ZOOTRÓPOLIS 2, una digna secuela (crítica sin spoilers)

Con Zootrópolis 2 uno pensaría que en Disney han aplicado ese dicho de "las cosas de palacio van despacio": esta secuela llega casi una década después del film original. La película previa destacaba por un planteamiento atractivo, no solo imaginando una urbe donde viven todo tipo de animales, si no que haciéndolo con coherencia a como son. Y todo ello envuelto en un claro homenaje a las buddy-movies, con dos protagonistas obligados a entenderse.

 

La Zootrópolis original de hecho funcionaba tan bien en cuanto a su planteamiento que desde Disney (para ser exactos desde su variante Pixar) no dudaron en volver a aplicarlo en otras películas como por ejemplo Elemental, en la que su Ciudad Elemento no dejaba de ser una traslación de la misma idea, pero adaptada a lo que se requería en aquel film. Incluso hubo un intento de miniserie (Zootrópolis+), aunque admito que no la he visto. 

 

Como no era plan de dejar pasar una marca que podía seguir siendo rentable, se ha recurrido a algunos de los directores del film original (Jared Bush y Byron Howard, siendo Rich Moore quien no repite), y aquí nos ofrecen una nueva aventura de la conejita Judy Hopps y el zorro Nick Wilde, la carismática pareja protagonista que encandiló en la primera entrega. Perdiendo, como ocurre con las secuelas, el factor sorpresa del film inicial, aquí los volvemos a encontrar en una mezcla de aventuras, thriller y comedia.

 

La estructura argumental sería similar a la de la primera entrega (de hecho se reinsiste con acierto en detalles previos que funcionaron, justo por la certeza de que siguen siendo validos), y el macguffin que motiva la acción de esta secuela sería una prueba de que los responsables de la composición de la ciudad (con los diferentes climas, adecuados para cada animal) no fueron los que se supone, sino otros que viven en la clandestinidad.

 

Si ya en la primera película quedaba claro su homenaje a las buddy-movies policiacas de los años ochenta y noventa (sólo que aquí con animales), eso queda aún más patente en esta. De hecho entiendo que no podían jugar con esa baza al ser su público potencial el infantil, pero sin esa cortapisa no dudo que se hubiera establecido una tensión sexual no resuelta entre Judy y Nick, que aquí deriva en una siempre agradecida valoración de la amistad.

 

Es también digno de reseñar la trama que engloba al personaje de Gary (la serpiente) ya que, quien sepa leer entre líneas, es fácil ver un reflejo de problemas sociales como el mantenimiento del problema de la gentrificación. También es un acierto el simpático guiño a Ratatouille o el más sorprendente (resulta inesperado pero funciona muy bien) a uno de los momentos cumbres de la película El resplandor de Stanley Kubrick. 

 

De cara a no eternizar su acertado metraje (107 minutos), sus responsables han decidido incluir a muchos secundarios de la primera película pero en meros cameos, que igual pueden parecer poco según cuales sean (aunque el del perezoso me resultó divertido y funcional). Aparte de la serpiente antes citada, entre los nuevos personajes la más destacada sería una castor que tiene un podcast conspiranoico, y que ayudará a los protagonistas.

 

Con un ritmo trepidante y echando mano en algunos momentos del siempre solvente y socorrido humor slapstick, este film comienza con Judy y Nick ejerciendo de forma tan brillante como policías que han levantado la animadversión de todos sus compañeros. Pero la aparición del primer reptil en Zootrópolis en 100 años provocará que suceda un malentendido con el dúo protagonista que les obligará a tener que huir como fugitivos.

 

Como iba preavisado me quedé hasta el final de los títulos de crédito, ya que hay una secuencia que igual no es muy trascendente... o igual sí, ya que puede dejar el camino abierto para una tercera entrega más que probable a tenor de los excelentes resultados en taquilla que ya está marcando. Pero una vez vista sería un éxito más que merecido porque sin duda en este caso Disney se ha marcado una digna secuela.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de noviembre de 2025.
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TRON: ARES, espectacular maniqueísmo (crítica sin spoilers)

Con Tron: Ares se demuestra que nunca es tarde para sacar rédito de una I.P. (propiedad intelectual en sus siglas en inglés) aunque hayan pasado 15 años desde la anterior entrega (un lapsus temporal como el que hubo entre las películas Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal e Indiana Jones y el dial del destino), y a su vez 43 años desde la primera película, que en su día no fue un fracaso sino que logró un éxito moderado (33 millones de dólares de recaudación sobre unos 17 de presupuesto), triunfando luego en los videoclubes.

El film de 1982 no lo vi hasta su estreno en televisión, pero admito que imágenes como la "introducción" del protagonista dentro del sistema informático dejó asombrado al espectador infantil que era yo por aquel entonces. Disney sacó una secuela en 2010, en la que multiplicó por 10 el presupuesto de la original, pero la recaudación que alcanzó Tron: Legacy no fue un fiasco aunque tampoco como para tirar cohetes: 400 millones de dólares, otro éxito moderado. 

Ya la secuela de 2010 pecaba de ser más llamativa en lo visual que en lo argumental, en una tónica que se está haciendo muy común con los avances tecnológicos aplicados al mundo del cine. Muchas películas de hoy en día buscan apabullar al espectador con imágenes espectaculares, que luego están hilvanadas con un guion que no está a la misma altura. Y eso se repite también en esta tercera entrega de la franquicia, que peca de un exceso de maniqueísmo.

La ambición es mala (esa sería la idea) y si Ed Dillinger (encarnado en la película original por el actor David Warner) era el villano a batir, su hija Elisabeth (encarnada en esta película por Gillian Anderson, la agente Dana Scully de Expediente X) ha sido la madre de Julian Dillinger (encarnado en esta película por el actor Evan Peters, visto como el veloz Mercurio en la saga X-Men mientras estuvo en manos de la Fox), nieto del inicial Ed y actual dueño de Dillinger Systems. Su visión es muy pragmática, y defiende el interés defensivo y militar sobre todo lo demás (en un símil parecido a como era Tony Stark antes de convertirse en Iron Man). Pero tiene un hándicap con la permanencia de sus creaciones...

Aunque puede trasladar del mundo digital al real cualquier cosa, nada le dura más allá de un límite preestablecido de 29 minutos, manteniendo una dura competencia empresarial con ENCOM, que tiene el mismo problema de tiempo, si bien su responsable Eve Kim (encarnada aquí por Greta Lee) tiene en mente objetivos más humanitarios y menos militares que los de Dillinger Systems. Entremedio de esa pugna se añade Ares (encarnado con aspecto mesiánico por Jared Leto), un programa al que intentan comercializar como el soldado perfecto, pero que empieza a tener dudas sobre cual debería ser su objetivo en la vida (como si fuera un replicante de Blade Runner).

Cuando Eve Kim consigue el código de permanencia que en su día creó Kevin Flynn (encarnado por Jeff Bridges en las tres entregas, ya que aquí aparece en un cameo también bastante mesiánico que nos permite volver a los escenarios vistos en 1982), Dillinger no dudará en ir contra ella, ya que quien posea dicho código de permanencia logrará que lo que traigan del mundo digital no desaparezca pasados 29 minutos. Maniqueísmo blanco y en botella: la empresa ambiciosa serían los malos (pese a que la madre de Julian no deje de decirle que se está pasando de la raya), la humanitaria los buenos y Ares que se aliará con esta última para conseguir tener vida propia, y no tan solo temporal. 

