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sábado, 11 de enero de 2025

EN ALGÚN RINCÓN DEL TIEMPO / EN ALGÚN LUGAR DEL TIEMPO

EN ALGÚN RINCÓN DEL TIEMPO / EN ALGÚN LUGAR DEL TIEMPO

Hay autores a los que uno tiene en cierta manera "encasillados" en el género por el que han triunfado. Un ejemplo muy evidente sería Stephen King, mucho más conocido por sus novelas de terror que por otros géneros donde ha demostrado su solvencia, y eso mismo me pasaba a mi con Richard Matheson, emblemático responsable de obras maestras literarias como El increíble hombre menguante, La casa infernal o Soy Leyenda, títulos tan destacables como Más allá de los sueños y del que también me he leído recopilatorios de varios relatos fantásticos como Nacido de hombre y mujer y otros relatos espeluznantes y Pesadilla a 20.000 pies y otros relatos insólitos y terroríficos. Pero más allá del fantástico (aunque en este caso lo toque tangencialmente) tiene obras que tenía pendientes de descubrir, como me ha pasado con En algún rincón del tiempo, novela romántica con viaje temporal por la que su responsable ganó el Premio Mundial de Fantasía en 1976, por encima incluso del antes citado Stephen King, nominado por Salem's Lot.

En esta En algún rincón del tiempo, con prólogo y epílogo de Robert Collier, hermano de un guionista de televisión llamado Richard Collier, se narra los textos póstumos de este último, fallecido por una enfermedad incurable. Dividida la historia en dos partes muy bien diferenciadas, en la primera Richard Collier narra su desazón al saber que le queda poco de vida, y como en un peregrinaje sin destino claro va a parar a un hotel en el que ve la foto de la actriz teatral Elise McKenna, de la que se queda perdidamente enamorado. El problema radica en que esa imagen es de 75 años en el pasado (la acción en el presente está fechada en 1971), pero la pasión del protagonista es tan fuerte que conseguirá retroceder en la corriente del tiempo e intentar conquistar a su amada, si bien el destino será inapelable. Al final se plantea la duda de si dicho periplo temporal fue real o no a tenor de las circunstancias, si bien los datos cronológicos llevan a pensar que algo debió de haber, dejando que el lector interprete lo que quiera.

En este caso si que tengo que admitir que no me ha parecido una historia tan redonda como otras obras de Matheson, ya que lo que cuenta, aún siendo entretenido, tiende hacia la reiteración, sobretodo en lo referente a la pasión desbocada de Richard hacia Elise, que en algunos momentos roza la frontera de la cursilería y lo ñoño. Esta novela tuvo una adaptación cinematográfica en 1980, dirigida por Jeannot Szwarc y protagonizada por Christopher Reeve (el inolvidable Superman), Jane Seymour y Christopher Plummer, que he aprovechado para ver por primera vez para completar esta reseña. Dicho film se toma algunas licencias respecto a la obra, cambiando o modificando algunos detalles (como por ejemplo la ausencia del problema de salud de su protagonista), si bien se decanta por el romanticismo más bucólico y almibarado, hasta que ocurre el giro melodramático de su último tramo, que en la película sucede de manera más traumática, coincidiendo con la novela en el final poético en torno al destino de la pareja principal.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5) tanto la novela como la película

lunes, 30 de diciembre de 2024

HERETIC (HEREJE), cuestiona tu fe, cuestiónalo todo (crítica sin spoilers)

No dudo de la capacidad de algunos actores y actrices para demostrar su versatilidad más allá de su "zona de confort", cuyo significado se refiere al género o al personaje en el que han quedado encasillados. Se pueden dar muchos ejemplos de esa asociación que el público tiene en mente, como Meg Ryan con el género de la comedia romántica, Harrison Ford siendo siempre el héroe (galáctico o aventurero), o que uno siempre lleve ligada la imagen de Arnold Schwarzenegger como Terminator o Conan, o la de Sylvester Stallone como Rocky o Rambo (aunque ya digo que hay muchos más ejemplos)

En el caso del protagonista de esta película, Hugh Grant, siempre se le ha recordado por la comedia romántica, género en el que triunfó hace ya tres décadas con Cuatro bodas y un funeral, y en el que ha conseguido sus mayores éxitos como Love Actually, Notthing Hill o El diario de Bridget Jones entre otras (porque la lista es extensa) 
 
Con ese "encasillamiento" a un género (en este caso el de la comedia, en cualquiera de sus múltiples variantes) el gran público no sabe verlo fuera del mismo, y es una lástima, porque se puede perder gratas sorpresas como esta Heretic (Hereje), en la que su personaje, el señor Reed, es posiblemente uno de los tipos más inquietantes que he visto en una pantalla en mucho tiempo. Igualmente estamos ante una película de la que es mejor saber lo mínimo antes de verla, para así dejarse llevar con acierto por su relato de suspense.
 
Dirigida por Scott Beck y Bryan Woods (entre cuyos créditos figuran ser coguionistas de las entregas hasta la fecha de la saga Un lugar tranquilo, iniciada por John Krasinski), la película comienza con una conversación sobre porno entre dos muchachas, lo cual no tendría nada de especial si no fuera porque se trata de dos devotas fieles de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (o de una forma más común, que profesan la religión mormona) Pronto queda claro que se ajustan a normas más bien poco flexibles, y que tienen que dedicar parte de su tiempo a sumar nuevos fieles (como por ejemplo hacían hace tiempo, yendo de puerta a puerta, los Testigos de Jehová), por lo que poco después vemos a ambas chicas (la hermana Paxton, a la que va vida la actriz Chloe East, y la hermana Barnes, encarnada por Sophie Thatcher) llamando a la puerta del señor Reed (Hugh Grant), un vecino que ha solicitado información sobre el mormonismo, dejando entrever que su interés es genuino para que ambas crucen el umbral y entren en su casa.

Dejemos una cosa bien clara, aunque en algunos sectores se venda el presente film como terror, sería más bien un thriller de suspense e intriga, que se sustenta en su primer tramo por el diálogo que se establece entre el Sr.Reed y las dos hermanas mormonas. De antemano sabemos que el personaje de Hugh Grant no es tan bueno e inocente como nos quiere hacer ver, pero ahí se demuestra la solvencia de su protagonista, que juega con los estereotipos que le han caracterizado como actor para perfilar a su personaje, e intentar engatusar a sus potenciales víctimas, aunque no pasará mucho rato hasta que ambas chicas se percaten de que ahí pasa algo raro. A partir de ahí se establece un juego del gato y el ratón, en el que las dos jóvenes mormonas verán temblar los cimientos de su propia fe ante una conversación cada vez más tensa, y en donde el espectador aguanta la tremenda intriga de no saber que pasará ni cuando (hay cierto momento curioso, en el que se compara un popular juego de mesa, cierto tipo de música y las religiones)
 
