso se hace evidente en casi cualquier tipo de publicidad, donde siempre son modelos jóvenes los que intentan vender cualquier cosa mediante insinuaciones sexuales más o menos explícitas; y esa excesiva sexualización de todo lleva a que incluso se pervierta la infancia, que ahora tiene un mayor acceso al porno, lo que les puede crear una imagen distorsionada del amor, el cuerpo y el sexo.

En el mundo del entretenimiento, y si eres mujer, eso se hace mucho más palpable: tendrás una carrera exitosa mientras seas bonita, sexy y deseable, pero cuando eso se pierda por la edad, serás olvidada en un rincón para dejar paso a las nuevas generaciones, que quizás serán mejores o peores, pero eso es lo de menos porque claramente SERÁN JÓVENES... y la rueda de la vida vuelve a girar. De eso puede dar buena cuenta la actriz Demi Moore, protagonista de esta película y hace unas décadas una de las artistas de Hollywood más populares por su físico que por su talento interpretativo (algo que ella misma "vendió" en films como Striptease, donde lo más valorado era el morbo)

Con ecos que van desde David Cronenberg o El hombre elefante (a nivel cinematográfico), a El retrato de Dorian Gray o Doctor Jekyll y Mr.Hyde (a nivel literario), en esta película nos presentan a Elisabeth Sparkle (a cargo de la citada Demi Moore), una actriz que vivió su mayor gloria en el pasado (brillante la metáfora de su estrella de la fama para dejarlo claro), y que ahora sólo tiene un programa televisivo de aerobic. La situación tarda poco en deteriorarse lo suficiente como para que los mandamases de la cadena (representados en el quizás algo caricaturizado personaje a cargo de Dennis Quaid) la echan con la excusa de que quieren alguien más joven. Ante semejante crisis de identidad, le proponen un misterioso producto conocido como La sustancia, y que mediante división celular puede crear un alter-ego joven y hermoso... pero con unas condiciones precisas que se tienen que cumplir con exactitud: cada semana se tendrán que intercambiar o de lo contrario las consecuencias serán fatales para ambas, algo que acabarán comprobando por las malas.

 

Y es que Elisabeth y su alter-ego Sue (a la que da vida y cuerpo la joven actriz Margaret Qualley) tendrán en principio un buen equilibrio en dichas normas, hasta que el hecho de que la segunda alcance pronto el estrellato llevará a la envidia por parte de la primera, mientras que la joven Sue, en su afán por disfrutar de la vida, "roba" tiempo de Elisabeth sin tener en cuenta las consecuencias. La situación se tensará hasta un punto de inflexión en el que tanto una como la otra (que en esencia son la misma, como les recuerdan varias veces) se verán abocadas a un final que resulta difícil de describir en palabras y sin spoilers, y que no sería apto para todos los públicos. Sería quizás el handicap más evidente que le encuentro a esta destacable propuesta (además de un dilatado metraje), ya que se recrea en un grotesco espectáculo sangriento para dejar claro y conciso un mensaje que ya lo era hasta ahí sin problemas. En resumen La sustancia es una magnífica película de terror centrada en la crítica contra la cosificación que sufren las mujeres.

 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de octubre de 2024.
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DEL REVÉS 2 (INSIDE OUT 2), estallido emocional (crítica sin spoilers)

Decir Pixar es sinónimo de Disney, y a esta no es que le vayan muy bien las cosas en los últimos tiempos: de los cinco mayores fracasos en la taquilla del año pasado, cuatro son de dicha compañía (para ser exactos The Marvels, Indiana Jones y el dial del destino, Wish: El poder de los deseos y Mansión encantada, la única que no he visto del grupo, siendo el título que falta el The Flash de Warner) 

 

Pero es que Pixar como tal tampoco es que pase por un buen momento: tras tener que estrenar en origen en streaming, debido a la pandemia, Soul, Luca y Red (aunque hace poco tuvieron una reciente oportunidad en salas de cine), los posteriores estrenos tanto de Lightyear como de Elemental se saldaron con resultados poco satisfactorios tanto a nivel de crítica como de público. 

 

Y cuando se necesita un éxito desesperado, es cuando se decantan por secuelas de películas que triunfaron, ya que en un principio hay más posibilidades de éxito al ser un producto conocido (algo que Pixar ya conoce cuando empalmó diferentes secuelas de Buscando a Nemo, Cars, Los increibles y Toy Story entre los años 2016 y 2019, y en lo que reincidirá tanto con la presente como con una quinta entrega de Toy Story) No hay problema en ello, ya que de las citadas y ya estrenadas se puede decir que hubo para todos los gustos, pero uno añora esa Pixar que ofrecía siempre títulos novedosos e innovadores, logrando que los espectadores se ilusionaran y asombraran.

