LOS FABELMAN de STEVEN SPIELBERG, así nació su mito (sin spoilers)

Steven Spielberg lleva ya cinco décadas dedicado al mundo del cine, bien sea como director (donde nos ha legado y deleitado con muchas películas magistrales), o bien en su faceta como productor (logrando que muchos films recibieran una taquilla extra solamente por el "arrastre" de seguidores que tenía su nombre en el cartel) Cualquiera que esté leyendo estas líneas y que admita disfrutar con el cine es IMPOSIBLE que no haya visto algún producto suyo a lo largo de los años, bien sea en una faceta o en otra (no en vano hay que recordar el título de Rey Midas de Hollywood que le dieron en su época de mayor esplendor, al lograr convertir en un éxito de taquilla casi seguro cualquier producto que viniese con su nombre, o el de su mítica productora Amblin)

 

Sus películas eran inicialmente una vía de escape, una sucesión de tremendas y entretenidas aventuras fantásticas que nos hicieron acompañar en sus andanzas desde a un escualo muy aterrador como a un aventurero arqueólogo (por mencionar APENAS dos ejemplos muy populares) Pero aunque conseguía el favor del público con ellas, los premios le eran esquivos hasta que logró su más que merecido triunfo con la magistral La lista de Schindler en 1993, por la que recibió su primer Oscar a mejor director (el segundo le llegó pocos años después en otra película con connotaciones bélicas: la notable Salvar al soldado Ryan) Ahora cabe la posibilidad de que consiga un nuevo premio por su labor como director en Los Fabelman, que está nominada a siete Oscar en la edición de este año..., y si por este humilde servidor fuera, dicho galardón lo tiene más que merecido.

 

Y es que su más reciente película como director sería una relativa autobiografía donde Spielberg desgrana como nació la pasión que le llevó a convertirse en uno de los mejores realizadores de las últimas décadas, en un hermoso relato donde incluso en el caso de que se desconozca lo que se esconde tras esta película (esa especie de espejo cinematográfico en el que se refleja su responsable), sin duda alguna verás una excelente historia y no una mera sucesión de anécdotas. Dicen que la experiencia es un grado, y aquí se nota porque esta película está tan bien narrada e interpretada que no puede uno menos que aplaudir a un ya veterano genio, que a sus 76 años (nació en diciembre de 1946) ha centrado casi toda su vida en lo que, ahora sabemos gracias a Los Fabelman, fue su gran pasión desde la más tierna infancia.

 

La película comienza con un pequeño Sam Fabelman (claro trasunto del propio Spielberg), al que sus padres llevan por primera vez al cine, allá por la década de los 50 del pasado siglo, algo que le dejará impactado, y que buscará reproducir y desarrollar. Normalmente en todas las familias hay sus más y sus menos, y a medida que avance el metraje veremos que en este caso también es así, pero en esta cinta los dos progenitores del futuro cineasta están interpretados de manera magistral por los actores Paul Dano (el que fuera el Acertijo en la reciente The Batman) y Michelle Williams (nominada a mejor actriz, también con toda justicia, por su trabajo en el presente film), notándose en ambos casos el cariño y el amor con el que están perfilados, definidos y desarrollados sus personajes, destacando el de ella por un evidente giro argumental que marcará la adolescencia del protagonista.

 

Aparte de los dos nombres citados es justo mencionar también a actores como Judd Hirsch (nominado a mejor secundario por esta película), que encarna a la persona por la que el protagonista decide ser director, o Seth Rogen, también bastante destacable como amigo de la familia que marcará un punto de inflexión en la misma (excelente esa complicidad que se establece entre su personaje y el de Michelle Williams) También es justo citar a Gabriel LaBelle encarnando al trasunto juvenil del propio Spielberg, en donde cuesta poco ver su propia imagen de juventud reflejada, o la sorpresa final de un mítico director de cine (encarnado por otro famoso director de cine) que será algo así como quien le dio el definitivo relevo en sus inicios en la industria. En líneas generales todo el reparto lleva a cabo un destacable trabajo, dirigidos muy bien por un maestro como Spielberg, que con esta película parece querer dar el relevo a la próxima generación de directores, en un gesto similar como con el que concluye el presente film.

 

Pero aunque Los Fabelman sería una obra maestra de todo un magnífico narrador de historias como es Spielberg, se ha topado con el handicap de que el público potencial al que puede llamarles la atención un film así son las generaciones que se criaron con sus películas más exitosas, ya que las nuevas (y las que más llenan las salas de cine hoy en día) lo verán tan solo como si fuera un aburrido relato de batallitas del abuelo. Ese puede ser el motivo de su pobre resultado en la taquilla americana, aparte del hecho de que se filtró por internet el film (en versión original y en buena calidad) ya desde finales del año pasado. Pero yo aguanté las ganas hasta poder disfrutarla en una sala de cine, y tengo que admitir que sus 151 minutos los disfruté en todo su esplendor, por lo que creo que Los Fabelman se puede situar entre las mejores películas de Spielberg (lo cual ya es mucho teniendo en cuenta que es un director con una amplia y destacable filmografía)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de febrero de 2023.
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LA BALLENA (THE WHALE), crítica sin spoilers de esta película

Si hace poco citaba en mi crítica de la película Babylon la polarización que había tenido por parte de la crítica especializada, otro tanto parece ocurrir con el nuevo film como director de Darren Aronofsky, que ha servido además como tabla de salvación para Brendan Fraser, algo olvidado desde hace tiempo como le pasó a John Travolta hasta que Tarantino lo recuperó para su Pulp Fiction (o como el mismo Aronofsky hizo hace algunos años con Mickey Rourke en su cinta El luchador, logrando el Leon de Oro de aquel año en la Mostra de Venecia) Pese a esa división de opiniones sobre esta película, eso no le ha impedido lograr tres nominaciones a los Oscars de este año: MEJOR ACTOR para Brendan Fraser, MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA para Hong Chau y la de MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERIA, esta última coherente a tenor del orondo aspecto de su protagonista.

No han sido estos los únicos logros conseguidos por este film, que tuvo bastante expectación cuando pasó por la reciente edición de la Mostra de Venecia (fue ahí donde empezó la carrera de Fraser para lograr un Oscar), y que ha conseguido varias nominaciones para los Globos de Oro o los Bafta (entre otros galardones), centrándose la mayoría de ellos en valorar la interpretación de su protagonista, que se aleja bastante del tipo de personajes con los que obtuvo fama entre finales de la década de los noventa y el inicio del nuevo siglo, periodo de tiempo en el que consiguió sus mayores éxitos de taquilla en comedias más o menos acertadas, o la trilogia de La momia.

 

Pero más allá de que el éxito le encasillara en cierto tipo de personaje, Fraser ya había demostrado ser un buen actor en films como Dioses y monstruos de Bill Condon, si bien allí su papel era más secundario, siendo el protagonista un notable Ian McKellen previo a que triunfara entre el público mayoritario encarnando a Magneto y Gandalf en las respectivas sagas de X-Men y El Señor de los Anillos. La ballena (The whale) puede considerarse el resarcimiento para su protagonista, todo dependiendo de como evolucione su carrera a partir de este punto, porque todas las alabanzas al trabajo de Fraser son totalmente justificadas una vez que uno ve la película, ya que el mencionado actor consigue sostenerla sobre sus robustos hombros (alabanza en este caso para los efectos especiales que le otorgan los 250 kilos que representa tener su Charlie) con una actuación entre triste, resignada y desgarradora, según el estado de ánimo de su personaje, pero con la que logra sobresalir frente a las muchas capas de latex y maquillaje bajo las que se esconde.