Incluso cuando las palabras dejan paso a los hechos (a partir de la elección de las puertas) la película sigue aumentando la tensión con acierto, ahora con características (la oscuridad) y dentro de escenarios (el sótano) más comunes en el género. Se intenta establecer, de manera forzada para las dos muchachas, una prueba de fe en ciertas condiciones que prueben los argumentos del personaje de Hugh Grant, logrando establecer cierto poso de duda sobre si, aún en las circunstancias en las que sucede todo, no habrá algo de verdad en lo que defiende. Sería cuando se dan las explicaciones sobre lo sucedido cuando esta película, aún logrando haber mantenido el interés durante todo momento, hará que algunos espectadores se quejen ante lo inverosímil de ciertos detalles con los que se intenta (otra cosa es que se logre) dejar todo aclarado. Pero sería algo perdonable a tenor del buen rato de suspense e intriga que hemos tenido con un Hugh Grant que se nota que disfrutó con el papel, sin olvidarnos de las dos jóvenes actrices que encarnan a sus potenciales víctimas. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero de 2025.
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miércoles, 18 de diciembre de 2024

SONIC 3: LA PELÍCULA, frenético entretenimiento (crítica sin spoilers)

Los videojuegos también generan sus franquicias, pero hasta hace poco parecía que no lograban traspasar su esencia a las adaptaciones que se hacían de ellos. Pero en los últimos tiempos ha habido algunos ejemplos destacados, y resulta un tanto curioso que uno de ellos sea Sonic, la saga del famoso erizo azul de Sega, que con esta ya llega a su tercera entrega. Y digo eso porque en un inicio las críticas al aspecto que iba a tener el protagonista fueron tan tremendas que se modificó del todo por temor al fracaso, con lo cual dejó satisfecho a su público potencial para que con esta se haya completado trilogía en un plazo de poco menos de cinco años desde el primer film. Como curiosidad cabe recordar que esa versión rechazada de Sonic tuvo un irónico cameo referencial en la muy recomendable Chip y Chop: Los guardianes rescatadores.

Cabe indicar que en el pase al que acudí pude ver la versión original con subtítulos de esta película, por lo que disfruté de las voces originales tanto de Idris Elba (repitiendo como Knuckles) como de Keanu Reeves (este estrenándose como Shadow, el villano a combatir en esta tercera entrega), a los que añadir Ben Schwartz (que vuelve a prestar voz a Sonic) y Colleen O'Shaughnessey (que hace lo propio con Tails), siendo sin duda los mejores del reparto. Eso se debe a que los humanos de nuevo son la parte más floja del film, ya que ni James Marsden ni Tika Sumpter no dejan de ser más que mero relleno, el fichaje de Krysten Ritter (la protagonista de Jessica Jones) otro tanto, mientras que Jim Carrey por partida doble se desmadra.

Ojo que con eso tampoco quiero decir que la película sea mala, al contrario: sabe cual es su público potencial y lo da TODO para que quede lo más satisfecho posible. Ya desde buen principio la historia toma un ritmo vertiginoso, que continuará así durante casi todo su metraje, lo que puede llevar a pensar si la narrativa quizás está algo desmadrada, aunque en esencia resulte funcional y coherente con lo ya visto en las dos entregas previas. Sería quizás por parte de los dos personajes a los que encarna Jim Carrey (Ivo Robotnik y su abuelo Gerald) donde puede dar esa imagen de exceso histriónico, aunque no deja de ser coherente al abuso gesticulante que ha caracterizado al citado actor, lo que le granjeo tantos seguidores como detractores en su etapa de mayor fama y éxitos de taquilla. En este caso ha sido el propio Carrey quien ha admitido que abandonó su retiro (que anunció en 2022) para unirse a esta tercera entrega por dinero, y cumple con creces en cuanto a todo tipo de extravagantes bufonadas, ofreciendo justo lo que esperan de él.
 
Pero lo mejor sigue siendo (y así se demuestra con creces) las criaturas que pueblan esta cinta: desde el equipo principal formado por Sonic, Tails y Knuckles hasta la contrapartida que encuentran en Shadow, haciendo todos los intérpretes que he citado al inicio de esta crítica una buena labor, especialmente destacable en el caso del villano al que pone voz Keanu Reeves, cuyo tono puede recordar al empleado por el citado actor en la saga John Wick (los motivos por los que busca la venganza Shadow pueden ser más genéricos y previsibles, aunque resultan adecuados para perfilar al personaje) Como en anteriores entregas, supongo que tendrá multitud de referencias a los que conozcan los videojuegos de los que parte, pero lo que me sorprendió en su tramo final es lo mucho que recuerda a Dragon Ball. En resumen digamos que Sonic 3 es lo que es, y nunca aspira a otra cosa que no sea ofrecer un frenético entretenimiento con dos escenas en los créditos (enmedio y al final) que dan pistas de lo que puede llegar en una hipotética cuarta película.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre de 2024.
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martes, 17 de diciembre de 2024

MUFASA: EL REY LEÓN, precuela y secuela leonina (crítica sin spoilers)

Poderoso caballero es don dinero, y en Disney han visto un filón con sus live-action de su amplia cartera de clásicos animados, por lo que llevan unos cuantos años estrenando tantos que incluso con Vaiana marcarán el récord de que tan solo separen 10 años del film original a su nueva versión. Pero en este caso se trata de El rey león, que con motivo de su 25 aniversario tuvo su correspondiente adaptación, y la misma tuvo TANTO éxito (más de 1100 millones de dólares a nivel mundial; la animada de 1994 logró más de 550 millones de dólares a nivel mundial), que no se dudó mucho a la hora de dar luz verde a una secuela, que en este caso es precuela ya que se centra en la vida de Mufasa, el padre de Simba y futuro rey león.

Podríamos decir que la película de 2019 se nutrió mucho de un público nostálgico que quería redescubrir el clásico animado que vieron siendo pequeños; pero también es bien cierto que el formato utilizado de animación hiperrealista chocaba con el de la animación clásica de la cinta de 1994, por lo que aunque era todo un espectáculo visual, en esencia perdía la expresividad y el carisma del film original. 
 
A eso se sumaba el hecho de ser en esencia LA MISMA HISTORIA, por lo que más allá de esa novedad visual, en la argumental nos estaban contando lo mismo. Por eso me interesó esta precuela, ya que tocaba un tema hasta ahora no abordado ni en la película original, ni en su versión de 2019 ni tampoco (al menos que me conste) en sus secuelas y variantes en animación clásica tanto para formato doméstico (VHS allá por los noventa) como para canales Disney o su plataforma (varias series orientadas al público infantil) Esta precuela tenía que haberse estrenado este pasado verano, pero la huelga que hubo en Hollywood el año pasado (y que llevó a varios reajustes en fechas de estreno en multitud de films) llevó a que esta Mufasa: El rey león se retrasara hasta finales de 2024, para así no perder la coincidencia con el 30 aniversario de la película original; cediendo Jon Favreau la silla de director en Barry Jenkins.
 