Más allá de que determinadas secuelas, estén mejor o peor, dejan con la sensación de seguir exprimiendo franquicias en exceso (para un servidor Toy Story tendría que haberse quedado en trilogía), admito que una nueva entrega de Del Revés no sonaba descabellado, ya que la original dejaba con ganas de más, siendo posible ir más allá de las cinco emociones que allí se presentaron (Alegría, Miedo, Asco, Ira y Tristeza) Dicho y hecho: a las citadas se unen en esta secuela Ansiedad, Envidia, Vergüenza y Aburrimiento, que hacen su entrada en la cabeza de la protagonista cuando podemos afirmar que la joven Riley ya no es la niña de la primera película, sino toda una adolescente. A nivel interno no es el único cambio, porque Pete Docter (responsable de la primera entrega, así como de otros títulos populares de Pixar tales como Monstruos S.A., Up o Soul) cede su puesto de director a Kelsey Mann, que debuta en dicha función aunque ya ha realizado otros trabajos en la compañía del flexo, tales como el guion de El viaje de Arlo.

 

La premisa argumental de esta secuela es sencilla, pero sin duda bastante bien aprovechada: la entrada en la pubertad de Riley hace que las emociones que tiene en su cabeza se vean de pronto desbordadas por cuatro nuevas (las antes citadas, aunque también hay breves cameos de una quinta más adecuada a cuando la protagonista sea más mayor), que intentan tomar el control y relegar a las previas. Si en la primera película Alegría y Tristeza eran las emociones principales, eso se repite aquí, poniendo en el otro bando a Ansiedad y Vergüenza como líder y secundario fundamental respectivamente para resolver la situación que se plantea. ¿Y esta cual sería? La primordial entre todo adolescente: intentar encajar en un nuevo grupo, en este caso el equipo de hockey donde Riley aspira a jugar. Eso llevará a mostrar de manera bastante didáctica como se nos pueden desbordar las emociones cuando nos dejamos llevar por ellas (sobretodo en la adolescencia, con las hormonas revolucionadas), con una moraleja final muy adecuada sobre el equilibrio emocional.

 

De hecho el único problema que le puedo achacar a esta secuela sería su propia condición, ya que al existir la cinta de 2015 digamos que se pierde la novedad sobre su planteamiento. Aún así la mente humana tiene muchos recovecos, y aquí se aprovecha para visitar unos cuantos, entre ellos algunos donde se encuentran los secretos más personales de Riley. Asimismo se ve como cambian sus intereses al entrar en la adolescencia (dejando atrás la infancia, en camino de la edad adulta), lo que justifica aumentar sus emociones y dejar claro que, aunque sean muchas, una pacífica coexistencia entre todas nos lleva a sentirnos bien. Visualmente es maravillosa, algo ya sello habitual de Pixar (incluso cuando juegan con varios tipos de animación), destacando como novedad el aspecto de las nuevas emociones, especialmente Ansiedad que sería la principal (sin desmerecer al resto, ya que todas tienen una mayor o menor relevancia) Sin duda una magnífica secuela, que ahonda de una manera muy didáctica sobre la estabilidad emocional. 

 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de junio de 2024.
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ROBOT DREAMS (crítica de la película y reseña de la novela gráfica)

ROBOT DREAMS

Quiero entonar el mea-culpa, ya que cuando se estrenó Robot Dreams el pasado 6 de diciembre del 2023 no me decanté por ella al prejuzgar MAL (pido perdón) que tenía pinta de ser demasiado infantil. Pero posterior a eso he visto como no ha hecho nada más que encadenar menciones y premios por todas partes, incluida la nominación al Oscar a mejor película de animación del año, con lo cual cuando vi en la biblioteca en la sección infantil la reciente novedad de la novela gráfica en la que se basa (de Sara Varon), decidí que era momento de cumplir por partida doble. La cuestión es que si la historia en viñetas ya es muy buena, la adaptación (al poder comparar una con otra) es esencialmente EXCELENTE, siendo de esos rarísimos casos en los que se coge una obra para adaptarla a otro formato y el cambio resulta tan digno como mucho mejor de lo esperado. Mis torpes prejuicios previos podían estar "justificados" por una animación algo naif, pero que resulta todo un acierto para el homenaje hacia el Nueva York anterior al 11S que realiza su director, Pablo Berger.

La grandeza tanto del cómic inicial como de su adaptación está en la humanidad que destila por todos sus poros, más allá de que los personajes sean animales antropomórficos y androides, hasta el punto de que su ausencia de diálogos (las imágenes ya transmiten las emociones) la hace accesible a todo tipo de público, seas de donde seas o como seas. Tratando temas tan actuales como la soledad y los problemas para establecer lazos sociales con cierta entidad, la película se centra en Perro, que ansiando tener un amigo en el Manhattan ochentero en el que vive, decide comprarse un robot con el que establecerá una entrañable amistad. Lamentablemente un inesperado incidente (y el no poder subsanarlo) hará que ambos amigos tomen rumbos diferentes en sus vidas, si bien Robot soñará con volver al lado de Perro. Y si alguien se piensa que habrá un previsible final feliz, ahí sorprende con un giro que me recordó al final de LaLaLand, en el hecho de admitir que la vida puede dar muchas vueltas, pero que siempre quedará el agradable recuerdo de aquello que compartimos.

