GUNPOWDER MILKSHAKE (CÓCTEL EXPLOSIVO), crítica sin spoilers

Todos tenemos películas que son "placeres culpables" para nosotros, cintas que en inicio pueden no ser gran cosa pero que bien sea por un motivo u otro nos gustan y nos llaman la atención. Ese podría ser el caso de esta Gunpowder Milkshake, retitulada por aqui como Cóctel explosivo, que une en su reparto a dos actrices que siempre me han resultado bastante atractivas como son Karen Gillan (la Amy Pond de Doctor Who, la Nebula de las películas Marvel y la Ruby Roundhouse de las últimas entregas de Jumanji) y Lena Headey (a la que conocí por la serie de televisión Las crónicas de Sarah Connor, si bien el éxito le llegó con la popular Juego de Tronos) En este film la primera sería la protagonista mientras que la segunda encarnaría a su madre en la ficción, algo que en inicio podía parecer algo descabellado pues ambas actrices solamente se llevan apenas catorce años (Gillan nació en 1987 y Headey en 1973)

 

No serán las únicas mujeres en un reparto bastante femenino que se completa con nombres como Angela Bassett Michelle Yeoh y Carla Gugino, mientras que en el pabellón masculino Paul Giamatti sería el nombre más conocido (quien ya se había visto en films de acción desenfrenada como este en Shoot'em Up en 2007) El responsable en la dirección de esta película es Navot Papushado, del cual hace unos años ví su película Big Bad Wolves, codirigida por él y que recibió una inesperada promoción cuando Quentin Tarantino dijo que le había parecido de lo mejor que vió en 2013.

 

La veneración hacia el responsable de clásicos como Pulp Fiction sigue presente en la obra de Papushado, ya que esta Gunpowder Milkshake destila el aroma que se puso de moda a finales de la década de los noventa con películas de todo tipo que querían emular el estilo de Tarantino (sirva de ejemplo el alumno más aventajado que tenía por aquel entonces: Robert Rodriguez) Pues bien, esta cinta lo mismo: INTENTA ser algo así aunque sólo lo consigue a medias, sobretodo gracias a su destacado elenco femenino y a unas escenas de acción bastante bien desarrolladas, todo ello envuelto en un argumento basado de forma escueta en la dificultad de las relaciones materno-filiales pero que en si es una mera excusa para entrelazar a los diferentes personajes y sus variadas confrontaciones. Los mismos gozan del beneficio que antes he citado respecto a sus intérpretes, porque también se hace evidente que hubieran mejorado en caso de tener un poquito más de desarrollo argumental, ya que otro director que parece tener muy en cuenta Papushado sería el Luc Besson de Nikita y otros derivados, aunque no con los mismos resultados.

 

No voy a negar que acudí al cine por mi placer morboso de ver a las dos actrices citadas al inicio en un vehículo de acción con gotas de humor negro que suelen funcionar bastante bien (si bien en algunos casos rozando lo absurdo) El resultado ha sido un film entretenido, aunque los enemigos a batir (hombres) se presentan como meros extras de videojuego, algunos un tanto ridículos, cuyo único destino es acabar muertos, por lo que teniendo en cuenta que las heroinas son mujeres algún macho cavernario puede tildar a esta película erróneamente de feminazi, si bien hay que recordar que el propio Tarantino (ídolo del responsable de este film) ha puesto a mujeres como heroinas en films como Death Proof o las dos entregas de Kill Bill, por citar dos ejemplos (de hecho el vestuario de Gillan aqui parece querer ser tan emblemático como el chandal amarillo de Uma Thurman en el citado díptico) Con una gran solvencia en su apartado técnico el resultado final luce muy bien visualmente, hasta el punto de que por momentos tiene pinta de adaptación de comic (sin serlo)