A nivel emocional esta precuela comienza ya tocando el corazón del público, porque se recuerda al fallecido James Earl Jones, que le puso voz a Mufasa tanto en la cinta animada original de 1994 como en su remake de 2019 (aquí en España fue Constantino Romero en el primer caso y Pedro Tena en el segundo) A partir de ahí comienza una película que funciona como secuela y precuela al mismo tiempo (aunque prevalece lo segundo) ya que se nos presenta a Kiara, la hija de Simba y Nala (por lo que dicho preludio actuaría como secuela de El rey león), aunque pronto se retrocede ya que la joven Kiara, al tener que ausentarse sus progenitores, queda bajo el cuidado de Timón y Pumba (meros alivios cómicos cuya función en este film es algo irregular, aunque con algún momento de gracia) así como Rafiki, aprovechando este último para contarle a la joven Kiara una historia de su abuelo Mufasa antes de que se convirtiera en rey. Esa visión del pasado servirá para conocer ciertos detalles y relaciones entre personajes hasta ahora desconocidos.
 
Si bien la cinta de 2019 recibió críticas en relación a que su fotorealismo casi de documental le hacía perder puntos frente a la candidez de la animación clásica, en esta precuela se mantiene el tono pero con ciertos matices, ya que se permite una cierta expresividad en los animales, siempre intentando no ser demasiado chocante respecto al estilo del conjunto. En cuanto al apartado musical, las canciones de Lin-Manuel Miranda son todas bastante acertadas, pero creo que no llegan al nivel de la banda sonora original de Hans Zimmer y Elton John, ya que no encontré ningún tema que se pueda hacer tan mítico como los de aquella. Además el hecho de ser precuela puede llevar, pese a estar bien desarrollada, a que se haga previsible como acabará la shakesperiana relación entre Mufasa y Taka, aunque varios incisos durante todo el metraje ya sugieran en quien acabará convirtiéndose este último. En resumen Mufasa resulta correcta (pese a que uno se quede con las ganas de ver esto en animación tradicional), ampliando las posibilidades de esta franquicia.  

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de diciembre de 2024.
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jueves, 12 de diciembre de 2024

KRAVEN THE HUNTER, el Sonyverso arácnido sin araña acaba aquí

Por aquello de ser los que tienen los derechos sobre todo lo que tiene que ver con Spider-Man, desde Sony debieron de pensar que había que arriesgarse, y cual si fuera esto una ruleta, se puede decir que han apostado todo este 2024 a la araña... sin araña. En ese particular universo paralelo donde florecen todo tipo de personajes relacionados con Spider-Man, han decidido que en el presente año no llegaran ni una ni dos, sino hasta tres películas (las últimas porque cierran ese cosmos arácnido alternativo; ahora Sony se centrará en Spider-Man 4, Beyond the Spider-verse y la serie Spider-Man noir)

Cuando incluso la propia Marvel decidió no abusar, y estrenar este año tan solo un film de su universo (la exitosa Deadpool y Lobezno), en el otro lado ha sido el turno de Madame Web, Venom: El último baile y esta Kraven the hunter. La primera de ellas, que llegó en febrero, se dio de bruces con la taquilla y con la crítica (aunque a mi se me hizo tolerable), mientras que la de Venom siguió en los decepcionantes cauces con los que ya comenzó esa trilogía, siendo la menos taquillera de todas. Este trio tan particular se completa con Kraven the hunter, que en inicio se tenía que haber estrenado a principios de 2023, luego se retrasó hasta octubre del mismo año, tras un tráiler que levantó suspicacias paso a verano del 2024, y de allí al (ahora sí) definitivo estreno en temporada navideña.

¿De verdad es Kraven un personaje lo suficientemente solvente como para erigir una película a su alrededor? En los cómics se presentó en el número 15 de The Amazing Spider-Man en agosto de 1964, pero siempre fue un villano algo risible hasta que consiguió el suficiente prestigio en 1987 con La última cacería de Kraven, obra de J.M.DeMatteis, Mike Zeck y Bob McLeod, que para muchos es la mejor historia del arácnido de Marvel. De nombre original Sergei Kravinoff, se trata de un cazador de origen ruso, y obsesionado con ser el mejor en su labor, cuyo hermanastro es otro villano habitual de Spider-Man (Camaleón), y que fue uno de los miembros fundadores de Los Seis Siniestros (junto con Mysterio, Electro, Buitre, Hombre de Arena y Doctor Octopus, este último como líder) Nunca visto hasta ahora en la gran pantalla, en este film le da vida el actor Aaron Taylor-Johnson, conocido por otras adaptaciones de cómics tales como Kick-Ass (y su secuela) o Vengadores: La era de Ultrón (encarnando al hermano de la Bruja Escarlata)

Intentando ser ecuánime, esta cinta está siendo apaleada por la crítica y creo que es algo injusto ya que aunque no sea una buena película (de hecho ¿alguna del universo arácnido sin araña de Sony lo ha sido? Todas han tenido sus carencias y más bien pocas virtudes), admito que Kraven the hunter me ha entretenido como el simple producto de serie B que es, y que nunca pretende esconder. Con ciertos retoques uno podría pensar que está viendo una cinta de acción de las de antaño, donde no era difícil imaginar a personajes cortados a la medida de actores como Van-Damme o cualquier otro que pudiera enfundarse las pieles de esta especie de Tarzán con poderes. De hecho un detalle que levantó suspicacias en el tráiler era si conseguía sus poderes por la sangre de un león radioactivo (sarcasmo por la araña radioactiva que le dio sus habilidades a Peter Parker) PERO queda claro y resulta coherente que eso sucede aquí por una fórmula ancestral que bien podría ser una variante o sucedáneo del suero del supersoldado del Capitán América.

Supongo que en parte de mi magnánima valoración también influye que su protagonista, el actor Aaron Taylor-Johnson, siempre me ha resultado correcto en todas las películas que he visto de él, y como su nombre es uno de los que se sugiere como próximo James Bond en lugar de Daniel Craig, un film de este estilo sirve para mostrar que tiene las condiciones físicas adecuadas por si tuviera que ocupar dicho puesto. Pero eso no lo sería todo, y también debo admitir que su Kraven consigue ser tan arrogante y pretencioso como ha sido muchas veces el personaje en las viñetas, a lo que sumar que su pasado más o menos trágico resulta un acertado aliciente con el que logré empatizar. Tras un prólogo de ocho minutos que se distribuyó por internet antes de su estreno (cual si fuera una variante de la franquicia de 007 desde otra perspectiva), la historia nos narra el origen del personaje: Sergei y su hermano Dimitri (otro futuro villano arácnido, el Camaleón) viven bajo la opresiva sombra de su padre Nikolai Kravinoff (encarnado por un adecuado Russell Crowe)

El progenitor de los dos muchachos (que en cierto momento deja claro que no comparten la misma madre, coincidiendo con el origen de ambos en los cómics) es un gánster ruso que quiere imponer su ferocidad a sus hijos, haciéndolos partícipes de su afición por la caza, y señalando a Sergei como su sucesor. Eso se tuerce cuando un accidente lleve al borde la muerte al joven Kraven, que volverá renacido (y huirá del control paterno) gracias a una bebida ancestral que le dará Calypso, a la que años después encontrará, encarnada por Ariana DeBose (vista por ejemplo en el West Side Story de Spielberg, pero cuya presencia aquí es meramente secundaria) Ya entonces queda claro que Kraven es una especie de salvaje justiciero, que se les tendrá que ver con Aleksei Sytsevich como villano principal de esta película, un mafioso rival de Kravinoff al que Miles Warren (otro científico y villano del universo arácnido) le ha curado de una misteriosa patología haciendo que se transforme en una especie de rinoceronte humano, al que apodan Rino.

