DULCE SABOR A MUERTE, helado destripado (crítica sin spoilers)

Mi interés por Dulce sabor a muerte (título español para el original Ice Cream Man) se debe a que en un principio pensé que quizás fuera la adaptación del cómic Ice Cream Man: El Heladero, del cual me he leído varios tomos de la biblioteca. Se trata de una serie de relatos al estilo de The Twilight Zone o Black Mirror, con el inquietante heladero del título como nexo de unión, siendo algunas de las historias incluidas tan desconcertantes como inquietantes.

 

Pero no, tal relación entre esta película y ese cómic no se produce. En este caso su premisa es mucho más sencilla y visceral (tomándose este último calificativo de manera bastante fiel). En un apacible y tranquilo pueblo aparece un misterioso heladero (interpretado por Ari Millen) el cual, a bordo de su camión, consigue vender sus dulces a casi todos los niños. Todo muy idílico hasta que eso provoca que los chavales pasen a ser brutales asesinos contra los adultos. 

 

El tráiler español ya deja patente, bien a las claras, que estamos ante una película que no se corta para nada en cuanto a las salvajadas, por lo que quien vaya a verla tiene que tener claro que aunque aparezcan niños, no sería apropiada para ellos (al menos para los más pequeños, aunque incluso puede que ciertos adultos tuerzan el gesto ante según que bestialidades que se ven aquí). Estamos ante una animalada tan cafre que se nota que sus responsables la disfrutaron.

 

Dulce sabor a muerte, inspiraciones diversas 

 

Si hace poco se estrenaba El final de Oak Street, de la cual parte de la crítica (entre la que me incluyo) notó un homenaje más que evidente al espíritu de la factoría Amblin, eso quizás se puede hacer extensible (aunque sorprenda) a este film, ya que su escenario se plantea tan idílico como los vecindarios vistos en algunos títulos de dicha productora. Todo bonito, claro está, hasta que estalla un caos propio de una película de zombis de George A.Romero.

 

De todas maneras el hecho de que los "afectados" sean niños también puede recordar a Weapons, aunque Eli  Roth también compara su film con Los pájaros de Hitchcock (hay una escena que es un homenaje bastante claro), e incluso se pueden ver paralelismos con La invasión de los ultracuerpos (con los "poseídos" por el heladero intentando que también se cambien los que aún están libres). Pero la decisión final de hacer este film se la dio a Roth la franquicia Terrifier. 

 

En sí el heladero de esta película comparte con Art el payaso de la citada saga de Damien Leone el ser un personaje gestual y sin palabras, si bien aquí los crímenes no son suyos sino cometidos por los niños controlados por los helados. Cuando nos explican (con no mucha convicción) las justificaciones de lo que pasa se sugiere algo así como una maldición, con lo cual la moraleja final, a tenor de los hechos, podría ser "no mientas, o tarde o temprano pagarás las consecuencias".

 

Pero en origen la inspiración le vino al director Eli Roth en 2003, mientras promocionaba su película Cabin Fever. Al ver en una calle un camión de helados, con su música característica, tuvo un recuerdo nostálgico de su infancia, para luego pensar que pasaría si el heladero a bordo no fuera la buena persona que uno supone, siendo la música del camión una atracción para los niños similar a la de El flautista de Hamelín sobre las ratas.

 

En resumidas cuentas

 

Como he indicado más arriba, estamos ante una gamberrada de película que no se toma en serio a si misma, en la que los niños actores que intervienen se nota que se lo pasaron en grande haciendo el cafre a lo bruto. Eso no quita para que sea tan entretenida como demasiado superficial, tanto en su guion como a la hora de perfilar a los personajes, con lo cual se recrea quizás en exceso en las atrocidades más grotescas perpetradas por los niños.

 

La película se estrenó en la cartelera americana a principios de agosto, donde fue recibida por el público con indiferencia, que se hizo extensible al varapalo crítico. Tampoco ayudó mucho que su director confesara que utilizó I.A.generativa para ciertas escenas (las animaciones al estilo clásico) o, ya fuera del ámbito cinematográfico, la controversia por el respaldo de Roth a las acciones militares israelíes en Gaza, o sus declaraciones sobre el pueblo palestino.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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INSIDIOUS: FUERA DEL MÁS ALLÁ, reiniciando (crítica sin spoilers)

Puede sorprender una nueva entrega de la franquicia Insidious (esta ya sería la sexta), pero es que la prueba de que el terror es un género de lo más rentable está en el hecho de que los presupuestos de las cinco entregas que la preceden (¡ojo, de todas ellas!) no han llegado ni a los 45 millones de dólares, siendo la más barata la primera (1,5 millones de dólares) y la más cara la previa a la presente (16 millones de dólares). De esta sexta entrega no se conoce presupuesto, pero se supone que se habrá mantenido en esos márgenes.

 

Con cifras tan escuetas en coste la verdad es que la taquilla siempre la ha acompañado, logrando la primera entrega la nada despreciable cifra de 100 millones de dólares a nivel global. Y eso sin desmerecer al resto: la segunda costó sólo 5 millones y recaudó 161,9 mientras que la tercera y cuarta costaron 10 millones cada una y lograron 113 y 167,9 millones respectivamente. La quinta, y previa a esta, costó 16 millones y alcanzó los 189, por lo que es un negocio redondo. 

 

Conocida también como La noche del demonio en Hispanoamérica, esta franquicia fue creada por James Wan y Leigh Whannell. El primero está muy relacionado con el género del terror, porque suyas son, entre otras, las entregas iniciales de Saw y Expediente Warren. Por su parte Leigh Whannell ha sido guionista con Wan en muchos de esos títulos, y como director suyas son El hombre invisible y Hombre Lobo.

 

Insidious: Fuera del más allá, elementos recurrentes 

 

Sobre la presente franquicia (Insidious), me suena de haber visto en televisión la primera, posterior a ver en cine la tercera entrega, que en su momento no me convenció de forma especial aunque tampoco me desagradó. En estas extensas sagas de terror hay detalles y elementos recurrentes, siendo principalmente aquí el personaje de Elise Rainier (encarnado por Lin Shaye), pese a su trágico destino ya en la primera. 

