CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN (2025), crítica sin spoilers

Con esta nueva Cómo entrenar a tu dragón está claro que Universal (la distribuidora) y Dreamworks SKG (la productora) intentan hacer una jugada similar a la que está llevando a cabo Disney desde hace más de una década: realizar la versión en acción real de un film de animación más o menos añorado por el público. 

 

La lista de los intentos de Disney es extensa, y este mismo año 2025 tiene para todos los gustos: por un lado el descalabro en taquilla de Blancanieves, y por otro el gran éxito de Lilo y Stitch, por lo que los arriba citados pensaron que podían arriesgarse y ver qué tal les salía la jugada. También es cierto que muchas de esas nuevas versiones han perdido el encanto de la animación, y sólo en muy contados casos el resultado ha sido como mínimo entretenido.

 

Curiosamente tengo que admitir que la película original no la vi en su momento de estreno en cines, sino cuando se emitió en televisión. En aquella época Dreamworks intentaba por todos los medios competir en el campo de la animación con Pixar, pero esta última le llevaba amplia ventaja, con guiones más elaborados que intentaban llegar a un mayor espectro de público, por lo que consideré que no tenía prisa por ella. Cuando por fin vi la película me di cuenta de mi error, ya que con Cómo entrenar a tu dragón demostraron no sólo un buen apartado técnico en cuanto a animación, sino también emocional.

 

El éxito propició la expansión de la franquicia, que dio para dos secuelas (que sí he visto), cuatro cortos (que no he visto) y dos series de televisión con más de 100 episodios (del que alguna vez he visto un rato alguno haciendo zapping). Ahora le toca a este remake en acción real, que llega apenas 15 años después del estreno del film original, lo que llevó a muchos a preguntarse la necesidad de ello (más allá del extra de ingresos por mantener viva una franquicia de éxito contrastado). Pero volviendo a la antes citada Disney, ellos estrenarán para 2026 (está ahora mismo en rodaje) el remake en acción real de Vaina, apenas 10 años después del estreno de la película de animación original... 

 

En el caso de aceptar, por tanto, que hay un amplio sector del público que prefiere ir a lo conocido que arriesgarse con algo nuevo (de ahí el éxito más o menos asegurado que tienen productos como este, o secuelas de títulos que han demostrado un buen rendimiento económico), habría que valorar de forma positiva este film. Esta nueva Cómo entrenar a tu dragón sabe que la película original funcionaba la mar de bien, y lo único que ofrece es una traslación a formato "físico" (siempre entre comillas teniendo en cuenta el CGI que requieren proyectos así) de todo ello.

 

También es una evidente ventaja confiar en el responsable de la original (Dean DeBlois), que asume las funciones con cariño y (quizás demasiado) respeto hacia el material de origen, eludiendo riesgos. Eso ayuda, ya que se han estrenado muchos productos de este estilo, auspiciados desde una mesa de accionistas más preocupados por exprimir la nostalgia del público, que por ofrecer algo que tenga cierta consistencia. Tampoco afirmo que este remake fuera necesario (que no lo es), pero al menos se puede ver sin sentir que desvirtúan algo a lo que le tenías cierto cariño. 

 

Un detalle que en este tipo de traspasos suele ser delicado es el reparto, pero tengo que admitir que la elección de Mason Thames como Hipo y Nico Parker como Astrid ha sido sin duda todo un acierto (más allá de que ella haya tenido que sortear las quejas de los que buscan la exacta literalidad). Por su parte el que repite es Gerard Butler, que puso su voz al Estoico de animación (el padre del protagonista Hipo), y que aquí lo interpreta de forma adecuada. Otro nombre conocido del elenco es el de Nick Frost, como Gobber el Eructo (en animación con la voz de Craig Ferguson). 

 

En líneas generales es justo admitir que se ha logrado un reparto bastante funcional para esta traslación de un formato a otro. También destacan los espectaculares paisajes de Irlanda del Norte donde se ha recreado la Isla Mema en los que acontece la historia, que les puede servir para promocionarla como parte de las nuevas atracciones del Parque Temático de la Universal en Orlando. En resumen, dentro de este innecesario subgénero de remakes en acción real de films animados, al menos esta Cómo entrenar a tu dragón es de las que logra convencer y entretener. 

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de junio de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS, un sangriento complemento

Esta Predator: Asesino de asesinos es claro resultado del éxito que tuvo la entrega previa (Predator: La presa) cuando se estrenó en el verano de 2022 en Disney Plus por la poca confianza que tenían en ella... para luego convencer en líneas generales a público y crítica. A sus espaldas tenía una franquicia que comenzó en 1987 con la película Depredador dirigida por John McTiernam y con Arnold Schwarzenegger de protagonista, a la que siguió una secuela que no tuvo tanta suerte, dejando en letargo futuras entregas.

 

Tras varios años detenida, a alguien se le ocurrió la brillante idea de realizar un crossover con Alien (de la saga homónima) para intentar repetir el éxito que dichos combates habían tenido en las viñetas. Digamos que habrá quien defienda las dos películas (2004 y 2007) de Alien vs.Predator... pero no seré yo uno de ellos.

 

Con la criatura de nuevo en solitario, se probó suerte en 2010 con Predators y en 2018 con Predator, pero ninguna logró cubrir lo que se esperaba de ellas (y de ahí que la película de 2022 antes citada no levantara interés inicial para su estreno en salas de cine, yendo directo a la plataforma Disney Plus). Eso cambió con su inesperado éxito, por lo que este 2025 habrá dos películas de Predator, primero esta de animación con estreno en plataforma, y en noviembre la de acción real Predator: Badlands, que llegará a los cines.

 

En el caso del presente film estamos ante un relato episódico, que en inicio parecen ser independientes entre sí, pero que confluyen en su tramo final. Las historias, localizadas en diferentes periodos históricos, se centran en una guerrera vikinga, un ninja del Japón feudal y un soldado norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. Tengo que admitir que me llamó la atención el tramo japonés, ya que viene a ser una sucesión de acción sin apenas ningún diálogo, pero mostrándose efectiva en lo que quiere narrar. De todas maneras el estilo de animación no me ha resultado del todo convincente, aunque deviene funcional, que en última instancia es lo que interesa.

 

Habrá quien pueda tener prejuicios hacia el hecho de que un film así se estrene en Disney Plus, siendo una plataforma más asociada (en general) al entretenimiento infantil, pero en ese sentido tengo que admitir que cumple con la esencia de la franquicia. Con eso me vengo a referir a que casi desde el inicio todo es una brutal orgía sangrienta de violencia desenfrenada, destacando de forma especial en el primer tramo con los vikingos. Y para no hacer repetitivos los tres segmentos que conforman esta película, antes de la confluencia final, el tercero de ellos sería un combate aéreo, siendo relativa novedad porque hasta ahora los más espectaculares en esta franquicia han sido cuerpo a cuerpo.

 

El problema de Predator: Asesino de asesinos es su condición de mero complemento co-dirigido por Dan Trachtenberg, responsable tanto de la previa La Presa como de la próxima Badlands, que aquí comparte dicha función con Joss Wassung. Es como si en una tormenta de ideas sobre posibles secuelas para el film de 2022 hubieran elegido estas tres opciones, limitándose a engarzarlas para darles una cierta coherencia, aprovechando la animación para así realizar un film de presupuesto más contenido (en esta época en que en Hollywood el exceso de gasto hace difícil la rentabilidad de ciertas películas). El resultado cumple con la esencia de la criatura, pero (al menos a mi) me sabe a poco.

