BLANCANIEVES (2025), cuqui hasta el empacho (crítica sin spoilers)

Hubo hace unos años una efímera moda (como suelen ser la mayoría) de reinterpretar cuentos infantiles clásicos, lo que generó cosas tan curiosas como Hansel y Gretel: Cazadores de brujas. En esa moda también se miró hacia el cuento clásico de Blancanieves, y además por partida doble: en 2012 coincidieron los estrenos de Blancanieves (Mirror, mirror) y Blancanieves y la leyenda del cazador, de la que esta última logró el éxito suficiente como para generar una secuela (El cazador y la reina de hielo) que tuvo peor suerte.

 

Pero si hay alguien que son los reyes del cuento infantil, esos son sin duda el imperio Disney, que tras ofrecer durante décadas clásicos animados que adaptaban todo tipo de relatos de ese estilo, lleva desde hace más de una década fagocitando su propio legado, con remakes en acción real de toda la cartelera histórica que tienen (que no es poca). La lista es extensa, destacando para un servidor la nueva versión de El libro de la selva, si bien sus virtudes fueron fagocitadas para el innecesario remake de El Rey León, que a su vez tuvo el éxito suficiente para generar Mufasa, estrenada hace pocos meses y que sirve tanto de precuela como de secuela.

 

Mirando al pasado, hacia sus mismos orígenes, ahora sería el turno de Blancanieves y los siete enanitos, el primer film animado de la factoría Disney, que 88 años después de su estreno (1937) se ve ahora readaptado en "supuesta" acción real (y lo digo porque la misma luce aquí como lo hacía en el remake antes citado de El Rey León, sólo que en este caso haciéndolo TODO CUQUI) de la mano de Marc Webb, responsable de las dos The Amazing Spider-Man con Andrew Garfield como el superhéroe arácnido de Marvel. Encabezando el reparto están Rachel Zegler como Blancanieves y Gal Gadot dando vida a la Reina Malvada, en una elección de casting cuando menos discutible, ya que (al igual que sucedió con Blancanieves y la leyenda del cazador en 2012, allí con Kristen Stewart de heroína y Charlize Theron de villana) uno diría que es mucho más atractiva la reina malvada, aunque aquí sea una maldad diluida, que no la supuesta protagonista, que aquí la representan tan valerosa como independiente, en la línea de las más recientes princesas Disney. 

 

Pero permitirme un inciso ajeno (más o menos) a la película: ahora mismo se está rodando Scream 7 con Neve Campbell de protagonista, después de que el estudio despidiera a la actriz Melissa Barrera (y luego Jenna Ortega de rebote) por sus declaraciones sobre la guerra de Gaza. Hasta ahí uno puede estar más o menos de acuerdo con cada parte (la una dijo las cosas como son, y los otros no quieren perder dinero), pero al menos han evitado polémicas a la película, aunque habrá que ver el resultado final. ¿Por qué Disney no actuó de una forma similar con esta nueva versión de Blancanieves? Rachel Zegler ha manifestado opiniones a favor de Palestina, mientras que Gal Gadot ha hecho lo propio con Israel (no en vano ella es originaria de dicho país), siendo un tema tan candente como polémico.

 

Además se suma la decisión de realizar por CGI los enanos del relato, lo que generó críticas como las de Peter Dinklage, que tildaba de hipócrita a Disney por ser "progresistas" en la elección de Rachel Zegler (de origen colombiano, de cara a congraciarse con la comunidad latina), pero no con los enanos, haciendo prevalecer estereotipos sobre la gente que padece acondroplasia. Me imagino que para realizar las caricaturas de los enanos del film animado original prefirieron, dentro de lo malo, hacerlo así para que luego no dijeran que ridiculizan a la gente con acondroplasia. Eso si, con esta opción no consiguen ni de lejos ser tan carismáticos como los originales, y no sé que tomarían como base ya que Gruñón me recordó a Tommy Lee Jones y Mudito a Alfred E.Neuman, la mascota de la revista Mad.

 

Entre unas cosas y otras eso ha llevado a que el estreno de esta película haya sido una "patata caliente" que los Disney no sabían como quitarse de encima, realizando una campaña de promoción bastante inferior a lo que suele ser habitual en ellos, ya que tienen dudas de que puedan rentabilizar su presupuesto de 270 millones de dólares. Y es que estamos más ante una reescritura del cuento que una adaptación, con detalles (entre otros) como cambiar al Príncipe Azul por un bandido con ínfulas de Robin Hood, ya que la historia se debate en todo momento entre querer ser fiel al original, pero al mismo tiempo ser moderna. El resultado final es tan blanco, tan cuqui (que lo es), está todo tan suavizado, que al final se queda en "tierra de nadie": se deja ver, se pasa el rato, y ya está,... otro remake Disney más.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de marzo de 2025.
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STING: ARAÑA ASESINA, entre ALIEN y REC (crítica sin spoilers)

Llamadme ignorante, pero cuando vi el título de esta película (Sting) me hizo recordar al cantante y músico británico homónimo, lo cual me imaginé que sería una mera casualidad. Aquí uno tendría que quedarse con la traducción de la palabra inglesa (aguijón), lo cual ya cuadra algo más si estamos hablando de según que insectos, siendo Sting el nombre que le da la protagonista a la criatura arácnida. Para esta cinta el bicho está basado en la araña de espalda roja australiana (país de origen de esta película), también conocida como Viuda Negra (y que toma como estandarte el personaje homónimo de los cómics Marvel) El director de este film, Kiah Roache-Turner, tomó al citado arácnido de referencia para diseñar la que aparece en la presente cinta, si bien esta sería de origen extraterrestre, como queda claro al inicio del film.

 

El cine fantástico de serie B (donde bien podría entrar esta película) se ha caracterizado a lo largo de las décadas por proponer toda una gran variedad de aberraciones animales para provocar miedo e inquietud. En su momento era la radiación la excusa general para maximizar todo tipo de bicho (ahí está el popular Godzilla), pero se han inventado poco a poco todo tipo de causas, por lo que el límite lo pone la imaginación. Y como de por si las arañas no es que caigan muy simpáticas que digamos (hasta Martin Goodman por esa razón le rechazó en origen a Stan Lee su propuesta de Spider-Man), podemos decir que se las ha visto de todo tipo y tamaño a lo largo de las décadas.

 

Pero vayamos al grano, ¿que ofrece esta película? De momento un único escenario, una vetusta comunidad de propietarios de Brooklyn, que se encuentra más o menos aislada por un tremendo temporal de frío y nieve que está asolando la ciudad. Esto se mantiene durante todos sus concisos 92 minutos, por lo que me hizo recordar a la película Rec, pero más allá de eso sus homenajes tiran hacia otros derroteros. El más claro sería Alien, con unos conductos de ventilación en ese viejo edificio, además de otros detalles, que enseguida nos llevan a recordar a la citada franquicia xenomorfa. Siguiendo con las referencias, el nombre de Sting tiene otra justificada relación: la joven protagonista le asigna dicho nombre en referencia a una daga élfica del universo de Tolkien, que aparece tanto en El Hobbit como en El Señor de los Anillos; y la criatura que se ve en este film (realizada con efectos prácticos, en estos tiempos en que casi todo es CGI) está realizada por Weta Workshop, que fueron los responsables de los efectos especiales de la trilogía de Peter Jackson.