 

Aún así tuvo su presencia tanto en la segunda como en la quinta (que, junto con la primera, son las centradas en la familia Lambert), mientras que la tercera era una precuela (la única junto a esta que he visto en cines) y la cuarta se centraba en sus años de infancia. En Insidious: fuera del más allá su presencia es secundaria pero bastante trascendental para ayudar a la protagonista, algo que hará por mediación de otra médium como ella.

 

Una puerta de entrada para espectadores neófitos

 

Que pese a sus defectos (que los tiene) esta entrega me haya convencido como el simple entretenimiento que acaba siendo se debe probablemente a que mis expectativas eran más bien bajas (para muestra el seguimiento discontinuo que he hecho yo de esta franquicia), pero al ser un alto porcentaje de esta película un reinicio, no tenía la necesidad de información previa más allá de una breve mención a la familia Lambert como lo más esencial a todo lo anterior. 

 

La nueva protagonista de esta entrega es Gemma, una higienista dental que está criando sola a su hija después de que se nos ofrezca un prólogo donde vemos como ella misma no tuvo una infancia en condiciones, debido a la salud mental de su progenitora. El intento de Geema es criar a su hija de forma diferente a lo que tuvo ella, pero eso chocará con el hecho de descubrir sus inesperadas capacidades para contactar con el más allá.

 

Dichas aptitudes le permiten no solo visitar ese purgatorio repleto de almas atormentadas, sino también servir de puente para traerlas a nuestro mundo. Los espíritus (y lo que no son espíritus) la acosaran para conseguir pasar al mundo real, bien sea por las buenas o por las malas. Para ayudarla contará con la colaboración de Elise Rainier (el nexo de conexión con todo lo previo de esta saga), que le indicará como actuar.

 

Virtudes y defectos de una sexta entrega

 

La profesión de la protagonista (encarnada con solvencia por la actriz Amelia Eve) llevará a unos espeluznantes momentos que le quitarán a más de uno las ganas de ir al dentista. En algunos casos ciertos sustos se hacen previsibles, lo cual no es obstáculo para que resulten del todo funcionales. Eso mismo se puede decir de ciertos tópicos y detalles ya vistos hasta la extenuación en el género, pero que aquí se manejan de forma acertada.

 

En resumidas cuentas me imagino que los fans de esta franquicia quedarán contentos con esta sexta entrega, cuya misión de ser una secuela de reinicio creo que la cumple con solvencia. No es que tampoco sea especialmente innovadora (aunque tiene algunos momentos ingeniosos), pero al menos los elementos con los que juega ofrecen un entretenido resultado. El film tiene una escena entre créditos que se supone que es el ¿epílogo? de cierto personaje. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de agosto de 2026. 
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EL FINAL DE OAK STREET, mis vecinos dinosaurios (sin spoilers)

Se puede decir que con El final de Oak Street se cierra lo que sería la temporada de estrenos veraniegos (sin relación con la estación en sí, que con el cambio climático no sería raro que se alargue más allá de la fecha de entrada del otoño, hacia el próximo 21 de septiembre). Como su campaña promocional ha dejado claro, estamos ante una película de dinosaurios, si bien fuera de la saga jurásica.

 

Dicha matización la hago ya que desde que en 1993 la primera entrega de Jurassic Park dirigida por Spielberg provocó un gran interés hacia estas criaturas, también es verdad que fuera de dicha saga no ha habido ningún éxito comparable. El ejemplo más reciente sería el film 65 con Adam Driver, que con un algo ajustado presupuesto de 45 millones de dólares acabó con una recaudación de apenas 60,7 a nivel global.

 

En este caso El final de Oak Street ha costado 85 millones de dólares, con lo cual para lograr ser rentable tiene que concluir su carrera comercial superando los 200 millones globales. No sé si lo logrará o no en el momento de escribir estas líneas, pero como mínimo hay que reconocer que es un título llamativo en cuanto a implicados: Ewan McGregor y Anne Hathaway como protagonistas y J.J.Abrams como productor.

 

El final de Oak Street, acerca de su realizador 

 

De todas maneras también es justo citar a su director (David Robert Mitchell), ya que fue el responsable de una película de terror "pequeña" (en cuanto a pretensiones) pero que ha conseguido ser un film de culto. Hablo de It Follows de 2014, que aunque descubrí años después en un pase televisivo, admito que como mínimo era una película de terror progresivamente inquietante, alejada (en parte) de los tópicos habituales en dicho género.

 

Esa no ha sido su única película, aunque si con la que ha logrado un mayor prestigio, pero si algo le ha distinguido a lo largo de toda su filmografía es su doble función como director y guionista, la cual repite también en El final de Oak Street, su obra con mayores expectativas, aunque solo sea por el hecho de contar con Ewan McGregor y Anne Hathaway (pese a que en su film previo tuvo a Andrew Garfield y tiene previsto otro con Jim Carrey).

 

En la estela de Amblin

 

Si bien antes he matizado que aunque en esta película haya dinosaurios, no estamos ante nada derivado de la popular saga jurásica, eso no quiere decir que no se note un cierto toque del Steven Spielberg de sus inicios, bien fuera como director o como productor bajo el sello Amblin. De hecho el presente film está ambientado en 1982 (lo cual es patente en multitud de detalles) en un idílico barrio suburbano, hasta que pasa algo tipo The Twilight Zone y suceden cosas.

 

Lo que en un principio era un tranquilo y pacífico vecindario, que bien podría ser colindante con los vistos en títulos como E.T., el extraterrestre o Poltergeist (Fenómenos extraños), sufre un fenómeno de causas desconocidas (aunque algo se sugiere) que lo traslada a la época de los dinosaurios. A partir de ahí, y cual si fuera una película de catástrofes más que una de terror, la familia Platt protagonista (Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella y Christian Convery) tendrán que lidiar con todo tipo de problemas para intentar sobrevivir a la pesadilla.

 

Es más o menos usual que en el género de desastres predomine más la desgracia consecuente que los personajes, apenas esbozados, pero eso aquí no ocurre. Tanto Anne Hathaway como Ewan McGregor dando vida al matrimonio Platt, envueltos en una crisis de pareja, resultan creíbles y logran la empatía del espectador, pese a que no se les pueda tildar de héroes sino más bien de esforzados supervivientes: son gente normal en una situación totalmente fuera de lo normal.

