Mostrando entradas con la etiqueta Christoph Waltz. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Christoph Waltz. Mostrar todas las entradas

viernes, 9 de diciembre de 2022

PINOCHO DE GUILLERMO DEL TORO, una genial obra de animación

Cuando se estrenó la adaptación de Pinocho de Matteo Garrone ya cité lo que por aquel entonces iban a ser los futuros proyectos de Robert Zemeckis y Guillermo del Toro: dos adaptaciones del popular clásico de Carlo Collodi, siendo el primero en acción real bajo el amparo de la Disney, y como remake del clásico animado de la misma; mientras que el mexicano optó por la animación stop-motion. En el caso de Zemeckis se estrenó en la plataforma Disney Plus el pasado septiembre con unos resultados tan miméticos al original que se antoja una mera operación de marketing, dentro de esa moda que tiene Disney en los últimos años de realizar remakes en supuesta "acción real" (porque en muchos casos se llevan a cabo con animación CGI) de sus clásicos animados.

En una interesante jugada con la clara intención de que pueda competir en la próxima temporada de premios, el Pinocho de Guillermo del Toro se estrenó de manera limitada en cines el pasado mes de noviembre, para posteriormente estrenarse en la plataforma Netflix este mes de diciembre. Ha sido una decisión parecida a la realizada también por Netflix con la secuela de Puñales por la espalda, que la mencionada plataforma estrenará el 23 de diciembre, pero que pude ver en un pase de prensa previo. En el caso de esta película de Guillermo del Toro codirigida por Mark Gustafson, no he tenido esa suerte y bien que lo lamento, porque su versión de Pinocho es UNA OBRA MAESTRA visual que se merecía sin duda alguna el estreno en salas, y que se posiciona sin problemas como uno de los mejores films del año.

De hecho en su aspecto visual no puedo achacarle ningún tipo de problema a este Pinocho de Guillermo del Toro, porque se nota el cariño, el esmero y el extremo cuidado con el que se ha realizado esta excelente película de animación en stop-motion, cuidando cada detalle en un trabajo de artesanía digno de todas las alabanzas. Al igual que Geppetto insufla vida a Pinocho, los responsables de este film (porque aunque Del Toro se lleve los méritos en el título, sería injusto olvidar a Gustafson) consiguen dotar de alma, de sentimiento y de vida a todos y cada uno de los personajes de esta emotiva adaptación, quizás no apta para toda la infancia (los más pequeños pueden no acabar de entenderla, aunque les entretenga en mayor o menor grado su acabado visual) pero desde luego que si recomendable para todos los públicos. Y es que con este film Del Toro vuelve a terrenos conocidos para él, ya explorados antes en títulos como El laberinto del fauno, contraponiendo la fertil imaginación infantil frente a la intransigencia totalitaria.

La obra original de Collodi vió la luz en 1883, en una sociedad muy diferente a la actual (por lo que la historia no era tan dulcificada como versiones posteriores nos han hecho creer), pero el responsable de La forma del agua traslada la acción a la década de los años cuarenta, en una Italia fascista que vivia la ascensión de Mussolini. Eso conlleva que en sus primeros minutos veamos aqui como Geppetto tiene un hijo llamado Carlo (con evidente homenaje al autor de la obra original en su nombre) que muere durante un bombardeo, lo que lleva a que su progenitor se hunda en el alcoholismo. Tiempo después, en una de sus habituales borracheras, cortará un tronco (en el que vive el grillo Sebastián, narrador de la historia) y tallará una marioneta de niño, a la que insuflará vida algo así como una hada, que se apiada de Geppetto y espera de esa manera darle esperanzas y motivos para seguir viviendo. Pero este Pinocho resulta una criatura tan inocente (desconoce en inicio las normas más básicas) como temida (cuando lo ven por primera vez lo tildan de criatura del demonio)