 

Y es que a medida que avanza la historia, en el transcurso de una semana, vamos conociendo a un hombre sin voluntad de futuro, que se abandonó ante la adversidad por la pérdida de un ser querido, pero que espera llevar a cabo un último acto de redención antes de su final. El mayor handicap que le puedo encontrar a esta película, y por el que muchos pueden citar que no sería nada más allá de un telefilm con ínfulas de grandeza, es lo muy evidente que se hace su origen teatral (está basada en una obra de Samuel D.Hunter), por lo que la casa donde vive Charlie será el escenario primordial durante casi todo su metraje. Pero la falta de movimiento escénico se compensa con unos actores realmente destacables, ya que aparte de un Fraser inmenso (en todos los sentidos) tan sólo hay cinco actores más durante toda la cinta, siendo buenos todos ellos, aunque destacando de forma especial la nominada al Oscar a mejor actriz secundaria Hong Chau como Liz, la cuidadora de Charlie, que sufre sin ocultarlo al ver como este se abandona por completo.

El título de la película juega no solo con el propio aspecto del protagonista, sino con la referencia constante a un clásico literario como Moby Dick, ya que una redacción sobre la citada obra parece ser lo único que le consigue recuperar cuando su cuerpo ya le advierte que está al límite. Es en su tramo final cuando queda claro el origen de la misma y la importancia que tiene para Charlie: quizás ahí ya entre en el melodrama puro y duro, al darse uno cuenta de que librará la mayor (y más dura) batalla contra el mismo, luchando hasta el final por la redención con su hija, a la que abandonó debido a las circunstancias (ya al inicio de la película queda clara la condición sexual de Charlie) pero a la que nunca olvidó, y con la que intentará congraciarse en esos momentos, más allá del desprecio inicial que despierta en ella. En resumen este film es una destacable crítica contra la sociedad actual, donde detalles de todo tipo (se citan la religión o la homofobia, aunque sobresale la importancia del aspecto físico) llevan a gente como este Charlie a un punto sin retorno.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de enero de 2023.

DOCTOR WHO: MÁQUINAS DE GUERRA / SPIDERMAN NOIR: LA COLECCIÓN COMPLETA / ESTADO FUTURO: EL PRÓXIMO BATMAN

DOCTOR WHO: MÁQUINAS DE GUERRA

Me he leído la tercera novela editada en español de la serie Doctor Who titulada Máquinas de guerra, de la que sugerí su compra en la biblioteca de Bellvitge y accedieron a ello (después de comprobar yo que las previas también estaban en el catálogo de las bibliotecas, aunque en su día ya me las compré y leí) Con una cierta "continuidad" si la primera novela fue con el Décimo Doctor (David Tennant) y los Daleks, mientras que la segunda fue para el Undécimo Doctor (Matt Smith) y los Ángeles Llorosos, en esta tercera se opta por el Doctor Guerrero (John Hurt), que fue la misteriosa encarnación que tuvo el personaje previa al Noveno Doctor que fue con el que empezó el revival de la serie en 2005.

Y con lo de misteriosa encarnación me refiero a que se supone que la misma no cuenta en el cómputo general, y que nada se supo de ella hasta El día del Doctor, el especial por el 50 aniversario de la serie que se cumplió en 2013. Esta novela titulada Máquinas de guerra sería cronológicamente una precuela del citado especial, en el que en la Gran Guerra del Tiempo entre los Señores del Tiempo de Gallifrey (planeta del que proviene el protagonista) y los malvados Daleks, la citada encarnación del Doctor tendrá que evitar un conflicto entre ambos frentes cuya resolución parece ser un devastador genocidio, lo que el protagonista intentará evitar por todos los medios.

• Doctor Who: Máquinas de guerra, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca pendiente de activar.

SPIDERMAN NOIR: LA COLECCIÓN COMPLETA

Hace ya varios años que me leí la primera serie limitada de Spiderman Noir, o como trasladar toda la idiosincrasia propia de este personaje al Nueva York de los años 30. En su momento me gustó mucho (sobretodo por su estética), pero leí de forma no continuada sus posteriores apariciones (sobretodo por el evento Universo Spiderman y todo lo relacionado o derivado de él), por lo que me alegró encontrar este Spiderman Noir: La colección completa disponible en la biblioteca, ya que me permitía un repaso general a una variedad arácnida tan atractiva en su planteamiento que incluso fue una de las que apareció en la película Spiderman: Un nuevo universo, ganadora de un Oscar a mejor film animado de 2018.

En este tomo se recopila la serie limitada inicial que ya comenté en su día, que gozaba de un tono pulp y de género negro (noir) realmente notable, en el que además se hacía una traslación acertada y coherente de todo lo referente al personaje. Eso continúa en la segunda serie limitada titulada Los ojos sin sombra, también de cuatro entregas como la inicial, en el que además de continuista respecto a la previa en el apartado genérico, añade detalles de steampunk y ciencia-ficción con toques de racismo de forma brillante. Se completa el tomo con tres historias complementarias más o menos relacionadas con todo lo derivado del evento Universo Spiderman, en el que este arácnido de la época de la Gran Depresión coincidirá con otras versiones alternativas de si mismo. 

• Spiderman Noir: La colección completa, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

ESTADO FUTURO: EL PRÓXIMO BATMAN

Tengo que admitir que cuando estaba leyendo este comic en tomo que lleva por título Estado Futuro: El próximo Batman, en muchos momentos tenía en mente toda esa moda de distopias que surgió a rebufo de Los juegos del hambre, y que en el fondo plantean situaciones no muy diferentes a las planteadas aqui. Si ya de por si Gotham no es que sea la ciudad más segura del mundo, en el indeterminado futuro que se plantea aqui la seguridad urbana  de la ciudad del Caballero Oscuro está en manos del misterioso Magistrado y sus lugartenientes los Pacificadores, cuyas órdenes son bien claras: disparar primero y preguntar después a todo tipo de enmascarados, sean héroes o villanos.

Este tomo se titula El próximo Batman, pero dicha serie limitada de apenas 4 números es tan solo el inicio. La misma está escrita por John Ridley, ganador del Oscar al mejor guión adaptado por el film 12 años de esclavitud, y la mayor novedad de este ameno comic sería que no es Bruce Wayne quien se esconde tras la máscara del murciélago. Se completa este tomo con cuatro historias complementarias más o menos funcionales y de dos capítulos cada una, donde vemos como se mueven en ese futuro los Outsiders, un grupo de villanos (Dos Caras, Clayface, etc) luchando por la redención, varias ex-Batgirls en una prisión, acabando con una divertida historia con Catwoman y Hiedra Venenosa.

• Estado Futuro: El próximo Batman, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.
  

MINARI: HISTORIA DE MI FAMILIA, una buena película (crítica sin spoilers)

Tengo que admitir que Minari, a la que se le ha añadido el subtítulo de Historia de mi familia, es una de esas películas que si no fuera por su repercusión en la temporada de premios pasaría quizás un tanto desapercibida. En mi caso la he podido recuperar ahora gracias a una amable invitación por parte de su distribuidora que no he querido desaprovechar para así poder verla y juzgarla por mi mismo, ya que hay que recordar que en la ceremonia de los Oscars de este año, el presente título del director Lee Isaac Chung obtuvo seis nominaciones (mejor película, mejor dirección, mejor actor, mejor actriz secundaria y mejor banda sonora) ganando finalmente el Oscar a mejor actriz secundaria que fue a parar a manos de la surcoreana Youn Yuh-jung, encargada de dar vida a la simpática abuela en este hermoso relato de lo cotidiano, que me hizo recordar en esencia al tono que emplea Jiro Taniguchi en algunos de sus mangas, al menos a nivel personal. 