 

La trama de esta película gira sobre Charlotte (interpretada por Alyla Browne), una joven de 12 años que tiene que vivir su adolescencia lidiando con varios frentes (entre ellos el de la separación de sus padres), por lo que cuando en una de sus andanzas por el edificio donde vive se encuentra una pequeña araña, decide quedársela como mascota. El problema es que la criatura es de origen extraterrestre, algo que en inicio desconocen, pero que pronto aprenderán debido al intenso factor de crecimiento del bicho cuanto más lo ceban. Pronto su alimentación a base de insectos y otras pequeñas presas no será suficiente, y empezará a acechar a todo (y todos) los que se pongan a su alcance. A partir de ahí el film cumple como lo que nunca esconde ser: una muestra de solvente serie B, donde quizás su punto más débil sería una tópica y pobre caracterización de los personajes, apenas esbozados antes de hacerlos carnaza (o no) de la araña protagonista. 

 

Eso se hace bastante patente sobretodo en el personaje del exterminador al que da vida el actor afroamericano Jermaine Fowler, momento en que la historia coquetea con la comedia absurda. Asimismo, que los excéntricos moradores del edificio donde acontece la acción pequen todos de simplicidad, lleva a que el drama de familia disfuncional sobre el que gira la línea argumental más primordial de esta película te deje un tanto indiferente, más allá de que ello lleve a un (hasta cierto punto) previsible arco de redención y reconciliación. Asimismo el guion tiene en algunos momentos diálogos ridículos y motivaciones absurdas de los personajes que pululan por él, pero en última instancia la película es fiel a lo que se plantea: nunca aspira a nada más allá de su simple premisa argumental, aunque quizás con mayores pretensiones que el simple entretenimiento igual se hubiera conseguido un título más destacable.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de marzo de 2025.
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THE MONKEY, gira la rueda y a ver qué pasa... (crítica sin spoilers)

Admito que hasta el estreno de Longlegs el pasado verano, yo no conocía la vertiente como director de Osgood Perkins, hijo de Anthony Perkins (el mítico Norman Bates de la no menos mítica Psicosis de Alfred Hitchcock) El citado film resultó toda una sorpresa para mi (aún siendo evidente que "bebía" de otro clásico como El silencio de los corderos), por lo que puse en mi radar cinéfilo a su responsable, el cual presenta ahora esta The monkey, con otros dos puntos de interés que su mismo póster ya destaca: está basada en un relato de Stephen King y producida por James Wan (entre otras cosas responsable de populares franquicias del terror tales como Insidious, Saw o Expediente Warren: The Conjuring)

 

Aunque el hecho de que esta película trate sobre un juguete asesino puede hacer recordar otra clásica saga del terror como la de Muñeco diabólico, hay que decir que el relato de King es anterior al mencionado film de 1988, ya que fue publicado por primera vez en 1980, y luego recopilado con otros relatos en la antología Skeleton Crew de 1985. De todas maneras esta cinta coge poco más que la premisa básica, en la que incluso han tenido que hacer cambios por motivos de copyright: en origen el mono de juguete tocaba los platillos, pero Disney tiene los derechos de esa figura, por haber aparecido en Toy Story 3, con lo cual se tuvo que cambiar por un tambor. 

Pero bueno, digamos que el mono de esta película no es que sea un juguete asesino, sino más bien uno maldito, si bien en ningún momento se aclara el motivo de arrastrar esa maldición, más allá del sangriento rastro que deja a su paso. Con solo girar la rueda y darle cuerda el mono tocará su tambor, y al final alguien morirá de manera tan brutal como estrafalaria, lo cual puede recordar a la franquicia Destino final, donde sus personajes mueren de las formas más extravagantes. En cierto momento se evalúa que se pueda elegir a la víctima, cual si fuera el cuaderno del manga Death Note, pero el mono va a su libre albedrío, y quien morirá será la víctima más inesperada de la manera más grotesca posible. Eso se hace extensible al tipo de humor que desprende este film, que para algunos quizás sería negro pero yo diría más bien que caricaturesco, a juego con unos personajes que en algunos casos se recrean en su palurda estupidez. Eso quizás sea lo que más me ha decepcionado, ya que por momentos bordea la fina línea que separa lo gracioso de lo ridículo.

 

La película deja abiertos varios frentes, con lo que no sería de extrañar que si el éxito la acompaña, de aquí surjan tanto secuelas como precuelas. El doble protagonista es el actor Theo James (visto en sagas como Divergente o Underworld), que encarna en su etapa adulta a los gemelos Hal y Bill. Ellos conocieron el maligno poder del mono en su infancia (allí encarnados por el joven Christian Convery), lo que les llevó a sufrir una trágica pérdida, y aunque pensaron que lo habían puesto a buen recaudo, décadas después volverá para atormentar sus vidas. Otros nombres conocidos del reparto serían los de Tatiana Maslany (vista en la serie de televisión She-Hulk: Abogada Hulka) o Elijah Wood (el mítico Frodo de El Señor de los anillos, si bien aquí con un papel que vendría a ser un mero cameo), además del propio director de esta película, interpretando al tío Chip. Citar el guiño al autor literario del relato, al renombrar a la niñera de su tramo inicial Annie Wilkes, como la protagonista de Misery, por la que ganó un Oscar la actriz Kathy Bates en 1990.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de febrero de 2025.
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BRIDGET JONES: LOCA POR ÉL, remonta y ¿acaba? (crítica sin spoilers)

En el actual panorama de secuelas tardías (mira sino los casi 20 años entre la tercera y la cuarta de Indiana Jones, o los 15 entre la cuarta y la quinta) no fue de extrañar que Bridget Jones tuviera una tercera entrega doce años después de la previa, cuando las dos primeras solo se habían llevado entre sí tres años. Pero aquella cinta a mi no me convenció, quedándome con las ganas de que se hubiera adaptado la tercera novela que hizo Helen Fielding con dicho personaje de su creación, que leí hace más de una década. Como mínimo el tercer film de Bridget Jones ya dejaba las puertas abiertas para que ello fuera posible, pero me sorprende que hayan tardado casi una década en que se concretara en este film.

 

Uno de los elementos que más ha caracterizado a esta franquicia es el triángulo que se establece desde la primera película entre la Bridget Jones encarnada por Renée Zellweger y sus dos aspirantes románticos, el recto y protocolario Mark Darcy de Colin Firth y el encantador sinvergüenza Daniel Cleaver de Hugh Grant. Vendrían a ser como los tres ángulos vitales sobre los que se sostiene esta franquicia, y por eso la ausencia de este último en la precedente entrega se notó tanto, y con su retorno para esta cuarta (aunque apenas aparezca pocas escenas) eso que salimos ganando. De todas maneras ese trío está tan presente como en el recuerdo, ya que al adaptar la tercera novela eso significa que Mark Darcy ha muerto y la protagonista es ahora una madre viuda.

