MATANZA: EN LA CORTE CARMESÍ / HULKA: EMPEZAR DE CERO / WHAT IF MILES MORALES: ¿CUANTOS MILES SON NECESARIOS PARA...? / y +

MATANZA: EN LA CORTE CARMESÍ

En los cómics de superhéroes muchas veces he oído (o leído) eso tan socorrido de que no existen personajes ridículos, sino guionistas que no les saben sacar su potencial. Eso se podría aplicar en este caso, ya que una serie regular de un personaje como Matanza no suena a algo digno de atención, siendo una (agradable) sorpresa la que me ofrece este tomo titulado En la corte carmesí, y que incluye los cinco primeros números de la serie regular más el one-shot Carnage Forever. Para situar al lector hay que matizar que tras los eventos Matanza absoluta y Rey de negro, se han separado Cletus Kasady y el simbionte Matanza, lo cual ya me parece un inicio prometedor para ir más allá de la mentalidad de slasher noventero con el que fue creado esta copia malvada de Veneno cuando este dejó de ser tan malvado. 

Con una premisa inicial donde vemos como un asesino en serie (y ferviente admirador de Matanza) tiene al acecho a un policía que sigue su metodología "artística", la inclusión entre ambos del citado simbionte de Matanza (que anda buscando poderes que le puedan ser útiles, siendo aquí sus objetivos Hidroman y La Mancha) les llevará a un periplo por diferentes lugares del universo Marvel. Con un guión a cargo de Ramnarayan Venkatesan, de nombre artístico Ram V, el resultado es un cómic con elementos perturbadores y sobrenaturales que concuerdan muy bien con la esencia del personaje. Se completa el tomo con relatos breves donde destacaría el inicial titulado Vuelta a casa (a cargo de un sobrecogedor Phillip Kennedy Johnson) y los humorísticos de Ty Templeton (parodiando a la clásica Peanuts)

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Matanza: En la corte carmesí, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

HULKA: EMPEZAR DE CERO

Aunque la serie televisiva de Hulka emitida el pasado verano del 2022 en Disney Plus tuvo muchas críticas, yo estoy entre aquellos a los que les gustó, a lo que ayudó mucho la simpatía que desprendía la actriz Tatiana Maslany al encarnarla, y el tono distendido del conjunto. Como es usual que cuando va a salir algo nuevo de algún personaje (bien sea como serie de televisión o como película) el mismo lo ve reflejado en las viñetas, deduzco que esta nueva andadura de Hulka nació con la idea de aprovechar el posible tirón del show televisivo, ya que el primero de los cinco números incluidos en este tomo vio la luz en marzo del 2022. Teniendo en cuenta lo desangelada de la etapa de Mariko Tamaki con el personaje, admito que le tenía ganas a este comic, por lo que lo escogí sin dudarlo en la biblioteca.

Este primer tomo tiene sus dosis de acción, y mentiría si dijera que no es entretenido, pero admito que no me esperaba que la "relación" que se establece entre Sota de Corazones y Hulka fuera a durar los cinco números. Y con "relación" (entre comillas) me refiero a que todo este tomo sería algo así como un posicionamiento preliminar a lo que sea que sucederá en el próximo, por lo que la única relativa decepción para mi estaría en eso, si bien es justo admitir que los diálogos y las situaciones entre ambos personajes resultan tan simpáticas que se le perdona que (al menos de momento) no vaya más allá. El guion de Rainbow Rowell se demuestra acertado, y el apartado gráfico de Rogê Antônio y Luca Maresca también concuerda a la hora de desarrollarlo de una manera digna.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Hulka: Empezar de cero, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

WHAT IF MILES MORALES: ¿CUANTOS MILES SON NECESARIOS PARA...?

En origen la colección What if planteaba variantes dentro del universo Marvel que hacia evolucionar la continuidad de manera diferente a como estaba establecido. Pero como en origen todo se desarrollaba en un único número, en la reciente recuperación de dicha cabecera se optó por darles más margen a las historias para que se desarrollen, lo que se demostró bastante notable en el caso de What if Spiderman: La sombra de la araña. Siguiendo en el universo arácnido, ahora le ha tocado el turno al "otro" Spiderman que nació en las viñetas del universo Ultimate pero luego se integró en el tradicional: Miles Morales. En este caso el resultado es tan solo correcto, centrándose en varias realidades alternativas donde el citado se ha encarnado en diferentes héroes de este universo.

Si ya la premisa no es muy original que digamos, el desarrollo de las diferentes historias sería meramente anecdótico, así como claramente dirigido hacia los lectores de nueva generación, que haya entrado en el universo arácnido por las dos películas de animación del arácnido de Miles Morales, y ahora quiera profundizar en otros personajes de Marvel. De los cinco números que componen esta (digamos) "serie limitada" nos presentan que hubiera pasado si el protagonista hubiera sido el Capitán América, Lobezno, Hulk y Thor, siendo el quinto número la mera unión de dichas hipótesis junto con el "oficial", en una batalla entre ellos con sus respectivas némesis de cada mundo alternativo. No negaré que sea entretenido (aunque lo de Thor lo encuentro muy forzado), pero sin nada que lo convierta en imprescindible.

CALIFICACIÓN: Entretenido (2,5/5)

• What If Miles Morales: ¿Cuántos Miles son necesarios para...?, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.  

Y ADEMÁS...

• Superman: Exilio (volumen 2)
• Black Hammer: El renacer (parte 2)
• Marvel Saga Spiderman Superior: El mal necesario
• Godzilla: La guerra del medio siglo
• La maravillosa historia de Henry Sugar

EL MENÚ, una deliciosa pesadilla en la cocina (crítica sin spoilers)

Las similitudes culinarias a la hora de escribir sobre una película son bastante usuales, y en un caso como este vendrían la mar de bien, pero antes que nada quisiera exponer mis pensamientos previos antes de ver el film El menú, ya que por los mínimos avances que ví, que una de sus temáticas fuera el ¿terror? era algo que me intrigaba y me llevaba a la duda. Tranquilos que podeis seguir leyendo porque esto es tan solo lo que me sugería la película ANTES de verla, que cambió una vez la pude ver (o, jugando a lo culinario, me deleité con ella) 

Lo primero que se me vino a la cabeza fue Blanco humano de John Woo, con Jean-Claude Van Damme de protagonista, por aquello de la caza del ser humano; mientras que estando presente el tema de la alimentación me recordé del personaje de Hannibal Lecter, todo un sibarita canibal, en cuya tercera entrega con Anthony Hopkins de protagonista ya estuvo de villano el actor Ralph Fiennes, presente en esta cinta dirigida por Mark Mylod. 

 

Ambas cosas me cuadraban con el hecho de que El menú se supone que es una sátira gastronómica con toques de crítica social, aunque tengo que admitir que fallé en mis presunciones, ya que lo que al final lo que prevalece es una de las sensaciones más antiguas, que según el refranero popular mejora si se sirve fría (nueva referencia culinaria que, con otra más, me viene al dente) Porque El menú sería sin lugar a dudas una de las mejores películas de este 2022.

A la hora de comer, cada uno tiene su particular manera de hacerlo, pero en cierto momento de esta película el personaje de Fiennes pide a sus comensales que NO coman... sino que saboreen, que degusten y que se recreen en los sabores de lo que les van a servir. Su personaje vendría a ser una acertada parodia llevada al exceso de esos chefs de renombre que no te ofrecen algo para alimentarte, sino más bien algo bonito para ser contemplado y admirado más que saboreado. Eso se caracteriza por platos donde lo alimenticio apenas te da para un bocado, pero por los que los más sibaritas pueden llegar a pagar cantidades exorbitantes, como le ocurre a los personajes de esta cinta: una pléyade de supuestos esnobs que en muchos casos viven de las apariencias (pero que también esconden sus oscuros secretos), entre los cuales entra por pura casualidad el personaje de Anya Taylor-Joy, cuyo caracter menos petulante que el del resto parece resaltar tanto del citado grupo de comensales como al propio chef encarnado por Fiennes.