 

Su función de mera bisagra entre lo estrenado y lo que está por llegar (o como mínimo valoran) se encuentra cuando al final se ven una serie de cámaras criogénicas en la que los más avezados han creído ver cierta criatura con la que pueden volver a cruzarse, así como detalles que van desde la misma película inaugural de 1987 hasta la más reciente, siendo en el caso de esta última la referencia bastante evidente. Con lo visto en Predator: Asesino de asesinos cabe la suposición de que los yautja (la especie a la que pertenecen estas criaturas) reúnan a los mejores y más avezados guerreros de diferentes épocas y lugares con objeto de... lo que se les ocurra de aquí a futuras entregas.  

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 6 de junio de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

ZATANNA: ABAJO LA SALA, una delicia visual (reseña de biblioteca)

Grata sorpresa me llevo con Zatanna: Abajo la sala, uno de los primeros cómics de DC editados por Panini que llega a la biblioteca (y tardando bien poco, porque salió a la venta el pasado abril). Dicho personaje lo he visto esporádicamente como secundaria en algunos cómics que me he leído, aunque nunca había caído en mis manos nada específico de ella. Pero si Zatanna me resulta atractiva es desde que la descubrí en versión real en la serie televisiva Smallville, encarnada por la actriz Serinda Swan. 

En este caso los responsables del presente cómic son Mariko Tamaki al guion (de la cual había leído otras obras suyas en el pasado, como por ejemplo su irregular etapa en Hulka o un cómic dirigido al público infantil con Spider-Man y Veneno de protagonistas) y el asturiano Javier Rodríguez en su sensacional apartado gráfico. La labor en común de ambos ha logrado que este cómic obtenga nominaciónes a mejor serie limitada, mejor dibujo y mejor color en los premios Eisner, todas ellas más que merecidas. Editada dentro del sello Black Label, permite cierta libertad creativa a sus responsables (muy bien aprovechada), sin las cortapisas de la continuidad del personaje hasta ese momento.

De Javier Rodríguez había leído también algunos cómics suyos en el pasado, pero ninguno me había entrado tan bien por los ojos como este Zatanna: Abajo la sala. Su estilo pop, con un trazo limpio y un fantástico uso del color, logra crear unas páginas abrumadoras y de gran belleza, que pese a su aparente simpleza están rellenas de detalles en los que uno puede encandilarse. Sirva de ejemplo la forma en que se representa el Palacio de los Magos, que se nota muy deudor del expresionismo alemán, como el propio Javier Rodríguez cita en la entrevista que hay entre los extras de este tomo, además de ilustraciones de otros autores como Terry Dodson, Jorge Jiménez o Janin. 

Asimismo que se reinvente a la protagonista, para que esto pueda ser una puerta de entrada a nuevos lectores, es otro claro acierto de esta obra. Y pese a ese tópico en los cómics de superhéroes de sexualizar en exceso a sus protagonistas femeninas, Rodríguez sabe que no puede eludir ese detalle en el aspecto básico del personaje, pero logra un resultado bastante llamativo al "sensualizarla" (ahondando en ese aspecto de pin-up que siempre la ha caracterizado), logrando la enésima prueba de que es un acierto el "sugerir" mas que el "mostrar" (siendo el culmen de todo eso lo referente al encuentro con un John Constantine que tiene una presencia secundaria por estas páginas).

En esta historia vemos a una joven Zatanna que aún desconoce sus capacidades mágicas, ya que por cierta experiencia del pasado quedó traumatizada y reniega de ella. Trabaja en Las Vegas, en un casino tirando a cutre, en el que realiza sencillos trucos de prestidigitador, pero pese a las condiciones a ella ya le vale... hasta que cierto personaje desconocido la sumerge en un mundo hasta ahora desconocido para ella, lo que la obligará a intentar resolver sus traumas del pasado para lograr evolucionar, hasta llevar a sus capacidades hasta un nuevo nivel. En resumen, Zatanna: Abajo la sala es un cómic sorprendente y sin duda alguna recomendable. 

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Zatanna: Abajo la sala, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

SHERLOCK HOLMES Y EL MISTERIO DEL TIBET / SHERLOCK HOLMES EN EL CINE, EL CÓMIC Y LA TELEVISIÓN (en docpastor.com)

Con Sherlock Holmes y el misterio del Tibet sus responsables (Sergio Colomino en el guión y Jordi Palomé a cargo del apartado gráfico) completan una trilogía que comenzó con Sherlock Holmes y la conspiración de Barcelona para continuar con Sherlock Holmes y el legado de Moriarty. En la misma se han dedicado a narrar las andanzas del popular personaje durante el Gran Hiato, ese periodo de tiempo transcurrido entre la supuesta muerte de Holmes narrada en El problema final y su posterior regreso en La casa vacía, en ambos casos relatos canónicos escritos por Sir Arthur Conan Doyle, creador del personaje.

Cuando estaba leyendo este cómic me acordé bastante de la popular The league of extraordinary gentlemen de Alan Moore, ya que si en aquella se reunían, por orden del gobierno, varios personajes de la literatura victoriana para combatir amenazas (Allan Quatermain de Las minas del Rey Salomón escrita por H.Rider Haggard, Mina Harker del Drácula de Bram Stoker, Hawley Griffin de El hombre invisible ideado por H.G.Wells, Doctor Jekyll y Mr.Hyde de la obra homónima escrita por Robert Louis Stevenson y el Capitán Nemo del clásico literario 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne), ese mismo popurrí se da en este caso, si bien con menores pretensiones. 

En este cómic al mítico detective (en aquel entonces haciéndose pasar por un explorador noruego llamado Sigerson) lo mezclan en una trama en la que también concurren emblemáticos personajes de otras obras literarias de entonces, de las que no puedo decir el título porque sería casi spoiler (y admito que no quiero chafar la grata sorpresa que me llevé de encontrarlos en esta historia) pero si puedo decir los autores: Rudyard Kipling y H.G.Wells. A partir de ahí hagan sus apuestas... 

Personajes ficticios y otros reales comparten una aventura en la que incluso hay cabida para ese fantástico ser que dicen que pulula por aquellas montañas, en una entretenida historia bien planteada y desarrollada, en la que quizás se pueden encontrar ecos de El perro de los Baskerville, clásica obra canónica del personaje donde venía a demostrar la verdad sobre lo que en principio era una amenaza sobrenatural. Una recomendable obra para los seguidores del popular detective que se complementa con unas guardas cronológicamente ilustrativas, un artículo de Sergio Colomino, bocetos e ilustraciones de Jordi Palomé y una pequeña galería de ilustraciones, una de las cuales con ecos de Tintín, el popular personaje de Hergé.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Sherlock Holmes y el misterio del Tibet, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

• Sherlock Holmes en el cine, el cómic y la televisión, mi reseña por este enlace.

LOS 4 FANTÁSTICOS: TODA UNA VIDA y GALAXIA LUCAS: MÁS ALLÁ DE LA FUERZA (segunda edición actualizada y ampliada)

Con el próximo estreno de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos tenía pendiente de leer este tomo del famoso cuarteto de Marvel, enfocado como el de Spider-Man que me leí hace unos años, y que completé con el Annual en fechas más recientes, por lo que he puesto solución a ello solicitándolo a una de las pocas bibliotecas (para mi sorpresa) que lo tiene.

Mi interés en este cómic estaba, de nuevo, en su planteamiento: si Chip Zdarsky en el guion y Mark Bagley en el apartado gráfico habían logrado con Spider-Man tan buenos resultados a la hora de repasar los grandes momentos de su historia cual si hubieran transcurrido en tiempo real, quería leer lo que habían hecho Mark Russell en el guion y Sean Izaakse con la misma premisa. 