 

En estos tiempos de secuelas tardías (para muestra un botón con esta misma saga), nada les impide si quisieran hacer una quinta película. Pero espero que no, ya que por fortuna esta acaba como tiene que acabar, siendo en el fondo previsible pero conmoviendo a los que conocimos a su protagonista a principios de los 2000, siendo treintañeros como ella lo era entonces, y que nos la reencontramos ahora en la cincuentena, con otras prioridades en su vida, pero en el fondo siendo la misma Bridget Jones que descubrimos en 2001 (o en la novela El diario de Bridget Jones de Helen Fielding, que se había editado apenas cinco años antes, en 1996) Como he indicado, los dos pilares masculinos de esta saga han sido Colin Firth y Hugh Grant, ambos presentes aquí pero de manera diferente: el primero es visto por Bridget en determinados momentos emotivos en los cuales lo tiene presente, mientras que el segundo sigue siendo tan desvergonzado como nos lo presentaron, aunque aquí con una pequeña referencia para justificar su ausencia en la anterior entrega.

 

El presente film comienza con Bridget ejerciendo labores de madre con los dos hijos que tuvo con Mark Darcy: Mabel y Billy, los cuales en la novela son presentados como la viva imagen de sus progenitores, algo que en la película se cumple quizás más con el niño. Mark murió hace cuatro años y Bridget le ha guardado el luto ese tiempo, con todo el dolor de su corazón. Pero eso acaba cuando sus amigos le insisten en que pase página, vuelva al trabajo, se apunte a una web de citas e intente darse una "alegría" con algún novio. Justo por la red le saldrá un pretendiente más joven que ella, que parece tenerlo todo a su favor, lo que la lleva incluso a ser la envidia de sus allegados. Pero la diferencia generacional será un factor determinante, que la llevará hasta alguien más cercano a su actual círculo de personas con las que se relaciona, y que también está interesado por ella. Esos dos personajes corren a cargo de unos acertados Leo Woodall y Chiwetel Ejiofor, en especial este último por tener una mayor trascendencia en la trama.

 

Repitiendo en esta secuela varios habituales de la saga desde el inicio (como por ejemplo los veteranos Jim Broadbent y Gemma Jones), se añade además el mayor aliciente que tuvo la precedente entrega: la sarcástica ginecóloga a la que da vida Emma Thompson, que vendría a ser, junto con el mencionado Hugh Grant, los dos mejores secundarios que tiene esta película. Por lo demás tan solo añadir que aunque su argumento sea previsible casi desde el inicio, esta película sirve para darle un eficiente y digno cierre a una saga sustentada sobre la divertida y caótica protagonista, a la que la vida le ha dado un inesperado revés que nunca olvidará (resulta muy emotivo como ella y sus dos hijos intentan tener siempre presente el recuerdo de Mark Darcy, sobretodo en la escena de los globos), pero que no le impedirá pasar página, reorientar su vida y buscar la felicidad. Tras el bajón que supuso la tercera película, al menos aquí se evoluciona y se finiquita al personaje de manera satisfactoria, espero que dejen que la cosa quede así.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de febrero de 2025.
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CAPITÁN AMÉRICA: BRAVE NEW WORLD, crítica sin spoilers

Aunque fue Iron Man quien inauguró el universo Marvel en cine (y también el primero en tener trilogía), de Los Vengadores iniciales creo que el que consiguió tener una trilogía de mayor calidad (a mi gusto) fue el Capitán América (después de esta también es destacable la de los Guardianes de la galaxia, pero eso sería otro tema) De hecho hay muchos que aún continúan hablando de su primera secuela (Capitán América: El soldado de invierno) como la película más destacable que ha tenido hasta la fecha el universo Marvel cinematográfico.

 

Con el estreno ahora de esta nueva película el Capitán América se convierte en el segundo personaje en ampliar su saga con una cuarta entrega (antes que él ya lo hizo el Dios del Trueno con Thor: Love and thunder, y el siguiente que se espera sería el Spider-Man de Tom Holland) Pero aquí de nuevo Marvel se la juega, ya que mientras que tanto para la cuarta de Thor (ya estrenada) como para la del citado Spider-Man (en proyecto) repetirán sus actores titulares como protagonistas; tras lo que pasó Endgame el manto del Capitán América de Steve Rogers (interpretado por Chris Evans en la trilogía inicial) lo heredó el Falcon de Sam Wilson (a cargo de Anthony Mackie, al que se le vio en la serie Falcon y el Soldado de Invierno junto al otro posible Capitán América: el Bucky Barnes de Sebastian Stan, actor más carismático que Mackie)

 

No es el único cambio, ya que el personaje de Thaddeus Ross, visto en anteriores entregas con los rasgos del actor William Hurt, ha tenido que pasar (debido al fallecimiento de este último en 2022) a Harrison Ford. El que en origen fue acérrimo perseguidor de Bruce Banner/Hulk se ve aquí transformado en Presidente de los Estados Unidos... y también en el Hulk Rojo que la promoción no ha escondido en ningún momento, con lo cual no se podría calificar de spoiler. Sabiendo que con ese detalle juegan con las expectativas del espectador, uno lo está esperando con ansias, aunque de forma previsible el mismo es guardado hasta el tramo final. Al menos en ese apartado la película cumple, dejando mayor poso ahí que en sus dos desaprovechados villanos, a cargo de dos actores como Giancarlo Esposito (este ya visto en los anticipos) y Tim Blake Nelson (que sería la relativa sorpresa, al menos para mi, retomando al personaje al que encarnó en El increíble Hulk en 2008, aunque ya en otro nivel) Espero que en el futuro tengan mejores oportunidades para destacar.

 

No sería la única referencia previa a tener en cuenta en esta cuarta entrega del Capitán América: su historia también se sustenta sobre detalles de la serie antes citada de Falcon y el Soldado de Invierno y de la película Eternals, sirviendo esta última para justificar la entrada en este universo de cierto metal sobre el que sustentar al más popular mutante de Marvel, ahora que los X-Men están a la espera de entrar en el UCM en cualquier momento. Con todos esos elementos el resultado final es sin duda la más floja entrega del personaje, porque como he indicado antes Mackie no tiene el mismo carisma que Evans y las propias dudas de este Capitán América respecto al previo son extensibles a las del actor respecto al legado que toma. Tampoco ayuda mucho recuperar elementos de la también antes citada Falcon y el Soldado de Invierno (en especial el personaje supuestamente simpático de Danny Ramirez, aquí como nuevo Falcon), que es probablemente una de las series televisivas más flojas derivadas del Universo Cinematográfico Marvel.