 

No es otra película jurásica más 

 

Habrá quien piense que en esencia no deja de ser lo mismo visto en la saga jurásica (gente huyendo de dinosaurios) pero cuidado porque aquí no se cortan con la violencia, que en la citada franquicia suele ser menos escabrosa y en ocasiones fuera de plano. Aparte de la citada crudeza también hay unos pocos toques de humor quizás algo grueso, que no sé si la hacen apta para que la vean niños pequeños que solo querrán ver dinosaurios, aunque quizás no así...

 

En el tramo final se produce un giro que (al menos a mí) me recordó a Regreso al futuro, ya que se crea una paradoja que salva un fatídico problema, pero me generó la incógnita sobre las versiones que vuelven a vivir la pesadilla, ya que el hecho parece inamovible. Pero son menudencias que no importan en un film de aventuras que funciona tan bien como este, con un claro sabor nostálgico desde su misma y destacable banda sonora de Michael Giachino.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de agosto de 2026. 
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MONSTRUOS DE UNIVERSAL: EL HOMBRE INVISIBLE / KLARA Y EL SOL / MAMMA MIA!: KONRAD Y PAUL ESTÁN DE VUELTA (reseñas)

MONSTRUOS DE LA UNIVERSAL: EL HOMBRE INVISIBLE

De la misma serie dedicada a los monstruos de Universal de la que he leído anteriores entregas, ahora le ha llegado el turno a El hombre invisible, basado en el film clásico de 1933 en el que James Whale adaptó la novela homónima de H.G.Wells. En este cómic el autor (James Tynion IV) viene a demostrar que el personaje protagonista no es que se volviera malo por la fórmula que le volvió invisible, sino que en sí esa maldad ya era inherente al individuo por anticipado.

En la película se sugiere a la monocaína como causante de los desvaríos de Griffin, pero aquí (en una narración en off del mismo protagonista) ya queda bien palpable que el tipo era una mala persona antes, con un total desdén hacia todos los que le rodean. Más que precuela se podría considerar esta adaptación como un destacado prólogo tanto para la película original como para la propia obra literaria de la que parte. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

KLARA Y EL SOL

Me leo esta novela de Kazuo Ishiguro ya que es la base para la película del mismo título que se estrenará en principio el próximo 30 de octubre, dirigida por Taika Waititi (el responsable de las dos últimas películas de Thor) y protagonizada por Jenna Ortega (que ahora está rodando la temporada 3 de Miércoles, la serie de Netflix sobre la hija de la familia Addams, de la que ella es la protagonista). Por este enlace el tráiler de la película.

La historia se centra en Klara, un robot catalogado por Amiga Artificial que funciona con energía solar. Primero narra su estancia en la tienda donde está a la venta junto con otros modelos. Allí es adquirida para Josie, una chica que arrastra una grave enfermedad. Es un libro entretenido ya que intenta exponer como los avances tecnológicos nos deshumanizan, planteando dilemas éticos muy interesantes, como los límites de la inteligencia artificial tras morir.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

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MAMMA MIA!: KONRAD Y PAUL ESTÁN DE VUELTA

Hay autores que para mi son una constante, y sin duda alguna Ralf König sería uno de esos. En cuanto lo vi enseguida me interesé por este cómic, y tengo que admitir que ha sido una lectura tan tremendamente entretenida como me imaginaba, en la cual el autor vuelve con la pareja gay formada por Konrad y Paul, posiblemente sus personajes más icónicos.

Este tomo recopila material de 2021 y 2022, en plena pandemia por Coronavirus, que Ralf König realizaba de forma diaria y colgaba en internet. Con el hilarante contraste que hay entre Konrad (serio, ordenado, aficionado al cine y la música clásica) y Paul (tan fiestero y juerguista como si fuera un adolescente, y no un adulto), en el presente tomo se ve como vivieron la época de restricciones por la pandemia, con Paul contento por el regreso del grupo Abba y por un escort que lo tiene encandilado con sus arrumacos.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

Y ADEMÁS:

• CHUCHO FEUCHO

SPIDER-MAN BRAND NEW DAY, crítica sin spoilers

Cinco años hemos esperado para que Spider-Man Brand New Day nos resuelva la situación de Peter Parker y su alter-ego arácnido, después de los hechos acaecidos en la exitosa Spider-Man No Way Home. Aún así es también un triunfo para su actor protagonista (Tom Holland), el cual se convierte en el intérprete que más veces ha dado vida a este superhéroe en la gran pantalla (cuatro, sin sumar sus apariciones en otros films del universo Marvel).

 

Si contamos en las últimas décadas (dejando aparte al actor Nicholas Hammond, que lo encarnó en la serie televisiva de los años setenta), el primero en ponerse las redes de Spider-Man fue Tobey Maguire, en la trilogía del personaje que hizo Sam Raimi, entre 2002 y 2007, y que se quedó a las puertas de una cuarta entrega que se iba a estrenar en 2011 pero que al final fue cancelada (su fecha la tomó el primer film de Thor dirigido por Kenneth Branagh).

 

Después de eso llegarían las dos entregas de The Amazing Spider-Man (2012 y 2014), que no lograron avanzar más allá de esa cifra (aunque la segunda estaba plagada de guiños que sugerían opciones para seguir explorando el universo arácnido), debido a los pobres resultados que obtuvo la secuela estrenada en 2014. A partir de un breve cameo en la tercera entrega del Capitán América en 2016, Spider-Man dio el salto definitivo al MCU, apareciendo en siete films.

 

Spider-Man: Brand New Day, pasado y futuro arácnido 

 

Más allá de su presencia en la antes citada Capitán América: Civil War, así como en Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame, el personaje ha disfrutado de una trilogía inicial formada po Spider-Man: Homecoming estrenada en 2017, Spider-Man: Lejos de casa en 2019 y Spider-Man: No Way Home en 2021, a la que se añade esta Spider-Man: Brand New Day, que toma su título del polémico reinicio que tuvo en los cómics, que anuló su boda con Mary Jane.

 

Marvel, muy necesitada de alcanzar el éxito de antaño, se la juega con esta cuarta película de Spider-Man así como las dos cintas próximas de Los Vengadores (Avengers: Doomsday y Avengers: Secret Wars). Se nota que han echado mano de primeras estrellas y se abstienen de correr riesgos que la han llevado a no conseguir repetir esa épica que alcanzaron con Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame (¡y no será porque no han estrenado cosas desde entonces!). 

