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lunes, 23 de febrero de 2026

Encuesta electoral de la película TORRENTE PRESIDENTE

No soy muy dado a poner por mi blog material promocional de películas, ya que el mismo en muchas ocasiones es masivo, por lo que prefiero dejarlo para mis redes sociales en facebook y X (ex-twitter), pero hoy me ha llegado el que tenéis bajo estas líneas, correspondiente a la película Torrente Presidente, en la que se parodian las lógicas encuestas políticas que suelen proliferar en periodo electoral. 

La sexta entrega de esta franquicia iniciada por Santiago Segura se estrena el próximo 13 de marzo, y para sorpresa de muchos (teniendo en cuenta como Santiago Segura ha hecho promoción de otras películas suyas, saliendo literalmente por todas partes), de esta película no hay imágenes de ningún tipo (salvo alguna filtrada que ya hace intuir a quien no les gustará nada...), e incluso el tráiler no muestra nada, aunque la canción también sugiere por donde puede derivar.

ENCUESTA DE GAD3

ELECCIONES  13M

ESTRENO 13 DE MARZO


JOSÉ LUIS TORRENTE ES EL LÍDER MEJOR VALORADO ENTRE LA POBLACIÓN DE 18 A 29 AÑOS

TAMBIÉN LO ES POR LOS Y LAS Y LES VOTANTES QUE SE DEFINEN DE CENTRO


Madrid, 23F, 2026


Estimados/as/es ciudadanos/as/es,


Tenemos el placer de compartir con todos y todas y todes vosotros y vosotras y vosotres algunos de los resultados que arroja la encuesta elaborada por la prestigiosa consultora de investigación social, comunicación y análisis electoral, GAD3, de cara a las elecciones… ¡perdón!... al estreno de TORRENTE PRESIDENTE el próximo 13 de marzo.


Bajo los más absolutamente estrictos procedimientos demoscópicos, la encuesta de GAD3 concluye que, en el hipotético caso de que José Luis Torrente se presentara a unas elecciones generales como candidato…

sábado, 21 de febrero de 2026

AHORA ME VES 3, estirando más de la cuenta (crítica sin spoilers)

He visto Ahora me ves 3 en la misma tónica que las dos precedentes: si la primera entrega, estrenada en 2013, se convirtió en un inesperado éxito de taquilla, en mi caso al final la vi unas semanas más tarde. Con su secuela de 2016 me pasó lo mismo, y para no perder la tradición la tercera ha ido por el mismo camino. Cabe indicar que fue estrenada la pasada campaña navideña, donde sorprendió al conseguir arrebatarle el primer puesto de taquilla a The Running Man.
 
Aunque aquí en España, para que quedara claro, se continuó titulando igual más el número correspondiente, en esta ocasión se puede decir que "jugaron" un poco con su título original (Now you see me, now you don't) que se traduciría como "Ahora me ves, ahora no" pero que al final quedó por el más conciso y concreto de Ahora me ves 3. Al igual que pasó con las precedentes, ha sido más bien un éxito de taquilla a nivel internacional que en territorio americano.
 
En cuanto a las películas en sí, la primera tengo que admitir que resultó ingeniosa (más que nada por la novedad respecto a lo planteado), pero su secuela ya dejó evidente que se estaba intentando forzar demasiado la credibilidad del espectador. Esta tardía tercera, ya que además se estrenó casi una década después que la previa, ahonda aún más en esa sensación de que se está intentando sacar tajada de algo que ya no da más de sí, aunque en esta ocasión se presenta como una especie de "cambio generacional" que ya veremos de cara al futuro.
 
Lo que funcionó en origen era la química entre el cuarteto protagonista, sobretodo entre los personajes de Daniel Atlas (al que da vida Jesse Eisenberg) y Merrin McKinney (a cargo de Woody Harrelson), probablemente "heredada" de la que ya mostraron esos dos actores en la saga Zombieland. A ellos se añadian Henley Reeves (interpretado por Isla Fisher) y Jake Wilder (encarnado por Dave Franco), formando todos el equipo conocido como los Cuatro Jinetes. 
 
Pero como con ellos solos no había novedad suficiente (nótese la ironía...), se añaden al elenco el trío formado por Dominic Sessa, Ariana Greenblatt y Justice Smith, cuyos personajes son presentados algo así como un "relevo generacional" por si la franquicia se puede estirar más e hipotéticamente falla alguno de los intérpretes que llevan en ella desde el inicio. Hay también cameos de Morgan Freeman y uno "sorpresa" al final (que no es Michael Caine).
 
La trama comienza con los nuevos miembros haciéndose pasar por los Cuatro Jinetes, en su intento de repartir justicia en el mundo cual si fueran unos modernos Robin Hood, lo cual llama la atención de Daniel Atlas. Este se puede decir que los "recluta" de cara a una misión en la que se irán sumando el resto de miembros originales del grupo, y cuyo objetivo es una millonaria con secretos que esconder, a la que da vida la actriz Rosamund Pike.
 
En un principio con esos elementos se podría haber realizado una secuela solvente (y no negaré que esta no lo sea), pero el problema es un guion que se queda algo cojo a la hora de hilvanarlo todo para que tenga cierta coherencia. De todas maneras es innegable que este film de Ruben Fleischer está desarrollado de una forma tan ágil que uno se deja llevar por lo que le proponen, pero la suspensión de incredulidad la fuerzan en demasiados momentos. 
 
Entre lo más destacable de esta secuela están todos los decorados del interior de la mansión francesa donde hace su cameo Morgan Freeman, con diferentes estancias que juegan con la perspectiva y la inclinación, cual si se tratara de los diseños imposibles de M.C.Escher, para que de esa manera nada ni nadie sea lo que parece. Eso cuadra de una manera bastante acertada con el hecho de que en si la magia viene a ser el arte del engaño

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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lunes, 16 de febrero de 2026

GREENLAND 2, ¿y después del fin del mundo? (crítica sin spoilers)

Con esta Greenland 2 me he visto en una situación similar a la de Sisu: Camino a la venganza: las primeras entregas las vi en televisión, y el resultado fue lo bastante favorable para jugármela con sus secuelas. Ojo que al igual que la citada, tampoco es que las alabe a lo máximo, pero sin duda alguna son de esas películas que te sorprenden, por lo que lamentas no haberlas visto antes. Más allá de esa coincidencia ahora me centro en este film del género de catastrofes.
 
En esta secuela (que en su versión original adjunta el sucinto subtítulo de Migration) repiten Gerard Butler y Morena Baccarin a la cabeza del cartel, dando vida cada uno al matrimonio Garrity (John y Allison), que en la anterior entrega luchaban contra viento y marea para lograr sobrevivir ante la amenaza de un asteroide que iba a chocar contra el planeta Tierra y provocar una catástrofe mundial, más o menos al nivel de la extinción de los dinosaurios.
 
