COYOTE VS.ACME, justicia metareferencial (crítica sin spoilers)

Es increíble el preámbulo al presente film, y es que esta Coyote vs.Acme estaba lista para su estreno en el pasado 2023. Pero en Warner Bros., en una decisión un tanto cuestionable, se pensó que no merecía la pena que se viera en cines (ni en ninguna otra parte): iban a deshacerse de ella para deducir impuestos. No es la única que ha pasado por ese trance, pero al menos ha sido la más afortunada, al encontrar un salvador.

 

Otros títulos que no tuvieron la misma suerte fueron Scoob! Holiday Haunt y Batgirl. En el primer caso era la secuela de la película de animación ¡Scooby!; pese a estar casi completada y lista, según comentó uno de sus directores. En el segundo caso, y también casi completada, se descartó una Batgirl que tenía a Michael Keaton como Batman, tras verlo en Flash, y a Brendan Fraser encarnado al villano Luciérnaga.

 

Donde esas dos no tuvieron suerte, la misma sonrió al presente film: Ketchup Entertainment, una distribuidora independiente, compró los derechos globales de esta película por 50 millones de dólares. En la Warner pretendian una deducción fiscal de 30 millones, mientras que Ketchup ha recaudado lo que pagó por ella sólo en el mercado americano, en una batalla tipo David contra Goliat, en la que el pequeño vence al gigante.

 

Más allá de que las películas defenestradas fueran mejores o peores (admito que ¡Scooby! cuando la vi se me hizo un tanto extraña, por lo que su secuela no se que tal hubiera estado, mientras que Batgirl murió antes de nacer, porque ya se había dado carpetazo al anterior universo DC en cines, en beneficio del que inició James Gunn en 2025) quien sale perdiendo es el espectador, que se queda sin poder juzgar por si mismo.

 

Coyote vs.Acme, el origen de la película 

 

Es anecdótico pero el mencionado James Gunn es productor y coautor de la historia del presente film, junto a Jeremy Slater y Samy Burch. Pero en el origen de todo está en un artículo satírico escrito por Ian Frazier (humorista estadounidense) que se publicó en la revista The New Yorker el 26 de febrero de 1990. Escrito de forma burocrática, formal y solemne (con un riguroso lenguaje legal, cual si fuera un alegato inicial por un juicio de responsabilidad civil) un abogado ficticio llamado Harold Schoff demanda a la corporación Acme en nombre del Coyote.  

 

En el artículo dicho letrado argumenta que su cliente Wile E.Coyote demanda a Acme por varios millones de dólares en concepto de daños y perjuicios, ya que la citada corporación le ha vendido de forma sistemática productos defectuosos que le afectaron de manera física y emocional. Enumerando muchos ejemplos se argumenta que dichos problemas no vienen de la torpeza de Coyote, sino de la mala fabricación de los productos Acme.

 

Justicia poética con doble sentido (real y ficticio) 

 

Partiendo de dicha base esta película nos muestra a su incansable protagonista persiguiendo de una forma obsesiva a un Correcaminos al que nunca alcanza. Pero cansado de que los productos Acme que usa para ello le fallen una y otra vez de forma continuada, contrata a Kevin Avery, un abogado con pocas aspiraciones (interpretado por el actor Will Forte) para demandar a la gran corporación, responsable de todos sus percances. 

 

Aunque en un principio actúa de forma conformista frente a Buddy Crane, el abogado corporativo que defiende a Acme (a cargo de un divertido John Cena), el letrado que representa al Coyote pronto se da cuenta de que se encuentra en medio de un litigio a favor de las pobres víctimas sin opciones para lograr enfrentarse a arrogantes corporaciones que se creen intocables. Chiste satírico en los créditos iniciales: incluso Warner pertenece a Acme. 

 

A partir de dicha premisa se establece una búsqueda de pruebas por parte del Coyote y su equipo legal, en el que se verán cameos de mayor o menor duración de muchos personajes de los Looney Tunes como Porky, Piolín, Silvestre, Bugs Bunny, el gallo Claudio, Elmer Fudd o la abuelita. Pero el guiño cinéfilo está en el doctor Lorre, una caricatura animada del mítico actor Peter Lorre, que al inicio del film descubre lo que trama Acme pero es descubierto.

 

Coyote vs.Acme, en resumidas cuentas

 

¿Qué le ocurre a Warner para querer deshacerse de una película así? Es tan fácil ver el paralelismo entre Coyote y Acme con la propia película y los que quisieron eliminarla. Estamos sin duda ante el mejor uso que se ha hecho de los Looney Tunes en años, muy superior a (por ejemplo) Space Jam y su secuela. Puede recordar a ¿Quien engañó a Roger Rabbit? por su mezcla de realidad y animación, aunque no alcanza su nivel.

 

Al final lo que queda es una película cuyo uso (quizás algo excesivo) de humor splastick convencerá a los más pequeños, mientras que para los adultos queda una mordaz sátira sobre los abusos de poder por parte de las grandes corporaciones. La mano de Gunn como productor se puede notar en su aprecio hacia los más indefensos, sensibilidad que también dejó muy patente en Guardianes de la galaxia vol.3 con el origen de Mapache Cohete. 

 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de septiembre de 2026. 
• Galería de posters por este enlace

EL FINAL DE OAK STREET, mis vecinos dinosaurios (sin spoilers)

Se puede decir que con El final de Oak Street se cierra lo que sería la temporada de estrenos veraniegos (sin relación con la estación en sí, que con el cambio climático no sería raro que se alargue más allá de la fecha de entrada del otoño, hacia el próximo 21 de septiembre). Como su campaña promocional ha dejado claro, estamos ante una película de dinosaurios, si bien fuera de la saga jurásica.

 

Dicha matización la hago ya que desde que en 1993 la primera entrega de Jurassic Park dirigida por Spielberg provocó un gran interés hacia estas criaturas, también es verdad que fuera de dicha saga no ha habido ningún éxito comparable. El ejemplo más reciente sería el film 65 con Adam Driver, que con un algo ajustado presupuesto de 45 millones de dólares acabó con una recaudación de apenas 60,7 a nivel global.

 

En este caso El final de Oak Street ha costado 85 millones de dólares, con lo cual para lograr ser rentable tiene que concluir su carrera comercial superando los 200 millones globales. No sé si lo logrará o no en el momento de escribir estas líneas, pero como mínimo hay que reconocer que es un título llamativo en cuanto a implicados: Ewan McGregor y Anne Hathaway como protagonistas y J.J.Abrams como productor.