La novela gráfica de Sara Varon expresa eso mismo pero de una manera más generalista, lo cual no está mal pero permite una menor implicación del lector adulto, que lo puede asumir como una sencilla fábula o algo similar. Pero la traslación que hace Pablo Berger y todos los responsables de esta película es magnífica porque está plagada de guiños muy específicos a una época muy específica (por ejemplo a la serie Alf por citar apenas uno) que emocionan a todos los que vivimos nuestra infancia en la década de los ochenta. A ello hay que sumar otros guiños tan curiosos como simpáticos (Perro está leyendo Cementerio de animales de Stephen King), un auténtico y palpable amor por el cine (ver todo lo referente a la versión clásica de El mago de Oz), así como otros detalles ampliados y mejorados, que si ya son notables en papel (aunque menos concretados y desarrollados), en película resultan unos rotundos aciertos que enseguida encandilan a cualquier espectador, lo cual justifica con creces todas las alabanzas y premios que está cosechando esta OBRA MAESTRA.

• CALIFICACIÓN (de la película): Excelente (5/5)
  
• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en Imdb (en inglés) y Filmaffinity (en español)
• CALIFICACIÓN (de la novela gráfica): Buena (4/5)
  
• ROBOT DREAMS, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

LOS ASESINOS DE LA LUNA, magistral SCORSESE (crítica sin spoilers)

Hasta ahora el film más extenso que he visto de estreno en una sala de cine ha sido el Hamlet de Kenneth Branagh en la década de los 90, que con sus 242 minutos marcaba una duración que pensaba que sería difícil que algún día superara. Lo nuevo de Martin Scorsese no lo logra, pero admito que marca una destacada posición que costará desbancar, ya que sus 206 minutos de metraje han levantado cierta polémica sobre si no hubiera sido mejor enfocarla como una miniserie televisiva que como una película. Ante eso el director ha defendido dicho metraje, ya que según él hay espectadores que pasan horas y horas frente a una pantalla viendo lo que sea, por lo que el cine bien merece un respeto que no se le da (de hecho el guion original daba para cuatro horas y media)

Basada en el libro Los asesinos de la luna: petroleo, dinero, homicidio y la creación del FBI de David Grann, esta nueva película de Martin Scorsese marca su reunión con viejos conocidos, ya que sería la décima vez que dirige a Robert de Niro (con quien comenzó a principios de la década de los 70) y la sexta que lo hace con Leonardo DiCaprio (que le ha acompañado desde inicios de los 2000), aunque Los asesinos de la luna es la primera vez que coincide con ambos en una misma película. Incluso como curiosidad cabe indicar que de hecho Scorsese, De Niro y DiCaprio ya coincidieron en un corto de 2015 (en el que también estaba Brad Pitt) para promocionar un complejo de casinos en Macao, y los dos actores protagonistas de Los asesinos de la luna ya trabajaron juntos hace 30 años en la película Vida de este chico.

En cuanto al presente film, resulta triste que un maestro de la vieja escuela como es Martin Scorsese no haya conseguido apoyos de ningún estudio para este proyecto (financiado al final por Apple TV) y el previo (El irlandés, ese sufragado por Netflix), como si ya hubiera pasado el tiempo de cineastas de primera fila como él. Aún así hay que indicar que la presente Los asesinos de la luna tiene un presupuesto de 200 millones de dólares, lo que sin duda la convierte en una superproducción, pero no hay problema en ello porque la película lo luce en todo momento, a lo que añadir un ritmo que temía en exceso pausado, pero que resulta acertado en su conjunto, pese a leves altibajos en sus 206 minutos, que se pueden hacer pesados por su duración (me removí algunas veces en mi butaca del cine donde la estaba viendo, ya que me cansa estar sentado tanto rato en un sitio) pero nunca tediosos en su paulatino desarrollo. 

 

Con películas como esta Scorsese demuestra ser un virtuoso del cine al estilo de otro clásico como Clint Eastwood, y en esta ocasión lo hace decantándose por el que para muchos sería el primer western de su extensa filmografía, si bien a tono con la propia edad de su responsable (que supera los 80 años), entraría dentro de los enfocados de forma crepuscular, ya casi cuando el Salvaje Oeste conocido por todos daba sus últimos estertores de vida. En este caso se basa en unos hechos reales que vendrían a resumirse en la mezquina codicia y usura del ser humano, capaz de las peores triquiñuelas con tal de conseguir algo si considera que lo merece más que su legítimo propietario. Por el desmedido colonialismo del que siempre ha hecho gala la humanidad, en la década de los años veinte del pasado siglo la nación Osage (tribu nativa de los Estados Unidos) fue desplazada hasta una zona en el noroeste de Oklahoma sin ningún tipo de valor.

 

Pero lo que en inicio pensaban que sería una tierra infértil y rocosa cambió cuando se descubrió petróleo en ellas, haciendo a sus (ahora) legítimos propietarios la comunidad más rica del país. Eso no se podía tolerar y se perpetró una retorcida conspiración por parte de algunos hombres blancos para quitarle a los Osage la propiedad de esas tierras, infiltrándose en sus núcleos familiares, y perpetrando los asesinatos de los mencionados nativos (algunos encubiertos como suicidios), con la complicidad de unas autoridades que miraban para otro lado, pero siempre procurando que el heredero de los terrenos fuera un hombre blanco. Curiosamente estamos ante un hecho real poco conocido, siendo justo ese uno de los motivos que convencieron a Scorsese para enfrascarse en este proyecto, pese a que los Osage actuales (aún habiendo sido consultados por el director) han mostrado ciertas discrepancias con el resultado final, al estar enfocado más desde el punto de vista del personaje notablemente encarnado por Leonardo DiCaprio, que del de los propios nativos.

