M3GAN 2.0, una secuela desvergonzada y disparatada (sin spoilers)

Después de ver M3gan 2.0, una secuela la mar de disparatada y desvergonzada, queda claro que el mensaje subyacente que ya impregnaba la primera entrega continúa presente (¡cuidado con la inteligencia artificial, que no sea autoconsciente por los peligros que pueda acarrear!), pero cualquier leve atisbo de continuación genérica enseguida se diluye.

 

Ya de por si la película previa no es que fuera muy innovadora que digamos: con una propuesta que podía recordar a la de Muñeco diabólico (sobre todo a la del fallido remake de 2019), con ciertas gotas de otra muñeca diabólica como es Annabelle, de la saga homónima (no en vano su creador, James Wan, fue productor tanto del anterior film como de éste) al final venía a ofrecer una mezcla satírica con humor negro digna de Black Mirror, sumando la moraleja antes citada.

 

La película inicial fue bastante rentable (con un presupuesto de apenas 12 millones de dólares recaudó en cines 180), por lo que una secuela era previsible, aunque no lo era tanto ver el giro radical que le dan a esta continuación. Quien espere que siga siendo una película de terror más vale que espere sentado: aunque vuelve a insistir en el mismo mensaje de precaución ante el auge de las inteligencias artificiales, el esquema ya no es de Muñeco diabólico sino que es...¡Terminator 2!

 

La historia nos devuelve a Gemma (de nuevo a cargo de Alison Williams), que tras su traumática experiencia con M3gan de la primera película, es una firme defensora de que la inteligencia artificial tenga supervisión gubernamental, y cuantos más controles y regulaciones oficiales mejor, para intentar contrarrestar su aplicación desenfrenada y maliciosa. A su cargo sigue estando su sobrina Cady (Violet McGraw), una adolescente cuestionada pero bastante hábil en programación. Pero la tecnología usada para crear a M3gan es robada y usada para concebir un arma secreta, una espía androide llamada Amelia (interpretada con robótica expresividad por Ivanna Sakhno).

 

Cuando la misma toma conciencia de sí misma (y no pasa mucho rato, la verdad sea dicha) se convierte en un peligro potencial, por lo que las autoridades obligan a que Gemma resucite a M3gan (aunque sería más bien a volver a dotarla de cuerpo, porque ya la primera entrega dejaba claro que se había quedado subyacente dentro de la tecnología de la casa donde viven la protagonista y su sobrina). Y ahí está la más que evidente similitud con Terminator 2: una robot en inicio villana y ahora héroe a su pesar, contra una robot todavía peor, en una trama con trazas de Misión imposible para intentar compensar la evidente falta de sorpresa que toda secuela lleva aparejada. 

 

La total ausencia de terror en M3gan 2.0 puede jugar en su contra, decepcionando a los que vayan a buscar eso, pero si se entra en su desvergonzada propuesta (con un guion autoconsciente de que es un total disparate, lo cual se hace bastante evidente en su tramo final), el espectador puede pasar un rato más o menos entretenido. De todas maneras el hecho de aumentar su metraje respecto a la cinta previa (de 102 a 119 minutos) no la hace mejor sino más redundante respecto a la moraleja que ya dejó clara la primera entrega: cuidado con las inteligencias artificiales. Es por ello que, sin nada nuevo que contar, opta por un volantazo en su esquema argumental que puede no ser del agrado de todos.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de junio de 2025.
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CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN (2025), crítica sin spoilers

Con esta nueva Cómo entrenar a tu dragón está claro que Universal (la distribuidora) y Dreamworks SKG (la productora) intentan hacer una jugada similar a la que está llevando a cabo Disney desde hace más de una década: realizar la versión en acción real de un film de animación más o menos añorado por el público. 

 

La lista de los intentos de Disney es extensa, y este mismo año 2025 tiene para todos los gustos: por un lado el descalabro en taquilla de Blancanieves, y por otro el gran éxito de Lilo y Stitch, por lo que los arriba citados pensaron que podían arriesgarse y ver qué tal les salía la jugada. También es cierto que muchas de esas nuevas versiones han perdido el encanto de la animación, y sólo en muy contados casos el resultado ha sido como mínimo entretenido.

 

Curiosamente tengo que admitir que la película original no la vi en su momento de estreno en cines, sino cuando se emitió en televisión. En aquella época Dreamworks intentaba por todos los medios competir en el campo de la animación con Pixar, pero esta última le llevaba amplia ventaja, con guiones más elaborados que intentaban llegar a un mayor espectro de público, por lo que consideré que no tenía prisa por ella. Cuando por fin vi la película me di cuenta de mi error, ya que con Cómo entrenar a tu dragón demostraron no sólo un buen apartado técnico en cuanto a animación, sino también emocional.

 

El éxito propició la expansión de la franquicia, que dio para dos secuelas (que sí he visto), cuatro cortos (que no he visto) y dos series de televisión con más de 100 episodios (del que alguna vez he visto un rato alguno haciendo zapping). Ahora le toca a este remake en acción real, que llega apenas 15 años después del estreno del film original, lo que llevó a muchos a preguntarse la necesidad de ello (más allá del extra de ingresos por mantener viva una franquicia de éxito contrastado). Pero volviendo a la antes citada Disney, ellos estrenarán para 2026 (está ahora mismo en rodaje) el remake en acción real de Vaina, apenas 10 años después del estreno de la película de animación original... 

 

En el caso de aceptar, por tanto, que hay un amplio sector del público que prefiere ir a lo conocido que arriesgarse con algo nuevo (de ahí el éxito más o menos asegurado que tienen productos como este, o secuelas de títulos que han demostrado un buen rendimiento económico), habría que valorar de forma positiva este film. Esta nueva Cómo entrenar a tu dragón sabe que la película original funcionaba la mar de bien, y lo único que ofrece es una traslación a formato "físico" (siempre entre comillas teniendo en cuenta el CGI que requieren proyectos así) de todo ello.

 

También es una evidente ventaja confiar en el responsable de la original (Dean DeBlois), que asume las funciones con cariño y (quizás demasiado) respeto hacia el material de origen, eludiendo riesgos. Eso ayuda, ya que se han estrenado muchos productos de este estilo, auspiciados desde una mesa de accionistas más preocupados por exprimir la nostalgia del público, que por ofrecer algo que tenga cierta consistencia. Tampoco afirmo que este remake fuera necesario (que no lo es), pero al menos se puede ver sin sentir que desvirtúan algo a lo que le tenías cierto cariño. 

 

Un detalle que en este tipo de traspasos suele ser delicado es el reparto, pero tengo que admitir que la elección de Mason Thames como Hipo y Nico Parker como Astrid ha sido sin duda todo un acierto (más allá de que ella haya tenido que sortear las quejas de los que buscan la exacta literalidad). Por su parte el que repite es Gerard Butler, que puso su voz al Estoico de animación (el padre del protagonista Hipo), y que aquí lo interpreta de forma adecuada. Otro nombre conocido del elenco es el de Nick Frost, como Gobber el Eructo (en animación con la voz de Craig Ferguson). 