La historia se centra en Sam (Karen Gillan), una asesina a sueldo que vive traumatizada por el abandono por parte de su madre Scarlett (a cargo de Lena Headey) 15 años antes, aunque eso no es obstáculo para que siga sus pasos y se dedique a lo mismo que ella (asesina) para una compañía conocida como La Firma, probablemente debido a su relación con Nathan (Paul Giamatti), responsable de esa organización y que se supone que ejerció las funciones paternas tras la marcha de la madre. Despues de que lo que tendría que haber sido una misión rutinaria tome un giro inesperado (y Sam se vea al cargo de una niña de 8 años) la protagonista tendrá que hacer frente a sus antiguos compinches, lo que le llevará a reencontrarse con su madre y obtener la inestimable ayuda de las bibliotecarias. Estas últimas, a cargo de Angela Bassett, Michelle Yeoh y Carla Gugino, son sin duda los otros personajes más llamativos del presente film y de los que uno se queda con las ganas de saber más: un trio de asesinas a sueldo que bajo el discreto aspecto de bibliotecarias esconden en los libros todo tipo de armamento y artilugios para defenderse.

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de septiembre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LA CURIOSIDAD: En algunos paises esta película se ha estrenado directamente en Netflix.
  
• LO MEJOR: Su elenco femenino al completo, sus solventes escenas de acción y lo bien que luce visualmente.
  
• LO PEOR: Le hubiera hecho falta más desarrollo argumental en sus personajes y reducir un poco su metraje.
  

JUNGLE CRUISE, picoteando por aqui y por allá (crítica sin spoilers)

Hoy en día con tanta carencia de imaginación hasta una atracción puede ser apta para hacer su versión en película, lo cual NO es una crítica porque la misma Disney ya lo hizo con Piratas del Caribe, logrando resultados óptimos en la primera entrega pero que poco a poco fueron perdiendo fuelle al basar toda la saga (hasta el momento) alrededor del personaje de Jack Sparrow (Johnny Depp), que aunque estuvo bien en el primer film (por La maldición de la Perla Negra incluso lo nominaron al Oscar a mejor actor), paulatinamente se fue convirtiendo en una parodia de si mismo, haciéndolo más enervante. 

Y es que dicha saga de aventuras con Johnny Depp es la primera que se le viene a la mente al espectador que vaya a ver Jungle Cruise, porque en Disney parecen querer buscar otra franquicia al estilo de la de los Piratas del Caribe, en una mezcla que al menos a mi me ha resultado entretenida en sus pretensiones, algo dilatada en su metraje (sus 127 minutos se antojan demasiados para lo que en si tiene que contar), y desde luego que muy deudora no sólo de clásicos como La reina de África o del esquema aventurero de Indiana Jones sino también de otros sucedáneos de aquella época como Tras el corazón verde e incluso de otros más o menos recientes como lo fue La Momia de Stephen Sommers. En este caso la excusa para entablar esta aventura será la búsqueda de un árbol mágico perdido en el Amazonas que tiene la virtud de sanar cualquier cosa y tras el cual van unos cuantos personajes, cada cual con su motivación.

La protagonista está interpretada por una Emily Blunt realmente encantadora, que tras haberla visto hace poco en la secuela de Un lugar tranquilo demuestra aqui que es una actriz polivalente para cualquier tipo de proyecto o género. Es cierto que su personaje podría ser una variación del interpretado por Rachel Weisz en las dos primeras películas de La momia dirigidas por Stephen Sommers, en este caso una experta en botánica menospreciada por la sociedad de su época por el simple hecho de ser mujer, pero la actriz se desenvuelve con soltura. Su compañero de aventuras está a cargo de Dwayne Johnson en un personaje en el que muchos pueden ver un equivalente al encarnado por Humphrey Bogart en La reina de África, si bien serían tan solo parecidos estéticos porque en esencia el de esta película se decanta por otros derroteros más fantasiosos (aparte de que es EVIDENTE que Johnson dista mucho de ser un mito como Bogart) 