El trío protagonista de esta película realiza un trabajo excelente, pero si bien uno ya puede suponer algo así de actores de renombre como Robert de Niro o el citado Leonardo DiCaprio (capaces en ocasiones de lo mejor), es justo destacar también a una Lily Gladstone que tiene aquí su proyecto de mayor envergadura hasta el momento, realizando una labor introspectiva magnífica en un personaje que se debate entre las tradiciones de su cultura, y aquellas propias del nivel social adquirido gracias a su estatus social (no serían los únicos, porque en un reparto notablemente acertado es justo destacar también la labor de Jesse Plemons, Brendan Fraser y John Lithgow) En resumidas cuentas Los asesinos de la luna es una magnífica epopeya histórica narrada con pulso brillante y enérgico por Scorsese, pero también un tipo de cine como se realizaba antaño, pero que ahora vemos con resignación como poco a poco desaparece.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de octubre de 2023.
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THE CREATOR, ciencia-ficción con MUCHA calidad (crítica sin spoilers)

Cuando fuí al cine a ver Tenet en el verano del 2020 fue cuando conocí a John David Washington, aunque fue más tarde cuando me enteré de que es hijo del también actor Denzel Washington. Aparte del film citado de Christopher Nolan, donde él era el protagonista, sólo lo he vuelto a ver como parte del trío principal de Ámsterdam (junto con Christian Bale y Margot Robbie), película con altas pretensiones pero resultados no tan satisfactorios. 

 

Tampoco ha sido muy prolífico el director Gareth Edwards, ya que tras su versión de Godzilla del 2014 nos ofreció dos años después Rogue One (el primer spin-off cinematográfico de la franquicia Star Wars) estando inactivo desde entonces, hasta esta The creator en la que el nombre más conocido del reparto (aparte del citado retoño de Denzel Washington) sería el japonés Ken Watanabe, que ya había trabajado con este director en la Godzilla que he citado antes.

¿Y que ofrece esta película? Pues una de las mejores películas del año para quien esto escribe, aparte de también una de las mejores dentro del género de la ciencia-ficción, aunque se le pueda detectar de manera sencilla sus referentes (entre ellos Blade Runner, District 9 o Elysium), lo cual no le resta mérito al saber conjugar los mismos con un resultado realmente muy destacable, que combina casi a la perfección calidad y acción, a lo que sumar su loable intención de hacernos meditar sobre la inteligencia artificial.

Para no desvelar spoilers hay que decir que la historia de la película nos sitúa en un futuro a pocas décadas de distancia, donde los avances con la inteligencia artificial han llevado a que cierto suceso divida a la humanidad entre aquellos que aún siguen confiando en las máquinas, y aquellos que quieren erradicarlas. Entre estos últimos es reclutado el protagonista (interpretado por John David Washington), que arrastra un incidente traumático con su mujer embarazada ocurrido cinco años antes. La misión de su grupo será intentar acabar con el responsable de dicha inteligencia artificial, o de lo contrario se extinguirá la humanidad (lo que fácilmente puede llevar a otra clara similitud con el Skynet de la extensa franquicia Terminator), pero cuando logran infiltrarse en territorio enemigo se encontrarán con la inesperada sorpresa de que todo parece estar relacionado con una niña con un poder extraordinario, lo que levantará dudas en el protagonista. 

 

A partir de dicha premisa, lo que igual podría convertirse en una nueva demonización de las inteligencias artificiales (no en vano ya era el villano en la más reciente entrega de la franquicia Misión Imposible) deriva de forma bastante coherente hacia el lado opuesto, dándonos a entender que por muy evolucionada que esté una máquina, detrás de ella estarían los humanos que la programaron, por lo que la responsabilidad última sería nuestra (un interesante planteamiento dentro de las actuales deliberaciones que hay sobre el desarrollo de la inteligencia artificial, y el peligro de que la misma tome control y se revuelva contra nosotros, como se ha visto en títulos como Matrix, si bien de momento no deja de ser algo concebido por la humanidad, que tiene que regularizarse de forma adecuada para lograr sacarle el máximo provecho) The Creator consigue por tanto dos objetivos: hacernos pasar un buen rato y sugerir elementos sobre los que meditar.

El problema más evidente de esta película estaría justo en lo contrario que suele ser la tónica habitual: si muchas veces hay films que se dilatan en exceso, divagando en lugar de concretar, The Creator da la sensación de que le falta tiempo, lo cual justifica la duración inicial de cinco horas citada por su director Gareth Edwards, y que quizás hubiera sido más redonda enfocada de esa manera, y por tanto derivada a ser miniserie de televisión. Aún así la labor de montaje en sus finales 133 minutos resulta destacable, condensando de una forma concisa lo que quiere transmitir, aunque notándose cierta falta de desarrollo en algunos personajes (como por ejemplo el encarnado por Ken Watanabe) Con un tramo final funcional pero algo desigual, este film sin duda puede presumir de un apartado visual excelente, en el que todo lo que se nos muestra en pantalla resulta creíble, ofreciendo un resultado digno de verse en una sala de cine.