Si algo ha caracterizado el género catastrofista en las últimas décadas es por aprovechar los avances técnicos que se han dado en el campo de los efectos visuales, para poner en imágenes el apocalipsis de rigor con el mayor realismo posible. Pero por contra sus guiones han sido, ya desde su inicial época de esplendor, allá por la década de los 70, bastante rutinarios, decantándose por dramas humanos con el justo interés (o menos) para que el espectador no se aburriera, ya que muchas veces lo más interesante era el desastre en sí
 
Pero curiosamente en Greenland (aquella subtitulada El último refugio), aun cayendo en tópicos y clichés, lo que había era una historia y unos personajes verosímiles, decantándose el desarrollo por un drama familiar en el que uno podía sentir la escala humana ante la posibilidad del fin del mundo. Aunque también puede influir que cuando se estrenó, en septiembre de 2020, estábamos con la pandemia del Covid, que hacía ver la crisis mundial mucho más cercana.
 
Fuera por lo que fuera, al final la película se embolsó 52,3 millones de dólares sobre un presupuesto de 35, y eso sumado a la (más o menos) aceptable recepción crítica, llevó a que el presupuesto de esta secuela subiera hasta los 90 millones de dólares. Esa cifra se ha disparado quizás en exceso, y en el momento en que escribo esto no parece que lo vaya a lograr, ya que estrenada en mejores condiciones que la primera no lleva recaudado ni la mitad de lo que costó.
 
No diré que es una pena (no es que tampoco estemos hablando de nada que no vaya más allá del mero entretenimiento), pero supongo que ha tenido que lidiar con un cierto hartazgo por parte del respetable, que ya ha visto muchas catástrofes apocalípticas, y al que lo que se ve aquí no le va a pillar por sorpresa. De hecho algunos films del mismo género que se han estrenado estos últimos años (por ejemplo Moonfall) se toparon con una taquilla que los ignoró.
 
Ric Roman Waugh, responsable de las dos entregas de esta saga, se decanta aquí por un intenso viaje de supervivencia (la migración de su subtítulo original), ya que por hechos que se verán en el inicio, ahora sólo les queda una esperanza (podría decirse que "La vida se abre camino" como decían en Parque Jurásico) pero para llegar a ella tendrán que recorrer un largo periplo lleno de peligros y amenazas, que pondrá a prueba a los protagonistas.
 
Aún manteniendo el interés en sus 98 minutos contados (la anterior duraba 114), esta secuela peca quizás de un guion que parece sacado de un videojuego de supervivencia, en el que lo esencial es pasar al siguiente nivel como sea. También es previsible que no habrá secundario que destaque (cumplen lo que tienen que cumplir y punto), así como el final de uno de los miembros del trío principal, el cual es plasmado con connotaciones bíblicas. 
 
A su favor hay que alabar que siga el camino de la anterior entrega (aunque con menos acierto), anteponiendo lo más usual y mundano por encima de banderas patrióticas o discursos grandilocuentes (¡cuanto daño le ha hecho Roland Emmerich al género de catástrofes justo por abusos de ese estilo!). De todas maneras que la familia Garrity tenga la gran carambola de superar todo tipo de percances es un recurso que se antoja bastante forzado.   

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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domingo, 25 de enero de 2026

GUILLERMO DEL TORO: EL NIÑO QUE PACTÓ CON LOS MONSTRUOS / LITTLE BATMAN: MES UNO #1 / ¡QUE VIENE EL LOBO! (reseñas)

GUILLERMO DEL TORO: EL NIÑO QUE PACTÓ CON LOS MONSTRUOS

En el departamento infantil de la biblioteca lo usual es material para el que se puede afirmar que yo no sería su público potencial, lo cual es lógico y del todo comprensible. Pero mira tú por donde que el otro día asomo la cabeza para ver que había entre las novedades, y veo una biografía para los más pequeños del director Guillermo del Toro.

Admito que me sorprendió, porque aunque algunas veces si he visto en el apartado infantil biografías de personas ilustres, lo normal suele ser personajes históricos, en la mayoría de los casos que no están en activo o bien ya fallecidos. Como es natural no me lo dudé a la hora de cogerlo, y tengo que admitir que Sol Ruiz, la autora e ilustradora de esta obra (que lleva por título Guillermo del Toro: El niño que pactó con los monstruos) ofrece un hermoso cuento, en el cual se centra en la infancia del director, y en como su ingente fascinación por los monstruos ha sido clave para toda su filmografía.

Este libro ilustrado sirve para aproximar el universo del citado cineasta a las nuevas generaciones, mostrando como pasó de niño apocado por los monstruos a creador (justo gracias a ellos) de fantásticos universos en sus películas, que en el fondo la mayoría de veces no dejan de resaltar la belleza de lo diferente. En resumidas cuentas sería sin duda alguna un estupendo regalo para descubrir a las nuevas generaciones este director, al mismo tiempo que los más mayores podemos revisitar sus obras desde una nueva perspectiva

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

LITTLE BATMAN: MES UNO #1

En las navidades de 2023 la plataforma Amazon Prime estrenó la película de animación Feliz mini Bat-Navidad, un ligero entretenimiento cuya continuación sería el presente comic. En sí sería continuación directa, ya que nos encontramos como después de lo acontecido en aquel film el joven Damian Wayne está ansioso por volver a vivir una nueva aventura como Little Batman, haciéndose para él tremendamente cansina la rutina.

Pero más pronto que tarde la misma se rompe con el regreso del Espantapájaros y el hecho de que secuestre a Bruce Wayne, el padre de Damian. Eso será un duro varapalo para él, por lo que no dudará en investigar para intentar resolver el misterio, aunque a su alrededor las cosas no sean tan plácidas como hubiera pensado.

Con guion de Morgan Evans y dibujo de Jon Mikel (que sigue los parámetros estéticos vistos en la película citada antes, como por ejemplo el tener a un Bruce Wayne/Batman con barba), este cómic es un entretenimiento divertido que sigue la misma línea y estética del film del que parte. Su único hándicap es haber dividido en dos entregas esta historia (cuando podía haberse editado unificada), quedando yo ahora a la espera de que la segunda entrega (que se ha editado hace poco) esté disponible por las bibliotecas.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

¡QUE VIENE EL LOBO!

Era lógico que tras haber leído Las ovejas de Glennkill no tardaría mucho en dar buena cuenta de su secuela, a cargo de la misma autora (Leonie Swann) y que lleva por título ¡Que viene el lobo! Es justo dejar claro que hay que haber leído el anterior para entender el origen de lo que se plantea en este, por lo que puede haber ligeros spoilers.

Tras lo ocurrido en la anterior entrega Rebecca, la hija del pastor George Glenn, hereda y se hace cargo del rebaño de su progenitor, y decide irse de tierras irlandesas hasta los alrededores de un castillo en Francia. Pero pronto empezarán los problemas, con la aparición de un cadáver y un creciente rumor sobre un hombre-lobo que está acechando por la zona. Eso no amilanará al rebaño comandado por la inteligente Miss Maple, que intentarán descubrir el misterio, al mismo tiempo que con ello el extraño comportamiento humano es evaluado desde el punto de vista ovino.