 

Con una excéntrica manera de comportarse, a medio camino entre lo excéntrico y lo dictatorial, la férrea actitud de control absoluto que ejerce el chef Slowik sobre el destino exclusivo al que lleva a sus comensales (y TODO lo que allí acontece) no le acaba de cuadrar cuando se entera de que uno de ellos (el personaje de Margo, al que encarna Anya Taylor-Joy), no es el esperado en un inicio. Pese a todo seguirá con su idea de hacerles pasar a sus comensales una experiencia gastronómica única y excepcional, con una sucesión de platos a cual más excéntrico, y en donde lo que comenzó como un ágape un tanto arrogante (por el exceso de florituras en cada nueva receta) derivará en una despiadada crítica contra la petulancia de esa acomodada clase social, que en una situación problemática no deja de comportarse como seres humanos, en muchos casos mostrando pese a todo que son capaces de los comportamientos más miserables cuando las circunstancias se ponen en contra. Y todo ello con un ajustadísimo metraje de 107 minutos.

Para finalizar esta crítica, porque lo mejor es ir a ver esta película sabiendo lo mínimo de ella, me gustaría citar un detalle en el que no se ahonda, y por lo que creo que lo que podía haber sigo magistral se queda tan solo en un notable alto: la sumisión del equipo de cocineros de Slowik. Cuando quedan más o menos claras las características del personaje de Fiennes uno las puede entender (o no), pero resulta curioso que todos los del equipo culinario que le acompaña sigan con absoluta obediencia y sumisión todas sus órdenes (sirva de ejemplo el tono militar cada vez que da alguna palmada, siendo incuestionable TODO lo que venga de él), lo que me llevó a recordar a cierto villano de Marvel: el Hombre Púrpura, que debutó en las páginas de Daredevil y que se vió en la serie televisiva Jessica Jones a cargo del actor David Tennant. La capacidad de este personaje era controlar a la gente con su voz, pero como logicamente algo así no tiene cabida en un film como este, las motivaciones del equipo de Slowik quedarán sin justificación.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de diciembre de 2022.

THE KING'S MAN: LA PRIMERA MISIÓN, la precuela (crítica sin spoilers)

En el tema de las adaptaciones de comics (como en el de cualquier otra obra) siempre hay la duda sobre si mantenerse más o menos fiel o decantarse por otros derroteros, habiendo partidarios tanto de una como de otra opción. Normalmente las variaciones suelen ser mal recibidas, pero en el caso de Kingsman: Servicio secreto lo diferente respecto al comic de Mark Millar del que partía la hizo conectar muy bien con el público, hasta el punto de que recaudó lo suficiente para llevar a cabo una secuela (Kingsman: El círculo de oro) que amplió el universo presentado en el film inicial. Lo más cómodo a la hora de enfrascarse en una tercera entrega hubiera sido continuar la presente saga con las aventuras de los personajes ya conocidos por el público en las dos primeras películas, pero el director Matthew Vaughn hace un inesperado giro y se decanta por una precuela, para mostrar como se fundó la organización que da título a estas películas.

Eso es justo lo que ofrece esta The King's Man: La primera misión, que se estrena por fin tras dos años de sucesivos cambios en su fecha de estreno, primero motivado por la compra de 20th Century Fox por parte de Disney y posteriormente por la pandemia a nivel mundial del Coronavirus. Esta precuela logra reunir a un destacado reparto en el que a los protagonistas a cargo de Ralph Fiennes, Gemma Arterton y Djimon Hounsou se une un elenco de secundarios como Charles Dance, Daniel Brühl o Stanley Tucci, sin olvidar al muy desternillante Rhys Ifans disfrutando con su papel del malvado Rasputín.

La manera en que se justifica la creación de la organización Kingsman resulta tan simpática como coherente, ya que los miembros iniciales no dejan de ser (en el momento en que está ambientada esta película) quienes mejor podían saber lo que se estaba llevando a cabo en las más altas instancias. Acostumbrados al tandem formado en las dos primeras películas por Colin Firth y Taron Egerton, uno pensaría que hay una relación similar entre los personajes de Ralph Fiennes y Harris Dickinson (padre e hijo en la ficción), pero la historia sorprende con un inesperado giro ya avanzado el metraje que lleva a que cobre mayor importancia el primero, al que cuando vemos con el impoluto traje propio de la citada agencia me recordó al que vistió como John Steed en el fallido remake de la serie Los Vengadores que se estrenó en 1998 con Sean Connery de villano (film del que ahora mismo pocos se recuerdan) 

Cabe indicar que el resultado, muy típico de este tipo de relatos, del villano en la sombra que no se revelará hasta el final (y cuya identidad no me esperaba, aunque no lo encontré tan megalómano como lo pintan) me hizo pensar en la también irregular La liga de los hombres extraordinarios de 2003, pero aqui con personajes históricos reales (ver por ejemplo el que se cita en la escena entre los títulos de crédito finales), en una jugada arriesgada pero de la que logra salir indemne la historia ideada por el también director Matthew Vaughn. Eso se debe porque se decanta por ofrecer una historia que pese a sus dosis de espionaje como las previas, prevalece en ella un tono de drama y aventuras de época con gotas de humor que la hace tan sorprendente como atractiva, destacando su acertada ambientación, donde hasta el más pequeño detalle nos sitúa sin problemas en los albores del siglo XX en el que acontece la acción.

De todas maneras uno puede discrepar en detalles como su prólogo, en el que uno se pregunta que tipo de película le van a ofrecer ya que dista mucho de las anteriores entregas. No digo que sea equivocado (muy al contrario está perfectamente realizado), pero será después cuando lo allí mostrado sirva para evaluar el periplo emocional de los personajes de Ralph Fiennes y Harris Dickinson, especialmente el segundo al tener que luchar contra la excesiva protección de su padre en la ficción. También puede ser discutible la escena en privado que comparten los personajes de Fiennes e Ifans, ya que rozaría un tipo de humor grotesco que parece no cuadrar con el tono de lo visto hasta aquel momento, si bien el personaje de Rasputín se convierte en el mejor secundario del presente film, superando incluso la dificil triple tarea del actor Tom Hollander, que se encarga de ser Jorge VI de Inglaterra, Guillermo II de Alemania y Nicolás II de Rusia. 

En resumidas cuentas esta precuela es tremendamente entretenida ya que sabe combinar, con mayor o menor acierto, la mezcla de elementos propios del drama de época con los detalles habituales de esta saga, a lo que añadir unas escenas de acción muy bien desarrolladas (atención por ejemplo a esos planos desde el punto de vista de las espadas), si bien creo que ninguna logra sorprender tanto como la que tenía en la primera película Colin Firth dentro de una iglesia (aunque también es cierto que en ningún momento se busca aquel exceso frenético, siendo la única excepción en este film el combate con Rasputín, a tono con lo histriónico del tono que Ifans le otorga al personaje) A eso se le añade un muy adecuado reparto y un ritmo bastante constante, y el resultado final es una historia tan simpática como bien desarrollada, dejando con las ganas de que se vuelva a lo que aqui plantea Vaughn. 

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de diciembre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.

SIN TIEMPO PARA MORIR, y casi sin para aburrir (crítica sin spoilers)

Otra de las muchas películas damnificadas por la pandemia mundial del Coronavirus fue Sin tiempo para morir, el quinto film de la saga Bond con Daniel Craig interpretando al protagonista. Ya de por si en un inicio tenía que haberse estrenado a finales de 2019, cuando su director era Danny Boyle, el cual al final abandonó dejando el camino abierto para Cary Fukunaga, que ha sido al final el responsable del presente film. No había mayor problema y por eso se retrasó hasta primavera del 2020, pero a partir de ahi el problema fue la citada pandemia mundial que retrasó el estreno de esta película hasta en tres ocasiones: finales del 2020, primavera del 2021 y la definitiva en octubre de 2021.