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de septiembre de 2023.
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LOS FABELMAN de STEVEN SPIELBERG, así nació su mito (sin spoilers)

Steven Spielberg lleva ya cinco décadas dedicado al mundo del cine, bien sea como director (donde nos ha legado y deleitado con muchas películas magistrales), o bien en su faceta como productor (logrando que muchos films recibieran una taquilla extra solamente por el "arrastre" de seguidores que tenía su nombre en el cartel) Cualquiera que esté leyendo estas líneas y que admita disfrutar con el cine es IMPOSIBLE que no haya visto algún producto suyo a lo largo de los años, bien sea en una faceta o en otra (no en vano hay que recordar el título de Rey Midas de Hollywood que le dieron en su época de mayor esplendor, al lograr convertir en un éxito de taquilla casi seguro cualquier producto que viniese con su nombre, o el de su mítica productora Amblin)

 

Sus películas eran inicialmente una vía de escape, una sucesión de tremendas y entretenidas aventuras fantásticas que nos hicieron acompañar en sus andanzas desde a un escualo muy aterrador como a un aventurero arqueólogo (por mencionar APENAS dos ejemplos muy populares) Pero aunque conseguía el favor del público con ellas, los premios le eran esquivos hasta que logró su más que merecido triunfo con la magistral La lista de Schindler en 1993, por la que recibió su primer Oscar a mejor director (el segundo le llegó pocos años después en otra película con connotaciones bélicas: la notable Salvar al soldado Ryan) Ahora cabe la posibilidad de que consiga un nuevo premio por su labor como director en Los Fabelman, que está nominada a siete Oscar en la edición de este año..., y si por este humilde servidor fuera, dicho galardón lo tiene más que merecido.

 

Y es que su más reciente película como director sería una relativa autobiografía donde Spielberg desgrana como nació la pasión que le llevó a convertirse en uno de los mejores realizadores de las últimas décadas, en un hermoso relato donde incluso en el caso de que se desconozca lo que se esconde tras esta película (esa especie de espejo cinematográfico en el que se refleja su responsable), sin duda alguna verás una excelente historia y no una mera sucesión de anécdotas. Dicen que la experiencia es un grado, y aquí se nota porque esta película está tan bien narrada e interpretada que no puede uno menos que aplaudir a un ya veterano genio, que a sus 76 años (nació en diciembre de 1946) ha centrado casi toda su vida en lo que, ahora sabemos gracias a Los Fabelman, fue su gran pasión desde la más tierna infancia.

 

La película comienza con un pequeño Sam Fabelman (claro trasunto del propio Spielberg), al que sus padres llevan por primera vez al cine, allá por la década de los 50 del pasado siglo, algo que le dejará impactado, y que buscará reproducir y desarrollar. Normalmente en todas las familias hay sus más y sus menos, y a medida que avance el metraje veremos que en este caso también es así, pero en esta cinta los dos progenitores del futuro cineasta están interpretados de manera magistral por los actores Paul Dano (el que fuera el Acertijo en la reciente The Batman) y Michelle Williams (nominada a mejor actriz, también con toda justicia, por su trabajo en el presente film), notándose en ambos casos el cariño y el amor con el que están perfilados, definidos y desarrollados sus personajes, destacando el de ella por un evidente giro argumental que marcará la adolescencia del protagonista.

 

Aparte de los dos nombres citados es justo mencionar también a actores como Judd Hirsch (nominado a mejor secundario por esta película), que encarna a la persona por la que el protagonista decide ser director, o Seth Rogen, también bastante destacable como amigo de la familia que marcará un punto de inflexión en la misma (excelente esa complicidad que se establece entre su personaje y el de Michelle Williams) También es justo citar a Gabriel LaBelle encarnando al trasunto juvenil del propio Spielberg, en donde cuesta poco ver su propia imagen de juventud reflejada, o la sorpresa final de un mítico director de cine (encarnado por otro famoso director de cine) que será algo así como quien le dio el definitivo relevo en sus inicios en la industria. En líneas generales todo el reparto lleva a cabo un destacable trabajo, dirigidos muy bien por un maestro como Spielberg, que con esta película parece querer dar el relevo a la próxima generación de directores, en un gesto similar como con el que concluye el presente film.