¡Que viene el lobo! se convierte en una correcta secuela de Las ovejas de Glennkill, que repite las mismas virtudes que el libro precedente. Aún funcionando como thriller de misterio, realiza una sutil crítica hacia temas humanos más profundos. En líneas generales no defraudará a aquellos que pasaron un rato entretenido leyendo la novela precedente.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

viernes, 26 de diciembre de 2025

SISU: CAMINO A LA VENGANZA, crítica sin spoilers de esta salvajada

La primera entrega de Sisu me pasó totalmente desapercibida, supongo que en su momento si vi o leí algo no acabé de saber más o menos que era, y ni me molesté en descubrir más sobre ella. Pero cuando hace unas cuantas semanas la anunciaban en el canal de televisión Cuatro admito que me pareció un título llamativo, y decidí darle una oportunidad sobre todo por el hecho de ser un film finlandés y no norteamericano.
 
Y es que el cine de Hollywood es el que de forma usual copa las carteleras masivamente, por lo que un estreno de otro país es más o menos normal que pase desapercibido. Pero como dice el refrán "nunca es tarde si la dicha es buena", por lo que ese día en Cuatro me encontré toda una salvaje sorpresa, que además brillaba por su concisión: apenas 86 minutos, en una notable mezcla de cine bélico y de acción. 
 
La (sencilla) premisa de aquella película de 2022 era poner a un protagonista, parco en palabras pero muy hábil con cualquier cosa que pueda ser un arma, y enfrentar a ese hombre que ya es una leyenda local contra una horda de nazis que le quieren arrebatar su oro. Situada en 1944, cuando en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial los nazis se retiraban del norte de Finlandia, los que salen en dicho film se creen que pueden abusar y robar al protagonista. Craso error...
 
En una mezcla salvaje entre John Rambo y John Wick, con toques de humor negro que pueden recordar a los cartoons de Tex Avery, digamos que el resultado final hace honor a ese dicho popular de "no dejó a títere con cabeza", ya que el héroe protagonista, por mucho que lo machaquen (y lo hacen de lo lindo) siempre logra sacar fuerzas de flaqueza para levantarse e ir contra todo y contra todos cual si fuera una imparable fuerza de la naturaleza.
 
Siempre sin sobrevalorarla más allá de lo que es, con un presupuesto de 6 millones de euros que lucen la mar de bien en pantalla, el director Jalmari Helander consiguió un bestial entretenimiento. Por momentos incluso me llevó a recordar al Tarantino más violento y desatado, viéndose beneficiado también por un bastante acertado Jorma Tommila encarnando a un protagonista que lo único que quiere es que dejen de tocarle las narices.
 
Tres años después de aquel film llega esta secuela, en la que se sigue esa consigna de que tiene que ser más de lo mismo pero más a lo grande. Con un presupuesto de 12 millones de dólares (el doble que el anterior) que de nuevo son muy bien aprovechados a tenor de como luce en pantalla, desmelenándose en su tramo final en el tren. Repite la estructura por episodios del primer Sisu, aunque por su ritmo y concisión creo que es de nuevo innecesaria.
 
Si en la primera los malos eran los nazis, y el motivo era querer robarle lo que era suyo, en este film los villanos serían los soviéticos (mismo cambio de enemigo que tuvo la saga Indiana Jones de su tercera a su cuarta entrega) y las motivaciones serían más personales, ya que el villano al que encarna con mucha solvencia Stephen Lang (Quaritch en la saga Avatar) fue el responsable de la muerte de la familia del protagonista, por lo que ahora es personal...
 
Justo por la enérgica forma en el tratamiento de la violencia que le han visto a las dos entregas de Sisu,  a su responsable (Jalmari Helander) lo han elegido para dirigir la precuela John Rambo (no confundir con la cuarta entrega con el mismo título), donde después de cinco películas con Sylvester Stallone de protagonista, ahora habrá una sexta situada en los años jóvenes del personaje de Rambo, encarnado en esta ocasión por el actor Noah Centineo. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de noviembre de 2025.
  • Galería de posters por este enlace.

sábado, 20 de diciembre de 2025

AVATAR: FUEGO Y CENIZA, déjà vu en Pandora (crítica sin spoilers)

Con esta Avatar: Fuego y ceniza el director James Cameron completa su primera trilogía (aunque haya intervenido en otras, no había llegado a firmar las tres entregas iniciales como es el caso), aunque si la película triunfa, habrá una cuarta entrega en 2029 y una quinta en 2031. Los dos films previos ocupan el primer y el tercer puesto respectivamente de las cinco películas más taquilleras de la historia, entre las cuales el mismo Cameron sitúa a su Titanic de 1997.

El primer Avatar de 2009 demostró la destreza de su responsable, que siempre ha destacado por ser un director tremendamente visual, pero pecaba de un argumento que tampoco es que fuera la quintaesencia de la novedad, aunque la audacia visual compensaba sin problemas dicha carencia. Mostrando las posibilidades del formato 3D consiguió un gran espectáculo inmersivo que arrasó en taquilla.

Muchas veces se ha etiquetado a James Cameron de ser un director algo megalómano, por presentar siempre proyectos ambiciosos, que desbordan espectacularidad. No me quejaré de ello en cuanto a lo que ha aportado, por ejemplo, a las franquicias de Alien y Terminator (esta última iniciada por él), o su fantástica Titanic (antes citada). 

Pero cuando tras una espera de 13 años presentó Avatar: El sentido del agua, en esencia repetía la moraleja ecológica de su antecesora, con un excesivo metraje que superaba las tres horas, resultando una secuela abrumadora y hasta cierto punto pretenciosa.

Ahora no hemos tenido que esperar tanto como entre la primera y la segunda entrega, por lo que apenas tres años después de aquella llega Avatar: Fuego y ceniza, donde lo pretencioso de su responsable ya se hace evidente en un metraje igual de disparado, superando en tres minutos a la del film precedente (que ya de por sí era innecesariamente largo). Con un coste de 400 millones de dólares, necesita recaudar al menos lo mismo que las dos anteriores.

Es por ello, con la incertidumbre del actual panorama cinematográfico (que ha tenido un cambio tremendo, tras la crisis del Covid-19 y la entrada de las plataformas de streaming) que cabe la posibilidad de que se cancelen la cuarta y quinta entrega, por lo que esta tercera serviría de cierre (relativo). Aunque eso fuera así Cameron ha comentado la posibilidad de escribir un libro que cerrara hilos argumentales de algo que ha sido creación suya.

Es palpable, como toda franquicia de este estilo, que el final de esta tercera entrega deja dudas y detalles que dan para estirar esta saga todavía más, pero después de los casi 200 minutos de duración de Avatar: Fuego y ceniza uno se pregunta si es necesario volver a Pandora. Y es que este tercer film tiene exactamente las mismas virtudes y los mismos defectos de los que hacía gala su predecesora, fallando en su desarrollo pese a todo el tiempo que tiene.

