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sábado, 19 de julio de 2025

SPERMAGEDDON, aventuras espermatozoides (crítica sin spoilers)

Esta Spermageddon se podría comparar con la serie televisiva de los ochenta Érase una vez el cuerpo humano (o Érase una vez la vida), aunque también con La fiesta de las salchichas (y su secuela televisiva) por su toque gamberro, o Del revés (1 y 2) de Pixar y Disney. En el caso de estas últimas, se viven las aventuras de las emociones de Riley, la protagonista, en un relato con dos líneas argumentales: lo que le ocurre a ella en el mundo real, y lo que sucede dentro de ella, con sus emociones (Ira, Asco, Alegría, Ansiedad, Tristeza, Miedo, Envidia, Vergüenza y Aburrimiento) personificadas. ¿Notan quien falta?...

Efectivamente, si han pensado en sexo han acertado, pues cualquier adolescente en plena pubertad, con las hormonas revolucionadas, pensará en ello con tremenda asiduidad. Y lo que en las películas de Pixar y Disney no sale reflejado (porque en el fondo es cine familiar que siempre será cine familiar, y no puede permitirse grietas en ese sentido) nos lo ofrece la divertida Spermageddon

Imaginen que la premisa de Del revés se aplica en este caso a un chaval adolescente y, para ser exactos, a la vida dentro de sus testículos. El joven Jens es fan (quizás demasiado cliché) de Star Wars y El señor de los anillos, pero cuando va a un campamento de verano enseguida queda encandilado con Lisa, siendo mutua la atracción. 

Sus primeros escarceos amorosos se vivirán en dos hilos argumentales: por un lado haciendo bien patente las falsas expectativas que el porno ha inculcado en los jóvenes, donde practicar sexo puede ser más torpe e incómodo de lo imaginado por la evidente falta de experiencia, más allá de que uno se haya hartado de ver porno. Y por otro lado nos meteremos en los testículos de Jens, donde los espermatozoides han formado una sociedad, con sus propios problemas y preocupaciones, así como un objetivo común: el día en que suceda el spermageddon del título y Jens tenga su primer coito.

En dicho universo testicular, los espermatozoides se llaman con variantes de cum, jizz o semen (en esencia es todo lo mismo). Los protagonistas son Semón y Cumilla (variante de Simón y Camila): el primero es inteligente, pero con miedo a salir del escroto por los condones, masturbaciones o espermicidas, mientras que la segunda está anhelante para ir a la aventura que todo espermatozoide desea (puesto que tienen incluso una universidad donde lo aprenden): fecundar el óvulo. Pero frente a ellos tienen al malvado Jizzmo, un espermatozoide empeñado en ganar a toda costa.

En medio de uno de los encuentros sexuales entre Jens y Lisa, Semón y Cumilla (junto con otros espermatozoides) se darán cuenta que tras eyacular el primero, han entrado en la segunda por... otro sitio (aunque eso les servirá para conocer cosas y habitantes de ese "otro lado"), mientras que Jizzmo parece ir bien encaminado, aunque llevándose por delante a todo y a todos los que encuentra a su paso. A partir de ahí se establece una comedía escatológica (sin ser soez), divertida (sin ser grosera) e incluso me atrevería a decir que didáctica como primera aproximación al tema

Los responsables de esta comedia de animación noruega, que además tiene temas musicales, son Tommy Wirkola y Rasmus A. Sivertsen. Ellos han conseguido un producto que si bien no destaca en lo visual (su estilo de animación no es novedoso), si que han logrado una película tremendamente entretenida (con infinidad de guiños a ese mundo seminal), graciosa a la hora de reflejar los inicios en el sexo cuando uno es joven, así como gamberra pero siempre dentro de unos límites (no es tan explícita como uno pueda pensar, ya que insinúa más de lo que muestra). 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de julio de 2025.
  • Póster en alta resolución por este enlace.

jueves, 17 de julio de 2025

SÉ LO QUE HICISTEIS EL ÚLTIMO VERANO (2025), crítica sin spoilers

La original Sé lo que hicisteis el último verano de 1997 (adaptación de la novela homónima de 1973 de Lois Duncan) fue tan solo el derivado surgido del éxito de Scream que tuvo mejor suerte en taquilla. Y es que siguiendo la tónica general de que cuando algo triunfa, salen derivados de todo tipo para intentar sacar tajada, llevó a que el éxito de la citada Scream de Wes Craven en 1996 revitalizara el slasher con productos de todo tipo y condición. De los mismos la que gozó de mejor suerte en la taquilla (que no por eso es que sea mejor) fue la película original de esta franquicia.

En mi caso admito que la primera no la vi hasta su estreno en televisión, y la recuerdo tan solo como una más o menos aceptable película, pese a un reparto donde estaban nombres de futuras promesas (por aquel entonces) como los de Jennifer Love-Hewitt, Freddie Prinze Jr., Sarah Michelle Gellar, Ryan Phillippe, o Johnny Galecki, que luego tuvieron una carrera bastante irregular y sobretodo televisiva.

Peor suerte tuvo la segunda (Aún sé lo que hicisteis el último verano), estrenada apenas un año después, y que admito que intenté ver (de nuevo en su estreno televisivo), sin conseguir acabarla. En ella repetían Jennifer Love-Hewitt y Freddie Prinze Jr., que son los mismos que vuelven de forma principal (porque hay cameos sorpresa y escena entre créditos por si el éxito da para más entregas) en esta nueva (y tardía) secuela. Pero ojo que antes de la de ahora hubo más...

Sé lo que hicisteis el último verano tuvo una tercera entrega en 2006 titulada Siempre sabré lo que hicisteis el último verano, e incluso dio para una serie de televisión en 2021 titulada como el film original. No he visto ninguno de ambos productos, y desde luego que a priori no me tienta a cambiar de opinión, pero con semejante preámbulo, ¿qué me ha llevado a ver esta nueva entrega? Curiosidad: de nuevo a remolque de la saga Scream, el éxito de la quinta entrega (que llegó 11 años después del film precedente, y ayudó a esto de las secuelas "legado") propició una sexta y una séptima (que tiene previsto estrenarse el 27 de febrero de 2026). 

Tras que otras franquicias de terror intentaran jugadas similares (como la reciente Destino Final: Lazos de sangre), para lograr capitalizar la nostalgia del espectador (esa misma nostalgia que según cita Julie James, el personaje de Love-Hewitt, "está sobrevalorada"), ahora prueban suerte con esta película que, siguiendo el ejemplo de Scream (la de 2022), se estrena con el mismo título que tuvo el film original de 1997, sin poner ningún número ni indicativo extra que pueda confundir a las nuevas generaciones. Y como la fórmula de la revitalización funcionó más o menos de forma adecuada para Scream, decidí probar suerte para ver que tal lo hacían estos.