Pero si tengo que desvelar cual era mi curiosidad principal hacia este film, la misma está en su actor protagonista Steven Yeun, que estuvo nominado como mejor actor (aunque quien al final ganó fue Anthony Hopkins por El padre) pero que tanto a mi como a muchos se nos ha hecho mundialmente conocido por interpretar a Glenn en la serie The walking dead hasta que su personaje pereció a manos del entonces novedoso Negan (interpretado por Jeffrey Dean Morgan) En este caso realiza una actuación como cabeza de familia realmente sólida, la cual justifica su nominación al Oscar a mejor actor.

Ambientada en la década de los ochenta, se nota el caracter autobiográfico de esta historia, ya que el director se posiciona con el miembro más joven de esta familia coreana emigrante en los Estados Unidos de Reagan, donde intentan alcanzar el tan ansiado "sueño americano". Eso nos lleva al relativo estereotipo de que sería en esa América rural donde radica la oportunidad para alcanzar dicho sueño, siempre que uno le dedique el tiempo y la constancia necesaria, aunque no siempre los mejores deseos vienen acompañados de los mejores resultados (como se descubre en el tramo final) Pero pese a que el éxito no siempre está al alcance de todos, el tono de la historia es respetuoso hacia esos progenitores que pasaron muchos sacrificios para conseguir que sus hijos no tuvieran que pasar por las mismas necesidades que ellos, lo cual se nota en la forma de describir a los padres (y por extensión a la abuela), que derrocha sinceridad y un profundo cariño. De hecho sería justo esta última la que se gana enseguida la simpatía del espectador al ser una abuela poco convencional, como le dice irónicamente su nieto en algunos momentos de la película, al no cumplir con los estereotipos asociados a alguien asi.

Es curioso porque aparte del núcleo formado por la joven pareja coreana, sus dos hijos y la abuela se situa también un vecino del pueblo al que da vida el actor Will Patton, que resulta tremendamente llamativo por su exacerbada fé religiosa, si bien se convierte bien pronto en un carismático compañero de fatigas del protagonista encarnado por Steve Yeun. Este interpreta a un emigrante coreano que decide comprar unas tierras en Arkansas y trasladarse allí con su familia (no del todo convencida), con la idea de cultivar plantas propias de su pais, pensando en la salida comercial que tendrían por los muchos compatriotas que en aquel entonces marchaban a Estados Unidos. El problema viene en que el matrimonio, hasta que ese proyecto funcione (o no) se tiene que ganar la vida como sexadores de pollos, algo que al padre no le convence del todo al no permitirle la estabilidad económica que él quería tener para los suyos. Para cuidar a los niños entra la atípica abuela, que pese a su delicada salud intentará ayudar a los suyos, al mismo tiempo que también representa ese último reducto con las costumbres y raices ancestrales, que con la integración familiar a una nueva cultura se van diluyendo.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de marzo de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Los cinco personajes principales, bien planteados y notablemente desarrollados, si bien los que más destacan serían el padre, la abuela y el niño pequeño (que actúa como alter-ego del propio director), todo ello en un film que se deleita a mostrarnos la bella delicadeza de lo cotidiano, sin excesos melodramáticos.
• LO PEOR: La total ausencia de conflictos raciales (por ejemplo son aceptados sin problemas en la iglesia del condado) es algo secundario, pero resulta un tanto utópico de creer. Asimismo el curioso y fervoroso vecino encarnado por Will Patton deja con las ganas de saber más de él.

EL PADRE, el segundo OSCAR de ANTHONY HOPKINS (no hay spoilers)

La maldita pandemia del Coronavirus que empezó la primavera del 2020 ha trastocado a todo y a todos, incluido el mundo del cine, por lo que la más reciente edición de los premios Oscar se nutrió de mucho material estrenado en plataformas de pago (tipo Netflix) y no en cines, porque era hacer eso o sencillamente no dar premios este año (que ya de por si se retrasaron hasta finales del pasado abril), debido a que los estrenos habían sido irrisorios al estar cerrados durante meses los cines de casi todo el planeta. No mentiré si digo que debido a la situación indicada, a lo que sumar que la mayoría de los títulos candidatos que optaban a los Oscars de este año no me llamaban del todo la atención, dejé pasar algunos de ellos, si bien unos pocos si me levantaron una cierta curiosidad.

Uno de ellos fue El padre, película estrenada a finales del pasado 2020 (por eso la haré constar como estreno de ese año aunque la haya visto en 2021) Lo que más me llamó la atención de ella fue la presencia del gran actor Anthony Hopkins, por lo que los sucesivos premios que iba acumulando tanto la cinta como él, que culminaron con los Oscar a mejor guión adaptado y a mejor actor protagonista para Hopkins (su segundo Oscar tras el que obtuvo por ser Hannibal Lecter en 1991 en El silencio de los corderos) me llevaron a la decisión de verla en cine si podía. De eso se ocupó el Espai VO que hay donde vivo, con el que justo hace bien poco pude recuperar también la película El chico de Charles Chaplin en su centenario.

 

Con posterioridad puede sonar algo complaciente eso de decir que el premio otorgado era más que merecido pero es que sin duda alguna se lo merecía con creces. La actuación de Hopkins es magnífica porque retrata algo que todos tenemos cerca (en amigos, familia, etc.) pero que quizás no queremos ver: la senilidad. Es triste cuando el paso del tiempo va deteriorando el cuerpo físico pero resulta MÁS TRISTE si también ataca a nuestra mente, porque poco a poco se pierde la esencia de lo que uno es y se vive con lagunas mentales que poco a poco crecen como océanos. Este film está montado desde el punto de vista del protagonista al que encarna Anthony Hopkins, un hombre mayor que dice poder vivir solo sin problemas pero que tiene que lidiar con una hija (a cargo de una también notable Olivia Colman) que no está de acuerdo con ello. Al ver el espectador la película como la vive su protagonista, pronto nos damos cuenta (él y nosotros) de que algo no va bien, pero lo que en otro caso hubiera derivado hacia la intriga conforma aqui un puzzle en el que vamos intuyendo esa vida que el protagonista está perdiendo, diluida por una progresiva senilidad de confusiones y olvidos. 

La única (relativa) pega que se le puede achacar a la película sería que se hace muy evidente su origen teatral, pero es realmente meritoria la adaptación que ha llevado a cabo el propio Florian Zeller de su obra más importante hasta la fecha (de ahi el merecido Oscar al mejor guión adaptado) con la colaboración de Christopher Hampton. Pero un buen guión no sería nada sin buenos intérpretes y ahi acierta del todo con la elección de Hopkins, que sabe otorgar a su personaje todos los matices necesarios para hacerlo creible en sus variados estados de ánimo, ya que por momentos puede resultar amable y de pronto ser un déspota, o estar plenamente seguro de algo para después dudar de si las cosas son como él se piensa, cual si fuera un alma en pena sin certezas a las que agarrarse. El final resulta tan coherente como triste, porque la encomiable labor de su hija para cuidar de él se topa de frente con una situación progresivamente más problemática, que le lleva a decidir algo que por amor hacia su progenitor le duele en lo más profundo del alma, pero que como persona no le deja otra opción, con todo el dolor de su corazón. Y sales del cine pensando cuantos casos así no habrá en la vida real...

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de diciembre de 2020.
  
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Anthony Hopkins, que está magnífico, y su hija en la ficción, a cargo de Olivia Colman, si bien todo el reparto se nota tremendamente acertado y coherente.
• LO PEOR: Darse cuenta de que esto es un problema latente en nuestra sociedad y desear que no te toque...

