WONDER WOMAN 1984 en formato 3D-4DX (crítica sin spoilers)

Que el año 2020 no lo olvidaremos es algo obvio a tenor de esa maldita pandemia por el Coronavirus que en el apartado cinematográfico ha provocado multitud de retrasos en casi todos los estrenos masivos que tenian que haber llegado desde la pasada primavera hasta este momento. Con el futuro aún incierto las estrategias más allá de los sucesivos retrasos han sido las de Disney (echando mano de su plataforma de streaming para algunos de los títulos que tenían que haber llegado a las salas de cine en este periodo de tiempo) y Warner, que estrena Wonder Woman 1984 y TODOS sus estrenos para 2021 de forma paralela en salas de cine y en la plataforma elegida por ellos: HBO Max. A la espera, en el momento que escribo esta crítica de lo que deparará el futuro, se agradece un título de relevancia en la cartelera, sobretodo si se trata de la secuela del mejor film (hasta la fecha y según mi humilde opinión) que ha creado ese irregular universo cinematográfico de DC intentando seguir los pasos del más afortunado de Marvel.

 

Lamentablemente esta película ya arrastra el handicap de que los propios trailers y avances han desvelado detalles como el retorno de Steve Trevor (de nuevo encarnado por Chris Pine) cuando se supone que desaparecía en la anterior entrega, que además se situaba durante la Primera Guerra Mundial (ya que como revela el mismo título de esta secuela, ahora la acción avanza hasta el muy orwelliano 1984) Otro problema radica en una duración superior incluso a la del primer film, que ya en aquel caso quedó demostrado que no se empleaba justamente en desarrollar algunos conceptos que manejaba, por lo que cabe preguntarse si un reajuste de su metraje no hubiera sido algo más beneficiosa para esta Wonder Woman 1984. Resulta innegable que ante la carestía de estrenos que citaba al inicio se agradece algo así, pero al destacable disfrute que nos ofrece esta película, y que Patty Jenkins tras las cámaras y Gal Gadot de nuevo como protagonista saben repetir los aciertos que tuvo el primer film, sus dos horas y media de duración podían haber sido reducidas.

Casi toda la película justifica su existencia en un macguffin que funciona como el del clásico relato La pata de mono de W.W.Jacobs (al que hacen incluso mención para hacerlo más evidente) de tal forma que te concede lo que deseas pero pagarás un alto precio por ello. Como resulta evidente el retorno del personaje antes citado se justifica con dicha premisa, lo cual puede parecer coherente en la estructura de la misma película, pero que al mismo tiempo ofrece los momentos más bobalicones ya que su asombro ante el mundo moderno no deja de ser un estereotipo visto hasta la saciedad: el típico forastero fuera de su tiempo que tiene que acostumbrarse a nuevas costumbres que para él resultan desconocidas. La época en la que se ambienta este film se vuelve decisiva porque la Guerra Fría que aún estaba vigente por aquel entonces provocaba que los dos frentes militares (el norteamericano y el soviético) pugnaran por tener la hegemonía nuclear, siendo eso lo que lleva a la amenaza del colapso de la civilización, resuelto aqui apelando a nuestra humana bondad como virtud.

Aunque se le ha visto la cara escasas veces en dicha serie televisiva, el protagonista de The Mandalorian (el actor Pedro Pascal) tiene a su cargo al villano Maxwell Lord, aqui tan solo Max Lord, que en su planteamiento y evolución no resulta extraño percibir tantos y tantos megalómanos con ansias de dominación mundial con los que se ha enfrentado James Bond, aunque si se quiere hilar más fino es posible ver una crítica contra la arrogancia y la prepotencia de Donald Trump, el actual presidente de los Estados Unidos. Se le unirá en sus planes el personaje de Barbara Minerva, al que la actriz Kristen Wiig le otorga una evolución que puede recordar a la que tuvo Selina Kyle en Batman vuelve de Tim Burton, ya que de ser una mujer apocada y miedosa se transformará poco a poco (más acelerado en su tramo final) en la villana Cheetah. Eso le lleva a tener cierto momento de empoderamiento en el que también es facil ver un evidente mensaje antimachista, convirtiéndose en depredadora cuando antes había sido una fragil víctima.

El citado macguffin afectará a todos los personajes del film, pero mientras que Diana se dará cuenta del precio que tiene que pagar por conseguir lo que desea, los personajes de Max Lord y Bárbara Minerva se mostrarán más reacios a ello, debido a que como el sistema parece haberse olvidado de ellos, cuando obtengan el poder para voltear dicha situación no serán capaces de manejarlo correctamente. Eso se puede interpretar como un claro mensaje de que es mejor la honestidad (de la que hace gala la protagonista) que la arrogancia (por parte del duo de villanos, que se regodean gracias a este giro del destino que les ha sido tan beneficioso) El mayor problema, como he citado antes, es lo irregular que resulta esta película debido a su dilatado metraje, lo que se hace muy evidente en su ritmo, pecando (de forma más clara que en su predecesora) de dilatar momentos insustanciales (como por ejemplo en la escena de los fuegos artificiales: un homenaje de Patty Jenkins a su difunto progenitor que resulta tan elegante como prescindible)

Como toda película de superhéroes de los últimos años, este film tiene escena post-créditos aunque en este caso tan sólo una entremedio de los mismos en el que el personaje de Artemisa (¿aparecerá en una hipotética tercera entrega?) sirve para el cameo de cierta actriz que hizo famosa al personaje en la década de los setenta. Asimismo tengo que admitir que si Wonder Woman 1984 es espectacular, eso se aumenta si se ve, como ha sido mi caso, en los cines Filmax Gran Via, donde pude disfrutarla en 3D y 4DX, este último un sistema para disfrutar del cine de forma sensorial con el que en su día ya pude ver la nueva versión de El rey león y el reestreno de REC.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de diciembre de 2020
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• LO MEJOR: La buena labor de Patty Jenkins dirigiendo y Gal Gadot de nuevo como Wonder Woman, así como unos villanos más carismáticos que los de su predecesora. También sus escuetas pero bien resueltas escenas de acción (destacando el prólogo de Themyscira) y la épica banda sonora de Hans Zimmer.
  
• LO PEOR: Lo forzado del regreso del personaje de Chris Pine, si bien el actor lo resuelve lo mejor que puede, y lo irregular de su excesivo metraje, que extiende momentos más insustanciales en detrimento de otros más trascendentales.
  

GÉMINIS, con WILL SMITH contra si mismo (crítica sin spoilers)

En su momento Avatar fue alabada como un "prodigio técnico" que no se veía acompañado de un argumento a su misma altura, y a partir de entonces han abundando ejemplos de mejoras tecnológicas a la hora de ver en pantalla (casi) cualquier cosa que nos imaginemos, pero con guiones que en el mejor de los casos son un entretenimiento sencillo y en el peor te hacen recordar ese dicho popular de que "aunque la mona se vista de seda, mona se queda". Digamos que la nueva película del director Ang Lee con producción de Jerry Bruckheimer y teniendo de protagonista (por partida doble) a Will Smith se situaría en un punto intermedio entre los dos extremos que he indicado arriba, con lo cual tengo que admitir tanto que vista en la gran pantalla de un cine sería moderamente espectacular, como que no tiene nada en su historia (y el desarrollo de la misma) que la haga minimamente memorable.

En su apartado técnico hay que citar que Ang Lee ha rodado esta cinta con la tecnología HFR a 120 fotogramas por segundo y en 3D, algo que me imagino que no estará disponible en todos los cines. En el caso de verla así (yo asistí a un pase en una sala de cine que tiene ese citado sistema) tengo que admitir que contiene momentos espectaculares, si bien menos de los esperados, en los que dicho método logra una alta y notable sensación inmersiva dentro de la película, aunque en algunos casos se situa en esa difusa frontera entre lo más cinematográfico y lo meramente propio de un videojuego, a lo que añadir que eso no se ve reforzado con un guión a la altura de las circunstancias.