 

En líneas generales es justo admitir que se ha logrado un reparto bastante funcional para esta traslación de un formato a otro. También destacan los espectaculares paisajes de Irlanda del Norte donde se ha recreado la Isla Mema en los que acontece la historia, que les puede servir para promocionarla como parte de las nuevas atracciones del Parque Temático de la Universal en Orlando. En resumen, dentro de este innecesario subgénero de remakes en acción real de films animados, al menos esta Cómo entrenar a tu dragón es de las que logra convencer y entretener. 

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de junio de 2025.
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PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS, un sangriento complemento

Esta Predator: Asesino de asesinos es claro resultado del éxito que tuvo la entrega previa (Predator: La presa) cuando se estrenó en el verano de 2022 en Disney Plus por la poca confianza que tenían en ella... para luego convencer en líneas generales a público y crítica. A sus espaldas tenía una franquicia que comenzó en 1987 con la película Depredador dirigida por John McTiernam y con Arnold Schwarzenegger de protagonista, a la que siguió una secuela que no tuvo tanta suerte, dejando en letargo futuras entregas.

 

Tras varios años detenida, a alguien se le ocurrió la brillante idea de realizar un crossover con Alien (de la saga homónima) para intentar repetir el éxito que dichos combates habían tenido en las viñetas. Digamos que habrá quien defienda las dos películas (2004 y 2007) de Alien vs.Predator... pero no seré yo uno de ellos.

 

Con la criatura de nuevo en solitario, se probó suerte en 2010 con Predators y en 2018 con Predator, pero ninguna logró cubrir lo que se esperaba de ellas (y de ahí que la película de 2022 antes citada no levantara interés inicial para su estreno en salas de cine, yendo directo a la plataforma Disney Plus). Eso cambió con su inesperado éxito, por lo que este 2025 habrá dos películas de Predator, primero esta de animación con estreno en plataforma, y en noviembre la de acción real Predator: Badlands, que llegará a los cines.

 

En el caso del presente film estamos ante un relato episódico, que en inicio parecen ser independientes entre sí, pero que confluyen en su tramo final. Las historias, localizadas en diferentes periodos históricos, se centran en una guerrera vikinga, un ninja del Japón feudal y un soldado norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. Tengo que admitir que me llamó la atención el tramo japonés, ya que viene a ser una sucesión de acción sin apenas ningún diálogo, pero mostrándose efectiva en lo que quiere narrar. De todas maneras el estilo de animación no me ha resultado del todo convincente, aunque deviene funcional, que en última instancia es lo que interesa.

 

Habrá quien pueda tener prejuicios hacia el hecho de que un film así se estrene en Disney Plus, siendo una plataforma más asociada (en general) al entretenimiento infantil, pero en ese sentido tengo que admitir que cumple con la esencia de la franquicia. Con eso me vengo a referir a que casi desde el inicio todo es una brutal orgía sangrienta de violencia desenfrenada, destacando de forma especial en el primer tramo con los vikingos. Y para no hacer repetitivos los tres segmentos que conforman esta película, antes de la confluencia final, el tercero de ellos sería un combate aéreo, siendo relativa novedad porque hasta ahora los más espectaculares en esta franquicia han sido cuerpo a cuerpo.

 

El problema de Predator: Asesino de asesinos es su condición de mero complemento co-dirigido por Dan Trachtenberg, responsable tanto de la previa La Presa como de la próxima Badlands, que aquí comparte dicha función con Joss Wassung. Es como si en una tormenta de ideas sobre posibles secuelas para el film de 2022 hubieran elegido estas tres opciones, limitándose a engarzarlas para darles una cierta coherencia, aprovechando la animación para así realizar un film de presupuesto más contenido (en esta época en que en Hollywood el exceso de gasto hace difícil la rentabilidad de ciertas películas). El resultado cumple con la esencia de la criatura, pero (al menos a mi) me sabe a poco.

 

Su función de mera bisagra entre lo estrenado y lo que está por llegar (o como mínimo valoran) se encuentra cuando al final se ven una serie de cámaras criogénicas en la que los más avezados han creído ver cierta criatura con la que pueden volver a cruzarse, así como detalles que van desde la misma película inaugural de 1987 hasta la más reciente, siendo en el caso de esta última la referencia bastante evidente. Con lo visto en Predator: Asesino de asesinos cabe la suposición de que los yautja (la especie a la que pertenecen estas criaturas) reúnan a los mejores y más avezados guerreros de diferentes épocas y lugares con objeto de... lo que se les ocurra de aquí a futuras entregas.  

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 6 de junio de 2025.
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MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA FINAL, crítica sin spoilers

Antes de ser la franquicia en la que se ha convertido a lo largo de casi tres décadas, Misión Imposible fue la adaptación de una serie televisiva de los años 60, que se sumaba a la moda imperante en la década de los 90 de adaptar en películas antiguas series de televisión (otros ejemplos podrían ser El fugitivo en 1993, Los Picapiedra en 1994, El santo en 1997 o Perdidos en el espacio en 1998, por citar unos pocos).

 

Su máximo impulsor fue Tom Cruise, cuya intención era que cada nueva entrega estuviera firmada por un director diferente, para que cada uno dejara su sello personal. Eso se cumplió las cuatro primeras (a cargo de, respectivamente, Brian de Palma, John Woo, J.J.Abrams y Brad Bird), porque a partir de la quinta el citado Cruise descubrió a Christopher McQuarrie, que le convenció de tal forma que se quedó como director de las cuatro entregas siguientes, incluida esta octava y (al menos eso parece) última, casi 30 años después del comienzo.

 

La calidad de la franquicia a lo largo de ocho películas ha sido variable, pero casi siempre destacable, siendo el mayor atractivo de sus entregas más recientes la voluntad de su protagonista para realizar en persona la gran mayoría de las espectaculares escenas de riesgo y acción con las que sorprenden al espectador. Pero tras el varapalo en taquilla de la entrega precedente, que no logró ser todo lo rentable que pretendían (recaudó "sólo" 172 millones de dólares en el mercado norteamericano y casi 400 millones de dólares en el internacional, con un presupuesto de 291 millones de dólares, ya que fue fagocitada una semana después de su estreno por el apabullante éxito de Barbie y Oppenheimer), llevó a que esta octava entrega no tuviese de título el predecible, a tenor del capítulo previo, Sentencia mortal (parte 2) si no Sentencia final. 