 

Aunque le pone voluntad (eso es innegable) esa falta de carisma en el protagonista se hace más evidente cuando comparte escenas con Harrison Ford, que se convierte sin problemas en el más destacado del reparto, gracias a tener de sobras el encanto que le falta al superhéroe titular. Asimismo esta película intenta conseguir el reflejo, en su estilo y forma, de la segunda entrega (Capitán América: El soldado de invierno) pero el desarrollo de su historia va dando bandazos que si se disimulan un poco es por un ritmo en el que al menos de aburrimiento hay poco (o esa sensación me dio) Porque aunque pueda parecer esto una crítica negativa, la verdad es que mentiría si dijera que no es entretenida, pero si dijera que es una buena película también mentiría. Lo más destacado quizás podría estar en la alegoría de como entra Hulk Rojo como Presidente de los Estados Unidos en su tramo final, puede que como reflejo de como ha entrado en el cargo en su segundo mandato Donald Trump (arrasando con todo lo de su predecesor)

 

Como punto final decir que hay UNA escena tras los créditos que tampoco es que aporte mucho más, ya que vendría a ser una conversación entre dos personajes de esta cuarta entrega, en la que uno viene a decir que se avecinan cosas (supongo que en referencia a las películas Marvel previstas para este año y el próximo)

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de febrero de 2025.
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PRESENCE, perspectiva espectral (crítica sin spoilers pero con matices)

Presence aparentaba ser la enésima película de casas encantadas y fantasmas, por lo que entiendo que de antemano pueda levantar más indiferencia que algo de curiosidad, y que el nombre más popular de su reparto fuera Lucy Liu tampoco creo que levante una especial ansiedad. Pero me decanté por el presente título por los nombres implicados en su puesta a punto: Steven Soderbergh y David Koepp, siendo el primero un director con una bastante amplia carrera en la que ha tocado todo tipo de géneros, con resultados variables para todos los gustos, aunque el público siempre le conocerá por la trilogía que inició junto con George Clooney en Ocean's Eleven. 

 

En cuanto a Koepp, responsable del guion del presente film, ha sido también el encargado de escribir guiones para títulos tan diversos como el primer Spider-Man de 2002 dirigido por Sam Raimi, Misión Imposible de Brian de Palma en 1996 con Tom Cruise, o unas cuantas entregas de sagas como la jurásica que comenzó Steven Spielberg o la de Indiana Jones. Ha probado suerte también como director, siendo su film más acertado (al menos para el que esto escribe) El último escalón de 1999, con Kevin Bacon de protagonista y basada en un relato de Richard Matheson. Dicho film, en cuya historia también se toca el tema de las presencias fantasmales como en esta película, pasó un tanto desapercibido en el momento de su estreno por El sexto sentido de M.Night Shyamalan, que también tocando el tema de los espíritus logró un éxito apabullante.

 

Pero voy al grano, ¿que es Presence? En esencia vendría a ser la historia de una familia que se va a vivir a una casa en la que pronto se siente una presencia de "algo". Los propios miembros de la citada familia (padre, madre, un hijo y una hija) no ofrecen mucho más allá del esbozo con el que están perfilados: el primero es más comprensivo, intentando cubrir las carencias emocionales que deja su mujer, a la que se nota más desapegada del núcleo familiar. Por su parte el hijo es un prototipo de adolescente un tanto egoísta, mientras que la hija arrastra un trauma y parece ser (en inicio) la más sensitiva, y la primera en notar que en esa casa hay ese "algo". La causa de dicha desazón en la jovencita queda sugerida, pero nunca desarrollada, aunque da pie a pensar que algún elemento de la misma sea esa "presencia" a la que da título el film, siendo en su último tramo cuando cierto personaje ofrece la explicación que nos permite atar cabos sueltos (más o menos) para entenderlo todo. No hay spoilers pero contado así no tiene nada que la haga llamativa, ¿verdad?

 

Bueno, aunque algunas críticas ya lo dan por supuesto, en mi caso tengo que ofrecer el matiz que hace a esta película un poco (tan solo un poco) mejor que un telefilm de sobremesa, al mismo tiempo que sería la mayor novedad que tiene sobre un esquema manido, ya visto hasta la saciedad. Para mi no sería un spoiler porque en si se hace evidente desde el inicio, pero si no se tiene en cuenta puede hacer que el resultado final convenza menos. Lo novedoso es que esta película está desarrollada desde el punto de vista del fantasma, moviéndose la cámara cual se supone que lo haría el espectro: en largos planos secuencia, sólo cortados por escuetas pausas en negro que van enlazando momentos. La "presencia" (intangible e inmaterial, "sentida" por algunos pero invisible hasta que sus actos la delatan) es el espectador. Presence vendría a ser un experimento visual a cuenta de una premisa algo manida, demostrando la solvencia de Soderbergh como cineasta, que mantiene la tensión, hasta un tramo final donde el ser humano demuestra ser peor que cualquier espectro.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de marzo de 2025.
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EN ALGÚN RINCÓN DEL TIEMPO / EN ALGÚN LUGAR DEL TIEMPO

EN ALGÚN RINCÓN DEL TIEMPO / EN ALGÚN LUGAR DEL TIEMPO

Hay autores a los que uno tiene en cierta manera "encasillados" en el género por el que han triunfado. Un ejemplo muy evidente sería Stephen King, mucho más conocido por sus novelas de terror que por otros géneros donde ha demostrado su solvencia, y eso mismo me pasaba a mi con Richard Matheson, emblemático responsable de obras maestras literarias como El increíble hombre menguante, La casa infernal o Soy Leyenda, títulos tan destacables como Más allá de los sueños y del que también me he leído recopilatorios de varios relatos fantásticos como Nacido de hombre y mujer y otros relatos espeluznantes y Pesadilla a 20.000 pies y otros relatos insólitos y terroríficos. Pero más allá del fantástico (aunque en este caso lo toque tangencialmente) tiene obras que tenía pendientes de descubrir, como me ha pasado con En algún rincón del tiempo, novela romántica con viaje temporal por la que su responsable ganó el Premio Mundial de Fantasía en 1976, por encima incluso del antes citado Stephen King, nominado por Salem's Lot.

En esta En algún rincón del tiempo, con prólogo y epílogo de Robert Collier, hermano de un guionista de televisión llamado Richard Collier, se narra los textos póstumos de este último, fallecido por una enfermedad incurable. Dividida la historia en dos partes muy bien diferenciadas, en la primera Richard Collier narra su desazón al saber que le queda poco de vida, y como en un peregrinaje sin destino claro va a parar a un hotel en el que ve la foto de la actriz teatral Elise McKenna, de la que se queda perdidamente enamorado. El problema radica en que esa imagen es de 75 años en el pasado (la acción en el presente está fechada en 1971), pero la pasión del protagonista es tan fuerte que conseguirá retroceder en la corriente del tiempo e intentar conquistar a su amada, si bien el destino será inapelable. Al final se plantea la duda de si dicho periplo temporal fue real o no a tenor de las circunstancias, si bien los datos cronológicos llevan a pensar que algo debió de haber, dejando que el lector interprete lo que quiera.