Teniendo en cuenta lo espectacular que es en su apartado visual Tron: Ares, resulta una lástima que el guion peque de ser tan simple, careciendo de mayor profundidad que la citada (de hecho su maniqueísmo sería tan palpable solo en su código de colores que resulta obvio). Eso sí, lo que funciona de forma estupenda nada más empezar es la banda sonora de Nine Inch Nails, que resulta un aspecto digno de mención en esta entretenida secuela, con un ritmo y unas secuencias de acción que ayudan a ello. A eso hay que sumar una escena entre créditos donde un cabo suelto sugiere futura secuela, con un guiño sobre el aspecto que lucía David Warner en el Tron de 1982.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de octubre de 2025.
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ELIO, crítica sin spoilers de otro título Pixar menor pero entretenido

Con esta Elio se le podría decir a Pixar aquello de "quién te ha visto y quién te ve" o "de lo que llegaste a ser a cómo te has quedado". En otros tiempos cualquier producción de la compañía del flexo lograba críticas elogiosas y récords de taquilla, pero desde 2020 con Onward (y luego el posterior estreno directo en la plataforma Disney Plus de Soul, Luca y Red debido a la pandemia del Coronavirus), el entusiasmo crítico ha bajado y el público ya no responde como antes.

Más allá de la calidad por separado de cada uno de los títulos citados, aún siendo evidente que ya no rozan la excelencia como antes, las cosas no mejoraron tras volver a estrenarse sus películas en cines, ya que Lightyear (que no alcanzó las expectativas que tenían en ella) y Elemental (a la que también le costó llegar a unos resultados como mínimo correctos en cuanto a taquilla) no pasaron de ser unos meros entretenimientos, sin la grandeza previa. 

La cosa parecía que había remontado con Del revés 2, que logró unas mejores críticas y recaudación que los títulos previos, pero siendo una secuela (lo cual le resta el aliciente de lo original). Pero este 2025 con Elio han tenido los peores resultados en taquilla de ningún estreno ya desde su mismo inicio, logrando apenas 20 millones de dólares en su llegada a la cartelera americana.

Contando que ha tenido una campaña de marketing bastante pobre (al igual que la propia Disney ha hecho este mismo año con su remake de Blancanieves), la sensación que deja es la misma que con el film con Rachel Zegler y Gal Gadot: vamos a estrenar lo que al final nos ha quedado y que sea lo que Dios quiera. En este caso parece ser que media un abismo entre lo que en origen era esta película y lo que al final ha acabado siendo, por políticas internas de la propia Pixar que han desposeído a Elio de sus referencias más progresistas e inclusivas, hasta dejarlo en un simple producto complaciente y conservador.

De todas maneras, y siendo puntilloso, si uno le quiere "buscar los tres pies al gato" se podría entender el Comuniverso (esa especie de Naciones Unidas galácticas) como una metáfora del mundo LGTBIQ+, en el que todo es color, diversidad y aceptación, seas como seas. Por su parte la raza alienígena hostil se podría interpretar como los homofóbicos, ya que para ellos no hay lugar para nada salvo lo que ellos creen lo correcto, y el personaje de Glordon puede interpretarse como un miembro tolerante de su especie (¿se podría considerar LGTBIQ+?), pero que esconde sus sentimientos a su progenitor para no decepcionarlo. El final, sin spoilers, vendría a representar la aceptación de la diversidad. 

Son detalles que podían prevalecer de la versión original de Adrian Molina, el primer director que tuvo esta película y que la abandonó por diferencias entre lo que él pensaba y lo que los directivos de Pixar querían. Su visión del personaje de Elio incluía un alma más latina, su pasión por la moda (de lo que queda tan solo esa capa que lleva más que nada porque sí), la defensa del medio ambiente y el póster de su ¿ídolo/crush? en su habitación. Pero todo eso se ha diluido por temor de Pixar a una recepción tan furibunda como la escueta escena (a lo sumo 1 segundo) del beso entre dos mujeres visto en Lightyear, y que exacerbó los ánimos de los beligerantes y ¿justificó? su relativo fiasco en la taquilla.

El resultado final no es malo, pero tampoco podríamos encumbrarlo como otros clásicos de Pixar. Vendría a resumirse en un protagonista que no consigue encajar con nadie, creyendo que si hay vida más allá de nuestro planeta, quizás los alienígenas sí lo acepten. Cual será su sorpresa cuando descubra al Comuniverso, una utopía alienígena fascinante en su apartado visual (ahí Pixar sigue asombrosa), pero en la que no se ahonda lo suficiente. Después vendrá una trama correcta y más o menos entretenida en la que digamos que confluyen diferentes conceptos argumentales (empatía, duelo, familia, el hecho de ser diferente y la inmensidad del cosmos) que no llegan a la altura visual de esta propuesta. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de julio de 2025.
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PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS, un sangriento complemento

Esta Predator: Asesino de asesinos es claro resultado del éxito que tuvo la entrega previa (Predator: La presa) cuando se estrenó en el verano de 2022 en Disney Plus por la poca confianza que tenían en ella... para luego convencer en líneas generales a público y crítica. A sus espaldas tenía una franquicia que comenzó en 1987 con la película Depredador dirigida por John McTiernam y con Arnold Schwarzenegger de protagonista, a la que siguió una secuela que no tuvo tanta suerte, dejando en letargo futuras entregas.

 

Tras varios años detenida, a alguien se le ocurrió la brillante idea de realizar un crossover con Alien (de la saga homónima) para intentar repetir el éxito que dichos combates habían tenido en las viñetas. Digamos que habrá quien defienda las dos películas (2004 y 2007) de Alien vs.Predator... pero no seré yo uno de ellos.

 

Con la criatura de nuevo en solitario, se probó suerte en 2010 con Predators y en 2018 con Predator, pero ninguna logró cubrir lo que se esperaba de ellas (y de ahí que la película de 2022 antes citada no levantara interés inicial para su estreno en salas de cine, yendo directo a la plataforma Disney Plus). Eso cambió con su inesperado éxito, por lo que este 2025 habrá dos películas de Predator, primero esta de animación con estreno en plataforma, y en noviembre la de acción real Predator: Badlands, que llegará a los cines.

 

En el caso del presente film estamos ante un relato episódico, que en inicio parecen ser independientes entre sí, pero que confluyen en su tramo final. Las historias, localizadas en diferentes periodos históricos, se centran en una guerrera vikinga, un ninja del Japón feudal y un soldado norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. Tengo que admitir que me llamó la atención el tramo japonés, ya que viene a ser una sucesión de acción sin apenas ningún diálogo, pero mostrándose efectiva en lo que quiere narrar. De todas maneras el estilo de animación no me ha resultado del todo convincente, aunque deviene funcional, que en última instancia es lo que interesa.

 

Habrá quien pueda tener prejuicios hacia el hecho de que un film así se estrene en Disney Plus, siendo una plataforma más asociada (en general) al entretenimiento infantil, pero en ese sentido tengo que admitir que cumple con la esencia de la franquicia. Con eso me vengo a referir a que casi desde el inicio todo es una brutal orgía sangrienta de violencia desenfrenada, destacando de forma especial en el primer tramo con los vikingos. Y para no hacer repetitivos los tres segmentos que conforman esta película, antes de la confluencia final, el tercero de ellos sería un combate aéreo, siendo relativa novedad porque hasta ahora los más espectaculares en esta franquicia han sido cuerpo a cuerpo.