En resumidas cuentas Kraven the hunter cierra el Sonyverso arácnido sin araña que quizás nunca debió existir, pero lo hace con otra película de serie B (como en esencia lo han sido todas las realizadas en dicho grupo) que desmerece si se la compara con lo que se hace en el género hoy en día, pero que asumida como "placer culpable" puede lograr un rato de entretenimiento siempre que se valore cual si fuera una película realizada a principios de los 2000. Es evidente que tiene detalles criticables (no solo en su condición de película, sino como adaptación de algunos de los personajes que pululan por ella, por ejemplo Calypso), pero mentiría si dijera que no me entretuvo. Como curiosidad decir que NO tiene escenas tras los créditos y que esta sería la segunda adaptación del Rino, que ya apareció como villano secundario en The Amazing Spider-Man 2, si bien ni entonces ni aquí se puede decir que sea una adaptación muy canónica, aunque en este caso se parezca algo más (si bien de forma algo grotesca) al personaje de las viñetas

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de diciembre de 2024.
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viernes, 6 de diciembre de 2024

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA GUERRA DE LOS ROHIRRIM, crítica

Hay ocasiones, y pienso que sobretodo en la infancia y adolescencia, en que según lo que veamos, esa película o serie puede trascender a más de lo que es, logrando que la vivamos y la sintamos como algo personal. Por ejemplo eso me pasó la primera vez que vi el Titanic de James Cameron, y otro tanto me sucedió también con El Señor de los Anillos: La comunidad del anillo (que además fue, como curiosidad del todo personal, la última película que pagué en pesetas, antes de la entrada del euro) Recuerdo que al final de la película de 2001 salí flipando del cine, ansioso por que pasará un año y llegara la secuela, aunque tanto Las Dos Torres como El retorno del Rey no me entusiasmaron al nivel de la primera, si bien me gustaron mucho.

Esa trascendencia de la trilogía original dirigida por Peter Jackson no logró repetirla ni él mismo en su inflada adaptación de El Hobbit, que debió de ser una sola película de tres horas de duración en lugar de tres películas de dilatado metraje. Pese a todo fue una trilogía precuela que volvió a ser todo un gran acierto en el apartado visual, aunque en lo argumental no dejara para el recuerdo unos personajes tan carismáticos como los de las primeras tres películas. Tras unos años en reposo, la franquicia llegó a televisión con la serie Los anillos de poder, de la cual su primera temporada lucía en lo visual, pero me dejó frio en cuanto a lo argumental (de ahí que no viera la segunda temporada), para ahora volver a saltar al cine con La guerra de los Rohirrim, que además sería el primer anime del universo literario de Tolkien.

En este caso de nuevo estamos ante una precuela, ya que la acción se sitúa 183 años antes de los hechos narrados en la trilogía cinematográfica original, pero su concepción como anime levantó suspicacias entre los fans más fieles al mundo de Tolkien, al igual que sucedió con la serie televisiva citada de Los anillos de poder. En mi caso puede sonar quizás como una herejía hacia el mencionado autor, pero cuando entre 2001 y 2003 disfruté con los primeros films de Peter Jackson, intenté leer por curiosidad la obra adaptada, y se me hizo una lectura tan farragosa que me dejó claro que el universo literario de Tolkien no era para mí. Por ello no soy purista y he valorado cada nueva entrega de El señor de los anillos en función de su concepción y desarrollo más que de su posible mayor o menor fidelidad como adaptación, por lo que cuando se anunció esta coproducción entre Warner Bros y New Line Cinema admito que despertó mi curiosidad por el formato escogido, pese a que se tome sus licencias sobre los apéndices de El señor de los anillos que adapta.

La más palpable de dichas "modificaciones" está en la propia protagonista: Hera es una princesa que en la obra de Tolkien es un personaje apenas mencionado como hija de Helm Mano Martillo, el rey de Rohan, pero sobre la que en este caso se sustenta toda la película. Algunos la han comparado con La Princesa Mononoke de Hayao Miyazaki (que no te digo yo que no), pero a mi me recordó más a Mérida, la también pelirroja protagonista de Brave (Indomable) de Disney y Pixar. En ambos casos son impulsivas, valientes e independientes, si bien en este caso se hubiera agradecido algún matiz más sobre una protagonista que me acabó resultando un tanto maniquea, por más que sea un nuevo ejemplo de ese empoderamiento femenino, ahora más visible. Ojo que lo mismo se puede decir por el otro lado: el en inicio pretendiente rechazado, y luego villano despiadado que es Wulf representaría justo todo lo contrario, no hay más matices en su personaje que cumplir con su venganza y limpiar su honor por la afrenta sufrida al inicio del presente film.

En ambos casos son los personajes que más prevalecen en esta historia, a los que se añadiría el rey Helm Mano Martillo, al que en su versión original le pone voz Brian Cox, ya que el resto tan solo cumplen su función con corrección, pero sin levantar la empatía del espectador. Justo en el tema del reparto vocal también hay que citar a Miranda Otto que vuelve a ser Éowyn... aunque nunca pasa de mera narradora a la que en ningún momento se cita, con lo cual podría haber sido cualquiera. Otro tanto para Christopher Lee como Saruman, porque aunque el actor lleve muerto desde 2015 pone su voz original (y no mediante inteligencia artificial) de unas líneas de diálogo grabadas para la trilogía de El Hobbit... aunque lo usado en este film no va más allá de una simple frase. Con un estilo de animación que funciona bien para las pretensiones del conjunto, estamos ante una película correcta pese a ciertos altibajos en su desarrollo, aunque quizás algo deudora de lo que la antecede, con pinceladas intensas (sobretodo en su último tramo) para que lo recordemos.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de diciembre de 2024.
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miércoles, 27 de noviembre de 2024

VAIANA 2 (MOANA 2), la funcional secuela que pudo haber sido serie

Que Disney es un mastodonte del entretenimiento es algo indudable, y sobretodo desde que aparte de su propia marca (y la colateral Pixar) se adueñó de Marvel y Star Wars, pero igual están tentando un poco a la suerte, y al final el público puede darles la espalda (cosa que ya ha pasado en algunos proyectos), aunque luego a nivel más general. Esto viene a colación por su actual política de masivas versiones en acción real (live-action) de la gran mayoría de sus películas de animación, y por secuelas apañadas en pocos meses para ser películas, cuando su origen inicial era haber sido serie de televisión, estando Vaiana (o Moana según el país donde se estrene) en ambos grupos.
 