El problema radicaría en incluir un progresivo componente romántico entre ellos que no acaba de cuadrar y que bien podría haberse obviado por una paulatina amistad tras las primeras confrontaciones de caracteres que tienen sus personajes. Aunque no cuadren como pareja sentimental es indudable que Dwayne Johnson cumple con creces en su personaje, si bien quizás un héroe menos musculoso hubiera hecho más creible la deriva hacia los terrenos amorosos antes citados. Otro evidente parecido con La momia de 1999 lo tiene en el personaje encarnado por Jack Whitehall, hermano en la ficción de la protagonista y que cumple de forma algo forzada su función como "alivio cómico" al igual que sucedía en el film de Sommers con John Hannah. Pero los más evidentes parecidos serían con Piratas del Caribe ya que la presencia de los conquistadores españoles malditos (entre los cuales está un inesperado Dani Rovira entre otros) recuerda mucho a algunos de los villanos vistos en la citada franquicia caribeña, aunque también hay nazis como en la de Indiana Jones.

El director de Jungle Cruise es el "cumplidor" Jaume Collet-Serra (que ha repetido con Dwayne Johnson en Black Adam, adaptación del personaje de los comics DC que se estrenará para el verano del 2022), y ese calificativo lo pongo entre comillas porque estamos ante una obra que simplemente ofrece lo que promete, lo que para algunos puede ser suficiente, pero sin ningún virtuosismo que la haga especialmente destacable, como si podían tener algunos de los ejemplos de los que parte. Con esa misma corrección, pero sin llegar a sobresalir, se encuentra también la banda sonora de esta película, pese a que venga de James Newton Howard, algo que se puede hacer extensible a un guión firmado por Glenn Ficarra, John Requa y Michael Green que lo único que llevan a cabo es un "combinado" de ejemplos precedentes. Pese a todo insisto en que la película ofrece el entretenimiento que promete... pero sin ningún detalle que la haga memorable.

============================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en cines y Disney Plus): 30 de julio de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Visualmente es muy llamativa, ofrece el entretenimiento que promete y la pareja protagonista convence...
• LO PEOR: ... menos cuando surge el amor, aparte de que toda la película en si es un combinado de ejemplos precedentes y su duración se hace excesiva.
  

SAN ANDRÉS, ni un gran terremoto puede con DWAYNE JOHNSON

FICHA TÉCNICA

Título: San Andrés
Título original: San Andreas
Dirección: Brad Peyton
País: Estados Unidos
Año: 2015
Fecha de estreno: 26/06/2015
Duración: 114 min
Género: Drama, Thriller, Acción
Reparto: Alexandra Daddario, Dwayne Johnson, Carla Gugino, Archie Panjabi, Art Parkinson, Ioan Gruffudd, Colton Haynes, Kylie Minogue, Will Yun Lee, Paul Giamatti
Distribuidora: Warner Bros. Entertainment
Productora: New Line Cinema, Village Roadshow Pictures, Warner Bros. Entertainment

SINOPSIS

Lo que parecía imposible, ha ocurrido. El devastador terremoto conocido como The Big One se ha producido a lo largo de toda la falla de San Andrés, con epicentro en Palm Springs y arrasando toda California. En mitad del caos, un piloto de helicópteros (Dwayne Johnson) se lanza al rescate de su hija (Alexandra Daddario), que ha quedado atrapada en una zona especialmente peligrosa. Pero el tiempo apremia y podría ser que ninguno de los dos obtuviera el premio de la supervivencia.

CRÍTICA

El espectador que se decide por esta película a la hora de ir al cine tiene muy claro (o al menos así debería ser) que esto es un film al que tan solo se le puede pedir una cosa, y es que sea más o menos aceptable y entretenido. En mi caso mentiría si dijera que no la disfruté, pero pese a ello nadie le niega TODOS los tópicos (y más) del género de catastrofes en el cual se engloba. Aún así el ritmo es ágil y rápido desde el inicio, propiciando que bien pronto entremos en acción (destructora), lo que nos sirve para ver que tal héroe de acción es nuestro musculoso protagonista.