A partir de ahi veremos un intenso periplo de Pinocho, que le llevará desde el abuso que sufre a manos del codicioso conde Volpe, hasta el ser llevado a un campamento militar infantil por algo así como el magistrado del pueblo, que lo ve como un aliciente para las jóvenes tropas por su invulnerabilidad. Pese a los evidentes cambios sobre la base original, los momentos más icónicos del relato permanecen, si bien otros se modifican, como el de la transformación en burros de los niños desobedientes, que en este caso sería la transformación en "buenos" soldados de los niños obedientes (según el régimen fascista), lo que trastoca la versión original, pero cuyo alegato a la insumisión lo hace igualmente válido, aunque tenga sus consecuencias. El único punto donde quizás cojearía (levemente) este film sería en unas canciones que, aunque no molestan, no acaban de cuadrar del todo con el tono general y podrían haber sido prescindibles.
=================================

viernes, 1 de octubre de 2021

SIN TIEMPO PARA MORIR, y casi sin para aburrir (crítica sin spoilers)

Otra de las muchas películas damnificadas por la pandemia mundial del Coronavirus fue Sin tiempo para morir, el quinto film de la saga Bond con Daniel Craig interpretando al protagonista. Ya de por si en un inicio tenía que haberse estrenado a finales de 2019, cuando su director era Danny Boyle, el cual al final abandonó dejando el camino abierto para Cary Fukunaga, que ha sido al final el responsable del presente film. No había mayor problema y por eso se retrasó hasta primavera del 2020, pero a partir de ahi el problema fue la citada pandemia mundial que retrasó el estreno de esta película hasta en tres ocasiones: finales del 2020, primavera del 2021 y la definitiva en octubre de 2021.

Con esta Sin tiempo para morir el actor Daniel Craig se convierte en el Bond más duradero de las últimas décadas, y el tercero respecto a Roger Moore (que lo encarnó en siete ocasiones) y Sean Connery (que lo hizo en seis ocasiones oficiales, siete si contamos la apócrifa Nunca digas nunca jamás) Los cuatro títulos precedentes a este fueron Casino Royale, Quantum of solace, Skyfall y Spectre, siendo el metraje en todos los casos bastante superior a las dos horas (con la excepción de Quantum of solace, que se podría catalogar desde mi punto de vista como el más flojo de la etapa Craig), pero en este caso con esta cinta marcamos record con 163 minutos de metraje, lo que la convierte en la entrega más extensa de toda la franquicia hasta el momento. Pese a dicha extensión, el resultado final es tan acertado que cuesta imaginar por donde irá en futuras entregas.
 
Lo que ha caracterizado al Bond de Daniel Craig ha sido dotarle de un valor humano del que carecía en sus encarnaciones precedentes, el cual se ha ido desarrollando al mismo tiempo que la franquicia ofrecía todos esos detalles tan habituales a la misma que vienen a ser su seña de identidad. Esa evolución ha sido más o menos palpable en cada nueva entrega, pero en esta 25ª película del popular agente y (como ya he dicho más arriba) la 5ª y última de Daniel Craig, se nos ofrece un cierre espectacular cuyas connotaciones resulta innegable que causarán polémica, pero que ha ofrecido una inesperada (y sensata) novedad a un producto de casi seis décadas de antigüedad en la gran pantalla, que nació en una época pretérita ya bastante superada. A partir de aqui se intuye un cierto cambio si se quiere mantener la continuidad planteada en las cinco entregas de Craig (con elementos que las entrelazan), aunque también cabe la posibilidad de algún tipo de reboot, pero quisiera decantarme más por lo primero que por lo segundo ya que haría oficial la teoría esa de que James Bond es un nombre clave que ha ido pasando de generación en generación y de agente en agente.
 