En los seis capítulos de Los Cuatro Fantásticos: Toda una vida se repasan las seis décadas que van desde 1961 (cuando estos personajes fueron creados) hasta el momento de su 60º aniversario, con la particularidad de que el tiempo pasa de forma real por ellos, envejeciéndolos en lugar de dejarlos estancados en ese limbo en el que están los personajes de cómics de superhéroes, donde su edad quedó más o menos detenida para así tenerlos siempre vigentes.

Las seis entregas que componen esta serie, una por década al igual que ocurría en el caso del arácnido, tienen un respectivo, podríamos decir, "narrador": son Reed (para los años 60), Susan (para los 70), Johnny (para los 80) y Ben (para los 90). Por su parte las dos décadas primeras del nuevo siglo corren a cargo de Franklin y de nuevo Reed, lo cual se justifica en el primer caso porque evidentemente el hijo de Reed y Susan aquí crece hasta una edad adulta en la que forma su propia familia; mientras que Reed cierra la epopeya que él mismo comenzó, pese al estado en que se encuentra tras todo el tiempo pasado y los hechos que ocurren.

Pero hay matices: uno esperaría que el esquema de estas seis décadas fuera el mismo que se empleó con Spider-Man, pero en este caso no se repasan los grandes éxitos del cuarteto a lo largo de esas seis décadas mientras ellos envejecen a tiempo real. El guionista Mark Russell (del que hace años leí su brillante reinvención de Los Picapiedra) se limita a un hecho trascendental: la llegada de Galactus. 

El cambio radica en que es la visión de tan tremendo contrincante lo que asusta a Reed justo cuando el cuarteto logra sus poderes, y pasará cinco décadas intentando convencer a todo el mundo del peligro que acecha, lo que en un principio acabará alejando a Sue de él (que tendrá una aventura amorosa con Namor). Pero cuando se concrete, tras muchas vicisitudes, llevará a la inicial resignación por parte de toda la humanidad, aunque (como es lógico) habrá un inesperado giro de guion para solventar dicha crisis. 

Lo interesante de eso es ver la evolución de los personajes, que resulta bastante coherente aunque en muchas ocasiones sea más de forma individual que como grupo. De forma secundaria aparecen algunos villanos clásicos del cuarteto, siendo el que tiene mayor importancia (algo de todas maneras lógico) el Doctor Muerte, cuyo origen y desarrollo es diferente respecto al clásico, aunque su esencia al final haga acto de presencia.

En la última década (los años 2010) ya se ve como el tiempo pasa para todos, siendo una nueva generación de superhéroes (el Spider-Man de Miles Morales, Ironheart, etc.) los que toman el relevo. Me quedo con las ganas de ver como se podría desarrollar la premisa de esta línea Toda una vida en otros personajes que dan pie para ello, caso de Daredevil (que creo que se ajusta muy bien), aunque podrían servir otros como Iron Man, que tiene presencia secundaria tanto en el de Spider-Man como en este.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Los 4 Fantásticos: Toda una vida, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

• GALAXIA LUCAS: MÁS ALLÁ DE LA FUERZA, mi reseña de la segunda edición actualizada y ampliada por este enlace.

MARVEL SEGÚN RICHARD CORBEN (y dos más en docpastor.com)

¿Puede un cómic ser mejor por su dibujo que por su historia? Pues sí, y de hecho pasa en ocasiones más veces de las que a uno le gustaría. Pero más allá de que el apartado gráfico guste más o menos, es algo decepcionante cuando artistas que han demostrado su solvencia son el único punto de interés, como ocurre aquí con este Marvel según Richard Corben. En lo que sin duda eran meros trabajos alimenticios (aunque a más de uno le gustaría llegar a ser tan mítico como lo fue el citado Richard Corben), en este tomo se recopilan los cuatro números de Starling Stories: Banner! que ya me había leído hace años de la biblioteca en su edición previa, MAX: Cage 1 a 5 (que tenía pendiente de leer), The Punisher: The end, que en su día me compré y luego releí en otra edición posterior antes de esta, y los números 6 y 7 del volumen 5 de Ghost Rider, también inéditos para mí.

 

El tomo empieza con los cuatro números de Hulk, donde lo mejor es sin duda su apartado gráfico, porque a nivel de historia no deja de ser un genérico amalgama del Bruce Banner-Hulk fugitivo y el General Trueno Ross, pero en especial Leonard Samson, persiguiéndole. Tiene sus detalles más o menos aceptables, pero en esencia te cuenta en cuatro números lo que se podía haber narrado sin problemas en uno, por más que el guionista sea aquí Brian Azzarello, también responsable de la posterior MAX: Cage.

 

Se podría decir que esa es la más interesante del grupo, sin que tampoco vaya más allá del aprobado: englobada dentro de la línea MAX (donde se supone que había más libertad en cuanto a visualizar el sexo o que los personajes no se cortaran si tenían que usar palabrotas) la miniserie de Cage muestra al protagonista antes de que pasara por las manos de Brian Michael Bendis, por lo que digamos que el resultado "bebe" más de los orígenes que tuvo que de la imagen actual que tiene. La trama comienza con averiguar quien fue el asesino de una niña pero deviene en una guerra de bandas donde está inmerso Lápida y tiene un papel secundario Montaña Marko, ambos villanos surgidos del universo arácnido de Marvel.

 

El siguiente contenido de este tomo es el número único dedicado a Punisher, englobado dentro de una serie de historias independientes narrando el final de personajes emblemáticos de la casa. En este caso en un futuro indeterminado, donde un apocalipsis nuclear ha acabado con todo, un avejentado protagonista se va a un sitio determinado donde se agolpan los últimos reductos de la humanidad, formado por poderosos que pudieron pagarse su salvación, para castigarlos por su prepotencia, que ha abocado al mundo al final. Se deja leer pero tampoco aporta nada más, siempre con la excepción del fantástico dibujo de Corben. En su día lo compré por eso y admito que poco más ofrece.

 

El material final son dos números de Ghost Rider con guion de Daniel Way que resultan mero relleno si no fuera por quien lo dibuja, ya que se centra en el enésimo enfrentamiento entre el protagonista y Satanás, en un relato con saltos temporales que no ayudan mucho al disfrute, aunque la brevedad juega a su favor. Por lo tanto en resumen se puede afirmar que lo mejor de este tomo es su apartado gráfico (notable rozando la excelencia) más que sus discretos (muy discretos) guiones, que no consiguen subir más allá del mero aprobado.

 

CALIFICACIÓN: Entretenido (2,5/5)

• Marvel según Richard Corben, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

Mis reseñas en docpastor.com

• Los monstruos también tienen miedo de Mauro Entrialgo.
• Ranciofacts 7: Orgullo cuñao de Pedro Vera.

BASIL EL RATÓN SUPERDETECTIVE de EVE TITUS y DISNEY

Empiezo con un pequeño inciso: hace muchos años que conozco la película Basil el ratón superdetective de Disney, que fue estrenada en 1986 aunque yo no la vi hasta los noventa en video. Mi presunción (equivocada) era que la Disney la había hecho como homenaje para coincidir con el centenario de Sherlock Holmes en 1987 (la inicial Estudio en escarlata se había editado en 1887). Es gracioso porque lo que voy a decir incluso sale reflejado en sus títulos de crédito, pero no me he percatado de ello hasta ahora, ya que he aprovechado para revisar la película y descubrir la obra literaria que toma como base (que en esencia tienen poco en común).