Aún admitiendo que como mínimo se deja ver, estamos ante otro nuevo ejemplo de ese dicho popular que dice "de donde no hay, no se puede sacar". Cinco amigos se ven involucrados en un accidente automovilístico que les deja marcados, y del que intentarán desligarse. Un año después alguien que parece estar al tanto de lo que pasó comienza a acecharlos, vestido de pescador y armado con un arpón y un garfio. Esa base argumental se envuelve en un guion caótico y esquemático de slasher, se le añaden guiños para los nostálgicos, y el whodunit resultante se resuelve con un giro ya visto en la franquicia Scream, que si sorprende es por su disparatada inconsistencia

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de julio de 2025.
  • Galería de posters por este enlace.

sábado, 12 de julio de 2025

ELIO, crítica sin spoilers de otro título Pixar menor pero entretenido

Con esta Elio se le podría decir a Pixar aquello de "quién te ha visto y quién te ve" o "de lo que llegaste a ser a cómo te has quedado". En otros tiempos cualquier producción de la compañía del flexo lograba críticas elogiosas y récords de taquilla, pero desde 2020 con Onward (y luego el posterior estreno directo en la plataforma Disney Plus de Soul, Luca y Red debido a la pandemia del Coronavirus), el entusiasmo crítico ha bajado y el público ya no responde como antes.

Más allá de la calidad por separado de cada uno de los títulos citados, aún siendo evidente que ya no rozan la excelencia como antes, las cosas no mejoraron tras volver a estrenarse sus películas en cines, ya que Lightyear (que no alcanzó las expectativas que tenían en ella) y Elemental (a la que también le costó llegar a unos resultados como mínimo correctos en cuanto a taquilla) no pasaron de ser unos meros entretenimientos, sin la grandeza previa. 

La cosa parecía que había remontado con Del revés 2, que logró unas mejores críticas y recaudación que los títulos previos, pero siendo una secuela (lo cual le resta el aliciente de lo original). Pero este 2025 con Elio han tenido los peores resultados en taquilla de ningún estreno ya desde su mismo inicio, logrando apenas 20 millones de dólares en su llegada a la cartelera americana.

Contando que ha tenido una campaña de marketing bastante pobre (al igual que la propia Disney ha hecho este mismo año con su remake de Blancanieves), la sensación que deja es la misma que con el film con Rachel Zegler y Gal Gadot: vamos a estrenar lo que al final nos ha quedado y que sea lo que Dios quiera. En este caso parece ser que media un abismo entre lo que en origen era esta película y lo que al final ha acabado siendo, por políticas internas de la propia Pixar que han desposeído a Elio de sus referencias más progresistas e inclusivas, hasta dejarlo en un simple producto complaciente y conservador.

De todas maneras, y siendo puntilloso, si uno le quiere "buscar los tres pies al gato" se podría entender el Comuniverso (esa especie de Naciones Unidas galácticas) como una metáfora del mundo LGTBIQ+, en el que todo es color, diversidad y aceptación, seas como seas. Por su parte la raza alienígena hostil se podría interpretar como los homofóbicos, ya que para ellos no hay lugar para nada salvo lo que ellos creen lo correcto, y el personaje de Glordon puede interpretarse como un miembro tolerante de su especie (¿se podría considerar LGTBIQ+?), pero que esconde sus sentimientos a su progenitor para no decepcionarlo. El final, sin spoilers, vendría a representar la aceptación de la diversidad. 

Son detalles que podían prevalecer de la versión original de Adrian Molina, el primer director que tuvo esta película y que la abandonó por diferencias entre lo que él pensaba y lo que los directivos de Pixar querían. Su visión del personaje de Elio incluía un alma más latina, su pasión por la moda (de lo que queda tan solo esa capa que lleva más que nada porque sí), la defensa del medio ambiente y el póster de su ¿ídolo/crush? en su habitación. Pero todo eso se ha diluido por temor de Pixar a una recepción tan furibunda como la escueta escena (a lo sumo 1 segundo) del beso entre dos mujeres visto en Lightyear, y que exacerbó los ánimos de los beligerantes y ¿justificó? su relativo fiasco en la taquilla.

El resultado final no es malo, pero tampoco podríamos encumbrarlo como otros clásicos de Pixar. Vendría a resumirse en un protagonista que no consigue encajar con nadie, creyendo que si hay vida más allá de nuestro planeta, quizás los alienígenas sí lo acepten. Cual será su sorpresa cuando descubra al Comuniverso, una utopía alienígena fascinante en su apartado visual (ahí Pixar sigue asombrosa), pero en la que no se ahonda lo suficiente. Después vendrá una trama correcta y más o menos entretenida en la que digamos que confluyen diferentes conceptos argumentales (empatía, duelo, familia, el hecho de ser diferente y la inmensidad del cosmos) que no llegan a la altura visual de esta propuesta

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de julio de 2025.
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miércoles, 9 de julio de 2025

SUPERMAN (2025) de James Gunn, puro cómic de superhéroes aunque intentando abarcar más de lo que puede (crítica sin spoilers)

Superman, el superhéroe primordial, vuelve a surcar los cielos en la nueva película de James Gunn, con la que se abre en cines (porque en televisión ya lo ha hecho con la serie de animación Comando Monster (Creature Commandos)) el nuevo universo DC que sustituirá al que se cerro en 2023 con la secuela de Aquaman, y que había empezado una década antes con El hombre de acero de Zack Snyder.

Justo fue su responsable el que podríamos decir que "modeló" todo aquel universo DC (fue encargado de títulos con los que había tantas expectativas como Batman v Superman y Liga de la Justicia, luego rehecha por él), pero sus altibajos en recepción de crítica y público (más bajos que altos) llevaron a un reinicio. Por eso queda atrás el Superman de Henry Cavill, y toma su manto David Corenswet. 

Difícil reto, porque en el recuerdo de muchos sigue estando Christopher Reeve, que lo interpretó en cuatro películas. De hecho su esencia se marcó tanto en el imaginario colectivo que cuando volvió a las pantallas de cine en 2006, lo hizo en un film muy deudor de los previos. Al no llegar a los resultados de taquilla esperados, el kryptoniano no volvió a los cines hasta 2013, en la antes citada El hombre de acero.

Ahora llega este Superman de James Gunn, que ya había demostrado su solvencia con los superhéroes tanto de Marvel (trilogía Guardianes de la galaxia) como DC (El escuadrón suícida), pero que en este caso tiene mayor presión que en los ejemplos citados. Como guionista, productor y director (de esta película) y ejecutivo de DC Studios tiene que conseguir un film rentable, y al mismo tiempo que sirva de trampolín para lo que está por venir, por lo que muchos lo mirarán con lupa. En mi caso tengo que decir que estamos ante una buena película para dichos objetivos... pero con matices.

En su momento este personaje fue el primero de los muchos superhéroes que fueron naciendo poco a poco a medida que pasaban las décadas, por lo que causó sensación al no haber aún nada con lo que compararlo. Incluso cuando en 1978 Richard Donner dirigió su emblemática aportación al mito, tampoco había mucho (de calidad) con lo que compararlo. Pero los tiempos han cambiado, llevamos décadas con superhéroes de todo tipo y condición que han poblado las pantallas de cine y televisión, y lo que en origen era algo asombroso, se ha vuelto usual. Es por ello que las épicas batallas y escenas de acción que se ven aquí no dejan de tener la estética adecuada para lo que son, pero sin la novedad de antaño.