Pero en lo referente a esta Sin tiempo para morir hay que admitir que ofrece todo lo que uno espera del personaje y al mismo tiempo consigue ir más allá, con ciertos detalles que podrán gustar más o menos, pero que sin duda alguna no dejarán indiferente a nadie. Dicho propósito requiere mucho trabajo, y de ahi la extensa duración de 163 minutos, que se notan por el tiempo que representa pero que logran mantener la atención del espectador en (casi) todo momento, habiendo ciertas irregularidades en su ritmo perfectamente achacables a sus ambiciosas pretensiones. Los villanos de esta larga franquicia se han caracterizado primero por la Guerra Fría vigente en el momento en que nació el personaje, para luego evolucionar en megalómanos con ansias de dominación mundial, siendo (más o menos) en esta última categoría donde se podría englobar al encarnado aqui por Rami Malek, al que en inicio parece moverle la venganza, pero que en el tramo final demuestra unas ambiciones más amplias (y genocidas) Quizás no sea el mejor al que se ha enfrentado 007, pero sin duda marcará el hecho trangresor al que lleva al popular personaje casi 60 años después de su primera aventura en cines.
 
Si algo ha caracterizado a esta franquicia han sido detalles que han permanecido a lo largo de los años, siendo uno de ellos el de un prólogo previo a los títulos de crédito iniciales, que en este caso se extiende durante los 30 minutos iniciales, pero que funciona de forma realmente notable. Tras él, y la canción de Billie Eilish carente del gancho de temas precedentes, asistimos a una historia que recoge tanto elementos previos como novedosos, dando la sensación de que evoluciona por tramos que se entrelazan para formar un conjunto (más o menos) homogéneo. Se recuperan ciertos conocidos a esta saga como son Léa Seydoux repitiendo su papel de Madeleine ya visto en Spectre (y haciéndolo más trascendental), Naomie Harris como Moneypenny, Ralph Fiennes como M, Ben Wishaw como Q Jeffrey Wright como Felix Leiter y un cameo de Christoph Waltz como Blofeld. A ellos se añaden dos presencias femeninas contrastadas: por un lado la agente que en inicio consta como relevo de Bond (encarnada por Lashana Lynch) y por otro una Ana de Armas que vuelve a coincidir con Craig tras Puñales por la espalda, y que ofrece una actuación realmente destacable.
=================================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de octubre de 2021.
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Es un magnífico cierre a la etapa de Daniel Craig como 007 en su sabia conjunción de elementos clásicos de la franquicia con novedades transgresoras pero (desde mi punto de vista) acertadas.
  • LO PEOR: Su extenso metraje hace que el ritmo tenga ciertos altibajos, por otra parte comprensibles.

miércoles, 6 de febrero de 2019

ÁLITA: ÁNGEL DE COMBATE, un espectáculo visual ¡¡¡ALUCINANTE!!!

Adaptar un manga es una tarea siempre complicada en Hollywood, de la que los fans suelen dar buena cuenta en el momento de su estreno. En el caso del presente film la obra adaptada sería Gunnm de Yukito Kishiro, la cual encandiló en su momento a James Cameron hasta el punto de llevar casi dos décadas en la intentona de sacar adelante su adaptación en película. Al final se ha quedado como productor dejando en la silla de director a Robert Rodriguez, pero conociendo la forma de ser y el caracter más bien perfeccionista del responsable de títulos como Titanic o Avatar me imagino que sus directrices habran estado muy presentes en el resultado final, el cual valoro solamente como la película que al final es, ya que no me he leído el manga en el que está basada (dejo para otros el juzgar su fidelidad -o no- hacia las viñetas que le dieron origen)

Con la polémica previa de los "ojos grandes" de la protagonista, esta película tenía que haberse estrenado en un inicio el pasado verano del 2018 para luego sufrir otro retraso que la llevó hasta la temporada de estrenos navideños, al que siguió otro que la situó (ya de una manera definitiva) en febrero de este año. Con todo ello mis expectativas no eran muy altas, estando más o menos a la altura de la de Ghost in the shell, otra adaptación de estética similar, por lo que me ha resultado agradable el encontrar una película del todo espectacular a nivel visual (la ví en un pase en 3D, y sin duda le hace justicia) y bastante amena (si bien no redonda) a nivel argumental.