JUDY, el ocaso de la DOROTHY de OZ (en Un estiu de pel·lícula)

Si ante la escasez (casi carestia) de estrenos en cine recuperé hace poco Parásitos, ahora en un evento anual que se suele hacer donde vivo por primavera (pero que debido a la pandemia del Coronavirus se ha retrasado hasta verano) he podido ver la película Judy, biopic de la actriz Judy Garland (protagonista de la versión clásica de El mago de Oz) y con Renee Zellwegger encabezando el film, con el cual fue ganadora del Oscar a la mejor actriz entre otros galardones en la pasada temporada de premios. El evento que menciono, titulado Un estiu de pel·lícula, incluía otros títulos llamativos que ya pude ver en su día como Puñales por la espalda o Jo Jo Rabbit, siendo este film el que más me interesaba de las opciones propuestas pero que se me había quedado pendiente de ver en su momento.

La protagonista del biopic, Judy Garland, fue uno de tantos ejemplos de niños prodigio que encandilaron en su infancia y adolescencia, la cual se intentó alargar todo lo posible para seguir haciendo rentable el negocio que representaban. Pero como el tiempo pasa y la edad adulta más pronto o más tarde tiene que llegar, el no saber gestionar su vida a partir de ahí (por todo tipo de causas y motivos), les lleva a vivir un declive profesional y muchas veces también personal, como le ocurrió a la que fue protagonista de la mítica adaptación de El mago de Oz de 1939 o de la segunda versión de la clásica Ha nacido una estrella de 1954. Este biopic está centrado en los últimos meses de vida de Judy Garland.

El trabajo de Renée Zellweger encarnando a la malograda protagonista es sin duda alguna lo mejor de la película: la actriz se demuestra capaz de llevar a buen puerto un proyecto que en todo momento gira sobre ella, con el riesgo que ello supone de cara a aquellos espectadores a los que se le atragante esta intérprete. Nada más lejos de la realidad ya que nunca sobresale la actriz por encima del personaje (como suele ocurrir en otras ocasiones) de tal forma que en todo momento ves a Judy Garland en el ocaso de su vida, encarnada con acierto por una actriz que ya en su momento consiguió un Oscar como mejor secundaria por Cold Mountain y estuvo nominada por El diario de Bridget Jones y Chicago.

De hecho se puede decir que este biopic sería más un retrato anímico que exhaustivo de una actriz que en su juventud fue destrozada por las exigencias de un estricto Louis B.Mayer que quería presentarla como el sueño de todas las chicas de aquella época, aunque eso conllevara destruirle la infancia y la adolescencia (los flashbacks del pasado donde aparece insinuan una historia tan sórdida o más que la que nos narra este film) Aún así la película tan sólo cita fugazmente tanto a Liza Minnelli (famosa actriz e hija suya y de Vincent Minnelli) como a Mickey Rooney (joven actor con el que compartió varios títulos en el inicio de su carrera), cuando serían parte importarte en la historia de Garland.

También es justo admirar el hecho de que Judy no se decante en ningún momento por embellecer a su protagonista, de tal forma que vemos una artista que con 47 años se ha derrumbado del todo como persona, acuciada por las deudas y sus problemas con el alcohol, los barbitúricos y el insomnio. Su estrella y su fama pasaron a mejor vida en Estados Unidos, pero será en un póstumo viaje a Londres donde vivirá esos retazos de esplendor que añora, siendo especialmente emotiva la cena que comparte con una pareja homosexual, enamorada de lo que ella representa como diva, que le otorgan un momento de íntima felicidad de la que está tan carente en el resto de su vida.

Por contra es tan espléndido el trabajo de Renée Zellweger que da la sensación de que el resto de personajes que orbitan a su alrededor tan solo pueden aspirar a ser meras comparsas en este repaso de los últimos meses de Judy Garland, algo que además se reafirma con el trabajo como director de Rupert Goold, tremendamente correcto (siendo la BBC uno de los productores tiene toda esa británica formalidad que uno esperaría de ellos) pero algo frío y distante, faltándole quizás esa pasión que (por el contrario) desborda en abundancia su actriz protagonista, si bien el resultado final no deja de ser un entretenido vistazo al ocaso de una de las actrices del Hollywood clásico. 

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de enero de 2020
• LO MEJOR: Sin lugar a dudas su protagonista, que lleva a cabo un trabajo sobresaliente.
• LO PEOR: La mera corrección del producto final, no tan notable como su actriz principal.

PARÁSITOS, la ganadora de los OSCARS 2020 (dentro de Espai V.O.)

Debido a la pandemia por Coronavirus que está asolando a todo el planeta, los estrenos de cine se han suspendido, con lo cual este 2020 se ha quedado sin muchos títulos muy esperados que tenian que haber llegado a la cartelera desde mediados del pasado mes de marzo, los cuales o bien en el mejor de los casos se han retrasado varios meses (siempre con la esperanza de que la mencionada pandemia mejore, lo cual no se ve claro en el momento en que escribo estas líneas) o bien se han caido ya hasta fechas del próximo año 2021. Con esa situación y sin muchas opciones decidí probar en el Espai V.O. que se realiza donde vivo con la película Parásitos, que en su momento no ví cuando se estrenó, y cuya carrera de premios ha sido sin duda meteórica, incluso triunfando en la pasada edición de los Oscars consiguiendo ser el primer film en habla no inglesa que logra el premio a mejor película del año (a los que añadió tres más: los de mejor película extranjera, mejor guión original y mejor director)

Aunque los gustos de cada uno son del todo aleatorios, que tenga tan buenas referencias por algo debe de ser, lo cual me quedó confirmado al verla, ya que me encontré con una muy brillante sátira sobre los esquemas sociales más básicos y las desigualdades aún imperantes en nuestra sociedad, lo que se evidencia bien pronto en el contraste que se establece entre las dos familias (pese a que la miseria de la pobre nos la presenten en origen de manera algo cómica, supongo que en la búsqueda de una pronta empatía por parte del espectador)

El planteamiento de esta película resulta sencillo a la par que curioso: por un lado tenemos a una familia pobre que vive casi en la miseria (por no tener incluso tienen que gorronear la Wifi de los vecinos) y por otro a una rica de alto standing, narrando en inicio como los primeros irán introduciéndose insidiosamente en la vida de los segundos echando mano de la picaresca, lo que vendría a justificar el título de la película (ya que estos "parásitos" humanos pobres lo único que quieren es subsistir a cuenta de los más ricos) Hasta aqui podriamos decir que estamos ante una comedia satírica, sobretodo cuando asistimos al disfrute de los pobres en la mansión de la familia más opulenta, lo que me llevó a recordar al capítulo de la undécima temporada de la serie de animación Los Simpsons titulado La familia Mansión. El problema surge a partir del momento en que se descubre cierto detalle que dota a esta película de un acertado tono inquietante, y con el que estos "parásitos" verán un reflejo distorsionado de ellos mismos.

Es justo a partir de cuando se desvela eso que se establece una pugna por seguir disfrutando de la opulencia, lo que llevará a una confrontación entre todos los personajes para no perder lo que tienen... aunque en si no sea de ellos (de hecho como le ocurría a Homer Simpson en el episodio antes mencionado, si bien aqui llevado hasta extremos donde todo vale y los remordimientos brillan por su ausencia) Me resultó bastante llamativo e irónico cuando se maneja el tema de los olores, cual si diese la sensación de que según tu estatus social desprendes aroma o hedor, así como también la evidente crítica a la diferencia de clases, en las que parece perpetuarse que el que es rico siga siendo rico y el que es pobre siga siendo pobre. Y todo ello con un plantel de actores realmente acertado y con un trabajo de dirección modélico, que nos deja con el regusto agridulce de que si hemos disfrutado con esta cinta es por lo bien que está vertida su vitriólica crítica contra la ponzoña que se esconde bajo nuestro modelo de sociedad.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de octubre de 2019
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Tiene más que merecidos todos los premios que ha obtenido.
• LO PEOR: No haberme permitido descubrirla antes.