Y es que Basil el ratón superdetective está basado en un cuento infantil de Eve Titus con ilustraciones de Paul Galdone del que desconocía por completo su existencia, hasta que hace unos días buscando al azar en el catálogo de las bibliotecas lo encontré, en una edición de Blackie Books de 2020, aunque la historia vio la luz en 1958. Pese a que al popular Sherlock Holmes lo han interpretado multitud de actores a lo largo de los años, en el momento en que se escribió esta obra la mayoría coincidía en señalar a Basil Rathbone como el que mejor lo encarnó en las 14 películas que hizo dando vida al detective entre 1939 y 1946, siendo como homenaje a él lo de poner Basil al roedor protagonista.

El libro de Eve Titus es un cuento muy recomendable para los más pequeños, al que el hecho de venir acompañado por las ilustraciones originales de Paul Galdone le confiere un mayor mérito, cual si fuera un equivalente al Sidney Paget que se encargó de lo mismo en las obras de Sherlock Holmes escritas por Sir Arthur Conan Doyle. La historia, orientada hacia el público infantil, plantea el secuestro de las gemelas Angela y Agatha dentro del mundo ratonil ingeniado en el subsuelo del Londres victoriano, lo que llevará a Basil y su amigo el doctor Dawson (claro equivalente ratonil de Watson) a descubrir un perverso plan orquestado por los Tres Terribles.

Esta novela de Eve Titus es la primera de las cinco que dedicó a este ratón detective, y su título original es Basil of Baker Street, aunque para esta edición se aprovechara el título de la película animada de Disney para darle mayor notoriedad. En la ficha de la Wikipedia de la autora se puede consultar toda su obra, incluidos los otros títulos de Basil que, al menos que me conste en el momento de escribir estas líneas, no han tenido edición española (o al menos la desconozco). Pero a la hora de la adaptación por parte de Disney en 1986 no sé si unificaron detalles de los otros relatos, pero digamos que los parecidos son más bien escasos, aunque el resultado es bastante entretenido.

Además de Basil como trasunto de Sherlock Holmes, el Doctor Dawson equivalente a Watson y la señora Judson respecto a la humana señora Hudson, en el film tenemos como villano al Profesor Ratigan, reflejo en rata (lo cual le irrita mucho que le digan) al Profesor Moriarty, y al que pone voz en la versión original el emblemático actor Vincent Price. El esbirro principal del villano es un torpe murciélago cojo, y en su banda tiene más ratones y una gata con la que digamos que controla la disidencia entre sus secuaces, mientras que el equipo de Basil tiene a Toby, el perro de Sherlock Holmes al que se menciona en El signo de los cuatro, si bien ninguno aparece en la obra de Titus.

El único nexo en común entre libro y película sería que en ambos todo comienza por un secuestro, pero mientras que en la obra son dos gemelas y el plan de los villanos es diferente, en la película el personaje secuestrado es un ratón juguetero llamado Hiram Flaversham, siendo su hija Olivia quien acudirá a pedir ayuda a Basil. A medida que avance la película se descubrirá que todo es un plan megalómano del Profesor Ratigan para lograr más poder (y no digo más para no desvelar spoilers). A nivel de curiosidad citar que en su versión original se usó la voz grabada de Basil Rathbone para dar voz a Sherlock Holmes, ya que el citado actor falleció en 1967.

• Basil el ratón superdetective de Eve Titus, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (en castellano y catalán) por este otro. CALIFICACIÓN: 4/5 (Buena).
• Basil el ratón superdetective de Disney, ficha en Imdb por este enlace y ficha en Filmafinitty por este otro. CALIFICACIÓN: 3,5/5 (Entretenida).

MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA FINAL, crítica sin spoilers

Antes de ser la franquicia en la que se ha convertido a lo largo de casi tres décadas, Misión Imposible fue la adaptación de una serie televisiva de los años 60, que se sumaba a la moda imperante en la década de los 90 de adaptar en películas antiguas series de televisión (otros ejemplos podrían ser El fugitivo en 1993, Los Picapiedra en 1994, El santo en 1997 o Perdidos en el espacio en 1998, por citar unos pocos).

 

Su máximo impulsor fue Tom Cruise, cuya intención era que cada nueva entrega estuviera firmada por un director diferente, para que cada uno dejara su sello personal. Eso se cumplió las cuatro primeras (a cargo de, respectivamente, Brian de Palma, John Woo, J.J.Abrams y Brad Bird), porque a partir de la quinta el citado Cruise descubrió a Christopher McQuarrie, que le convenció de tal forma que se quedó como director de las cuatro entregas siguientes, incluida esta octava y (al menos eso parece) última, casi 30 años después del comienzo.

 

La calidad de la franquicia a lo largo de ocho películas ha sido variable, pero casi siempre destacable, siendo el mayor atractivo de sus entregas más recientes la voluntad de su protagonista para realizar en persona la gran mayoría de las espectaculares escenas de riesgo y acción con las que sorprenden al espectador. Pero tras el varapalo en taquilla de la entrega precedente, que no logró ser todo lo rentable que pretendían (recaudó "sólo" 172 millones de dólares en el mercado norteamericano y casi 400 millones de dólares en el internacional, con un presupuesto de 291 millones de dólares, ya que fue fagocitada una semana después de su estreno por el apabullante éxito de Barbie y Oppenheimer), llevó a que esta octava entrega no tuviese de título el predecible, a tenor del capítulo previo, Sentencia mortal (parte 2) si no Sentencia final. 

 

Con este octavo film la franquicia consigue el récord de entrega con mayor metraje: si ya la anterior fueron 156 minutos, en esta se sube la apuesta hasta los 169 (es decir, casi tres horas) que sin duda alguna entretienen, pero que se notan algo excesivas no solo para lo que tiene que contar (sus escenas de acción más hiperbólicas serían dos, una situada en un submarino y otra en el avión que se ha visto en trailers previos y en el propio póster), sino sobretodo por el hecho de que la película previa y esta se supone que engloban una única historia, y para lo que cuenta sobraba tiempo de forma bastante evidente. Cierto es, como ha afirmado la crítica que la vio de estreno mundial hace unos días en el Festival de Cannes, que estamos ante la entrega más grandilocuente, pero eso no siempre juega a su favor, ya que esta franquicia si por algo se han caracterizado es por su tradicional ligereza, bastante más diluida en esta octava entrega. 

El evidente hecho de plantear esta película como un ¿cierre? (otra cosa es que se cumpla, ya que Hollywood casi nunca da sus franquicias por finiquitadas) es un tono nostálgico, en el que se recuerdan momentos de las siete películas anteriores, dándole si acaso un pelín más de trascendencia a la primera y la tercera, pero que en sí sólo sirve para honrar los ratos de diversión (sin duda alguna muy dignos) que hemos tenido con las películas de Misión imposible a lo largo de casi tres décadas. Para algunos puede ser un gesto autocomplaciente por parte de su protagonista principal, que tampoco duda en mostrar su cuerpo casi desnudo en algunos momentos, pero sirven para marcar tanto los éxitos de su Ethan Hunt (que en este film ya alcanzarían el estatus de mesiánico) como la continuidad de la franquicia, que se hizo mucho más evidente desde el momento en que McQuarrie tomó las riendas en la quinta entrega.