Toda la parte visual de esta San Andrés es donde residen sus mayores aciertos, ya que la destrucción masiva de edificios y ciudades (debido a esa cadena de terremotos con origen en la falla a la que da nombre el film) es realmente brutal. Junto a ello seguiremos las andanzas del protagonista (a cargo de Dwayne Johnson) que intentará salvar a su hija del caos que se produce, siendo su papel más o menos creíble aunque bastante básico, volcando el peso de la historia en lo que funcione su carisma con el público (algo que, afortunadamente, aquí no falla, aunque no más allá de un trabajo cumplidor)

De hecho esta película servía para mostrar el arrastre de Johnson como protagonista principal (pese a su labor en muchos títulos, hasta ahora no había protagonizado ninguno en solitario) El resultado parece que ha funcionado bien a tenor de su taquilla hasta la fecha (más de 100 millones de dólares en suelo americano y más de 400 millones de dólares a nivel global), en lo que influye el citado carisma como héroe de acción de Johnson, por las simpatias que siempre levanta su presencia (al menos en mi caso) desde su debut actoral en 2001 como el Rey Escopión en la primera secuela de La Momia.

Siendo justos hay que reconocer que esta película no pasará a los anales de la historia, ni tan siquiera dentro del género en el que se engloba, al no aportar nada destacable más allá de su aparatosidad visual. Y es que en este tipo de película donde TODO se derrumba lo que menos interesa es el drama humano, que se suele ceñir a los aspectos más básicos, hecho por el cual supongo que el director supo que no podía sacar de donde no hay, dejando el peso de la historia en los anchos hombros de Johnson, ayudado a nivel secundario por Carla Gugino y Paul Giamatti (lo mejor del resto del reparto)

El espectador ya veterano enseguida se dará cuenta de que una película como esta, en caso de haberse realizado hace unos años, hubiera sido un vehículo perfecto para héroes de acción como Bruce Willis, Schwarzenegger o Stallone (aunque en si este último digamos que ya tiene un título similar en Daylight: pánico en el tunel, donde también ejercía un personaje similar al que aqui tiene Johnson) Por cierto, citar entre el plantel de secundarios básicos a Ioan Gruffudd, conocido por haber sido el Reed Richards de las dos películas de Los 4 Fantásticos dirigidas por Tim Story en 2005 y 2007.

LO MEJOR: El protagonista ejerce de manera correcta como héroe (que no superhéroe) de acción, y admitir que con esta película aburrirse desde luego que uno NO se aburre pero...

LO PEOR: ... cae en TODOS los tópicos y giros previsibles del cine de catastrofes.

THE AMAZING SPIDER-MAN 2: EL PODER DE ELECTRO, notable secuela

FICHA TÉCNICA

Título: The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro
Título original: The Amazing Spider-Man 2: Rise of Electro
Dirección: Marc Webb
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 17/04/2014
Duración: 142 min
Género: Aventuras, Acción, Fantástico
Reparto: Emma Stone, Andrew Garfield, Dane DeHaan, Jamie Foxx, Martin Sheen, Paul Giamatti, Felicity Jones, Colm Feore, Sally Field, Chris Cooper
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Marvel Studios

SINOPSIS

Peter Parker (Andrew Garfield) tiene una vida muy ocupada deteniendo a los delincuentes siendo Spider-Man y pasando tiempo con la persona que ama, Gwen (Emma Stone). Peter no se ha olvidado de la promesa que hizo al padre de Gwen para protegerla permaneciendo alejado de ella, pero eso es una promesa que no puede cumplir. Las cosas van a cambiar para Peter cuando un nuevo enemigo, Electro (Jamie Foxx), entra en escena y descubre nuevas pistas sobre el pasado de un viejo amigo, Harry Osborn (Dane DeHaan).