LA FORMA DEL AGUA de GUILLERMO DEL TORO, crítica sin spoilers

Tengo que admitir que hacía bastante tiempo que no esperaba una película con las ganas con las que he esperado este más reciente film de Guillermo del Toro, que en estos últimos meses ha recogido un montón de alabanzas y premios, que no serán los últimos siendo candidata a trece Oscars (es el título más nominado de esta 90ª edición) Aún así cuando alguna película recibe una gran cantidad de beneplácitos por todas partes, se le levanta a uno la suspicacia, ya que tantas alabanzas pueden hacer que el resultado global se antoje exagerado (si luego una vez vista la cosa no es para tanto) o que parezca justo (lo cual, seamos sinceros, no es algo tan habitual) por lo que en estos casos nadie es mejor crítico que uno mismo, sin entrar en lo que la temporada de premios ensalze.

El presente film fue presentado en el pasado Festival de Sitges pero como no pude acudir me tocó esperar hasta cerca de su estreno comercial. Eso me ha permitido echar un vistazo a alguna que otra crítica siendo las más negativas las que me paraba más por la simple curiosidad de ver que era lo que no convencía. Entre las mismas leí ciertos "parecidos razonables" que iban desde el clásico de La bella y la bestía (algo que, sin aún haberla visto, ya daba por supuesto por sus imágenes promocionales) al E.T. de Spielberg pasando por aquella comedia romántica de los ochenta entre Tom Hanks y la "sirena" Daryl Hannah titulada Un, dos, tres... Splash e incluso por películas más cercanas como Amelie. Dichas comparaciones estaban justificadas como si el mayor pecado de Guillermo del Toro hubiera sido ofrecer como original algo que no lo es tanto, pero encuentro yo que de sobras son conocidas cuales son las inclinaciones temáticas de este director, patentes en mayor o menor medida en toda su filmografía, con resultados desiguales pero aún asi apreciables.

Esta La forma del agua creo que es, junto con El laberinto del fauno, e incluso me atrevería a decir que superándola en uno o dos escalones, la mejor película que ha realizado Guillermo del Toro hasta el momento. De la misma manera que algunos directores mezclan conceptos en ocasiones poco novedosos, obteniendo un resultado final innovador en las formas (que no por un fondo ya más manido) como por ejemplo Tarantino (sin dudar de la calidad de algunos de sus títulos), en esta película el director mexicano nos ofrece un cuento de hadas en forma de fantasía romántica con toques de suspense, ciencia-ficción y drama, por lo creo que la mejor recomendación que se puede hacer de ella es ir a verla con esos conceptos en mente (o al menos los más aproximados) ya que de otra manera no se "entrará" en el relato del director, quedándose tan solo en la superficie de la historia. Reconozco que con dicha premisa algunos detalles que se ven a lo largo de la película pueden ser un tanto "chocantes" (soy el primero en admitir que unos pocos podrían considerarse un tanto "forzosos", aunque son justificables para el desarrollo de la historia) pero asumido este relato en su totalidad, y conociendo las preferencias temáticas de su realizador, La forma del agua se postula de manera indudable como la película donde mejor ha sabido plasmarlas, quedando al final un resultado que si bien no es magistral (por poco), sin duda es excelente (lo cual ya es de agradecer)

Además de todo ello este título nos ofrece también una evidente crítica hacia ese puritanismo de ciertos sectores donde no se tolera lo diferente, lo que se sale de los cánones, quedando bien claro en esas imágenes de familias supuestamente felices bajo las que se esconde la insatisfacción. El personaje al que da vida Michael Shannon de una manera muy acertada refleja lo que he citado, que llega a su punto álgido en la propuesta depravada que le hace a la protagonista. Creo que es una lástima que este actor no esté nominado a mejor secundario, aunque en su lugar tenemos al entrañable personaje al que da vida Richard Jenkins así como la también muy destacable Octavia Spencer en el apartado de actriz secundaria, quedando patentes en ambos el mensaje contra la homofobia y el racismo respectivamente, a lo que sumar la discapacidad vocal de la protagonista (una excelente Sally Hawkins), entrando todo ello dentro de esos "defectos" que los alejan de ese american way of life que representaría el personaje de Shannon, pero al que facilmente se le ve su reverso tenebroso.

Otra semejanza bastante evidente, aunque en este caso se podría decir que "todo queda en casa", es la que se establece entre la criatura a la que encarna Doug Jones y el Abraham Sapien al que dió vida el mismo actor en las dos entregas de Hellboy dirigidas por Guillermo del Toro, siendo bastante sorprendente que el apartado de maquillaje de esta película no haya tenido nominación al Oscar viendo el excelente trabajo que hacen con este actor ya experto en recrear todo tipo de criaturas. A cambio de ese "olvido" se han destacado detalles como su soberbia ambientación (con unos decorados que casi serían un elemento tan primordial como los mismos actores) así como su notable banda sonora, compuesta por Alexandre Desplat. En resumen se puede decir que con La forma del agua el director Guillermo del Toro ensalza a su muy apreciado género fantástico para demostrar que en él caben incluso reflexiones sobre nuestra condición en hermosos relatos que van más allá del mero vehículo para llevar a cabo el enésimo taquillazo espectacular por fuera pero vacio por dentro.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de febrero de 2018
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Casi todo (desde un acertado reparto hasta una labor soberbia de puesta en escena pasando por una hermosa historia llena de matices, así como un magnífico trabajo en multitud de apartados técnicos como su ambientación o su notable banda sonora)
• LO PEOR: Unos pocos detalles que pueden parecer un tanto "forzados", pero que no enturbian al conjunto.

LA VIDA DE CALABACÍN, notable stop-motion sobre la infancia robada

Hace poco me leí la novela en la que se basa esta película, porque me sorprendió su nominación al Oscar a mejor film de animación, dejando en la estacada incluso a predecibles candidatos como Buscando a Dory de Pixar (aunque poco importa porque la "casa-madre", Disney, si ha logrado incluir dos títulos suyos como Zootrópolis y Vaiana) Aparte de que no tenía referencias previas de este título, me llamó la atención el que fuera en animación stop-motion, así como todos los premios a los que había sido nominada o que ya había ido acumulando en su pase por diferentes festivales, por lo que ese fue el empujón que me hacía falta para decantarme por esta historia, saciar mi curiosidad y valorarla por mi mismo (como me pasó con La La Land), primero en su notable base literaria y luego con el presente (y escaso) film.

Esta película dura apenas 66 minutos, un lapsus de tiempo a priori muy breve pero que resulta suficiente para captar la esencia de la novela en la que se basa, aunque es demasiado parcial respecto a la misma, ya que se centra en detalles puntuales que sirven para que el director nos transmita un evidente mensaje (tenemos que proteger a la infancia de ahora porque son la humanidad del futuro) pero deja otros de lado, al centrarse tan solo en algunos personajes mientras que los otros sirven tan solo como complemento a su mensaje, pero sin desarrollarlos como sucede en la obra literaria. Con esto no me vengo a referir que por ello esta película pierda valor, pero queda claro que se ha intentado también llegar al público infantil suavizando (si ello es posible) algunos temas.

Lo más evidente de ello estaría en la muerte de la madre de nuestro protagonista, que se narra en las primeras páginas de la novela, pero que en la película tan solo se da por supuesta tras un prólogo (eso si) que sabe captar muy bien el origen de la historia, pasando luego a cuando ya ha sucedido la tragedía. No citaré aqui como se produce el accidente que lleva a ella por ser claro spoiler (y porque os recomiendo su lectura, por lo que no quiero reventar sorpresas a cualquier posible lector) pero salvo un comentario del protagonista acerca de que cree que él es el culpable de que su madre haya muerto, en ningún momento nos dicen como ha pasado eso. Felicito esa omisión si la idea era hacer de éste un título apto también para los más pequeños de la casa (cosa que os garantizo que es) pero creo que hubiera quedado más completo con su exposición en el film, aunque se llevara a cabo fuera de plano.