De los nombres que he citado al principio de esta crítica, si alguno de ellos deja su sello de forma más evidente en Géminis sería su productor (Jerry Bruckheimer), ya que se hace bastante evidente el estilo que le imprimió él al cine de acción en los años noventa, con ejemplos como La Roca, Armageddon o Con-Air. Es muy palpable la esencia de aquel estilo de cine si nos atenemos ante el hecho de que la historia de esta película se fraguó en 1997 (hace 22 años), teniendo que quedarse en el limbo hasta que se desarrollara la tecnología capaz de plasmarla en imágenes. Es por ello que resulta lamentable que un guión en el que han metido mano hasta seis personas resulte tan pobre, manido y esquemático, dando la sensación de ser una mera excusa para probar el nuevo sistema técnico con el que se ha realizado esta película. Probablemente hace dos décadas podría haber triunfado, pero muchos de los recursos con los que juega su historia ya se han visto (e incluso de una forma más acertada en algunos casos) en las sagas de Misión Imposible, Jason Bourne o (si mucho me apuras) incluso en la de James Bond, dejando de nuevo tan solo sobre el apartado técnico la mayor novedad que ofrece este producto.

En algunos momentos mientras estaba viendo esta película echaba en falta algo de humor, porque su (escueta) historia se toma tan en serio a si misma que no sabe darse cuenta de algunos de los disparates con los que va avanzando, buscando un innecesario tono dramático cuando lo más lógico hubiera sido más jolgorio. Resulta muy evidente que con doble ración de Will Smith esta película sería tan solo recomendable a sus fans (o a los que busquen tan solo mero espectáculo), si bien su trabajo resulta a lo sumo correcto, aunque el drama existencial en el que parece regodearse su versión adulta resulta en exceso manido. En cuanto a su versión joven del protagonista, creada por CGI con resultados que catalogaría de bastante asombrosos en algunos momentos y algo más forzados en otros, desaprovecha esa reflexión que se podría haber planteado sobre lo ético de la clonación (la referencia a la oveja Dolly demuestra el tiempo transcurrido desde que se diseñó el guión del presente film hasta que el mismo ha sido llevado a cabo)

Peor suerte corren Mary Elizabeth Winstead (la hija de John McClane en las dos últimas entregas de la saga Jungla de Cristal) en un papel perfectamente prescindible e introducido dentro de la historia tan solo para poder tener un personaje femenino con el que dejar entrever una cierta tensión sexual con el protagonista, recurso que se usa en un momento dado cuando ella ha de presentarse ante la versión joven del personaje de Smith, siendo en el resto de esta cinta una comparsa que acompaña al protagonista sin ningún atisbo de desarrollo. Tampoco se sabe sacar un buen provecho de Benedict Wong (visto como compañero del Doctor Extraño de Marvel), ya que su personaje se nota que está introducido como un relativo "alivio cómico" que nunca acaba de despuntar, haciéndose al final tan prescindible como el de ella. Por su parte el villano al que da vida Clive Owen resulta muy esquemático, cuando se podría haber profundizado más en la moralidad y la ética de sus actos, algo que apenas queda sugerido, quedando también desaprovechado. En resumidas cuentas Géminis sería una película en exceso deudora de los adelantos que han permitido su realización, ofreciendo poco más digno de mención más allá de eso, al sustentarse en una historia enfocada y desarrollada con excesiva simpleza.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de octubre de 2019
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• LO MEJOR: La evolución técnica que representa dentro del desarrollo que está experimentando el cine del siglo XXI, dando como resultado una cinta más o menos funcional en su apartado visual.
• LO PEOR: La esquemática historia, que desaprovecha sus posibilidades con tópicos vistos hasta la extenuación con resultados poco o nada destacables (argumentalmente llega dos décadas tarde)

ÁLITA: ÁNGEL DE COMBATE, un espectáculo visual ¡¡¡ALUCINANTE!!!

Adaptar un manga es una tarea siempre complicada en Hollywood, de la que los fans suelen dar buena cuenta en el momento de su estreno. En el caso del presente film la obra adaptada sería Gunnm de Yukito Kishiro, la cual encandiló en su momento a James Cameron hasta el punto de llevar casi dos décadas en la intentona de sacar adelante su adaptación en película. Al final se ha quedado como productor dejando en la silla de director a Robert Rodriguez, pero conociendo la forma de ser y el caracter más bien perfeccionista del responsable de títulos como Titanic o Avatar me imagino que sus directrices habran estado muy presentes en el resultado final, el cual valoro solamente como la película que al final es, ya que no me he leído el manga en el que está basada (dejo para otros el juzgar su fidelidad -o no- hacia las viñetas que le dieron origen)

Con la polémica previa de los "ojos grandes" de la protagonista, esta película tenía que haberse estrenado en un inicio el pasado verano del 2018 para luego sufrir otro retraso que la llevó hasta la temporada de estrenos navideños, al que siguió otro que la situó (ya de una manera definitiva) en febrero de este año. Con todo ello mis expectativas no eran muy altas, estando más o menos a la altura de la de Ghost in the shell, otra adaptación de estética similar, por lo que me ha resultado agradable el encontrar una película del todo espectacular a nivel visual (la ví en un pase en 3D, y sin duda le hace justicia) y bastante amena (si bien no redonda) a nivel argumental.

En un futuro lejano hubo una tremenda guerra que dejó tan solo en pie (o más bien en aire) a una ciudad flotante llamada Zalem, pero poco veremos de ella porque la historia nos sitúa en Iron City, la ciudad-basurero que tiene justo por debajo, estando las clases altas de la sociedad en la primera mientras que en la otra (mal)vivirían los más desfavorecidos. Como enseguida se nota, estamos ante un planteamiento que en su esquema no es original (recordemos a las sociedades de los Eloi y los Morlocks de la clásica La máquina del tiempo, y eso por citar tan solo un ejemplo), pero que al presente film le funciona bastante bien. Las similitudes con otros "clásicos" no acaban ahi, porque el Doctor Ido (Christoph Waltz) puede recordar a un moderno Frankenstein (de hecho pensé una mezcla entre el mencionado y Jack el Destripador hasta que no se descubre su verdadera labor), si bien la cosa deriva más hacia Pinocho teniendo en cuenta que su creación (la Alita del título) intentará adaptarse a su nuevo mundo mientras intenta recordar cual es su pasado.

Las similitudes también están presentes en esa competición de Motorball que se presenta aqui, y que lo primero que me hizo recordar fue a la clásica Rollerball que ya tuvo incluso un remake. Todas esas semejanzas pueden hacer pensar que esta película tiene poco de novedoso, pero hay que tener en cuenta de que, más allá de lo que tomara como base Kishiro para el manga original, estamos hablando de una obra que ya tiene cierta solera (recordemos que Cameron llevaba casi dos décadas dando vueltas a como adaptarla), por lo que resulta evidente compararla con otros títulos que han manejado elementos similares en las últimas décadas. Aún así estamos ante una película del todo impecable visualmente (son cintas como esta las que justifican el 3D), con un acertado ritmo de desarrollo (apenas supera las dos horas de metraje) y unas escenas de acción espectaculares, si bien se introduce una subtrama romántica un tanto pueril cuya resolución me llevó a recordar al Titanic de James Cameron (cuando la veais sabreis a que me refiero)