En el momento en que escribo estas líneas se está rodando el live-action de la primera entrega (con Dwayne Johnson poniendo cuerpo a Maui, al que hasta ahora sólo había prestado voz), de cara a un hipotético estreno para 2026, justo una década después de la llegada del film animado original, marcando récord de menor tiempo entre una versión y la otra. Y al mismo tiempo se estrena esta secuela, de la que hace apenas unos meses se supo de su existencia, ya que en principio estaba orientada a ser serie televisiva.
 
Eso se hace evidente en un producto final entretenido lo justo, pero en esencia resuelto de forma funcional, aunque dejando los flecos suficientes abiertos como para tenga una nueva entrega o bien futuro en el formato que sea (igual, entonces si, serie)
 
En esta nueva aventura la protagonista se embarcará al rescate de una mítica isla hundida por un malvado dios, que sería el nexo de conexión para poder contactar con otras tribus. En ese periplo Vaiana estará acompañada por el cerdito Pua y el atolondrado pollo HeiHei, a los que se sumarán tres personajes nuevos: un venerable granjero llamado Kele, una ansiosa diseñadora de barcos llamada Loto y un narrador de historias llamado Moni, que además es absoluto fan de Maui. Este también se sumará al grupo de exploradores comandado por Vaiana, pero lo hará ya avanzada la acción, dejando con la sensación de que se desaprovecha la química establecida entre él y la protagonista en la primera película. Y es que ninguno de los tres personajes nuevos que he mencionado tiene una especial trascendencia, siendo inevitable pensar que hubieran sido más desarrollados en la hipotética serie que era esto en inicio, pero que se quedan como meros figurantes funcionales y asépticos en la secuela que al final ha acabado siendo.

En contraste la incorporación de una simpática hermana pequeña para la protagonista, que responde al nombre de Simea, está mejor resuelto y logra provocar la ternura para la que fue creada, logrando conseguir del espectador más emociones que los nuevos miembros de esta aventura de Vaiana. Incluso la reaparición de los Kakamora, y el viraje que se les da a estos personajes (atención al denominado Kotu), deja con la sensación de quedar en un mero esbozo lo que en serie podría haber tenido un desarrollo más acorde. Asimismo a nivel musical el resultado en esta secuela también se nota inferior: las canciones de Abigail Barlow y Emily Bear son correctas, pero falta una que esté al nivel de la de How far I'll go (¿Que hay más allá? en su versión española) o el resto de las de Lin-Manuel Miranda para el film precedente. La escena entre los títulos de crédito finales sirve para dejar las puertas abiertas para más historias, pero la simple corrección del resultado final de esta secuela no levanta de momento la ansiedad por verlas.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de noviembre de 2024.
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sábado, 23 de noviembre de 2024

WICKED, un musical portentoso visualmente (crítica sin spoilers)

El mago de Oz es un clásico de la literatura infantil, con la que su autor L.Frank Braum inició una lucrativa saga con multitud de secuelas. En mi caso mi experiencia con la historia se ciñe tan solo a una adaptación en cómic (con los lápices de Skottie Young) editado por Panini dentro del sello Clásicos Marvel Ilustrados, y otra adaptación, en ese caso de la editorial Edelvives, con ilustraciones de Benjamin Lacombe, a lo que añadir la película precuela que hizo Sam Raimi en 2013 (Oz, un mundo de fantasía) y por supuesto el gran clásico cinematográfico de 1939, que sigue siendo todo un prodigio de imaginación teniendo en cuenta los escuetos medios de los que se disponía por entonces para recrear la magia de la historia original.

En este caso esta Wicked se supone que parte de la novela escrita por Gregory Maguire en 1995 y que lleva por título Wicked: Memorias de una bruja mala, que admito no haber leído en el momento de escribir estas líneas. Dicho libro tuvo el éxito suficiente para tener tres secuelas literarias: Hijo de bruja, Un león entre hombres y Fuera de Oz, formando los cuatro libros la saga The Wicked years. Pero dicha novela inspiró un bastante exitoso musical de Broadway de idéntico título, con canciones de Stephen Schwartz, y cuyo fulgurante éxito tanto a nivel de crítica como de público ha promovido la gestación de esta adaptación cinematográfica dividida en dos películas (se supone que una por cada acto del musical), de la que esta es la primera parte y en noviembre del 2025 llegará la segunda.

Con la experiencia personal que he citado, y sin saber nada más de Wicked que el hecho de estar basado en un musical, la verdad es que estamos ante un film apabullante, que no me extrañaría nada que arrasara en las categorías técnicas de la próxima temporada de premios, ya que en cuanto a decorados y efectos visuales es sin duda alguna un espectáculo digno de verse en una sala de cine. Y es que se han volcado en esta adaptación para mostrarnos el mágico mundo de Oz en todo su esplendor, como Peter Jackson hizo lo propio con la Tierra Media en sus películas basadas en textos de Tolkien, por lo que por ese lado sin duda alguna tiene la partida ganada. ¿Cual es el problema? En mi caso tengo que admitir que el film se me ha hecho largo: 2 horas y 41 minutos me han resultado excesivos, dándome la sensación de que con un mejor montaje hubiera sido más concisa, ya que en esencia lo que cuenta se podría haber desarrollado en menos tiempo (a lo que sumar el metraje probablemente similar que tenga la segunda parte el próximo año)

Sin revelar spoilers, digamos que esta historia nos viene a narrar como la Bruja Mala del relato clásico igual no era tan mala, sino más bien incomprendida por su condición (es decir, la enésima defensa en contra de prejuzgar a las personas por su raza, sexo, credo o condición), mientras que la Bruja Buena sería más bien una persona pretenciosa, superficial y pija en exceso. Ambos personajes se conocen cuando ingresan en la universidad Shiz (que vendría a ser algo así como el Hogwarts de la saga Harry Potter), donde en principio sus caracteres chocarán, pero al final lograrán entablar amistad. Las dos actrices se ajustan de forma adecuada a sus personajes, ya que Cynthia Erivo logra que su Elphaba (futura Bruja Mala) consiga la empatía del espectador, mientras que Ariana Grande hace de Glinda (su contrapartida) digno objetivo de todos los adjetivos que antes le he citado. El corte de esta primera parte nos deja en lo más interesante, cuando ya todo parece derivar hacia los derroteros que conocemos de la historia clásica.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de noviembre de 2024.
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lunes, 18 de noviembre de 2024

BABYGIRL, drama erótico con NICOLE KIDMAN y ANTONIO BANDERAS

Hubo una época, entre finales de la década de los ochenta y parte de los noventa, en que proliferaron muchos films en cartelera con alto contenido sexual: por citar tan solo unos pocos ejemplos ahí están Atracción fatal (y por extensión, cierta parte de la filmografía de su director, Adrian Lyne), Instinto básico (un thriller emblemático que encumbró y encasilló a Sharon Stone en otras cintas con contenido erótico) o Showgirls (de Paul Verhoeven, mismo director que Instinto básico, y que aunque fue vilipendiada en su momento, en los últimos tiempos está viviendo una cierta reivindicación por parte de algunos sectores) En fechas recientes se intentó volver a un estilo similar de erotismo "soft" con la adaptación de la trilogía 50 sombras de Grey, pero el resultado no fue satisfactorio (valga la ironía del adjetivo), y al menos en mi caso no pasé de la primera entrega.