Aunque visualmente sea un portento, y lleve todas esas técnicas que se han empleado para llevarla a cabo a límites aún más perfeccionistas, resulta decepcionante que la otra villana de la historia (aparte del Comandamente Miles Quaritch de Stephen Lang) sea una Na'vi llamada Varang interpretada por Oona Chaplin, nieta de un pionero en el mundo del cine como fue Charles Chaplin, y que esté apenas perfilada y pobremente desarrollada.

Después de todo tampoco vamos a pedir una labor actoral destacable porque nunca se ha caracterizado por eso esta saga, más allá del Stephen Lang humano del primer film (luego recreado como Na'vi en los dos posteriores). El apartado visual siempre ha sido realmente excelente, lo uno no quita lo otro, pero ha fagocitado la calidad actoral de su reparto, que se ha transformado en la fascinación de ver los gestos recreados con esta tecnología vanguardista.

En resumen digamos que Avatar: Fuego y ceniza es una prueba palpable de las virtudes y defectos de James Cameron como director: ofrece una espectacularidad visual apabullante y portentosa, pero peca de un guion que en lo más básico sería bastante plano, reitera la misma moraleja ecologista que las dos entregas anteriores (así como su grandilocuencia), a lo que sumar un metraje a todas luces excesivo para lo que acaba siendo. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de diciembre de 2025.
  • Galería de posters por este enlace.

lunes, 15 de diciembre de 2025

Mi ranking de series del 2025, de menor a mayor entretenimiento

Para mi sorpresa (porque en su momento lo escribí sin mucha intención inicial) uno de los posts que mejor ha funcionado en este blog (a nivel de visitas) ha sido el de mi ranking de los episodios de la temporada 7 de Black Mirror de peor a mejor. Como además he visto, por varias de las webs americanas que consulto para actualizar contenido de mis redes sociales en Facebook y X (ex-twitter), que la costumbre es hacer ranking casi de todo, aprovecho y en este post dejo mi clasificación de las series que he visto este año, ordenadas de meros entretenimientos a las que han resultado ser toda una grata sorpresa, con breve valoración de cada una. 

17- Ironheart (temporada 1)

Otra serie más de Marvel para Disney Plus, que se estrenó algo tarde (el personaje se había presentado en Black Panther: Wakanda Forever en 2022) y de la que no había muchas expectativas. El resultado se deja ver pero resulta poca cosa, siendo lo más llamativo la primera aparición de Mefisto (otro tema es que saquen ahora provecho del personaje).

16- Los ojos de Wakanda (temporada 1)

Las películas de Black Panther, aún siendo aceptables (más la primera que la segunda) creo que son, probablemente, de las más sobrevaloradas del universo Marvel. Esta ampliación de las mismas en formato animado me resultó también un mero pasatiempo, con la primera aparición de Iron Fist como curiosidad.

15- Marvel Zombis (temporada 1)

El subgénero de los zombis ha sido tan explotado, desde que despuntó a principios de siglo, que lo que entonces era curioso o más o menos novedoso, ahora no lo es tanto. Esta serie en cómic fue en origen llamativa, aunque también al final acabó siendo sobreexplotada. La serie de animación en esencia no plantea nada innovador sobre la premisa original.

14- Tu amigo y vecino Spider-Man (temporada 1)

Aún admitiendo que el arácnido de Marvel me gusta, ahora mismo cuadro más con ese Spider-Man más o menos adulto que con el eterno regreso a sus orígenes en la escuela, como ocurre en esta serie de animación. Aún así se deja ver bien, pero al ser otra realidad alternativa el interés que me despierta es más bien el justo.  

13- El pacificador (temporada 2)

Teniendo en cuenta que la primera temporada acabó en segundo lugar en su año de estreno, considerable bajón pega esta segunda tanda de episodios. Los problemas pueden ser un no tan acertado desarrollo emocional en los personajes, más una realidad alternativa, que tampoco acaba de convencer. Incluso la intro perdió garra. 

12- Dexter: Pecado original (temporada 1)

Aquí nos encontramos en una situación parecida a la serie animada de Spider-Man: Aún gustándome el personaje de Dexter Morgan, lo que llevan a cabo en esta precuela se nota mucho que era un tan solo un enlace entre series, siendo en este caso un mero complemento a titulo de curiosidad. Cancelada después de haber sido en origen renovada.

11- Doctor Who 2023 (temporada 2)

No ha conseguido convencerme el paso de esta serie por Disney Plus, y si ya la temporada anterior acabó en séptimo lugar, esta segunda baja bastante. ¿Causas? Probablemente un esquema en su estructura y desarrollo similar a la previa, aunque aún así con detalles destacables. De momento descansará hasta el especial navideño de 2026. 

sábado, 29 de noviembre de 2025

ZOOTRÓPOLIS 2, una digna secuela (crítica sin spoilers)

Con Zootrópolis 2 uno pensaría que en Disney han aplicado ese dicho de "las cosas de palacio van despacio": esta secuela llega casi una década después del film original. La película previa destacaba por un planteamiento atractivo, no solo imaginando una urbe donde viven todo tipo de animales, si no que haciéndolo con coherencia a como son. Y todo ello envuelto en un claro homenaje a las buddy-movies, con dos protagonistas obligados a entenderse.
 
La Zootrópolis original de hecho funcionaba tan bien en cuanto a su planteamiento que desde Disney (para ser exactos desde su variante Pixar) no dudaron en volver a aplicarlo en otras películas como por ejemplo Elemental, en la que su Ciudad Elemento no dejaba de ser una traslación de la misma idea, pero adaptada a lo que se requería en aquel film. Incluso hubo un intento de miniserie (Zootrópolis+), aunque admito que no la he visto. 
 
Como no era plan de dejar pasar una marca que podía seguir siendo rentable, se ha recurrido a algunos de los directores del film original (Jared Bush y Byron Howard, siendo Rich Moore quien no repite), y aquí nos ofrecen una nueva aventura de la conejita Judy Hopps y el zorro Nick Wilde, la carismática pareja protagonista que encandiló en la primera entrega. Perdiendo, como ocurre con las secuelas, el factor sorpresa del film inicial, aquí los volvemos a encontrar en una mezcla de aventuras, thriller y comedia.
 
La estructura argumental sería similar a la de la primera entrega (de hecho se reinsiste con acierto en detalles previos que funcionaron, justo por la certeza de que siguen siendo validos), y el macguffin que motiva la acción de esta secuela sería una prueba de que los responsables de la composición de la ciudad (con los diferentes climas, adecuados para cada animal) no fueron los que se supone, sino otros que viven en la clandestinidad.
 
Si ya en la primera película quedaba claro su homenaje a las buddy-movies policiacas de los años ochenta y noventa (sólo que aquí con animales), eso queda aún más patente en esta. De hecho entiendo que no podían jugar con esa baza al ser su público potencial el infantil, pero sin esa cortapisa no dudo que se hubiera establecido una tensión sexual no resuelta entre Judy y Nick, que aquí deriva en una siempre agradecida valoración de la amistad.
 
Es también digno de reseñar la trama que engloba al personaje de Gary (la serpiente) ya que, quien sepa leer entre líneas, es fácil ver un reflejo de problemas sociales como el mantenimiento del problema de la gentrificación. También es un acierto el simpático guiño a Ratatouille o el más sorprendente (resulta inesperado pero funciona muy bien) a uno de los momentos cumbres de la película El resplandor de Stanley Kubrick. 
 