En este caso si que tengo que admitir que no me ha parecido una historia tan redonda como otras obras de Matheson, ya que lo que cuenta, aún siendo entretenido, tiende hacia la reiteración, sobretodo en lo referente a la pasión desbocada de Richard hacia Elise, que en algunos momentos roza la frontera de la cursilería y lo ñoño. Esta novela tuvo una adaptación cinematográfica en 1980, dirigida por Jeannot Szwarc y protagonizada por Christopher Reeve (el inolvidable Superman), Jane Seymour y Christopher Plummer, que he aprovechado para ver por primera vez para completar esta reseña. Dicho film se toma algunas licencias respecto a la obra, cambiando o modificando algunos detalles (como por ejemplo la ausencia del problema de salud de su protagonista), si bien se decanta por el romanticismo más bucólico y almibarado, hasta que ocurre el giro melodramático de su último tramo, que en la película sucede de manera más traumática, coincidiendo con la novela en el final poético en torno al destino de la pareja principal.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5) tanto la novela como la película

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.
• Ficha en Imdb por este enlace y ficha en Filmaffinity por este otro.

HERETIC (HEREJE), cuestiona tu fe, cuestiónalo todo (crítica sin spoilers)

No dudo de la capacidad de algunos actores y actrices para demostrar su versatilidad más allá de su "zona de confort", cuyo significado se refiere al género o al personaje en el que han quedado encasillados. Se pueden dar muchos ejemplos de esa asociación que el público tiene en mente, como Meg Ryan con el género de la comedia romántica, Harrison Ford siendo siempre el héroe (galáctico o aventurero), o que uno siempre lleve ligada la imagen de Arnold Schwarzenegger como Terminator o Conan, o la de Sylvester Stallone como Rocky o Rambo (aunque ya digo que hay muchos más ejemplos)

En el caso del protagonista de esta película, Hugh Grant, siempre se le ha recordado por la comedia romántica, género en el que triunfó hace ya tres décadas con Cuatro bodas y un funeral, y en el que ha conseguido sus mayores éxitos como Love Actually, Notthing Hill o El diario de Bridget Jones entre otras (porque la lista es extensa) 

 

Con ese "encasillamiento" a un género (en este caso el de la comedia, en cualquiera de sus múltiples variantes) el gran público no sabe verlo fuera del mismo, y es una lástima, porque se puede perder gratas sorpresas como esta Heretic (Hereje), en la que su personaje, el señor Reed, es posiblemente uno de los tipos más inquietantes que he visto en una pantalla en mucho tiempo. Igualmente estamos ante una película de la que es mejor saber lo mínimo antes de verla, para así dejarse llevar con acierto por su relato de suspense.

 

Dirigida por Scott Beck y Bryan Woods (entre cuyos créditos figuran ser coguionistas de las entregas hasta la fecha de la saga Un lugar tranquilo, iniciada por John Krasinski), la película comienza con una conversación sobre porno entre dos muchachas, lo cual no tendría nada de especial si no fuera porque se trata de dos devotas fieles de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (o de una forma más común, que profesan la religión mormona) Pronto queda claro que se ajustan a normas más bien poco flexibles, y que tienen que dedicar parte de su tiempo a sumar nuevos fieles (como por ejemplo hacían hace tiempo, yendo de puerta a puerta, los Testigos de Jehová), por lo que poco después vemos a ambas chicas (la hermana Paxton, a la que va vida la actriz Chloe East, y la hermana Barnes, encarnada por Sophie Thatcher) llamando a la puerta del señor Reed (Hugh Grant), un vecino que ha solicitado información sobre el mormonismo, dejando entrever que su interés es genuino para que ambas crucen el umbral y entren en su casa.

Dejemos una cosa bien clara, aunque en algunos sectores se venda el presente film como terror, sería más bien un thriller de suspense e intriga, que se sustenta en su primer tramo por el diálogo que se establece entre el Sr.Reed y las dos hermanas mormonas. De antemano sabemos que el personaje de Hugh Grant no es tan bueno e inocente como nos quiere hacer ver, pero ahí se demuestra la solvencia de su protagonista, que juega con los estereotipos que le han caracterizado como actor para perfilar a su personaje, e intentar engatusar a sus potenciales víctimas, aunque no pasará mucho rato hasta que ambas chicas se percaten de que ahí pasa algo raro. A partir de ahí se establece un juego del gato y el ratón, en el que las dos jóvenes mormonas verán temblar los cimientos de su propia fe ante una conversación cada vez más tensa, y en donde el espectador aguanta la tremenda intriga de no saber que pasará ni cuando (hay cierto momento curioso, en el que se compara un popular juego de mesa, cierto tipo de música y las religiones)

 

Incluso cuando las palabras dejan paso a los hechos (a partir de la elección de las puertas) la película sigue aumentando la tensión con acierto, ahora con características (la oscuridad) y dentro de escenarios (el sótano) más comunes en el género. Se intenta establecer, de manera forzada para las dos muchachas, una prueba de fe en ciertas condiciones que prueben los argumentos del personaje de Hugh Grant, logrando establecer cierto poso de duda sobre si, aún en las circunstancias en las que sucede todo, no habrá algo de verdad en lo que defiende. Sería cuando se dan las explicaciones sobre lo sucedido cuando esta película, aún logrando haber mantenido el interés durante todo momento, hará que algunos espectadores se quejen ante lo inverosímil de ciertos detalles con los que se intenta (otra cosa es que se logre) dejar todo aclarado. Pero sería algo perdonable a tenor del buen rato de suspense e intriga que hemos tenido con un Hugh Grant que se nota que disfrutó con el papel, sin olvidarnos de las dos jóvenes actrices que encarnan a sus potenciales víctimas. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero de 2025.
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SONIC 3: LA PELÍCULA, frenético entretenimiento (crítica sin spoilers)

Los videojuegos también generan sus franquicias, pero hasta hace poco parecía que no lograban traspasar su esencia a las adaptaciones que se hacían de ellos. Pero en los últimos tiempos ha habido algunos ejemplos destacados, y resulta un tanto curioso que uno de ellos sea Sonic, la saga del famoso erizo azul de Sega, que con esta ya llega a su tercera entrega. Y digo eso porque en un inicio las críticas al aspecto que iba a tener el protagonista fueron tan tremendas que se modificó del todo por temor al fracaso, con lo cual dejó satisfecho a su público potencial para que con esta se haya completado trilogía en un plazo de poco menos de cinco años desde el primer film. Como curiosidad cabe recordar que esa versión rechazada de Sonic tuvo un irónico cameo referencial en la muy recomendable Chip y Chop: Los guardianes rescatadores.

Cabe indicar que en el pase al que acudí pude ver la versión original con subtítulos de esta película, por lo que disfruté de las voces originales tanto de Idris Elba (repitiendo como Knuckles) como de Keanu Reeves (este estrenándose como Shadow, el villano a combatir en esta tercera entrega), a los que añadir Ben Schwartz (que vuelve a prestar voz a Sonic) y Colleen O'Shaughnessey (que hace lo propio con Tails), siendo sin duda los mejores del reparto. Eso se debe a que los humanos de nuevo son la parte más floja del film, ya que ni James Marsden ni Tika Sumpter no dejan de ser más que mero relleno, el fichaje de Krysten Ritter (la protagonista de Jessica Jones) otro tanto, mientras que Jim Carrey por partida doble se desmadra.