Con esta Sin tiempo para morir el actor Daniel Craig se convierte en el Bond más duradero de las últimas décadas, y el tercero respecto a Roger Moore (que lo encarnó en siete ocasiones) y Sean Connery (que lo hizo en seis ocasiones oficiales, siete si contamos la apócrifa Nunca digas nunca jamás) Los cuatro títulos precedentes a este fueron Casino Royale, Quantum of solace, Skyfall y Spectre, siendo el metraje en todos los casos bastante superior a las dos horas (con la excepción de Quantum of solace, que se podría catalogar desde mi punto de vista como el más flojo de la etapa Craig), pero en este caso con esta cinta marcamos record con 163 minutos de metraje, lo que la convierte en la entrega más extensa de toda la franquicia hasta el momento. Pese a dicha extensión, el resultado final es tan acertado que cuesta imaginar por donde irá en futuras entregas.

 

Lo que ha caracterizado al Bond de Daniel Craig ha sido dotarle de un valor humano del que carecía en sus encarnaciones precedentes, el cual se ha ido desarrollando al mismo tiempo que la franquicia ofrecía todos esos detalles tan habituales a la misma que vienen a ser su seña de identidad. Esa evolución ha sido más o menos palpable en cada nueva entrega, pero en esta 25ª película del popular agente y (como ya he dicho más arriba) la 5ª y última de Daniel Craig, se nos ofrece un cierre espectacular cuyas connotaciones resulta innegable que causarán polémica, pero que ha ofrecido una inesperada (y sensata) novedad a un producto de casi seis décadas de antigüedad en la gran pantalla, que nació en una época pretérita ya bastante superada. A partir de aqui se intuye un cierto cambio si se quiere mantener la continuidad planteada en las cinco entregas de Craig (con elementos que las entrelazan), aunque también cabe la posibilidad de algún tipo de reboot, pero quisiera decantarme más por lo primero que por lo segundo ya que haría oficial la teoría esa de que James Bond es un nombre clave que ha ido pasando de generación en generación y de agente en agente.

 

Pero en lo referente a esta Sin tiempo para morir hay que admitir que ofrece todo lo que uno espera del personaje y al mismo tiempo consigue ir más allá, con ciertos detalles que podrán gustar más o menos, pero que sin duda alguna no dejarán indiferente a nadie. Dicho propósito requiere mucho trabajo, y de ahi la extensa duración de 163 minutos, que se notan por el tiempo que representa pero que logran mantener la atención del espectador en (casi) todo momento, habiendo ciertas irregularidades en su ritmo perfectamente achacables a sus ambiciosas pretensiones. Los villanos de esta larga franquicia se han caracterizado primero por la Guerra Fría vigente en el momento en que nació el personaje, para luego evolucionar en megalómanos con ansias de dominación mundial, siendo (más o menos) en esta última categoría donde se podría englobar al encarnado aqui por Rami Malek, al que en inicio parece moverle la venganza, pero que en el tramo final demuestra unas ambiciones más amplias (y genocidas) Quizás no sea el mejor al que se ha enfrentado 007, pero sin duda marcará el hecho trangresor al que lleva al popular personaje casi 60 años después de su primera aventura en cines.

 

Si algo ha caracterizado a esta franquicia han sido detalles que han permanecido a lo largo de los años, siendo uno de ellos el de un prólogo previo a los títulos de crédito iniciales, que en este caso se extiende durante los 30 minutos iniciales, pero que funciona de forma realmente notable. Tras él, y la canción de Billie Eilish carente del gancho de temas precedentes, asistimos a una historia que recoge tanto elementos previos como novedosos, dando la sensación de que evoluciona por tramos que se entrelazan para formar un conjunto (más o menos) homogéneo. Se recuperan ciertos conocidos a esta saga como son Léa Seydoux repitiendo su papel de Madeleine ya visto en Spectre (y haciéndolo más trascendental), Naomie Harris como Moneypenny, Ralph Fiennes como M, Ben Wishaw como Q Jeffrey Wright como Felix Leiter y un cameo de Christoph Waltz como Blofeld. A ellos se añaden dos presencias femeninas contrastadas: por un lado la agente que en inicio consta como relevo de Bond (encarnada por Lashana Lynch) y por otro una Ana de Armas que vuelve a coincidir con Craig tras Puñales por la espalda, y que ofrece una actuación realmente destacable.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de octubre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Es un magnífico cierre a la etapa de Daniel Craig como 007 en su sabia conjunción de elementos clásicos de la franquicia con novedades transgresoras pero (desde mi punto de vista) acertadas.
  
• LO PEOR: Su extenso metraje hace que el ritmo tenga ciertos altibajos, por otra parte comprensibles.
  

HOLMES Y WATSON, tan mala como pegar a una madre (o incluso peor)

Sherlock Holmes y su gran universo es sin duda todo un clásico que a lo largo de las décadas se las ha visto de todos los colores, bien sean con las adaptaciones más o menos fieles a las obras de su creador (Sir Arthur Conan Doyle) o bien sean variantes de todo tipo y condición en donde sus andanzas han ido más allá de la intriga implícita en su base, para entrar en todo tipo de estilos (de comedia a fantástico o ciencia-ficción pasando por la modernización de su mundo o enfrascándolo en todo tipo de aventuras más o menos canónicas, divertidas o dignas de algún tipo de mención) Si nos ceñimos, al igual que el presente título, al género de la comedia, destacaría la película Sin pistas (1988), en la que Michael Caine y Ben Kingsley eran Holmes y Watson en una cinta donde se invertian los roles característicos de este popular dúo con un divertido resultado tan efectivo como simpático.

En tiempos más recientes las adaptaciones de mayor éxito han sido la serie de televisión Sherlock (en la que se hacia una bastante acertada actualización de su base literaria) y las dos películas dirigidas por Guy Ritchie con Robert Downey Jr. como el popular detective y Jude Law como Watson. En ambos casos se jugaba en ocasiones con la comedia con resultados más o menos efectivos, que se hacían más claros en las cintas de 2009 y 2011, las cuales gozan tanto de detractores como de defensores, si bien en términos generales las aceptaron bien tanto la crítica como el público. Sería justo por aquel entonces cuando también empezó a dar vueltas el proyecto de la presente película.

Con un libreto de Etan Cohen, que al final ha sido también el director de esta Holmes y Watson, en un inicio el papel del popular detective iba a estar en manos de Sacha Baron Cohen con Will Ferrell como Watson, pero finalmente este último se encargó de Holmes entrando John C.Reilly (actor con el que Ferrell ha coincidido en algunas comedias que un servidor no ha visto) para encarnar al citado Watson. El reparto se completa con actores como Steve Coogan, Rebecca Hall, Hugh Laurie y Ralph Fiennes, estos dos últimos encarnando a personajes canónicos como Mycroft y Moriarty respectivamente. Pero algo huele a chamusquina cuando la película es despreciada por crítica y público, logrando además seis nominaciones a los premios Razzie: las de peor película, peor director (Etan Cohen), peor actor (Will Ferrell), peor secundario (John C. Reilly), peor pareja (los citados Ferrell y Reilly) y peor precuela, remake, copia o secuela. En su versión española la cinta cuenta con las voces de Santiago Segura como Holmes y Florentino Fernández como Watson, sumando el handicap de ser un par de cómicos no del gusto de todo el público, aunque tampoco sería la primera vez que le prestan sus voces a Ferrell y Reilly (ya lo hicieron en Hermanos por pelotas, película de 2008 que no he visto)