Mucha polémica previa hubo hacia esos ojos grandes que luce la Alita encarnada por Rosa Salazar, pero al poco tiempo te acostumbras a ellos sin problema, por lo que funcionan muy bien tanto como homenaje al manga original (esa era la idea) como para no hacernos olvidar que es un ciborg, dándole un toque especial que tendremos presente en todo momento, lo cual no es obstáculo para que bien pronto nos encariñemos con su personaje. Tambien resulta convincente el trabajo de Christoph Waltz como el particular Gepetto de este Pinocho futurista, si bien algunas pistas iniciales hacen pensar que se encasilla al citado actor en el tipo de papel que le ha sido más recurrente, aunque pronto se descubre lo infundado de esa teoria. Como secundarios destacaría a una Jennifer Conelly con un personaje (la doctora Chiren) un tanto ambiguo pero en el cual tampoco se profundiza mucho mientras que Mahershala Ali encarna a un villano correcto pero de más bien poca entidad, destacando más en ello el personaje de Ed Skrein, cuya subtrama de cazarecompensas sería la más llamativa.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de febrero de 2019
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• LO MEJOR: Visualmente es EXTRAORDINARIA (se nota la mano de James Cameron) y en conjunto resulta una buena historia de ciencia-ficción de temática distópica y ciberpunk.
• LO PEOR: Las evidentes semejanzas a otras obras que tiene en su esquema argumental, aunque las resuelve más o menos bien, y la subtrama romántica (supongo que para atraer más público)

EL LIBRO DE LA SELVA (2016), notable revisión del clásico animado

En los vagos recuerdos de mi infancia tengo en un lugar de mi corazón la película El libro de la selva de Disney (la versión animada, como es lógico) que fue el primer film que me llevaron a ver a una sala de cine, en un reestreno allá por principios de los 80 (la siguiente fue el ET de Spielberg) Dicen que la nostalgia puede engañar: hace mucho tiempo que la ví por última vez y puede que ahora mi valoración no sea ya la misma, pero aún así me decanté por esta nueva versión con reservas, ya que en el fondo tan solo se trata de una jugada comercial de Disney para ganar dinero, ahora que la versión a imagen real de sus clásicos animados han visto que les resulta monetariamente provechosa.

Aunque nadie niega que la jugada final será lo rentable que resulte en taquilla, es justo admitir que estamos ante una nueva adaptación de un clásico que sorprende por ofrecer al espectador un mundo artificial tan detallado y fascinante como el de Avatar, siendo muestra de ello unos animales que (si no fuera porque hablan) sería complicado poder distinguir si son o no son reales (mientras la estaba viendo me recordé de los efectos visuales de Babe el cerdito valiente, premiados con un Oscar en 1995. Pues bien, los del presente film, similares en origen ya se situan en un nivel TREMENDAMENTE SUPERIOR)

La historia es la ya conocida por todos, la supervivencia en la selva del pequeño chiquillo humano Mowgli, que ha sido criado por una manada de lobos, y que tiene su origen en el clásico literario del mismo título obra de Rudyard Kipling. Como es lógico, esta nueva adaptación toma como referencia la versión animada de Disney pero reduce el tono de comedia para ofrecer más aventura (aunque en su banda sonora recupera dos de los temas más famosos y pegadizos del film de 1967: los de Baloo y el Rey Louie) Cabe indicar que el segundo de los citados ya no es el orangutan de la versión animada, sino un inmenso Gigantopithecus, un simio de proporciones colosales que ya está extinguido, pero que se supone que vivió en el sudeste asiático (donde estaría situado este relato) hasta hace un millón de años, llegando a convivir con el Homo Erectus.

Aunque al pase al que asistí la pude disfrutar en un espectacular 3D (esta sería una de esas películas que bien merece ser deleitada en ese formato) la lástima estuvo en que fue la versión doblada, perdienddo la cantidad de famosos que dan voz en su versión original a los animales que pueblan esta película (entre otros Bill Murray, Ben Kingsley, Idris Elba, Lupita Nyong'o, Scarlett Johansson, Giancarlo Esposito y Christopher Walken) Tambien es justo admirar al joven Neel Stehi, única presencia humana del relato, y que lleva sobre sus hombros de manera acertada el ser el nuevo Mowgli de este título (escogido en un casting de 2000 aspirantes, supongo que rodaría la película rodeado de pantallas verdes donde después se insertaría todo lo demás por ordenador, pero hay que reconocer que el chaval lo hace con naturalidad y simpatía)

El director de este remake en acción real del título de 1967 es Jon Favreau (responsable de las dos primeras aventuras en pantalla grande de Iron Man) quien demuestra que con los adelantos tecnológicos actuales, pero sin que estos solapen una buena historia, hay relatos que merecen ser descubiertos en todo su esplendor por una nueva generación, así como vueltos a disfrutar por las previas (y es que en este caso estamos ante una película 100% familiar que al tiempo que cumple como remake y/o homenaje del clásico animado de hace casi 50 años, les descubre a la juventud de hoy en día una emblemática historia que por méritos propios es ya todo un clásico de la literatura)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de abril del 2016
• LO MEJOR: Es tanto un digno remake y/o homenaje del film animado de 1967 como una película notable gracias a un apartado visual realmente portentoso (sin que por ello se resienta la historia) Vamos, que sales del cine con ganas de descubrir la obra de Rudyard Kipling en la que se basa, de lo satisfecho que te quedas tras verla.
• LO PEOR: Que el pase no haya sido en versión original subtitulada, para disfrutar con todas las voces del elenco actoral que tienen los animales (aunque creo que se ha respetado el ponerles los dobladores habituales que los mismos tienen aqui en España)

EL DESAFIO (THE WALK), vértigo desde las extintas TORRES GEMELAS

El 11 de septiembre de 2001 desaparecieron las Torres Gemelas de Nueva York debido al atentado terrorista de Al-Qaeda, pero aunque esos sucesos ya han sido repasados por otros títulos, el presente tan solo caería en el homenaje a lo ocurrido en la citada fecha en un plano final donde los dos edificios son enfocados en un claro tono nostálgico. Pero tan solo sería eso, porque más que enfocarse hacia su final, esta película se situa en sus inicios, cuando en 1974 estaban acabando de construirlas y un funambulista francés (Philippe Petit) se atrevió a cruzar la distancia que separaban las azoteas de ambos edificios tan solo con sus habilidades como equilibrista en la cuerda floja.

Tengo que reconocer que la historia ya comienza con sorpresas desde su inicio, porque sería el propio Petit (en la película con los rasgos de Joseph Gordon-Levitt) quien rompe la cuarta pared y se dirige tal cual al público que está viendo la película, para explicarles (cual si fuera un cuento, y para conseguir así su complicidad) todo el plan que elaboró, junto con sus colaboradores, para llevar a cabo el "crimen artístico del siglo": cruzar entre las Torres Gemelas desde sus 110 pisos de altura sin ningún tipo de permiso o autorización, con el consiguiente riesgo que ello suponía.

Pero eso sería el colofón final, por lo que la historia primero nos lleva a los orígenes de Petit y su afición por el equilibrismo, en una serie de flashbacks que sirven para introducir al espectador en el mundo por el que se mueve nuestro protagonista, lo que nos facilita el entender su gran anhelo, que muchos tacharian de locura. Es en esos momentos cuando Petit conoce al que será su mentor: Papa Rudy (encarnado por un notable Ben Kingsley) así como a su novia Annie (Charlotte Le Bon) y al que será su amigo y fotógrafo de sus hazañas Jean-Louis (Clément Sibony) que acompañarán a nuestro héroe en la gestación de su sueño (aunque más adelante hay más inclusiones en este grupo para llevar a cabo ese desafio)

Hay que reconocer que El desafio (The walk) demuestra que Robert Zemeckis sigue siendo uno de los mejores directores norteamericanos en activo (aunque haya tenido sus altibajos) porque aqui consigue que el espectador nunca se aburra en una película muy dinámica y divertida. Asimismo el director sabe llevarnos a los espectadores hasta la Francia y luego los Estados Unidos de los años 70, todo ello con un vestuario y unos escenarios cuidados hasta el mínimo detalle, aunque sin duda lo mejor estaría en la recreación de las Torres Gemelas, que nos permite conocer una anécdota de sus inicios tras las muchas imágenes que se han visto de su caida.