 

El final de Oak Street, acerca de su realizador 

 

De todas maneras también es justo citar a su director (David Robert Mitchell), ya que fue el responsable de una película de terror "pequeña" (en cuanto a pretensiones) pero que ha conseguido ser un film de culto. Hablo de It Follows de 2014, que aunque descubrí años después en un pase televisivo, admito que como mínimo era una película de terror progresivamente inquietante, alejada (en parte) de los tópicos habituales en dicho género.

 

Esa no ha sido su única película, aunque si con la que ha logrado un mayor prestigio, pero si algo le ha distinguido a lo largo de toda su filmografía es su doble función como director y guionista, la cual repite también en El final de Oak Street, su obra con mayores expectativas, aunque solo sea por el hecho de contar con Ewan McGregor y Anne Hathaway (pese a que en su film previo tuvo a Andrew Garfield y tiene previsto otro con Jim Carrey).

 

En la estela de Amblin

 

Si bien antes he matizado que aunque en esta película haya dinosaurios, no estamos ante nada derivado de la popular saga jurásica, eso no quiere decir que no se note un cierto toque del Steven Spielberg de sus inicios, bien fuera como director o como productor bajo el sello Amblin. De hecho el presente film está ambientado en 1982 (lo cual es patente en multitud de detalles) en un idílico barrio suburbano, hasta que pasa algo tipo The Twilight Zone y suceden cosas.

 

Lo que en un principio era un tranquilo y pacífico vecindario, que bien podría ser colindante con los vistos en títulos como E.T., el extraterrestre o Poltergeist (Fenómenos extraños), sufre un fenómeno de causas desconocidas (aunque algo se sugiere) que lo traslada a la época de los dinosaurios. A partir de ahí, y cual si fuera una película de catástrofes más que una de terror, la familia Platt protagonista (Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella y Christian Convery) tendrán que lidiar con todo tipo de problemas para intentar sobrevivir a la pesadilla.

 

Es más o menos usual que en el género de desastres predomine más la desgracia consecuente que los personajes, apenas esbozados, pero eso aquí no ocurre. Tanto Anne Hathaway como Ewan McGregor dando vida al matrimonio Platt, envueltos en una crisis de pareja, resultan creíbles y logran la empatía del espectador, pese a que no se les pueda tildar de héroes sino más bien de esforzados supervivientes: son gente normal en una situación totalmente fuera de lo normal.

 

No es otra película jurásica más 

 

Habrá quien piense que en esencia no deja de ser lo mismo visto en la saga jurásica (gente huyendo de dinosaurios) pero cuidado porque aquí no se cortan con la violencia, que en la citada franquicia suele ser menos escabrosa y en ocasiones fuera de plano. Aparte de la citada crudeza también hay unos pocos toques de humor quizás algo grueso, que no sé si la hacen apta para que la vean niños pequeños que solo querrán ver dinosaurios, aunque quizás no así...

 

En el tramo final se produce un giro que (al menos a mí) me recordó a Regreso al futuro, ya que se crea una paradoja que salva un fatídico problema, pero me generó la incógnita sobre las versiones que vuelven a vivir la pesadilla, ya que el hecho parece inamovible. Pero son menudencias que no importan en un film de aventuras que funciona tan bien como este, con un claro sabor nostálgico desde su misma y destacable banda sonora de Michael Giachino.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de agosto de 2026. 
• Galería de posters por este enlace. 

SPIDER-MAN BRAND NEW DAY, crítica sin spoilers

Cinco años hemos esperado para que Spider-Man Brand New Day nos resuelva la situación de Peter Parker y su alter-ego arácnido, después de los hechos acaecidos en la exitosa Spider-Man No Way Home. Aún así es también un triunfo para su actor protagonista (Tom Holland), el cual se convierte en el intérprete que más veces ha dado vida a este superhéroe en la gran pantalla (cuatro, sin sumar sus apariciones en otros films del universo Marvel).

 

Si contamos en las últimas décadas (dejando aparte al actor Nicholas Hammond, que lo encarnó en la serie televisiva de los años setenta), el primero en ponerse las redes de Spider-Man fue Tobey Maguire, en la trilogía del personaje que hizo Sam Raimi, entre 2002 y 2007, y que se quedó a las puertas de una cuarta entrega que se iba a estrenar en 2011 pero que al final fue cancelada (su fecha la tomó el primer film de Thor dirigido por Kenneth Branagh).

 

Después de eso llegarían las dos entregas de The Amazing Spider-Man (2012 y 2014), que no lograron avanzar más allá de esa cifra (aunque la segunda estaba plagada de guiños que sugerían opciones para seguir explorando el universo arácnido), debido a los pobres resultados que obtuvo la secuela estrenada en 2014. A partir de un breve cameo en la tercera entrega del Capitán América en 2016, Spider-Man dio el salto definitivo al MCU, apareciendo en siete films.

 

Spider-Man: Brand New Day, pasado y futuro arácnido 

 

Más allá de su presencia en la antes citada Capitán América: Civil War, así como en Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame, el personaje ha disfrutado de una trilogía inicial formada po Spider-Man: Homecoming estrenada en 2017, Spider-Man: Lejos de casa en 2019 y Spider-Man: No Way Home en 2021, a la que se añade esta Spider-Man: Brand New Day, que toma su título del polémico reinicio que tuvo en los cómics, que anuló su boda con Mary Jane.

 

Marvel, muy necesitada de alcanzar el éxito de antaño, se la juega con esta cuarta película de Spider-Man así como las dos cintas próximas de Los Vengadores (Avengers: Doomsday y Avengers: Secret Wars). Se nota que han echado mano de primeras estrellas y se abstienen de correr riesgos que la han llevado a no conseguir repetir esa épica que alcanzaron con Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame (¡y no será porque no han estrenado cosas desde entonces!). 

 

Más allá de lo que le depare el futuro al arácnido de Marvel (el actor protagonista ya tiene 30 años, por lo que hay rumores de que en una hipotética futura entrega le daría el relevo a Miles Morales, e incluso el propio Tom Holland ha recomendado quien cree él que sería un buen Peter Parker) la única escena tras los créditos de Spider-Man Brand New Day nos ofrece una ¿sugerencia? mediante una simpática aplicación de donde puede que nos lo encontremos pronto...

 

Un nuevo día digno de mención

 

A mi me gustó mucho la trilogía del personaje que hizo Sam Raimi (aunque la tercera fue como fue...), me convenció ya un poco menos las de Andrew Garfield (aún siendo entretenidas) pero no había acabado de conectar con el Spider-Man de Tom Holland en sus dos primeras entregas (demasiado legado de Iron Man y nada de tío Ben), siendo en la tercera estrenada en 2021 (quizás por el factor nostalgia) la que sí me dejó totalmente convencido. 