 

El problema quizás radique, como he dicho, en una premisa argumental que no daba para dilatar tanto su metraje: se continúa con lo planteado en el film precedente, por lo que encontramos al protagonista y sus amigos y/o colaboradores luchando contra la Entidad, una misteriosa Inteligencia Artificial que está a solo un escalón de ser como la Skynet de la saga Terminator, luchando además nuestros héroes contra un villano que aspira a controlarla. Con un desarrollo y un ritmo bastante fluidos (aunque algunos momentos quizás muy discursivos) me llamó la atención que recurriera a un tramo final intenso pero en esquema como el de la sexta entrega. Con esto me vengo a referir a dilatar el tiempo mucho más de lo humanamente concebible, lo que lleva a rozar los límites de la suspensión de la incredulidad del espectador, aunque son meros detalles en lo que se resuelve como un digno ¿cierre? a tres décadas de diversión.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de mayo de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

SU OLOR DESPUÉS DE LA LLUVIA, ULTIMATE SPIDER-MAN 13, MALDITO KARMA (el cómic) y mis reseñas en docpastor.com

SU OLOR DESPUÉS DE LA LLUVIA

Aunque no tengo el placer de conocerla en persona, una de mis más veteranas amigas en Facebook es Andrea Nájera, peluquera canina gran aficionada tanto a los perros como a los cómics. Justo relacionado con esto último, hace unos días me descubría la próxima edición de un cómic que se titula Su olor después de la lluvia, donde se narran las vivencias de un hombre y su perro. Al ser adaptación literaria busqué la novela en el catálogo de las bibliotecas y la encontré, del autor Cédric Sapin-Defour, por lo que la cogí y me la leí lo antes posible.

Con un estilo de prosa poética destacable y acertado, el autor se dedica a repasar el periodo de vida que pasó con Ubac, su perro de raza boyero de Berna, todo ello en un tono que me llevó a recordar al del mangaka Jiro Taniguchi (en más de una de sus obras) sobre lo de saber valorar los pequeños detalles de la vida, en esto caso personificados en ese perro que le acompañó a lo largo de 13 años. 

No hay más, pero todo aquel que ame a los animales y que haya tenido (o tenga) mascotas, de forma especial si son perros, se sentirá enseguida emocionado en lo que cuenta (y sobretodo como lo cuenta), mostrando como estos animales pueden llegar a lo más profundo de tu corazón desde el mismo día en que los ves, y permanecer en tu recuerdo por siempre, más allá del periodo establecido en que estén con uno hasta que el destino (o la vida, llámese como se quiera) los alcance. En dicho intervalo de tiempo habrá de todo, tanto bueno como menos bueno, montones de anécdotas y vivencias de todo tipo, pero Cédric lo narra de una forma tan emotiva que incluso el detalle más nimio resulta encantador y sorprendente. Sin duda alguna un libro altamente recomendable, y su adaptación en cómic intentaré leerla lo antes que me sea posible.

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

• Su olor después de la lluvia, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

ULTIMATE SPIDER-MAN 13

Debido a que Panini edita ahora en España tanto DC como Marvel eso ha supuesto un reajuste en su calendario, con lo cual Ultimate Spider-Man ya no saldrá el primer jueves de mes sino el segundo (o al menos eso supongo yo). El número de este mes de mayo es el 13, y cabe recordar que el previo ya dejaba la historia lo suficientemente interesante como para ver si aquí cumplía con las expectativas. La respuesta escueta sería que sí, pero hay ciertos matices.

Como inicio de arco argumental, si lo queremos considerar así, este cómic cumple muy bien, ya que tras la intriga de saber que había sido de Peter y Harry después de lo acontecido en el número 12, aquí se nos descubre que están en algo así como la Tierra Salvaje, que en este universo Ultimate es representada como territorio del Hombre Topo. A él ha llevado Kraven a sus dos secuestrados, y allí les propone una cacería humana que ya veremos como se desarrolla, ya que el escenario es digno de Parque Jurásico, incluidos dinosaurios.

Esa sensación de inicio de algo que ya veremos como se desarrolla continúa en las páginas de este cómic donde se ve que cierto allegado de Peter Parker lo está sustituyendo como Spider-Man, presentándose ante él la Gata Negra que apenas tuvo un pequeño cameo hace dos entregas, todo ello con unas intenciones que aún están por determinar. Por tanto, ambas líneas argumentales están presentadas de manera bastante atractiva y queda por ver adonde llevará todo ello.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ultimate Spider-Man 13, ficha editorial por este enlace.

MALDITO KARMA

Si empezaba este post de reseñas breves con la del libro Su olor después de la lluvia, quedándome a la espera de que pueda leer su adaptación en cómic, en este caso Maldito karma es justo al revés: se trata de la traslación a viñetas de la popular novela de David Safier, que yo me leí hace ya 14 años, y con la que descubrí a un notable autor del que luego me he leído multitud de sus novelas posteriores (incluida la secuela de esta, que leí cinco años después).

La historia de este cómic es en esencia la misma del libro porque el autor, un para mi del todo desconocido Christopher, se limita a resumir en 160 páginas las 300 de la novela original, siendo respetuoso con el material del que parte, pero sin aportar nada de especial relevancia. Como suele suceder en este estilo de obras, se puede decir que condensa todo lo más importante de la novela, si bien algunas partes quedan resumidas en una breve escena; mientras que su apartado gráfico cumple con corrección, con un estilo sencillo y casi ilustrativo.

Sin desvelar spoilers, para el que aún no la conozca, digamos que el relato toma el espíritu del clásico Cuento de Navidad de Dickens, aquí con una protagonista sin escrúpulos y bastante egocéntrica, que tendrá que aprender los valores de la vida cuando muera (de la manera más tonta) y tenga sucesivas reencarnaciones en diferentes animales hasta conseguir el karma necesario para entrar en el Nirvana.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Maldito karma, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

Mis reseñas en docpastor.com

• Hack/Slash: vuelta al cole.
• Gastón: El retorno de ElGafe.

DESTINO FINAL: LAZOS DE SANGRE, la lotería de la muerte (sin spoilers)

La saga Destino final nació en origen como premisa para un episodio de la serie Expediente X, que al final fue el film inicial de 2000. A él le siguieron cuatro secuelas, pero en mi caso tan sólo he visto en cines la cuarta y la quinta. Tras un descanso de 14 años llega ahora esta sexta entrega, con espíritu de reboot, y que tiene por subtítulo el muy acertado Lazos de sangre, ya que el origen está en el pasado de la abuela de la protagonista, afectando al presente.

 

La premisa de esta franquicia siempre ha sido la básica de un slasher, con la particularidad de que aquí no se intenta escapar de un asesino en serie, si no de la misma muerte, que considera que te salvaste de forma injusta de una tragedia donde tenías que haber muerto. Eso se debe a que en todas las entregas hay un personaje que tiene una premonición sobre lo que va a ocurrir, logrando salvar in-extremis a todos aquellos que le presten atención. Pero la muerte, sibilina como ella sola, ni perdona ni olvida, persiguiéndolos y acabando con ellos de las formas más despiadadas y salvajes posibles (lo que también ha sido uno de los morbosos incentivos de esta saga).

 

En estos tiempos en que tenemos nuevas entregas de (por ejemplo) Scream, Halloween o Sé lo que hicisteis el último verano, resulta lógico que tarde o temprano se recurriera de nuevo a Destino final, aunque la quinta entrega concluyera cerrando el círculo (mortal) y enlazando con la primera, en algo así como un ¿final definitivo? 