El resultado final confirma las peores previsiones, ya que al menos 5 de los 6 Razzies a los que está nominada los tendría más que merecidos, porque nos encontramos ante una evidente película de parodias con guiños a otras películas, pero no precisamente de las buenas sino de las que toman al espectador por imbecil con supuestos chistes de vergüenza ajena. De los actores protagonistas lo de Ferrell y Reilly es demencial, representando unos personajes que son un puro esperpento, hasta el punto de que estén juntos o separados en pantalla molestan por igual. Que en el reparto tengan a unos actores de calidad como Ralph Fiennes o Hugh Laurie para infrautilizarlos es injustificable (en el caso del segundo tan solo tiene una escena donde permanece sentado) En busca del humor más zafio se rejuvenece a la señora Hudson cual si fuera la Tia May encarnada por Marisa Tomei, haciendo de ella una ninfómana que se lleva al catre (y no precisamente al suyo) a todo tipo de personajes históricos, dando igual que la simple presencia de algunos de ellos sea del todo anacrónica. Aunque tampoco importa por no ser lo único, ya que hay menciones a la brecha salarial entre hombres y mujeres o, en su tramo final lo que acontece en cierto transatlántico muy conocido, que se notan de forma evidente que están desubicadas de su época.

Y aún hay mucho más, porque si es al popular detective a quien hay que parodiar, también se usan aspectos de las cintas de Guy Ritchie, como esos cálculos mentales de Holmes previos a ciertas acciones o el meter al personaje en un combate de boxeo (aunque ni importe ni sea necesario) En el caso de algunas parodias da incluso la sensación de que se aprovechan de alguna primera versión del guión porque sino no se entiende el incluir el guiño más evidente que se pueda uno imaginar de la película Ghost (con tema musical incluido) teniendo en cuenta que es un film de hace casi tres décadas (y esto aún da para mucho más, como por ejemplo un delirante selfie con la Reina Victoria) Con semejantes detalles supongo que queda bien evidente que el ¿argumento? de poco importa, hasta el punto de que se hace al final un retorcido giro mediante el cual se "resuelve" el misterio echando mano de un forzado parentesco con ese Moriarty que uno se pregunta como es que no se ha cargado a esos dos memos que es como quedan representados aqui Holmes y Watson. Encima el pase al que asistí fue con la versión doblada antes citada, con un resultado aún peor porque las voces sabes a quien pertenecen y la sensación de desubicación es aún mayor.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de febrero de 2019
• LO MEJOR: Nada (como mucho si acaso unos decorados correctos)
• LO PEOR: Todo (en especial el duo Ferrell-Reilly, sinceramente grotesco)

SPECTRE, (casi) la mejor entrega de la etapa CRAIG y... ¿final de su ciclo?

Si los estrenos del 2015 destacarán en algo es por la buena salud que tienen las películas de espias, porque tras las acertadas Kingsman: Servicio secreto y Misión Imposible: Nación secreta ahora nos llega la entrega 24 de la larga franquicia de James Bond, y lo hace con un título brillante cuyo desarrollo ya deja entrever un final de ciclo para Craig (lo que lo igualaría al anterior Pierce Brosnan, que también estuvo cuatro películas como 007).

La actual etapa de la serie se inició con la (bastante) acertada Casino Royale, siguió en la (tan solo) correcta Quantum of solace y mejoró en Skyfall, de la que ahora repite no solo Daniel Craig como Bond sino que además Sam Mendes como director. De esa manera Spectre convence con creces y ha sido toda una agradable sorpresa, hasta el punto de que creo que estamos ante (casi) la mejor entrega de la etapa Craig.

Si con Muere otro día (el último Bond de Brosnan) se hizo una película con muchas referencias a los episodios anteriores (con motivo de ser el vigésimo título de la extensa saga), otro tanto sucede aqui, donde son fáciles de localizar los guiños a Goldfinger o Al servicio secreto de su majestad, si bien son las tres películas previas las que tienen más peso en la historia, para que todo quede hilvanado y sean tan solo estaciones de paso hacia el ¿final? de trayecto que aqui tenemos.

El mismo título (Spectre) ya nos lleva a recordar la mítica organización con la que lucho el personaje en el pasado, e incluso tendremos sorpresa cuando se desvele el nombre del villano al que da vida Christoph Waltz (y que luego comprobé que salía en los títulos de crédito, aunque no así en la ficha de IMDB) ya que sería la más icónica némesis de Bond, el equivalente a lo que es el profesor Moriarty para Sherlock Holmes (y ya no digo más por ser spoiler, pero a buen entendedor pocas palabras bastan)

El segundo título de Brosnan como Bond no fue el más acertado de ellos pero si que nos presentó a un villano con una motivación más o menos creible y "coherente" (dentro de los parámetros por los que se mueven los villanos de esta franquicia): la dominación de los medios de comunicación de todo el mundo, para así dominar la opinión de las masas, era lo que movía al Elliot Carver al que daba vida Jonathan Pryce en El mañana nunca muere en un 1997 aún pre-internet.

Parte de eso se recupera aqui en un orwelliano Gran Hermano que lo controla todo y a todos, y que parece que "jubila" a los agentes de la vieja escuela como James Bond (ya que aqui ese "control" se supone que está del lado de los buenos) pero atentos al que promueve esto, al que da vida el actor Andrew Scott (el malvado Moriarty de la serie de la BBC Sherlock), que aqui no está tan histriónico como lo vimos en la citada serie televisiva británica, pero con el que tendremos alguna que otra sorpresa (que no diré si es buena o mala porque es spoiler)

Naomie Harris se sumó a esta franquicia en Skyfall como la mítica Moneypenny, que aqui demuestra identidad propia, sin caer en los estereotipos clásicos del personaje. Asimismo Ralph Fiennes tomó el relevo de Judi Dench como jefe de 007 (aunque hay brevísimo cameo de la previa), papel que aqui desarrolla de una manera más amplia, en especial en el climax final en Londres. Otros que repiten serían Ben Whishaw como Q, que también colaborará en las nuevas aventuras de Bond de manera más o menos activa, y Jesper Christensen como el villano Mr.White al que ya vimos en las dos primeras entregas de la etapa Craig: Casino Royale y Quantum of solace.

Las mujeres siempre han sido un elemento primordial de esta serie, y aqui tenemos a dos para cumplir ese papel... aunque más bien sea tan solo una: Léa Seydoux sería la importante, porque la presencia de la más famosa Monica Bellucci en tan solo testimonial en un par de escenas (también mencionar la fornida presencia de Dave Bautista, que se dió a conocer por Guardianes de la galaxia, como uno de los esbirros del villano)

Y todo esto en sus casi dos horas y media de metraje, que saben mantener la atención del espectador ya desde su clásico prólogo, donde quizás hubiera hecho falta una canción tan potente como la que tuvo Casino Royale o (en el film en si) una chica que marcase tanto a Bond como lo hacía allí la Vesper Lynd a la que daba vida Eva Green (sin desmerecer aqui el rol de Seydoux, aunque es solo OTRA chica más y no LA chica, como ocurría en la citada Casino Royale)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• Más información en la web de la película
• EL DETALLE: Las múltiples referencias a entregas pasadas, sobretodo de la etapa Craig.
• EL MOMENTO: Cuando el villano dice su nombre REAL, que todo buen fan enseguida reconocerá.
• LO MEJOR: Lo bien que consigue mantener el interés del espectador pese a su extensa duración.
• LO PEOR: Que este sea posiblemente el final de la etapa Craig.