Es lógico pensar que si estos edificios aún estuvieran en pie, la historia que nos narra esta película sería tan solo una simple curiosidad más, y aunque se hubiera rodado en escenarios naturales, el film se hubiera volcado en los efectos visuales para llevar a cabo las escenas con más riesgo. Por eso el mayor mérito está no solo en como nos muestran tan temeraria acción, sino en el hecho de que Petit fue el único hombre que la llevó a cabo, porque esos edificios YA NO EXISTEN, algo que durante el transcurso de esta película parece dificil de creer, porque la misma nos situa en sus mismas entrañas, para asi mostrarnos como nuestro protagonista y su grupo de cómplices llevaron a cabo tal temerario plan.

Esta historia (que no olvidemos que es real) ya fue tratada en 2008 en el documental Man on wire, que ganó un Oscar (y que no he visto en el momento de escribir esta crítica) y la misma estaría basada en el libro Alcanzar las nubes (que tampoco me he leído al escribir esto, aunque ya lo he reservado para que me lo traigan a mi biblioteca más cercana) Pero sin conocer yo ninguna referencia previa sobre la hazaña que consiguió Petit el mismo año en que nací (1974) tengo que reconocer que Zemeckis me ha hecho disfrutar con un título que si bien no alzaría como lo mejor de su obra (ahí podrían estar films como Forrest Gump o la trilogia de Regreso al futuro), si que sin duda bien podía estar entre los más destacados.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre de 2015.
• EL MOMENTO: La notable recreación de los hechos reales, hasta el punto de que aunque se ha echado mano de los efectos visuales, la sensación de vértigo está muy lograda.
• EL DETALLE: Poder disfrutar del pase en 3D en la sala Dolby de Cinesa La Maquinista, donde luce espectacular. 
• LA CURIOSIDAD: Esta historia ya fue objeto de un documental de 2008 (Man on wire) ganador de un Oscar.
• LO MEJOR: El dinámico y divertido modo de narrar del director (que hace que no nos aburramos) así como la empatía inmediata del espectador hacia el Petit al que encarna Joseph Gordon-Levitt (sin olvidar unos efectos visuales excelentes en la recreación de los ahora inexistentes edificios y la hazaña que se consiguió en ellos)
• LO PEOR: Considerar sus dos primeros actos como simples anticipos del espectacular tramo final (cual si fuera una película de atracos, primero explicando el plan y luego llevándolo a cabo)

EL DESTINO DE JÚPITER, aunque la mona se vista de seda...

FICHA TÉCNICA

Título: El destino de Júpiter
Título original: Jupiter Ascending
Dirección: The Wachowski Brothers
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 06/02/2015
Duración: 125 min
Género: Aventuras, Acción, Ciencia ficción
Reparto: Channing Tatum, Mila Kunis, Eddie Redmayne, Tuppence Middleton, Sean Bean, Douglas Booth, Terry Gilliam, Du-na Bae, Vanessa Kirby, James D'Arcy
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow Pictures

SINOPSIS

Jupiter Jones (Mila Kunis) nació una oscura noche, bajo la influencia de un signo que indicaba que estaba predestinada a realizar grandes cosas en la vida. Ahora, Jupiter sueña con las estrellas pero tiene que afrontar la dura realidad de trabajar limpiando lavabos y de plantar a novios que le partieron el corazón. Pero cuando Caine (Channing Tatum), un ingeniero genético y ex militar, llega a la Tierra, Jupiter entiende cuál es su verdadera meta. Está a punto de heredar un poder increíble que podría cambiar para siempre el equilibrio del universo.

CRÍTICA

A los hermanos Wachowski les sonrió la suerte con Matrix (un éxito tanto de crítica como de público) pero desde entonces no han conseguido triunfar a ese nivel (ni con Speed Racer ni con El Atlas de las nubes), aunque ahora tienen una nueva oportunidad con esta película, cuyo estreno inicial previsto para el verano del 2014 se retrasó ocho meses, justificando que era para terminar correctamente la labor de sus efectos visuales (que duda cabe que los mismos lucen espectacularmente en pantalla, si bien el 3D, que es como la ví, tampoco aporta nada especial al conjunto)

¿Cual es, entonces, el problema? un guión caótico que aunque no esté basado en nada previo recuerda a muchas cosas, a lo que hay que sumar unos personajes menos que esquemáticos que son meros títeres de la acción, lo que nos lleva a que su destino nos traiga sin cuidado. No negaré que el apartado visual puede estar tan logrado como por ejemplo el de Avatar, pero la historia quiere abarcar mucho quedándose al final en nada. El destino de Jupiter acaba resultando una propuesta pretenciosa donde bajo un acabado visual portentoso, hay una historia con agujeros de grandes como socavones.

Al ser un film de los responsables de Matrix las expectativas pueden estar un poco altas, pero recordando las discrepancias que provocaron las dos últimas entregas de la citada saga, de nuevo aqui demuestran que el poderio visual está envuelto en el vacio argumental (la trama de las luchas de poder de los dos hermanos parece una variante sci-fi de las intrigas de los Borgia, lo que pasa que todo está tan enrevesado que al final lo que supuestamente tenía que ser épico acaba siendo más bien risible, por cierta obsesión hacia lo kitsch, evidente en escenas como la de la malograda boda)

No debería ser así, pero normalmente lo que ocurre en productos de este estilo es que los actores quedan fagocitados por toda la imagineria visual que les rodea. Aqui además hemos de sumar el muy forzado alivio cómico que pretende ser lo de la familia terrestre de la protagonista (una Mila Kunis que resulta más creible cuando ignora su destino que cuando lucha por él) estando siempre a su vera un Channing Tatum cuyas dotes de actor brillan por su ausencia, y cuyo héroe protector tiene una alarmante falta de carisma, pese a ser una mezcla de Han Solo y Lobezno.

Aún asi no puedo decir que sea mala, porque ya digo que el apartado visual es portentoso y sin duda merece la pena si fue la causa del retraso inicial de la película. Pero por muy bonito que sea el envoltorio, si lo de dentro no acierta (como le ha pasado por ejemplo a la dilatadísima trilogia de El Hobbit), eso dificilmente lo puedes tapar (por no hablar de un guión que parece un popurri de Princesa por sorpresa, Terminator, El quinto elemento, Los Borgia, John Carter de Marte o Star Wars, por citar tan solo unos ejemplos) ¿Donde estan los Wachowski que asombraron con Matrix en 1999?

LO MEJOR: Visualmente es espectacular gracias a unos efectos portentosos que justifican el retraso en su estreno.

LO PEOR: La historia resulta pretenciosa e innecesariamente enrevesada, y los personajes son meros estereotipos.

THE AMAZING SPIDER-MAN 2: EL PODER DE ELECTRO, notable secuela

FICHA TÉCNICA

Título: The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro
Título original: The Amazing Spider-Man 2: Rise of Electro
Dirección: Marc Webb
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 17/04/2014
Duración: 142 min
Género: Aventuras, Acción, Fantástico
Reparto: Emma Stone, Andrew Garfield, Dane DeHaan, Jamie Foxx, Martin Sheen, Paul Giamatti, Felicity Jones, Colm Feore, Sally Field, Chris Cooper
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Marvel Studios

SINOPSIS

Peter Parker (Andrew Garfield) tiene una vida muy ocupada deteniendo a los delincuentes siendo Spider-Man y pasando tiempo con la persona que ama, Gwen (Emma Stone). Peter no se ha olvidado de la promesa que hizo al padre de Gwen para protegerla permaneciendo alejado de ella, pero eso es una promesa que no puede cumplir. Las cosas van a cambiar para Peter cuando un nuevo enemigo, Electro (Jamie Foxx), entra en escena y descubre nuevas pistas sobre el pasado de un viejo amigo, Harry Osborn (Dane DeHaan).