 

El problema de Predator: Asesino de asesinos es su condición de mero complemento co-dirigido por Dan Trachtenberg, responsable tanto de la previa La Presa como de la próxima Badlands, que aquí comparte dicha función con Joss Wassung. Es como si en una tormenta de ideas sobre posibles secuelas para el film de 2022 hubieran elegido estas tres opciones, limitándose a engarzarlas para darles una cierta coherencia, aprovechando la animación para así realizar un film de presupuesto más contenido (en esta época en que en Hollywood el exceso de gasto hace difícil la rentabilidad de ciertas películas). El resultado cumple con la esencia de la criatura, pero (al menos a mi) me sabe a poco.

 

Su función de mera bisagra entre lo estrenado y lo que está por llegar (o como mínimo valoran) se encuentra cuando al final se ven una serie de cámaras criogénicas en la que los más avezados han creído ver cierta criatura con la que pueden volver a cruzarse, así como detalles que van desde la misma película inaugural de 1987 hasta la más reciente, siendo en el caso de esta última la referencia bastante evidente. Con lo visto en Predator: Asesino de asesinos cabe la suposición de que los yautja (la especie a la que pertenecen estas criaturas) reúnan a los mejores y más avezados guerreros de diferentes épocas y lugares con objeto de... lo que se les ocurra de aquí a futuras entregas.  

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 6 de junio de 2025.
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LOS 4 FANTÁSTICOS: TODA UNA VIDA y GALAXIA LUCAS: MÁS ALLÁ DE LA FUERZA (segunda edición actualizada y ampliada)

Con el próximo estreno de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos tenía pendiente de leer este tomo del famoso cuarteto de Marvel, enfocado como el de Spider-Man que me leí hace unos años, y que completé con el Annual en fechas más recientes, por lo que he puesto solución a ello solicitándolo a una de las pocas bibliotecas (para mi sorpresa) que lo tiene.

Mi interés en este cómic estaba, de nuevo, en su planteamiento: si Chip Zdarsky en el guion y Mark Bagley en el apartado gráfico habían logrado con Spider-Man tan buenos resultados a la hora de repasar los grandes momentos de su historia cual si hubieran transcurrido en tiempo real, quería leer lo que habían hecho Mark Russell en el guion y Sean Izaakse con la misma premisa. 

En los seis capítulos de Los Cuatro Fantásticos: Toda una vida se repasan las seis décadas que van desde 1961 (cuando estos personajes fueron creados) hasta el momento de su 60º aniversario, con la particularidad de que el tiempo pasa de forma real por ellos, envejeciéndolos en lugar de dejarlos estancados en ese limbo en el que están los personajes de cómics de superhéroes, donde su edad quedó más o menos detenida para así tenerlos siempre vigentes.

Las seis entregas que componen esta serie, una por década al igual que ocurría en el caso del arácnido, tienen un respectivo, podríamos decir, "narrador": son Reed (para los años 60), Susan (para los 70), Johnny (para los 80) y Ben (para los 90). Por su parte las dos décadas primeras del nuevo siglo corren a cargo de Franklin y de nuevo Reed, lo cual se justifica en el primer caso porque evidentemente el hijo de Reed y Susan aquí crece hasta una edad adulta en la que forma su propia familia; mientras que Reed cierra la epopeya que él mismo comenzó, pese al estado en que se encuentra tras todo el tiempo pasado y los hechos que ocurren.

Pero hay matices: uno esperaría que el esquema de estas seis décadas fuera el mismo que se empleó con Spider-Man, pero en este caso no se repasan los grandes éxitos del cuarteto a lo largo de esas seis décadas mientras ellos envejecen a tiempo real. El guionista Mark Russell (del que hace años leí su brillante reinvención de Los Picapiedra) se limita a un hecho trascendental: la llegada de Galactus. 

El cambio radica en que es la visión de tan tremendo contrincante lo que asusta a Reed justo cuando el cuarteto logra sus poderes, y pasará cinco décadas intentando convencer a todo el mundo del peligro que acecha, lo que en un principio acabará alejando a Sue de él (que tendrá una aventura amorosa con Namor). Pero cuando se concrete, tras muchas vicisitudes, llevará a la inicial resignación por parte de toda la humanidad, aunque (como es lógico) habrá un inesperado giro de guion para solventar dicha crisis. 

Lo interesante de eso es ver la evolución de los personajes, que resulta bastante coherente aunque en muchas ocasiones sea más de forma individual que como grupo. De forma secundaria aparecen algunos villanos clásicos del cuarteto, siendo el que tiene mayor importancia (algo de todas maneras lógico) el Doctor Muerte, cuyo origen y desarrollo es diferente respecto al clásico, aunque su esencia al final haga acto de presencia.

En la última década (los años 2010) ya se ve como el tiempo pasa para todos, siendo una nueva generación de superhéroes (el Spider-Man de Miles Morales, Ironheart, etc.) los que toman el relevo. Me quedo con las ganas de ver como se podría desarrollar la premisa de esta línea Toda una vida en otros personajes que dan pie para ello, caso de Daredevil (que creo que se ajusta muy bien), aunque podrían servir otros como Iron Man, que tiene presencia secundaria tanto en el de Spider-Man como en este.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Los 4 Fantásticos: Toda una vida, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

• GALAXIA LUCAS: MÁS ALLÁ DE LA FUERZA, mi reseña de la segunda edición actualizada y ampliada por este enlace.

BASIL EL RATÓN SUPERDETECTIVE de EVE TITUS y DISNEY

Empiezo con un pequeño inciso: hace muchos años que conozco la película Basil el ratón superdetective de Disney, que fue estrenada en 1986 aunque yo no la vi hasta los noventa en video. Mi presunción (equivocada) era que la Disney la había hecho como homenaje para coincidir con el centenario de Sherlock Holmes en 1987 (la inicial Estudio en escarlata se había editado en 1887). Es gracioso porque lo que voy a decir incluso sale reflejado en sus títulos de crédito, pero no me he percatado de ello hasta ahora, ya que he aprovechado para revisar la película y descubrir la obra literaria que toma como base (que en esencia tienen poco en común).

Y es que Basil el ratón superdetective está basado en un cuento infantil de Eve Titus con ilustraciones de Paul Galdone del que desconocía por completo su existencia, hasta que hace unos días buscando al azar en el catálogo de las bibliotecas lo encontré, en una edición de Blackie Books de 2020, aunque la historia vio la luz en 1958. Pese a que al popular Sherlock Holmes lo han interpretado multitud de actores a lo largo de los años, en el momento en que se escribió esta obra la mayoría coincidía en señalar a Basil Rathbone como el que mejor lo encarnó en las 14 películas que hizo dando vida al detective entre 1939 y 1946, siendo como homenaje a él lo de poner Basil al roedor protagonista.

El libro de Eve Titus es un cuento muy recomendable para los más pequeños, al que el hecho de venir acompañado por las ilustraciones originales de Paul Galdone le confiere un mayor mérito, cual si fuera un equivalente al Sidney Paget que se encargó de lo mismo en las obras de Sherlock Holmes escritas por Sir Arthur Conan Doyle. La historia, orientada hacia el público infantil, plantea el secuestro de las gemelas Angela y Agatha dentro del mundo ratonil ingeniado en el subsuelo del Londres victoriano, lo que llevará a Basil y su amigo el doctor Dawson (claro equivalente ratonil de Watson) a descubrir un perverso plan orquestado por los Tres Terribles.