De cara a no eternizar su acertado metraje (107 minutos), sus responsables han decidido incluir a muchos secundarios de la primera película pero en meros cameos, que igual pueden parecer poco según cuales sean (aunque el del perezoso me resultó divertido y funcional). Aparte de la serpiente antes citada, entre los nuevos personajes la más destacada sería una castor que tiene un podcast conspiranoico, y que ayudará a los protagonistas.
 
Con un ritmo trepidante y echando mano en algunos momentos del siempre solvente y socorrido humor slapstick, este film comienza con Judy y Nick ejerciendo de forma tan brillante como policías que han levantado la animadversión de todos sus compañeros. Pero la aparición del primer reptil en Zootrópolis en 100 años provocará que suceda un malentendido con el dúo protagonista que les obligará a tener que huir como fugitivos.
 
Como iba preavisado me quedé hasta el final de los títulos de crédito, ya que hay una secuencia que igual no es muy trascendente... o igual sí, ya que puede dejar el camino abierto para una tercera entrega más que probable a tenor de los excelentes resultados en taquilla que ya está marcando. Pero una vez vista sería un éxito más que merecido porque sin duda en este caso Disney se ha marcado una digna secuela.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de noviembre de 2025.
  • Galería de posters por este enlace.

viernes, 28 de noviembre de 2025

PUÑALES POR LA ESPALDA: DE ENTRE LOS MUERTOS, crítica sin spoilers del tercer misterio para Benoit Blanc

Con esta tercera entrega de Puñales por la espalda, con ese subtítulo de De entre los muertos, se completa la trilogía de casos de Benoit Blanc (de nuevo a cargo de Daniel Craig) después de las dos entregas previas. Aunque son películas dignas de cine, hay que recordar que sólo la primera fue directa a ese formato, ya que las dos siguientes (Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion y esta) fueron de Netflix, aunque con estreno limitado en salas.
 
La primera entrega de Puñales por la espalda, título español para el original Knives Out, fue una revisión de los whodunit, esos misterios al estilo de los de Agatha Christie, con un plantel de estrellas muy destacado (Toni Collete, Chris Evans, Ana de Armas, Michael Shannon, Jamie Lee Curtis, Don Johnson o Christopher Plummer entre otros), con el personaje de Craig como el detective protagonista. Con unos 40 millones de coste, recaudó más de 300 a nivel mundial
 
Viendo su evidente potencial, Netflix y Rian Johnson (director de las tres entregas hasta la fecha) firmaron para dos secuelas más, la de Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion (Glass Onion: A Knives Out Mistery) estrenada en 2022 y la presente. En ambos casos hubo un estreno limitado en cines que fue lo que me permitió poder verlas de esa forma antes de su estreno en Netflix, pero la entrega precedente (bastante continuista) se me hizo extensa en metraje, pecando de un ritmo algo irregular
 
De todas formas Glass Onion contó con otro reparto llamativo (entre otros Dave Bautista, Edward Norton, Kathryn Hain o Kate Hudson entre otros), por lo que esta no podía ser menos: entre el elenco de Puñales por la espalda: De entre los muertos encontramos nombres tan destacables como los de Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis, Jeffrey Wright, Jeremy Renner, Andrew Scott o Cailee Spaeny (protagonista de Alien Romulus). 
 
Nada más comenzar la película tenemos lo que se podría considerar un prólogo, donde se nos explica con pelos y señales la situación hasta el momento, para que así los espectadores se sitúen. No es breve (hablamos de al menos 40 minutos) en los que no aparece el personaje de Daniel Craig, pero se da toda la información posible (hasta ese momento) de cual será el terreno de juego de esta película, así como los principales implicados
 
En este tipo de films en general (y en los de esta franquicia en particular) la historia suele tener giros inesperados y más o menos sorpresivos, implicando en ocasiones a más de un solo culpable. En mi caso suelo sospechar o del personaje a cargo del actor más famoso o del más veterano. Aunque a toro pasado puede sonar a falacia, admito que mis sospechas se vieron confirmadas cuando se descubre quien estaba detrás de todo.
 
Aún así es cierto que su duración podía haber sido menor: 144 minutos, o 2 horas y 24 minutos, se antoja algo excesivo si no fuera por las piruetas que hace el guion de cara a tenerlo todo atado y bien atado. Eso puede provocar que a algunos les parezca que se lía demasiado sobre si misma, tan solo para enmarañar más la historia, aunque hay que agradecer que mantenga el interés gracias a su acertado reparto.
 
En el mismo, aparte de los nombres que he citado un poco más arriba, hay que añadir a Kerry Washington (vista en Django desencadenado) y Thomas Haden Church (el Hombre de Arena en Spider-Man 3), pero la sorpresa me la da Josh O'Connor encarnando al reverendo Jud  Duplenticy, al que se le presentan unas dudas morales por su condición de ex-boxeador que me llevaron a recordar, salvando las distancias, al Padre Karras de El exorcista.
 
Con la ventaja de que esta franquicia está compuesta por películas independientes y autoconclusivas, cabe dilucidar por donde irán los tiros en una hipotética cuarta aventura para Benoit Blanc, pero se agradece que cada película se pueda ver de forma independiente. Y si tuviera que ponerlas en un podium diría que Puñales por la espalda: De entre los muertos supera a la entrega precedente y se sitúa casi al nivel de la primera, estrenada en 2019

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de noviembre de 2025 (en Netflix el 12 de diciembre).
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miércoles, 19 de noviembre de 2025

WICKED PARTE II, la continuación del musical (crítica sin spoilers)

Aunque el título de Wicked: Parte II puede hacer pensar que estamos ante una secuela (e incluso se puede considerar como tal), en sí estamos ante el resto de la adaptación del musical Wicked en formato cinematográfico. La primera parte se estrenó el pasado noviembre de 2024, pensando muchos que era una película unitaria y encontrándose con que era una Parte I. Eso para mí no tendría mayor problema, pero me encontré con una cinta de 2 horas y 40 minutos que se me hizo muy extensa.
 
En este caso el metraje se ha aminorado, quedando una segunda parte de 138 minutos. Por lo demás me imagino que cuando acabe su periplo en los cines lo más probable es que haya una unión de ambas entregas, con una jugada parecida a la de Kill Bill: The whole bloody affair, que unirá las dos partes de aquel film en una única película de 247 minutos. En este caso la unión de ambas partes sumará 298 minutos: casi 5 horas que estoy seguro que los fans más acérrimos esperarán ansiosos
 
Pero antes de eso hay que centrarse en esta Wicked: Parte II (aunque hay que matizar que su título original es Wicked: For good, en referencia a uno de los temas musicales más emblemáticos de la obra). Admito que aunque su primera parte se me hiciera muy extensa, debido a su dilatado metraje, también es justo alabar de ella su apabullante apartado visual, toda una gozada con la que deleitarse en pantalla grande. Por eso decidí acabar lo que había empezado, y saber como acaba la tortuosa relación de amistad entre sus protagonistas Elphaba y Glinda.
 