 

Pese a todo tenía mis dudas sobre esta cuarta debido a que los rumores situaban a muchos villanos, y ya sabemos que si se meten demasiados, el resultado no siempre convence. En este caso se rumoreó a Bumerang, Tarántula, Lápida, Escorpión e incluso los ninjas de La Mano, así como un Hulk furioso, además de la presencia del Punisher del actor Jon Bernthal. Pero la película presenta (y sorprende) con el personaje al que encarna Sadie Sink.

 

En cuanto a los otros, sin que en ningún momento den la imagen de estar desaprovechados, los más determinantes serían Hulk (porque Peter, debido a los cambios que experimenta, contacta con Bruce Banner) y sin duda alguna Punisher (con un resultado convincente), ya que el resto quedarían en un segundo e incluso tercer plano. Demostrando aquí con acierto y solvencia la vertiente urbana de Spider-Man, se echa en falta menciones a otros como Daredevil.

 

Como yo me aficioné a los cómics de este superhéroe gracias al coleccionable de Planeta-Agostini, en el mismo se recogían sus andanzas en los ochenta, por lo que me gustó la inclusión del personaje al que encarna Liza Colón-Zayas. En cuanto a Ned Leeds y a la MJ de Zendaya, se enfocan nuevas facetas tras lo acontecido en el film precedente. El cambio en la silla de director (Destin Daniel-Cretton, que ya dirigió la de Shang-Chi, toma el relevo de Jon Watts) es todo un acierto.

 

En resumidas cuentas

 

Spider-Man Brand New Day supera las dudas que podía levantar tanto su título como su nuevo responsable tras las cámaras, siendo una de las mejores películas del arácnido de Marvel, en este caso por marcar de forma patente su condición de superhéroe urbano (sin meter multiversos u otros conceptos más grandilocuentes) echándose en falta solo alguna mención a otro superhéroe urbano como es Daredevil (vigente con su serie televisiva).

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de julio de 2026. 
• Galería de posters por este enlace. 

BACKROOMS, lugares raros y perturbadores (crítica sin spoilers)

De vez en cuando se estrenan films como esta Backrooms, que buscan salirse de los cánones oficiales del terror para mostrarnos otra cosa. Es cierto que en ese género, debido a lo rentable que suele ser, se ha visto de todo, habiendo variantes, como el slasher o todo lo derivado de exorcismos, en la que es difícil sorprender a estas alturas (por no citar los films de criaturas como los vampiros o los zombis, a los que se ha explotado todo lo explotable).

 

Mucho de ese terror tiene ecos del pasado, pero en una sociedad que avanza se puede decir que sus miedos avanzan con ella. De foros, blogs o vídeos de Youtube han surgido historias cortas de terror, que se podrían considerar algo así como leyendas urbanas, recibiendo el nombre de creepypasta. Ahí está el origen de los backrooms (que se traduce como "cuartos traseros"): lugares raros y perturbadores, en donde uno se siente inquieto e inseguro. 

 

Todo ello tiene la definición de "espacios liminales", la cual se refiere a imágenes de despachos, oficinas, escuelas, centros comerciales o pasillos vacíos y silenciosos, sin ninguna presencia humana y algo así como olvidados, lo cual produce sensaciones de extrañeza si uno se viera en ellos. De ahí un joven Kane Parsons, el director de este film, realizó con apenas 16 años unos videos con estética VHS que llamaron la atención de la productora A24.

 

Apenas cuatro años después le han ofrecido transformar el concepto de esos cortos de su canal de Youtube, creados como si fueran found footage (metraje encontrado, como El proyecto de la bruja de Blair y tantos derivados posteriores) en película, contando como protagonista con el polifacético actor Chiwetel Ejiofor. Aquí los backrooms vendrían a ser algo así como un interminable laberinto de luces fluorescentes y paredes amarillentas.

 

Para sorpresa de muchos, si ya las previsiones para su estreno eran optimistas, las mismas se han disparado: costando 10 millones de dólares se evaluaba que conseguiría unos 40 o 50 millones en su primer fin de semana, pero la cifra ha sido de 81 millones en la taquilla americana y 118 a nivel global. Imposible una mejor carta de presentación para su director, que con apenas 20 años su primer film ya huele a franquicia (de la que espero no abusen).

 

Todo lo citado lleva a pensar si esta película es tan buena como aparenta, y la respuesta es sin duda que sí, pese a su (por otra parte) sencillo argumento: todo gira sobre un personaje que descubre una especie de portal a otro lugar extraño, se lo cuenta a su psicóloga (la cual en principio no le cree), pero cuando el protagonista desaparece misteriosamente será ella misma la que cruce el portal, e intente sobrevivir a las perturbadoras rarezas que le esperan al otro lado.

 

Aparte del citado Chiwetel Ejiofor como el protagonista Clark (esforzado vendedor de una tienda de muebles que no rinde lo suficiente, que llegó a tener opciones de arquitecto, pero al que un divorcio y problemas con el alcohol han vuelto una persona resentida y amargada), el otro personaje principal está encarnado por la actriz noruega Renate Reinsve. Ella es la terapeuta de Clark, y en la segunda mitad del film viene a ejercer un personaje con ecos de final girl. 

 

Pese a dicho calificativo (a título personal), que nadie se espere los recursos convencionales del terror como género: esta película se decanta más por ser perturbadora y extraña que por dar los típicos sustos y muertes sangrientas a los que está acostumbrado el publico más general, al que quizás le pueda decepcionar. De hecho hay una pareja secundaria cuyo destino se intuye, pero que en ningún momento se muestra en primer plano... 

 

Como es lógico, el final deja las suficientes preguntas en el aire como para que al menos una próxima secuela responda (o no) alguna de ellas. Por lo demás se puede decir que Backrooms es un laberinto pesadillesco en el que se refleja lo peor de cada uno (atención a la versión deformada de cierto personaje) y que funciona, según citan en el mismo film, como si fuera un "algo" que recuerda cosas, pero sin saber concretar los detalles.  

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de junio de 2026 
• Galería de posters por este enlace.

PROYECTO SALVACIÓN, una apabullante epopeya (crítica sin spoilers)

Es innegable que Proyecto Salvación tiene buenas referencias: se trata de la adaptación de la novela Proyecto Hail Mary de Andy Weir (de hecho el título original de la película es ese). Dicha obra me la leí hace unos años de la biblioteca, por ser del mismo autor de El Marciano, que tuvo una adaptación de la mano del director Ridley Scott en la destacable Marte (The Martian), con Matt Damon de protagonista.