En un futuro lejano hubo una tremenda guerra que dejó tan solo en pie (o más bien en aire) a una ciudad flotante llamada Zalem, pero poco veremos de ella porque la historia nos sitúa en Iron City, la ciudad-basurero que tiene justo por debajo, estando las clases altas de la sociedad en la primera mientras que en la otra (mal)vivirían los más desfavorecidos. Como enseguida se nota, estamos ante un planteamiento que en su esquema no es original (recordemos a las sociedades de los Eloi y los Morlocks de la clásica La máquina del tiempo, y eso por citar tan solo un ejemplo), pero que al presente film le funciona bastante bien. Las similitudes con otros "clásicos" no acaban ahi, porque el Doctor Ido (Christoph Waltz) puede recordar a un moderno Frankenstein (de hecho pensé una mezcla entre el mencionado y Jack el Destripador hasta que no se descubre su verdadera labor), si bien la cosa deriva más hacia Pinocho teniendo en cuenta que su creación (la Alita del título) intentará adaptarse a su nuevo mundo mientras intenta recordar cual es su pasado.

Las similitudes también están presentes en esa competición de Motorball que se presenta aqui, y que lo primero que me hizo recordar fue a la clásica Rollerball que ya tuvo incluso un remake. Todas esas semejanzas pueden hacer pensar que esta película tiene poco de novedoso, pero hay que tener en cuenta de que, más allá de lo que tomara como base Kishiro para el manga original, estamos hablando de una obra que ya tiene cierta solera (recordemos que Cameron llevaba casi dos décadas dando vueltas a como adaptarla), por lo que resulta evidente compararla con otros títulos que han manejado elementos similares en las últimas décadas. Aún así estamos ante una película del todo impecable visualmente (son cintas como esta las que justifican el 3D), con un acertado ritmo de desarrollo (apenas supera las dos horas de metraje) y unas escenas de acción espectaculares, si bien se introduce una subtrama romántica un tanto pueril cuya resolución me llevó a recordar al Titanic de James Cameron (cuando la veais sabreis a que me refiero)

Mucha polémica previa hubo hacia esos ojos grandes que luce la Alita encarnada por Rosa Salazar, pero al poco tiempo te acostumbras a ellos sin problema, por lo que funcionan muy bien tanto como homenaje al manga original (esa era la idea) como para no hacernos olvidar que es un ciborg, dándole un toque especial que tendremos presente en todo momento, lo cual no es obstáculo para que bien pronto nos encariñemos con su personaje. Tambien resulta convincente el trabajo de Christoph Waltz como el particular Gepetto de este Pinocho futurista, si bien algunas pistas iniciales hacen pensar que se encasilla al citado actor en el tipo de papel que le ha sido más recurrente, aunque pronto se descubre lo infundado de esa teoria. Como secundarios destacaría a una Jennifer Conelly con un personaje (la doctora Chiren) un tanto ambiguo pero en el cual tampoco se profundiza mucho mientras que Mahershala Ali encarna a un villano correcto pero de más bien poca entidad, destacando más en ello el personaje de Ed Skrein, cuya subtrama de cazarecompensas sería la más llamativa.
============================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de febrero de 2019
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Visualmente es EXTRAORDINARIA (se nota la mano de James Cameron) y en conjunto resulta una buena historia de ciencia-ficción de temática distópica y ciberpunk.
  • LO PEOR: Las evidentes semejanzas a otras obras que tiene en su esquema argumental, aunque las resuelve más o menos bien, y la subtrama romántica (supongo que para atraer más público)