Aparte del protagonista Icare (o Calabacín como le gusta que le llamen) el otro personaje más desarrollado de la película sería su relativa némesis, el problemático Simon, el cual intentará marcar su territorio cuando Calabacín llega al hogar de acogida donde lo lleva el policia Raymond tras quedarse solo en el mundo. Este gendarme de buen corazón será la figura paterna para nuestro protagonista, estableciéndose una bonita relación entre ambos (aunque en el libro se profundiza más en ella) ya que ese policia tenía un hijo que le abandonó (sin aclarar si es que se fue, murió u otros motivos, quien quiera más datos de nuevo le remito a la obra literaria) por lo que la tragedia del joven protagonista le conmueve (si Calabacín es un hijo sin padres, él sería un padre sin hijos)

De todas maneras que la historia se centre en el tiempo que Calabacín pasa en el hogar de acogida puede llevar a recordar a clásicos como Oliver Twist de Charles Dickens, pero a diferencia de los maltratos que había en esos lugares (y que esa citada novela describe tan bien), aqui tanto nuestro protagonista como sus compañeros (todos con pasados comunes donde abundan los padres violentos, drogadictos, pervertidos, ladrones o asesinos) verán en ese hogar un lugar para encontrar la paz, la tolerancia y la amistad, sin por ello olvidar los estigmas que cada uno arrastra de su pasado (que quedan expuestos de forma excelente en esas miradas que hablan por si mismas), incluida la joven Camille, de la que se enamorará nuestro protagonista nada más verla, y que también arrastra su propio pasado turbulento (su padre asesinó a su madre y luego se suicidó)

Insisto en que estamos ante un film notable tanto en planteamiento como en resolución, con una muy acertada animación en stop-motion, y que ES APTO PARA TODOS LOS PÚBLICOS pese a tocar temas que igual puedan ser un poco delicados. El director Claude Barras opta por simplificar la novela original sugiriendo tan solo lo que allí es citado (sirva de ejemplo la omisión de como muere la madre de Calabacín o cuando Simon le enumera el pasado de los padres de todos los niños que viven en ese orfanato) supongo que con la intención, al ser una película animada, de llegar a todo tipo de público, cosa que conseguirá sin problemas, ya que ni busca ni se recrea en el drama, aunque el mismo esté presente. Si después de verla se os hace corta (que puede ser más que posible, porque sus breves 66 minutos se me hicieron MUY escuetos) os recomiendo el libro, igual de sencillo pero mucho más profundo.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de febrero de 2017
• LO MEJOR: Lo bien que sabe retratar la mirada de los niños que sufren, máxime teniendo en cuenta que aqui no son nada más que muñecos.
• LO PEOR: En esencia es notable pero como adaptación es bastante parcial.

Reseñas de MATERIAL SENSIBLE, AUTOBIOGRAFIA DE UN CALABACÍN, LA PATRULLA CONDENADA (1): DESDE LAS CENIZAS y PORNSTORY

Neil Gaiman es un autor muy conocido cuyas obras han sido llevadas incluso a la gran pantalla (caso de Coraline y Stardust) por lo que cuando ví en la biblioteca este libro le dí un vistazo por el interes que siempre me depara este escritor... y ahi fue donde me llevé la sorpresa: se trata de una recopilación de relatos variados entre los cuales se incluyen uno de Sherlock Holmes y uno del Doctor Who de los que desconocía su existencia (al menos editados en castellano)

En el primer caso se trata de El caso de la muerte y la miel, en el cual se intenta dar un motivo a la pasión por la apicultura de Holmes cuando se retiró de su faceta como detective, mientras que en el segundo caso (Las nada en punto) se trata de un relato con motivo del 50 aniversario de la serie Doctor Who con una aventura del personaje cuando este estaba encarnado por Matt Smith y su compañera de andanzas era Amy Pond. Con esos dos relatos tengo que admitir que quedé contento en mi faceta de aficionado a ambos personajes, ya que el primero justifica de forma coherente el detalle planteado (todo un clásico dentro del Canon del famoso detective), mientras que el segundo toma como base a los personajes que estaban en la serie televisiva cuando yo entré en contacto con ella (aunque luego recuperé lo previo) siendo ese Doctor (el 11º) y esa compañera de aventuras por las que siento un mayor aprecio.

Como es natural, destaco esos dos relatos pero los fans tanto del fantástico como del propio autor quedarán satisfechos con el resto de cuentos que conforman esta obra, si bien los hay más destacados, ingeniosos y llamativos mientras que otros resultan más flojos o incluso un tanto extravagantes, si bien eso es algo usual en todo tipo de recopilatorio de estas características, aunque ya digo que el resultado general es ameno y entretenido.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Cuando se dieron a conocer las nominaciones a los Oscar-2017, en el apartado de mejor film de animación me sorprendió La vida de Calabacín, de la cual no tenía ni una sola referencia previa. Al ahondar un poco me enteré de que estaba basada en una novela de Gilles Paris que ví disponible en la biblioteca, por lo que decidí darle una oportunidad, debido también en parte a su planteamiento.

El protagonista de esta historia es Icare, un joven chaval de nueve años al que le gusta que le llamen Calabacín. Su historia comienza cuando mata de forma accidental a su madre alcohólica y maltratadora, lo que le lleva a un orfanato (su padre les había abandonado por otra mujer, lo que amargó el caracter de la madre, por lo que tras el suceso éste se encuentra solo en la vida) Calabacín conserva una gran inocencia pese a las adversidades sufridas (la cual creo que nos demuestra la pureza de la infancia), y la misma le ayudará en su nuevo hogar, plagado de niños que arrastran pasados turbulentos al haber sufrido abusos, malos tratos o abandonos.

Con semejante premisa uno podría pensar que estamos ante un melodrama al estilo de clásicos de Charles Dickens como Oliver Twist o David Copperfield, solo que actualizado a nuestros tiempos (no se cita año pero si algunas referencias que lo harian un relato más o menos contemporáneo a su edición en origen: el 2001) Bien pronto se da cuenta uno de su error, porque la vida en ese orfanato será un cúmulo de alegrias, esperanzas, ilusiones y amor, dando al lector una auténtica lección de optimismo y espontaneidad (como ya indica la misma portada de la edición de 2004 que es la que me he leído yo) Aprovechando el estreno del film de animación basado en esta obra, se ha hecho una reedición que es la que dejo en el enlace inferior de su ficha editorial.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Los superhéroes abarcan TANTO que creo que resulta una labor titánica el conocerlos a todos, porque a traves de las décadas tanto Marvel como DC (como los que luego les siguieron) han creado universos que casi podría decir que son inabarcables. Con este preámbulo me vengo a referir al primer tomo de La Patrulla Condenada que me he leído, titulado Desde las cenizas, que me ha servido para entrar en contacto con un grupo de personajes de DC a los que (casi) no conocía (y digo casi porque al empezar a leer me acordé de haber leído en una edición previa, e incompleta, la saga de los Hombres-Tijera hace ya años)

En un primer momento uno podría pensar que los miembros de este grupo serían la versión DC de los X-Men, al coincidir con ellos en ser un grupo de superhéroes marginados por los poderes que tienen, pero más allá de posibles comparaciones (en las que no quiero meterme porque ya digo que La Patrulla Condenada para mi son casi unos desconocidos) lo que los hace diferentes a los miembros de este grupo son sus enemigos, ya que una vez leído este tomo 1 queda claro que su especialidad parece estar en todas aquellas amenazas más psicodélicas, surrealistas, locas y grotescas, a juego de como son los mismos integrantes de este grupo.