Y es que dicho colofón de Destino final 5, haciendo como un bucle entre todo lo visto en la (por entonces) pentalogía se transforma aquí, de forma sutil pero bastante acertada, en la justificación para sustentar tanto las entregas precedentes como las que estén por llegar: la tragedia inicial de esta película, ambientada en la década de los años sesenta, puede haber sido tanto el origen de aquellas como la justificación de esta y (por las décadas transcurridas) la de las hipotéticas entregas que estén por llegar. Eso se justificaría a tenor de saber por fin la trascendencia del personaje encarnado por el difunto actor Tony Todd (a su memoria está dedicada esta película), cuya presencia ha sido más o menos recurrente en esta franquicia, ya que el William John Bludworth al que da vida se le ha visto en las dos primeras, la quinta y la actual sexta entrega, donde por fin se aclara quien es.

 

Aunque en esquema se pueda decir que esta película reitera lo planteado en las previas, la novedad radicaría en que los personajes principales hasta ahora tenían una premonición del futuro, pero en este caso la universitaria Stephani Reyes lo que tiene es una funesta visión del pasado, en la que se ve envuelta su abuela Iris (con la que apenas ha tenido trato), y en donde asiste en primera persona a la tragedia de la inauguración de una impresionante torre SkyView a finales de la década de los 60. La duda que se presenta es que si la abuela en verdad sobrevivió (elemental, porque sino no tendría nieta), ¿que significa la pesadilla recurrente de la protagonista? Al investigar los motivos provocará que el ciclo mortal se recrudezca, y ahora corren peligro no sólo los que sobrevivieron, si no también sus propios descendientes (de ahí el citado Lazos de sangre), derivando a partir de ahí en la lotería de la muerte.

 

Con esa definición me vengo a referir al hecho de que sabiendo que cualquiera cosa puede ser mortal, los personajes van tomando conciencia, cada uno a su manera, de los peligros a los que se exponen, jugando además los responsables de esta película con la inquietud del espectador, que ve diferentes formas de morir, hasta que al final se revele quizás la más inesperada (a eso juegan también en el tráiler, donde se han dado por supuestas algunas muertes de manera determinada, pero que en la película sorprenden con otra distinta). Por lo demás se le puede achacar al desarrollo incongruencias y casualidades de todo tipo, pero el espectador de una película como esta sabe a lo que va, y lo obtiene de forma salvaje y brutal. Todo ello se mezcla con cierto toque de humor negro que le sienta bien al resultado final, pese a que en algunos momentos sea una violencia splastick que roza el cartoon (como ejemplo lo del piano).

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de mayo de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

¡ODIO DESATADO!, el regreso del clásico de PETER BAGGE (reseña)

¡Odio desatado! es el regreso de Peter Bagge a la  que sin duda es su serie más emblemática, y aquella por la que lo descubrí, en mi caso hace ya 16 años. Las vivencias de Buddy Bradley enseguida conectaron conmigo, pese a que yo lo conociera más de una década después de cuando se estrenó en las viñetas, ya que su disfuncional familia enseguida me recordó a otras creadas por la misma época, como por ejemplo Los Simpsons.

 

Pero en si Buddy Bradley vio la luz en origen en la cabecera Neat Stuff (aquí traducido como Mundo idiota) en 1981, hasta que consiguió su serie propia en 1990. Se que la comparación puede parecer algo forzada, pero digamos que me ha pasado algo parecido a la última película de Bridget Jones, donde admití que la evolución de los personajes a lo largo de las décadas se puede considerar paralela a la propia, y algo así me ocurre aquí: estaba en la treintena cuando descubrí ¡Odio! y ahora en la cincuentena me reencuentro con sus personajes justo con una edad similar... con matices.

 

A diferencia de lo cómodo que hubiera sido volverlo a situar todo en los 80 y 90 (para exprimir la nostalgia), Bagge intercala flashbacks situados en esa época con una visión actual de todos los personajes que conformaban aquella serie, lo que permite reencontrarnos con un Buddy Bradley que rondará los cincuenta, aunque a nivel gráfico el autor le permite un aspecto similar a aquel con el que lo conocimos. De esa manera lo que viene a mostrar es lo que todos ya sabemos: con veinte años o así parece que uno se vaya a comer el mundo, pero el transcurso de la vida nos pone en nuestro lugar, y cuando llegamos al medio siglo ya hemos dejado atrás las locuras de juventud.

 

Así es como encontramos a un Buddy que acabó haciendo pareja con Lisa, y logrando con ella una estabilidad que sigue al cabo de los años. De ella surgió Harold, su hijo adolescente, que los lleva de cabeza respecto a las decisiones sobre su futuro y las compañías que frecuenta. Eso sí, aunque la madurez le haga ver el mundo desde otra perspectiva, eso no priva que el cinismo del protagonista le haga ser contrario a las políticas de Donald Trump (sin por ello ser woke), si bien su madre sí que las defiende por su carácter homófobo, achacable según Buddy a lo que ha visto en Netflix. Junto a ellos también veremos como le ha sentado el paso del tiempo a sus hermanos Babs y Butch, a sus amigos Val y George, e incluso esos flashbacks antes citados permitirán que vuelva un personaje como Apestoso. 

Este tomo incluye los cuatro números originales de Hate revisited!, aquí traducido como ¡Odio desatado! por sugerencia de Hernán Migoya, traductor original de la obra, incluido esta de la que además se encarga del prólogo. En el mismo admite, y no seré yo quien ponga en duda sus palabras, que España ha sido el país del mundo donde mejor ha funcionado su serie, hasta el punto de que el hecho de que exista este cómic podría considerarse mérito de la sugerencia propuesta por su editorial española, a tenor de la situación sociopolítica del mundo en general, y de nuestro país en particular. Pese a ello también soy el primero en admitir que un nuevo lector quizás pueda encontrarse algo perdido si empieza por aquí, ya que yo mismo tuve que echar mano a mis recuerdos para posicionar a cada personaje en su lugar.

 

El estilo gráfico de su autor, muy caricaturesco, fue lo que me enganchó desde el principio, ya que el mismo es muy deudor de los Looney Tunes de la Warner (pese a que en sus obras más recientes se haya decantado por varias biografías en un tono más serio y formal de mujeres ejemplares). Pude conocer al autor en el 40 Cómic-Barcelona, donde me firmó un ejemplar de su obra Apocalipsis friki que había leído varios años antes de la biblioteca.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

• ¡Odio desatado!, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

¡UNIVERSO! 2, asombro cósmico a precios populares (reseña)

Me he leído ¡Universo! 2 varios años después del primer tomo, y aunque el resultado ha vuelto a ser notable, es lógico hacer algo de retrospectiva para situarnos. La primera entrega de esta serie creada por Albert Monteys la descubrí en 2018 en la biblioteca, siendo una agradable sorpresa, porque me permitía redescubrir a un autor que había seguido de forma primordial por su labor en la revista El Jueves, como todo un experto a la hora de manejarse en la ciencia-ficción.

 

Todo no pasaría de ser uno de tantos cómics cogidos a lo largo de los años en préstamo de la biblioteca, que me han gustado en mayor o menor medida, si no fuera porque a los pocos meses tuve la oportunidad, en el 37 Comic Barcelona, de conocer al autor y tener la citada obra con dedicatoria por su parte, por lo cual no dudé en ningún momento en adquirirla. 