CRÍTICA (¡ojo!, puede haber ligeros spoilers)

Las películas del arácnido superhéroe de Marvel han tenido resultados de taquilla cada vez inferiores en Estados Unidos, algo que no mejoró el reboot que sufrió Spider-Man hace un par de años (al menos a nivel local: nuevo mínimo por debajo de los 300 millones de dólares, cifra que superaron con creces todas las entregas de la trilogia inicial de Sam Raimi) Incluso a nivel global el film dirigido por Marc Webb marcó mínimo (752 millones de dólares) hasta comparado con Spiderman 2 (783, siendo la única por debajo de los 800 de los tres primeros films) Pero como pese a todo triplicó su presupuesto, eso es señal de rentabilidad que se pone a prueba con esta nueva secuela.

Pese a que The Amazing Spider-Man me convenció en un primer visionado, al compartir opiniones me encontré con cierto conocido gran amante del personaje, pero al que pese a todo le "repateo" ese reboot, sobretodo por la pésima actuación de Andrew Garfield como Peter Parker. Al ver hace poco de nuevo el film previo aproveché para fijarme en esos detalles (¿hace al personaje pánfilo o ya lo es el actor?), que resultan más evidentes en su versión doblada al castellano (yo solo la había visto en idioma autóctono), aunque en defensa de Garfield diré que no resultan tan ridículos como los bailecitos que se marcaba Tobey Maguire en Spider-Man 3 (siendo uno de los motivos por lo que es más vapuleada por el público)

La "ruptura" que vivió la saga vino a colación por el capítulo que cerraba la trilogia original, donde había un cierto exceso de villanos (tres: Hombre de Arena, Veneno y nuevo Duende Verde), demostrando que a veces MÁS no significa MEJOR (algo evidente en la manera tan forzada como se incluyó a un villano emblemático como Veneno, o ese mencionado nuevo Duende Verde al que encarnó James Franco con un atuendo que parecía más bien el del Corredor Cohete) Por eso mismo tenía yo mis reticencias a que se repitiera algo así con esta secuela, pero Webb ha jugado mejor sus cartas, insertándolos en su justa medida y sin colapsar (aunque también con cierta previsión de futuro)

De los tres villanos que hay aqui el director ya dejó muy claro que el principal era Electro, y así es... pero con matices, y es que también tienen una presencia secundaria Rino y el Duende Verde. A grandes rasgos diremos que el primero cumple el tópico del sabio patoso (cuya comparación más evidente sería el Richard Pryor de Superman 3, con el que coincide hasta en el tono de piel) hasta que el accidente lo transforma en un Electro más parecido a su versión Ultimate que a la usual,... pero más parecido al Doctor Manhattan de Watchmen no solo en su aspecto sino también en como maneja sus poderes (lo mismo que hacía el Hombre de Arena con la susodicha lo puede hacer este con la electricidad, algo que no me suena 100% canónico)

Dicen que un gran villano puede llegar a ensombrecer a un héroe, pero digamos que eso no lo consigue Jamie Foxx, el cual cumple como Electro pero sin aportar ningún detalle que justifique el cambio de raza de su personaje de las viñetas a la pantalla (aunque bueno, no insistiré sobre el tema porque ya ha habido más casos: el Kingpin de Daredevil por ejemplo) Como decía, no le hace sombra, porque la misma sin duda alguna es para Dane DeHaan, realmente brillante como Harry Osborn y como Duende Verde... si bien no se le cita con ese nombre aunque como tal sale en los créditos. El trio de villanos lo cubre un anecdótico Rino que tiene una presentación inicial y un combate final que nos deja las puertas abiertas para el futuro de la franquicia (sea The Amazing Spider-Man 3 o Los 6 Siniestros, lo que llegue antes).

Los detractores de Andrew Garfield me imagino que seguirán siendolo si ven el film, pero a mi su Peter Parker no se me hizo ridículo, mientras que su Spider-Man gana en humor respecto a la anterior entrega (el público pedía más fragmentos como el del ladrón de coches del primer film, y aqui tenemos ya desde buen principio) En referencia a Emma Stone, ¿que puedo decir? su Gwen Stacy es TODO lo que los fans pedían, siendo tan completa su participación que no me extraña que retiraran al personaje de Mary Jane Watson de esta secuela, ya que habría sido su presencia tan solo anecdótica. Y si, se cumple cierto suceso mítico, y que personalmente me hizo soltar una lágrima de pura emoción.

En cuanto a detalles, el film está plagado de ellos: hay una clara visión de las alas del Buitre y de los brazos de Octopus, uno de los trabajadores de Oscorp se apellida Smythe (como el de los mataarañas), la secretaría de Harry responde al nombre de Felicia (sin aclarar si Hardy o no) e incluso un actorazo como Chris Cooper espero que se recupere en futuros films (porque de no ser así lo que ocurre con Norman Osborn puede levantar críticas y quejas entre los fans) En resumen, son 142 minutos que pueden tener algún pequeño altibajo, no lo negaré, pero que sin duda resultan una secuela más acertada que Spider-Man 3 (con quien más facilmente se la puede comparar por el aluvión de villanos)

LO MEJOR: Emma Stone y Dane DeHaan a nivel actoral, más semejanzas al Spider-Man simpático de las viñetas (ver el combate con el futuro Rino), y un ritmo que no deja lugar al aburrimiento, pero sin llegar nunca al colapso debido a los muchos elementos que maneja, algo que Raimi no pudo contener en su episodio final de la anterior trilogia. Asimismo es más clásico el aspecto de Spider-Man (fuera el traje un pelin bizarro del anterior film) y sus paseos en red por la ciudad son sin duda espectaculares (el espectador los vive en primera persona en muchas escenas), por lo que todo ello lo hace un film que recomiendo ver en pantalla de cine para hacerle la justicia que se merece (el 3D no es necesario pero tampoco molesta).

LO PEOR: Si las cosas fueran EXACTAMENTE como en los comics la película (esta o la que fuera) tendría poca sorpresa para los lectores, por lo que se perdonan ciertos detalles que (pese a todo) tendrán grandes detractores, tales como el aspecto de Electro y el Duende Verde, más bien poco canónicos con la cronología clásica del trepamuros. Asimismo sabe a poco la mera mención por email de un personaje como Jameson que tanto juego dio en los films de Raimi. ¡Ah! Y por cierto, al pase al que fuí no había escena post-créditos (al final Marvel nos ha llevado a echarlas de menos cuando faltan).

300: EL ORIGEN DE UN IMPERIO, una secuela mejor de lo esperado

FICHA TÉCNICA

Título: 300: El origen de un imperio
Título original: 300: Rise of an Empire
Dirección: Noam Murro
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 07/03/2014
Duración: 102 min
Género: Drama, Bélico, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 16 años
Reparto: Sullivan Stapleton, Eva Green, Rodrigo Santoro, Jack O'Connell, Andrew Tiernan, Ashraf Barhom, Callan Mulvey, Lena Headey, David Wenham, Andrew Pleavin
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Atmosphere Entertainment MM, Hollywood Gang Productions, Cruel and Unusual Films

SINOPSIS

Tras el éxito de “300″, “300: El origen de un imperio” lleva la acción a un nuevo campo de batalla: el mar. La historia enfrenta al general griego Temístocles con las grandiosas fuerzas invasivas de Persia, dominadas por Jerjes, un mortal convertido en dios, y guiadas por Artemisia, vengativa comandante de la armada persa. Sabiendo que la única esperanza de derrotar a la arrolladora armada persa será unir toda Grecia, finalmente Temístocles dirige el ataque que cambiará el curso de la guerra.