GRANDES ESPERANZAS de MIKE NEWELL, con RALPH FIENNES y HELENA BOMHAM CARTER en una nueva adaptación del clásico de DICKENS

FICHA TÉCNICA 

Título: Grandes esperanzas
Título original: Great Expectations
Dirección: Mike Newell
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 27/03/2013
Duración: 128 min.
Género: Drama
Reparto: Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Jeremy Irvine, Jason Flemyng, Robbie Coltrane, Ewen Bremner, Holly Grainger, Sally Hawkins, David Walliams, Sophie Rundle
Guión: David Nicholls
Distribuidora: A Contracorriente Films
Productora: BBC Films, Number 9 Films, Lipsync Productions, iDeal Partners Film Fund, Unison Films

SINOPSIS 

Basada en la novela homónima del inmortal Charles Dickens la cinta es una nueva adaptación espera atraer al espectador al universo del genial novelista inglés. Narra la historia de Philip Pirrip (Jeremy Irvine), más conocido como Pip. Humilde huérfano que vive con su rigurosa hermana y el marido de esta. Durante una visita a la tumba de sus padres se encuentra con un convicto -Magwitch (Ralp Fiennes)- el cual, mediante coacción, consigue la ayuda de Pip para conseguir comida y herramientas con las que liberarse de sus grilletes.

Pasa un tiempo y Pip es enviado a casa de Miss Havisham (Helena Bonham Carter) para entretenerla. Miss Havisham es una mujer despechada que odia a todos los hombres ya que fue abandonada el mismo día de su boda. Allí conoce a la joven Estella (Holliday Grainger) que le robará el corazón. De forma imprevista, Pip -que se estaba preparando para ser herrero- recibe una herencia de un anónimo benefactor que pone como condición que vaya a Londres para ser educado entre la flor y nata de la sociedad londinense.

Al cabo de los años el protagonista vuelve para intentar conseguir el amor de Estella. Pero el oscuro origen de su fortuna, desconocido para él mismo, está a punto de salir a luz. Lo que originará que sus planes no marchen de la forma deseada.

CRÍTICA

Con permiso de William Shakespeare se puede decir que Charles Dickens es el novelista inglés más famoso, y sus obras son clásicos que han ido pasando de generación en generación, y que han tenido multitud de adaptaciones en todo tipo de medios (como es el cine) Aunque las más conocidas por la mayoría son David Copperfield, Oliver Twist y, sobretodo, Cuento de Navidad, otro de los grandes títulos de Dickens es Grandes esperanzas, que también ha tenido varias versiones siendo la más reciente la de 1998 dirigida por Alfonso Cuarón y con Ethan Hawke, Robert de Niro y Gwyneth Paltrow en los principales papeles, aunque ambientada en la actualidad.

Ahora nos llega esta nueva visión de la inmortal obra, adaptada en su tiempo original y con Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter como cabezas de cartel en un film dirigido por Mike Newell (responsable de títulos tan variados como Cuatro bodas y un funeral, Donnie Brasco, La sonrisa de Mona Lisa, Harry Potter y el cáliz de fuego o Prince of Persia: Las arenas del tiempo entre otros ejemplos) El mismo nos ofrece una versión clásica de la historia a todos los niveles, pecando quizás de un exceso de corrección y buenos modales, hasta el punto de que lo que tendría que emocionar no lo hace (por culpa quizás de una pareja protagonista demasiado sosa) dejando un resultado final correcto, concreto y entretenido como lo puede ser cualquier serie de época de la BBC (que, ¡mira tú por donde!, son productores de este film) pero sin hacerlo destacable.

Los actores más conocidos del reparto serían los únicos que pueden salvar la función (aparte de los antes citados mención también para Robbie Coltrane), pero sus papeles secundarios los hacen brillar de manera intermitente, si bien en el caso de Helena Bonham Carter es muy facil imaginársela en su rol de desequilibrada (personaje que le viene como anillo al dedo) si bien su actuación es más contenida de lo que uno podría imaginarse. El "relativo" problema radica no sólo en ser una versión quizás demasiado "británica y formal", con toda la corrección y el protocolo que uno presupone de ello (detalles como vestuario, maquillaje o ambientación estan bien logrados, algo usual en films así), sino en la lógica comparación que tendrá con las versiones anteriores (algunos clásicos del cine, como la de David Lean de 1946)

Y es que el mayor problema que tiene algo que dice ser nuevo es parecer antiguo (lo cual no significa que malo) que es lo que le ocurre a Newell en su versión de la obra: si adaptas a Dickens tienes que tener actores solventes que le den fuerza y vigor a los diálogos y las profundas emociones que tienen sus originales literarios. En el caso de los jóvenes Jeremy Irvine y Holliday Granger (que tienen a su cargo la pareja protagonista) pecan de una frialdad totalmente contraria a lo que se supone que nos tienen que transmitir (detalle que quedó mejor resuelto en la versión de Cuarón que en esta, por más que aquella fuera moderna) siendo algo patente sobretodo en ella donde no se ve por ninguna parte la supuesta seducción despiadada que ejerce su personaje.

LO MEJOR: Los secundarios Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter y Robbie Coltrane (aunque de manera desigual), así como la lógica (y esperable) corrección en los detalles técnicos (ambientación, vestuario, etc.) para lograr situarnos en el Londres de hace dos siglos.

LO PEOR: Que manejando material como para sacar un gran film se quede solo en entretenido por la fría labor del director (que hace que la palabra "clásico" sea más un defecto que una virtud) y por la sosa e insustancial pareja protagonista.

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SKYFALL de SAM MENDES, la nueva y destacable aventura de 007

FICHA TÉCNICA

Título: Skyfall
Título original: Skyfall
Dirección: Sam Mendes
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 31/10/2012
Duración: 143 min.
Género: Thriller, Aventuras, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Ralph Fiennes, Daniel Craig, Javier Bardem, Judi Dench, Helen McCrory, Bérénice Marlohe, Albert Finney, Naomie Harris, Ben Whishaw, Ola Rapace
Guión: Neal Purvis, Robert Wade, John Logan
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), United Artists, Columbia Pictures, Eon Productions, Danjaq

SINOPSIS

Skyfall es la película número 23 de James Bond, el agente 007 (Daniel Craig). En esta ocasión, Bond pone a prueba su lealtad hacia M (Judi Dench) cuando el pasado de ésta le acecha. El MI6 es atacado y Bond deberá rastrear, interceptar y destruir la amenaza, aunque para ello tenga que asumir incalculables costes personales.

CRÍTICA

La franquicia del famoso agente 007 llega con este Skyfall a su título 23, que coincide en tiempo con el 50 aniversario del personaje (desde su primera aparición en pantalla a cargo del mítico Sean Connery). Con este film además completa Daniel Craig su trilogía encarnando a James Bond (tras la destacable Casino Royale y la NO tan destacable Quantum of solace) hecho que se prevee que continue en futuras entregas (si ahora vuelven a pillar el ritmo bianual, la próxima tocaría para el 2014) Y es que esta película llega con retraso (lo mismo que le ocurrirá a la saga de El Hobbit) debido a todos los problemas económicos que tuvo la MGM, lo cual retrasó en este caso un film que tenía que haber llegado a las pantallas a finales del 2010 de haber seguido los planes iniciales (recordemos que esta saga siempre ha procurado ofrecernos nuevas aventuras cada dos años por regla general, salvo algún periodo más largo generalmente por cambio de actor protagonista)

Contando además el bajón de calidad que hubo en su anterior entrega, mayor era el deseo de ver por que nuevos derroteros iba a circular James Bond; y en este caso se puede decir que la espera ha merecido la pena. Contra lo que he leído y/o escuchado por muchos sitios, NO creo que estemos ante la mejor entrega de la saga, e incluso no la considero, por poco, tan lograda como fue Casino Royale (si nos atenemos a la etapa de Daniel Craig en el personaje) pero aún así me parece una muy destacable y entretenida película de la saga Bond que sin duda alguna contentará a sus fans, a lo que ayuda la sorprendente y eficaz dirección de Sam Mendes (responsable entre otras de American Beauty y Camino a la perdición) que nos ofrece algo más allá del simple encargo impersonal (todos sabemos que en sagas así el director no suele ser el que más manda) dotando de drama y profundidad a un personaje que creiamos puro estereotipo, y rodando unas escenas de acción que son entendibles para el espectador, alejándose de la moda imperante del batiburrilo visual en el que al final no distingues nada.