Esta novela de Eve Titus es la primera de las cinco que dedicó a este ratón detective, y su título original es Basil of Baker Street, aunque para esta edición se aprovechara el título de la película animada de Disney para darle mayor notoriedad. En la ficha de la Wikipedia de la autora se puede consultar toda su obra, incluidos los otros títulos de Basil que, al menos que me conste en el momento de escribir estas líneas, no han tenido edición española (o al menos la desconozco). Pero a la hora de la adaptación por parte de Disney en 1986 no sé si unificaron detalles de los otros relatos, pero digamos que los parecidos son más bien escasos, aunque el resultado es bastante entretenido.

Además de Basil como trasunto de Sherlock Holmes, el Doctor Dawson equivalente a Watson y la señora Judson respecto a la humana señora Hudson, en el film tenemos como villano al Profesor Ratigan, reflejo en rata (lo cual le irrita mucho que le digan) al Profesor Moriarty, y al que pone voz en la versión original el emblemático actor Vincent Price. El esbirro principal del villano es un torpe murciélago cojo, y en su banda tiene más ratones y una gata con la que digamos que controla la disidencia entre sus secuaces, mientras que el equipo de Basil tiene a Toby, el perro de Sherlock Holmes al que se menciona en El signo de los cuatro, si bien ninguno aparece en la obra de Titus.

El único nexo en común entre libro y película sería que en ambos todo comienza por un secuestro, pero mientras que en la obra son dos gemelas y el plan de los villanos es diferente, en la película el personaje secuestrado es un ratón juguetero llamado Hiram Flaversham, siendo su hija Olivia quien acudirá a pedir ayuda a Basil. A medida que avance la película se descubrirá que todo es un plan megalómano del Profesor Ratigan para lograr más poder (y no digo más para no desvelar spoilers). A nivel de curiosidad citar que en su versión original se usó la voz grabada de Basil Rathbone para dar voz a Sherlock Holmes, ya que el citado actor falleció en 1967.

• Basil el ratón superdetective de Eve Titus, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (en castellano y catalán) por este otro. CALIFICACIÓN: 4/5 (Buena).
• Basil el ratón superdetective de Disney, ficha en Imdb por este enlace y ficha en Filmafinitty por este otro. CALIFICACIÓN: 3,5/5 (Entretenida).

BLANCANIEVES (2025), cuqui hasta el empacho (crítica sin spoilers)

Hubo hace unos años una efímera moda (como suelen ser la mayoría) de reinterpretar cuentos infantiles clásicos, lo que generó cosas tan curiosas como Hansel y Gretel: Cazadores de brujas. En esa moda también se miró hacia el cuento clásico de Blancanieves, y además por partida doble: en 2012 coincidieron los estrenos de Blancanieves (Mirror, mirror) y Blancanieves y la leyenda del cazador, de la que esta última logró el éxito suficiente como para generar una secuela (El cazador y la reina de hielo) que tuvo peor suerte.

 

Pero si hay alguien que son los reyes del cuento infantil, esos son sin duda el imperio Disney, que tras ofrecer durante décadas clásicos animados que adaptaban todo tipo de relatos de ese estilo, lleva desde hace más de una década fagocitando su propio legado, con remakes en acción real de toda la cartelera histórica que tienen (que no es poca). La lista es extensa, destacando para un servidor la nueva versión de El libro de la selva, si bien sus virtudes fueron fagocitadas para el innecesario remake de El Rey León, que a su vez tuvo el éxito suficiente para generar Mufasa, estrenada hace pocos meses y que sirve tanto de precuela como de secuela.

 

Mirando al pasado, hacia sus mismos orígenes, ahora sería el turno de Blancanieves y los siete enanitos, el primer film animado de la factoría Disney, que 88 años después de su estreno (1937) se ve ahora readaptado en "supuesta" acción real (y lo digo porque la misma luce aquí como lo hacía en el remake antes citado de El Rey León, sólo que en este caso haciéndolo TODO CUQUI) de la mano de Marc Webb, responsable de las dos The Amazing Spider-Man con Andrew Garfield como el superhéroe arácnido de Marvel. Encabezando el reparto están Rachel Zegler como Blancanieves y Gal Gadot dando vida a la Reina Malvada, en una elección de casting cuando menos discutible, ya que (al igual que sucedió con Blancanieves y la leyenda del cazador en 2012, allí con Kristen Stewart de heroína y Charlize Theron de villana) uno diría que es mucho más atractiva la reina malvada, aunque aquí sea una maldad diluida, que no la supuesta protagonista, que aquí la representan tan valerosa como independiente, en la línea de las más recientes princesas Disney. 

 

Pero permitirme un inciso ajeno (más o menos) a la película: ahora mismo se está rodando Scream 7 con Neve Campbell de protagonista, después de que el estudio despidiera a la actriz Melissa Barrera (y luego Jenna Ortega de rebote) por sus declaraciones sobre la guerra de Gaza. Hasta ahí uno puede estar más o menos de acuerdo con cada parte (la una dijo las cosas como son, y los otros no quieren perder dinero), pero al menos han evitado polémicas a la película, aunque habrá que ver el resultado final. ¿Por qué Disney no actuó de una forma similar con esta nueva versión de Blancanieves? Rachel Zegler ha manifestado opiniones a favor de Palestina, mientras que Gal Gadot ha hecho lo propio con Israel (no en vano ella es originaria de dicho país), siendo un tema tan candente como polémico.

 

Además se suma la decisión de realizar por CGI los enanos del relato, lo que generó críticas como las de Peter Dinklage, que tildaba de hipócrita a Disney por ser "progresistas" en la elección de Rachel Zegler (de origen colombiano, de cara a congraciarse con la comunidad latina), pero no con los enanos, haciendo prevalecer estereotipos sobre la gente que padece acondroplasia. Me imagino que para realizar las caricaturas de los enanos del film animado original prefirieron, dentro de lo malo, hacerlo así para que luego no dijeran que ridiculizan a la gente con acondroplasia. Eso si, con esta opción no consiguen ni de lejos ser tan carismáticos como los originales, y no sé que tomarían como base ya que Gruñón me recordó a Tommy Lee Jones y Mudito a Alfred E.Neuman, la mascota de la revista Mad.

 

Entre unas cosas y otras eso ha llevado a que el estreno de esta película haya sido una "patata caliente" que los Disney no sabían como quitarse de encima, realizando una campaña de promoción bastante inferior a lo que suele ser habitual en ellos, ya que tienen dudas de que puedan rentabilizar su presupuesto de 270 millones de dólares. Y es que estamos más ante una reescritura del cuento que una adaptación, con detalles (entre otros) como cambiar al Príncipe Azul por un bandido con ínfulas de Robin Hood, ya que la historia se debate en todo momento entre querer ser fiel al original, pero al mismo tiempo ser moderna. El resultado final es tan blanco, tan cuqui (que lo es), está todo tan suavizado, que al final se queda en "tierra de nadie": se deja ver, se pasa el rato, y ya está,... otro remake Disney más.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de marzo de 2025.
• Galería de posters por este enlace.