Justo para no caer en esa "fatiga de superhéroes" con la que achacan el exceso de producciones con ellos que ha habido en las últimas décadas, se ha decidido que esta no fuera una película "de origen" (para así no volver a insistir en terrenos ya mostrados de forma previa). Ahí radica desde su mismo inicio la que creo que es mayor virtud de este film, porque cuando se afirma que llevan 300 años viviendo con nosotros metahumanos, ofrece un pasado bastante amplio y un futuro por determinar, en un lienzo en el que James Gunn ha puesto la primera pincelada, y cierto cameo en su tramo final hace un guiño a cierta producción ahora en rodaje, y cuyo estreno está previsto para el próximo verano.

La norma establecida de las escenas tras los créditos se refleja en este caso con dos aportaciones intrascendentes, uno en medio y otra al final, por lo que ese cameo que cito en su último tramo sería lo único que se anticipa de lo que está por llegar. Pero volviendo a la base, este film nos presenta una Metrópolis digna de  los cómics, donde cualquier problema metahumano es tónica usual, hasta el punto de que Gunn se nota que ha disfrutado tanto poniéndolo en imágenes que ha pecado de querer abarcar mucho, pero dejando al espectador con ganas de más al no poder desarrollarse todo en sus (por otra parte) intensos 129 minutos de metraje. Hay quien verá en eso no un hándicap sino una virtud... 

El reparto tengo que admitir que resulta bastante acertado en cuanto a su trío protagonista: David Corenswet cumple bastante bien en la dicotomía entre Superman y Clark Kent (si bien este último apenas es esbozado), Rachel Brosnahan encarna a una Lois Lane que bien podría ser heredera del personaje tal como lo perfiló en su momento Margot Kidder. Pero el que sin duda destaca es un magnífico Nicholas Hoult como Lex Luthor, dando vida a un maníaco millonario envidioso de Superman, que intentará por todos los medios desacreditarlo y combatirlo (de hecho la película comienza con la primera derrota del kryptoniano a manos de un personaje manipulado por Luthor).

Pero el problema, como he indicado, radica en tener demasiados personajes en el tablero, siendo imposible darles tiempo a todos: del Daily Planet por ejemplo se queda uno con ganas de ahondar más en ese Jimmy Olsen que aquí presentan como un ligón empedernido, otro tanto se puede decir de los superhéroes que ayudan a Superman (Mr.Terrific, Hawkgirl y el Linterna Verde Guy Gardner), el matrimonio Kent apenas tiene una presencia testimonial, así como Jor-El y su esposa, etc. No es que ninguno sobre (aunque Kripto es un poco rebelde, si bien al final se explica ya que la persona que era responsable de él también es un tanto díscola), pero sabe a tan poco que te dejan con ganas de más.

En conclusión el Superman de James Gunn es una buena aportación a la mitología del personaje, acercándolo más a la imagen de él que hay en el imaginario colectivo (muy ligada a la esencia que dejó Christopher Reeve, bastante presente en este film), y alejándolo del aspecto sombrío de su predecesor (encarnado por Henry Cavill). Incluso hay una subtrama relacionada con dos países ficticios, en los que uno ha intentando invadir a otro, que tiene claras resonancias de nuestra actualidad (con el acierto de cuestionar porque se inmiscuye Superman). Digamos que Gunn sabe ser respetuoso con el legado del pasado, pero planteando ideas atractivas y un futuro que habrá que ver que nos ofrece.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de julio de 2025.
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viernes, 4 de julio de 2025

DEVUÉLVEMELA, ¿cómo procesas la muerte? (crítica sin spoilers)

Devuélvemela (Bring her back) es la segunda película de los directores Danny y Michael Philippou, un dúo de hermanos que hace dos años ya sorprendieron con Háblame. Si en aquella demostraban una mano inmejorable para meterse en el género del terror, pero sin tirar (mucho) de estereotipos, había muchas expectativas ante su nueva película. 

Englobada de nuevo en el terror, más bien la clasificaría como un film inquietante con toques de tristeza, ya que en el fondo tampoco se explica bien a las claras que pretendía el personaje de Laura, dejando a juicio de cada espectador (con las perturbadoras imágenes que muestra y/o insinúa) para que cada cual lo interprete a su manera.

Uno de los tránsitos por los que todos tenemos que pasar en esta vida es por el duelo: si se muere alguien más o menos cercano a ti, seguro que eso te afecta, y al igual que las opiniones, no hay dos duelos iguales. Hay gente que disimula, pero como dice el dicho "lleva la procesión por dentro", pero hay otros a los que les afecta de forma muy seria, lo que puede conllevar profundos traumas no siempre fáciles de superar. De eso iría esta Devuélvemela, ya que en mayor o menor medida todos sus personajes principales arrastran ese tipo de dolor.

Para que el resultado final funcione, es bastante importante un reparto muy concienciado, que no caiga en el tópico fácil dentro del terror de ser meros personajes esbozados para gritar, correr y/o morir. En este caso todos resultan un acierto, siendo de gran ayuda que sean rostros desconocidos para el gran público (con la única excepción de Sally Hawkins, que fue protagonista de La forma del agua de Guillermo del Toro), lo que hace sentir a los personajes más cercanos. Mención especial para Oliver, al que da vida el joven actor Jonah Wren Phillips: su mera presencia perturbadora y su enigmático mutismo le otorgan un aura inquietante, que se acrecienta a medida que avanza la historia

¿De que va Devuélvemela? Los protagonistas son los jóvenes Andy (Billy Barratt) y Piper (Sora Wong), dos hermanos que un día se quedan huérfanos al encontrar a su padre (Stephen Phillips) muerto en la ducha (elemento simbólico para hechos que vendrán después). Debido a una afección que tiene Piper en la vista, que le impide ver con claridad más allá de formas y colores, su hermano Andy se convierte en su protector, estableciéndose un fuerte vínculo entre ambos. Pero el citado Andy también tiene que gestionar su dolor, siendo para él quizás algo demasiado difícil de procesar. 

Forzado a ser adulto debido a las circunstancias, Andy planea hacerse cargo legal cuando cumpla los 18 de su hermana. Pero como aún le faltan unos meses para ello, ambos convencen a la trabajadora social Wendy (Sally-Anne Upton) para que Laura (Sally Hawkins) la madre de acogida dispuesta a quedarse solo con Piper, los acepte a los dos y así no romper su vínculo. Pero cuando llegan a su nueva casa se encuentran que allí también vive Oliver (Jonah Wren Phillips), un niño de apariencia y comportamientos extraños, siendo pronto evidente que hay algo raro en él

Si los dos hermanos arrastran el duelo por la muerte de su padre, pronto se nos desvela que Laura también tiene su drama: su hija Cathy (a la que se ve en flashbacks, encarnada por la joven Mischa Heywood) murió de forma trágica. Eso lleva a que paulatinamente vaya quedando claro que Laura quiere quedarse solo con Piper, poniendo en práctica un plan nunca desvelado del todo, pero cuyos indicios a lo largo de la película (como esas perturbadoras imágenes de rituales siniestros y sobrenaturales filmados en cintas VHS) hacen intuir que es algo bastante escabroso.