CRÍTICA (¡ojo!, puede haber ligeros spoilers)

Las películas del arácnido superhéroe de Marvel han tenido resultados de taquilla cada vez inferiores en Estados Unidos, algo que no mejoró el reboot que sufrió Spider-Man hace un par de años (al menos a nivel local: nuevo mínimo por debajo de los 300 millones de dólares, cifra que superaron con creces todas las entregas de la trilogia inicial de Sam Raimi) Incluso a nivel global el film dirigido por Marc Webb marcó mínimo (752 millones de dólares) hasta comparado con Spiderman 2 (783, siendo la única por debajo de los 800 de los tres primeros films) Pero como pese a todo triplicó su presupuesto, eso es señal de rentabilidad que se pone a prueba con esta nueva secuela.

Pese a que The Amazing Spider-Man me convenció en un primer visionado, al compartir opiniones me encontré con cierto conocido gran amante del personaje, pero al que pese a todo le "repateo" ese reboot, sobretodo por la pésima actuación de Andrew Garfield como Peter Parker. Al ver hace poco de nuevo el film previo aproveché para fijarme en esos detalles (¿hace al personaje pánfilo o ya lo es el actor?), que resultan más evidentes en su versión doblada al castellano (yo solo la había visto en idioma autóctono), aunque en defensa de Garfield diré que no resultan tan ridículos como los bailecitos que se marcaba Tobey Maguire en Spider-Man 3 (siendo uno de los motivos por lo que es más vapuleada por el público)

La "ruptura" que vivió la saga vino a colación por el capítulo que cerraba la trilogia original, donde había un cierto exceso de villanos (tres: Hombre de Arena, Veneno y nuevo Duende Verde), demostrando que a veces MÁS no significa MEJOR (algo evidente en la manera tan forzada como se incluyó a un villano emblemático como Veneno, o ese mencionado nuevo Duende Verde al que encarnó James Franco con un atuendo que parecía más bien el del Corredor Cohete) Por eso mismo tenía yo mis reticencias a que se repitiera algo así con esta secuela, pero Webb ha jugado mejor sus cartas, insertándolos en su justa medida y sin colapsar (aunque también con cierta previsión de futuro)

De los tres villanos que hay aqui el director ya dejó muy claro que el principal era Electro, y así es... pero con matices, y es que también tienen una presencia secundaria Rino y el Duende Verde. A grandes rasgos diremos que el primero cumple el tópico del sabio patoso (cuya comparación más evidente sería el Richard Pryor de Superman 3, con el que coincide hasta en el tono de piel) hasta que el accidente lo transforma en un Electro más parecido a su versión Ultimate que a la usual,... pero más parecido al Doctor Manhattan de Watchmen no solo en su aspecto sino también en como maneja sus poderes (lo mismo que hacía el Hombre de Arena con la susodicha lo puede hacer este con la electricidad, algo que no me suena 100% canónico)

Dicen que un gran villano puede llegar a ensombrecer a un héroe, pero digamos que eso no lo consigue Jamie Foxx, el cual cumple como Electro pero sin aportar ningún detalle que justifique el cambio de raza de su personaje de las viñetas a la pantalla (aunque bueno, no insistiré sobre el tema porque ya ha habido más casos: el Kingpin de Daredevil por ejemplo) Como decía, no le hace sombra, porque la misma sin duda alguna es para Dane DeHaan, realmente brillante como Harry Osborn y como Duende Verde... si bien no se le cita con ese nombre aunque como tal sale en los créditos. El trio de villanos lo cubre un anecdótico Rino que tiene una presentación inicial y un combate final que nos deja las puertas abiertas para el futuro de la franquicia (sea The Amazing Spider-Man 3 o Los 6 Siniestros, lo que llegue antes).

Los detractores de Andrew Garfield me imagino que seguirán siendolo si ven el film, pero a mi su Peter Parker no se me hizo ridículo, mientras que su Spider-Man gana en humor respecto a la anterior entrega (el público pedía más fragmentos como el del ladrón de coches del primer film, y aqui tenemos ya desde buen principio) En referencia a Emma Stone, ¿que puedo decir? su Gwen Stacy es TODO lo que los fans pedían, siendo tan completa su participación que no me extraña que retiraran al personaje de Mary Jane Watson de esta secuela, ya que habría sido su presencia tan solo anecdótica. Y si, se cumple cierto suceso mítico, y que personalmente me hizo soltar una lágrima de pura emoción.