 

Con este octavo film la franquicia consigue el récord de entrega con mayor metraje: si ya la anterior fueron 156 minutos, en esta se sube la apuesta hasta los 169 (es decir, casi tres horas) que sin duda alguna entretienen, pero que se notan algo excesivas no solo para lo que tiene que contar (sus escenas de acción más hiperbólicas serían dos, una situada en un submarino y otra en el avión que se ha visto en trailers previos y en el propio póster), sino sobretodo por el hecho de que la película previa y esta se supone que engloban una única historia, y para lo que cuenta sobraba tiempo de forma bastante evidente. Cierto es, como ha afirmado la crítica que la vio de estreno mundial hace unos días en el Festival de Cannes, que estamos ante la entrega más grandilocuente, pero eso no siempre juega a su favor, ya que esta franquicia si por algo se han caracterizado es por su tradicional ligereza, bastante más diluida en esta octava entrega. 

El evidente hecho de plantear esta película como un ¿cierre? (otra cosa es que se cumpla, ya que Hollywood casi nunca da sus franquicias por finiquitadas) es un tono nostálgico, en el que se recuerdan momentos de las siete películas anteriores, dándole si acaso un pelín más de trascendencia a la primera y la tercera, pero que en sí sólo sirve para honrar los ratos de diversión (sin duda alguna muy dignos) que hemos tenido con las películas de Misión imposible a lo largo de casi tres décadas. Para algunos puede ser un gesto autocomplaciente por parte de su protagonista principal, que tampoco duda en mostrar su cuerpo casi desnudo en algunos momentos, pero sirven para marcar tanto los éxitos de su Ethan Hunt (que en este film ya alcanzarían el estatus de mesiánico) como la continuidad de la franquicia, que se hizo mucho más evidente desde el momento en que McQuarrie tomó las riendas en la quinta entrega.

 

El problema quizás radique, como he dicho, en una premisa argumental que no daba para dilatar tanto su metraje: se continúa con lo planteado en el film precedente, por lo que encontramos al protagonista y sus amigos y/o colaboradores luchando contra la Entidad, una misteriosa Inteligencia Artificial que está a solo un escalón de ser como la Skynet de la saga Terminator, luchando además nuestros héroes contra un villano que aspira a controlarla. Con un desarrollo y un ritmo bastante fluidos (aunque algunos momentos quizás muy discursivos) me llamó la atención que recurriera a un tramo final intenso pero en esquema como el de la sexta entrega. Con esto me vengo a referir a dilatar el tiempo mucho más de lo humanamente concebible, lo que lleva a rozar los límites de la suspensión de la incredulidad del espectador, aunque son meros detalles en lo que se resuelve como un digno ¿cierre? a tres décadas de diversión.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de mayo de 2025.
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DESTINO FINAL: LAZOS DE SANGRE, la lotería de la muerte (sin spoilers)

La saga Destino final nació en origen como premisa para un episodio de la serie Expediente X, que al final fue el film inicial de 2000. A él le siguieron cuatro secuelas, pero en mi caso tan sólo he visto en cines la cuarta y la quinta. Tras un descanso de 14 años llega ahora esta sexta entrega, con espíritu de reboot, y que tiene por subtítulo el muy acertado Lazos de sangre, ya que el origen está en el pasado de la abuela de la protagonista, afectando al presente.

 

La premisa de esta franquicia siempre ha sido la básica de un slasher, con la particularidad de que aquí no se intenta escapar de un asesino en serie, si no de la misma muerte, que considera que te salvaste de forma injusta de una tragedia donde tenías que haber muerto. Eso se debe a que en todas las entregas hay un personaje que tiene una premonición sobre lo que va a ocurrir, logrando salvar in-extremis a todos aquellos que le presten atención. Pero la muerte, sibilina como ella sola, ni perdona ni olvida, persiguiéndolos y acabando con ellos de las formas más despiadadas y salvajes posibles (lo que también ha sido uno de los morbosos incentivos de esta saga).

 

En estos tiempos en que tenemos nuevas entregas de (por ejemplo) Scream, Halloween o Sé lo que hicisteis el último verano, resulta lógico que tarde o temprano se recurriera de nuevo a Destino final, aunque la quinta entrega concluyera cerrando el círculo (mortal) y enlazando con la primera, en algo así como un ¿final definitivo? 

Y es que dicho colofón de Destino final 5, haciendo como un bucle entre todo lo visto en la (por entonces) pentalogía se transforma aquí, de forma sutil pero bastante acertada, en la justificación para sustentar tanto las entregas precedentes como las que estén por llegar: la tragedia inicial de esta película, ambientada en la década de los años sesenta, puede haber sido tanto el origen de aquellas como la justificación de esta y (por las décadas transcurridas) la de las hipotéticas entregas que estén por llegar. Eso se justificaría a tenor de saber por fin la trascendencia del personaje encarnado por el difunto actor Tony Todd (a su memoria está dedicada esta película), cuya presencia ha sido más o menos recurrente en esta franquicia, ya que el William John Bludworth al que da vida se le ha visto en las dos primeras, la quinta y la actual sexta entrega, donde por fin se aclara quien es.

 

Aunque en esquema se pueda decir que esta película reitera lo planteado en las previas, la novedad radicaría en que los personajes principales hasta ahora tenían una premonición del futuro, pero en este caso la universitaria Stephani Reyes lo que tiene es una funesta visión del pasado, en la que se ve envuelta su abuela Iris (con la que apenas ha tenido trato), y en donde asiste en primera persona a la tragedia de la inauguración de una impresionante torre SkyView a finales de la década de los 60. La duda que se presenta es que si la abuela en verdad sobrevivió (elemental, porque sino no tendría nieta), ¿que significa la pesadilla recurrente de la protagonista? Al investigar los motivos provocará que el ciclo mortal se recrudezca, y ahora corren peligro no sólo los que sobrevivieron, si no también sus propios descendientes (de ahí el citado Lazos de sangre), derivando a partir de ahí en la lotería de la muerte.

 

Con esa definición me vengo a referir al hecho de que sabiendo que cualquiera cosa puede ser mortal, los personajes van tomando conciencia, cada uno a su manera, de los peligros a los que se exponen, jugando además los responsables de esta película con la inquietud del espectador, que ve diferentes formas de morir, hasta que al final se revele quizás la más inesperada (a eso juegan también en el tráiler, donde se han dado por supuestas algunas muertes de manera determinada, pero que en la película sorprenden con otra distinta). Por lo demás se le puede achacar al desarrollo incongruencias y casualidades de todo tipo, pero el espectador de una película como esta sabe a lo que va, y lo obtiene de forma salvaje y brutal. Todo ello se mezcla con cierto toque de humor negro que le sienta bien al resultado final, pese a que en algunos momentos sea una violencia splastick que roza el cartoon (como ejemplo lo del piano).