 

Más allá de lo que le depare el futuro al arácnido de Marvel (el actor protagonista ya tiene 30 años, por lo que hay rumores de que en una hipotética futura entrega le daría el relevo a Miles Morales, e incluso el propio Tom Holland ha recomendado quien cree él que sería un buen Peter Parker) la única escena tras los créditos de Spider-Man Brand New Day nos ofrece una ¿sugerencia? mediante una simpática aplicación de donde puede que nos lo encontremos pronto...

 

Un nuevo día digno de mención

 

A mi me gustó mucho la trilogía del personaje que hizo Sam Raimi (aunque la tercera fue como fue...), me convenció ya un poco menos las de Andrew Garfield (aún siendo entretenidas) pero no había acabado de conectar con el Spider-Man de Tom Holland en sus dos primeras entregas (demasiado legado de Iron Man y nada de tío Ben), siendo en la tercera estrenada en 2021 (quizás por el factor nostalgia) la que sí me dejó totalmente convencido. 

 

Pese a todo tenía mis dudas sobre esta cuarta debido a que los rumores situaban a muchos villanos, y ya sabemos que si se meten demasiados, el resultado no siempre convence. En este caso se rumoreó a Bumerang, Tarántula, Lápida, Escorpión e incluso los ninjas de La Mano, así como un Hulk furioso, además de la presencia del Punisher del actor Jon Bernthal. Pero la película presenta (y sorprende) con el personaje al que encarna Sadie Sink.

 

En cuanto a los otros, sin que en ningún momento den la imagen de estar desaprovechados, los más determinantes serían Hulk (porque Peter, debido a los cambios que experimenta, contacta con Bruce Banner) y sin duda alguna Punisher (con un resultado convincente), ya que el resto quedarían en un segundo e incluso tercer plano. Demostrando aquí con acierto y solvencia la vertiente urbana de Spider-Man, se echa en falta menciones a otros como Daredevil.

 

Como yo me aficioné a los cómics de este superhéroe gracias al coleccionable de Planeta-Agostini, en el mismo se recogían sus andanzas en los ochenta, por lo que me gustó la inclusión del personaje al que encarna Liza Colón-Zayas. En cuanto a Ned Leeds y a la MJ de Zendaya, se enfocan nuevas facetas tras lo acontecido en el film precedente. El cambio en la silla de director (Destin Daniel-Cretton, que ya dirigió la de Shang-Chi, toma el relevo de Jon Watts) es todo un acierto.

 

En resumidas cuentas

 

Spider-Man Brand New Day supera las dudas que podía levantar tanto su título como su nuevo responsable tras las cámaras, siendo una de las mejores películas del arácnido de Marvel, en este caso por marcar de forma patente su condición de superhéroe urbano (sin meter multiversos u otros conceptos más grandilocuentes) echándose en falta solo alguna mención a otro superhéroe urbano como es Daredevil (vigente con su serie televisiva).

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de julio de 2026. 
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POSESIÓN INFERNAL: EN LLAMAS (EVIL DEAD BURN), crítica

Con Posesión infernal: En llamas la saga en origen conocida como Evil Dead alcanza su sexta entrega, algo que nadie hubiera previsto a tenor de las películas originales, que vieron la luz entre los años 1981 y 1993, formando una trilogía emblemática en su género. De hecho con ellas su protagonista (el actor Bruce Campbell) convirtió a Ash Williams en un personaje icónico, siendo además un intérprete fetiche para los films posteriores de Sam Raimi, apareciendo en muchos de ellos.

 

Una vez leí, aunque no recuerdo donde, los (aunque parezca mentira) paralelismos entre las dos primeras películas de esta franquicia y las de la saga Terminator. Dicho detalle estaría en que los films iniciales de ambas se hicieron tirando de sus escuetos recursos, y el éxito propició que la primera secuela de ambas se pueda considerar algo así como un remake del film precedente, pero hecho con muchos más medios. Ya a partir de ahí los caminos fueron diferentes. 

 

En 2013 Fede Álvarez llevó a cabo el remake del film inicial, y justo es admitir que estuvo a la altura de las circunstancias, lo que derivó en la serie televisiva Ash vs.Evil Dead que recuperaba al icónico personaje de la trilogía inicial. Pero con el beneplácito de sus responsables originales se decidió ofrecer esta saga a diferentes directores, para que dieran su particular visión, siendo el primero de ellos Lee Cronin en Evil Dead Rise, que llegó una década después del remake de la primera. 

 

Como el resultado de lo que aquí en España se estrenó con el título de Posesión infernal: El despertar logró repetir éxito tanto de crítica como de público, ahora es el momento para el director francés Sébastien Vaniček con Posesión infernal: En llamas (Evil Dead Burn), y para 2028 le tocará el turno a Francis Gallupi con Evil Dead Wrath. En el presente caso, con 20 millones de dólares de presupuesto las cifras de momento garantizan la solvencia de la operación.

 

Otra puerta de entrada para neófitos 

 

La ventaja, tanto de la anterior entrega como de la presente, es que no son secuelas directas, sino que más bien se trata de films independientes, solo que ubicados dentro del mismo universo donde el libro conocido como el Necronomicón ya mostró su mortífera condición en las películas previas. Y si la precedente se podía decir que giraba sobre la maternidad traumática, Posesión infernal: En llamas lo hace sobre la violencia intrafamiliar. 

 

La protagonista, nuestra más que evidente final girl de esta nueva entrega, es Alice (a cargo de la actriz Souheila Yacoub), una francesa que dejó atrás su país por amor a Will (interpretado por el actor George Pullar), pero que ve como la relación se va deteriorando a marchas forzadas por culpa del carácter abusivo y controlador de él. El problema es que Alice no sabe como dejarlo, pese a contar con el apoyo moral de Joseph (el hermano de Will) y su novia Thya.

 

Todo lo anterior queda plasmado de forma concreta y concisa apenas comienza, por lo que cuando acontece el accidente en el que Will muere, Alice se ve con la obligación moral de lidiar con la situación, asistiendo al funeral de Will, pero eso significa también lidiar con su familia política. Los reproches no tardan en hacer acto de presencia, pero los demonios del Necronomicón también, ya que buscan algo oculto en la vieja mansión donde están reunidos.