 

En cuanto al presente film, quien encabeza el cartel es Ryan Gosling, actor polifácetico al que se ha visto en productos de todo tipo y condición (Blade Runner 2049, Barbie, La La Land: La ciudad de las estrellas, El especialista, etc. si bien en donde creo que hizo un papel digno de mérito fue en la película Dos buenos tipos, que en su día fue un fracaso de taquilla). Para el próximo año 2027 estrenará Star Wars: Starfighter. 

 

Y si eso es en referencia a su actor protagonista, en cuanto a sus directores (Phil Lord y Christopher Miller) hay que citar que son los responsables de las películas animadas de Spider-Man de Sony con Miles Morales de protagonista, que empezó en el 2018 con Spider-Man: Un nuevo universo (ganadora del Oscar a mejor película de animación de aquella temporada), a la cual siguió Spider-Man: Cruzando el multiverso y acabará en 2027 con Spider-Man: Beyond the Spider-Verse.

 

Siendo esta Proyecto Salvación una película de ciencia-ficción espacial resulta curioso recordar que sus dos responsables (Phil Lord y Christopher Miller) fueron los directores iniciales de Han Solo: Una historia de Star Wars. Pero ambos fueron despedidos en la fase de rodaje: tras cuatro meses su estilo un tanto improvisado y cómico chocó con lo que pretendía la productora, siendo reemplazados por Ron Howard, que se limitó a cumplir con el compromiso. 

 

Sin desmerecer lo que hizo Howard allí (como mínimo fue funcional), hubiera estado bien ver en la famosa saga galáctica un trabajo como el que llevan aquí a cabo Lord y Miller: visto en formato Imax es sin duda visualmente apabullante y arrebatador, logrando un resultado final tan digno como lo fue el de Marte (The Martian). Se nota la mano del guionista Drew Goddard, responsable de ambos libretos que tienen ciertos elementos de similitud.

 

El más evidente es el hecho de tener a un protagonista perdido en un viaje espacial, pero en este caso el Ryland Grace al que encarna Ryan Gosling tiene además el problema de una inicial amnesia, que le hace preguntarse quién es, dónde está y qué se espera que haga. Todo eso lo iremos viendo en progresivos flashbacks que nos narrarán hasta el final todo lo previo a que el protagonista se encontrará como único pasajero vivo en una nave espacial.

 

Y entramos en lo más problemático: cuando me leí la novela yo no sabía lo que Ryland Grace se iba a encontrar en su viaje, pero la productora de la película no ha tenido problema en mostrarlo en la promoción del film. Cabe indicar que sería un elemento, pese a todo, muy bien gestionado, que te deja una hermosa moraleja final de una inesperada amistad en la que no hay límites espaciales, ofreciendo un solido relato de ciencia-ficción quizás algo dilatado. 

 

Aún así sus 156 minutos se disfrutan, por ser un espectáculo visual abrumador con una factura técnica impecable. Sería una mezcla entre Marte (The Martian), Interstellar, Náufrago y E.T. El extraterrestre, títulos que pueden parecer dispares entre sí, pero una vez que se ha visto este film se entiende mi mención. Digamos que ese dicho popular que dice "Tienes menos sensibilidad que una piedra" toma nuevos matices en Proyecto Salvación.   

 

La fecha de estreno de este film era el 20 de marzo (por ejemplo, para Estados Unidos entre otros mercados) pero aquí en España será una semana más tarde, el 27 de marzo. Supongo que la distribuidora (Sony) no quiere que sea competencia directa con el estreno de Torrente Presidente (13 de marzo, que también distribuyen ellos y está funcionando bien), o lo nuevo de Almodóvar que llega el 20. En fin, curiosidades de la distribución en España... 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo de 2026.
• Galería de posters por este enlace.

HOPPERS, el Avatar ecológico de Disney-Pixar (crítica sin spoilers)

Esta Hoppers sería un nuevo intento de Pixar por volver a ese primer puesto en cuanto a calidad técnica y maestría argumental, que en los últimos años se les ha escapado. Ojo que la culpa tampoco es sólo de ellos, porque la pandemia del Coronavirus llevó a que algunos estrenos suyos se fueron directos a streaming, haciendo que parte del público perdiera esa necesidad de ver un film de Pixar en cines si al cabo de poco lo van a tener disponible en su hogar.

 

A eso hay que sumar que los que por mucho tiempo se consideraron un estudio con ideas novedosas pecase de "parecidos razonables" y cierta ¿carencia de imaginación?. Con esto me vengo a referir a que cuando Flow: un mundo que salvar ganó el Oscar a mejor film de animación la pasada temporada se supo que Pixar trabajaba en Gatto, un proyecto con ciertas semejanzas que se estrenará en primavera de 2027. Y no es la única porque con esta Hoppers sucede algo similar. 

 

No puedo juzgarla porque en mi caso aún no la he visto, pero cuando se estrenó la película Robot Salvaje, al poco tiempo se anunció este proyecto, coincidiendo en ambos casos de "relativas semejanzas" como el mensaje ecologista o la implicación de un robot. Pero si vamos a ser puristas, incluso se ha comentado que Hoppers vendría a ser como la saga Avatar de James Cameron, pero con castores (de hecho hasta la propia protagonista hace un guiño irónico cuando se lo explican). ¿Qué nos cuenta este trigésimo film de la factoría Pixar?

 

Hoppers nos presenta a Mabel, una joven amante de los animales, que se entera de que unos científicos han logrado pasar la conciencia humana a sofisticados robots animales, lo que permitiría comunicarse con ellos. Ante la amenaza de que la construcción de una autopista ponga en peligro un bosque muy especial para ella, no dudará en trasladar su conciencia a un castor robótico, con el que intentará comunicarse con los animales para procurar salvarlo.

 

Aunque esta sea una película orientada en un principio hacia el público infantil, sin duda alguna puede ser disfrutada por todo tipo de espectadores. Es por ello que como el final real no puede tener cabida (la humanidad tristemente arrasa por donde pasa, dejando a múltiples animales fuera de su hábitat), se caería en lo fácil haciendo que al final la que "ganara" fuera la naturaleza. Pero sorprendentemente se tira por un camino intermedio.

 

Los animales no se dan cuenta de que la humanidad los está desplazando de su hábitat natural, pero cuando Mabel (en su forma de castor) les abre los ojos, se alían todos ellos para aplastar a la humanidad (representada en el alcalde Jerry, que es el que quiere echarlos de su pequeño ecosistema para realizar una autopista). Superada por las circunstancias, la Mabel castor intentará convencerlos de que es mejor el diálogo que la fuerza bruta. 