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de mayo de 2025.
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THUNDERBOLTS*, entretenida y convincente (crítica sin spoilers)

No soy muy dado a los cómics grupales de superhéroes (sean de DC o Marvel), y si ya me cuesta para los más veteranos (Los Vengadores), imagínate para los Thunderbolts, de los que apenas habré leído algún cómic esporádico y nada más. Pero como no cuesta nada informarse de sus orígenes en las viñetas, digamos que su ficha en la wikipedia me dice que se trata de un grupo de superhéroes que sustituyó  a los Vengadores cuando estos no estaban disponibles, debido al evento Onslaught de 1996. Su primera aparición fue en el número 449 de El increible Hulk de fecha enero de 1997, por obra del guionista Kurt Busiek y del dibujante Mark Bagley.

 

Como todo grupo que se precie, a lo largo del tiempo su alineación ha ido cambiando, y si en origen eran los Maestros del Mal dirigidos por el Barón Zemo, por sus filas han pasado todo tipo de personajes como Ojo de Halcón, Norman Osborn, Bullseye o Veneno, por citar apenas unos ejemplos. Y es que por tónica general se ha nutrido de villanos y antihéroes, como los seleccionados para esta película: Yelena Belova (Florence Pugh), Bucky Barnes (Sebastian Stan), Guardián Rojo (David Harbour), John Walker (Wyatt Russell), Fantasma (Hannah John Karmen) y Taskmaster (Olga Kurylenko), si bien lo de uno de los mencionados no es que sea secundario, es que más bien sería anecdótico por lo poco que dura. Todos ellos trabajan para la Condesa Valentina Allegra de Fontaine (Julia Louis-Dreyfruss).

 

La película hace del personaje de Florence Pugh la protagonista principal, lo cual viene a demostrar otra vez la solvencia de esta actriz, sin que ningún otro miembro del reparto pueda opacarla. Su Yelena es un personaje fuerte, valiente y carismático, con contradicciones pero sin perder su humanidad, siendo el punto de cohesión del grupo. Casi desde el inicio se les suma un misterioso individuo llamado Bob (Lewis Pullman), que en verdad se trata de otro superhéroe creado por Paul Jenkins y Jae Lee, cuya dualidad mental los pondrá en serios apuros ya que, tras mostrar su cara más amable, las circunstancias harán que asome otra más tenebrosa. Esa doble personalidad, al estilo de Jekyll y Hyde, sirve de metáfora del resto de miembros, donde todos ellos arrastran traumas y dramas de diferente índole (algunos interesantes pero apenas esbozados), dando un tono más oscuro a esta nueva propuesta grupal del Universo Cinematográfico Marvel.

En un principio los personajes van por libre, pero al caer en una artimaña orquestada por la Condesa Valentina Allegra de Fontaine (quien ante un comité admite que ahora no existen los Vengadores), eso les llevará a unir fuerzas entre sí, pese a las discrepancias iniciales, cuando se dan cuenta de que todos tienen un objetivo común, ya que descubren un oscuro complot que les amenaza a ellos y al mundo. La película mezcla de forma adecuada la acción que uno esperaría de un producto así (sin abusar del CGI) con unos personajes disfuncionales perfilados de forma atractiva, evitando caer en el esquema de las dos entregas de Escuadrón Suicida de DC (sobretodo la primera), donde la unificación grupal era más aleatoria. Aquí se nota una mayor cohesión, cuidando a los personajes que lo integran (no en vano salvo Bob, que se estrena aquí, todos los demás han aparecido ya en otras películas y/o series de este universo).

 

Como el personaje de David Harbour actúa (de forma adecuada y sin hacerse cargante) como "alivio cómico" de este film, digamos que suya es la primera escena entre los títulos de crédito, que justifica ese póster promocional que parodiaba una caja de cereales para el desayuno. Tras dicho inserto cómico, la siguiente escena al final de todo nos lleva a una visión de unos meses en el futuro, donde debido a lo que sucede al final del film, hay sarcásticas discrepancias sobre el nuevo nombre que tiene que tener el grupo (pinta a que Thunderbolts era un preludio a lo que luego dicen, y de ahí el asterisco, siendo esto opinión personal mía), interrumpidas cuando aparece una nave de cierto popular cuarteto. En resumidas cuentas, digamos que este film es un destacable entretenimiento que mejora anteriores entregas de este universo, y aunque no acabe de resultar redondo, sin duda alguna sería convincente y eficaz.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de abril de 2025.
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UNTIL DAWN, elige tu propia muerte (crítica sin spoilers)

Hace poco ya cité que una película que no tenía en mi radar cinéfilo (La cita) la había visto gracias a lo mucho que me había llamado la atención su tráiler, y en el caso de esta Until dawn puedo admitir tres cuartos de lo mismo. Es una más en la larga lista de adaptaciones de videojuegos, pero eso para mí era un detalle secundario porque, como he indicado muchas veces, no es un entretenimiento que me fascine, aunque admito que he disfrutado en mayor o menor medida (hay gustos para todo) de las que he visto hasta el momento.

 

Until dawn es un film de terror basado en el videojuego homónimo que vio la luz hace una década (en 2015) para PlayStation 4. En lo que se refiere a adaptaciones de videojuegos de terror, un servidor la que tiene mejor catalogada es Silent Hill de 2006 (no así su lamentable secuela de 2012),seguida del primer Resident Evil de 2002, pero en el primer caso por su logrado diseño visual, y en el segundo porque era una cinta entretenida, y por entonces el subgénero zombi aún no se había vuelto reiterativo, como la propia franquicia evidenció en su sexta entrega.

 

Pero más allá de que esta película pueda recorrer terrenos conocidos en su vertiente de terror, lo que me llamó la atención fue su premisa de bucles temporales, lo que me abría un generoso abanico de interesantes posibilidades, además de introducir un ingrediente inesperado (al menos para mí) dentro de elementos genéricos más comunes. 

Una vez vista, en un pase de prensa matinal el mismo día de su estreno en cines (¡cada vez lo hacen más justos de tiempo!) tengo que admitir que me ha entretenido pero no me ha convencido tanto como esperaba. El motivo se debe a lo típico en el género del terror, y es el uso de elementos que a estas alturas ya se han visto hasta la saciedad. Es verdad que el juego de los bucles temporales les permite una cantidad de sustos que puede ser infinita, pero las características de dichos "retornos a la casilla de salida" no aprovechan las lógicas repeticiones que devienen de algo así. Las dos entregas, hasta la fecha, de Feliz día de tu muerte usaban el recurso del bucle temporal, mezclado con slasher y algo de humor, y la mezcla funcionaba, mientras que aquí se decantan por un esquema que puede recordar La cabaña en el bosque, sólo que allí había cierto tono satírico, que aquí brilla por su ausencia.