Ha pasado más de un lustro, y comenzando de nuevo por la biblioteca, he cogido de allí el segundo tomo de ¡Universo!, que incluye los números 6 al 8 de dicha cabecera, en los cuales hay cabida para nada menos que 31 historias... aunque la cosa tiene truco. El propio Monteys declara en una última página de este tomo, que él describe como "una especie de epílogo", que el contenido del sexto número de esta serie le vino tras una crisis creativa, en la que dudando sobre varias ideas para desarrollarlas, al final optó por la vía drástica: ¿porque no usarlas todas? De ahí sale una antología donde se desbordan 29 historias que van desde una viñeta a seis páginas, y en donde hay cabida para toda una sucesión de temáticas que van de lo anecdótico a lo sarcástico, con resultados en algunos casos sorprendentes y siempre curiosos.

 

En dicho primer número, de los tres incluidos en esta segunda entrega, se permite un recurso visual para dejar clara la separación entre tan abrumadora cantidad de historias: cada vez que hay un punto azul es el final del relato en curso (sea este de la extensión que sea). Tras dicho aluvión los números 7 y 8 son dos historias íntegras e independientes, pero aún así interesantes: mientras en una reflexiona sobre la naturaleza de las narrativas, a cuenta de una colonia que quedó perdida siglos atrás, la última es una certera crítica minimalista contra la explotación laboral, ambientada en una colonia minera, con el aliciente de ser totalmente muda. El resultado global es una perfecta conjunción entre guion y dibujo por parte de Monteys que hace de este ¡Universo! 2 toda una delicia para los fans de la ciencia-ficción.

 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

• ¡Universo! 2, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (de los dos volúmenes hasta la fecha) por este otro.

Página interior de ¡Universo! 2 de Albert Monteys, edición de Astiberri.

AHÍ FUERA GRITANDO: UNA ANTOLOGIA DE BLACK HORROR editada por JORDAN PEELE (reseña de biblioteca)

Me leo de la biblioteca el libro Ahí fuera gritando: Una antología de Black Horror editada por Jordan Peele, un bastante famoso director americano que ya ha conseguido labrarse un nombre con apenas tres películas hasta el momento. Yo admito que me decanté por este libro por su nombre (tenéis su foto un poco más abajo), si bien su presencia son apenas un par de páginas en el prefacio del mismo, viniendo a continuación 19 relatos de corte fantástico, que mezclan el terror y/o la ciencia-ficción, escritos por varios autores afroamericanos que se supone que han sido seleccionados por el propio Peele. 

Recordando que él auspició la más reciente encarnación de la clásica serie The twilight zone (de la que vi sólo la primera temporada de las dos que tuvo, aunque sin llegar al encanto de la etapa clásica) decidí probar con los relatos de esta obra. Entre los mismos hay para todos los gustos (unos más convincentes, otros que menos, como siempre ocurre en selecciones de este estilo), pero si que coincide el ser mi primera aproximación a todos los autores que se reúnen en este libro. Repasemos su contenido.

El primer relato se titula A ojo y es de N.K.Jemisin: en el mismo se nos presenta a Carl, un policía que sospecha de un conductor que cree que ha cometido un delito, aunque se podría aplicar aquello de que "el que esté libre de pecado que tire la primera piedra", en un giro final digno de la antes citada The twilight zone. El segundo relato, con ecos de episodio piloto de una serie televisiva, es Ojo y colmillo de Rebecca Roanhorse donde los dos hermanos protagonistas se dedican a limpiar "problemas" poco corrientes, y que vendría a resumirse en que en ocasiones para pararle los pies a un monstruo, lo mejor son otros. 

Le sigue El diablo errante de Cadwell Turnbull, donde el protagonista Freddy vive una vida nómada, pretendiendo huir de una premonición, pero cuando surge la oportunidad de echar raíces, ¿logrará escapar a tiempo? Después viene el relato La invasión de los ultraniños de Lesley Nneka Arimah, o lo que sería una invasión alienígena (por el título es evidente) con extraterrestres embarazando a mujeres terrestres, tras el cual La otra de Violet Allen plantea un triángulo sentimental algo tremebundo por parte de quien le da título.

Le sigue Lasirèn, un curioso relato con referencias haitianas donde tres hermanas son tentadas por una sirena. En cuanto al siguiente (El viajero de Tananarive Due) me pareció digno heredero de los relatos de terror con moraleja de EC, teniendo el racismo como substrato esencial. Por su parte al de El esteta de Justin C.Key le encontré ecos de Blade Runner y sus replicantes, mientras que Presión de Ezra Claytan Daniels prometía más de lo que luego acaba siendo.

Grata sorpresa es la que me ofrece Casa oscura de Nnedi Okorafor, que bien podría ser el mejor relato de esta antología, centrado en cómo lleva el duelo de su padre una mujer de ascendencia nigeriana que se ve asediada por una incomprensible presencia sobrenatural. También destaca en planteamiento Parpadeo de L.D.Lewis, con retazos de Matrix (por cierta sugerencia que se ofrece) en una trama donde los parpadeos cada vez más extensos que asolan a todo el mundo provocan horrores paulatinamente más desconcertantes e inenarrables.

Le sigue La mujer obeah más fuerte del mundo de Nalo Hopkinson, que mezcla horrores corporales en un relato de inspiración jamaicana. Tras él El problema de Norwood de Maurice Broaddus, con un bosque protector contra el malvado hombre blanco, y Un pesar por los muertos de Rion Amilcar Scott, donde se mezcla con acierto una crisis existencial por un gemelo fallecido, una antigua leyenda y zombis con retazos de raciocinio.

Canta un pájaro junto al árbol grabado de Nicole D.Sconiers vendría a ser la competitividad que se establece entre dos espíritus de ultratumba por ver a cuantas víctimas pueden matar en el punto donde están ancladas. Le sigue Una fábula norteamericana, que podría ser equivalente al de El viajero citado antes, sólo que allí era un trayecto en autobús y aquí es en tren. El siguiente, Tu lugar feliz de Terence Taylor, parte de una interesante premisa a medio camino entre Matrix y Black Mirror.

La antología finaliza con los relatos Escondite de P.Djèli Clark y La historia de un origen de Tochi Onyebuchi, siendo el primero como dos niños asumen el hecho de que su madre sea drogadicta y el segundo algo así como una obra de teatro donde cuatro personajes divagan sobre varios temas. Por lo tanto, y en resumen, se puede decir que Ahí fuera gritando es una antología donde hay un poco de todo (destacando bastante cuando es bueno), con el común denominador de mostrar desde diferentes perspectivas (ansiedad, terror, trauma, etc.) la aún cuestionada hoy en día igualdad racial.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

• Ahí fuera gritando: Una antología de Black Horror editada por Jordan Peele, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

THUNDERBOLTS*, entretenida y convincente (crítica sin spoilers)

No soy muy dado a los cómics grupales de superhéroes (sean de DC o Marvel), y si ya me cuesta para los más veteranos (Los Vengadores), imagínate para los Thunderbolts, de los que apenas habré leído algún cómic esporádico y nada más. Pero como no cuesta nada informarse de sus orígenes en las viñetas, digamos que su ficha en la wikipedia me dice que se trata de un grupo de superhéroes que sustituyó  a los Vengadores cuando estos no estaban disponibles, debido al evento Onslaught de 1996. Su primera aparición fue en el número 449 de El increible Hulk de fecha enero de 1997, por obra del guionista Kurt Busiek y del dibujante Mark Bagley.