En cuanto a detalles, el film está plagado de ellos: hay una clara visión de las alas del Buitre y de los brazos de Octopus, uno de los trabajadores de Oscorp se apellida Smythe (como el de los mataarañas), la secretaría de Harry responde al nombre de Felicia (sin aclarar si Hardy o no) e incluso un actorazo como Chris Cooper espero que se recupere en futuros films (porque de no ser así lo que ocurre con Norman Osborn puede levantar críticas y quejas entre los fans) En resumen, son 142 minutos que pueden tener algún pequeño altibajo, no lo negaré, pero que sin duda resultan una secuela más acertada que Spider-Man 3 (con quien más facilmente se la puede comparar por el aluvión de villanos)

LO MEJOR: Emma Stone y Dane DeHaan a nivel actoral, más semejanzas al Spider-Man simpático de las viñetas (ver el combate con el futuro Rino), y un ritmo que no deja lugar al aburrimiento, pero sin llegar nunca al colapso debido a los muchos elementos que maneja, algo que Raimi no pudo contener en su episodio final de la anterior trilogia. Asimismo es más clásico el aspecto de Spider-Man (fuera el traje un pelin bizarro del anterior film) y sus paseos en red por la ciudad son sin duda espectaculares (el espectador los vive en primera persona en muchas escenas), por lo que todo ello lo hace un film que recomiendo ver en pantalla de cine para hacerle la justicia que se merece (el 3D no es necesario pero tampoco molesta).

LO PEOR: Si las cosas fueran EXACTAMENTE como en los comics la película (esta o la que fuera) tendría poca sorpresa para los lectores, por lo que se perdonan ciertos detalles que (pese a todo) tendrán grandes detractores, tales como el aspecto de Electro y el Duende Verde, más bien poco canónicos con la cronología clásica del trepamuros. Asimismo sabe a poco la mera mención por email de un personaje como Jameson que tanto juego dio en los films de Raimi. ¡Ah! Y por cierto, al pase al que fuí no había escena post-créditos (al final Marvel nos ha llevado a echarlas de menos cuando faltan).

Notas de producción (pressbook) de THE AMAZING SPIDER-MAN 2

THE AMAZING SPIDER-MAN 2™: EL PODER DE ELECTRO

AL ENCUENTRO DE MR.BANKS, el dificil "making-off" de MARY POPPINS

FICHA TÉCNICA

Título: Al encuentro de Mr. Banks
Título original: Saving Mr. Banks
Dirección: John Lee Hancock
País: Reino Unido, Estados Unidos, Australia
Año: 2013
Fecha de estreno: 31/01/2014
Duración: 125 min
Género: Drama, Comedia, Biográfico
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Tom Hanks, Colin Farrell, Emma Thompson, Paul Giamatti, Jason Schwartzman, Bradley Whitford, Kathy Baker, Rachel Griffiths, Ruth Wilson, B.J. Novak
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: BBC Films, Ruby Films, Essential Media and Entertainment

SINOPSIS

Producción centrada en la historia real de cómo Walt Disney (Tom Hanks) estuvo catorce años cortejando a la escritora australiana P.L. Travers (Emma Thompson) para que le cediera los derechos cinematográficos de su primera y más popular novela, "Mary Poppins", que finalmente fue llevada a la gran pantalla en 1964 en el clásico filme protagonizado por Julie Andrews (Victoria Summer).