 

No quiero decir con eso que Until dawn no sea una película entretenida, dentro de lo que es su particular propuesta, pero por ejemplo se hace muy evidente la carencia de desarrollo en los personajes, lo que lleva a cierta insensibilización ante sus repetidas muertes. El reparto está compuesto por unos intérpretes que llevan a cabo su trabajo con la ley del mínimo esfuerzo, algo que se puede hacer extensible al personaje de Peter Stormare, el único conocido de un elenco poblado de jóvenes desconocidos. En cuanto a las pringosas muertes, hay que decir que la que sobreviene tras el encierro en el baño provocó risas en la sala, pero a mí me dejó bien claro que cualquier atisbo de terror en algo así iba a ser muy naif. Es una pena porque la atmósfera está bastante lograda, y se cortan poco con el salvajismo de algunas muertes, pero llegado al punto antes citado la cosa deriva más a cartoon descontrolado (en cuanto a la violencia) que a terror como tal.

 

El director sueco David F.Sandberg, de quien he visto las dos entregas de ¡Shazam! y la primera secuela de Annabelle (precuela del spin-off derivado de la franquicia Expediente Warren: The Conjuring) realiza en este caso un trabajo funcional, pero con semejante premisa uno se pregunta que hubiera sacado de aquí alguien como Sam Raimi, ya que en algunos detalles me recordó a su Arrástrame al infierno. Y es que aunque ciertos momentos puedan provocar la risa a algunos, más que nada por lo bestiales que son, se hubiera agradecido una mayor dosis de humor negro. En resumidas cuentas Until dawn no se que tal será como adaptación pero como película, aunque sea entretenida, peca de personajes en exceso planos y sin desarrollo, no ahondar más en los bucles temporales (en algunos momentos los personajes los aceptan con apatía), así como carente de más humor negro (sin tampoco llegar a ser comedia).

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de abril de 2025.
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LOS PECADORES, un ABIERTO HASTA EL AMANECER de ambiente sureño a ritmo de blues (crítica sin spoilers)

Tengo la que considero sana costumbre de intentar ir al cine con las mínimas referencias de lo que voy a ver, con la idea de disfrutar y dejarme sorprender por lo que me ofrezcan. Eso lo he vuelto a ejercer con esta Los pecadores, de la que lo único previo que sabía era su director (Ryan Coogler) y su protagonista (Michael B.Jordan), si bien entre su reparto hay más nombres que le pueden sonar al público general, como por ejemplo Hailee Steinfeld o Delroy Lindo. A eso hay que añadir el género (terror con vampiros), si bien dichos seres de ultratumba han sufrido un abuso tal en todo tipo de producciones que resulta difícil a estas alturas innovar, aunque en mi caso me conformo con que sea entretenida, y a partir de ahí ya veremos.

 

Pese a todo uno también tiene sus reticencias: Ryan Coogler es el director de la buena pero algo sobrevalorada Black Panther y su muy dilatada e inferior secuela (para Marvel, con Jordan en un personaje secundario) y de la primera entrega de la saga Creed (donde coincidió con un allí protagonista Michael B.Jordan, que también está aquí por partida doble), en la que se demostró la solvencia de hacer algo que fuera un remake, secuela, spin-off y reboot de una ya extensa saga pugilística, y salir indemne. Pero ninguno de esos ejemplos se podría etiquetar de antológico, y de hecho para Michael B.Jordan sirven las mismas referencias, añadiendo las dos secuelas de Creed (la última dirigida por él) y la fallida 4 Fantásticos de 2015. 

De todas maneras lo que más me levantaba dudas era una cierta unanimidad previa, en la que todo eran críticas positivas, lo cual siempre me hace pensar si luego el resultado final será para tanto. Pero ahí tengo que admitir mi error, ya que mis prejuicios eran injustos... aunque siempre con matices. El guion de esta película mezcla muchos temas (segregación racial, drama histórico, blues, thriller, terror, etc.), por lo que de semejante popurrí podía haber salido un film fallido, pero en ese sentido Ryan Coogler realiza un trabajo bastante destacable, en el que se nota más libre que en sus aportaciones en Marvel o en Creed. La comparación con Abierto hasta el amanecer sería evidente en su segundo tramo, pero previo al mismo se plantea un drama ambientado en 1932, y centrado en los problemas raciales imperantes por aquel entonces, con todo un trabajo de estética y ambientación realmente notable.

 

Pero (¡ay!) es justo mencionar ciertos matices: el protagonista (Michael B.Jordan) se supone que encarna a dos gemelos, pero pese a sus esfuerzos en muchos momentos cuesta distinguir cual es cual, más allá de como visten o con quien se relacionan. Asimismo hay una escena (y en esencia está planteado en toda la historia) en la que se intenta plasmar la trascendencia de la música para hilvanar presente y futuro, pero eso en pantalla se refleja de manera un tanto discutible, aún con lo destacable que resulta su banda sonora. En el tramo vampírico si se puede afirmar que es donde hay más tópicos sobre ello, pero los mismos están bien plasmados, en especial el hecho de que a dichos seres hay que darles permiso para entrar en donde estés, algo que se demuestra crucial aquí. Otro detalle que se le puede achacar, sin ser tampoco muy grave, es que sus 137 minutos podrían haberse acortado en la sala de montaje.

 

Los pecadores nos sitúa en 1932 y se centra en el regreso a Clarksdale (Mississippi) de los hermanos gemelos Smoke y Slack (ambos encarnados por Michael B.Jordan), con la idea de invertir en un club nocturno en dicha localidad rural todo lo recaudado como gángsters para gente como Al Capone (citado en cierto momento). Dicho regreso les hará reencontrarse con diferentes personajes de su pasado, además de hacer patente la insidiosa amenaza del Ku Klux Klan, así como otra más inesperada pero igual de peligrosa: un vampiro de origen irlandés está infestando la zona, lo que hará que la noche de inauguración del club se convierta en una tremenda pesadilla sangrienta. También hay que avisar de una escena entre los créditos finales, ambientada varias décadas después, y que permite tanto ver todo lo previo desde otra perspectiva como dejar las puertas abiertas para una hipotética secuela.

 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de abril de 2025.
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LA CITA (DROP), ¡¡¡sorpresas te da la vida!!! (crítica sin spoilers)

Vivimos ante tal cantidad de ofertas de entretenimiento que no hay nadie que lo pueda abarcar todo, y eso conlleva a que en ocasiones uno se deje influenciar por las opiniones de otros, e incluso de que se entere de opciones que hasta ese momento desconocía. Eso me pasó hace unos meses cuando acudí al cine para ver la cuarta entrega de Bridget Jones, y antes de ella me encontré con el tráiler de La cita, cinta de la que desconocía incluso su existencia, pero que enseguida consiguió captar mi atención con su intensa propuesta.