Lejos de fórmulas trilladas en el terror, que si aún funcionan es por usar elementos que ya se han demostrado solventes en infinidad de ocasiones, Devuélvemela es una película inquietante ya que en el fondo sabemos que algo malo va a pasar, pero sólo nos ofrecen paulatinos retazos de un misterio. Y aunque se puede intuir el "qué", nunca se desvela del todo el "cómo", siendo un miedo que proviene no de una amenaza exterior, sino de un alma rota por el dolor de la pérdida y la obsesiva búsqueda de un remedio, aunque sea antinatural, para revertir dicho sufrimiento.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de agosto de 2025.
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lunes, 30 de junio de 2025

JURASSIC WORLD: EL RENACER, séptima entrega entretenida que intenta un regreso a los orígenes (crítica sin spoilers)

Después de ver Jurassic World: El renacer admito que mis reticencias previas eran entendibles, pero Gareth Edwards (responsable de la correcta Rogue One, de la floja Godzilla de 2014 y de la recomendable The creator) ha realizado una entrega que ni está entre las mejores, tampoco entre las peores, pero que sin duda alguna es entretenida.

La franquicia jurásica empezó con fuerza en 1993 con la primera entrega de Steven Spielberg, que también se encargó de dirigir la segunda (siendo a partir de ahí productor de todas las películas posteriores, incluida esta). En 2001 Joe Johnston se encargó de Parque Jurásico 3, que fue la más corta (92 minutos, récord que sigue manteniendo) pero que provocó tal decepción que la saga estuvo parada 14 años.

En 2015 se estrenó Jurassic World, englobada dentro del mismo universo y continuación de la franquicia, si bien también se podría haber tildado de remake encubierto. El éxito llevó a Jurassic World: El reino caido, dirigida por el español Juan Antonio Bayona, y en donde se abrió a nuevos escenarios, ya que hasta el momento todo había acontecido en islas.

La última entrega (antes de la presente) llegó en 2022, pero aunque el resultado final fue entretenido, Jurassic World: Dominion falló a la hora de presentar a los dinosaurios expandidos por todo el mundo, como dejaba insinuar el film previo, para centrarse en la unión de los personajes de la primera trilogía con los generados por esa, en una trama que daba demasiadas vueltas (de ahí que fuera, por contra, la entrega más extensa de la saga jurásica, 146 minutos).

Uno pensaría que con la historia (más o menos) cerrada, la franquicia acabaría ahí, pero como "poderoso caballero es don dinero", apenas tres años después llega Jurassic World: El renacer, que sirve para presentar nuevos personajes (aunque algunos sean meros arquetipos, o ni eso). En una nueva trama con un macguffin con el que moverlos (el ADN de los tres dinosaurios de mayor tamaño puede facilitar un medicamento que ayudará a la humanidad), los dinosaurios vuelven a escenarios selváticos porque no se adaptan a otros parajes de nuestro planeta.

Admito que esa premisa me parecía un giro cobarde para no mostrar la convivencia real entre humanos y dinosaurios, pero planteado como resultado del cambio climático provocado por el ser humano, resulta coherente. Con la excusa argumental antes citada se reúnen un grupo de mercenarios, encabezado por los personajes de Scarlett Johansson (que cumple un sueño que tenía desde pequeña cuando vio las películas iniciales) y Mahershala Ali (que, a falta de ser el nuevo Blade de Marvel, tiene al menos aquí otra franquicia exitosa), a los que se unirá una familia que se metió donde no debía.

El destino les llevará hacia otra isla donde Ingen (la empresa de John Hammond, el filántropo que lo empezó todo, interpretado por Richard Atthenborough en las dos primeras películas de Spielberg), tenía el departamento de I+D, en el que mezclaba alegremente los ADNs para crear dinosaurios cuanto más espectaculares mejor, aunque eso dio pie a aberraciones (de las que en esta franquicia ya ha habido varias) como el D-Rex, cuyo aspecto es una mezcla entre el T-Rex y el Alien de H.R.Giger, siendo la bestia más peligrosa de la presente entrega.  

El guion de David Koepp (que vuelve a la franquicia después de haberse encargado de los libretos de las dos entregas iniciales dirigidas por Steven Spielberg) recupera una escena ya presente en la novela original, pero que no se llevó a cabo. Aquí se realiza con esa familia que se metió donde no debía, huyendo en canoa por un rio de un feroz T-Rex, si bien el problema está en lo poco que importan los personajes, más allá de ser un momento tenso bien resuelto.

Si por algo se caracteriza esta Jurassic World: El renacer es sin duda por desprender nostalgia del Spielberg inicial (no sólo de las dos primeras películas jurásicas, sino también con guiños a Tiburón e Indiana Jones), a lo que añadir lo antes citado de Alien u otros clásicos como King Kong, sumado a referencias a Ray Harryhausen y en esencia a ese cine de aventuras de antaño, sólo que realizado con los medios actuales (180 millones de presupuesto ha costado este film, los cuales lucen en pantalla).

Su mayor hándicap estaría en algo ya habitual en esta franquicia: personajes endebles y poco desarrollados, lo que lleva a la total indiferencia del espectador cuando alguno de ellos desaparece (en la escena de la playa, por ejemplo, tuve que recapacitar unos segundos para caer en la cuenta de quién era la víctima del dinosaurio de turno). Y algo reiterativo: un villano codicioso por el que apostar cuanto tardará en morir.

Otro clásico presente en todas las entregas de esta franquicia es incluir personajes infantiles, en este caso una niña en el grupo familiar antes mencionado, que al menos no resulta tan repelente como otros críos de entregas previas (muchas veces me pregunto que tal hubiera estado la saga jurásica en manos de un director como James Cameron, que en su momento fue candidato para dirigir el film inaugural, y se hubiera decantado por un tono más adulto).

En resumen estamos ante una historia de supervivencia extrema (como ha sido tónica más o menos habitual en esta saga) con altas dosis de acción, en un entretenido guion orquestado en varios actos, pero que se muestra tan deudor del pasado como dejando la incógnita de por donde puede derivar en el futuro, en el que los dinosaurios vuelven a ser las estrellas principales y los personajes son mera hipotética carnaza para ellos... salvo los protagonistas. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de julio de 2025.
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jueves, 26 de junio de 2025

M3GAN 2.0, una secuela desvergonzada y disparatada (sin spoilers)

Después de ver M3gan 2.0, una secuela la mar de disparatada y desvergonzada, queda claro que el mensaje subyacente que ya impregnaba la primera entrega continúa presente (¡cuidado con la inteligencia artificial, que no sea autoconsciente por los peligros que pueda acarrear!), pero cualquier leve atisbo de continuación genérica enseguida se diluye.
 
Ya de por si la película previa no es que fuera muy innovadora que digamos: con una propuesta que podía recordar a la de Muñeco diabólico (sobre todo a la del fallido remake de 2019), con ciertas gotas de otra muñeca diabólica como es Annabelle, de la saga homónima (no en vano su creador, James Wan, fue productor tanto del anterior film como de éste) al final venía a ofrecer una mezcla satírica con humor negro digna de Black Mirror, sumando la moraleja antes citada.
 