lunes, 18 de julio de 2016

LA LEYENDA DE TARZÁN, presentando el mito a una nueva generación

Aunque para algunos, en referencia a la animación tradicional, representa el inicio de la decadencia de Disney tras su resurgir a principios de los años noventa, en mi caso tengo que admitir que tengo un muy grato recuerdo del Tarzán animado que presentaron en 1999 con canciones de Phil Collins que aún a veces tarareo cuando estoy distraido. Y es que estamos hablando de un personaje de ficción mítico que ha tenido, como también le ocurre a Sherlock Holmes, infinidad de rostros en la gran pantalla en una extensa lista de adaptaciones que corrieron una suerte dispar en taquilla (aunque sin duda para los fans cinéfilos más acérrimos el único y verdadero Tarzán fue el encarnado por Johnny Weissmuller)

En estos tiempos en que todo es reciclado y reformado para ¿actualizarlo? (y lo pongo entre interrogantes porque en muchos casos cabe la duda de si era necesario) nos llega esta nueva versión que actuaría como secuela al mismo tiempo que intenta ser el inicio de una lucrativa franquicia. En el primer caso no es una película de orígenes (un personaje como Tarzán ya se supone que la mayoría sabe como empezó, aunque este título contiene pequeños flashbacks del origen) por lo que la historia se situa años después de lo conocido por todos. Respecto a lo segundo, su inflado presupuesto de 180 millones de dólares hace dificil recuperar lo invertido como para pensar en continuarlo, si bien en el momento en que escrito estas líneas la película ya ha superado los 100 millones de dólares en las salas americanas y está a punto de superar los 200 a nivel internacional (por lo aunque no sea un gran éxito sería injusto etiquetarla de fracaso, porque beneficios no sé si dará muchos, pero a priori pérdidas parece que no)

Dirigida por David Yates, cual si fuera un respiro entre los 4 últimos films de la saga Harry Potter y su precuela (Animales fantásticos y donde encontrarlos) que nos llegará la próxima Navidad, este nuevo Tarzán está encarnado por Alexander Skarsgârd, cuyo apellido ya deja clara su condición de hijo del popular actor Stellan Skarsgârd (visto en algunos éxitos de Hollywood como por ejemplo Los Vengadores) al que le acompañan el siempre cumplidor Samuel L.Jackson, la hermosa Margot Robbie (que esta temporada estival también será Harley Quinn en el film Escuadrón Suicida), Christoph Waltz, otro buen actor que lamentablemente parece que quedará encasillado en papeles de villano (como en este caso), mientras que en papeles más secundarios veremos a actores como Djimon Hounsou y Jim Broadbent. Dicho reparto consigue una suerte desigual a la hora de traernos a este mítico personaje hasta el siglo XXI, pese a que los agoreros ya daban la película por perdida y en mi caso he de admitir que (sin ser ni mucho menos buena) es más entretenida de lo que hubiera previsto.

¿Primer fallo? Alexander Skarsgârd, que mucho tiene que aprender aún en el arte de la interpretación para como mínimo alcanzar algo del nivel de su padre. Su Tarzán resulta correcto porque su aspecto físico es escultural (lo que sin duda alegrará a los ojos de algunos espectadores y espectadoras) pero hay que reconocer que el muchacho no es un dechado de expresividad, por lo que todo el rato lo ves con el mismo rostro, bien sea una escena más intimista o una de acción exacerbada (al final digamos que no es un mal Tarzán pero de ninguna manera se puede admitir que su interpretación vaya a ser mítica, incluso se le puede achacar tener más fisonomía nórdica de vikingo que de rey de la selva, aunque el muchacho cumple la tesitura lo mejor que puede)