 

En el reparto del presente film no hay ningún rostro conocido (al menos para quien esto escribe), por lo que las referencias las aporta el póster al citar que detrás de ella están Blumhouse (productora de M3gan), Platinum Dunes (productora de Un lugar tranquilo) y que está dirigida por Christopher Landon, que también se encargó tanto de Feliz día de tu muerte como de su secuela, por lo que con dichos referentes ya me quedé convencido del todo. Todos ellos me resultaron unos solventes entretenimientos, en algunos casos mejor incluso de lo que uno podía prever de antemano.

 

Sin desvelar spoilers, ya que estamos ante una película de esas a las que hay que ver sabiendo lo mínimo de ellas (apenas lo que explica el tráiler), la historia se centra en Violet, a cargo de la actriz Meghann Fahy, una madre soltera y viuda que ha pasado página tras la muerte de su exmarido, aceptando ir a una cita con Henry (interpretado por Brandon Sklenar). El encuentro es en un restaurante de lujo en un rascacielos de Chicago, pero lo que podía haber sido una noche agradable se tuerce, cuando la protagonista empiece a recibir mensajes amenazantes en el móvil. Alguien que parece tener control total y absoluto sobre la situación le ordena que asesine a su acompañante, o de lo contrario un enmascarado que ha entrado en su casa acabará con la vida de su hijo pequeño Toby (Jacob Robinson) y su hermana Jen (Violet Beane), que se encarga de hacer de canguro de su sobrino.

 

En algunas referencias previas al presente film he leído como citaban a Alfred Hitchcock, y es que seguro que si el Mago del Suspense aún estuviera entre nosotros, la intriga y tensión que tiene la premisa de esta película estoy seguro de que le hubiera llamado mucho la atención (de hecho la protagonista, Meghann Fahy, bien podría ser heredera de cualquiera de las rubias tan habituales en la filmografía de Hitchcock, y su interpretación aquí logra la empatía inmediata del espectador). Pero maticemos, La cita es una propuesta muy estimable que sabe mantener la intriga y tener atrapado al público por el suspense, pero como todo truco de magia, cuando se dan las explicaciones pertinentes uno se queda con la sensación de que el plan es demasiado rebuscado, cuando se podría haber solucionado de forma más sencilla.

 

Es innegable su ritmo ágil, que incluso le permite entrelazar algunas historias secundarias para darle mayor entereza al film, intentando Christopher Landon subvertir aquí el género del suspense como ya hizo con el slasher, primero uniéndolo con los bucles en el tiempo en Feliz día de tu muerte, y luego con las comedias de cambios de cuerpo en Este cuerpo me sienta de muerte (Freaky). El resultado final ofrece un solvente thriller con un ritmo constante y directo al grano, siendo evidente la visión que ofrece de nuestra abrumadora dependencia de las pantallas, y la inseguridad derivada de ello. Es decir que la película es tan intensa y divertida como esperaba, en un claro acierto entre pretensiones y objetivos, por lo que se le perdona una justificación algo rebuscada (que no una resolución, tan enérgica como todo lo demás).

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de abril de 2025.
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A WORKING MAN con JASON STATHAM, crítica sin spoilers específicos

Si el cine es un arte como por ejemplo la gastronomía, es lógico que a uno le interese probar de todo, y no siempre va a comer platos de alto nivel, si no que en ocasiones se disfruta con una simple hamburguesa. Sabiendo de antemano lo que uno se va a encontrar, todo depende de que le pilles el punto interesante, y en el caso de la filmografía de Jason Statham se puede intuir de forma previa cual es la tónica general, lo que se cumple de forma más o menos admisible en esta A working man.

 

El presente film sería la nueva colaboración del actor británico con el director David Ayer (el responsable, entre otras, de Escuadrón Suicida) después de la película The beekeeper: El protector que se estrenó el año pasado pero que aún no he visto. Curiosamente no es la única película con ese título (al menos aquí en España) donde interviene Statham, ya que en 2013 se estrenó El protector, de título original Homefront, con guion de Sylvester Stallone (como esta A working man), allí adaptando una novela de Chuck Logan.

 

El presente film sería la adaptación de la novela Levon's Trade de Chuck Dixon, una saga que ya ha dado para una docena de libros, con lo cual queda claro que si triunfa, es posible que sea el inicio de una nueva franquicia del cine de acción.

 

El sencillo argumento de A working man se puede resumir (en líneas tanto generales como genéricas) en un protagonista especialista en lo que hace (aunque ello no sea agradable, cual si fuera Lobezno), pero que se ha retirado para vivir una vida tranquila (de simple trabajador, la traducción de su título inglés). Una jovencita, que para el caso podría ser su hija pero en este caso es la del jefe de la obra para la que trabaja, es secuestrada por unos villanos, a cual más excéntrico en sus apariencias. Los desesperados padres intentarán convencer al protagonista de que les ayude, en un principio dudará pero pronto se lanzará a la acción, acabando con todo aquel pazguato que se ponga en su camino hasta conseguir su objetivo final. Fin. Eso sería toda la historia sin desvelar spoilers, lo cual demuestra que está generada por un patrón esquemático en el género de acción que ya se ha visto en innumerables películas.

 

Como dije al principio de esta crítica, si uno asume el tipo de film que va a ver le será más o menos pasable, y eso es lo que me he encontrado en esta película. Por un lado está el carisma de su protagonista, un Jason Statham que aunque aquí interprete a Levon Cade no deja de ser una extensión de cualquiera de los personajes a los que ha interpretado el actor en su carrera como héroe de acción. Al principio se nos presenta como un hombre íntegro, pese a que la vida no se lo ponga fácil, para conseguir una relativa estabilidad con la que conseguir la tutela de su hija pequeña. Pero en este caso la víctima sería la hija adolescente del jefe de obra donde trabaja el protagonista (encarnado por Michael Peña), que es secuestrada cuando salía con sus amigas de fiesta por unos traficantes de personas. Los desesperados padres acudirán a Cade ya que conocen su pasado militar, pero este dudará de encargarse de ello.

 

Lógicamente no tendría gracia que la cosa quedara aquí, por lo que Cade lo consultará con su amigo Gunny (al que da vida el actor David Harbour, el otro nombre más popular del elenco aparte del protagonista y el antes citado Michael Peña), un ciego que fue compañero militar de Cade, pero al que su condición no le impide una destreza similar a la de Daredevil. Convencido de su misión, el protagonista se ajustará a ella con ahínco, cargándose por el camino a una sarta de villanos esquemáticos en donde lo mismo te encuentras a uno que al menos a mi me recordó al actor Jared Leto, otro al popular Frank Miller, así como unos cuantos que tienen un sentido de la moda que les hace acreedores de la somanta de palos que van a recibir (más horteras imposible), e incluso uno de los del tramo final cuyo aspecto me llevó a rememorar la imagen más tópica de Oswald Cobblepott, el villano Pingüino del universo Batman.