La película inicial fue bastante rentable (con un presupuesto de apenas 12 millones de dólares recaudó en cines 180), por lo que una secuela era previsible, aunque no lo era tanto ver el giro radical que le dan a esta continuación. Quien espere que siga siendo una película de terror más vale que espere sentado: aunque vuelve a insistir en el mismo mensaje de precaución ante el auge de las inteligencias artificiales, el esquema ya no es de Muñeco diabólico sino que es...¡Terminator 2!
 
La historia nos devuelve a Gemma (de nuevo a cargo de Alison Williams), que tras su traumática experiencia con M3gan de la primera película, es una firme defensora de que la inteligencia artificial tenga supervisión gubernamental, y cuantos más controles y regulaciones oficiales mejor, para intentar contrarrestar su aplicación desenfrenada y maliciosa. A su cargo sigue estando su sobrina Cady (Violet McGraw), una adolescente cuestionada pero bastante hábil en programación. Pero la tecnología usada para crear a M3gan es robada y usada para concebir un arma secreta, una espía androide llamada Amelia (interpretada con robótica expresividad por Ivanna Sakhno).
 
Cuando la misma toma conciencia de sí misma (y no pasa mucho rato, la verdad sea dicha) se convierte en un peligro potencial, por lo que las autoridades obligan a que Gemma resucite a M3gan (aunque sería más bien a volver a dotarla de cuerpo, porque ya la primera entrega dejaba claro que se había quedado subyacente dentro de la tecnología de la casa donde viven la protagonista y su sobrina). Y ahí está la más que evidente similitud con Terminator 2: una robot en inicio villana y ahora héroe a su pesar, contra una robot todavía peor, en una trama con trazas de Misión imposible para intentar compensar la evidente falta de sorpresa que toda secuela lleva aparejada. 
 
La total ausencia de terror en M3gan 2.0 puede jugar en su contra, decepcionando a los que vayan a buscar eso, pero si se entra en su desvergonzada propuesta (con un guion autoconsciente de que es un total disparate, lo cual se hace bastante evidente en su tramo final), el espectador puede pasar un rato más o menos entretenido. De todas maneras el hecho de aumentar su metraje respecto a la cinta previa (de 102 a 119 minutos) no la hace mejor sino más redundante respecto a la moraleja que ya dejó clara la primera entrega: cuidado con las inteligencias artificiales. Es por ello que, sin nada nuevo que contar, opta por un volantazo en su esquema argumental que puede no ser del agrado de todos.
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de junio de 2025.
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martes, 10 de junio de 2025

CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN (2025), crítica sin spoilers

Con esta nueva Cómo entrenar a tu dragón está claro que Universal (la distribuidora) y Dreamworks SKG (la productora) intentan hacer una jugada similar a la que está llevando a cabo Disney desde hace más de una década: realizar la versión en acción real de un film de animación más o menos añorado por el público. 
 
La lista de los intentos de Disney es extensa, y este mismo año 2025 tiene para todos los gustos: por un lado el descalabro en taquilla de Blancanieves, y por otro el gran éxito de Lilo y Stitch, por lo que los arriba citados pensaron que podían arriesgarse y ver qué tal les salía la jugada. También es cierto que muchas de esas nuevas versiones han perdido el encanto de la animación, y sólo en muy contados casos el resultado ha sido como mínimo entretenido.
 
Curiosamente tengo que admitir que la película original no la vi en su momento de estreno en cines, sino cuando se emitió en televisión. En aquella época Dreamworks intentaba por todos los medios competir en el campo de la animación con Pixar, pero esta última le llevaba amplia ventaja, con guiones más elaborados que intentaban llegar a un mayor espectro de público, por lo que consideré que no tenía prisa por ella. Cuando por fin vi la película me di cuenta de mi error, ya que con Cómo entrenar a tu dragón demostraron no sólo un buen apartado técnico en cuanto a animación, sino también emocional.
 
El éxito propició la expansión de la franquicia, que dio para dos secuelas (que sí he visto), cuatro cortos (que no he visto) y dos series de televisión con más de 100 episodios (del que alguna vez he visto un rato alguno haciendo zapping). Ahora le toca a este remake en acción real, que llega apenas 15 años después del estreno del film original, lo que llevó a muchos a preguntarse la necesidad de ello (más allá del extra de ingresos por mantener viva una franquicia de éxito contrastado). Pero volviendo a la antes citada Disney, ellos estrenarán para 2026 (está ahora mismo en rodaje) el remake en acción real de Vaina, apenas 10 años después del estreno de la película de animación original... 
 
En el caso de aceptar, por tanto, que hay un amplio sector del público que prefiere ir a lo conocido que arriesgarse con algo nuevo (de ahí el éxito más o menos asegurado que tienen productos como este, o secuelas de títulos que han demostrado un buen rendimiento económico), habría que valorar de forma positiva este film. Esta nueva Cómo entrenar a tu dragón sabe que la película original funcionaba la mar de bien, y lo único que ofrece es una traslación a formato "físico" (siempre entre comillas teniendo en cuenta el CGI que requieren proyectos así) de todo ello.
 
También es una evidente ventaja confiar en el responsable de la original (Dean DeBlois), que asume las funciones con cariño y (quizás demasiado) respeto hacia el material de origen, eludiendo riesgos. Eso ayuda, ya que se han estrenado muchos productos de este estilo, auspiciados desde una mesa de accionistas más preocupados por exprimir la nostalgia del público, que por ofrecer algo que tenga cierta consistencia. Tampoco afirmo que este remake fuera necesario (que no lo es), pero al menos se puede ver sin sentir que desvirtúan algo a lo que le tenías cierto cariño
 
Un detalle que en este tipo de traspasos suele ser delicado es el reparto, pero tengo que admitir que la elección de Mason Thames como Hipo y Nico Parker como Astrid ha sido sin duda todo un acierto (más allá de que ella haya tenido que sortear las quejas de los que buscan la exacta literalidad). Por su parte el que repite es Gerard Butler, que puso su voz al Estoico de animación (el padre del protagonista Hipo), y que aquí lo interpreta de forma adecuada. Otro nombre conocido del elenco es el de Nick Frost, como Gobber el Eructo (en animación con la voz de Craig Ferguson). 
 
En líneas generales es justo admitir que se ha logrado un reparto bastante funcional para esta traslación de un formato a otro. También destacan los espectaculares paisajes de Irlanda del Norte donde se ha recreado la Isla Mema en los que acontece la historia, que les puede servir para promocionarla como parte de las nuevas atracciones del Parque Temático de la Universal en Orlando. En resumen, dentro de este innecesario subgénero de remakes en acción real de films animados, al menos esta Cómo entrenar a tu dragón es de las que logra convencer y entretener
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de junio de 2025.
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viernes, 6 de junio de 2025

PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS, un sangriento complemento

Esta Predator: Asesino de asesinos es claro resultado del éxito que tuvo la entrega previa (Predator: La presa) cuando se estrenó en el verano de 2022 en Disney Plus por la poca confianza que tenían en ella... para luego convencer en líneas generales a público y crítica. A sus espaldas tenía una franquicia que comenzó en 1987 con la película Depredador dirigida por John McTiernam y con Arnold Schwarzenegger de protagonista, a la que siguió una secuela que no tuvo tanta suerte, dejando en letargo futuras entregas.
 