 

El problema vendrá cuando una inesperada especie del consejo animal (y de ahí ese póster que recuerda al de El silencio de los corderos) intente llevar sus ansias de conquista al límite, obligando a realizar la función inversa que se plantea, para devolverle a la humanidad el mismo golpe con el que ataca. Eso llevará al final intermedio que he citado antes, donde se puede decir que todos ganan y nadie pierde, pero dando un poso de esperanza a la ecologista protagonista.

 

Al final esta Hoppers se puede resumir en un loable intento por parte de Pixar de llegar a esa grandeza a la que nos tenían acostumbrados, con una historia divertida, entretenida y didáctica (enseñando a los pequeños unos sabios consejos sobre el respeto hacia la flora y la fauna, afectada cuando su entorno corre peligro). El problema es que no hay que confundir una buena película con una excelente, y aquí se quedan en lo primero, pero sin llegar a lo segundo.

 

Aunque no son trascendentes, es justo avisar de que hay una escena entre los créditos finales (que se podría decir que sería paródica respecto a lo que sucede en su último tercio) y otra al final de los mismos (que vi en una sala donde ya se habían ido todos), en la que se plantea un leve hilo argumental a raíz de cierto detalle en su tramo inicial para que si la película triunfa, tirar de ello (o no...) para una hipotética secuela. 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de marzo de 2026.
• Galería de posters por este enlace.

SEND HELP (ENVIAD AYUDA) de SAM RAIMI, crítica sin spoilers

Con Send Help (Enviad ayuda) tenemos por fin el regreso como director de Sam Raimi, el cual se ha prodigado poco desde hace muchos años, ya que la previa a esta fue la secuela de Doctor Strange de 2022 y antes Oz: Un mundo de fantasía en 2013 (y si nos vamos a su género preferido, el terror, nos tendríamos que ir hasta 2009 con Arrástrame al infierno). Este film se ha definido como una mezcla entre Misery y Naufrago.

 

Admito que con su premisa argumental Sam Raimi tiene ganado a cierto sector del público, que en su vida laboral habrá tenido que batallar con jefes nefastos, sirviendo esta película como consuelo ficticio para ello. Es por eso que aunque se englobe como terror, sería más bien de un brutal humor negro de lo que está cargado este film, todo ello envuelto en un relato de supervivencia extrema. 

 

La protagonista de esta historia es Linda Liddle (a cargo de una Rachel McAdams, que ya trabajó junto con Raimi en la secuela de Doctor Strange de 2022 citada antes). Ella vendría a ser el típico ejemplo de trabajador abnegado que espera de que su buena labor le conceda beneficios de alguna índole, que en su caso sería un prometido ascenso. Pero aunque se vuelque en realizar su faena de forma profesional y brillante, lo habitual es que ella sea ignorada y menospreciada.

 

Aún así Linda no pierde esperanza, y cree que su momento por fin ha llegado cuando entra un nuevo jefe llamado Bradley Preston (a cargo del actor Dylan O'Brien, popular por la trilogía de El corredor del laberinto de la que fue protagonista). Pero nada más lejos de la realidad, ya que con él continua todo igual, aunque reconociendo sus habilidades laborales se la lleva para cerrar una importante fusión en el avión privado de la compañía. 

 

Tras un terrible accidente en el que Linda y Bradley son los únicos supervivientes, se invertirán las tornas: ella, auténtica fan de realitys de supervivencia como Survivor (el equivalente por aquí es Supervivientes en Telecinco) demostrara unas buenas aptitudes para seguir adelante pese a las adversidades; mientras que él, alejado de la sociedad de consumo y el capitalismo salvaje que lo forjó, se revela más bien torpe e inútil.

 

Con un planteamiento así desde Hollywood podrían haber perpetrado la enésima comedia romántica, en la que ella fuera ayudándole y fueran acercando posiciones. No en vano hemos visto muchos ejemplos de ese estilo, siguiendo ese popular dicho de que "Los que se pelean, se desean", o bien aquel otro de "Los polos opuestos tienden a atraerse", y no mentiré si digo que en ciertos momentos temía que la película girara hacia ese vertiente.

 

Pero no, tengo que admitir que la idea de Sam Raimi nunca fue esa, ya que si antes he citado que esto fuera una mezcla de Misery y Naufrago, ahí faltaría un tercer título con el que compararla: La guerra de los Rose. Al igual que allí, el vitriólico humor negro de su responsable se demuestra en multitud de situaciones brutales, salvajes y escatológicas, sin olvidar de darles un gamberro toque de diversión que hacen recordar al Raimi de sus inicios.

 

Los reyes de la función son sin duda su pareja protagonista, y no solo una notable Rachel McAdams que vuelve a demostrar sus sobradas dotes para la comedía (sea ésta del tipo que sea), sino también un Dylan O'Brien que podía haber caído en el exceso o la caricatura, pero logra mantener la compostura, haciendo que su "catarsis" sea paulatina pero precisa. Ojo al momento en que tan solo sus ojos tienen que expresar lo que cree que está pasando...

 

Como buena película de Sam Raimi, tenemos cameo de su actor fetiche Bruce Campbell pero mantengan ojo avizor al inicio porque el mismo resulta más bien "pictórico". Y también atentos a cierto vehículo habitual en su filmografía, que también tiene escueto guiño cuando en el primer tramo ella va a desahogarse a su coche. En resumen: una comedia muy negra y salvaje que satiriza las dinámicas laborales en un escenario de supervivencia extrema. 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de enero de 2026 
• Galería de posters por este enlace.

ZOOTRÓPOLIS 2, una digna secuela (crítica sin spoilers)

Con Zootrópolis 2 uno pensaría que en Disney han aplicado ese dicho de "las cosas de palacio van despacio": esta secuela llega casi una década después del film original. La película previa destacaba por un planteamiento atractivo, no solo imaginando una urbe donde viven todo tipo de animales, si no que haciéndolo con coherencia a como son. Y todo ello envuelto en un claro homenaje a las buddy-movies, con dos protagonistas obligados a entenderse.

 

La Zootrópolis original de hecho funcionaba tan bien en cuanto a su planteamiento que desde Disney (para ser exactos desde su variante Pixar) no dudaron en volver a aplicarlo en otras películas como por ejemplo Elemental, en la que su Ciudad Elemento no dejaba de ser una traslación de la misma idea, pero adaptada a lo que se requería en aquel film. Incluso hubo un intento de miniserie (Zootrópolis+), aunque admito que no la he visto. 

 

Como no era plan de dejar pasar una marca que podía seguir siendo rentable, se ha recurrido a algunos de los directores del film original (Jared Bush y Byron Howard, siendo Rich Moore quien no repite), y aquí nos ofrecen una nueva aventura de la conejita Judy Hopps y el zorro Nick Wilde, la carismática pareja protagonista que encandiló en la primera entrega. Perdiendo, como ocurre con las secuelas, el factor sorpresa del film inicial, aquí los volvemos a encontrar en una mezcla de aventuras, thriller y comedia.