Esta segunda parte (una mejor definición para esta película que tildarla de secuela) continúa justo donde lo dejó el film precedente: Elphaba Tropp es perseguida como amenaza mayor del reino de Oz, con la etiqueta de "Bruja Malvada del Oeste", cuando en si su único objetivo, con la ayuda de su libro de hechizos, es defender los derechos animales y revelar a todo el mundo la inoperancia del que tienen como Mago de Oz. 
 
En el otro lado su amiga Glinda está satisfecha con su catalogación como "Buena" y el estatus alcanzado por conveniencia del Mago (Jeff Goldblum) y Madame Morrible (Michelle Yeoh), que son los que lo controlan todo. Parte de esas apariencias de Glinda son su compromiso con Fiyero (Jonathan Bailey), antes enamorado de Elphaba y ahora obligado a ir tras ella como Capitán de la Guardia del Mago. A dicho escenario se suma una niña llamada Dorothy...
 
Aunque estrenadas con un año de diferencia, tanto esta como la película precedente se rodaron al unísono, por lo cual todas las virtudes visuales que tenía el film precedente continúan en este. Asimismo una vez que acaba te das cuenta de que en si la historia era algo tan sencillo como un relato de sororidad y empoderamiento entre sus dos protagonistas (Cynthia Erivo y Ariana Grande), aunque el destino las lleve por derroteros opuestos. 
 
Como tengo cero experiencia tanto en el musical de Broadway del que parte, como de la novela de la que parte este último (Wicked: Memorias de una bruja mala de Gregory Maguire, y editado en 1995) ignoraba los variados orígenes que hay en la historia, y que se hacen patentes aquí. Me refiero tanto a los tres personajes que van con Dorothy, como a los famosos zapatos de esta, e incluso el verdadero padre de una de las protagonistas.
 
Todo lo antes citado sale en esta Wicked Parte II, siendo lo que se me hizo más ameno y llamativo, aparte del aspecto visual de la obra ya citado antes, así como la solvencia de sus dos protagonistas. Pero admito que en mí no ha calado la historia, porque al salir del pase de prensa uno de los asistentes admitió haber llorado de emoción, mientras que yo quedé de nuevo resentido de una duración otra vez excesiva (aunque algo menor a la previa).
 
Mientras la estaba viendo, y evaluándola como continuación del film precedente, me hizo recordar a la adaptación de El Hobbit en formato de trilogía llevada a cabo por Peter Jackson. Si aquella fue criticada por alargar en exceso algo que no daba para tanto, la sensación que me queda con Wicked (en su conjunto) es similar, máxime cuando la suma de ambas entregas roza las 5 horas, mientras que el musical dura 2 horas y 45 minutos (contando 15 minutos de intermedio).  

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de noviembre de 2025.
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viernes, 7 de noviembre de 2025

PREDATOR: BADLANDS, disneyificando al yautja (crítica sin spoilers)

Con Predator: Badlands estamos ya ante la novena película que recibe esta criatura, en la lucha por parte de Hollywood de intentar hacer de ella una franquicia. La anteceden el film inicial de 1987, su secuela de 1990, los dos crossovers contra Alien de 2004 y 2007, las tentativas fallidas (por sus resultados en taquilla) de 2010 y 2018 y el inesperado éxito que supuso su entrega de 2022, que derivó en el film animado estrenado hace unos meses como antesala a este. 

Dan Trachtenberg fue el responsable de las dos últimas entregas (en el caso de la de animación junto a Joss Wassung), repitiendo en el mismo puesto en esta. Cambia en este caso el hecho de que las dos películas previas se estrenaron de forma directa en plataforma (en el caso de la del 2022 porque no tenían confianza inicial en ella, la de animación era un mero complemento), pero ahora vuelven a probar suerte haciendo que llegue primero a salas de cine.

El riesgo es claro (la última película estrenada así data de 2018), por lo que puede levantar ciertas expectativas que serán colmadas (o no) en función de cada espectador. Desde que Disney, actual propietaria de las I.P.'s Alien y Predator, anunció nuevos proyectos para ambas, lo visto hasta la fecha ha tenido tantos defensores como detractores. ¿Se está suavizando la saga? La violencia inherente a Predator ha hecho que todas las películas previas tuvieran calificación para adultos... salvo esta que tiene una de PG-13.

Dudas y expectativas (en uno y otro sentido) quedan resueltas una vez vista: lo que desde Disney han llevado con este film respecto a su franquicia sería algo parecido a lo que ha hecho con Alien en la serie televisiva emitida este pasado verano, lo ha disneyificado para hacerlo una franquicia accesible a cuanto más público mejor, conservando detalles esenciales pero añadiendo cambios que a los más puristas les van a irritar... con toda la razón del mundo.

Había leído varias críticas previas que comparaban esta película con The Mandalorian, y en esencia resulta innegable que muy desencaminadas no iban: el esquema básico de la popular serie televisiva de la saga Star Wars está presente aquí. Por un lado el rudo protagonista, por otro el alivio cómico y el tercer punto sería el bicho más o menos entrañable, todo ello en un ambiente de ciencia-ficción quizás algo más bruto que lo visto hasta ahora en la citada Star Wars

No estoy tampoco negando que el film no sea entretenido (que lo es si tus expectativas son las mínimas), pero lo que en origen era una máquina de matar imparable, pierde del todo su presencia amenazante aquí, en una película que con la unión de los dispares personajes que se plantea al final me recordó (en conclusión todo queda en casa: sería Marvel, que también es de Disney) una variante de Guardianes de la galaxia.

A su favor hay que admitir la solvencia de Dan Trachtenberg, porque aunque las tres entregas más recientes de Predator sean suyas, más diferentes entre sí no pueden ser. También ha sido una decisión inteligente, tras las críticas que cosechó por Predator: La presa, de insistir en una protagonista femenina (allí Amber Midthunder, aquí Elle Fanning), pero sin repetir el mismo esquema para ella (allí heroína, aquí alivio cómico). 

El problema puede radicar en que lo que la locuaz sintética (a la que encarna la citada Elle Fanning) hace junto al Yautja (la raza de los Predator) es la enésima variante de buddy movie que sigue por terrenos tan previsibles como funcionales. El hecho de hacer protagonista al Predator hace que el susodicho (llamado Dek) arrastre trauma por su relación familiar, y la aventura le haga replantearse cosas. Como he dicho antes, la amenaza ya no lo es tanto.

Los adolescentes que acudieron a la misma sesión que yo salieron maravillados, y yo lo entiendo porque es el típico film que si lo ves en esa época de tu vida, el resultado mola mucho. Pero bajo esa capa lo más curioso estaría en sus guiños a Alien (por lo de la corporación Weyland-Yutani, o el guiño final a la secuela xenomorfa de James Cameron, a quien se cita en los agradecimientos de los créditos) y el brutal planeta donde acontece todo.