JOKER: EL MUNDO / EL DESTRIPADOR DE PELÍCULAS / ULTIMATE SPIDER-MAN 11 / WHAT IF: ¿Y SI DONALD FUERA LOBEZNO? /

JOKER: EL MUNDO

Hace años me leí el cómic Batman: El mundo que se trataba de una antología de breves historias relacionadas con Batman y llevadas a cabo por diferentes autores de más de una docena de países, estando España representada por un relato de Paco Roca, curioso pero meramente anecdótico. La idea debió de calar porque ahora se hace una operación similar con el Joker, en unos breves relatos a cargo de autores de Estados Unidos, España, Alemania, Italia, Turquía, Brasil, Mexico, Polonia, República Checa, Corea del Sur, Argentina, Camerún y Japón. En este tipo de obras digamos que cada uno tendrá sus mayores o menores preferencias (según los gustos de cada cual); en mi caso me decanto por el de Camerún (por lo curioso de su procedencia), pero sobretodo Japón (con el primer capítulo de un manga con un Batman bebé al cuidado del Joker) y España, ya que la historia de David Rubín encierra una sarcástica crítica a la sociedad y la política española, que incluso el Joker se siente superado ante ello.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Joker: El mundo, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

EL DESTRIPADOR DE PELÍCULAS

Muchas veces he citado cómics leídos que corresponden a autores a los que conocí por su trabajo en la revista satírica El Jueves, siendo muchas veces recopilación del material editado allí. Eso se vuelve a repetir en este caso, con la sección Juanjo el Destripador, recopilada aquí como El destripador de películas. Esta antología de Juanjo Cuerda sirve para deleitarse con el apartado gráfico que el autor otorga a sus críticas (porque en el fondo no dejarían de ser eso), aparte de esbozar en las mismas las causas por las que él considera que cada título no merece la pena, completándose con diez sugerencias de otros films relacionados con la esencia de cada película analizada, y que el autor considera mejores. 

Todo se reduce al eslogan con el que se promociona este cómic: 50 películas que te vendieron como buenas y 500 que deberías ver en su lugar, si bien entiendo (porque me ha pasado) que cada lector tenga sus discrepancias a tenor de los títulos escogidos o, en su defecto, de los recomendados (vamos, que en algunos casos lo recomendado me parece inferior a lo criticado). De todas maneras es indudable la sabiduría cinéfila de su responsable (el citado Juanjo Cuerda) a tenor de todas las películas citadas, bien sea de una u otra forma. Por eso que aunque uno tenga discrepancias respecto a la opinión del autor, ya quisiera yo que muchos críticos hicieran valoraciones de forma tan divertida como se hace aquí.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• El destripador de películas, ficha editorial por este enlace.

ULTIMATE SPIDER-MAN 11

Entre el amplio universo de personajes que rodea a Spider-Man, cuando me aficioné a sus andanzas la primera que se me hizo llamativa fue sin duda Felicia Hardy, alias La Gata Negra, por lo que cuando vi en los avances que ella salía en la portada del número 11 de Ultimate Spider-Man, me hice la ilusión de conocer como sería en este universo (con cambios evidentes como su melena). Por eso admito que me decepcionó en ese sentido esta nueva entrega, ya que en si la citada aparece en una viñeta y sin diálogo, lo que vendría a ser un mero cameo apenas testimonial. Pero ya digo que es apenas una pequeña queja sobre un número que sigue siendo muy interesante, en la que el protagonista se las verá con el Señor Negativo y también mantendrá conversaciones con su esposa Mary Jane Watson y con su tío Ben, quedando bastante claro que este último ya ha deducido que su sobrino es quien se esconde detrás de la máscara de Spider-Man. Sin duda esta nueva andadura de esta cabecera está cumpliendo muy bien, dejando cada mes con ganas de la próxima entrega.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ultimate Spider-Man 11, ficha editorial por este enlace.

WHAT IF: ¿Y SI DONALD FUERA LOBEZNO? Y OTRAS HISTORIAS

Cuando me compré hace unos meses el cómic Tio Gilito y la moneda del infinito ya anunciaban en él estos What If, por lo que lo tenía como compra más que probable, que al final se ha confirmado. En la presente entrega hay englobadas tres realidades alternativas, de esas tan comunes en la cabecera What If de Marvel, que ponen a varios personajes clásicos de Disney como algunos de los superhéroes de la Casa de las Ideas. En este caso el cómic se abre con Donald cual si fuera Lobezno, en una divertida aventura donde también tiene cabida la versión de Ojo de Halcón a la que da vida el ratón Mickey, y un Goofy que aquí adquiere las características de Hulk, en una simpática historia que sirve para conmemorar el 90 aniversario del Pato Donald y el 50 de Lobezno (este tiene entonces la misma edad que yo). Justo después está la variante de Donald siendo Thor, que homenajea el primer cómic del Dios del Trueno, completándose esta entrega con la posibilidad de que Minnie fuera la Capitana Marvel. Un bonito entretenimiento.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• What If: ¿Y si Donald fuera Lobezno? y otras historias, ficha editorial por este enlace. 

MUFASA: EL REY LEÓN, precuela y secuela leonina (crítica sin spoilers)

Poderoso caballero es don dinero, y en Disney han visto un filón con sus live-action de su amplia cartera de clásicos animados, por lo que llevan unos cuantos años estrenando tantos que incluso con Vaiana marcarán el récord de que tan solo separen 10 años del film original a su nueva versión. Pero en este caso se trata de El rey león, que con motivo de su 25 aniversario tuvo su correspondiente adaptación, y la misma tuvo TANTO éxito (más de 1100 millones de dólares a nivel mundial; la animada de 1994 logró más de 550 millones de dólares a nivel mundial), que no se dudó mucho a la hora de dar luz verde a una secuela, que en este caso es precuela ya que se centra en la vida de Mufasa, el padre de Simba y futuro rey león.

Podríamos decir que la película de 2019 se nutrió mucho de un público nostálgico que quería redescubrir el clásico animado que vieron siendo pequeños; pero también es bien cierto que el formato utilizado de animación hiperrealista chocaba con el de la animación clásica de la cinta de 1994, por lo que aunque era todo un espectáculo visual, en esencia perdía la expresividad y el carisma del film original. 

 

A eso se sumaba el hecho de ser en esencia LA MISMA HISTORIA, por lo que más allá de esa novedad visual, en la argumental nos estaban contando lo mismo. Por eso me interesó esta precuela, ya que tocaba un tema hasta ahora no abordado ni en la película original, ni en su versión de 2019 ni tampoco (al menos que me conste) en sus secuelas y variantes en animación clásica tanto para formato doméstico (VHS allá por los noventa) como para canales Disney o su plataforma (varias series orientadas al público infantil) Esta precuela tenía que haberse estrenado este pasado verano, pero la huelga que hubo en Hollywood el año pasado (y que llevó a varios reajustes en fechas de estreno en multitud de films) llevó a que esta Mufasa: El rey león se retrasara hasta finales de 2024, para así no perder la coincidencia con el 30 aniversario de la película original; cediendo Jon Favreau la silla de director en Barry Jenkins.

 

A nivel emocional esta precuela comienza ya tocando el corazón del público, porque se recuerda al fallecido James Earl Jones, que le puso voz a Mufasa tanto en la cinta animada original de 1994 como en su remake de 2019 (aquí en España fue Constantino Romero en el primer caso y Pedro Tena en el segundo) A partir de ahí comienza una película que funciona como secuela y precuela al mismo tiempo (aunque prevalece lo segundo) ya que se nos presenta a Kiara, la hija de Simba y Nala (por lo que dicho preludio actuaría como secuela de El rey león), aunque pronto se retrocede ya que la joven Kiara, al tener que ausentarse sus progenitores, queda bajo el cuidado de Timón y Pumba (meros alivios cómicos cuya función en este film es algo irregular, aunque con algún momento de gracia) así como Rafiki, aprovechando este último para contarle a la joven Kiara una historia de su abuelo Mufasa antes de que se convirtiera en rey. Esa visión del pasado servirá para conocer ciertos detalles y relaciones entre personajes hasta ahora desconocidos.