Este primer tomo (de cuatro) sirve para presentar (de nuevo) a los personajes (incluidos los nuevos, valga la redundancia) en un destacado trabajo por parte de Grant Morrison (que sabe desarrollar muy bien las diferentes personalidades de cada integrante) que se ve acompañado de manera notable por un apartado gráfico que capta de forma muy adecuada no solo lo bizarro de los miembros del grupo sino de las propias amenazas con las que tienen que enfrentarse, algunas de las cuales demuestran la imaginación desbordante de sus responsables (he citado lo de los Hombres-Tijera, pero también me gustó lo del cuadro absorbente)

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

De las obras de Ralf König ya he hablado antes por este blog porque se trata de un autor que maneja temas como el humor y el sexo de forma muy notable, hasta el punto de que si te has leido algo suyo y te ha gustado... ¡no puedes dejar de leer más y más! En este caso con esta Pornstory nos presenta la historia de una persona normal y corriente, y como el porno le va marcando diferentes estratos a lo largo de su vida.

Eberhard Schlüter es un niño como cualquier otro, con las lógicas inquietudes que tiene uno a esa edad, que descubre el material porno que tiene su padre, lo que le abre la puerta a un mundo hasta entonces desconocido. Pasan los años y lo que empezó con las cintas Super-8 de su progenitor vistas a escondidas se traslada a las cintas VHS que se intercambia con un buen amigo, al que incluso le regala el poder participar en el rodaje de un bukkake en una película porno. La vida prosigue y nuestro protagonista es ya un honrado padre de familia cuando su esposa descubre casualmente sus DVD pornográficos, lo que llevará a situaciones realmente hilarantes con el hijo de ambos (y primer sospechoso del "material incautado") hasta que, para bien o para mal, la verdad sale a la luz (incluido ese "pecado de juventud" que se pensaba que no pasaría de eso) lo que le llevará a varias sorpresas insospechadas y un resultado imprevisible.

El futuro lo representa ese preadolescente hijo de nuestro protagonista, que tendrá en X-Tube su entrada a dicho mundo, demostrando que el formato del género ha evolucionado lo mismo que sus usuarios, siendo muy acertado lo de que no hay que estigmatizar al porno sino tan solo comprender que "para un chaval es curiosidad, para un adolescente es compulsión, para un adulto es costumbre y para un casado es terapia y consuelo" como ya indica la misma contraportada de este comic (siempre, como todas las cosas en este mundo, que se haga con moderación), siendo además algo que pueden consumir tanto hombres como algunas mujeres que quieren desinhibirse y dar rienda suelta a sus fantasias. Por cierto, para hacer diferentes las escenas de las películas porno en el presente comic las mismas están dibujadas por Nicolas Malher en un estilo más esquemático, lo que les otorga un efecto muy llamativo.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (LA LA LAND) con EMMA STONE y RYAN GOSLING, añorando el musical clásico

He de admitir que el género musical no es de mis preferidos, aunque sin duda ha habido excepciones con las que reconozco haber disfrutado al máximo (como el remake de Hairspray, con algunas canciones que sigo tarareando 10 años después) Aún así el hecho de que se corte el relato de una cinta para introducir un número musical no siempre me ha convencido (quizás por el abuso que de ello ha hecho la Disney, de cara en muchos casos tan solo para ganar más con la consabida banda sonora) pero decidí darle un voto de confianza a La La Land porque si tantos méritos le había visto todo el mundo, tenía curiosidad por verla (recordemos que todo apunta a que triunfará en los próximos Oscars después de haberlo hecho en los Globos de Oro llevándose siete) Pese a ello uno también se la juega porque muchas veces algunos productos enaltecidos por la crítica han resultado luego no ser para tanto bombo, y aunque en mi caso no he visto los títulos previos del director, si tuve confianza en sus dos protagonistas: Emma Stone (Gwen Stacy en los dos The Amazing Spiderman o hija de Michael Keaton en Birdman) y Ryan Gosling (notable en el duo que hizo hace unos meses con Russell Crowe en la también recomendable Dos buenos tipos)

Para saber en que punto en concreto se vieron por primera vez los dos principales personajes, la película da inicio con un número musical en un atasco en la carretera del que nadie podrá negar que insufla energia y vitalidad desde el primer momento. A partir de ahi nos los presentan a ambos: primero ella, una camarera que se presenta sin éxito a todas las audiciones que puede para llegar a ser actriz; y luego él, defensor a ultranza del jazz más clásico cuyo sueño sería poder abrir un club donde tuviera cabida un tipo de música agonizante en su vertiente más pura (como le dicen al protagonista en cierto momento del film) Esos deseos de ambos, esos sueños, serán los que centrarán los números musicales a cargo de los dos (y tampoco son tantos como pensaba) primero en la seducción y luego en la confirmación de ambos como pareja.

Con las notables interpretaciones tanto de Gosling como de Stone es muy raro que alguien no sienta una rápida empatía por ambos, por lo que enseguida nos importa lo que les pase y vivimos (y los acompañamos) en sus sueños como pareja y sus objetivos. Pero como el amor por muy hermoso que sea, no te soluciona la vida, tendrán que sobrellevar los golpes que les da la cruda realidad, lo cual sirve (en contraste) para destacar lo previo, en algunos casos heredero del género musical más clásico con el famoso Gene Kelly a la cabeza, gracias a unas coreografías organizadas con muy buen ojo por Mandy Moore, que enseguida nos arrastran a ese pasado en el que el musical vivió sus días de gloria (e incluso podriamos decir que su etapa más pura, equivalente a la pureza del jazz que defiende el protagonista)

El romance que se genera por tónica habitual en el musical suele tener, en la mayoría de ocasiones, un final feliz acorde a su planteamiento, por lo que algún despistado podría pensar que La La Land acaba con un final de cuento de hadas (acorde con algunas de las fantasías que la pareja ha compartido durante el metraje) siendo una relativa sorpresa ese cierto poso amargo que igual puede decepcionar a algunos espectadores, pero que no deja de ser coherente con la cruda realidad, en la que en ocasiones para conseguir lo que te propones tienes que perder lo que más quieres, aún conservando el cariño de lo que ello significó para ti. Pero no es lo único, porque este film también desprende ese amor hacia el cine en si mismo que me hizo recordar en esencia lo que también promovía The artist (allí con el mudo, aqui con el musical)

Sin duda alguna estamos ante una película que se merece las alabanzas que está teniendo pero, ¿hasta que punto? Cuando acababa de verla me dí cuenta de que esta cinta no me deja ninguna canción memorable, como si me ocurrió con la arriba citada de Hairspray (o con Mamma Mia!. O incluso si nos vamos a lo clásico con Cantando bajo la lluvia) Cuidado, porque con eso no quiero desvirtuar la calidad de todo el repertorio, que se mantiene uniforme y a un notable nivel, desprendiendo una gran vitalidad gracias al loable trabajo de Justin Hurwitz... pero no hay ninguna canción abanderada sobre el resto, lo que te deja (al menos a mi) sin esa melodía para que el recuerdo de esta película quede más vivido. Ello, unido a pequeños detalles a lo largo de su metraje, me hicieron evidente que no es la obra maestra que yo esperaba, pero sin duda alguna no le puedo negar que es una buena película.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de enero de 2017
• LO MEJOR: Resulta un acierto en muchos frentes, pero por citar solo uno me quedaría con la buena labor de la pareja protagonista, especialmente en el caso de ella.
• LO PEOR: Es de manera innegable un musical agradable, pero no es la obra maestra que ven algunos.