 

Seamos claros: la escabechina que se lía es impresionante, digna de la franquicia y capaz de transmitir dolor apenas con las imágenes y los sonidos (por ejemplo lo del oído). El problema puede venir en que como es previsible que ahí no quede vivo nadie (incluidas mascotas), no pilla por sorpresa que todos acaben cayendo. A eso no ayuda un escenario tan tópico como una mansión que parece propia de Norman Bates. 

 

En resumidas cuentas

 

Esta Posesión infernal: En llamas es una digna entrega de la franquicia a la que pertenece, si bien baja un tanto el nivel respecto al film precedente. Eso se hace evidente en un tercer acto que, aprovechando la comparación mencionada antes con Terminator, puede recordar en esencia a lo visto allí, lo que la aleja del espíritu clásico de esta saga. Hay una escena entre créditos y otra al final, esta última con cameo sorpresa (que no es Bruce Campbell).

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de julio de 2026. 
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HOLMES Y MORIARTY / WHAT IF? MULTIVERSO OSCURO / BAJO CERO

HOLMES Y MORIARTY

Curioso pastiche de Sherlock Holmes, en el que se plantea un relato a dos voces: por un lado John Watson como narrador de las peripecias de su amigo, el popular Sherlock Holmes, y por otro lado el Coronel Sebastian Moran como narrador de las andanzas de su jefe, el profesor James Moriarty. 

El punto de interés de su planteamiento es una, a priori, difícil colaboración en la que dos enemigos acérrimos (como son los dos personajes titulares) tendrán que unir fuerzas para resolver un misterio de especial trascendencia. Eso no es ningún spoiler porque la misma contraportada de esta novela ya lo dice, pero ello no ocurre hasta más o menos la mitad de la misma, siendo lo anterior los diferentes movimientos de ambos personajes hasta su posterior unificación.

En el caso de Holmes todo comienza con un cliente (actor) que está interviniendo en una obra donde los otros actores tienen una calidad digamos "discutible", pero en donde lo más misterioso es que el público que va a ver la función son cada vez las mismas personas, disfrazadas para parecer diferentes. Es una propuesta que bien podría ser digna del espíritu de las historias originales, pero a partir de ahí la cosa va evolucionando a una conspiración de mayores proporciones.

La novela resulta entretenida, pero tiende quizás a enredar demasiado algo que podría haber sido más sencillo. Asimismo va derivando poco a poco hacia una aventura con toques algo arácnidos, que resultan funcionales pero que, si nos ceñimos a lo citado, le quitan parte del mérito de sus capacidades al hermano de Sherlock (y hasta ahí puedo citar para no revelar spoilers). El tramo final está expuesto con un tono algo cinematográfico, y por momentos espectacular, pero esa unión de Holmes y Moriarty se antoja un tanto forzada en determinados detalles. Aún así un buen entretenimiento.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

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WHAT IF? MULTIVERSO OSCURO

Mi interés por este tomo venía dado por esa historia de la que toma su portada, aunque la misma pueda dar lugar a confusión. Me explico: en el vasto multiverso Marvel, las historias alternativas, con lo que pudo haber sido pero no fue, son de las que se ha nutrido la cabecera What If? en cualquiera de las épocas en que ha estado activa, con resultados dispares.

En general, si ya de por sí las historias de What If? solían centrarse en variantes dramáticas (en especial en sus primeros tiempos), eso es la línea general en las seis que conforman este tomo. La gracia está en que de las mismas se encargan autores clave que hicieron míticos muchos momentos de esos mismos superhéroes: Walter Simonson con Thor, Gerry Conway con Spider-Man, Marv Wolfman con La Tumba de Drácula por citar tres ejemplos.

De las seis historias que se incluyen, la que más me llamaba la atención era la de Gerry Conway con Spider-Man, ya que volvía a un momento básico de su periplo como lo fue la muerte de Gwen Stacy (que a lo largo de los años se ha recordado desde todo tipo de puntos de vistas), para narrar justo lo que la portada indica: ¿y sí ella hubiera sobrevivido pero no Spider-Man? 

Eso da pie a una curiosa historia que deriva en que Gwen Stacy, pero no una alternativa sino la oficial, tome el legado del difunto Spider-Man en un relato que me ha parecido bastante majo. También me ha convencido la de La Cosa de Los Cuatro Fantásticos, en la que se queda con el simbionte de Veneno (a un doloroso coste), o la del Caballero Luna, aunque no sea seguidor del personaje. La de Loki lleva a que (literalmente) se acabe con todo, en la de Matanza incluso él sale perdiendo y la de La Tumba de Drácula se centra en Blade siendo mordido por el susodicho Drácula. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

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BAJO CERO (la novela que inspiró TURNO DE NOCHE)

Me he leído de la biblioteca la novela Bajo cero de David Koepp, que él mismo se encargó de adaptar en la película Turno de noche que vi hace unos meses gracias a un sorteo en el que participé, y en el que gané merchandising de dicho título más entradas para verlo. Aquí al lado tenéis la portada original con la que salió a la venta en 2019, aunque ya hay la consabida reedición con el póster oficial de la película que será más fácil encontrar en el mercado.

Resulta curioso que el mencionado film haya pasado bastante desapercibido, ya que los elementos con los que juega bien podrían haber dado de sí un éxito de taquilla, pero intuyo que no se han dado las condiciones para ello. Koepp adapta su novela con bastante literalidad, aunque hay ciertas curiosidades como que el personaje al que encarna Liam Neeson se llame Robert Quinn en la película pero Roberto Diaz en la novela, haciendo dificil imaginar al personaje literario con los rasgos de Neeson.

También hay que decir que la portada original de la novela sugiere más bien un thriller de ciencia-ficción que luego no se corresponde con la realidad, ya que en si también tiene notas de humor para distender su ritmo trepidante.

El libro tiene el aliciente de ahondar en los personajes principales, ya que en la adaptación fílmica muchos detalles son tan solo sugeridos, por el lógico cambio de formato (de literario a audiovisual), que requiere sintetizar información. En eso se incluye el mismo virus fúngico, del que Koepp describe como "piensa" y actúa, lo que en la película queda resumido en la secuencia de la cucaracha. La historia te deja con la duda de hasta donde llegará la desidia de las autoridades con esos patógenos tan virulentos (el Coronavirus llegó apenas un año después de la edición original de esta obra).