Ojo que con eso tampoco quiero decir que la película sea mala, al contrario: sabe cual es su público potencial y lo da TODO para que quede lo más satisfecho posible. Ya desde buen principio la historia toma un ritmo vertiginoso, que continuará así durante casi todo su metraje, lo que puede llevar a pensar si la narrativa quizás está algo desmadrada, aunque en esencia resulte funcional y coherente con lo ya visto en las dos entregas previas. Sería quizás por parte de los dos personajes a los que encarna Jim Carrey (Ivo Robotnik y su abuelo Gerald) donde puede dar esa imagen de exceso histriónico, aunque no deja de ser coherente al abuso gesticulante que ha caracterizado al citado actor, lo que le granjeo tantos seguidores como detractores en su etapa de mayor fama y éxitos de taquilla. En este caso ha sido el propio Carrey quien ha admitido que abandonó su retiro (que anunció en 2022) para unirse a esta tercera entrega por dinero, y cumple con creces en cuanto a todo tipo de extravagantes bufonadas, ofreciendo justo lo que esperan de él.

 

Pero lo mejor sigue siendo (y así se demuestra con creces) las criaturas que pueblan esta cinta: desde el equipo principal formado por Sonic, Tails y Knuckles hasta la contrapartida que encuentran en Shadow, haciendo todos los intérpretes que he citado al inicio de esta crítica una buena labor, especialmente destacable en el caso del villano al que pone voz Keanu Reeves, cuyo tono puede recordar al empleado por el citado actor en la saga John Wick (los motivos por los que busca la venganza Shadow pueden ser más genéricos y previsibles, aunque resultan adecuados para perfilar al personaje) Como en anteriores entregas, supongo que tendrá multitud de referencias a los que conozcan los videojuegos de los que parte, pero lo que me sorprendió en su tramo final es lo mucho que recuerda a Dragon Ball. En resumen digamos que Sonic 3 es lo que es, y nunca aspira a otra cosa que no sea ofrecer un frenético entretenimiento con dos escenas en los créditos (enmedio y al final) que dan pistas de lo que puede llegar en una hipotética cuarta película.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre de 2024.
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MUFASA: EL REY LEÓN, precuela y secuela leonina (crítica sin spoilers)

Poderoso caballero es don dinero, y en Disney han visto un filón con sus live-action de su amplia cartera de clásicos animados, por lo que llevan unos cuantos años estrenando tantos que incluso con Vaiana marcarán el récord de que tan solo separen 10 años del film original a su nueva versión. Pero en este caso se trata de El rey león, que con motivo de su 25 aniversario tuvo su correspondiente adaptación, y la misma tuvo TANTO éxito (más de 1100 millones de dólares a nivel mundial; la animada de 1994 logró más de 550 millones de dólares a nivel mundial), que no se dudó mucho a la hora de dar luz verde a una secuela, que en este caso es precuela ya que se centra en la vida de Mufasa, el padre de Simba y futuro rey león.

Podríamos decir que la película de 2019 se nutrió mucho de un público nostálgico que quería redescubrir el clásico animado que vieron siendo pequeños; pero también es bien cierto que el formato utilizado de animación hiperrealista chocaba con el de la animación clásica de la cinta de 1994, por lo que aunque era todo un espectáculo visual, en esencia perdía la expresividad y el carisma del film original. 

 

A eso se sumaba el hecho de ser en esencia LA MISMA HISTORIA, por lo que más allá de esa novedad visual, en la argumental nos estaban contando lo mismo. Por eso me interesó esta precuela, ya que tocaba un tema hasta ahora no abordado ni en la película original, ni en su versión de 2019 ni tampoco (al menos que me conste) en sus secuelas y variantes en animación clásica tanto para formato doméstico (VHS allá por los noventa) como para canales Disney o su plataforma (varias series orientadas al público infantil) Esta precuela tenía que haberse estrenado este pasado verano, pero la huelga que hubo en Hollywood el año pasado (y que llevó a varios reajustes en fechas de estreno en multitud de films) llevó a que esta Mufasa: El rey león se retrasara hasta finales de 2024, para así no perder la coincidencia con el 30 aniversario de la película original; cediendo Jon Favreau la silla de director en Barry Jenkins.

 

A nivel emocional esta precuela comienza ya tocando el corazón del público, porque se recuerda al fallecido James Earl Jones, que le puso voz a Mufasa tanto en la cinta animada original de 1994 como en su remake de 2019 (aquí en España fue Constantino Romero en el primer caso y Pedro Tena en el segundo) A partir de ahí comienza una película que funciona como secuela y precuela al mismo tiempo (aunque prevalece lo segundo) ya que se nos presenta a Kiara, la hija de Simba y Nala (por lo que dicho preludio actuaría como secuela de El rey león), aunque pronto se retrocede ya que la joven Kiara, al tener que ausentarse sus progenitores, queda bajo el cuidado de Timón y Pumba (meros alivios cómicos cuya función en este film es algo irregular, aunque con algún momento de gracia) así como Rafiki, aprovechando este último para contarle a la joven Kiara una historia de su abuelo Mufasa antes de que se convirtiera en rey. Esa visión del pasado servirá para conocer ciertos detalles y relaciones entre personajes hasta ahora desconocidos.

 

Si bien la cinta de 2019 recibió críticas en relación a que su fotorealismo casi de documental le hacía perder puntos frente a la candidez de la animación clásica, en esta precuela se mantiene el tono pero con ciertos matices, ya que se permite una cierta expresividad en los animales, siempre intentando no ser demasiado chocante respecto al estilo del conjunto. En cuanto al apartado musical, las canciones de Lin-Manuel Miranda son todas bastante acertadas, pero creo que no llegan al nivel de la banda sonora original de Hans Zimmer y Elton John, ya que no encontré ningún tema que se pueda hacer tan mítico como los de aquella. Además el hecho de ser precuela puede llevar, pese a estar bien desarrollada, a que se haga previsible como acabará la shakesperiana relación entre Mufasa y Taka, aunque varios incisos durante todo el metraje ya sugieran en quien acabará convirtiéndose este último. En resumen Mufasa resulta correcta (pese a que uno se quede con las ganas de ver esto en animación tradicional), ampliando las posibilidades de esta franquicia.  