 

La estructura argumental sería similar a la de la primera entrega (de hecho se reinsiste con acierto en detalles previos que funcionaron, justo por la certeza de que siguen siendo validos), y el macguffin que motiva la acción de esta secuela sería una prueba de que los responsables de la composición de la ciudad (con los diferentes climas, adecuados para cada animal) no fueron los que se supone, sino otros que viven en la clandestinidad.

 

Si ya en la primera película quedaba claro su homenaje a las buddy-movies policiacas de los años ochenta y noventa (sólo que aquí con animales), eso queda aún más patente en esta. De hecho entiendo que no podían jugar con esa baza al ser su público potencial el infantil, pero sin esa cortapisa no dudo que se hubiera establecido una tensión sexual no resuelta entre Judy y Nick, que aquí deriva en una siempre agradecida valoración de la amistad.

 

Es también digno de reseñar la trama que engloba al personaje de Gary (la serpiente) ya que, quien sepa leer entre líneas, es fácil ver un reflejo de problemas sociales como el mantenimiento del problema de la gentrificación. También es un acierto el simpático guiño a Ratatouille o el más sorprendente (resulta inesperado pero funciona muy bien) a uno de los momentos cumbres de la película El resplandor de Stanley Kubrick. 

 

De cara a no eternizar su acertado metraje (107 minutos), sus responsables han decidido incluir a muchos secundarios de la primera película pero en meros cameos, que igual pueden parecer poco según cuales sean (aunque el del perezoso me resultó divertido y funcional). Aparte de la serpiente antes citada, entre los nuevos personajes la más destacada sería una castor que tiene un podcast conspiranoico, y que ayudará a los protagonistas.

 

Con un ritmo trepidante y echando mano en algunos momentos del siempre solvente y socorrido humor slapstick, este film comienza con Judy y Nick ejerciendo de forma tan brillante como policías que han levantado la animadversión de todos sus compañeros. Pero la aparición del primer reptil en Zootrópolis en 100 años provocará que suceda un malentendido con el dúo protagonista que les obligará a tener que huir como fugitivos.

 

Como iba preavisado me quedé hasta el final de los títulos de crédito, ya que hay una secuencia que igual no es muy trascendente... o igual sí, ya que puede dejar el camino abierto para una tercera entrega más que probable a tenor de los excelentes resultados en taquilla que ya está marcando. Pero una vez vista sería un éxito más que merecido porque sin duda en este caso Disney se ha marcado una digna secuela.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de noviembre de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

LA LARGA MARCHA, sin opción: ¡camina o muere! (crítica sin spoilers)

El primer handicap de La larga marcha no sería un problema inherente al film, sino al momento en que se estrena. A diferencia de otras obras adaptadas de Stephen King, estrenadas a lo largo de los años, lo normal era que las mismas tuvieran poca diferencia de tiempo respecto a las novelas en las que se basan. Pero La larga marcha se editó en 1979 (hace 46 años), aunque dicen que se escribió antes, cuando un joven Stephen King era estudiante en la universidad de Maine.

 

¿Cual ha sido el motivo para que no tuviera adaptación hasta ahora? Es posible que al partir de una premisa bastante minimalista no sabrían como trasladarla a pantalla, aunque también ha habido quien ha dicho que igual no era una obra del todo adaptable. Se supone que allá por 1966 o 1967 King la escribió como crítica a la manera en la que se mostraba en los medios la Guerra de Vietnam, en lo que vendría a ser un paulatino interés por el morbo que dura hasta nuestros días. 

 

La marcha a la que hace referencia el título sería una metáfora de esa guerra, y su tratamiento como show era lo criticado en la obra. Pero lo que por entonces era solo el inicio del interés por lo morboso, ahora es algo más usual, y ya ha habido varios títulos con concursos distópicos donde los jugadores podían acabar muertos, como es el caso de Los juegos del hambre, El juego del calamar o Battle Royale, así como The running man, con un remake a punto de estreno y basada en una obra de Stephen King que ya fue adaptada en los ochenta. 

 

De hecho el responsable de este film dirigió varias entregas de Los juegos del hambre, por lo que uno quizás podía esperar si acaso algo del mismo estilo, o como otro de los ejemplos citados. Pero nada más lejos, porque esta historia deriva por unos derroteros tan amargos y crueles que me atrevería a decir que no veía desde hace mucho tiempo una película que nos dibujara tan bien la desesperación, la crudeza y la angustia como este film.

 

La metáfora bélica, si uno la tiene presente cuando ve La larga marcha, enseguida la irá viendo reflejada en esos jóvenes que, ante la falta de mejores perspectivas, se embarcan en esta "competición" como cuando los reclutan para una guerra. Allí intercambian sus sueños, sus deseos, sus anhelos. Allí hacen amigos y enemigos. Pero la experiencia es tan traumática que de allí no se sale, como esos soldados que vienen del frente traumatizados de por vida.

 

A diferencia de algunos de los títulos con los que presumiblemente será comparada, en este caso no hay una banalización sobre la muerte (el horror queda muy bien reflejado en los rostros de los que aún no han "recibido pasaporte"). Con la marcha del título también se puede ver una metáfora de la vida (que de hecho para sus participantes lo sería): continuar adelante pese a las adversidades, tan solo seguir y seguir en pos de un indefinido ¿premio? final.

 

En la novela eran 100 los participantes de esta "competición", pero su adaptación en película lo reduce a 50, siendo uno por cada estado que forman los Estados Unidos. Asimismo quien recuerde el final de la novela se llevará una sorpresa cuando vea como se ha modificado aquí (rompiendo lo que ya en el libro podía parecer previsible), si bien la alegoría que cité más arriba (algo tan traumático que te marca de por vida) queda igualmente patente en su conclusión. 

 

Al igual que en la novela, nos quedamos sin saber que hecatombe llevó a que la sociedad superviviente validara algo como La larga marcha, a lo que se apuntan los jóvenes por falta de objetivos futuros, en busca de ese indefinido gran premio que les solucione la vida. Si ya la obra de King era bastante minimalista, su adaptación aquí por parte de Francis Lawrence se decanta por una seca austeridad, muy acorde a su planteamiento crudo y sombrío.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de noviembre de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

GOOD BOY, el perro que presentía cosas (crítica sin spoilers)

Cuando empecé a escuchar sobre Good boy (aquí en España con ese subtítulo de Confía en su destino) decían que sería una película de terror slasher contada desde el punto de vista del perro del villano. Parecía algo aceptable, ya que se cambiaba la perspectiva usual, pero eso me hizo pensar en Buffalo Bill, el asesino en serie tras el cual va la agente del FBI Clarice Starling en El silencio de los corderos, y que recordemos que tiene una perrita de raza bichón frisé que resulta trascendente en el tramo final de dicho film. 