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

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CLEANER: RESCATE VERTICAL, de Star Wars a Jungla de cristal (crítica)

Recupero Cleaner: Rescate vertical, que se estrenó en cines el pasado 6 de marzo pero que dejé para más adelante. Se trata de una película de Martin Campbell (solvente director de las dos películas del Zorro con Antonio Banderas, o de un par de la franquicia James Bond entre otras). La protagonista es Daisy Ridley, que saltó a la fama en la más reciente trilogía de la franquicia Star Wars, y en el reparto también consta Clive Owen, un actor que no ha sabido encauzar su carrera.

 

Admito que el citado intérprete me gustó bastante cuando lo descubrí en Sin City, pero luego lo más reseñable suyo sería la película de culto Hijos de los hombres o ese espectáculo de acción que era Shoot'em Up (En el punto de mira), ya que en el resto de su carrera no hay ningún título que fuera un sonado éxito, pese a haber compartido pantalla con Julia Roberts o Naomi Watts. En los últimos tiempos se ha dejado ver con Will Smith en Géminis o en la de Valerian y la ciudad de los mil planetas de Luc Besson, además de en este film. 

 

No mucho mejor le ha ido (de momento) a Daisy Ridley, que para muchos ya quedó encasillada en su personaje de Rey de la saga Star Wars, y con sus trabajos al margen de dicha franquicia, ninguno ha logrado cambiarlo (y en eso se incluye el presente film, que estrenado en origen en febrero de 2025 de forma bastante limitada, fue un sonoro fracaso y se quedó en una recaudación de taquilla paupérrima).

 

Habrá alguno que me argumenté que igual recogió lo que se merecía, pero todos sabemos que la calidad de una película y su éxito no son detalles que vayan paralelos: muchas veces triunfan bodrios o fracasan películas destacables. Pero también es cierto que cuando algo triunfa, le salen sucedáneos por todas partes, y en este caso el ejemplo a seguir es Jungla de cristal, de la cual a lo largo de las décadas ha habido ya unos cuantos. 

 

Un sucedáneo funcional 

 

Aparte del citado film dirigido por John McTiernam, con Bruce Willis de protagonista y que dio para una saga extendida por cinco películas, otros actores como Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal o Dwayne Johnson (por citar solo unos pocos) han intentado probar suerte en películas cuya estructura es muy fácil de delimitar como deudora de Jungla de cristal (o Die Hard en su título original), por lo que esta Cleaner: Rescate vertical es tan solo otra más.

 

Curiosamente mis expectativas eran más bien bajas (no lo voy a negar), con la posibilidad de que si no me gustaba lo que estaba viendo, descartarlo. Pero aún asumiendo que estamos ante una clara película de serie B donde la originalidad brilla por su ausencia, la destreza con el género de acción que acumula su responsable logra que el resultado final se deje ver sin mayores pretensiones que entretener al espectador en sus apenas 95 minutos. 

 

En este caso la protagonista es una limpiacristales con pasado en el ejército, que tiene una vida un tanto desordenada que tendrá que encauzar para intentar ayudar a su hermano autista (hecho que lleva a ciertos guiños hacia el universo Marvel cinematográfico). En el rascacielos donde trabaja se celebra una gala de una empresa energética que será saboteada por unos activistas medioambientales que quieren hacer pública la mala praxis de dicha compañía.

 

Uno pensaría que dicha premisa es más o menos justa, pero en cierto momento la historia da un inesperado giro que lleva a preguntarse para qué se apuntó el antes citado Clive Owen en este film, con un radical que opina que el peor virus de este planeta son los humanos. Y ya está, el resto es maniqueísmo básico y funcional, que asume sus propias limitaciones y no esconde el déjà vu que provoca una estructura que ya se ha visto en innumerables ocasiones.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de marzo de 2026. 
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CON PERMISO DE LA REINA / YO LE HICE UNA PAJA A FRANCO / LA LISTA DE LOS 7 / DAREDEVIL DE DENNY O'NEIL 1 / EL HELADERO 7

CON PERMISO DE LA REINA: EL HUMOR INGLÉS DE LOS BUFONES A LA SITCOM

Entretenido libro en el que su autor (Jorge San Román, del que me he leído otros ensayos que ha escrito como Había una vez una tele… o La loca historia de Mel Brooks) hace un repaso muy amplio al humor inglés desde sus orígenes hasta más o menos la actualidad (ha habido cosas posteriores a este libro, como por ejemplo una cuarta película de Bridget Jones, que lógicamente por cuando salió editado me imagino que imposibilitó que se cite aquí).

En esta obra tienen cabida, quizás de una forma un tanto caótica, anécdotas y curiosidades de unas cuantas obras literarias, sus adaptaciones cinematográficas, multitud de series (tanto clásicas como más recientes), films de todo tipo (sin estar basados en obras previas), además de citar nombres y personajes emblemáticos, como los Monty Phyton entre otros muchos. En fin, que se podría haber sido un inmejorable libro si no fuera por un detalle...

¿Cómo es que no se molestaron en repasar la edición antes de sacarla a la venta? Así se podrían haber evitado errores en cuanto a fechas incorrectas, errores tipográficos o faltas de ortografía que uno pensaría que son puntuales, pero que a medida que se avanza en la lectura acaba siendo la tónica habitual. Es una lástima porque el contenido resulta atractivo e interesante, pero al fallar algo así no consigue acabar de conectar con el lector.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

YO LE HICE UNA PAJA A FRANCO 

Un cómic así se lo lee uno porque ya solo su título deja bastante claro que estamos ante una obra que busca provocar, con lo cual decidí ver si lo lograba conmigo. Como pueden imaginar el título es literal a lo que uno de los personajes lleva a cabo en esta brutal sátira sobre los muchos que aún hoy en día echan en falta al anterior régimen. 

Escrita y dibujada por Furillo (seudónimo de Ignacio Murillo), se supone que es una ucronía, así como un spin-off de su premiada obra Nosotros llegamos primero. No lo sabía, pero se puede admitir que no tenía un título tan explícito como este en cuestión; aunque si es tan cafre igual merece mucho la pena. La historia se centra en una delirante conspiración por parte de unos altos cargos franquistas (entre ellos Fraga), durante los últimos tiempos de la dictadura para clonar a Franco, y que de esa manera el régimen continúe.