Por último en cuanto a la calificación que he citado al principio, la misma queda más que justificada porque no hay ni un solo humano en el film, sino tan solo bestias de todo tipo y sintéticos (también de la saga Alien). Eso lleva a que aunque haya una violencia clara y explícita, donde se desmiembra, se revienta y se descuartiza lo que sea, como todo son o bien los citados sintéticos o bicharracos, no hay problema de que nadie pueda traumatizarse por ello. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de noviembre de 2025.
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martes, 21 de octubre de 2025

BLACK PHONE 2, una secuela más convencional (crítica sin spoilers)

Esta Black Phone 2 es el resultado del excelente resultado en taquilla que tuvo Black Phone cuando se estrenó en el verano de 2022. Apenas con 16 millones de dólares de presupuesto, el citado film cosechó casi 162 millones a nivel global y (lo que también sería importante) una buena recepción crítica

Según ese famoso dicho popular, "Poderoso caballero es don Dinero", los responsables de la primera entrega se encontraron con un inesperado éxito que daba para (al menos) una secuela, pero se encontraban con el hándicap de que la película original tenía un final más bien cerrado, haciendo complicado subsanar ese detalle.

Quien no hay visto aún la primera entrega, dirigida por Scott Derrickson (que repite sus funciones también en esta) será mejor que no continúe leyendo, porque para opinar sobre esta película hay que tener presente un detalle del film anterior, que los más puristas pueden considerar spoiler. Será el único, pero quien continúe avisado está.

Basada en un relato de Joe Hill, el hijo del prolífico escritor de terror (y otros géneros) Stephen King, el film de 2022 terminaba con la muerte del villano, encarnado por Ethan Hawke, a manos del joven Finney (a cargo del actor Mason Thames), que hubiera acabado muerto de no ser por la ayuda que recibe, por el teléfono negro al que alude el título, de las anteriores víctimas del asesino.

Si la película original estaba ambientada en 1978, esta secuela nos sitúa cuatro años después, y aparte de los citados Ethan Hawke y Mason Thames (este último visto de protagonista en el remake en acción real de Cómo entrenar a tu dragón) también lo hace Madeleine McGraw encarnando a Gwen, la hermana pequeña de Finney, de la que en la anterior película se sugería clarividencia heredada, y que en esta secuela es el objetivo inicial del asesino encarnado por Ethan Hawke, que ahora ataca desde el Más Allá.

Y a partir de ahí (que es bien pronto) empiezan los "parecidos razonables": ante la escasez de asesinos en serie míticos del cine como Freddy Krueger de Pesadilla en Elm Street o Jason Voorhees de Viernes 13 (inactivos desde hace tiempo, si bien del segundo hay proyectos en marcha), los responsables de esta secuela han tomado elementos de ambos con la idea de reciclarlos aquí: de uno su capacidad de atacar en los sueños (y si mueres allí, mueres de verdad), mientras que lo del campamento juvenil y el asesino enmascarado (esto ya visto en la previa) suenan al segundo.

Si ya con lo que he citado tienes un inmenso déjà vu que te acompaña durante toda la película, eso se suma en la forma en la que se desarrollan las (aquí sí) evidentes y heredadas capacidades precognitivas del personaje de Gwen, que sirven para acercarla a tantas y tantas otras final girls que a lo largo de los años se han enfrentado contra matarifes de todo tipo y condición. La excusa argumental es sencilla y continuista: tres niños se comunican desde el Más Allá y un innecesario giro de guion entrelazará pasado y presente de los dos protagonistas, el asesino y los tres chavales difuntos.

Los personajes de Mason Thames, Madeleine McGraw y Ethan Hawke son los principales, porque de los varios secundarios que pululan por ahí lo único que piensa uno es cuanto durarán vivos, siendo en muchos casos más de lo deseado, ya que son meros bocetos básicos de slasher. No es que se hagan molestos, aunque el ultrarreligioso personaje encarnado por Maev Beaty parece insertado sólo para mezclar en el popurrí de esta secuela algo de terror religioso. No negaré que sea entretenida, pero cede virtudes respecto a la primera, resultando más convencional.

Black Phone 2 ha doblado su presupuesto respecto a la anterior entrega (30 millones de dólares), pero en su estreno en la taquilla americana ha conseguido casi esa cantidad, por lo que lo previsible es que al final de su carrera comercial sea lo suficientemente rentable para que la franquicia siga (y teniendo en cuenta sus referentes, se puede hacer muy extensa). Entre lo mejor de esta secuela estaría un elemento visual: las secuencias oníricas se grabaron en película de 8 y 16 mm., siendo todo un acierto para dotarlas del tono escalofriante que se les quiere dar.  

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de octubre de 2025.
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viernes, 10 de octubre de 2025

TRON: ARES, espectacular maniqueísmo (crítica sin spoilers)

Con Tron: Ares se demuestra que nunca es tarde para sacar rédito de una I.P. (propiedad intelectual en sus siglas en inglés) aunque hayan pasado 15 años desde la anterior entrega (un lapsus temporal como el que hubo entre las películas Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal e Indiana Jones y el dial del destino), y a su vez 43 años desde la primera película, que en su día no fue un fracaso sino que logró un éxito moderado (33 millones de dólares de recaudación sobre unos 17 de presupuesto), triunfando luego en los videoclubes.

El film de 1982 no lo vi hasta su estreno en televisión, pero admito que imágenes como la "introducción" del protagonista dentro del sistema informático dejó asombrado al espectador infantil que era yo por aquel entonces. Disney sacó una secuela en 2010, en la que multiplicó por 10 el presupuesto de la original, pero la recaudación que alcanzó Tron: Legacy no fue un fiasco aunque tampoco como para tirar cohetes: 400 millones de dólares, otro éxito moderado

Ya la secuela de 2010 pecaba de ser más llamativa en lo visual que en lo argumental, en una tónica que se está haciendo muy común con los avances tecnológicos aplicados al mundo del cine. Muchas películas de hoy en día buscan apabullar al espectador con imágenes espectaculares, que luego están hilvanadas con un guion que no está a la misma altura. Y eso se repite también en esta tercera entrega de la franquicia, que peca de un exceso de maniqueísmo.

La ambición es mala (esa sería la idea) y si Ed Dillinger (encarnado en la película original por el actor David Warner) era el villano a batir, su hija Elisabeth (encarnada en esta película por Gillian Anderson, la agente Dana Scully de Expediente X) ha sido la madre de Julian Dillinger (encarnado en esta película por el actor Evan Peters, visto como el veloz Mercurio en la saga X-Men mientras estuvo en manos de la Fox), nieto del inicial Ed y actual dueño de Dillinger Systems. Su visión es muy pragmática, y defiende el interés defensivo y militar sobre todo lo demás (en un símil parecido a como era Tony Stark antes de convertirse en Iron Man). Pero tiene un hándicap con la permanencia de sus creaciones...