 

Pero aunque Los Fabelman sería una obra maestra de todo un magnífico narrador de historias como es Spielberg, se ha topado con el handicap de que el público potencial al que puede llamarles la atención un film así son las generaciones que se criaron con sus películas más exitosas, ya que las nuevas (y las que más llenan las salas de cine hoy en día) lo verán tan solo como si fuera un aburrido relato de batallitas del abuelo. Ese puede ser el motivo de su pobre resultado en la taquilla americana, aparte del hecho de que se filtró por internet el film (en versión original y en buena calidad) ya desde finales del año pasado. Pero yo aguanté las ganas hasta poder disfrutarla en una sala de cine, y tengo que admitir que sus 151 minutos los disfruté en todo su esplendor, por lo que creo que Los Fabelman se puede situar entre las mejores películas de Spielberg (lo cual ya es mucho teniendo en cuenta que es un director con una amplia y destacable filmografía)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de febrero de 2023.
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PINOCHO DE GUILLERMO DEL TORO, una genial obra de animación

Cuando se estrenó la adaptación de Pinocho de Matteo Garrone ya cité lo que por aquel entonces iban a ser los futuros proyectos de Robert Zemeckis y Guillermo del Toro: dos adaptaciones del popular clásico de Carlo Collodi, siendo el primero en acción real bajo el amparo de la Disney, y como remake del clásico animado de la misma; mientras que el mexicano optó por la animación stop-motion. En el caso de Zemeckis se estrenó en la plataforma Disney Plus el pasado septiembre con unos resultados tan miméticos al original que se antoja una mera operación de marketing, dentro de esa moda que tiene Disney en los últimos años de realizar remakes en supuesta "acción real" (porque en muchos casos se llevan a cabo con animación CGI) de sus clásicos animados.

En una interesante jugada con la clara intención de que pueda competir en la próxima temporada de premios, el Pinocho de Guillermo del Toro se estrenó de manera limitada en cines el pasado mes de noviembre, para posteriormente estrenarse en la plataforma Netflix este mes de diciembre. Ha sido una decisión parecida a la realizada también por Netflix con la secuela de Puñales por la espalda, que la mencionada plataforma estrenará el 23 de diciembre, pero que pude ver en un pase de prensa previo. En el caso de esta película de Guillermo del Toro codirigida por Mark Gustafson, no he tenido esa suerte y bien que lo lamento, porque su versión de Pinocho es UNA OBRA MAESTRA visual que se merecía sin duda alguna el estreno en salas, y que se posiciona sin problemas como uno de los mejores films del año.

De hecho en su aspecto visual no puedo achacarle ningún tipo de problema a este Pinocho de Guillermo del Toro, porque se nota el cariño, el esmero y el extremo cuidado con el que se ha realizado esta excelente película de animación en stop-motion, cuidando cada detalle en un trabajo de artesanía digno de todas las alabanzas. Al igual que Geppetto insufla vida a Pinocho, los responsables de este film (porque aunque Del Toro se lleve los méritos en el título, sería injusto olvidar a Gustafson) consiguen dotar de alma, de sentimiento y de vida a todos y cada uno de los personajes de esta emotiva adaptación, quizás no apta para toda la infancia (los más pequeños pueden no acabar de entenderla, aunque les entretenga en mayor o menor grado su acabado visual) pero desde luego que si recomendable para todos los públicos. Y es que con este film Del Toro vuelve a terrenos conocidos para él, ya explorados antes en títulos como El laberinto del fauno, contraponiendo la fertil imaginación infantil frente a la intransigencia totalitaria.

La obra original de Collodi vió la luz en 1883, en una sociedad muy diferente a la actual (por lo que la historia no era tan dulcificada como versiones posteriores nos han hecho creer), pero el responsable de La forma del agua traslada la acción a la década de los años cuarenta, en una Italia fascista que vivia la ascensión de Mussolini. Eso conlleva que en sus primeros minutos veamos aqui como Geppetto tiene un hijo llamado Carlo (con evidente homenaje al autor de la obra original en su nombre) que muere durante un bombardeo, lo que lleva a que su progenitor se hunda en el alcoholismo. Tiempo después, en una de sus habituales borracheras, cortará un tronco (en el que vive el grillo Sebastián, narrador de la historia) y tallará una marioneta de niño, a la que insuflará vida algo así como una hada, que se apiada de Geppetto y espera de esa manera darle esperanzas y motivos para seguir viviendo. Pero este Pinocho resulta una criatura tan inocente (desconoce en inicio las normas más básicas) como temida (cuando lo ven por primera vez lo tildan de criatura del demonio)

A partir de ahi veremos un intenso periplo de Pinocho, que le llevará desde el abuso que sufre a manos del codicioso conde Volpe, hasta el ser llevado a un campamento militar infantil por algo así como el magistrado del pueblo, que lo ve como un aliciente para las jóvenes tropas por su invulnerabilidad. Pese a los evidentes cambios sobre la base original, los momentos más icónicos del relato permanecen, si bien otros se modifican, como el de la transformación en burros de los niños desobedientes, que en este caso sería la transformación en "buenos" soldados de los niños obedientes (según el régimen fascista), lo que trastoca la versión original, pero cuyo alegato a la insumisión lo hace igualmente válido, aunque tenga sus consecuencias. El único punto donde quizás cojearía (levemente) este film sería en unas canciones que, aunque no molestan, no acaban de cuadrar del todo con el tono general y podrían haber sido prescindibles.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN NETFLIX: 9 de diciembre de 2022.
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SPIDER-MAN: NO WAY HOME, lo deseado aqui está (crítica sin más spoilers que los de la propia campaña de promoción de la película)