Ojo porque aunque la premisa parezca un disparate, el resultado es tan divertido como esperpéntico, ya que el autor lleva a cabo una sátira social y política muy aguda. Pero lo gracioso de su historia desemboca en un presente donde se sugiere que tanta añoranza del franquismo igual viene por ser alguno de los muchos hijos del mismo que surgieron del experimento aquí desarrollado, incluido... ¡ahí radica la sorpresa y lo mucho que me reí con ese giro final! 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

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LA LISTA DE LOS SIETE

Esta novela de Mark Frost (cocreador de Twin Peaks) sería un pastiche de Sherlock Holmes... sin que aparezca el personaje por ninguna parte. Pero no es difícil irse dando cuenta (las pistas son claras) que la tremenda aventura en la que se verá inmerso un joven Arthur Conan Doyle en el año 1884, y el voluntarioso personaje con el que la vivirá (Jack Sparks) será, de una forma muy clara, la inspiración posterior para su clásico detective de Baker Street.

En esta obra se mezclan personajes ficticios con otros reales, como por ejemplo Bram Stoker (el autor de Drácula) o el doctor William Gull, que según From Hell de Alan Moore fue la identidad de Jack el destripador. La historia gira sobre una hermandad ocultista dirigida por un genio del crimen (clara inspiración para el posterior Moriarty), que pretende traer a nuestro mundo una entidad siniestra, que será el mal reencarnado (algo así como el Anticristo).

Se notan las virtudes como guionista de un joven Mark Frost (porque esta novela vio la luz a principios de los noventa), ya que tiene un ritmo trepidante bastante cinematográfico, pese a ciertos altibajos que no le impiden luego remontar. Con la última frase de su epílogo no cuesta hilar cabos sobre lo que se sugiere, por lo que intentaré leer lo antes que pueda su secuela El sexto mesías, ya que el nivel de esta es realmente destacable.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

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DAREDEVIL DE DENNY O'NEIL 1: LA GUERRA DE MICAH SYNN 

Decir Daredevil y Frank Miller es mencionar la época más gloriosa del personaje, por lo que quien lo tuviera que sustituir tenía que hacerse cargo de una buena responsabilidad. Y eso es lo que le tocó a Denny O'Neil, que fue quien se encargó del personaje entre la primera etapa de Miller y su posterior regreso para el aún más mítico arco argumental Born Again. En este primer tomo se recopilan los números 192 al 214 de la cabecera americana, más material de Marvel Fanfare 7 y 15.

Se puede prejuzgar que cualquier intento por debajo de la excelencia que había dejado Miller sería fácil de que se quedara en el olvido, pero en este caso hay que reconocer que O'Neil supo mantener el tipo. Admitiendo que no es tan buena como la previa, aún así no desmerece para nada, y tiene sus virtudes (y sus defectos).

El tomo comienza con unos números entretenidos, en uno de los cuales Daredevil forma equipo con Lobezno. También es acertada la forma en que se resuelve lo de Bullseye, tras que Daredevil lo dejara inválido por la muerte de Elektra. Hay que destacar también a secundarios como Ben Urich y la Viuda Negra, así como un interesante apartado artístico (Harlan Ellison, David Mazzuchelli, Mike Mignola, etc.). Entre lo malo estarían el antiestético bigote que le ponen a Foggy Nelson y el personaje de Micah Synn, que parece una mera variante de Kraven.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

ICE CREAM MAN: EL HELADERO 7

Me leo de la biblioteca el tomo 7 de esta serie, que incluye los números 25 al 28. Al igual que en anteriores ocasiones, digamos que las historias propuestas tienen un poco de todo, pero en cualquier momento te percatas de detalles que más o menos lo relacionan todo. De los cuatro relatos el primero plantea como viven sus últimos momentos los pasajeros de un avión que se va a estrellar, con la particularidad de que parece que todos ellos afrontan su fatídico destino sin problemas salvo un pasajero, lo cual resulta curioso.

El segundo relato se lee girando 90 grados el cómic porque en formato apaisado vemos como un tipo nos cuenta su historia bajando por su árbol genealógico. El tercero, por su parte, sería una curiosa interpretación de La metamorfosis de Kafka pero en sentido inverso. El cuarto se centra en un etimólogo en busca del origen de las palabras.

Esta serie comenzó como una especie de relatos de lo más variado, pero siempre con cierto tono cercano al terror en sus muchas variantes, con el heladero del título como nexo común. Es por eso que no sé si estará relacionado o no (en inicio creo que no) el próximo estreno de la película Dulce sabor a muerte, cuyo título original es justo Ice Cream Man, y que se estrena en España el 4 de septiembre. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ficha editorial (de la serie) por este enlace y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro. 

MINIONS & MONSTERS, homenajes de cine (crítica con referencias)

Que haya ido a ver la película Minions & Monsters puede resultar curioso en mi caso, porque no he visto ninguna de las entregas previas en cine, si no cuando las han emitido en televisión. Estamos hablando de una franquicia que, con esta, llega a su séptima entrega, siendo la presente la tercera de los Minions (las otras cuatro corresponden a Gru: Mi villano favorito). De toda la franquicia la única que tengo pendiente de ver en el momento de escribir esto sería Gru 4: Mi villano favorito. 

 

Tengo que admitir que de las películas de Gru, ya desde la primera, tampoco me parecen más allá de meros entretenimientos sin pretensiones, y muy orientados hacia el público infantil, con esa especie de versión paródica de los villanos de la franquicia James Bond. Pero ya desde la primera era evidente que los Minions, esos pintorescos secuaces amarillos, con su particular fisonomía y características, eran sin duda lo más rescatable de dichas cintas, por lo que se ha intentado exprimir su éxito por separado, más allá de su presencia en las progresivas secuelas de Gru: Mi villano favorito, siendo la presente el tercer film que tienen por cuenta propia.

 

Los Minions siempre me han parecido una mezcla entre los Pitufos (por ser todos también de un mismo color: azul en los personajes de Peyo y amarillo en estos) con el carácter más anárquico de Bart Simpson (son gamberros y siempre buscan ser secuaces del villano más malvado) y la flexibilidad de los Looney Tunes (les pasa de todo... pero sobreviven a todo). Justo al igual que estos últimos, creo que su humor quedaría más acertado en cortos que no en largometrajes.