Tras varios años detenida, a alguien se le ocurrió la brillante idea de realizar un crossover con Alien (de la saga homónima) para intentar repetir el éxito que dichos combates habían tenido en las viñetas. Digamos que habrá quien defienda las dos películas (2004 y 2007) de Alien vs.Predator... pero no seré yo uno de ellos.
 
Con la criatura de nuevo en solitario, se probó suerte en 2010 con Predators y en 2018 con Predator, pero ninguna logró cubrir lo que se esperaba de ellas (y de ahí que la película de 2022 antes citada no levantara interés inicial para su estreno en salas de cine, yendo directo a la plataforma Disney Plus). Eso cambió con su inesperado éxito, por lo que este 2025 habrá dos películas de Predator, primero esta de animación con estreno en plataforma, y en noviembre la de acción real Predator: Badlands, que llegará a los cines.
 
En el caso del presente film estamos ante un relato episódico, que en inicio parecen ser independientes entre sí, pero que confluyen en su tramo final. Las historias, localizadas en diferentes periodos históricos, se centran en una guerrera vikinga, un ninja del Japón feudal y un soldado norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. Tengo que admitir que me llamó la atención el tramo japonés, ya que viene a ser una sucesión de acción sin apenas ningún diálogo, pero mostrándose efectiva en lo que quiere narrar. De todas maneras el estilo de animación no me ha resultado del todo convincente, aunque deviene funcional, que en última instancia es lo que interesa.
 
Habrá quien pueda tener prejuicios hacia el hecho de que un film así se estrene en Disney Plus, siendo una plataforma más asociada (en general) al entretenimiento infantil, pero en ese sentido tengo que admitir que cumple con la esencia de la franquicia. Con eso me vengo a referir a que casi desde el inicio todo es una brutal orgía sangrienta de violencia desenfrenada, destacando de forma especial en el primer tramo con los vikingos. Y para no hacer repetitivos los tres segmentos que conforman esta película, antes de la confluencia final, el tercero de ellos sería un combate aéreo, siendo relativa novedad porque hasta ahora los más espectaculares en esta franquicia han sido cuerpo a cuerpo.
 
El problema de Predator: Asesino de asesinos es su condición de mero complemento co-dirigido por Dan Trachtenberg, responsable tanto de la previa La Presa como de la próxima Badlands, que aquí comparte dicha función con Joss Wassung. Es como si en una tormenta de ideas sobre posibles secuelas para el film de 2022 hubieran elegido estas tres opciones, limitándose a engarzarlas para darles una cierta coherencia, aprovechando la animación para así realizar un film de presupuesto más contenido (en esta época en que en Hollywood el exceso de gasto hace difícil la rentabilidad de ciertas películas). El resultado cumple con la esencia de la criatura, pero (al menos a mi) me sabe a poco.
 
Su función de mera bisagra entre lo estrenado y lo que está por llegar (o como mínimo valoran) se encuentra cuando al final se ven una serie de cámaras criogénicas en la que los más avezados han creído ver cierta criatura con la que pueden volver a cruzarse, así como detalles que van desde la misma película inaugural de 1987 hasta la más reciente, siendo en el caso de esta última la referencia bastante evidente. Con lo visto en Predator: Asesino de asesinos cabe la suposición de que los yautja (la especie a la que pertenecen estas criaturas) reúnan a los mejores y más avezados guerreros de diferentes épocas y lugares con objeto de... lo que se les ocurra de aquí a futuras entregas.  
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 6 de junio de 2025.
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martes, 20 de mayo de 2025

MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA FINAL, crítica sin spoilers

Antes de ser la franquicia en la que se ha convertido a lo largo de casi tres décadas, Misión Imposible fue la adaptación de una serie televisiva de los años 60, que se sumaba a la moda imperante en la década de los 90 de adaptar en películas antiguas series de televisión (otros ejemplos podrían ser El fugitivo en 1993, Los Picapiedra en 1994, El santo en 1997 o Perdidos en el espacio en 1998, por citar unos pocos).
 
Su máximo impulsor fue Tom Cruise, cuya intención era que cada nueva entrega estuviera firmada por un director diferente, para que cada uno dejara su sello personal. Eso se cumplió las cuatro primeras (a cargo de, respectivamente, Brian de Palma, John Woo, J.J.Abrams y Brad Bird), porque a partir de la quinta el citado Cruise descubrió a Christopher McQuarrie, que le convenció de tal forma que se quedó como director de las cuatro entregas siguientes, incluida esta octava y (al menos eso parece) última, casi 30 años después del comienzo.
 
La calidad de la franquicia a lo largo de ocho películas ha sido variable, pero casi siempre destacable, siendo el mayor atractivo de sus entregas más recientes la voluntad de su protagonista para realizar en persona la gran mayoría de las espectaculares escenas de riesgo y acción con las que sorprenden al espectador. Pero tras el varapalo en taquilla de la entrega precedente, que no logró ser todo lo rentable que pretendían (recaudó "sólo" 172 millones de dólares en el mercado norteamericano y casi 400 millones de dólares en el internacional, con un presupuesto de 291 millones de dólares, ya que fue fagocitada una semana después de su estreno por el apabullante éxito de Barbie y Oppenheimer), llevó a que esta octava entrega no tuviese de título el predecible, a tenor del capítulo previo, Sentencia mortal (parte 2) si no Sentencia final
 
Con este octavo film la franquicia consigue el récord de entrega con mayor metraje: si ya la anterior fueron 156 minutos, en esta se sube la apuesta hasta los 169 (es decir, casi tres horas) que sin duda alguna entretienen, pero que se notan algo excesivas no solo para lo que tiene que contar (sus escenas de acción más hiperbólicas serían dos, una situada en un submarino y otra en el avión que se ha visto en trailers previos y en el propio póster), sino sobretodo por el hecho de que la película previa y esta se supone que engloban una única historia, y para lo que cuenta sobraba tiempo de forma bastante evidente. Cierto es, como ha afirmado la crítica que la vio de estreno mundial hace unos días en el Festival de Cannes, que estamos ante la entrega más grandilocuente, pero eso no siempre juega a su favor, ya que esta franquicia si por algo se han caracterizado es por su tradicional ligereza, bastante más diluida en esta octava entrega. 