Se podría decir que en su mayoría, ese tipo de títulos ofrecían un sexo pasado por el tamiz del glamour del cine, y no nos vamos a engañar: Babygirl sigue en esta misma tónica, pero lo curioso es que lo enfoca desde la parte contraría. Con esto me vengo a referir a que mientras ese tipo de películas buscan la complacencia, en especial del público masculino, el presente film da el mismo resultado pero desde el punto de vista de lo que de verdad desea la mujer (o en este caso Romy, la ejecutiva protagonista, encarnada con eficacia y solvencia por una Nicole Kidman que repite en un género que ya tocó hace 25 años con Eyes wide shut, la obra póstuma de Stanley Kubrick

La sexualidad femenina siempre ha sido bastante coartada y reprimida, y de hecho una transgresión sobre esos esquemas era parte de lo que planteaba Pobres criaturas de Yorgos Lanthimos, optando la directora holandesa Halina Reijn en esta Babygirl por unos derroteros similares, que ya resultan claros en sus dos primeras escenas. Lo primero que se ve es al personaje de Nicole Kidman practicando sexo con Jacob, su marido en la ficción, encarnado por un bastante adecuado Antonio Banderas. Pero tras lo que uno supondría la culminación de dicho acto, ella ha quedado insatisfecha y necesita escapar a hurtadillas del lecho conyugal para ver porno en el que una mujer es sometida por un hombre, masturbándose con eso y logrando así el orgasmo que no había conseguido antes. Justo ahí ya queda claro que la protagonista es una mujer un tanto insatisfecha, que desea desatar sus fantasías más ocultas (practicar sexo tomando un rol sumiso y siendo dominada), pero que se ve reprimida por su condición de madre y su estatus social.

Y es que justo después nos muestran que Romy, el personaje de Kidman, es una ejecutiva que ostenta un cargo de poder en una importante empresa de robótica (es decir, que ella ostenta el mando cuando en si lo que le gustaría es justo lo contrario, ser mandada) La cosa cambia cuando conoce al joven Samuel (encarnado por el actor Harris Dickinson, visto en la precuela de Kingsman), un becario en su empresa cuyo talante algo insolente y atrevido le llamará mucho la atención, estableciéndose una curiosa disyuntiva en el hecho de que ella mande jerárquicamente sobre él, pero que en si lo que desee es ser dominada sexualmente por él. A partir de ese planteamiento se establece un triángulo sexual y sentimental entre los tres personajes principales (si bien el de Banderas queda algo secundario) en el que solo es cuestión de tiempo que al final se masque el drama, pero en el que la protagonista experimentará sus deseos más ocultos, y que al final le brindará una catarsis para no ocultar sus anhelos más íntimos.
 
Presentada en el más reciente Festival de Venecia, prestigioso certamen cinematográfico que (como tantos otros) siempre agradece la provocación que despiertan estos films donde se intenta llevar al erotismo al límite de lo permisivo, la película le hizo ganar la Copa Volpi a la mejor actuación femenina a su protagonista, una determinante Nicole Kidman que sabe que toda la película gira sobre sus hombros, llevando a cabo una actuación modélica. Se podría decir que Babygirl intenta ser transgresora en sus connotaciones eróticas, aunque al final tampoco muestre nada que no se haya visto antes, pero en lo que sin duda destaca es que aunque en esencia ofrezca lo usual en este tipo de films, no lo haga de forma tan descarada hacia la tendenciosa mirada masculina que casi siempre ha estado presente en este género, sino poniendo por bandera el deseo femenino (aunque en este caso suene más bien a fantasía machista), sustentado aquí en una curiosa paradoja de inversión de roles. Babygirl defiende el sexo consentido, pero sin barreras ni cortapisas.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de enero de 2025.
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lunes, 11 de noviembre de 2024

GLADIATOR II, tan espectacular como inverosímil (crítica sin spoilers)

Cuando en las ediciones de los Oscars de 1990 y 1992 las ganadoras fueron dos westerns (Bailando con lobos y Sin perdón), eso propició un moderado auge de dicho género que acabó de forma tan discreta como había empezado. Es por ello que me imaginaba algo similar con el peplum tras el éxito de Gladiator en 2000, que culminó ganando cinco Oscars, entre ellos el de mejor película y mejor actor (Russell Crowe), pero eso no llegó a fructificar. De todas maneras mucho se habló sobre una posible continuación para la película, si bien se topaba de morros con el hecho ineludible de que al final de la primera su protagonista moría, con lo cual ¿que enfoque le podían dar?

Demostrando que nunca es tarde para una secuela, 24 años después del film original llega esta Gladiator II, repitiendo del título precedente tan solo Connie Nielsen y Derek Jacobi (con más importancia la primera que el segundo, pero ambos en personajes secundarios), completándose el reparto con nuevos fichajes como Paul Mescal tomando el relevo de Russell Crowe, a los que sumar a Pedro Pascal (de la serie televisiva The Mandalorian y futuro Reed Richards de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos), un siempre solvente Denzel Washington, Joseph Quinn (de la serie televisiva Stranger Things, visto hace poco en Un lugar tranquilo: Día 1 y futura Antorcha Humana en el film de Los Cuatro Fantásticos antes citado) y Fred Hechinger; todos ellos bajo la dirección de un octogenario Ridley Scott que repite como responsable y sugiere ya una tercera entrega.

Curiosamente la acción no empieza en Roma, sino en Numidia, donde el protagonista vive como un alabado líder militar que intenta controlar a la apisonadora que representa el Imperio Romano, en su continuo afán de conquistar cuantos más territorios mejor. El ataque de estos, comandado por el general Marco Acacio (Pedro Pascal), lleva a que Hanno (Paul Mescal) sea hecho prisionero y jure venganza contra Acacio por la afrenta de este en combate. En una Roma cada vez más decadente debido al gobierno de los emperadores Geta y Caracalla (ambos irritantes desde la primera escena), Hanno pronto revelará sus habilidades en el Coliseo (en contiendas excesivas y espectaculares), ayudado por las gestiones del ambicioso Macrino (Denzel Washington), que enseguida ve en él a un potencial buen gladiador. Por su parte Lucila, la esposa de Marco Acacio (de nuevo interpretada por Connie Nielsen) jugará un papel importante cuando revele el secreto que enlaza el destino de Hanno con el del personaje encarnado por Russell Crowe en el film precedente.