Aunque puede trasladar del mundo digital al real cualquier cosa, nada le dura más allá de un límite preestablecido de 29 minutos, manteniendo una dura competencia empresarial con ENCOM, que tiene el mismo problema de tiempo, si bien su responsable Eve Kim (encarnada aquí por Greta Lee) tiene en mente objetivos más humanitarios y menos militares que los de Dillinger Systems. Entremedio de esa pugna se añade Ares (encarnado con aspecto mesiánico por Jared Leto), un programa al que intentan comercializar como el soldado perfecto, pero que empieza a tener dudas sobre cual debería ser su objetivo en la vida (como si fuera un replicante de Blade Runner).

Cuando Eve Kim consigue el código de permanencia que en su día creó Kevin Flynn (encarnado por Jeff Bridges en las tres entregas, ya que aquí aparece en un cameo también bastante mesiánico que nos permite volver a los escenarios vistos en 1982), Dillinger no dudará en ir contra ella, ya que quien posea dicho código de permanencia logrará que lo que traigan del mundo digital no desaparezca pasados 29 minutos. Maniqueísmo blanco y en botella: la empresa ambiciosa serían los malos (pese a que la madre de Julian no deje de decirle que se está pasando de la raya), la humanitaria los buenos y Ares que se aliará con esta última para conseguir tener vida propia, y no tan solo temporal. 

Teniendo en cuenta lo espectacular que es en su apartado visual Tron: Ares, resulta una lástima que el guion peque de ser tan simple, careciendo de mayor profundidad que la citada (de hecho su maniqueísmo sería tan palpable solo en su código de colores que resulta obvio). Eso sí, lo que funciona de forma estupenda nada más empezar es la banda sonora de Nine Inch Nails, que resulta un aspecto digno de mención en esta entretenida secuela, con un ritmo y unas secuencias de acción que ayudan a ello. A eso hay que sumar una escena entre créditos donde un cabo suelto sugiere futura secuela, con un guiño sobre el aspecto que lucía David Warner en el Tron de 1982.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de octubre de 2025.
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martes, 23 de septiembre de 2025

LOS JUEGOS DEL HAMBRE 5: AMANECER EN LA COSECHA (reseña)

Aunque Amanecer en la cosecha, el quinto libro de la serie Los juegos del hambre, salió a la venta la pasada primavera, no ha sido hasta ahora que ha llegado mi turno para leerlo de la biblioteca. Le tenía ganas porque esta siempre me ha parecido una buena distopia juvenil, ya desde que con su título tan llamativo llamó mi atención el primer libro hace ya catorce años (aunque también con la influencia de su, por entonces, futura adaptación en película).

Como formaba una trilogía después fue el turno de En llamas y a continuación Sinsajo, de la que Hollywood se hizo cargo en unas exitosas adaptaciones que se extendieron desde 2012 hasta 2015 (cuatro años a una película por año, ya que el tercer libro se dividió en dos entregas tan solo para aumentar la taquilla, en una jugada similar a lo que sucedió con Las reliquias de la muerte, la entrega final de la epopeya literaria de Harry Potter).

Pero como lo que mueve el mundo es el dinero, en Hollywood intentaron probar con historias más o menos parecidas a Los juegos del hambre para seguir sacando provecho, lo que dio lugar a otras franquicias ya no tan acertadas (por ejemplo la de Divergente), e incluso a parodias aborrecibles como Los muertos del hambre. Hasta que la autora original volvió con una precuela.

La trilogía de Los juegos del hambre funcionaba muy bien de forma unitaria, por lo que a la hora de seguir exprimiendo la franquicia, Suzanne Collins decidió irse al pasado, retrocediendo 64 años, para centrarse en el personaje de Corolanius Snow, el villano en las tres primeras entregas (encarnado por Donald Sutherland en las películas), y que en Balada de pájaros cantores y serpientes nos muestran siendo un joven de 18 años, y narrando como fue su caída en el Lado Oscuro (ya que el paralelismo con Darth Vader se me hizo bastante evidente).

Curiosamente pasaron tres años entre la edición de esta cuarta entrega y su adaptación en película, pero como las dos obras tuvieron el éxito esperado, en esta ocasión se han dado más prisa. Si en este 2025 ha salido la quinta obra de la saga Los juegos del hambre, su adaptación en película no tardará tanto, ya que ya está en preparación con fecha de estreno prevista para finales de 2026. Pero si el anterior libro era más o menos autoconclusivo en si mismo, ¿de que recurso se podía echar mano para el nuevo libro? Misma fórmula, distinto personaje.

En esta ocasión se retroceden 24 años respecto a la primera novela (o se avanzan 40 desde la anterior precuela, como se prefiera), para mostrar los 50º Juegos del hambre, en los que además se celebra el Vasallaje de los Veinticinco. Eso lleva a elegir al doble de tributos de cada distrito para luchar en el citado evento, por lo que los habituales 24 de cada entrega se transforman aquí en 48. Y en este caso el protagonista sería un joven Haymitch Abernathy, mentor de Katnis Everdeen en la trilogía original (y encarnado en las películas por el actor Woody Harrelson). 

El mayor problema de esta quinta entrega, al igual que ocurría con la previa, es el hecho de conocer como será el futuro de ambos personajes. Pero también es cierto que la franquicia ha dejado suficientes huecos que rellenar con detalles que no conocíamos, siendo eso de lo que vuelve a echar mano Suzanne Collins. Eso no quita que uno ya sepa, por ejemplo, que será Haymitch quien gane los juegos que aquí se narran, pero lo interesante está en saber como y a que precio (para él). Aquí nos lo presentan como un chico sencillo, cuya mayor alegría es estar todo el rato posible con su chica.

Tras un repaso tanto del personaje como de todos y todo lo que le rodea, bien pronto se hace previsible que él será uno de los elegidos (lo quiera o no). Curiosamente eso no priva para que Collins lo relate de forma entretenida, lo cual prosigue en la posterior parte, cuando trasladados a Panem se tienen que realizar todos los preparativos para los juegos. Sería entonces cuando se muestra el germen de una revolución, una que ya sabemos que no triunfará en ese momento, pero que si lo conseguirá en el futuro (de nuevo la trilogía original).

Si en contra de esta nueva entrega, como sucedió con la previa, está el hecho de que al ser precuela, algunos hechos son más o menos previsibles, otro handicap sería aún no haber explicado que fue lo que llevó a la creación de Panem, donde creo que puede haber un filón tan interesante como en los hechos posteriores. Tan solo se ha citado de forma colateral que los Días Oscuros fueron cuando los distritos se rebelaron contra el Capitolio y perdieron, lo que llevó al nacimiento de Los juegos del hambre como muestra de poder y castigo del Capitolio sobre los distritos.

A su favor tenemos una digna quinta novela, que sigue tratando temas ya comunes en la saga como el abuso de poder (el poder del Capitolio sobre los distritos), la injusticia (idem), la información manipulada (como se presentan los juegos al público), la frivolidad (por como lo acepta parte de dicho público) y el contraste entre la opulencia del Capitolio frente a la pobreza de la mayoría de distritos. En cuanto a su protagonista, Snow le viene a demostrar que "ni perdona ni olvida", con un drama que le tocará en lo más cercano y hace cuadrar al personaje como lo conocimos.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)