 

Aún sabiendo que esto es lo que es, hay detalles que si podían ser mejorables: los momentos de acción están rodados de manera mareante, restando parte del disfrute de los mismos, y teniendo en cuenta su simpleza argumental, sus casi dos horas se notan excesivas, ya que podría haber mejorado quedándose en un margen entre 90 y 100 minutos. Asimismo que los villanos sean unos tópicos de manual no quita para que a la víctima le quebraran la voluntad ante las amenazas, si bien es verdad que en muchos momentos no queda claro para que la quieren aparte de para darle vueltas de un sitio para otro (la huida del bosque es claro ejemplo de metraje que en esencia no aporta nada y podía haber sido excluido). Supongo que la idea era poner personajes femeninos con cierta entereza, como por ejemplo la hija pequeña de Cade, que sorprende ver como asume con tranquilo aplomo las andanzas de su progenitor.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de marzo de 2025.
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BLANCANIEVES (2025), cuqui hasta el empacho (crítica sin spoilers)

Hubo hace unos años una efímera moda (como suelen ser la mayoría) de reinterpretar cuentos infantiles clásicos, lo que generó cosas tan curiosas como Hansel y Gretel: Cazadores de brujas. En esa moda también se miró hacia el cuento clásico de Blancanieves, y además por partida doble: en 2012 coincidieron los estrenos de Blancanieves (Mirror, mirror) y Blancanieves y la leyenda del cazador, de la que esta última logró el éxito suficiente como para generar una secuela (El cazador y la reina de hielo) que tuvo peor suerte.

 

Pero si hay alguien que son los reyes del cuento infantil, esos son sin duda el imperio Disney, que tras ofrecer durante décadas clásicos animados que adaptaban todo tipo de relatos de ese estilo, lleva desde hace más de una década fagocitando su propio legado, con remakes en acción real de toda la cartelera histórica que tienen (que no es poca). La lista es extensa, destacando para un servidor la nueva versión de El libro de la selva, si bien sus virtudes fueron fagocitadas para el innecesario remake de El Rey León, que a su vez tuvo el éxito suficiente para generar Mufasa, estrenada hace pocos meses y que sirve tanto de precuela como de secuela.

 

Mirando al pasado, hacia sus mismos orígenes, ahora sería el turno de Blancanieves y los siete enanitos, el primer film animado de la factoría Disney, que 88 años después de su estreno (1937) se ve ahora readaptado en "supuesta" acción real (y lo digo porque la misma luce aquí como lo hacía en el remake antes citado de El Rey León, sólo que en este caso haciéndolo TODO CUQUI) de la mano de Marc Webb, responsable de las dos The Amazing Spider-Man con Andrew Garfield como el superhéroe arácnido de Marvel. Encabezando el reparto están Rachel Zegler como Blancanieves y Gal Gadot dando vida a la Reina Malvada, en una elección de casting cuando menos discutible, ya que (al igual que sucedió con Blancanieves y la leyenda del cazador en 2012, allí con Kristen Stewart de heroína y Charlize Theron de villana) uno diría que es mucho más atractiva la reina malvada, aunque aquí sea una maldad diluida, que no la supuesta protagonista, que aquí la representan tan valerosa como independiente, en la línea de las más recientes princesas Disney. 

 

Pero permitirme un inciso ajeno (más o menos) a la película: ahora mismo se está rodando Scream 7 con Neve Campbell de protagonista, después de que el estudio despidiera a la actriz Melissa Barrera (y luego Jenna Ortega de rebote) por sus declaraciones sobre la guerra de Gaza. Hasta ahí uno puede estar más o menos de acuerdo con cada parte (la una dijo las cosas como son, y los otros no quieren perder dinero), pero al menos han evitado polémicas a la película, aunque habrá que ver el resultado final. ¿Por qué Disney no actuó de una forma similar con esta nueva versión de Blancanieves? Rachel Zegler ha manifestado opiniones a favor de Palestina, mientras que Gal Gadot ha hecho lo propio con Israel (no en vano ella es originaria de dicho país), siendo un tema tan candente como polémico.

 

Además se suma la decisión de realizar por CGI los enanos del relato, lo que generó críticas como las de Peter Dinklage, que tildaba de hipócrita a Disney por ser "progresistas" en la elección de Rachel Zegler (de origen colombiano, de cara a congraciarse con la comunidad latina), pero no con los enanos, haciendo prevalecer estereotipos sobre la gente que padece acondroplasia. Me imagino que para realizar las caricaturas de los enanos del film animado original prefirieron, dentro de lo malo, hacerlo así para que luego no dijeran que ridiculizan a la gente con acondroplasia. Eso si, con esta opción no consiguen ni de lejos ser tan carismáticos como los originales, y no sé que tomarían como base ya que Gruñón me recordó a Tommy Lee Jones y Mudito a Alfred E.Neuman, la mascota de la revista Mad.

 

Entre unas cosas y otras eso ha llevado a que el estreno de esta película haya sido una "patata caliente" que los Disney no sabían como quitarse de encima, realizando una campaña de promoción bastante inferior a lo que suele ser habitual en ellos, ya que tienen dudas de que puedan rentabilizar su presupuesto de 270 millones de dólares. Y es que estamos más ante una reescritura del cuento que una adaptación, con detalles (entre otros) como cambiar al Príncipe Azul por un bandido con ínfulas de Robin Hood, ya que la historia se debate en todo momento entre querer ser fiel al original, pero al mismo tiempo ser moderna. El resultado final es tan blanco, tan cuqui (que lo es), está todo tan suavizado, que al final se queda en "tierra de nadie": se deja ver, se pasa el rato, y ya está,... otro remake Disney más.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de marzo de 2025.
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STING: ARAÑA ASESINA, entre ALIEN y REC (crítica sin spoilers)

Llamadme ignorante, pero cuando vi el título de esta película (Sting) me hizo recordar al cantante y músico británico homónimo, lo cual me imaginé que sería una mera casualidad. Aquí uno tendría que quedarse con la traducción de la palabra inglesa (aguijón), lo cual ya cuadra algo más si estamos hablando de según que insectos, siendo Sting el nombre que le da la protagonista a la criatura arácnida. Para esta cinta el bicho está basado en la araña de espalda roja australiana (país de origen de esta película), también conocida como Viuda Negra (y que toma como estandarte el personaje homónimo de los cómics Marvel) El director de este film, Kiah Roache-Turner, tomó al citado arácnido de referencia para diseñar la que aparece en la presente cinta, si bien esta sería de origen extraterrestre, como queda claro al inicio del film.