La preciosa Margot Robbie tiene a su cargo a una Jane que ¿rompe el estereotipo de "damisela en apuros"? Lo digo entre interrogantes porque hay momentos en los que parece que si, mientras que en otros cumpliría todos los detalles del citado patrón, por lo que el relato avanza siempre con la duda sobre a que atenerte, aunque más bien diriamos que un poco de cada cosa (o sea, mitad y mitad) Frente a la guapa pareja (con lo que se contenta al sector masculino y femenino) está el villano Leon Rom, al que encarna con solvencia Christoph Waltz, pero tras haberlo visto también como malvado en films como Malditos bastardos y Spectre, temo que se quede encasillado ahi siendo un actor muy versátil (lo que prueban los dos Oscars que ha conseguido por sus colaboraciones con Tarantino)

Samuel L.Jackson es... ¡Samuel L.Jackson! Si esto fuera una película de superhéroes (y hay que recordar que según dicen fue Tarzán una de las bases para crear al posterior Superman) el papel de este actor sería de "compañero del héroe" y/o "alivio cómico" funcionando en esta película, bien sea de una manera que de otra, como más convenga a la historia. Por su parte el resto del reparto es cumplidor y correcto aunque su relevancia es menor dentro de un film entretenido pero en que el quizás se abusa de los efectos visuales, causando que algunas escenas se vean más artificiales que naturales. Asimismo salvo la crítica contra el colonialismo, el otro detalle más "polémico" estaría en el arma que usa el personaje de Waltz, que puede incomodar a los católicos más recalcitrantes, porque en esencia esta película de Tarzán esta hecha para contentar a cuantos más mejor. Pero en resumen tampoco nos cuenta nada nuevo, aunque al menos no es una ofensa a un personaje mítico ya centenario creado en 1912 por Edgar Rice Burroughs.
=====================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de julio de 2016
  • LO MEJOR: No es una mala película del personaje (aunque tampoco de las mejores) sino más bien tan solo un producto entretenido y sin pretensiones (aunque su disparado presupuesto haga esperar la gran película que NO ES) para presentar a Tarzán a los espectadores del siglo XXI.
  • LO PEOR: Intenta contentar a todos los sectores, lo que se nota en unos evidentes altibajos de ritmo a lo largo de todo su metraje. Además su reparto es aprovechado de forma irregular (este Tarzán es demasiado inexpresivo)

viernes, 11 de enero de 2013

DJANGO DESENCADENADO de QUENTIN TARANTINO

FICHA TÉCNICA

Título: Django desencadenado
Título original: Django Unchained
Dirección: Quentin Tarantino
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 18/01/2013
Duración: 165 min.
Género: Drama, Western
Reparto: Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Sacha Baron Cohen, Kurt Russell, Christoph Waltz, Jamie Foxx, Walton Goggins, James Remar, Don Johnson
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Columbia Pictures, Double Feature Films, Weinstein Company, The, Super Cool Man Shoe Too, Super Cool ManChu, Too

SINOPSIS 

Sur de Estados Unidos, 1859. Faltan dos años para que estalle la Guerra Civil. Schultz (Christoph Waltz) es un cazarrecompensas que llega a un pacto con un esclavo llamado Django (Jamie Foxx) para atrapar a un par de asesinos. Django le conduce hasta ellos a cambio de la libertad, pero finalmente el esclavo acepta seguir con él para ganar más dinero... y para recuperar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington), que le fue arrebatada muchos años atrás.

CRÍTICA 

El nuevo film de Quentin Tarantino se adentra en un género como el western, a todas luces ya caduco y en donde se puede decir que todo lo que había para contar ya ha sido contado. A eso hay que sumar el amor del director por su propio trabajo, algo evidente en sus casi tres horas de metraje (muchos diran que necesitaba que se le hubieran metido más tijeras en la sala de montaje) Con ambos detalles uno podría dejarse llevar con pocas expectativas para ver cual sería el camino que recorrería el que fuera "enfant terrible" del cine, desde que su forma de rodar (y narrar) fuera puesta de moda a mediados de los pasados años 90 (y copiada y/o plagiada hasta la extenuación) Pero mira tú por donde que la sorpresa ha sido, en esta ocasión, para bien.