CRÍTICA

Son muchas las generaciones que han crecido con las obras de Disney por lo que es raro no citar alguna que traiga buenos recuerdos a nuestra memoria. En mi caso Mary Poppins la ví siendo pequeño en una sala de cine que compartía con Los aristogatos (también de Disney) en ese feliz pasado donde existian los cines de reestreno con programa doble. Divertida y entretenida, reconozco no haberla visto desde hace mucho tiempo (la última vez fue en un pase por televisión) aunque ya se quedado un tanto antigua (no en vano tiene 50 años) en comparación a lo que ha evolucionado el ocio infantil en estas cinco décadas (¿alguien se imagina un remake? Correría el gran riesgo de caer en el ridículo y la vergüenza ajena)

Tengo que reconocer que hasta que no supe de esta película no sabía que Mary Poppins había sido basada en una novela, por lo que asumí el visionado de este Al encuentro de Mr.Banks desde el punto de vista del biopic parcial como fueron los dos que tuvo Hitchcock la pasada temporada: el homónimo y el telefilm The girl  (y es que la información previa que leí daba a entender que esto vendría a ser un "cuento" sobre lo ocurrido más que en si la cruda realidad, suavizando a Disney (Hanks) y Travers (Thompson) y lo que ocurrió entre ellos para adaptar la novela de ella)

Al igual que sucedió por ejemplo con Psicosis (donde en el libro Norman Bates no tenía los conocidos rasgos de Anthony Perkins por los que luego se hizo famoso), en la película Mary Poppins había claras diferencias respecto a la obra en la que se basaba, hecho que provocó que la autora (descontenta con el resultado final) se negara a permitir las adaptaciones de las cuatro secuelas que tuvo su libro de 1934 (todo ello según leo en la ficha de la Wikipedia a P.L.Travers) Convertida la película en un éxito, y al igual que pasó con el film de Hitchcock, la fama y el mito del film fagocitó su base literaria.

En referencia a Al encuentro del Sr.Banks resulta bastante evidente su intención inicial de obtener premios y menciones en la temporada de los mismos, pero para sorpresa de muchos se ha tenido que conformar con tan solo una nominación a la banda sonora (tampoco en los Globos de Oro tuvo suerte, con también solo una nominación, en ese caso a mejor actriz para Emma Thompson) Al igual que los antes citados dos biopics de Hitchcock, se puede decir que las pretensiones no van parejas al resultado final, aparte de que más que biopics son (también en este caso) la historia de un momento específico en la vida de los personajes principales.

Este material en manos de otro director podría haber llegado a ser notable e incluso excelente, pero de nuevo comparado con los dos recientes biopics de Hitchcock, y al igual que sucedía en ellos, aqui tenemos una historia de la que se podía haber sacado más, pero todo se reduce a un conjunto final todo lo correcto que uno podría imaginar pero sin detalles con los que deslumbrar (al estar tras las cámaras un director más impersonal sin ningún asomo de autor)  Lástima porque los años 60 del siglo XX fue una época muy prolífica y creativa (de ella son muchos de los superhéroes de los comics Marvel o series míticas de televisión como Doctor Who) y siempre se agradece una recuerdo o aproximación a los mismos (como de hecho fue, para este último, An adventure in space and time)

Se puede asumir que el mayor desequilibrio que aqueja a este Al encuentro de Mr.Banks puede venir de que tenemos dos films en uno, aunque es sin duda más interesante el making-off del popular clásico de Disney que la otra historia que nos explica el origen (real) de Mary Poppins, donde el protagonista es un muy inmaduro Colin Farrell que parece que padezca el síndrome de Peter Pan porque es más infantil que sus propias hijas (una de ellas, previsible desde el primer momento, la posterior autora encarnada por Emma Thompson, cuyo caracter y forma de ser se forjó por lo narrado en ese flashback)

Un mejor resultado global quizás se hubiera logrado ahondando un poco en el lado oscuro de los personajes, ya que todos son presentados de manera amable (incluso la en origen cascarrabias encarnada por Emma Thompson no deja de ser una variante del Scrooge de Cuento de Navidad con lo que ya se supone que acabará "volviéndose buena") De todas maneras es curioso el guiño del Disney fumador (que lo fue)... todo sea por no enviciar a las nuevas generaciones, aunque también se hubiera agradecido ahondar más en una época tan interesante cinematográficamente.