CRÍTICA

Cuando se estrenó hace siete años la película 300 dejé clara mi opinión de que estábamos ante un film bonito en imágenes pero vacio en contenido, con una adaptación histórica discutible, unos personajes planos que rozaban el esperpento (caso de Jerjes) y un claro mensaje probélico disfrazado de epopeya histórica. Zack Snyder hizo una adaptación modélica (eso se lo concedo) pero es que el comic original ya era (es) así de nefasto, demostrando la vena reaccionaria y facistoide de Frank Miller (como demostró en la posterior novela gráfica Holy terror, que junto con su nefasta e infiel adaptación de The Spirit hace añorar al autor que maravilló en los 80 con Daredevil y Batman)

Siendo un film con el que no hay medias tintas (o te gusta mucho o no) la anterior 300 congenió con un amplio sector del público, que se dejó sugestionar por unas bellas imágenes que recordaban con todo lujo de detalle su origen en las viñetas (si acaso el más evidente mérito que le concedo) Ese particular estilo que puso de moda el film de Zack Snyder sigue en vigor (por ejemplo la reciente Hércules: el origen de la leyenda) y ha sido hasta parodiado (Casi 300) y adaptado a la pequeña pantalla (siendo el ejemplo más claro la serie de televisión Spartacus, sobretodo en su primera temporada)

Ahora nos llega esta 300: El origen de un imperio, secuela basada en principio en la novela gráfica Xerxes (donde Frank Miller continuaría lo narrado en el comic original) pero que me decanto por suponer que tendrá claras discrepancias con lo que luego se vea en papel, debido a que la agenda de Frank Miller ha llevado a retrasar la edición de la misma, que tenía que coincidir con el estreno del film en cartelera (supongo que una situación parecida a Kick-Ass, cuya película adelantó su rodaje a la edición del comic, de ahi las diferencias que existen entre una y otra, evidentes sobretodo en el personaje de Nicolas Cage y su final)

En mi caso personal, y en una situación similar en cuanto a La Momia(1999) de Stephen Sommers y su primera secuela (2001), digamos que mis expectativas ante la primera (y que luego no me gustara) han favorecido a que esta segunda, con las lógicas concesiones a nivel visual que plantó la anterior entrega, me haya entretenido más (pese, de nuevo, a una veracidad histórica bastante discutible) El nuevo director Noam Munro (que sustituye a un Zack Snyder enfrascado con el crossover entre Superman y Batman) ha conseguido unos resultados superiores a los de 300, sin repudiar de ella, aunque corrigiendo fallos evidentes que había en el film previo, más por culpa de la nefasta historia original que por la labor de Snyder, modélica a nivel visual. Y aunque en esta secuela de nuevo hay sucesión de torsos desnudos (era lo esperado), no se recrean en ellos, así como tampoco es tan evidente la glorificación de la guerra (aunque la violencia sigue en el mismo estilo), corrigiendo detalles que me chirriaron en la anterior entrega (aunque en la batalla final uno se pregunta porque no usan alguna clase de armadura, como si hacen los del ejercito persa)

En cuanto al reparto, Sullivan Stapleton como Temistocles no consigue el carisma que tenía Gerard Butler como Leonidas (aqui no hay momentos gloriosos como el mítico "¡Esto es Esparta!" de 300) pero consigue mantener el nivel pese a tener frente a él a una ESPECTACULAR y ESPLÉNDIDA Eva Green como Artemisa, que logra sin problemas ser la auténtica estrella de esta película, desplazando a secundario a un Jerjes del que sabremos su origen (y lo que ella representa en él, demostrando de nuevo que detrás de un gran hombre siempre hay una gran mujer) Por cierto, para que haya igualdad, también Artemisa nos mostrará su torso desnudo en cierto momento del film, donde tiene junto a su rival Temistocles una de las mejores y más intensas escenas de sexo que he visto en los últimos tiempos.

Repite de la anterior entrega Lena Headey como la viuda de Leonidas, y aunque en principio su presencia podía ser tan solo testimonial, sus acciones al final resultan trascendentales para un epílogo que queda abierto de cara a una hipotética tercera película. Llegados a ese punto uno se lamenta que no puedan coincidir en pantalla Gerard Butler y Eva Green ya que ambos son lo mejor de las dos respectivas entregas que ha tenido hasta la fecha esta saga. Mención positiva también para lo espectacular de las batallas marinas que hay en este film, así como beneficiarse de que en el guión no haya metido mano Frank Miller, al no tener nada suyo en lo que basarse más allá de lo planteado en la primera película. Otro acierto sería lo bien hilvanada que está la acción de esta secuela, que transcurre antes, durante y después de los hechos narrados en 300.

LO MEJOR: Eva Green, que si ya de por si demostró ser la mejor chica Bond hasta la fecha de la etapa de Daniel Craig, consigue en esta secuela dar vida a una villana Artemisa que se demuestra de lo más interesante. Tambien mencionar el apartado visual, espectacular si se disfruta en 3D, así como la mejora en el guión al no tener material de Frank Miller en el que basarse.

LO PEOR: Rebaja el tono homoerótico de 300, así como su glorificación de la guerra (que no de la violencia), que añoraran los fanáticos del primer film.

FROZEN: EL REINO DE HIELO, un instantáneo clásico DISNEY

FICHA TÉCNICA

Título: Frozen, el reino de hielo
Título original: Frozen
Dirección: Chris Buck
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 29/11/2013
Duración: 108 min.
Género: Familiar, Animación, Aventuras
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Kristen Bell, Idina Menzel, Josh Gad, Alan Tudyk, Santino Fontana, Chris Williams
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Cuando una profecía condena a un reino a un invierno eterno, Anna, una joven optimista se une a un temerario montañero llamado Kristoff y a su compinche el reno Sven. Juntos emprenden un viaje épico en busca de Elsa, hermana de Anna y Reina de las Nieves para poner fin al gélido hechizo. Adaptación del cuento "La reina de las nieves".

CRÍTICA

Que Disney es una de las mayores fábricas de ilusiones del mundo es algo evidente en su amplio historial de títulos que en muchos casos se han convertido en clásicos por méritos propios, marcando la infancia de varias generaciones. Aunque ahora puede estar en un buen momento (en parte gracias a las muchas alegrias en taquilla que han dejado los títulos de Pixar) no hay que olvidar que también hubo una edad "oscura" dentro de la compañia, de la que resurgió a finales de los 80 y principios de los 90 con films tan recordados y apreciados como Aladdin, El Rey León o La Bella y la Bestia (por poner unos ejemplos)

El espíritu, el candor y la magía de clásicos modernos como los que he citado está presente también en Frozen: El reino de hielo, una estupenda (aunque libre) adaptación del relato de Hans Christian Andersen titulado La reina de las nieves, y que la factoría Disney consigue llevar a su terreno, consiguiendo un espectáculo tan notable que no sería precipitado de tildarlo como el mejor título no-Pixar que ha salido de las entrañas de esta fábrica de fantasias en los últimos tiempos, aparte de que uno ya se imagina su adaptación en Broadway porque se presta a ello como ya pasó con La Bella y la Bestía (con la que guarda una similar estructura) La espera ha merecido la pena, ya que el propio Walt Disney quería haber adaptado el relato hace ya 70 años, hasta que al final claudicó por imposible (para la época)

Previo a la película nos deleitan con un nuevo corto de Mickey Mouse para celebrar su 85 cumpleaños titulado Get a horse!. El mismo puede parecer ya antiguo en su estilo gráfico, pero tras un inicio clásico se integra al espectador dentro de la acción al "romperse" la pantalla, saliendo por ella los mismos personajes pero en animación digital en 3D, en un "juego" que puede recordar a El moderno Sherlock Holmes de Buster Keaton, La rosa púrpura del Cairo de Woody Allen o El último gran héroe de John McTiernam y con Schwarzenegger parodiando los estilos de sus películas por aquella época.

En cuanto a Frozen: El reino de hielo, hay que reconocer que vendría a ser una continuación de lo ya visto en Tangled (Enredados) y sobretodo en Brave (Indomable) de Pixar, al servir para renovar una variante tan propia de Disney como son sus famosas princesas, labor que lleva a cabo sin renunciar a sus elementos más representativos, pero orientado de manera clara hacia un público moderno que no congeniaría con esquemas morales caducos y rancios. No en vano de nuevo aqui son las mujeres las que llevan la acción del relato (todo gira en torno a las hermanas protagonistas Anna y Elsa), sin verse mermadas para nada por las presencias masculinas, que además quedan en un rol más secundario.