El evidente hecho de plantear esta película como un ¿cierre? (otra cosa es que se cumpla, ya que Hollywood casi nunca da sus franquicias por finiquitadas) es un tono nostálgico, en el que se recuerdan momentos de las siete películas anteriores, dándole si acaso un pelín más de trascendencia a la primera y la tercera, pero que en sí sólo sirve para honrar los ratos de diversión (sin duda alguna muy dignos) que hemos tenido con las películas de Misión imposible a lo largo de casi tres décadas. Para algunos puede ser un gesto autocomplaciente por parte de su protagonista principal, que tampoco duda en mostrar su cuerpo casi desnudo en algunos momentos, pero sirven para marcar tanto los éxitos de su Ethan Hunt (que en este film ya alcanzarían el estatus de mesiánico) como la continuidad de la franquicia, que se hizo mucho más evidente desde el momento en que McQuarrie tomó las riendas en la quinta entrega.
 
El problema quizás radique, como he dicho, en una premisa argumental que no daba para dilatar tanto su metraje: se continúa con lo planteado en el film precedente, por lo que encontramos al protagonista y sus amigos y/o colaboradores luchando contra la Entidad, una misteriosa Inteligencia Artificial que está a solo un escalón de ser como la Skynet de la saga Terminator, luchando además nuestros héroes contra un villano que aspira a controlarla. Con un desarrollo y un ritmo bastante fluidos (aunque algunos momentos quizás muy discursivos) me llamó la atención que recurriera a un tramo final intenso pero en esquema como el de la sexta entrega. Con esto me vengo a referir a dilatar el tiempo mucho más de lo humanamente concebible, lo que lleva a rozar los límites de la suspensión de la incredulidad del espectador, aunque son meros detalles en lo que se resuelve como un digno ¿cierre? a tres décadas de diversión.
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de mayo de 2025.
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viernes, 16 de mayo de 2025

DESTINO FINAL: LAZOS DE SANGRE, la lotería de la muerte (sin spoilers)

La saga Destino final nació en origen como premisa para un episodio de la serie Expediente X, que al final fue el film inicial de 2000. A él le siguieron cuatro secuelas, pero en mi caso tan sólo he visto en cines la cuarta y la quinta. Tras un descanso de 14 años llega ahora esta sexta entrega, con espíritu de reboot, y que tiene por subtítulo el muy acertado Lazos de sangre, ya que el origen está en el pasado de la abuela de la protagonista, afectando al presente.
 
La premisa de esta franquicia siempre ha sido la básica de un slasher, con la particularidad de que aquí no se intenta escapar de un asesino en serie, si no de la misma muerte, que considera que te salvaste de forma injusta de una tragedia donde tenías que haber muerto. Eso se debe a que en todas las entregas hay un personaje que tiene una premonición sobre lo que va a ocurrir, logrando salvar in-extremis a todos aquellos que le presten atención. Pero la muerte, sibilina como ella sola, ni perdona ni olvida, persiguiéndolos y acabando con ellos de las formas más despiadadas y salvajes posibles (lo que también ha sido uno de los morbosos incentivos de esta saga).
 
En estos tiempos en que tenemos nuevas entregas de (por ejemplo) Scream, Halloween o Sé lo que hicisteis el último verano, resulta lógico que tarde o temprano se recurriera de nuevo a Destino final, aunque la quinta entrega concluyera cerrando el círculo (mortal) y enlazando con la primera, en algo así como un ¿final definitivo? 

Y es que dicho colofón de Destino final 5, haciendo como un bucle entre todo lo visto en la (por entonces) pentalogía se transforma aquí, de forma sutil pero bastante acertada, en la justificación para sustentar tanto las entregas precedentes como las que estén por llegar: la tragedia inicial de esta película, ambientada en la década de los años sesenta, puede haber sido tanto el origen de aquellas como la justificación de esta y (por las décadas transcurridas) la de las hipotéticas entregas que estén por llegar. Eso se justificaría a tenor de saber por fin la trascendencia del personaje encarnado por el difunto actor Tony Todd (a su memoria está dedicada esta película), cuya presencia ha sido más o menos recurrente en esta franquicia, ya que el William John Bludworth al que da vida se le ha visto en las dos primeras, la quinta y la actual sexta entrega, donde por fin se aclara quien es.
 
Aunque en esquema se pueda decir que esta película reitera lo planteado en las previas, la novedad radicaría en que los personajes principales hasta ahora tenían una premonición del futuro, pero en este caso la universitaria Stephani Reyes lo que tiene es una funesta visión del pasado, en la que se ve envuelta su abuela Iris (con la que apenas ha tenido trato), y en donde asiste en primera persona a la tragedia de la inauguración de una impresionante torre SkyView a finales de la década de los 60. La duda que se presenta es que si la abuela en verdad sobrevivió (elemental, porque sino no tendría nieta), ¿que significa la pesadilla recurrente de la protagonista? Al investigar los motivos provocará que el ciclo mortal se recrudezca, y ahora corren peligro no sólo los que sobrevivieron, si no también sus propios descendientes (de ahí el citado Lazos de sangre), derivando a partir de ahí en la lotería de la muerte.
 
Con esa definición me vengo a referir al hecho de que sabiendo que cualquiera cosa puede ser mortal, los personajes van tomando conciencia, cada uno a su manera, de los peligros a los que se exponen, jugando además los responsables de esta película con la inquietud del espectador, que ve diferentes formas de morir, hasta que al final se revele quizás la más inesperada (a eso juegan también en el tráiler, donde se han dado por supuestas algunas muertes de manera determinada, pero que en la película sorprenden con otra distinta). Por lo demás se le puede achacar al desarrollo incongruencias y casualidades de todo tipo, pero el espectador de una película como esta sabe a lo que va, y lo obtiene de forma salvaje y brutal. Todo ello se mezcla con cierto toque de humor negro que le sienta bien al resultado final, pese a que en algunos momentos sea una violencia splastick que roza el cartoon (como ejemplo lo del piano).
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de mayo de 2025.
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martes, 29 de abril de 2025

THUNDERBOLTS*, entretenida y convincente (crítica sin spoilers)

No soy muy dado a los cómics grupales de superhéroes (sean de DC o Marvel), y si ya me cuesta para los más veteranos (Los Vengadores), imagínate para los Thunderbolts, de los que apenas habré leído algún cómic esporádico y nada más. Pero como no cuesta nada informarse de sus orígenes en las viñetas, digamos que su ficha en la wikipedia me dice que se trata de un grupo de superhéroes que sustituyó  a los Vengadores cuando estos no estaban disponibles, debido al evento Onslaught de 1996. Su primera aparición fue en el número 449 de El increible Hulk de fecha enero de 1997, por obra del guionista Kurt Busiek y del dibujante Mark Bagley.
 
Como todo grupo que se precie, a lo largo del tiempo su alineación ha ido cambiando, y si en origen eran los Maestros del Mal dirigidos por el Barón Zemo, por sus filas han pasado todo tipo de personajes como Ojo de Halcón, Norman Osborn, Bullseye o Veneno, por citar apenas unos ejemplos. Y es que por tónica general se ha nutrido de villanos y antihéroes, como los seleccionados para esta película: Yelena Belova (Florence Pugh), Bucky Barnes (Sebastian Stan), Guardián Rojo (David Harbour), John Walker (Wyatt Russell), Fantasma (Hannah John Karmen) y Taskmaster (Olga Kurylenko), si bien lo de uno de los mencionados no es que sea secundario, es que más bien sería anecdótico por lo poco que dura. Todos ellos trabajan para la Condesa Valentina Allegra de Fontaine (Julia Louis-Dreyfruss).
 