Los 165 minutos de película pueden parecer a priori muchos, pero a mi se me pasaron muy bien: de hecho la primera vez que consulté el reloj pensaba que apenas había pasado media hora de metraje y ya estaba rondando los 90 minutos (para que os hagais una idea del ágil ritmo y evolución que tiene la historia) El mérito se debe no solo a la sabía realización que hace Tarantino e incluso a la bella fotografía con la que está rodada sino SOBRETODO a tres actores INMENSOS en tres personajes realmente muy intensos: ellos son Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio y Samuel L.Jackson. Cuando está en escena cualquiera de ellos (y ya no te digo nada de cuando coinciden dos o más) el film se vuelve brillante y magistral. Me parece asombroso que en la actual temporada de premios las nominaciones se hayan acordado de los dos primeros pero hayan dejado de banda a Samuel L.Jackson porque su papel en tan elogioso como el de sus compañeros de reparto.

Es por lo bien que están los secundarios que quizás queda más desdibujado (aunque no pobre) el protagonista Django, cuya sed de venganza vendría a ser equivalente a la del personaje de Uma Thurman en el díptico de Kill Bill, si bien gracias a la labor del guión de Tarantino le permite no desmerecer con ciertas frases realmente antológicas (la mayoría sobretodo en el epílogo en la mansión sureña) a este parco héroe que parece querer recordar al Eastwood de los spaguetti-westerns de Sergio Leone. Quizas hubiera estado más logrado si su personaje (por momentos igual demasiado chulesco) no se hubiera obsesionado tanto con el tema de la venganza, hasta el punto de perder la empatía con el espectador que si ganan los secundarios antes citados.

Como no podía ser menos, otro detalle a destacar del film sería su banda sonora, que acompaña a la perfección lo que nos narra la historia, la cual además dejará satisfechos a los amantes de la sangre porque en las escenas de acción ese rojo elemento corre por sus anchas manchando y salpicando por todas partes (lo cual pueda ser desagradable y/o excesivo para los más puristas) También a nivel más secundario citaría las breves apariciones de Don Johnson y Jonah Hill (en el caso de este último un breve cameo que no molesta pero tampoco aporta nada a la historia) así como la breve presencia del propio Tarantino en un momento (¡ojo al dato!) que tendrá colofón en una brevísima escena post-créditos. No hay que olvidar a Franco Nero, rescatado por el director en homenaje al film de Sergio Corbucci del que toma nombre para el protagonista de este film.

¿Estamos ante la mejor película de su director? Yo creo que no, pero tanto con esta como con su anterior film (Malditos Bastardos) demuestra que puede hacer cualquier tipo de historia (sin quedar anclado en los ambientes gangsteriles de su primer gran éxito comercial, Pulp Fiction) otorgándole su sello personal, algo evidente en un guión que se nutre de algunos elementos clásicos del western tamizados por los diálogos propios de los personajes de Tarantino. Aunque aún no está claro cual será su siguiente proyecto (ya que ha comentado su intención de abandonar el mundo del cine) propongo que se ponga en un film de ciencia-ficción o incluso en uno de la saga Bond (de hecho no me acuerdo donde pero ya he leído sobre esta sugerencia), porque me encantaría ver lo que este personal director puede aportar a esos géneros hasta ahora desconocidos para él.

LO MEJOR: Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio y Samuel L.Jackson tienen TODOS ellos personajes dignos de premio, y es gracias a ellos que te sumerges en la historia de venganza que nos narra esta película, unido (claro está) a la hilaridad, desparpajo y transgresión con la que Tarantino nos obsequia en su (eso si) dilatado metraje.

LO PEOR: Que lo estoico del protagonista no supere al de los secundarios antes citados, que cada vez que salen (juntos o por separado) sencillamente se "comen" la pantalla. Y la duración, que no molesta pero que siempre podría haber sido más ajustada.

ANEXO: Notas de producción (pressbook) de la película por este enlace.