 

Si bien la cinta de 2019 recibió críticas en relación a que su fotorealismo casi de documental le hacía perder puntos frente a la candidez de la animación clásica, en esta precuela se mantiene el tono pero con ciertos matices, ya que se permite una cierta expresividad en los animales, siempre intentando no ser demasiado chocante respecto al estilo del conjunto. En cuanto al apartado musical, las canciones de Lin-Manuel Miranda son todas bastante acertadas, pero creo que no llegan al nivel de la banda sonora original de Hans Zimmer y Elton John, ya que no encontré ningún tema que se pueda hacer tan mítico como los de aquella. Además el hecho de ser precuela puede llevar, pese a estar bien desarrollada, a que se haga previsible como acabará la shakesperiana relación entre Mufasa y Taka, aunque varios incisos durante todo el metraje ya sugieran en quien acabará convirtiéndose este último. En resumen Mufasa resulta correcta (pese a que uno se quede con las ganas de ver esto en animación tradicional), ampliando las posibilidades de esta franquicia.  

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de diciembre de 2024.
• Galería de posters por este enlace.
  

VAIANA 2 (MOANA 2), la funcional secuela que pudo haber sido serie

Que Disney es un mastodonte del entretenimiento es algo indudable, y sobretodo desde que aparte de su propia marca (y la colateral Pixar) se adueñó de Marvel y Star Wars, pero igual están tentando un poco a la suerte, y al final el público puede darles la espalda (cosa que ya ha pasado en algunos proyectos), aunque luego a nivel más general. Esto viene a colación por su actual política de masivas versiones en acción real (live-action) de la gran mayoría de sus películas de animación, y por secuelas apañadas en pocos meses para ser películas, cuando su origen inicial era haber sido serie de televisión, estando Vaiana (o Moana según el país donde se estrene) en ambos grupos.

 

En el momento en que escribo estas líneas se está rodando el live-action de la primera entrega (con Dwayne Johnson poniendo cuerpo a Maui, al que hasta ahora sólo había prestado voz), de cara a un hipotético estreno para 2026, justo una década después de la llegada del film animado original, marcando récord de menor tiempo entre una versión y la otra. Y al mismo tiempo se estrena esta secuela, de la que hace apenas unos meses se supo de su existencia, ya que en principio estaba orientada a ser serie televisiva.

 

Eso se hace evidente en un producto final entretenido lo justo, pero en esencia resuelto de forma funcional, aunque dejando los flecos suficientes abiertos como para tenga una nueva entrega o bien futuro en el formato que sea (igual, entonces si, serie)

 

En esta nueva aventura la protagonista se embarcará al rescate de una mítica isla hundida por un malvado dios, que sería el nexo de conexión para poder contactar con otras tribus. En ese periplo Vaiana estará acompañada por el cerdito Pua y el atolondrado pollo HeiHei, a los que se sumarán tres personajes nuevos: un venerable granjero llamado Kele, una ansiosa diseñadora de barcos llamada Loto y un narrador de historias llamado Moni, que además es absoluto fan de Maui. Este también se sumará al grupo de exploradores comandado por Vaiana, pero lo hará ya avanzada la acción, dejando con la sensación de que se desaprovecha la química establecida entre él y la protagonista en la primera película. Y es que ninguno de los tres personajes nuevos que he mencionado tiene una especial trascendencia, siendo inevitable pensar que hubieran sido más desarrollados en la hipotética serie que era esto en inicio, pero que se quedan como meros figurantes funcionales y asépticos en la secuela que al final ha acabado siendo.

En contraste la incorporación de una simpática hermana pequeña para la protagonista, que responde al nombre de Simea, está mejor resuelto y logra provocar la ternura para la que fue creada, logrando conseguir del espectador más emociones que los nuevos miembros de esta aventura de Vaiana. Incluso la reaparición de los Kakamora, y el viraje que se les da a estos personajes (atención al denominado Kotu), deja con la sensación de quedar en un mero esbozo lo que en serie podría haber tenido un desarrollo más acorde. Asimismo a nivel musical el resultado en esta secuela también se nota inferior: las canciones de Abigail Barlow y Emily Bear son correctas, pero falta una que esté al nivel de la de How far I'll go (¿Que hay más allá? en su versión española) o el resto de las de Lin-Manuel Miranda para el film precedente. La escena entre los títulos de crédito finales sirve para dejar las puertas abiertas para más historias, pero la simple corrección del resultado final de esta secuela no levanta de momento la ansiedad por verlas.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de noviembre de 2024.
• Galería de posters por este enlace.
  

LOS VIGILANTES / SHOCK SUSPENSTORIES VOL.2 / ULTIMATE SPIDER-MAN 7 / TÍO GILITO Y LA MONEDA DEL INFINITO (reseñas)

LOS VIGILANTES

Este año se estrenó la adaptación de esta novela, en un film que marcaba el debut en la dirección de una de las hijas de M.Night Shyamalan, y al conocer que su base era esta obra de A.M.Shine estuve atento para cuando estuviera disponible en las bibliotecas. Ya lo ha hecho, ya la he leído, y tengo que admitir que el film citado adapta de forma bastante aceptable la historia original (aunque con ciertos matices discutibles, quedando algunos detalles más claros en el libro que en el film), volviendo a insistir que lo mejor es saber lo mínimo para dejarse sorprender. La protagonista es una joven que se queda perdida en un frondoso e inhóspito bosque, en el que al parecer no está sola. Salvada in-extremis de los vigilantes, unos seres que acechan a sus víctimas, se encontrará encerrada junto con más cautivos en un lugar sin aparente posibilidad de huida, donde son observados por dichas criaturas. La historia mantiene la tensión sobre lo desconocido de la amenaza, e incluso se permite un giro final bastante sorprendente (si no se ha visto antes la película)

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Los vigilantes, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

SHOCK SUSPENSTORIES VOL.2

Tras haber leído el primer volumen de Shock Suspenstories de la biblioteca hace unos meses, ahora he tenido el gusto de dar buena cuenta del segundo, que incluye los números 7 al 12 de la cabecera homónima, que vieron la luz entre 1953 y 1954. Y cuando uno se da cuenta de que han pasado 70 años desde su origen, y de los temas que trata (entre otros la drogadicción, el culto a la imagen o la violencia vicaria) enseguida se percibe la tremenda actualidad de ello, por más que aquí estén representados según el contexto social y cultural de aquel momento. Pero si ya desde el punto de vista actual algunas historias provocan reflexiones sobre lo planteado, no me extraña que en su época fueran todo un revolucionario éxito; con el incentivo añadido en este segundo volumen de incluir adaptaciones de relatos de Ray Bradbury, sumado a la gran plantilla de artistas que tenía EC por aquel entonces. Sin duda alguna una obra maestra del comic, a la que Diabolo le está dando una lujosa edición a la altura de las circunstancias.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

• Shock Suspenstories vol.2, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro.