La película hace del personaje de Florence Pugh la protagonista principal, lo cual viene a demostrar otra vez la solvencia de esta actriz, sin que ningún otro miembro del reparto pueda opacarla. Su Yelena es un personaje fuerte, valiente y carismático, con contradicciones pero sin perder su humanidad, siendo el punto de cohesión del grupo. Casi desde el inicio se les suma un misterioso individuo llamado Bob (Lewis Pullman), que en verdad se trata de otro superhéroe creado por Paul Jenkins y Jae Lee, cuya dualidad mental los pondrá en serios apuros ya que, tras mostrar su cara más amable, las circunstancias harán que asome otra más tenebrosa. Esa doble personalidad, al estilo de Jekyll y Hyde, sirve de metáfora del resto de miembros, donde todos ellos arrastran traumas y dramas de diferente índole (algunos interesantes pero apenas esbozados), dando un tono más oscuro a esta nueva propuesta grupal del Universo Cinematográfico Marvel.

En un principio los personajes van por libre, pero al caer en una artimaña orquestada por la Condesa Valentina Allegra de Fontaine (quien ante un comité admite que ahora no existen los Vengadores), eso les llevará a unir fuerzas entre sí, pese a las discrepancias iniciales, cuando se dan cuenta de que todos tienen un objetivo común, ya que descubren un oscuro complot que les amenaza a ellos y al mundo. La película mezcla de forma adecuada la acción que uno esperaría de un producto así (sin abusar del CGI) con unos personajes disfuncionales perfilados de forma atractiva, evitando caer en el esquema de las dos entregas de Escuadrón Suicida de DC (sobretodo la primera), donde la unificación grupal era más aleatoria. Aquí se nota una mayor cohesión, cuidando a los personajes que lo integran (no en vano salvo Bob, que se estrena aquí, todos los demás han aparecido ya en otras películas y/o series de este universo).
 
Como el personaje de David Harbour actúa (de forma adecuada y sin hacerse cargante) como "alivio cómico" de este film, digamos que suya es la primera escena entre los títulos de crédito, que justifica ese póster promocional que parodiaba una caja de cereales para el desayuno. Tras dicho inserto cómico, la siguiente escena al final de todo nos lleva a una visión de unos meses en el futuro, donde debido a lo que sucede al final del film, hay sarcásticas discrepancias sobre el nuevo nombre que tiene que tener el grupo (pinta a que Thunderbolts era un preludio a lo que luego dicen, y de ahí el asterisco, siendo esto opinión personal mía), interrumpidas cuando aparece una nave de cierto popular cuarteto. En resumidas cuentas, digamos que este film es un destacable entretenimiento que mejora anteriores entregas de este universo, y aunque no acabe de resultar redondo, sin duda alguna sería convincente y eficaz.
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de abril de 2025.
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viernes, 25 de abril de 2025

UNTIL DAWN, elige tu propia muerte (crítica sin spoilers)

Hace poco ya cité que una película que no tenía en mi radar cinéfilo (La cita) la había visto gracias a lo mucho que me había llamado la atención su tráiler, y en el caso de esta Until dawn puedo admitir tres cuartos de lo mismo. Es una más en la larga lista de adaptaciones de videojuegos, pero eso para mí era un detalle secundario porque, como he indicado muchas veces, no es un entretenimiento que me fascine, aunque admito que he disfrutado en mayor o menor medida (hay gustos para todo) de las que he visto hasta el momento.
 
Until dawn es un film de terror basado en el videojuego homónimo que vio la luz hace una década (en 2015) para PlayStation 4. En lo que se refiere a adaptaciones de videojuegos de terror, un servidor la que tiene mejor catalogada es Silent Hill de 2006 (no así su lamentable secuela de 2012),seguida del primer Resident Evil de 2002, pero en el primer caso por su logrado diseño visual, y en el segundo porque era una cinta entretenida, y por entonces el subgénero zombi aún no se había vuelto reiterativo, como la propia franquicia evidenció en su sexta entrega.
 
Pero más allá de que esta película pueda recorrer terrenos conocidos en su vertiente de terror, lo que me llamó la atención fue su premisa de bucles temporales, lo que me abría un generoso abanico de interesantes posibilidades, además de introducir un ingrediente inesperado (al menos para mí) dentro de elementos genéricos más comunes. 

Una vez vista, en un pase de prensa matinal el mismo día de su estreno en cines (¡cada vez lo hacen más justos de tiempo!) tengo que admitir que me ha entretenido pero no me ha convencido tanto como esperaba. El motivo se debe a lo típico en el género del terror, y es el uso de elementos que a estas alturas ya se han visto hasta la saciedad. Es verdad que el juego de los bucles temporales les permite una cantidad de sustos que puede ser infinita, pero las características de dichos "retornos a la casilla de salida" no aprovechan las lógicas repeticiones que devienen de algo así. Las dos entregas, hasta la fecha, de Feliz día de tu muerte usaban el recurso del bucle temporal, mezclado con slasher y algo de humor, y la mezcla funcionaba, mientras que aquí se decantan por un esquema que puede recordar La cabaña en el bosque, sólo que allí había cierto tono satírico, que aquí brilla por su ausencia.
 
No quiero decir con eso que Until dawn no sea una película entretenida, dentro de lo que es su particular propuesta, pero por ejemplo se hace muy evidente la carencia de desarrollo en los personajes, lo que lleva a cierta insensibilización ante sus repetidas muertes. El reparto está compuesto por unos intérpretes que llevan a cabo su trabajo con la ley del mínimo esfuerzo, algo que se puede hacer extensible al personaje de Peter Stormare, el único conocido de un elenco poblado de jóvenes desconocidos. En cuanto a las pringosas muertes, hay que decir que la que sobreviene tras el encierro en el baño provocó risas en la sala, pero a mí me dejó bien claro que cualquier atisbo de terror en algo así iba a ser muy naif. Es una pena porque la atmósfera está bastante lograda, y se cortan poco con el salvajismo de algunas muertes, pero llegado al punto antes citado la cosa deriva más a cartoon descontrolado (en cuanto a la violencia) que a terror como tal.
 
El director sueco David F.Sandberg, de quien he visto las dos entregas de ¡Shazam! y la primera secuela de Annabelle (precuela del spin-off derivado de la franquicia Expediente Warren: The Conjuring) realiza en este caso un trabajo funcional, pero con semejante premisa uno se pregunta que hubiera sacado de aquí alguien como Sam Raimi, ya que en algunos detalles me recordó a su Arrástrame al infierno. Y es que aunque ciertos momentos puedan provocar la risa a algunos, más que nada por lo bestiales que son, se hubiera agradecido una mayor dosis de humor negro. En resumidas cuentas Until dawn no se que tal será como adaptación pero como película, aunque sea entretenida, peca de personajes en exceso planos y sin desarrollo, no ahondar más en los bucles temporales (en algunos momentos los personajes los aceptan con apatía), así como carente de más humor negro (sin tampoco llegar a ser comedia).
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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