Más allá de que para algunos la película Gladiator sea un título mítico, en mi caso me parece un entretenido peplum que, pese a recuperar dicho género al inicio del nuevo milenio, no consigue llegar al nivel de ciertos clásicos del mismo, más allá de lo loable de sus pretensiones. Lo que lo hizo emblemático son una banda sonora destacable, así como ciertas escenas y ciertas frases que ya forman parte de la historia del cine, y que por supuesto tienen su correspondiente mención en esta secuela. Vamos, que es una película amena y estimable, pero a la que tampoco hay que sobrevalorar, que sería lo mismo que se puede decir de esta, pese a que al seguir los dictámenes de toda secuela (más espectacularidad que en la entrega precedente) lleve a cabo unos combates tan vibrantes como excesivos, llevándose la palma la batalla naval con tiburones incluidos. Ojo, porque la película es todo lo épica que uno le puede pedir a un film como este, pero esa obsesión por intentar la opción más espectacular lleva a que abusando del exceso se caiga en lo inverosímil.

En cuanto al reparto, tengo que admitir cierta desproporción: mientras que el protagonista no consigue llegar al nivel de carisma de Russell Crowe en el film precedente (aunque no negaré que le pone voluntad), el dúo de villanos de Fred Hechinger y Joseph Quinn se exceden en histrionismo en su intento de llevar a cabo un enemigo a la altura del Cómodo de Joaquin Phoenix de la anterior entrega. Por su parte Pedro Pascal está correcto, aunque quizás algo desaprovechado, viniendo a repetir el esquema del general caído en desgracia que ya se vio en la cinta de 2000. Justo sería el personaje de Denzel Washington el que está interpretado con un mayor equilibrio, dotando a su Macrino de los matices necesarios para hacerlo el más interesante de esta secuela. En resumen, Gladiator II es una película que funciona de forma adecuada, logrando entretener con solvencia en sus dos horas y media de metraje, más allá de que luego el espectador evalúe lo inverosímil de muchos detalles en su búsqueda por ser cuanto más espectacular mejor.
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre de 2024.
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miércoles, 6 de noviembre de 2024

NUNCA TE SUELTES, ¿el mal nos acecha... o mamá está chiflada?

Con el aluvión de estrenos que hay uno tiene que hacer selección, por lo que en algunas ocasiones se selecciona lo que se quiere ver por los implicados en la cinta, con la esperanza de que el resultado merezca la pena. Ese ha sido el motivo de que me decantara por esta Nunca te sueltes: su director es Alexandre Aja (responsable de films como Las colinas tienen ojos, Piraña 3D, Horns o Infierno bajo el agua, todos ellos títulos más o menos acertados para entretenerse un rato) y su protagonista es Halle Berry (solvente actriz ganadora de un Oscar, y conocida por ser Tormenta en las primeras películas de los X-Men, por más que en ocasiones se haya decantado por opciones más discutibles como Catwoman, o la más reciente Moonfall)

También hay que decir que tenía curiosidad por que iba a surgir de combinar dos nombres a priori tan opuestos, ya que era difícil imaginar a una actriz como Halle Berry en un film como este, que entra dentro del género de terror psicológico en su vertiente de thriller de suspense. La premisa argumental es sencilla, pero va directa al grano: en una cabaña perdida en un bosque vive una mujer con sus dos hijos, a los que mantiene sometidos bajo unas estrictas reglas de la amenaza del Mal (así, en mayúsculas) que ha acabado con toda la humanidad. Las cuerdas tendrán una importancia simbólica en su supervivencia, como si fueran un reflejo de los lazos familiares traspasados de generación a generación que les protegen, por lo que sus dos hijos (que han vivido siempre así) lo aceptan y acatan con sumisión.
 
Si el tema se quedará en ese punto no habría entonces historia que contar, por lo que todo cambia cuando uno de los hijos de la protagonista empieza a tener dudas, ya que ese supuesto Mal del que se protegen tan solo se presenta en visiones horripilantes (de familiares muertos) a la madre. ¿Puede ser que de verdad estén asediados por las fuerzas malignas, o quizás la madre ha perdido el juicio y arrastra a sus hijos en su debacle mental? La película juega con ambas posibilidades de manera bastante acertada, y aunque se podría afirmar que tiende hacia la segunda opción (o da esa sensación), el final deja claro que la primera no queda del todo descartada, con lo cual cada espectador puede hacerse su propia versión de los hechos a partir de lo que ha visto. La soga que los ata a todos a su legado de antaño se muestra también como una losa que nos les permite avanzar, de ahí que en un momento aciago en el que la comida empieza a escasear, uno de los hijos plantee romper (tanto figurativa como literalmente) con esos lazos que le ahogan y le impiden avanzar.
 
A medida que progresivamente va creciendo la tensión, hay otro punto que (a través de lo que comentan los personajes y su forma de actuar) va abriendo una nueva pregunta: si de verdad es la madre la que está chiflada, ¿puede ser que eso sea genético y lo hayan heredado sus hijos? ¿O quizás el Mal se asoma ahora ante ellos? Más allá de que Halle Berry haga una interpretación intensa en su papel de madre (autoritaria e inflexible, pero de ninguna manera malvada), a partir de cierto momento el peso del relato recae en sus hijos, ofreciendo los jóvenes actores Percy Daggs IV y Anthony B.Jenkins una solvencia interpretativa muy destacable teniendo en cuenta su juventud. La película de Aja sirve para mostrar como en un ambiente cerrado las personas pueden ser fácilmente manipulables, sobretodo si quien ejerce el poder es alguien no del todo sensato, sea por el motivo que sea. De todas formas se le pueden achacar evidentes inconsistencias en lo planteado, pero al final deviene un entretenido film que juega con la ambigüedad de lo que les acecha
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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miércoles, 16 de octubre de 2024

SMILE 2, ríete de la fama... y morirás después (crítica sin spoilers)

Muchas veces he citado lo bastante rentable que es el terror como género, ya que con presupuestos controlados, si el film triunfa abre la veda para más entregas (de lo que pueden dar buena fe la variante del terror que es el slasher, con franquicias que se han extendido hasta el exceso) Por eso no es extraño que apenas dos años después del estreno de Smile llegue a las carteleras esta secuela, de nuevo dirigida por Parker Finn, que como es evidente deja las puertas abiertas para más, en este caso "expandiendo" el problema (no es spoiler, porque cuando acabe el film entenderéis a lo que me refiero)

La primera entrega costó apenas 17 millones de dólares, y su recaudación fue de 216 millones de dólares a nivel mundial, por lo que supongo que Smile 2 habrá tenido un presupuesto más o menos parecido. En tal caso muy mal le tendría que ir para no lograr un éxito más o menos similar, pese a tener en su base un esquema similar, sólo que cambiando los personajes (aunque el tramo inicial recupera aquí al único superviviente de la anterior entrega, si bien su destino ya quedó fijado entonces...)
 
La protagonista de esta secuela es Skye Riley (a cargo de una destacable Naomi Scott), una estrella mundial del pop que, a las puertas de una nueva gira mundial, empieza a experimentar situaciones cada vez más inquietantes y aterradoras, donde se confunde la realidad de lo que no lo es (aunque al acabar la película te das cuenta de que momentos que parecían reales claramente no lo han sido), y en la que siempre hay implicadas personas que enarbolan una sonrisa bastante macabra. De ese estilo la que probablemente sea la escena más desasosegante de todas sería aquella en la que una multitud de gente sonriente asedia a Skye donde vive (lo que parece una metáfora siniestra del peso de la fama), si bien la promoción de este film también ha destacado cuando eso lo hace el personaje encarnado por Ray Nicholson, hijo del mítico actor Jack Nicholson, y que parece haber heredado esa mirada perturbadora de su progenitor.
 