ULTIMATE SPIDER-MAN 7

Uno no solo vive como lector para lo que cojo de la biblioteca, sino también para lo poco que compro, y en ese grupo está la nueva andadura de Ultimate Spider-Man de Jonathan Hickman al guión y Marco Checchetto en el apartado gráfico, que en el mes en curso en que escribo esta reseña ya ha editado en España su séptimo número, y primero del nuevo arco argumental tras la presentación que fueron los seis primeros. En esta entrega se profundiza más en la tecnología Stark que son los trajes del Duende Verde y de Spider-Man, siendo el primero un modelo 1.0 y el segundo un modelo 2.0 según la definición que en estas viñetas le da un Otto Octavius que de momento no es el Doctor Octopus... aunque todo se andará (la sugerencia ahí queda, a la espera de que en el futuro se concrete de una forma u otra) También empieza a gestarse en este número la versión que habrá en este universo de Los Seis Siniestros, en este caso comandados por Kingpin, más el guiño a Todos los hombres del presidente en la breve aparición de Robbie Robertson.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ultimate Spider-Man 7, ficha editorial por este enlace.

TÍO GILITO Y LA MONEDA DEL INFINITO

Con mi medio siglo de vida pertenezco a esa generación que se crió en su infancia leyendo cómics de la editorial Bruguera y de Don Miki. De hecho de pequeño tuve una hucha en forma de libro del Tío Gilito, de la que ya ni me acuerdo que fue de ella, así como el Manual de los Jóvenes Castores con los sobrinos del Pato Donald, por lo que un cómic como Tío Gilito y la moneda del infinito me tenía que llamar la atención sí o sí con esa notable portada de Alex Ross. La historia realizada por Jason Aaron hecha mano del multiverso para mostrar el plan de un Gilito malvado que en su mundo siempre fue un amargado debido a que allí el arco argumental Navidad en Monte Oso acabó sin final feliz... con la curiosidad de que este número especial se completa con dicho relato clásico escrito y dibujado por Carl Barks, para así entender el origen de la nueva aventura. Entre los destacables extras (incluidos futuros What If Disney-Marvel) se incluyen portadas alternativas dibujadas por autores como John Romita Jr., Frank Miller o Walter Simonson entre otros.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Tío Gilito y la moneda del infinito, ficha editorial por este enlace.

Vistos 15 minutos de ALIEN ROMULUS, estreno el 15 de agosto

En mi caso descubrí la franquicia Alien en 1992, cuando pude ver la primera y la segunda en formato doméstico, y la tercera de estreno en cines. A partir de ahí he visto todas las cintas posteriores de la misma forma, pero es cierto que esa sensación especial de cuando vi por primera vez la primera película... pues como que no se ha repetido. Eso ha sido parte de lo que ha comentado Fede Álvarez, el director de Alien Romulus, cuando he acudido hoy (junto con otros medios) a la presentación en Barcelona de varias escenas del citado título, que se estrena el próximo 15 de agosto.

Según declaraciones del propio Álvarez, ha intentado realizar una película que recuperara parte del terror inherente tan solo a la primera entrega de esta franquicia, pero que luego se ha ido diluyendo en las películas posteriores. El avance que se nos ha proyectado, el cual ha sido escogido por el director, no ha revelado ningún spoiler (según él) digno de mención, aunque en mi opinión si que me ha parecido ver un relativo esquema bastante similar al del film inaugural de 1979.

 

Eso a priori no tiene que significar algo malo, máxime cuando a nivel cronológico esta nueva entrega se supone que se sitúa, también según el propio Álvarez, veinte años después de la primera película, y antes de la segunda. Pero también sería cierto que la más reciente (Alien Covenant) era algo así como un remake (aparte de los sucedáneos de todo tipo que ha tenido Alien a lo largo de las décadas)

 

En las escenas proyectadas, visualmente impecables (me gustó la utilidad que se da a algo así como un aparato de rayos-X portátil, en el que un personaje ve como otro tiene al Alien pugnando por salir de su pecho), hay un momento en el que se revela que personaje es un androide (al necesitar reiniciarse), algo que siempre ha dado mucho juego en esta franquicia, sobretodo en la primera película. Pero eso es un mero detalle secundario ante el asedio que los abrazacaras (o facehugger) lanzan contra parte de la tripulación, siendo un momento que he de admitir que acierta, ya que transmite mucha tensión y angustia. Pero sin duda lo que más llamó la atención (incluso le realizaron una pregunta al director por ello) fue ver como "nace" el Alien adulto, algo que hasta ahora nunca se había mostrado, pasando del embrionario que revienta el pecho de su víctima al ya humanoide, pero sin mostrar ese paso intermedio.

Cabe recordar que del director uruguayo Fede Álvarez, nacido en Montevideo en 1978 (un año antes de que se estrenara la primera entrega de esta amplia franquicia) son dos títulos tan destacables como el remake de Posesión Infernal de 2013 y la sorprendente No respires en 2016, por lo que mantengo la esperanza de que su trabajo en la franquicia Alien sea como mínimo tan entretenido como los films citados, aunque siempre partiendo del (relativo) handicap de la larga singladura de los xenoformos tanto en cine (esta será la séptima película de la franquicia, sin contar los dos spin-offs que los enfrentaron con Predator) como sobretodo en las viñetas (justo hace poco hice la reseña de unos cuantos cómics de ellos), si bien el propio Álvarez comentó no haberse sentido presionado por ello. De momento con el anticipo visto hoy creo que quizás su responsable pueda hacer experimentar a las nuevas generaciones las mismas sensaciones que nos dejó Scott en el primer film (o eso pretende), aunque admite que es imposible cubrir las expectativas de todo el mundo.

 

DEL REVÉS 2 (INSIDE OUT 2), estallido emocional (crítica sin spoilers)

Decir Pixar es sinónimo de Disney, y a esta no es que le vayan muy bien las cosas en los últimos tiempos: de los cinco mayores fracasos en la taquilla del año pasado, cuatro son de dicha compañía (para ser exactos The Marvels, Indiana Jones y el dial del destino, Wish: El poder de los deseos y Mansión encantada, la única que no he visto del grupo, siendo el título que falta el The Flash de Warner) 

 

Pero es que Pixar como tal tampoco es que pase por un buen momento: tras tener que estrenar en origen en streaming, debido a la pandemia, Soul, Luca y Red (aunque hace poco tuvieron una reciente oportunidad en salas de cine), los posteriores estrenos tanto de Lightyear como de Elemental se saldaron con resultados poco satisfactorios tanto a nivel de crítica como de público. 

 

Y cuando se necesita un éxito desesperado, es cuando se decantan por secuelas de películas que triunfaron, ya que en un principio hay más posibilidades de éxito al ser un producto conocido (algo que Pixar ya conoce cuando empalmó diferentes secuelas de Buscando a Nemo, Cars, Los increibles y Toy Story entre los años 2016 y 2019, y en lo que reincidirá tanto con la presente como con una quinta entrega de Toy Story) No hay problema en ello, ya que de las citadas y ya estrenadas se puede decir que hubo para todos los gustos, pero uno añora esa Pixar que ofrecía siempre títulos novedosos e innovadores, logrando que los espectadores se ilusionaran y asombraran.

Más allá de que determinadas secuelas, estén mejor o peor, dejan con la sensación de seguir exprimiendo franquicias en exceso (para un servidor Toy Story tendría que haberse quedado en trilogía), admito que una nueva entrega de Del Revés no sonaba descabellado, ya que la original dejaba con ganas de más, siendo posible ir más allá de las cinco emociones que allí se presentaron (Alegría, Miedo, Asco, Ira y Tristeza) Dicho y hecho: a las citadas se unen en esta secuela Ansiedad, Envidia, Vergüenza y Aburrimiento, que hacen su entrada en la cabeza de la protagonista cuando podemos afirmar que la joven Riley ya no es la niña de la primera película, sino toda una adolescente. A nivel interno no es el único cambio, porque Pete Docter (responsable de la primera entrega, así como de otros títulos populares de Pixar tales como Monstruos S.A., Up o Soul) cede su puesto de director a Kelsey Mann, que debuta en dicha función aunque ya ha realizado otros trabajos en la compañía del flexo, tales como el guion de El viaje de Arlo.