A raiz del éxito de Shrek (y sus secuelas y derivados) se propagó una vertiente más sarcástica dentro del cine de animación que puede pecar de caduca al estar centrada en unos conceptos concretos y no siempre perdurables (que es lo que ha hecho que la parodía, incluso en imagen real, haya derivado al bajo concepto que tiene ahora mismo) Esa ironía también se propagó en la Disney, y se podría decir que la misma puede estar patente de manera leve en Anna, la hermana joven, quizás muy moderna teniendo en cuenta el estilo de la película. Pero son meros detalles circunstanciales en una historia desarrollada desde el clasicismo, pero con ese toque actual que evita pretéritas cursilerias tópicas, y todo ello con las técnicas de animación más modernas (digital 3D frente al tradicional 2D: ¿Tiana y el sapo será la última de Disney en ese "arcaico" estilo?)

En cuanto a los personajes, estan todos bien perfilados como para que ninguno levante antipatias entre el público, siendo de entre los principales mi preferido el de Elsa, la mayor de las dos hermanas y que ha de vivir con la maldición de que todo lo que toca se congela, lo que provoca algunos de los momentos más intensos y álgidos de la película cuando dicho poder le resulta incontrolable (al principio me recordó al Hombre de Hielo de los X-Men, aunque la capacidad de esta supera con creces al del citado mutante de los comics de la Patrulla X) A ella, desde cierto punto de vista, se la podrían considerar la villana (o bruja) de la historia, pero su drama introspectivo levanta sin problemas las simpatías del público, aunque eché de menos una explicación del origen de sus congeladoras facultades.

Entre los secundarios incluidos como alivio cómico a la acción, mi preferido es el reno Sven, que siguiendo el estilo clásico de Disney, no necesita hablar para hacerse del todo expresivo. Aún así tenias mis reservas con Olaf, un muñeco de nieve con vida que desea disfrutar del calor del verano (y orientado de manera clara hacia los espectadores más jovencitos) pero consigue hacerse simpático y ameno sin caer en lo molesto (no es Jar Jar Binks), convirtiéndose en un importante punto del triángulo secundario que formaría junto con los personajes de Kristoff y el ya citado de Sven, entre los cuales el muñeco Olaf nunca desentona (asumida su orientación más infantil)

En resumen, sin duda alguna Frozen: el reino de hielo es todo un clásico de la Disney a la par que su mejor musical animado desde la época de La bella y la bestía.

LO MEJOR: Todo está perfectamente ensamblado como para crear un resultado final tan notable como entrañable, que nos servirá para recordar los clásicos de antaño con los que nos obsequió en nuestra infancia la Disney.

LO PEOR: Nada achacable a la película sino al videoclip con la canción La puerta hacia el amor, interpretada por Abraham Mateo, concesión lógica de Disney al típico producto de moda del momento.

WATCHMEN y XSER (y CINESA y THE DAY OF THE DOCTOR en España más la MARATÓN DE TERROR en los CINES FILMAX GRAN VIA)

La imagen bajo estas líneas corresponde a la portada de la parodía que XSER (el creador de Spriterman, destacable autor ya citado en otras ocasiones por este blog, baste mirar la etiqueta que lo cita en este post y echar para abajo el scroll para ver el historial) Unido junto al gran Ovidio Miguel Maestro, en esta ocasión se han atrevido con la clásica obra de Watchmen, algo que a un servidor le ha llamado poderosamente la atención. Junto a ella habrá tercera entrega de su particular visión de Juego de Tronos, la nota de prensa de ambos estrenos la teneis por este enlace

En otro orden de cosas, por fin Cinesa anuncia que emitirá The day of the doctor... pero, ¡por favor! ¿a la 1 de la madrugada? A mi desde luego no me va bien a semejantes horas por lo que ese capítulo me parece que seguirá el mismo camino que todos los anteriores (o sea, que lo veré como el resto) No soy una persona noctámbula y no hacen más que provocarme, porque EL MISMO DÍA habrá ESTE maratón de terror cerca de mi casa... y me intriga cual será la película sorpresa de medianoche.

GRAVITY: la obra maestra de ALFONSO CUARÓN con GEORGE CLOONEY y SANDRA BULLOCK, desde YA MISMO un clásico de la ciencia-ficción

FICHA TÉCNICA

Título: Gravity
Título original: Gravity
Dirección: Alfonso Cuarón
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 04/10/2013
Duración: 90 min
Género: Ciencia ficción
Reparto: Sandra Bullock, George Clooney, Basher Savage, Eric Michels
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros., Heyday Films, Reality Media

SINOPSIS

La doctora Stone (Sandra Bullock) es una brillante ingeniera que realiza su primer viaje espacial con el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney), que vuela por última vez antes de retirarse. Pero durante un rutinario paseo espacial, ocurre el desastre. La nave queda destrozada y deja a Stone y Kowalsky completamente aislados en la oscuridad del espacio. Están rodeados de silencio: han perdido toda conexión con la Tierra y, por ello, toda esperanza de sobrevivir. Cada ataque de pánico les hace consumir un poco más de oxigeno. Pero afrontar el terror es la única salida que les queda.

CRÍTICA

Han pasado siete años desde el anterior trabajo de Cuaron (Hijos de los hombres), quien ahora parece convencer a la crítica con este trabajo que muchos ya comparan a la clásica 2001, una odisea en el espacio de Stanley Kubrick y que según James Cameron es la mejor película espacial que se ha hecho nunca. Pese a recordar que Cuarón fue el firmante de la mejor entrega de la saga Potter (El prisionero de Azkaban) intenté no aventurar expectativas altas, que no siempre se cumplen y pueden decepcionar al que va al cine con una idea y sale sin encontrar algo de lo esperado.

Este caso NO es de esos: todas las calificaciones excepcionales de este título están más que merecidas, porque estamos hablando de, sin duda, una de las mejores películas del 2013 (por no decir directamente LA MEJOR) A diferencia de otros títulos donde el 3D es un mero añadido más que solo sirve para desembolsar más dinero, aqui resulta un extra vital porque la película está rodada de manera tan meticulosamente realista que puedo asegurar que es lo más cerca que estaremos muchos de vivir de verdad una experiencia espacial, porque Cuaron consigue que el espectador tenga la sensación de estar flotando en el espacio y compartiendo la angustía por la supervivencia de sus personajes. Me imagino que si se disfruta de esta experiencia en pantalla Imax (yo lo hice en una sala convencional) el placer será mayor.

La premisa de accidente espacial en principio me recordaba a Apolo 13 de Ron Howard (con Tom Hanks y su conocido "Houston, tenemos un problema") mientras que la soledad ante una inevitable y agónica muerte me hizo pensar en el film Buried (Enterrado). En ambos casos son títulos que no me convencieron por lo que iba precavido hacia este film, pero sin duda Cuarón se desmarca pronto de dichos ejemplos (si es que en algún momento los valoró) consiguiendo que el espectador se vea metido hasta en el último recoveco de este espacio donde (AQUI SI) nadie puede oir tus gritos (famoso eslogan del Alien de Ridley Scott que en esta película está muy justificado) gracias a un guión de hierro dentro de su sencillez, que consigue mantener la tensión y el interés en todo momento.

Durante su hora y media de duración tan solo tendremos en pantalla a la pareja formada por George Clooney y Sandra Bullock. Mientras que él puede dar esa imagen de colega que ha insuflado a muchos de sus personajes (como el de la saga Oceans Eleven) siendo su presencia más bien secundaria; la gran, y grata, sorpresa la da ella con un papel cuyo trabajo físico y psíquico creo que le merecen una rápida y justificada nominación al Oscar a mejor actriz del año. Y es que aqui demuestra una madurez interpretativa digna de mérito que sorprenderá a todos aquellos que la veian tan solo como una mediocre protagonista de olvidables comedias románticas.