Aunque en principio el Bond encarnado por Craig tenía ciertas semejanzas con el Jason Bourne de la trilogía con Matt Damon (sobretodo en el hecho de dar más realismo a la acción, quitándose los chismes tecnológicos tan clásicos de 007) esta película parece como si fuera un nuevo reinicio hacia los elementos tradicionales, y en donde conocemos detalles de los orígenes del protagonista, lo que le emparenta (por tono y estilo, ver sobretodo el intenso tramo final) al Batman de Christopher Nolan, a lo que ayuda además un destacable Javier Bardem de villano, que alejado de los típicos megalómanos de otras entregas, compone aqui a un Silva con un estilo parecido al que Heath Ledger hizo con el Joker en El Caballero Oscuro (aunque su escena en prisión puede recordar al Doctor Hannibal Lecter de El silencio de los corderos, incluyendo la empatía que provoca al espectador)

Otro de los detalles típicos de la saga Bond han sido sus chicas, pero aunque aqui las hay (por partida doble) la verdadera protagonista femenina sería una genial Judi Dench, ya que las otras o bien son inexpresivas cual piedras (Bérénice Marlohe) o bien guardan sorpresas que no voy a spoilear a ningún espectador (Naomie Harris) que son nuevos detalles a sumar a ese "retorno a los orígenes" que parece querer emprender Skyfall: a lo citado sumaría el papel que tomará el personaje de Ralph Fiennes (otro spoiler) o la inclusión de un joven Q, que será el que le aporte a Bond toda la tecnología necesaria (si bien aqui no es que sea muy extensa, algo que le permite a Craig soltar una de las muchas frases lapidarias con las que acomete al personaje por tercera vez)

Ya que he citado antes a Nolan, da la casualidad que el mencionado director de la trilogia de Batman ha comentado su interés por dirigir un film de James Bond, por lo que viendo como circula la historia de Skyfall, pueden haber sentado las bases para que la próxima entrega la firme el responsable de Memento. Aún así no hay que olvidar que estamos ante un producto de entretenimiento, y aunque el derrotero hacia el drama que toma Skyfall está bien (dejando a la acción en un segundo plano para profundizar en los personajes) puede pecar de grandilocuencia (evidente en su duración, casi dos horas y media, aunque muy bien llevadas y sin aburrir en ningún momento) intentando hacer profundo algo que, en esencia, es lo que es.

EL DETALLE: La casa solariega del tramo final, la visión de las tumbas de los padres de Bond, lo tormentoso y dramático del personaje... es evidente el guiño hacia el Bruce Wayne de la trilogia de Nolan. Pero para detalle citaría el momento homoerótico entre Bardem y Craig tras la entrada en escena del villano encarnado por el primero (hecho que, también hay que decirlo, tarda más de una hora en producirse)

LO MEJOR: Aunque en sagas así suelen quedar en segundo plano, sin duda alguna destacaría la labor de Mendes a la dirección y de Neal Purvis, Robert Wade y John Logan en el guión (aparte de un genial Daniel Craig, una excelente Judi Dench, un sorprendente (para bien) Javier Bardem y unos acertados Ralph Fiennes y Ben Whishaw (el nuevo Q)

LO PEOR: Que siendo una vuelta a los orígenes del personaje (o al menos eso parece) algunos detalles queden tan flojos (como por ejemplo unas casi inexistentes chicas Bond) aparte de dispararse la duración (casi dos horas y media, eso si, muy bien llevadas)

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE (PARTE 2)

FICHA TÉCNICA

Título: Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte II
Título original: Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2
Dirección: David Yates
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2011
Fecha de estreno: 15/07/2011
Duración: 130 min.
Género: Aventuras, Acción, Fantástico
Reparto: Emma Watson, Ralph Fiennes, Daniel Radcliffe, Helena Bonham Carter, Gary Oldman, Rupert Grint, Tom Felton, Bonnie Wright, Alan Rickman, Jamie Campbell Bower
Guión: Steve Kloves
Distribuidora: Warner Bros. Pictures

SINOPSIS

El esperado momento está aquí: 'Harry Potter' llega a su fin y, como era de esperar, tras años de aventura, pérdidas, amistades, amor y terror, Harry se enfrenta a su peor pesadilla en la batalla final. Destruir los Horrocruxes restantes y detener así el reinado de Lord Voldemort son sus objetivos y, como siempre, Ron y Hermione estarán allí para ayudarle.

Todo será puesto a prueba: sus habilidades como mago, su poder, las lealtades de aquellos de los que nunca se habría dudado. Todo, en la más excitante batalla entre el bien y el mal. Las cartas están echadas.

FURIA DE TITANES (2010)

FICHA TÉCNICA

Título: Furia de titanes
Título original: Clash of the Titans
Dirección: Louis Leterrier
País: Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 31/03/2010
Duración: 108 min.
Género: Drama, Acción, Fantástico
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Sam Worthington, Gemma Arterton, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Nicholas Hoult, Alexa Davalos, Danny Huston, Jason Flemyng, Mads Mikkelsen, Izabella Miko
Guión: Phil Hay, Matt Manfredi
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Legendary Pictures, Thunder Road Pictures

SINOPSIS

Remake de la épica historia de la lucha por el poder entre hombres, reyes y dioses. Perseo (Sam Worthington) nació como un dios pero se comporta como un hombre incapaz de salvar a su familia de las garras de Hades (Ralph Fiennes). Sin nada ya por lo que merezca la pena vivir, Perseo acepta ponerse al servicio de Zeus (Liam Neeson) para viajar hasta el infierno y derrotar a Hades; pero, para conseguir su objetivo, primero tendrá que aceptar su condición de dios.

CRÍTICA

Cuando iba a la escuela recuerdo que cuando nos tocó aprender cosas sobre la Antigua Grecia, una de mis favoritas era lo referente a sus deidades. Y es que en una época donde estaban de moda culebrones televisivos como Dallas y Dinastia, toda la orgía de linajes que había en el Olimpo convertía el tema en un gran entretenimiento (era como en las citadas series, donde todos se liaban con todos en una orgía continua). Fue justo en aquella época cuando ví, en un pase televisivo, el film original en el cual se supone que está basado este, una Furia de Titanes que contó con los maravillosos efectos especiales de Ray Harryhausen, entrañables dentro de su estilo retro pero que parece ser que fueron uno de los motivos del fracaso en taquilla de la película (en aquellos tiempos daban sus primeros pasos efectos especiales más elaborados como los de la trilogia galáctica de George Lucas).

Mis recuerdos de dicha película quedan lejanos en el tiempo, si bien la sensación que rememoro que me produjo fue de un film entretenido y aceptable, con escenas como las de la Medusa que se quedaron grabadas en mi mente (quizás ahora, con el tiempo transcurrido y con el reciente visionado de su remake tal opinión cambiara para mejor... o peor) Es por eso que he ido a ver esta nueva versión de aquel film de manera "límpia", sin llevar el recuerdo reciente de su base y (por lo tanto) sin tener material con el que compararla. Pero eso no es necesario.