El problema más grave que puede tener esta secuela sería el de no dar más respuestas que las que ya ofreció su anterior entrega. Es cierto que cuando aparece el personaje de Morris (interpretado por el solvente Peter Jacobson) se sugiere una explicación que, relacionada con su posterior final, llevaría a esa "expansión" que he mencionado antes. Pero justo el último tramo lleva a dudar de todo lo anterior, hasta el punto de que puede que esa extraña entidad que se esconde tras esto tan solo haya estado jugando con la mente de la protagonista (hasta abocarla a la locura), y de camino el director con las expectativas de los espectadores. Es justo alabar el trabajo interpretativo de Naomi Scott, que sustenta con solvencia el peso de la historia con un personaje con un pasado trágico, que intenta redimirse y renacer como artista, pero al que el infortunado cruce con esta ¿maldición? la abocará a un destino de paulatina locura y desesperación, ante la indiferencia de los que la rodean, creyendo que simplemente está recayendo en viejos errores del pasado.
 
En resumidas cuentas Smile 2 es una destacable secuela, que reincide en el esquema básico del primer film al hacernos testigos de la paulatina caída en desgracia de su protagonista, si bien en este caso con mayores dosis de insidiosa maldad contra ella. La película acierta en cuanto a su desarrollo narrativo, así como un montaje bastante fluido, si bien su metraje quizás podría haberse quedado por debajo de las dos horas (aunque las supera por poco), y para algunos quizás abuse de los sustos. Aparte de jugar con la salud mental de su protagonista, el film también lo hace con la física, por las secuelas del accidente que la llevó a un indeseado parón en su carrera, lo que llevará en su tramo final a una escena algo grotesca, que quizás rompe de forma puntual la atmósfera más o menos inquietante mantenida hasta entonces, pero por tónica general estamos una película bastante disfrutable. Aunque siempre da más miedo el misterio que la certeza, espero que para la hipotética tercera entrega se explique un poco a que nos enfrentamos.
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de octubre de 2024.
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jueves, 3 de octubre de 2024

JOKER (2): FOLIE À DEUX, secuela por cumplir (crítica sin spoilers)

Justo cinco años después del estreno de la primera película de Joker llega su secuela, lo cual se hace evidente con la carrera que consiguió el film precedente: logró una extensa lista de nominaciones a todo tipo de premios (incluyendo once a los Oscars de aquella temporada, de los cuales ganó dos), siendo vencedora sobretodo la labor de Joaquin Phoenix encarnando al protagonista. El negocio salió redondo, porque con apenas 55 millones de dólares de presupuesto (cantidad ínfima si tenemos en cuenta que "adapta" a un personaje de cómic, siendo este tipo de cintas mucho más costosas), logró acumular en taquilla más de 1000 millones de dólares, convirtiéndose en el film con calificación R (la más restrictiva en USA) más taquillero de la historia, hasta que ese récord lo superó el estreno este pasado verano de la cinta Deadpool y Lobezno.
 
Cuando las cifras son tan apabullantes, tan solo era cuestión de tiempo que convencieran a su protagonista principal (Joaquin Phoenix) para que volviera a meterse en la piel de Arthur Fleck, al que en esta ocasión acompaña Lady Gaga encarnando a Lee Quinzel, alter-ego de Harley Quinn y pareja del Joker, y a la que hasta ahora habíamos visto en pantalla a cargo de Margot Robbie en Escuadrón Suicida, Aves de presa y El escuadrón suicida. Repite el mismo director (Todd Phillips), pero ahora con un presupuesto de 200 millones.
 
El título de esta película (Folie à Deux) hace referencia al trastorno psicopático compartido, en clara alusión a la pareja protagonista, ya que su traducción literal sería "locura de dos". Siempre asumiendo que el film precedente sería algo así como una realidad alternativa con toques al Scorsese de sus inicios (y no el origen canónico del villano tal y como se le conoce en los cómics), uno de los detalles previos que llamó la atención cuando se hizo oficial esta secuela fue la inclusión del elemento musical (algo previsible siendo cantante Lady Gaga), que a muchos no les acabó de cuadrar. 
 
El resultado final (al menos para mi) es un tanto ambiguo, porque si bien los números musicales están bien desarrollados, como es lógico suponer la mayoría de ellos ocurren en la mente del protagonista, con esa idealización que se hace de Lee Quinzel tras conocerla por mero azar en el Asilo Arkham, donde ha sido ingresado a la espera de juicio por los hechos ocurridos en el film precedente. O sea, vendrían a ser tan solo las alucinaciones de una persona enajenada, no aportando nada trascendental más allá de dar una visión de la mente enferma de Fleck.

Pero no adelantaré acontecimientos, porque hay que reconocer que esta secuela tiene un inicio realmente brillante, en un destacado homenaje a los dibujos clásicos de la Warner (productora implicada) con un corto de animación con este Joker de protagonista. A partir de ahí se abren las puertas a una secuela que serviría más bien de epílogo de la cinta anterior que como continuación de la misma, en una funcional mezcla entre géneros (carcelario, musical y judicial) que no acaba de justificar una extensa duración de 138 minutos para lo que en si nos quiere contar.

El mayor problema de esta secuela creo que se encuentra en su (me imagino) premeditada idea de ir a contracorriente de lo que uno esperaría de una secuela, haciéndola más introspectiva de lo imaginado. Quizás por perder la novedad, algo propio de toda secuela, se dedican a cumplir la papeleta con corrección, puede que con algún que otro momento en el que el nivel despunta por encima de la media, pero resultando claramente inferior a la cinta previa. Y eso no mejora cuando llegamos a un final abrupto, dejando colgado todo el legado urbano generado por Fleck.

Las conexiones más claras con el universo DC de superhéroes de donde parte son curiosamente bastante escuetas: como ya he mencionado el protagonista está en el Asilo Arkham, el fiscal que llevará su juicio es Harvey Dent (por lo demás intrascendente), e incluso el que se supone que era el otro gran atractivo novedoso de esta secuela (la Harley Quinn de Lady Gaga) vendría a ser un personaje poco desarrollado, más allá de citar algunos meros detalles que la conectan con su homónima de las viñetas (siendo una lástima porque Lee Quinzel daba para más)

Más allá de un destacable Joaquin Phoenix que repite como Arthur Fleck y su alter-ego Joker, y la citada Lady Gaga que perfila una Lee Quinzel interesante (pero luego no tan desarrollada como uno esperaría), del reparto es justo destacar a dos buenos secundarios: Brendan Gleeson interpretando a uno de los guardias de seguridad encargados del protagonista en el Asilo Arkham, y Catherine Keener en el papel de la abogada defensora de Fleck. En resumen Joker: Folie à deux es una película correcta, pero resuelta cual si fuera un mero tramite u obligación que había que cumplir.
 
CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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