 

Es curioso porque de lo que llevo visto de la franquicia hasta el momento ninguna me ha parecido digna de mucho elogio, más allá de lo bien que funciona el caos que traen asociado los Minions en sus actos, siendo su humor slapstick lo más reseñable de las mismas. Por eso me ha sorprendido que aquí los sitúen justo cuando dicho tipo de humor estaba más en boga: en el Hollywood clásico y su transición del cine mudo al sonoro. 

 

Además de ser una inesperada carta de amor a esa época y su forma de encarar las películas, digamos que también hay un claro homenaje a los monstruos de Lovecraft (evidente en los nombres de las dos criaturas a las que libera Goomi). Incluso este último no deja de ser un Cthulhu pasado por un filtro, cual si fuera el Grogu de la saga Star Wars, para de esa manera ofrecer un monstruo encantador y apto para todos los públicos.

 

Otro homenaje, aunque este acertado a medias, sería el de Dort, un robot con ansias de conquistar el planeta, aunque en origen parece más bien un chalado que luego irá tras una defensora del sufragio femenino, y al que los Minions le siguen la corriente. La referencia ahí está en Gort, el invulnerable robot que acompañaba a Klaatu en el clásico Ultimátum a la Tierra que en 2008 conoció un innecesario remake. 

 

Pero como he citado antes, lo mejor se concentra sin duda en su primer tramo, cuando los Minions se meten en escenas míticas de Tiempos modernos de Charles Chaplin, El hombre mosca con Harold Lloyd, El héroe del río con Buster Keaton, varios cortos de los hermanos Lumière (El regador regado, La llegada de un tren a la estación de La Ciotat y La salida de la fábrica Lumière en Lyon) o el clásico Viaje a la luna de Georges Méliès entre otros.

 

Aún hay más, porque aparte del muy evidente guiño a géneros como el western, el cine negro o al cine de monstruos de la Universal, me asombró incluso que tuviera cabida otro clásico como el Ciudadano Kane de Orson Welles. Todo ello es un popurrí quizás algo caótico, a juego con sus protagonistas, pero admito que logró entretenerme y esbozar varias sonrisas con tanto guiño referencial, así como con las peripecias de los Minions.

 

En su versión original (la vi en pase de prensa) se pueden escuchar las voces originales de actores como Jeff Bridges, Jesse Eisenberg, Christoph Waltz o Trey Parker (este último de la serie South Park) interpretando a varios personajes, junto con el inesperado cameo de George Lucas que se pone voz a si mismo. Se ve que decidió hacer un paréntesis en su jubilación para esta intervención, porque se declara fan de los Minions. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de julio de 2026 
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OBSESSION, amor enfermizo y pegajoso (crítica sin spoilers)

En otras circunstancias Obsessión podría haber sido una cinta que igual hubiera dejado pasar en su estreno en cines, pero ha ido acumulando incentivos como para llamar muy fuerte mi atención. Aparte de lograr una larga lista de críticas positivas (lo cual es relativo, ya que en última instancia uno juzga por si mismo) su bastante escueto presupuesto, de apenas 750.000 dólares, se ha multiplicado con creces, acumulando ya más de 330 millones de dólares a nivel global.

 

Las nuevas generaciones vienen pisando fuerte, ya que el director de Obsession (Curry Baker) es un joven de apenas 26 años, siendo este su segundo largometraje (el primero se estrenó directamente en Youtube). Coincide en juventud con Kane Parsons de 20 años, y cuyo Backrooms aún en cartelera, es también un film primerizo y barato (en su caso 10 millones de dólares) con éxito y una recaudación sorprendente (más de 270 millones de dólares a nivel global). 

 

En ambos casos tanto Backrooms como Obsession se englobarían en el género de terror, pero mientras que la de Kane Parsons se decanta por enfocarse al liminal, Curry Baker tira hacia el psicológico. La premisa de su propuesta es muy sencilla, y de hecho su éxito quizás venga por los muchos que se sienten identificados con ella: imagínate que estas enamorado de tu compañera de trabajo, pero sus sentimientos hacia ti son sólo de amistad. ¿Y si pudieras cambiar eso?

 

Teniendo en cuenta la excusa argumental que se utiliza (si fuera Hitchcock se diría que el macguffin) uno podría imaginarse aquí sin problemas una comedia romántica como las que hace años triunfaban en Hollywood, con parejas arquetípicas como Tom Hanks y Meg Ryan. Pero en este caso se decanta por el terror cuando ese supuesto amor idílico (al menos por una de las partes) pasa a ser un amor enfermizo... si bien de todas maneras la degradación del mismo ya daba señales.

 

He leído comentarios de esta película criticando que el protagonista no deja de ser un prototipo de individuo que, bajo una fachada de timidez e indecisión, esconde a un pervertido al que no le importa aprovecharse de la situación cuando esta se muestra favorable. Tengo que disentir, ya que creo que Baker retrata a un tipo de persona muy común, y que no tendría que ser comparable con esos violadores que se valen de la sumisión química para obtener sus propósitos.

 

De hecho cuando (para su sorpresa) parece que el citado macguffin funciona, él se muestra indeciso sobre como afrontar el hecho, y es sólo cuando ve que la cosa va en serio que sí, se aprovecha de ello (¿quién no lo haría si pudiera?) pero ese no era su único objetivo, ya que lo que buscaba era mero amor. Eso creo que lo diferencia de los tipos que, mediante sumisión química, se aprovechan de las mujeres sólo por el sexo, ya que el protagonista en inicio no busca sólo eso. 

 

¿Y de donde surge el terror? Digamos que lo que en inicio parecía bonito empieza a hacerse un tanto pegajoso, enfermizo y obsesivo (de ahí el título de la película). Es cierto que, en la misma situación, uno empezaría a ver las evidentes señales de que algo no está yendo bien y saldría corriendo cuanto más lejos mejor, pero al protagonista le ciegan sus sentimientos y eso es lo que acabará provocando su perdición, lo cual es mostrado de manera excelente.

 

La gran sorpresa de la película la ofrece también la actriz Inde Navarrette, que interpreta a Nikki, el deseo amoroso del protagonista. Cuando el macguffin empieza a hacer su inmediato efecto, algunas veces tiene momentos en los que rechaza como está actuando, siendo la representación que hace la actriz tan destacable como perturbadora. En cuanto a este film en sí, es una inesperada maravilla que sabe sacar partido (con imaginación y pocos recursos) de lo que plantea. 

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de junio de 2026 
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