Seamos claros, esta película se ha hecho gracias al éxito hace pocas temporadas del film 300 de Zack Snyder. Si bien no se puede comparar el estilo visual de ambas películas, si que en términos generales podemos decir que "van de lo mismo": aventuras y acción en el marco histórico de una época pasada (llámese esta Grecia, Roma, Esparta o lo que sea) Asimismo el éxito de la trilogia del Señor de los Anillos también se nota en el resultado final, para lo cual citaría como ejemplo algunas de las criaturas que pululan por el metraje de este film, que parecen dignas herederas de los orcos y demás bichos de aquella saga (y no es la única semejanza, porque quien recuerde El laberinto del Fauno enseguida lo situará en su mente tras ver a las brujas Estigias)

En el apartado del guión no conservo fresco el recuerdo de la anterior versión, pero algunos que si lo han hecho citan lo mucho que se ha simplificado el argumento. No me extraña cuando en si no hace falta ser muy listo para ver los simples esbozos que conforman la base de la película, que está más bien sustentada en las progresivas batallas con monstruos de toda clase y condición. Eso desmerece el trabajo de algunos secundarios muy buenos pero que casi pasan de refilón como Pete Postlethwaite, Liam Neeson o Ralph Fiennes (estos dos últimos en su primer encuentro delante de las cámaras tras La Lista de Schindler) Y es que el héroe de la función, encarnado por Sam Worthington, no aporta ninguna chispa o detalle especial que ayude a acordarse de él (¿donde está su supuesto carisma de héroe de acción?).

Pese a todo es gracias a su correcta duración y a un ritmo que no desfallece nunca que la película consigue ser el entretenimiento que uno (por otra banda) esperaba, mejorando los efectos especiales de su anterior versión y con escenas tan logradas como las que transcurren en la guarida de la Medusa o el ataque final del Kraken (si no fuera, todo hay que decirlo, porque los innumerables trailers previos rompieron esa sorpresa) Como es lógico, la película gana muchos puntos cuando se dejan de ciertas cursilerias argumentales y van directos al grano, para lo cual demuestra ser todo un experto el director Louis Leterrier (a quien debemos títulos como Transporter o El increible Hulk)

La duda final está en el formato, ya que muchos pensarán si verla en 3D o en 2D. En mi caso me decanté por esta última opción y os puedo asegurar que es perfectamente disfrutable, ya que (no en vano) fue así como se rodó, incluyéndose el efecto 3D en postproducción (y de una manera, según los que la han visto así, que le resta muchos puntos al resultado final).

LO MEJOR: Entretiene y no aburre, que en última instancia es lo que uno le pide a un film de estas características y es lo que este ofrece con creces.

LO PEOR: Si nos fijamos más allá de su espectacularidad, el guión resulta simple.

EL LECTOR de Bernard Schlink

FICHA TÉCNICA

El lector
Bernard Schlink
Anagrama, 2003, 208 páginas

SINOPSIS

Michael Berg tiene quince años. Un día, regresando a casa del colegio, empieza a encontrarse mal y una mujer acude en su ayuda. La mujer se llama Hanna y tiene treinta y seis años. Unas semanas después, el muchacho, agradecido, le lleva a su casa un ramo de flores. Éste será el principio de una relación erótica en la que, antes de amarse, ella siempre le pide a Michael que le lea en voz alta fragmentos de Schiller, Goethe, Tolstói, Dickens... El ritual se repite durante varios meses, hasta que un día Hanna desaparece sin dejar rastro. Siete años después, Michael, estudiante de Derecho, acude al juicio contra cinco mujeres acusadas de criminales de guerra nazis y de ser las responsables de la muerte de varias personas en el campo de concentración del que eran guardianas. Una de las acusadas es Hanna. Y Michael se debate entre los gratos recuerdos y la sed de justicia, trata de comprender qué llevó a Hanna a cometer esas atrocidades, trata de descubrir quién es en realidad la mujer a la que amó... Bernhard Schlink ha escrito una deslumbrante novela sobre el amor, el horro y la piedad; sobre las heridas abiertas de la historia; sobre una generación de alemanes perseguida por un pasado que no vivieron directamente, pero cuyas sombras se ciernen sobre ellos.

RESEÑA

En esta obra se basaron para el film protagonizado por Ralph Fiennes y Kate Winslet que le otorgó un Oscar a esta última en la categoria de mejor actriz, algo que (una vez leída la novela original) no puedo menos que certificar como todo un acierto. Y es que la actriz dotó de tal fuerza y decisión a su personaje de Hanna que en todo momento tenía en mente su interpretación en el film, sin duda ajustadísima a lo que se nos cuenta. Eso lleva a sentimientos contrapuestos, ya que el no tan emotivo narrador de la historia (Michael Berg, en el film Ralph Fiennes en su versión adulta) demuestra más pasión en la parte inicial que en el tramo medio y final, quizás debido a que todo se inicia con una relación amorosa y erótica narrada con tanto detalle que uno al final acaba sintiendo lo mismo que siente su protagonista.

También habría que citar que el leitmotiv de la historia (que aqui no desvelaré) puede resultar un poco absurdo, pero es el que el autor usa para hacernos pensar sobre hasta que punto una generación es responsable de lo que ha hecho justo la anterior, aqui centrado en la acusación que se hace sobre Hanna, la protagonista, de haber estado como miembro de las SS durante la Segunda Guerra Mundial en un campo de concentración y más exactamente en unos hechos que derivaron en la muerte de varias personas en una iglesia en llamas.

La tónica general es que estos relatos de supervivientes estén narrados desde el punto de vista de las víctimas, siendo quizás la relativa novedad de este que sean los sospechosos verdugos. Ahi entran en juego dos sentimientos, por un lado el de la protagonista (¿hasta que punto eran culpables los verdugos, o simplemente se limitaban a cumplir órdenes?) así como el narrador (que muchas veces se pregunta y nos pregunta hasta que punto la siguiente generación tiene el derecho y/o el deber de castigar a la generación previa, que propició y salvaguardó el Holocausto judio).

De todas maneras cuando ví la película lo noté (y ahora cuando me he leido la novela me lo he vuelto a encontrar) que la fuerza con la que empieza el relato va poco a poco decayendo en un ritmo más anódino (en ocasiones casi neutral) lo cual creo que se debe a que el autor intenta plasmar a través del protagonista su propia visión de como se siente uno al ser descendiente de una generación que marcó tanto la Historia (y no precisamente para bien), lo cual explica el tono en ocasiones casi como vergonzoso por lo realizado por sus predecesores. Asimismo la propia novela se autocita como sólo un ejemplo más de todas las narraciones que ha habido sobre el Holocausto, y de hecho en ella se nombra la cumbre de tales historias (al menos a nivel cinematográfico) que es La lista de Schindler, desde mi punto de vista superior en ambos apartados (sobre papel y en imágenes) a esta historia, si bien ambas se podría considerar que giran sobre personajes considerados "malvados" y su posterior redención (en el famoso film de Spielberg era el protagonista encarnado por Liam Neeson y en El lector podemos decir que es la propia Hanna, que sólo por no desvelar el secreto sobre el que ha girado su vida asume una culpa a través del castigo que finiquita en una resolución agridulce donde comprendemos, aunque no entendemos, el amargo giro final que deja sellados los destinos tanto de Hanna como de Michael Berg, el narrador de la historia).

LO MEJOR: Es una novela muy ágil de leer (no en vano apenas son unas 200 páginas) y destaca bastante el hecho de que la narración sea en capítulos muy breves, como si el propio autor los enfocara como recuerdos (que es lo que no dejan de ser), poniéndolos de uno en uno. Asimismo la narración es clara y concisa, consiguiendo en ocasiones con una sola frase hacernos meditar más que otras historias que necesitan gran cantidad de paja literaria.

LO PEOR: Quien haya visto la película se hará una idea del tono del libro, y es que no deja de ser una narración más del Holocausto cuyo (relativo) mayor interés sería ver la historia desde el otro punto de vista. Aún así tiene más brio la parte inicial (más juvenil y por lo tanto más fogosa) que la media y final, más apática y vergonzosa (aunque en ningún momento aburrida).