 

Como todo grupo que se precie, a lo largo del tiempo su alineación ha ido cambiando, y si en origen eran los Maestros del Mal dirigidos por el Barón Zemo, por sus filas han pasado todo tipo de personajes como Ojo de Halcón, Norman Osborn, Bullseye o Veneno, por citar apenas unos ejemplos. Y es que por tónica general se ha nutrido de villanos y antihéroes, como los seleccionados para esta película: Yelena Belova (Florence Pugh), Bucky Barnes (Sebastian Stan), Guardián Rojo (David Harbour), John Walker (Wyatt Russell), Fantasma (Hannah John Karmen) y Taskmaster (Olga Kurylenko), si bien lo de uno de los mencionados no es que sea secundario, es que más bien sería anecdótico por lo poco que dura. Todos ellos trabajan para la Condesa Valentina Allegra de Fontaine (Julia Louis-Dreyfruss).

 

La película hace del personaje de Florence Pugh la protagonista principal, lo cual viene a demostrar otra vez la solvencia de esta actriz, sin que ningún otro miembro del reparto pueda opacarla. Su Yelena es un personaje fuerte, valiente y carismático, con contradicciones pero sin perder su humanidad, siendo el punto de cohesión del grupo. Casi desde el inicio se les suma un misterioso individuo llamado Bob (Lewis Pullman), que en verdad se trata de otro superhéroe creado por Paul Jenkins y Jae Lee, cuya dualidad mental los pondrá en serios apuros ya que, tras mostrar su cara más amable, las circunstancias harán que asome otra más tenebrosa. Esa doble personalidad, al estilo de Jekyll y Hyde, sirve de metáfora del resto de miembros, donde todos ellos arrastran traumas y dramas de diferente índole (algunos interesantes pero apenas esbozados), dando un tono más oscuro a esta nueva propuesta grupal del Universo Cinematográfico Marvel.

En un principio los personajes van por libre, pero al caer en una artimaña orquestada por la Condesa Valentina Allegra de Fontaine (quien ante un comité admite que ahora no existen los Vengadores), eso les llevará a unir fuerzas entre sí, pese a las discrepancias iniciales, cuando se dan cuenta de que todos tienen un objetivo común, ya que descubren un oscuro complot que les amenaza a ellos y al mundo. La película mezcla de forma adecuada la acción que uno esperaría de un producto así (sin abusar del CGI) con unos personajes disfuncionales perfilados de forma atractiva, evitando caer en el esquema de las dos entregas de Escuadrón Suicida de DC (sobretodo la primera), donde la unificación grupal era más aleatoria. Aquí se nota una mayor cohesión, cuidando a los personajes que lo integran (no en vano salvo Bob, que se estrena aquí, todos los demás han aparecido ya en otras películas y/o series de este universo).

 

Como el personaje de David Harbour actúa (de forma adecuada y sin hacerse cargante) como "alivio cómico" de este film, digamos que suya es la primera escena entre los títulos de crédito, que justifica ese póster promocional que parodiaba una caja de cereales para el desayuno. Tras dicho inserto cómico, la siguiente escena al final de todo nos lleva a una visión de unos meses en el futuro, donde debido a lo que sucede al final del film, hay sarcásticas discrepancias sobre el nuevo nombre que tiene que tener el grupo (pinta a que Thunderbolts era un preludio a lo que luego dicen, y de ahí el asterisco, siendo esto opinión personal mía), interrumpidas cuando aparece una nave de cierto popular cuarteto. En resumidas cuentas, digamos que este film es un destacable entretenimiento que mejora anteriores entregas de este universo, y aunque no acabe de resultar redondo, sin duda alguna sería convincente y eficaz.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de abril de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

UNTIL DAWN, elige tu propia muerte (crítica sin spoilers)

Hace poco ya cité que una película que no tenía en mi radar cinéfilo (La cita) la había visto gracias a lo mucho que me había llamado la atención su tráiler, y en el caso de esta Until dawn puedo admitir tres cuartos de lo mismo. Es una más en la larga lista de adaptaciones de videojuegos, pero eso para mí era un detalle secundario porque, como he indicado muchas veces, no es un entretenimiento que me fascine, aunque admito que he disfrutado en mayor o menor medida (hay gustos para todo) de las que he visto hasta el momento.

 

Until dawn es un film de terror basado en el videojuego homónimo que vio la luz hace una década (en 2015) para PlayStation 4. En lo que se refiere a adaptaciones de videojuegos de terror, un servidor la que tiene mejor catalogada es Silent Hill de 2006 (no así su lamentable secuela de 2012),seguida del primer Resident Evil de 2002, pero en el primer caso por su logrado diseño visual, y en el segundo porque era una cinta entretenida, y por entonces el subgénero zombi aún no se había vuelto reiterativo, como la propia franquicia evidenció en su sexta entrega.

 

Pero más allá de que esta película pueda recorrer terrenos conocidos en su vertiente de terror, lo que me llamó la atención fue su premisa de bucles temporales, lo que me abría un generoso abanico de interesantes posibilidades, además de introducir un ingrediente inesperado (al menos para mí) dentro de elementos genéricos más comunes. 

Una vez vista, en un pase de prensa matinal el mismo día de su estreno en cines (¡cada vez lo hacen más justos de tiempo!) tengo que admitir que me ha entretenido pero no me ha convencido tanto como esperaba. El motivo se debe a lo típico en el género del terror, y es el uso de elementos que a estas alturas ya se han visto hasta la saciedad. Es verdad que el juego de los bucles temporales les permite una cantidad de sustos que puede ser infinita, pero las características de dichos "retornos a la casilla de salida" no aprovechan las lógicas repeticiones que devienen de algo así. Las dos entregas, hasta la fecha, de Feliz día de tu muerte usaban el recurso del bucle temporal, mezclado con slasher y algo de humor, y la mezcla funcionaba, mientras que aquí se decantan por un esquema que puede recordar La cabaña en el bosque, sólo que allí había cierto tono satírico, que aquí brilla por su ausencia.

 

No quiero decir con eso que Until dawn no sea una película entretenida, dentro de lo que es su particular propuesta, pero por ejemplo se hace muy evidente la carencia de desarrollo en los personajes, lo que lleva a cierta insensibilización ante sus repetidas muertes. El reparto está compuesto por unos intérpretes que llevan a cabo su trabajo con la ley del mínimo esfuerzo, algo que se puede hacer extensible al personaje de Peter Stormare, el único conocido de un elenco poblado de jóvenes desconocidos. En cuanto a las pringosas muertes, hay que decir que la que sobreviene tras el encierro en el baño provocó risas en la sala, pero a mí me dejó bien claro que cualquier atisbo de terror en algo así iba a ser muy naif. Es una pena porque la atmósfera está bastante lograda, y se cortan poco con el salvajismo de algunas muertes, pero llegado al punto antes citado la cosa deriva más a cartoon descontrolado (en cuanto a la violencia) que a terror como tal.

 

El director sueco David F.Sandberg, de quien he visto las dos entregas de ¡Shazam! y la primera secuela de Annabelle (precuela del spin-off derivado de la franquicia Expediente Warren: The Conjuring) realiza en este caso un trabajo funcional, pero con semejante premisa uno se pregunta que hubiera sacado de aquí alguien como Sam Raimi, ya que en algunos detalles me recordó a su Arrástrame al infierno. Y es que aunque ciertos momentos puedan provocar la risa a algunos, más que nada por lo bestiales que son, se hubiera agradecido una mayor dosis de humor negro. En resumidas cuentas Until dawn no se que tal será como adaptación pero como película, aunque sea entretenida, peca de personajes en exceso planos y sin desarrollo, no ahondar más en los bucles temporales (en algunos momentos los personajes los aceptan con apatía), así como carente de más humor negro (sin tampoco llegar a ser comedia).

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de abril de 2025.
• Galería de posters por este enlace.