La tercera aventura arácnida de Tom Holland encarnando al superhéroe Spider-Man se ha convertido en uno de los títulos más esperados de los últimos tiempos, al "jugar" con las opciones del multiverso que se introducia en la serie Loki y de las que seguro que sacarán más de cara al futuro del universo cinematográfico, y supongo que también televisivo, de Marvel (de hecho la segunda película dedicada al Doctor Extraño que se estrenará en 2022, Doctor Strange in the Multiverse of Madness, derivará de lo que aqui sucede a tenor de lo que se insinúa, aumentando las ganas de verla)

Tal y como acabó la anterior entrega, uno estaba intrigado de como resolverían el hecho de que se desvelara la identidad secreta de Spider-Man como Peter Parker. Eso se justifica con la inclusión del Doctor Extraño, al que acudirá cuando se vea sobrepasado por la situación de que sea por todos conocida su identidad. Pero la ayuda tendrá sus consecuencias, ya que el multiverso traerá a varios villanos de realidades alternativas: el Duende Verde, el Doctor Octopus y el Hombre de Arena (de la trilogia inicial dirigida por Raimi) y el Lagarto y Electro (de las dos películas de The Amazing Spider-Man con Andrew Garfield y Emma Stone) Decir esto hasta aqui no desvela nada nuevo que la misma promoción del film no hubiera mostrado, pero la duda estaba en si el resto merecería la pena.

¿Respuesta breve? Spider-Man No way home es, con un buen margen de diferencia, el mejor producto Marvel que se nos ha presentado este año (teniendo en cuenta que en cines ha estado Viuda Negra, Shang-Chi, Eternals y esta, mientras que en televisión se ha ofrecido Wandavision, Falcon y el Soldado de Invierno, Loki, What If y la aún en curso Ojo de Halcón) Es curioso que yo llegue a afirmar algo tan rotundamente cuando he sido el primero en no estar del todo conforme con la manera en que se introdujo al arácnido en el Universo Cinematográfico Marvel (las dos primeras entregas con el actor Tom Holland en el papel protagonista han sido las que menos me han gustado de todas las películas de Spider-Man que había hasta la fecha, sobretodo por el excesivo lastre moral que le dieron respecto a un Iron Man que casi cumplía las funciones del canónico Tío Ben... sin por ello negar que ambas son dos cintas bastante entretenidas) 

Los más críticos pueden achacarle a esta película ser una mera concesión hacia los fans, pero son sin duda ellos los que más lo agradecerán, tanto si conocen al personaje sólo por las cintas previas, también por los comics o, como en mi caso, si las películas me sirvieron para descubrir el mundo de las viñetas. Bajo mi punto de vista tengo que admitir que he quedado convencido de una forma más satisfactoria de lo que yo mismo esperaba, ya que a veces se tiene la sensación de que las revisiones en el cine de superhéroes hacen que las versiones previas queden descartadas como si nunca hubieran existido, y cuando Spider-Man entró en el MCU y luego con sus dos películas propias, más su presencia en otros títulos de Marvel; nada de eso logró hacerme olvidar la trilogia original de Sam Raimi o las dos de Amazing, donde sin duda tuvimos a la mejor Gwen Stacy que los fans hubieran deseado. 

La rumorología previa al estreno de esta cinta se desbordó cuando se nombró el multiverso, y se descubrieron los villanos que aparecen aqui, con teorias sobre la presencia de los arácnidos previos (Tobey Maguire y Andrew Garfield), e incluso con cameos tanto de cierto personaje cuya serie ha dejado muy buen recuerdo como de cierto villano emblemático de Spider-Man (pero que hasta ahora ha vivido una vida "paralela" en pantalla) ¿Cuanto de todo esto es verdad? Logicamente ni afirmo ni desmiento nada porque todos mereceis verlo por vosotros mismos en una sala de cine, y es que la premisa argumental que he citado en el segundo párrafo de esta crítica vendría a ser más o menos la primera media hora de película, quedando por delante otras dos donde las suposiciones se pueden convertir en certezas... o en mayores sorpresas (incluyendo las dos escenas finales, una entre los créditos y otra al final de los mismos)

No way home está construida, como ya he indicado, para satisfacer a los fans PERO no son concesiones gratuitas, sino que la historia sabe dosificarlas de forma acertada y coherente, brillando (más allá de las sorpresas sobre si aparece tal o cual personaje) en unos destacables diálogos donde son tantos los detalles y los guiños que uno no puede menos que alabar a sus responsables, que han dotado de una maravillosa interacción entre si a todos los implicados, abriéndose además un futuro prometedor para el Parker de Holland. Lo más negativo que se puede decir serian algunos momentos más débiles (no en vano son 148 minutos, con lo cual es comprensible), como por ejemplo el uso de los villanos antes citados, con dos de ellos cuya presencia sería poco más que testimonial (aunque hay otros personajes con los que sucede lo mismo, como Jameson) Pero EN CONCLUSIÓN este film es el mejor del personaje en acción real hasta el momento.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de diciembre de 2021.
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ÚLTIMA NOCHE EN EL SOHO, fascinante sorpresa (crítica sin spoilers)

La anterior película de Edgar Wright (director de este film) que ví en cine fue Baby Driver, un título que admito que en su momento fuí a verlo sin expectativas y el resultado final fue una agradable y recomendable sorpresa. La experiencia personal que tenía con este realizador se ceñía a sus colaboraciones con Nick Frost y Simon Pegg (la trilogia del Cornetto, formada por Zombies Party, Arma Fatal y Bienvenidos al fin del mundo), o su adaptación del comic Scott Pilgrim contra el mundo, a lo que añadir que hubiera sido el director previsto en un principio para Ant-Man de Marvel, si bien su estilo no acabó de cuadrar con lo que quería la productora, por lo que fue sustituido por Peyton Reed. 