EL LECTOR (THE READER) con Kate Winslet y Ralph Fiennes

FICHA TÉCNICA

Título: El lector (The reader)
Dirección: Stephen Daldry
País: Estados Unidos, Alemania
Año: 2008
Duración: 123 min.
Género: Drama histórico
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: Kate Winslet, Ralph Fiennes, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz, David Kross, Volker Bruch
Guión: David Hare, Bernhard Schlink
Distribuidora: On Pictures
Productora: Mirage Enterprises, The Weinstein Company, Neunte Babelsberg Film
Fotografía: Chris Menges, Roger Deakins
Montaje: Claire Simpson
Música: Nico Muhly
Productor: Anthony Minghella, Arno Neubauer, Charlie Woebcken, Donna Gigliotti, Redmond Morris, Sydney Pollack
Productor ejecutivo: Bob Weinstein, Harvey Weinstein
SINOPSIS

Cuando cae enfermo en su camino a casa desde el colegio, Michael Berg (David Kross) un joven de 15 años, es rescatado por Hanna (Kate Winslet), una mujer que le dobla la edad. Ambos comienzan un inesperado y apasionado idilio hasta que Hanna desaparece inesperadamente.

Ocho años después, Michael, convertido en un joven estudiante de derecho vuelve a encontrarse con su antigua amante mientras está como observador en un tribunal donde se está juzgando a colaboradores de la Alemania Nazi. Hanna está acusada de un horrible crimen y rechaza defenderse a sí misma. Michael, gradualmente, se va dando cuenta de que el amor de su juventud guarda un secreto que considera aún más vergonzoso que el asesinato

CRÍTICA

El lector (the reader) sería la viva imagen de la película que va buscando desesperadamente un Oscar (o varios), como también ocurre con la reciente Revolutionary Road. El problema en ambas es el mismo, y curiosamente no Kate Winslet (sin duda alguna una gran actriz con unas excelentes interpretaciones en ambos títulos) sino una cierta pretenciosidad, presente tanto en el film de Sam Mendes como en el actual de Stephen Daldry.

Con esto no quiero dar a entender que la película no merezca la pena, al contrario. Formada por varios tramos temporales que abarcan toda la vida del protagonista (principalmente en la parte centrada en su relación con el personaje de Kate Winslet) la película se revela como activa e interesante en el tramo inicial (tanto en el de la relación amorosa de ambos personajes como en el posterior juicio) haciéndose sorprendentemente más cansina en su tramo final, que va dando tumbos por diferentes derroteros alargando en al menos 20 minutos lo que hubiera sido la duración perfecta para la historia que nos narra la película.

Dicho argumento se centra principalmente en lo mucho que marcó la vida del protagonista (encarnado por un soberbio David Kross en su juventud y un apático Ralph Fiennes en su madurez) su relación con el personaje encarnado por Kate Winslet, de la que posteriormente se descubren sus verdaderos secretos en el juicio al que tiene que asistir, tanto por sus pecados pasados admitidos como por aquellos que no desea admitir, pero que irá corrigiendo posteriormente a lo largo de los años.

Dicha tortuosa historia que mezcla amor, ignorancia, perdón y/o redención (depende de cada espectador con que se sienta más identificado) peca quizás de grandes altibajos entre la ya citada parte inicial (que transmite más energia, aunque sólo sea por los generosos desnudos), que un apartado final con sabor agridulce y resolución apática (especialmente su último tercio, situado cronológicamente más o menos en la actualidad). Eso se traduce igualmente en sus actores, porque mientras el joven David Kross logra mostrar sus sentimientos con simplemente miradas o gestos (al igual que Kate Winslet en la parte que transcurre durante la relación de ambos o posteriormente en el juicio, especialmente en la escena en la que ella admite cierto hecho) la cosa palidece en su tramo final (el más contemporáneo), probablemente en el caso de ella por el maquillaje que la obliga a aparentar el doble (o más) de los años que tiene, provocando cierta sensación de falsedad. Por su parte Ralph Fiennes está correcto para lo que pide el personaje, si bien demuestra un único registro (el típico de hombre amargado por su pasado) ya visto con anterioridad y que no logra llegar a los sentimientos del espectador (o al menos conmigo no lo consiguieron).

Eso conlleva que valorándola en su conjunto uno no sepa muy bien como calificar a la película, porque de los varios temas que toca no parece querer ahondar en ninguno, si bien los hay que los desarrolla con mayor acierto que otros. Entre los más beneficiados estarían los tramos inicial y medio (donde enseguida conectamos con la historia de amor de los protagonistas, o posteriormente con los sentimientos de él hacia ella al ver donde está y de lo que se le acusa), cayendo posteriormente el relato en una sorprendente apatia (hay momentos donde la película pedía a gritos el final, sin alargar tanto el tema), principalmente a partir del momento en que el protagonista no dice algo evidente (para el espectador) y que podía haber cambiado el curso de los acontecimientos posteriores. Pese a ello el film se deja ver con interés, si bien al final queda uno con la sensación de que sus nominaciones para los Oscars (cinco: mejor película, mejor director, mejor actriz, mejor guión adaptado y mejor fotografía) son demasiadas para los (más bien) justos valores de una cinta simplemente correcta.

LO MEJOR: Kate Winslet, fogosa y sexy en la parte inicial y trágica en la parte jurídica. Pero sobretodo David Kross, que sorprende con una actuación sensible y creible en todo momento. Asimismo los dos tercios iniciales del film, que transcurren respectivamente en la juventud del protagonista y en el posterior juicio al que asistirá al cabo de los años, ambos plasmados de manera interesante y con algunas escenas realmente muy conseguidas.

LO PEOR: Quizás con la pretenciosidad de querer darnos una lección moral, la película tiene un tramo final que peca de ambiguo y apático, donde por un lado no sabes muy bien si se ve con buenos o malos ojos las acciones de la protagonista durante la Alemania nazi, a lo que no ayuda un Ralph Fiennes que está simplemente correcto pero cuya actuación de "alma en pena" consigue bajar todo el entusiasmo conseguido hasta ese momento.

Nuevo cartel de THE READER (EL LECTOR) actualizado con premios y nominaciones

Nuevo poster de THE DUCHESS con Keira Knightley y Ralph Fiennes

El gazapo del Dragón Rojo

Cuando fuí al cine a ver El Dragón Rojo me percate de un gazapo (que en su día incluso cité en una carta que envié al consultorio de la revista Fotogramas, y que citaron en la misma). Este ocurre cuando el agente Will Graham (Edward Norton) está buscando en el cajón de las cintas de video de una de las familias asesinadas por Francis Dollarhyde (Ralph Fiennes). Entre las cintas se ve la carátula de Sra.Doubtfire de Robin Williams. 

 

El gazapo está en que la película de Williams es de 1994, mientras que El silencio de los corderos era de 1991 (en el libro 1988) y este Dragón Rojo (que en el libro se situa hacia 1980) en la película se supone que estaría cronológicamente situada en 1990 (un año antes de lo que se narraba en El silencio de los corderos). Es decir, que lo mires como lo mires es imposible que tuvieran en video una película para la que aún faltaban cuatro años para que se estrenara. 

 

Ayer intenté volver a percatarme del gazapo, cuando la dieron en Antena-3, lo que pasa que estaba distraido en ese momento y se me pasó. Pero como dudo yo mucho de que hayan modificado ese detalle, lo cito aqui por si alguien quiere buscarlo. La película es la que completa la trilogia de Anthony Hopkins encarnando a Hannibal Lecter, si bien sería precuela de las dos películas previas, aunque en ese caso el director Brett Ratner contó con el reparto más popular de las tres pero resolviéndolo todo de manera demasiado convencional, lejos de la sobresaliente El silencio de los corderos de Jonathan Demme y de su notable secuela Hannibal de Ridley Scott.