 

La premisa argumental de esta secuela es sencilla, pero sin duda bastante bien aprovechada: la entrada en la pubertad de Riley hace que las emociones que tiene en su cabeza se vean de pronto desbordadas por cuatro nuevas (las antes citadas, aunque también hay breves cameos de una quinta más adecuada a cuando la protagonista sea más mayor), que intentan tomar el control y relegar a las previas. Si en la primera película Alegría y Tristeza eran las emociones principales, eso se repite aquí, poniendo en el otro bando a Ansiedad y Vergüenza como líder y secundario fundamental respectivamente para resolver la situación que se plantea. ¿Y esta cual sería? La primordial entre todo adolescente: intentar encajar en un nuevo grupo, en este caso el equipo de hockey donde Riley aspira a jugar. Eso llevará a mostrar de manera bastante didáctica como se nos pueden desbordar las emociones cuando nos dejamos llevar por ellas (sobretodo en la adolescencia, con las hormonas revolucionadas), con una moraleja final muy adecuada sobre el equilibrio emocional.

 

De hecho el único problema que le puedo achacar a esta secuela sería su propia condición, ya que al existir la cinta de 2015 digamos que se pierde la novedad sobre su planteamiento. Aún así la mente humana tiene muchos recovecos, y aquí se aprovecha para visitar unos cuantos, entre ellos algunos donde se encuentran los secretos más personales de Riley. Asimismo se ve como cambian sus intereses al entrar en la adolescencia (dejando atrás la infancia, en camino de la edad adulta), lo que justifica aumentar sus emociones y dejar claro que, aunque sean muchas, una pacífica coexistencia entre todas nos lleva a sentirnos bien. Visualmente es maravillosa, algo ya sello habitual de Pixar (incluso cuando juegan con varios tipos de animación), destacando como novedad el aspecto de las nuevas emociones, especialmente Ansiedad que sería la principal (sin desmerecer al resto, ya que todas tienen una mayor o menor relevancia) Sin duda una magnífica secuela, que ahonda de una manera muy didáctica sobre la estabilidad emocional. 

 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de junio de 2024.
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ECHO, el ¿preámbulo? a DAREDEVIL: BORN AGAIN (crítica sin spoilers)

Desde que comenzó la moda de los superhéroes de Marvel en cine era tan solo cuestión de tiempo que aterrizaran en otros medios. Ese fue la televisión, primero con las series que llevó a cabo Netflix (Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage, Iron Fist, Punisher y The Defenders), y luego ya con las de Disney Plus (donde desde que se inauguró con Wandavision ha habido una gran variedad tanto de ofertas como de resultados) No han sido las únicas, pero digamos que las mencionadas son las que han tenido una mayor repercusión, hasta el punto de que muchos enarbolan con toda la razón que el tono a seguir en algunos de esos casos tenía que haber sido el de (sobretodo) la primera temporada de Daredevil en Netflix, por su forma descarnada de plasmar la violencia.

Quizás como relativo preámbulo a esa Daredevil: Born again que realizará Disney para su plataforma de streaming, con parte del reparto original del Daredevil de Netflix (Charlie Cox como Matthew Murdock/Daredevil y Vincent D'Onofrio como Wilson Fisk/Kingpin) se ha estrenado esta Echo bajo el (nuevo) sello Marvel Spotlight, con el que se "justifica" sobretodo una visión más descarnada de la violencia, al igual de la que hacía gala la serie de Netflix. En cuanto a intenciones les honra, de cara a buscar nuevos objetivos de público, pero en resultados Echo resulta algo discreta.

El problema más grave arrastrado por esta serie es el mismo del que también se resienta otras futuras como esa Agatha: Darkhold diaries (antes conocida como Coven of chaos), que parten de personajes secundarios de series previas que han resultado más o menos llamativos, y a los que se les concede una serie sin mayor justificación de si son una propuesta atractiva para ello, o simplemente se sacan ideas hasta debajo de las piedras. En el caso citado el personaje encarnado por Kathryn Hahn en Wandavision ha dado pie a ello, y en el presente la (relativa) villana de la serie Ojo de Halcón es la que recibe esta serie de apenas 5 episodios, que se estrenaron todos a la vez el pasado 10 de enero (cuando la tónica habitual hasta el momento era el estreno semanal de un nuevo episodio hasta completar la media de 6 episodios por temporada que han tenido hasta el momento la mayoría de ellas)

 

El personaje protagonista es Maya López, una nativa americana sordomuda (al menos en los cómics) y que tiene una pierna protésica (esto añadido en la serie por ser la condición de su actriz protagonista Alaqua Cox), a la que Wilson Fisk acogió bajo su manto cuando era pequeña, y que ha acabado siendo uno de los agentes más expeditivos de Kingpin a la hora de implantar sus órdenes en el mundo del crimen. Eso cambió desde lo que se vio en la serie Ojo de Halcón, por lo que como continuidad a aquella, digamos que esta se centra en el plan de la protagonista de pasar lo más desapercibida posible volviendo a sus orígenes, sin saber que Kingpin no ha "desaparecido" del todo como ella se pensaba. Lógicamente ambos personajes tendrán confrontaciones para dirimir sus diferencias (lo que dará pie a una violencia más descarnada de la vista hasta ahora en estas series), en las que se verán metidos familiares y amigos de Maya.

En la serie Daredevil de Netflix, una de sus escenas más alabadas era la de la pelea que transcurría en un pasillo, vista en su primera temporada, y a la que parece rendir un homenaje la que transcurre en un almacén en el primer episodio de Echo, siendo además ahí donde realiza su cameo el Daredevil a cargo del actor Charlie Cox, que tendrá una pelea con la protagonista. El problema radica en que todo lo que se nos narra en estos cinco episodios resulta tan superficial y tan intrascendente que nunca acaba de repercutir en el ánimo del espectador, por más que la presencia secundaria de Kingpin vuelva a confirmar el gran acierto que fue conseguir a Vincent D'Onofrio para encarnar a dicho personaje (que además en la escena entre créditos finales de esta serie ya sugiere pistas de como lo podemos encontrar cuando se materialice la antes citada Daredevil: Born again, en una trama ya vista en los cómics hace pocos años)

Como curiosidad me gustaría destacar un detalle que se repite en esta serie, y que se vio por primera vez hace pocas semanas en un episodio de la temporada 2 de What If: si en el sexto de aquella se presentaba a Kahhori, un nuevo personaje que era nativa americana (mohawk en aquel caso) y que lograba unos poderes ancestrales, se da la curiosidad de que aquí Maya López también es una nativa americana (chocktaw en este caso) que logra unos poderes ancestrales. En resumidas cuentas si ese sello de Marvel Spotlight sirve para enfocar desde un punto de vista más adulto y violento algunas historias y personajes (por ejemplo Daredevil, al que le viene la mar de bien), pues entonces de acuerdo, pero si Echo era el preámbulo a ello, el resultado final es un muy discreto entretenimiento en el que no sé yo la confianza que tenían sus propios responsables cuando se han estrenado todos los episodios a la vez.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 10 de enero de 2024.
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