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de diciembre de 2024.
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KRAVEN THE HUNTER, el Sonyverso arácnido sin araña acaba aquí

Por aquello de ser los que tienen los derechos sobre todo lo que tiene que ver con Spider-Man, desde Sony debieron de pensar que había que arriesgarse, y cual si fuera esto una ruleta, se puede decir que han apostado todo este 2024 a la araña... sin araña. En ese particular universo paralelo donde florecen todo tipo de personajes relacionados con Spider-Man, han decidido que en el presente año no llegaran ni una ni dos, sino hasta tres películas (las últimas porque cierran ese cosmos arácnido alternativo; ahora Sony se centrará en Spider-Man 4, Beyond the Spider-verse y la serie Spider-Man noir)

Cuando incluso la propia Marvel decidió no abusar, y estrenar este año tan solo un film de su universo (la exitosa Deadpool y Lobezno), en el otro lado ha sido el turno de Madame Web, Venom: El último baile y esta Kraven the hunter. La primera de ellas, que llegó en febrero, se dio de bruces con la taquilla y con la crítica (aunque a mi se me hizo tolerable), mientras que la de Venom siguió en los decepcionantes cauces con los que ya comenzó esa trilogía, siendo la menos taquillera de todas. Este trio tan particular se completa con Kraven the hunter, que en inicio se tenía que haber estrenado a principios de 2023, luego se retrasó hasta octubre del mismo año, tras un tráiler que levantó suspicacias paso a verano del 2024, y de allí al (ahora sí) definitivo estreno en temporada navideña.

¿De verdad es Kraven un personaje lo suficientemente solvente como para erigir una película a su alrededor? En los cómics se presentó en el número 15 de The Amazing Spider-Man en agosto de 1964, pero siempre fue un villano algo risible hasta que consiguió el suficiente prestigio en 1987 con La última cacería de Kraven, obra de J.M.DeMatteis, Mike Zeck y Bob McLeod, que para muchos es la mejor historia del arácnido de Marvel. De nombre original Sergei Kravinoff, se trata de un cazador de origen ruso, y obsesionado con ser el mejor en su labor, cuyo hermanastro es otro villano habitual de Spider-Man (Camaleón), y que fue uno de los miembros fundadores de Los Seis Siniestros (junto con Mysterio, Electro, Buitre, Hombre de Arena y Doctor Octopus, este último como líder) Nunca visto hasta ahora en la gran pantalla, en este film le da vida el actor Aaron Taylor-Johnson, conocido por otras adaptaciones de cómics tales como Kick-Ass (y su secuela) o Vengadores: La era de Ultrón (encarnando al hermano de la Bruja Escarlata)

Intentando ser ecuánime, esta cinta está siendo apaleada por la crítica y creo que es algo injusto ya que aunque no sea una buena película (de hecho ¿alguna del universo arácnido sin araña de Sony lo ha sido? Todas han tenido sus carencias y más bien pocas virtudes), admito que Kraven the hunter me ha entretenido como el simple producto de serie B que es, y que nunca pretende esconder. Con ciertos retoques uno podría pensar que está viendo una cinta de acción de las de antaño, donde no era difícil imaginar a personajes cortados a la medida de actores como Van-Damme o cualquier otro que pudiera enfundarse las pieles de esta especie de Tarzán con poderes. De hecho un detalle que levantó suspicacias en el tráiler era si conseguía sus poderes por la sangre de un león radioactivo (sarcasmo por la araña radioactiva que le dio sus habilidades a Peter Parker) PERO queda claro y resulta coherente que eso sucede aquí por una fórmula ancestral que bien podría ser una variante o sucedáneo del suero del supersoldado del Capitán América.

Supongo que en parte de mi magnánima valoración también influye que su protagonista, el actor Aaron Taylor-Johnson, siempre me ha resultado correcto en todas las películas que he visto de él, y como su nombre es uno de los que se sugiere como próximo James Bond en lugar de Daniel Craig, un film de este estilo sirve para mostrar que tiene las condiciones físicas adecuadas por si tuviera que ocupar dicho puesto. Pero eso no lo sería todo, y también debo admitir que su Kraven consigue ser tan arrogante y pretencioso como ha sido muchas veces el personaje en las viñetas, a lo que sumar que su pasado más o menos trágico resulta un acertado aliciente con el que logré empatizar. Tras un prólogo de ocho minutos que se distribuyó por internet antes de su estreno (cual si fuera una variante de la franquicia de 007 desde otra perspectiva), la historia nos narra el origen del personaje: Sergei y su hermano Dimitri (otro futuro villano arácnido, el Camaleón) viven bajo la opresiva sombra de su padre Nikolai Kravinoff (encarnado por un adecuado Russell Crowe)

El progenitor de los dos muchachos (que en cierto momento deja claro que no comparten la misma madre, coincidiendo con el origen de ambos en los cómics) es un gánster ruso que quiere imponer su ferocidad a sus hijos, haciéndolos partícipes de su afición por la caza, y señalando a Sergei como su sucesor. Eso se tuerce cuando un accidente lleve al borde la muerte al joven Kraven, que volverá renacido (y huirá del control paterno) gracias a una bebida ancestral que le dará Calypso, a la que años después encontrará, encarnada por Ariana DeBose (vista por ejemplo en el West Side Story de Spielberg, pero cuya presencia aquí es meramente secundaria) Ya entonces queda claro que Kraven es una especie de salvaje justiciero, que se les tendrá que ver con Aleksei Sytsevich como villano principal de esta película, un mafioso rival de Kravinoff al que Miles Warren (otro científico y villano del universo arácnido) le ha curado de una misteriosa patología haciendo que se transforme en una especie de rinoceronte humano, al que apodan Rino.

En resumidas cuentas Kraven the hunter cierra el Sonyverso arácnido sin araña que quizás nunca debió existir, pero lo hace con otra película de serie B (como en esencia lo han sido todas las realizadas en dicho grupo) que desmerece si se la compara con lo que se hace en el género hoy en día, pero que asumida como "placer culpable" puede lograr un rato de entretenimiento siempre que se valore cual si fuera una película realizada a principios de los 2000. Es evidente que tiene detalles criticables (no solo en su condición de película, sino como adaptación de algunos de los personajes que pululan por ella, por ejemplo Calypso), pero mentiría si dijera que no me entretuvo. Como curiosidad decir que NO tiene escenas tras los créditos y que esta sería la segunda adaptación del Rino, que ya apareció como villano secundario en The Amazing Spider-Man 2, si bien ni entonces ni aquí se puede decir que sea una adaptación muy canónica, aunque en este caso se parezca algo más (si bien de forma algo grotesca) al personaje de las viñetas

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de diciembre de 2024.
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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA GUERRA DE LOS ROHIRRIM, crítica

Hay ocasiones, y pienso que sobretodo en la infancia y adolescencia, en que según lo que veamos, esa película o serie puede trascender a más de lo que es, logrando que la vivamos y la sintamos como algo personal. Por ejemplo eso me pasó la primera vez que vi el Titanic de James Cameron, y otro tanto me sucedió también con El Señor de los Anillos: La comunidad del anillo (que además fue, como curiosidad del todo personal, la última película que pagué en pesetas, antes de la entrada del euro) Recuerdo que al final de la película de 2001 salí flipando del cine, ansioso por que pasará un año y llegara la secuela, aunque tanto Las Dos Torres como El retorno del Rey no me entusiasmaron al nivel de la primera, si bien me gustaron mucho.