Pero no, la cosa no va por ahí: en este caso el relato gira sobre Indy, un perro de raza retriever de Nueva Escocia propiedad de Todd (al que da vida el actor Shane Jensen), cuando ambos se trasladan a una vieja e inhóspita casa familiar, perdida en medio de un bosque. Como es predecible hay "algo" en esa casa, e Indy no hace más que presentir de forma más o menos clara que algo siniestro va a pasar en cualquier momento pero, ¿que puede hacer siendo tan solo un perro?

Puede gustar más o menos el resultado final (que ya digo que tira más hacia películas de presupuesto escaso como El proyecto de la bruja de Blair que hacia otra cosa más espectacular), pero sin ninguna duda es digno de mérito lo que ha hecho Ben Leonberg, el director de este film, a mayor gloría de su perro Indy (cuyo trabajo en esta película es realmente notable) y los 400 días de rodaje que necesitó en Nueva Jersey para ofrecer los 72 minutos de metraje de este film.

El esquema de Good boy se puede decir que resulta quizás algo repetitivo, ya que no deja de girar sobre ese tópico en el género del terror de que un perro mire al vacío (donde se supone que no tendría que haber nada), o metiéndose en lugares oscuros y siniestros (con la lógica inquietud por parte del espectador que empatice con el animal). Pero admito que aunque en algunos momentos digamos que se hace evidente que es una película (como si esto fuera magia, digamos que "se ve el truco"), tiene también otros donde realmente consigue que el espectador sienta ansiedad por lo que le pueda pasar a Indy, pese a que algunos de ellos sean pesadillas o visiones del perro. 

Es justo citar la perspectiva visual de la película, ya que la cámara se sitúa en todo momento en el perro, por lo que (por ejemplo) de su dueño Todd sólo veremos su imagen de espaldas, a lo lejos o bien de cintura para abajo. No es que todo se vea desde el punto de vista del animal, pero digamos que en todo momento la película se pone a su altura, lo cual sirve también para mostrar como el perro puede ver aquello intangible que su dueño no puede. Y es que aunque tenga algunos momentos oníricos, como he citado antes, también hay otros reales donde, sinceramente, la interpretación por parte de Indy es prodigiosa, convirtiéndose desde ya mismo en un referente perruno en el mundo del cine. 

¿Handicaps? Los tiene de forma evidente: puede resultar cansina para aquellos que busquen emociones fuertes, ya que su ritmo no es que sea rápido (pese a su escueta duración de 72 minutos), y tarda en entrar en materia. Pero a cambio es una película con un trabajo de fotografía realmente destacable, en la que se consigue mantener la intriga jugando con las luces y las sombras. Y aparte, lógicamente, si eres amante de los animales quedarás encandilado con su protagonista canino, que consigue transmitir emociones mejor que otros actores humanos que se supone que viven de interpretar. Good boy: un relato usual pero inquietante, desde una nueva perspectiva. 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de octubre de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

WEAPONS, cuando la ves entiendes su título (crítica sin spoilers)

Admito que me he decantado por Weapons a raiz de la sorpresa que tuve con Barbarian, el anterior film de su responsable (Zach Cregger), pese a que no lo descubrí hasta su estreno televisivo, aunque ya lo he visto un par de veces. Ojo, tampoco diré que la citada película de 2022 sea una maravilla, pero como mínimo si consiguió ser sorprendente (al menos cuando la ves por primera vez), logrando esquivar de forma relativa los esquemas más manidos del género del terror, aunque echando mano de detalles básicos en el mismo para plantear su historia.

A la espera de lo que haga con la nueva versión de Resident Evil, que se supone que se estrenará en 2026, y de la que Zach Cregger es su director, nos llega ahora Weapons, que también parte de una premisa interesante. Como el mismo póster indica, en una pequeña localidad una noche todos los alumnos (salvo uno) de la clase de una profesora desaparecen, en principio voluntariamente, sin dejar ninguna causa o justificación para ello. ¿Qué ha pasado? ¿Donde están?

Con un guion del propio Zach Cregger, al igual que sucedía en la anterior Barbarian, si allí tenía en su reparto, entre otros, a Bill Skarsgard (visto como Pennywise en la dos entregas de It) y Justin Long (visto en películas como La jungla 4.0 o Arrástrame al infierno por mencionar apenas dos ejemplos), aquí coinciden cuatro actores vistos en varias producciones del universo Marvel: Julia Garner, vista como Shalla-Bal en la reciente Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos; Josh Brolin visto como Thanos y Cable, este último en Deadpool 2; Benedict Wong, visto en las películas del Doctor Extraño entre otras y Alden Ehrenreich, visto en la reciente serie televisiva Ironheart además de en la popular franquicia galáctica como protagonista de Han Solo: Una historia de Star Wars).

Como el género del terror ha sido (y es) tan manido en cuanto a lugares comunes, clichés y tópicos de todo tipo, en cuanto aparece algo que se sale de la tónica habitual se suele (y no siempre para beneficio de la película) esperar de ella poco menos que una obra maestra. Eso es el error de este film, no achacable a él sino a las altas expectativas que se forman algunos, y que al no verse cubiertas puedan desmerecer a una película por otro lado loable y remarcable, que parece querer extrapolar un mensaje de desconfianza hacia nuestra fragmentada sociedad. 

Eso se hace evidente en la pequeña población donde acontece todo, más propensa a dejarse llevar por opiniones ajenas que por certezas (de ahí que en un principio le echen la culpa al personaje de Julia Garner, no ayudando mucho la actitud de ella ante la situación). Pero para que todos tengan voz y voto, el director acierta al dividir la historia por episodios, según lo viven todo hasta media docena de personajes diferentes. Eso otorga de una evidente complejidad dramática al hecho básico sobre el que se sustenta esta película, ya citado antes y que el propio póster deja bien claro. 

Por eso se puede decir que más que cine de terror (aunque tenga ciertos sustos), estamos más bien ante un film de suspense con elementos fantásticos, donde paulatinamente se van ofreciendo pistas al espectador para entender lo sucedido. Teniendo en cuenta el escenario y la justificación no me extrañaría que muchos quieran ver ecos de Stephen King. Cuando ya se tiene más o menos claro lo que ha pasado (algo así como una actualización del espíritu oscuro original de los cuentos de los hermanos Grimm), tenemos un climax final catártico que plantea un problema.