 

El cine fantástico de serie B (donde bien podría entrar esta película) se ha caracterizado a lo largo de las décadas por proponer toda una gran variedad de aberraciones animales para provocar miedo e inquietud. En su momento era la radiación la excusa general para maximizar todo tipo de bicho (ahí está el popular Godzilla), pero se han inventado poco a poco todo tipo de causas, por lo que el límite lo pone la imaginación. Y como de por si las arañas no es que caigan muy simpáticas que digamos (hasta Martin Goodman por esa razón le rechazó en origen a Stan Lee su propuesta de Spider-Man), podemos decir que se las ha visto de todo tipo y tamaño a lo largo de las décadas.

 

Pero vayamos al grano, ¿que ofrece esta película? De momento un único escenario, una vetusta comunidad de propietarios de Brooklyn, que se encuentra más o menos aislada por un tremendo temporal de frío y nieve que está asolando la ciudad. Esto se mantiene durante todos sus concisos 92 minutos, por lo que me hizo recordar a la película Rec, pero más allá de eso sus homenajes tiran hacia otros derroteros. El más claro sería Alien, con unos conductos de ventilación en ese viejo edificio, además de otros detalles, que enseguida nos llevan a recordar a la citada franquicia xenomorfa. Siguiendo con las referencias, el nombre de Sting tiene otra justificada relación: la joven protagonista le asigna dicho nombre en referencia a una daga élfica del universo de Tolkien, que aparece tanto en El Hobbit como en El Señor de los Anillos; y la criatura que se ve en este film (realizada con efectos prácticos, en estos tiempos en que casi todo es CGI) está realizada por Weta Workshop, que fueron los responsables de los efectos especiales de la trilogía de Peter Jackson.

 

La trama de esta película gira sobre Charlotte (interpretada por Alyla Browne), una joven de 12 años que tiene que vivir su adolescencia lidiando con varios frentes (entre ellos el de la separación de sus padres), por lo que cuando en una de sus andanzas por el edificio donde vive se encuentra una pequeña araña, decide quedársela como mascota. El problema es que la criatura es de origen extraterrestre, algo que en inicio desconocen, pero que pronto aprenderán debido al intenso factor de crecimiento del bicho cuanto más lo ceban. Pronto su alimentación a base de insectos y otras pequeñas presas no será suficiente, y empezará a acechar a todo (y todos) los que se pongan a su alcance. A partir de ahí el film cumple como lo que nunca esconde ser: una muestra de solvente serie B, donde quizás su punto más débil sería una tópica y pobre caracterización de los personajes, apenas esbozados antes de hacerlos carnaza (o no) de la araña protagonista. 

 

Eso se hace bastante patente sobretodo en el personaje del exterminador al que da vida el actor afroamericano Jermaine Fowler, momento en que la historia coquetea con la comedia absurda. Asimismo, que los excéntricos moradores del edificio donde acontece la acción pequen todos de simplicidad, lleva a que el drama de familia disfuncional sobre el que gira la línea argumental más primordial de esta película te deje un tanto indiferente, más allá de que ello lleve a un (hasta cierto punto) previsible arco de redención y reconciliación. Asimismo el guion tiene en algunos momentos diálogos ridículos y motivaciones absurdas de los personajes que pululan por él, pero en última instancia la película es fiel a lo que se plantea: nunca aspira a nada más allá de su simple premisa argumental, aunque quizás con mayores pretensiones que el simple entretenimiento igual se hubiera conseguido un título más destacable.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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TIERRAS PERDIDAS, del autor de JUEGO DE TRONOS (crítica sin spoilers)

Llamadme desconfiado, pero que Tierras perdidas viniera del director Paul W.S. Anderson (cuya cinta más acertada fue Horizonte final en el ya lejano 1997) y con Milla Jovovich de protagonista (que junto al anterior son una pareja a la que también hay que agradecer, nótese la ironía, la progresiva decadencia de la saga Resident Evil en cine) no es que me diera muchas buenas vibraciones. 

 

A eso hay que añadir que parta de un relato de George R.R.Martin, autor de Juego de Tronos, cuando en mi caso nunca llegué a conectar con su adaptación en serie (y la tremenda popularidad que alcanzó), lo que me llevó a evitar la saga literaria, por aquello de que si lo uno no me convence, lo otro tampoco lo hará.

 

Eso me dejaba tan solo como único incentivo a Dave Bautista, el otro protagonista de esta cinta, y actor que se dio a conocer por su papel de Drax en las películas Marvel de Guardianes de la galaxia y todo lo derivado de ellas. Por su físico uno lo catalogaría en personajes de un patrón determinado, si bien Bautista ha demostrado en Llaman a la puerta o las dos Dune de Villeneuve ser algo más polifacético.

 

Pero la curiosidad me pudo, a lo que sumar que me leí el relato en el que está basada, que (sin ser una maravilla) apuntaba maneras para que de ahí saliera una película como mínimo que se dejase ver...

 

Curiosamente antes de ir al pase de prensa leí que el autor del relato, el antes citado George R.R.Martin, había estado muy implicado en la gestación de esta película, e incluso había quedado muy satisfecho con el resultado final. Eso me llevó a recordar cuando James Cameron dio su bendición a Terminator Destino Oscuro como digno equivalente a como hubiera hecho él un hipotético Terminator 3, para luego tener que (más o menos) retractarse. Pero supongo que aún en el peor de los casos, en dicho ejemplo había implicados buenos profesionales, mientras que en este caso los antecedentes de lo perpetrado por Paul W.S.Anderson y su esposa Milla Jovovich (y lo escribo, aparte de la antes citada pésima saga Resident Evil, pensando en su bochornosa adaptación de Los tres mosqueteros) hacen más bien desconfiar, y visto lo visto tengo que admitir que con toda la razón. Admito que iba con pocas expectativas, pero abierto a dejarle algo de margen y no ser muy crítico con el resultado final, pero confirmo que es tan mala como había previsto.

 

La historia se centra en un tópico mundo post-apocalíptico al estilo Mad Max, pero nada llamativo, por lo que se siente y luce tan aburrido como feo, cual si fuera un descarte de otra película. Milla Jovovich ¿interpreta? a la bruja Gray Alys, que se caracteriza por conceder todo lo que le piden, por lo que cuando la infeliz reina Melange acude a ella, se une al rudo cazador Boyce (encarnado por Dave Bautista) y ponen rumbo a las Tierras Perdidas del título para conseguir lo que la reina ansía. El esquema de la película es sólo eso: dos personajes yendo del punto A al punto B, con un desarrollo ridículo y disparatado, una nula dinámica de personajes (y ya no entro en su elenco de secundarios de usar y tirar), encontrándose previsibles obstáculos por su camino cual si fuera un videojuego, en una historia que ABUSA del CGI y que en esencia parece llegar dos décadas tarde. En el tramo final se descubre cierta relativa sorpresa, que si te lees el relato ya conoces por anticipado, pero que tampoco ayuda a mejorar el esperpento que acaba siendo. 

 

CALIFICACIÓN: Mala (1/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de mayo de 2025.
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