LA HABITACIÓN (ROOM), todo un mundo en cuatro paredes

¿Os imaginais que alguna persona os mantuviera cautivos en un mismo sitio durante muchos años? ¿Os imaginais pasar a ser el juguete sexual de un depravado que os encierra y dispone de vuestra vida a su libre albedrio? Tampoco estoy diciendo algo inédito, casos reales ha habido, los cuales nos han sobrecogido el corazón porque... ¿os imaginais vivir semejante infierno?

La novela en la que está basada esta película (que me leí hace más o menos un par de años) parte de dicha premisa: un niño de cinco años llamado Jack nos narra como es el mundo desde su punto de vista; un punto de vista cuyas fronteras son las paredes de la habitación donde ha vivido toda su vida junto con su madre. Pero pronto su situación va a cambiar, porque el gran amor y las ansias de supervivencia de ella la llevarán a intentar ampliar los límites de su hijo más allá de esas cuatro paredes de la habitación que es lo único que ha conocido.

La película está narrada desde el punto de vista del pequeño Jack, por eso quizás se le puede achacar no caer en los aspectos más morbosos que han provocado dicha situación (los cuales son sugeridos, aunque no mostrados, pero consiguiendo mantener ese sentimiento de asco hacia lo depravada que puede llegar a ser la mente humana. Como siempre en estos casos recomiendo leer la novela, en la que se profundizan más en detalles tan solo citados o sugeridos en el film)

La premisa inicial necesitaba un buen trabajo en la actuación de quien encarnara a la madre protagonista prisionera y al joven hijo fruto de su cautiverio, siendo ahi todo un acierto la elección de Brie Larson y de un jovencito Jacob Tremblay, cuyas actuaciones tengo que admitir que me han supuesto una muy agradable sorpresa (las mismas le han otorgado a ella una nominación al Oscar a mejor actriz, además de ganar un merecido Globo de Oro también a mejor actriz. Esta película opta también a los Oscar en los apartados de mejor película, director (Lenny Abrahamson) y guión adaptado, este último obra de la misma autora de la novela original)

Como indiqué en su momento, la protagonista de esta historia intenta en todo momento que su hijo tenga una infancia lo más normal posible (dentro del escueto espacio donde estan encerrados) lo que me recordó a todas las peripecias por las que pasaba el protagonista de la película La vida es bella para conservar la inocencia de su pequeño. La habitación tiene dos partes bien diferenciadas: mientras que en la primera se nos presenta como es el mundo de Jack dentro de las cuatro paredes de la habitación, en la segunda veremos como el pequeño intenta adaptarse a un mundo exterior desconocido para él hasta ese momento, demostrando que nada vuelve a ser igual para nadie tras una experiencia traumática así.

De todas maneras si tengo que admitir que al ser una película narrada desde el punto de vista del niño, la historia deja un poco "colgada" la historia del Viejo Nick, el individuo que secuestró a la madre de Jack, que abusa de ella cuanto quiere en los siete años que la mantiene cautiva, y que pese a ser el padre del pequeño no muestra ningún interés especial sobre él. Nunca sabemos nada sobre sus motivaciones, e incluso en el giro que nos lleva desde la primera a la segunda parte de este film uno quizás esperaba un resultado más truculento por parte del Viejo Nick, aunque me imagino que tampoco se quería romper el mensaje de esperanza, incluso estando en la peor de las situaciones, que nos quiere transmitir esta historia tan emotiva, sensible (que no sensiblera) y humana.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• Más información en la web de la obra (en inglés)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de marzo del 2016
• LO MEJOR: El magnífico trabajo de Brie Larson y Jacob Tremblay, los dos pilares de esta historia de amor y esperanza: ella no es una madre perfecta (se estresa, se enfada, grita y se desquicia) pero ama y protege a su hijo como una auténtica leona. En cuanto al joven Jack es asustadizo, irracional, pilla rabietas y tiene dudas cuando algo se sale de lo que él considera como normal (como no ha conocido otra cosa, él en la habitación es feliz) Por eso la labor de ambos, llena de matices y veracidad, es lo mejor de la película.
• LO PEOR: Lo escueto de los personajes secundarios (como los del Viejo Nick, del que nada se profundiza en sus motivaciones, o el poco provecho que se saca de dos grandes actores como William H.Macy y Joan Allen)

CREED: LA LEYENDA DE ROCKY, secuela, remake, spin-off y reboot

¿Tenemos una nueva moda en Hollywood? Tras Jurassic World y Star Wars: el despertar de la fuerza ahora se estrena esta Creed (alargada en España con lo de La leyenda de Rocky) la cual, al igual que pasaba con los ejemplos citados, funciona a varios niveles dentro de la serie donde está englobada: en este caso sería tanto secuela de la saga del famoso boxeador como spin-off de la misma que funciona como remake del título inicial y por lo tanto reboot de la franquicia. Y aunque parezca que de semejante mezcla no puede salir algo aceptable, el film resulta entretenido e incluso mejor de lo inicialmente previsto.

Stallone quedó bastante contento con el final que tenía el personaje de su mítico boxeador en la sexta entrega de la saga. Pero Ryan Coogler, director y guionista de esta película, le insistió una y otra vez para que retomara el papel, ahora como entrenador de un nuevo boxeador, con la particularidad de que esta nueva promesa del cuadrilátero es el hijo de Apollo Creed, primero contrincante y luego amigo de Rocky Balboa (al que encarnó Carl Weathers en las 4 primeras entregas de esta saga)

Por encima del trabajo de un Stallone que dicen que puede recibir una nominación al Oscar como mejor actor secundario por este papel (de momento ya la tiene para los Globos de Oro) la mayor sorpresa me la llevé con Michael B.Jordan, quien da vida al hijo de Creed, porque no solo funciona como protagonista de la película sino que sorprende que sea el mismo actor que estuvo tan mal como la Antorcha Humana en el fallido reboot de Los 4 Fantásticos estrenado hace unos meses. Seamos claros, tampoco creo que sea como para darle un Oscar... pero sin duda representa una clara mejoría sobre su trabajo previo.

Como he indicado, esta película vendría a ser un remake del título inicial del 76, siendo como tal correcto y respetuoso aunque falto de novedades. Hay que tener presente que Creed, dentro de su género, no aspira a la grandeza de otros títulos pugilísticos como Million Dollar Baby o Toro Salvaje, pero sabe contentar a los seguidores de la saga de Rocky que (en origen) temian que esto fuera un simple alargamiento de una franquicia que ya no daba más de si... aunque se hubiese agradecido algún giro inesperado porque la estructura es tan similar que incluso resulta evidente y previsible que en el combate final se repita lo del primer duelo entre Rocky Balboa y Apollo Creed en el film inaugural de John G.Avildsen.

¿Puede salir de aqui un renacer de esta serie? Para eso tendrian que enfocar la hipotética Creed 2 como remake de Rocky 2, pero en mi caso tengo que admitir que esta saga no ha sido TAN SOLO Sylvester Stallone, porque en la película de 1976 el reparto que lo acompañaba (Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers y Burgess Meredith) dejaron un buen nivel en sus respectivos papeles, algo que hecho en falta en este film tanto en el contrincante de nuestro protagonista (al que le falta el carisma de Apollo Creed) como en la que encarna a su novia (cuya inclusión queda incluso un tanto forzada)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• Más información en la web de la película
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de enero de 2016
• LA CURIOSIDAD: En cierto momento a los personajes se les ve viendo una película de la saga Bond, que identifiqué como Skyfall, confirmándomelo los títulos de crédito.
• LO MEJOR: Enfocada como remake del título inicial, dentro de su condición de secuela, funciona sobretodo no solo por el carisma de Stallone con uno de sus personajes más míticos, sino por la destacable labor de Michael B.Jordan, que te hace olvidar su fallida Antorcha Humana en el pésimo reboot de Los 4 Fantásticos estrenado hace unos meses.
• LO PEOR: En el fondo tampoco cuenta nada que no se haya visto antes.