Esa trascendencia de la trilogía original dirigida por Peter Jackson no logró repetirla ni él mismo en su inflada adaptación de El Hobbit, que debió de ser una sola película de tres horas de duración en lugar de tres películas de dilatado metraje. Pese a todo fue una trilogía precuela que volvió a ser todo un gran acierto en el apartado visual, aunque en lo argumental no dejara para el recuerdo unos personajes tan carismáticos como los de las primeras tres películas. Tras unos años en reposo, la franquicia llegó a televisión con la serie Los anillos de poder, de la cual su primera temporada lucía en lo visual, pero me dejó frio en cuanto a lo argumental (de ahí que no viera la segunda temporada), para ahora volver a saltar al cine con La guerra de los Rohirrim, que además sería el primer anime del universo literario de Tolkien.

En este caso de nuevo estamos ante una precuela, ya que la acción se sitúa 183 años antes de los hechos narrados en la trilogía cinematográfica original, pero su concepción como anime levantó suspicacias entre los fans más fieles al mundo de Tolkien, al igual que sucedió con la serie televisiva citada de Los anillos de poder. En mi caso puede sonar quizás como una herejía hacia el mencionado autor, pero cuando entre 2001 y 2003 disfruté con los primeros films de Peter Jackson, intenté leer por curiosidad la obra adaptada, y se me hizo una lectura tan farragosa que me dejó claro que el universo literario de Tolkien no era para mí. Por ello no soy purista y he valorado cada nueva entrega de El señor de los anillos en función de su concepción y desarrollo más que de su posible mayor o menor fidelidad como adaptación, por lo que cuando se anunció esta coproducción entre Warner Bros y New Line Cinema admito que despertó mi curiosidad por el formato escogido, pese a que se tome sus licencias sobre los apéndices de El señor de los anillos que adapta.

La más palpable de dichas "modificaciones" está en la propia protagonista: Hera es una princesa que en la obra de Tolkien es un personaje apenas mencionado como hija de Helm Mano Martillo, el rey de Rohan, pero sobre la que en este caso se sustenta toda la película. Algunos la han comparado con La Princesa Mononoke de Hayao Miyazaki (que no te digo yo que no), pero a mi me recordó más a Mérida, la también pelirroja protagonista de Brave (Indomable) de Disney y Pixar. En ambos casos son impulsivas, valientes e independientes, si bien en este caso se hubiera agradecido algún matiz más sobre una protagonista que me acabó resultando un tanto maniquea, por más que sea un nuevo ejemplo de ese empoderamiento femenino, ahora más visible. Ojo que lo mismo se puede decir por el otro lado: el en inicio pretendiente rechazado, y luego villano despiadado que es Wulf representaría justo todo lo contrario, no hay más matices en su personaje que cumplir con su venganza y limpiar su honor por la afrenta sufrida al inicio del presente film.

En ambos casos son los personajes que más prevalecen en esta historia, a los que se añadiría el rey Helm Mano Martillo, al que en su versión original le pone voz Brian Cox, ya que el resto tan solo cumplen su función con corrección, pero sin levantar la empatía del espectador. Justo en el tema del reparto vocal también hay que citar a Miranda Otto que vuelve a ser Éowyn... aunque nunca pasa de mera narradora a la que en ningún momento se cita, con lo cual podría haber sido cualquiera. Otro tanto para Christopher Lee como Saruman, porque aunque el actor lleve muerto desde 2015 pone su voz original (y no mediante inteligencia artificial) de unas líneas de diálogo grabadas para la trilogía de El Hobbit... aunque lo usado en este film no va más allá de una simple frase. Con un estilo de animación que funciona bien para las pretensiones del conjunto, estamos ante una película correcta pese a ciertos altibajos en su desarrollo, aunque quizás algo deudora de lo que la antecede, con pinceladas intensas (sobretodo en su último tramo) para que lo recordemos.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de diciembre de 2024.
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VAIANA 2 (MOANA 2), la funcional secuela que pudo haber sido serie

Que Disney es un mastodonte del entretenimiento es algo indudable, y sobretodo desde que aparte de su propia marca (y la colateral Pixar) se adueñó de Marvel y Star Wars, pero igual están tentando un poco a la suerte, y al final el público puede darles la espalda (cosa que ya ha pasado en algunos proyectos), aunque luego a nivel más general. Esto viene a colación por su actual política de masivas versiones en acción real (live-action) de la gran mayoría de sus películas de animación, y por secuelas apañadas en pocos meses para ser películas, cuando su origen inicial era haber sido serie de televisión, estando Vaiana (o Moana según el país donde se estrene) en ambos grupos.

 

En el momento en que escribo estas líneas se está rodando el live-action de la primera entrega (con Dwayne Johnson poniendo cuerpo a Maui, al que hasta ahora sólo había prestado voz), de cara a un hipotético estreno para 2026, justo una década después de la llegada del film animado original, marcando récord de menor tiempo entre una versión y la otra. Y al mismo tiempo se estrena esta secuela, de la que hace apenas unos meses se supo de su existencia, ya que en principio estaba orientada a ser serie televisiva.

 

Eso se hace evidente en un producto final entretenido lo justo, pero en esencia resuelto de forma funcional, aunque dejando los flecos suficientes abiertos como para tenga una nueva entrega o bien futuro en el formato que sea (igual, entonces si, serie)

 

En esta nueva aventura la protagonista se embarcará al rescate de una mítica isla hundida por un malvado dios, que sería el nexo de conexión para poder contactar con otras tribus. En ese periplo Vaiana estará acompañada por el cerdito Pua y el atolondrado pollo HeiHei, a los que se sumarán tres personajes nuevos: un venerable granjero llamado Kele, una ansiosa diseñadora de barcos llamada Loto y un narrador de historias llamado Moni, que además es absoluto fan de Maui. Este también se sumará al grupo de exploradores comandado por Vaiana, pero lo hará ya avanzada la acción, dejando con la sensación de que se desaprovecha la química establecida entre él y la protagonista en la primera película. Y es que ninguno de los tres personajes nuevos que he mencionado tiene una especial trascendencia, siendo inevitable pensar que hubieran sido más desarrollados en la hipotética serie que era esto en inicio, pero que se quedan como meros figurantes funcionales y asépticos en la secuela que al final ha acabado siendo.

En contraste la incorporación de una simpática hermana pequeña para la protagonista, que responde al nombre de Simea, está mejor resuelto y logra provocar la ternura para la que fue creada, logrando conseguir del espectador más emociones que los nuevos miembros de esta aventura de Vaiana. Incluso la reaparición de los Kakamora, y el viraje que se les da a estos personajes (atención al denominado Kotu), deja con la sensación de quedar en un mero esbozo lo que en serie podría haber tenido un desarrollo más acorde. Asimismo a nivel musical el resultado en esta secuela también se nota inferior: las canciones de Abigail Barlow y Emily Bear son correctas, pero falta una que esté al nivel de la de How far I'll go (¿Que hay más allá? en su versión española) o el resto de las de Lin-Manuel Miranda para el film precedente. La escena entre los títulos de crédito finales sirve para dejar las puertas abiertas para más historias, pero la simple corrección del resultado final de esta secuela no levanta de momento la ansiedad por verlas.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de noviembre de 2024.
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