Beneficiada asimismo de una escueta duración de 90 minutos (que son todo lo que tiene que durar, ni más ni menos) el director consigue insuflar ritmo a algo que sobre el papel puede parecer de una gran sencillez narrativa pero que en imágenes se demuestra de una gran complejidad visual, logrando que la lucha por la supervivencia que vemos en esta película eleve hasta la liga de los grandes directores a Alfonso Cuarón (si es que no estaba ya en ella) y situando a esta Gravity como un título mítico e imprescindible de la ciencia-ficción de todos los tiempos que no solo hay que ver sino que hay que VIVIR en pantalla de cine.

LO MEJOR: Disfrutarla en 3D (que por una vez no es una simple excusa para soltar más dinero) y en si todo el film, hasta el último detalle (como no gane como mínimo todos los Oscars técnicos en la próxima entrega de estos premios podriamos hablar de injusticia, sobretodo sus efectos visuales, sencillamente PERFECTOS)

LO PEOR: Nada aunque hay cierta escena onírica que puede descolocar al espectador (aunque resulta coherente de manera posterior)

LA RECOMENDACIÓN: Si solo vais al cine una vez al año, esta es vuestra película. Y si solo vais una vez al año a ver un film en 3D, que sea este. Creo que me lo agradecereis.

EL GRAN GATSBY con LEONARDO DICAPRIO y TOBEY MAGUIRE

FICHA TÉCNICA

Título: El gran Gatsby
Título original: The Great Gatsby
Dirección: Baz Luhrmann
País: Estados Unidos, Australia
Año: 2012
Fecha de estreno: 17/05/2013
Duración: 143 min.
Género: Drama, Romance
Reparto: Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Isla Fisher, Tobey Maguire, Joel Edgerton, Callan McAuliffe, Gemma Ward, Amitabh Bachchan, Jason Clarke, Elizabeth Debicki
Guión: Baz Luhrmann, Craig Pearce
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Red Wagon Productions, Bazmark Films

SINOPSIS 

Nueva adaptación de la novela de F. Scott Fitzgerald. Ambientada en Long Island, narra la historia de un joven del Medio Oeste, Nick Carraway (Tobey Maguire), que es atraído por su vecino, Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), a un mundo de despilfarro y provocación. Sin embargo, Carraway descubre muy pronto cómo se desmorona el sueño de Gatsby por culpa de la obsesión, la locura y la tragedia.

CRÍTICA

No me he leído la novela original de Francis Scott Fitzgerald por lo que siempre me queda la duda de si darle un repaso o no (aprovechando que la regalaban al pase de prensa al que asistí y son poco más de 200 páginas) pero si muchas veces he citado que una buena adaptación ha de ser aquella que te estimule para leer la obra original (bien sea esta una novela, libro, comic o lo que se tercie), eso aqui no ocurre porque la verdad es que los que tachan a esta nueva versión de El Gran Gatsby de decepción no van muy desencaminados (pero sin que ello suponga que es una mala película, que no es el caso)

Al mismo tiempo que no me he leído la novela, tampoco he visto ninguna de las versiones previas de la historia, y es que yo pensaba que era un remake del film de 1974 protagonizado por Robert Redford, pero en si esta sería la quinta vez que es adaptada esta obra, que para la ocasión ha sido simplificada hasta el punto de constituir una mezcla de Moulin Rouge (el film más popular de su director) y Titanic (el film más popular de Leonardo DiCaprio, uno de los protagonistas de esta nueva versión) Las semejanzas con el primer título están claras en el anacronista uso de la música para resaltar algunas escenas, mientras que de lo segundo toma el elemento romántico y algún que otro detalle que no citaré al ser spoiler (ver lo de la piscina...)

Como director barroco y excesivo que es, Baz Luhrmann intenta aqui la misma jugada que en su film de 2001 con Nicole Kidman saturando las imágenes de todo tipo de colores y luces en un trabajo exhibicionista hasta la exasperación que aqui resulta mero fuego fatuo al no ser en este caso un musical como aquel (aunque tenga música) sino OTRA historia más de amores imposibles (tipo Romeo y Julieta), esta vez situada en los años 20 del pasado siglo. Ya sé que muchos citarán que en el fondo Moulin Rouge era lo mismo pero al menos no se vendía como adaptación de nada sino más bien como musical innovador (cosa que en su momento si fue)

Olvidándose (porque según dicen eso si que está en la novela original) de la crítica a la sociedad clasista, la hipocresía y las relaciones sociales de aquella época, esta nuevo Gatsby es TAN SOLO importante por el romance roto entre los personajes de Leonardo DiCaprio y Carey Mulligan, siendo el resto mero envoltorio tan bonito (aunque al final resulta cansino) como intrascendente. Si se quiere extrapolar algo a la actualidad se podría "leer entre líneas" que las fastuosas fiestas de Gatsby serían algo así como el despilfarro vivido previo a la crisis actual (que muchos han equiparado al crack bursatil de 1929) pero nada va más allá de ese mensaje por lo que no hay que buscar dobles lecturas profundas.

Aún así más que malo habría que decir que este es un film fallido, porque en sus excesivos 143 minutos hay detalles de los que no negaré su belleza (sobretodo las vistas panorámicas iniciales y algunos movimientos de cámara), e incluso de sus actores tengo que reconocer que Leonardo DiCaprio está perfecto en un papel que parece diseñado a su medida y que demuestra lo mucho que ha evolucionado el que se hizo mundialmente famoso por Titanic. Otra cosa es Tobey Maguire, tan solo correcto y por momentos tan "chirriante" como fue su Peter Parker "bailón" de Spiderman 3 cuando en este film le hubiera tocado ponerse en un plan como hizo en Las normas de la casa de la sidra.

Por su parte Carey Mulligan, actriz a la que siempre tendré especial cariño Whoviano por su presencia en Parpadeo, uno de los mejores episodios de Doctor Who, hace aqui un papel cumplidor: destaca en escenas como sus encuentros en solitario (más o menos) con Gatsby, pero en otras ocasiones de tanto aparentar ser tonta parece que lo sea y todo (este análisis lo hago en referencia al cinismo que el propio personaje admite haber tomado y que según ella la falta de inteligencia es el mayor don que puede tener una chica) Fuera del trio principal el otro personaje digno de mención sería el de Tom Buchanan a cargo de Joel Edgerton pero ya desde principio se nos presenta como alguien engreido y petulante, para que así el espectador decante el triángulo amoroso que se forma por Gatsby.

En resumen estamos ante un film fallido (le daría un 4,5 sobre 10) porque si como adaptación no se aguanta (por los que la han leído y pueden comparar) como película resulta de una pedantería insultante cuando los excesos visuales que habían empezado como algo curioso acaban tomando el mando (quizás por una duración excesiva) forzando la máquina de este artificio en algunos momentos grotesco, donde al final prima más lo que se ve que lo que cuenta o sus mismos personajes, quedando uno con la sensación de que quizás con otro estilo y enfoque el resultado final si hubiera estado a la altura de las circunstancias.

LO MEJOR: El barroco estilo visual de su director, que en algunos momentos hay que reconocer que funciona (aunque en otros exaspera), así como un Leonardo DiCaprio cuyo Gatsby parece un personaje perfecto para él y con el que demuestra su madurez interpretativa.

LO PEOR: Si como adaptación de la novela original falla (según dicen los que se la han leído) como simple película también al convertirse en una simple historia de romance prohibido (como ha habido cientos ya) unido al enésimo caso de film donde el 3D (la ví en ese formato) no aporta absolutamente nada al resultado final.

POSDATA (18 de mayo del 2013): Como lo regalaban en el pase de prensa me he leído la novela en la que está basada la película, mi reseña por este enlace.

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