 

Esta Última noche en el Soho no estaba en principio entre mis primeras elecciones de próximos estrenos que me interesaban ver en cine, pero me ganó con un trailer que enseguida me cautivó, no solo a nivel visual sino tambien musical, con su elección del tema Downtown de Petula Clark, que para mi siempre quedará asociado a uno de los momentos más inquietantes y acertados de las dos últimas temporadas de Expediente X. A eso se sumó la atrayente presencia de Anya Taylor-Joy (vista en la exitosa serie Gambito de Dama y destacable en Los nuevos mutantes) y Matt Smith (11º Doctor Who y el primero al que conocí cuando me aficioné a dicha serie), así como un poster con un estilo clásico que me encantó, muy propio de la época en que transcurre este film.

Todo eso es una clara muestra de que en ocasiones no es bueno prejuzgar, porque los alicientes van más allá: como claro homenaje a la década que le sirve de inspiración (los años sesenta), la película ofrece un par de papeles secundarios a dos intérpretes clásicos como son Terence Stamp y Diana Rigg, esta última en la que fue su actuación póstuma, ya que falleció en 2020 con 82 años. Del primero poco se puede añadir porque su carrera abarca todo tipo de películas y series desde que debutó en los sesenta, mientras que de la segunda se puede decir otro tanto, si bien por siempre quedará en el recuerdo como la Emma Peel de la serie televisiva de Los Vengadores, que fue todo un icóno de aquella década; aunque también estuvo en la igualmente popular y más reciente Juego de Tronos. Sobra decir que la labor de todos los que he citado hasta el momento es gratamente satisfactoria, pero la mayor sorpresa me la ha dado la protagonista, una Thomasin McKenzie que está realmente magnífica siendo casi una desconocida para el gran público (lo más reseñable suyo hasta la fecha han sido papeles en peliculas como la tercera entrega de El Hobbit o Jojo Rabbit)

Muchas alabanzas he dado hasta aqui de sus actores pero poco he indicado de su historia, y es que estamos ante ese tipo de películas con las que lo mejor es saber poco, y a partir de ahi dejarse llevar. El guión de Edgar Wright (también director del film) a medias con Krysty Wilson-Cairns es un fascinante thriller psicológico con toques sobrenaturales que tiene como referencias a los grandes maestros del género, en una historia que sabe mantener el interés en todo momento y jugar de manera muy inteligente con las expectativas del espectador, incluyendo un sorprendente giro final. La cinta se centra en Eloise (a cargo de una Thomasin McKenzie que se entrega en una magnífica interpretación), una joven aficionada a todo lo referente a la década de los sesenta que está estudiando para diseñadora. Tras su llegada a Londres se hospedará en una pensión donde empezará a tener visiones de una especie de alter-ego suya de los años sesenta, una aspirante a cantante llamada Sandy (papel para una fenomenal Anya Taylor-Joy) que parece encontrar una oportunidad con Jack (el personaje de Matt Smith), aunque las cosas no irán según lo esperado para ninguna de ellas.

Y es que mientras que la Eloise actual descubrirá el aspecto más turbio de la década que tiene ella mitificada, la Sandy de los sesenta entrará dentro de un círculo de fatalidades que la encaminan hacia un destino incierto. A partir de ahi, si bien la historia ya había sugerido detalles antes, ambas realidades parecen confluir y confundirse entre si, lo que llevará al espectador a dudar sobre si las visiones son reales o alguna especie de trastorno mental de la protagonista (se sugiere esa posibilidad), que se empeñará en descubrir la verdad aunque eso la lleve al borde de la locura. Como si fueran dos caras de una misma moneda, Eloise por un lado y Sandy por el otro descubrirán el lado oscuro de la búsqueda de sus sueños (la primera ser diseñadora, la segunda cantante) que correrán el riesgo de transformarse en pesadillas. En resumidas cuentas Última noche en el Soho es una película fascinante con un guión interesante, una notable labor tanto de dirección como de su elenco y un magnífico resultado en detalles como la fotografía, el vestuario y los escenarios, así como también una emblemática selección musical que consigue trasladar al espectador a la mítica década de los sesenta. 

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de noviembre de 2021.
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• LO MEJOR: El guión, la dirección, el trabajo de su elenco, la fotografía, el vestuario, la ambientación, la selección musical... vamos, si no es todo pues casi todo.
• LO PEOR: Su inmerecido fracaso en taquilla, que la puede hacer pasar desapercibida para el gran público.