A lo que me refiero es a cierta persecución final que provocó risas en el pase de prensa al que asistí. Aunque el recurso se puede denominar como humor negro, cuya intención me imagino que es la de romper la tensión inherente hasta dicho momento, se bordea peligrosamente la frontera de lo absurdo, lo cual puede decepcionar a según que espectadores con según que expectativas (justo lo que he citado un poco más arriba) por un cambio de tono tan súbito. Aún así Weapons (cuando se ve se entiende dicho título, Armas en inglés) es una propuesta tan inquietante como interesante. 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de agosto de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

SUPERMAN (2025) de James Gunn, puro cómic de superhéroes aunque intentando abarcar más de lo que puede (crítica sin spoilers)

Superman, el superhéroe primordial, vuelve a surcar los cielos en la nueva película de James Gunn, con la que se abre en cines (porque en televisión ya lo ha hecho con la serie de animación Comando Monster (Creature Commandos)) el nuevo universo DC que sustituirá al que se cerro en 2023 con la secuela de Aquaman, y que había empezado una década antes con El hombre de acero de Zack Snyder.

Justo fue su responsable el que podríamos decir que "modeló" todo aquel universo DC (fue encargado de títulos con los que había tantas expectativas como Batman v Superman y Liga de la Justicia, luego rehecha por él), pero sus altibajos en recepción de crítica y público (más bajos que altos) llevaron a un reinicio. Por eso queda atrás el Superman de Henry Cavill, y toma su manto David Corenswet. 

Difícil reto, porque en el recuerdo de muchos sigue estando Christopher Reeve, que lo interpretó en cuatro películas. De hecho su esencia se marcó tanto en el imaginario colectivo que cuando volvió a las pantallas de cine en 2006, lo hizo en un film muy deudor de los previos. Al no llegar a los resultados de taquilla esperados, el kryptoniano no volvió a los cines hasta 2013, en la antes citada El hombre de acero.

Ahora llega este Superman de James Gunn, que ya había demostrado su solvencia con los superhéroes tanto de Marvel (trilogía Guardianes de la galaxia) como DC (El escuadrón suícida), pero que en este caso tiene mayor presión que en los ejemplos citados. Como guionista, productor y director (de esta película) y ejecutivo de DC Studios tiene que conseguir un film rentable, y al mismo tiempo que sirva de trampolín para lo que está por venir, por lo que muchos lo mirarán con lupa. En mi caso tengo que decir que estamos ante una buena película para dichos objetivos... pero con matices.

En su momento este personaje fue el primero de los muchos superhéroes que fueron naciendo poco a poco a medida que pasaban las décadas, por lo que causó sensación al no haber aún nada con lo que compararlo. Incluso cuando en 1978 Richard Donner dirigió su emblemática aportación al mito, tampoco había mucho (de calidad) con lo que compararlo. Pero los tiempos han cambiado, llevamos décadas con superhéroes de todo tipo y condición que han poblado las pantallas de cine y televisión, y lo que en origen era algo asombroso, se ha vuelto usual. Es por ello que las épicas batallas y escenas de acción que se ven aquí no dejan de tener la estética adecuada para lo que son, pero sin la novedad de antaño.

Justo para no caer en esa "fatiga de superhéroes" con la que achacan el exceso de producciones con ellos que ha habido en las últimas décadas, se ha decidido que esta no fuera una película "de origen" (para así no volver a insistir en terrenos ya mostrados de forma previa). Ahí radica desde su mismo inicio la que creo que es mayor virtud de este film, porque cuando se afirma que llevan 300 años viviendo con nosotros metahumanos, ofrece un pasado bastante amplio y un futuro por determinar, en un lienzo en el que James Gunn ha puesto la primera pincelada, y cierto cameo en su tramo final hace un guiño a cierta producción ahora en rodaje, y cuyo estreno está previsto para el próximo verano.

La norma establecida de las escenas tras los créditos se refleja en este caso con dos aportaciones intrascendentes, uno en medio y otra al final, por lo que ese cameo que cito en su último tramo sería lo único que se anticipa de lo que está por llegar. Pero volviendo a la base, este film nos presenta una Metrópolis digna de  los cómics, donde cualquier problema metahumano es tónica usual, hasta el punto de que Gunn se nota que ha disfrutado tanto poniéndolo en imágenes que ha pecado de querer abarcar mucho, pero dejando al espectador con ganas de más al no poder desarrollarse todo en sus (por otra parte) intensos 129 minutos de metraje. Hay quien verá en eso no un hándicap sino una virtud... 

El reparto tengo que admitir que resulta bastante acertado en cuanto a su trío protagonista: David Corenswet cumple bastante bien en la dicotomía entre Superman y Clark Kent (si bien este último apenas es esbozado), Rachel Brosnahan encarna a una Lois Lane que bien podría ser heredera del personaje tal como lo perfiló en su momento Margot Kidder. Pero el que sin duda destaca es un magnífico Nicholas Hoult como Lex Luthor, dando vida a un maníaco millonario envidioso de Superman, que intentará por todos los medios desacreditarlo y combatirlo (de hecho la película comienza con la primera derrota del kryptoniano a manos de un personaje manipulado por Luthor).

Pero el problema, como he indicado, radica en tener demasiados personajes en el tablero, siendo imposible darles tiempo a todos: del Daily Planet por ejemplo se queda uno con ganas de ahondar más en ese Jimmy Olsen que aquí presentan como un ligón empedernido, otro tanto se puede decir de los superhéroes que ayudan a Superman (Mr.Terrific, Hawkgirl y el Linterna Verde Guy Gardner), el matrimonio Kent apenas tiene una presencia testimonial, así como Jor-El y su esposa, etc. No es que ninguno sobre (aunque Kripto es un poco rebelde, si bien al final se explica ya que la persona que era responsable de él también es un tanto díscola), pero sabe a tan poco que te dejan con ganas de más.

En conclusión el Superman de James Gunn es una buena aportación a la mitología del personaje, acercándolo más a la imagen de él que hay en el imaginario colectivo (muy ligada a la esencia que dejó Christopher Reeve, bastante presente en este film), y alejándolo del aspecto sombrío de su predecesor (encarnado por Henry Cavill). Incluso hay una subtrama relacionada con dos países ficticios, en los que uno ha intentando invadir a otro, que tiene claras resonancias de nuestra actualidad (con el acierto de cuestionar porque se inmiscuye Superman). Digamos que Gunn sabe ser respetuoso con el legado del pasado, pero planteando ideas atractivas y un futuro que habrá que ver que nos ofrece.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de julio de 2025.
• Galería de posters por este enlace.