LO MEJOR: Siendo mejorable en mi caso es un film "motivacional", ya que al igual que títulos como Hitchcock, The girl o Daredevil (por poner ejemplos variados) estamos ante un material interesante del que no se acaba de sacar todo su jugo pero que te deja con las ganas de más (o sea, te levanta interés sobre su base) También destacar el poster original, donde las sombras de Tom Hanks (Disney) y Emma Thompson (Travers) reflejan sus míticos personajes (Mickey Mouse para él y Mary Poppins para ella)

LO PEOR: La infancia recordada en los flashbacks que componen la "otra" película que hay dentro de esta, donde un poco forzado Colin Farrell se hace cargo del papel de un padre bastante inmaduro, que parece querer vivir en una variante de cuento de hadas, y con el que reconozco no haber empatizado en ningún momento.

LA CURIOSIDAD: Aficionado como soy al cine es habitual vivir todo tipo de experiencias, pero lo que me ha pasado con este film hacía tiempo que no me ocurría: en la sala a la que he asistido era EL ÚNICO espectador. La primera vez que me pasó algo así recuerdo que fue con Crash de David Cronenberg.

TURBO, versión caracolense de CARS y la saga FAST & FURIOUS

FICHA TÉCNICA

Título: Turbo
Título original: Turbo
Dirección: David Soren
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 25/10/2013
Duración: 96 min.
Género: Animación
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Ryan Reynolds, Paul Giamatti, Michael Peña, Luis Guzmán, Bill Hader, Richard Jenkins, Ken Jeong, Michelle Rodriguez, Maya Rudolph, Ben Schwartz
Guión: David Soren, Robert Siegel, Darren Lemke
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: DreamWorks Animation

SINOPSIS

Turbo es una comedia de aventuras a toda pastilla sobre un caracol, considerado un perdedor, que milagrosamente adquiere el poder de la súper velocidad. Pero, tras hacerse amigo de una peculiar pandilla de caracoles callejeros tuneados y obsesionados con la velocidad, Turbo (con la voz original de Ryan Reynolds) aprenderá que nadie llega a tener éxito por sí solo. Así que coloca su corazón y su concha en la línea de salida dispuesto a ayudar a sus colegas a lograr sus deseos, antes de intentar alcanzar su sueño imposible: ganar las 500 millas de Indianápolis.

CRÍTICA

¿Arrastrará consigo la mala suerte el actor Ryan Reynolds? Recordemos su presencia en las fallidas películas (bien sea en taquilla, bien sea en calidad) R.I.P.D., Blade Trinity, Linterna Verde y X-Men Orígenes: Lobezno, las cuales (gusten más o menos) siempre tienen al personaje que le toca a Reynolds como lo más flojo del conjunto. El comentario viene a colación porque es el citado actor el que presta su voz en la versión original al caracol protagonista... y si nos atenemos a las cifras la película ha funcionado de manera correcta... y eso siendo bondadosos. Pero fuera de resultados monetarios, analicemos el producto como tal.

Con la gran competencia que hay en el tema de la animación hoy en día, y una vez visto el film, no me atrevería a decir que estamos ante una maravilla como las de Pixar pero si que es verdad que nos encontramos con una película sencilla y sincera, que da lo que uno espera de ella. ¿Y que es? Pues el típico mensaje de superación ante las adversidades, creer en ti mismo y tus posibilidades, y no rendirte ante los escollos que te plante el destino; todo ello vistos en multitud de ejemplos de animación y que aqui está representado por algo tan lento como un caracol, que pretende correr como los coches de carreras de Formula 1.

Tengo que mencionar que el pase al que asistí de la película nos lo pusieron en versión doblada, hecho que cito porque no lo tengo muy controlado en referencia a los otros personajes pero me hizo gracia que el caracol al que pone voz Samuel L.Jackson tuviera LA MISMA voz que le ha dado su doblador oficial (Miguel Angel Jenner) aqui en España. Y es que son los personajes caracolenses los más entretenidos (más incluso que los humanos, demasiado esquemáticos) de una función correcta y divertida, con una duración justa (no alarga nada más allá de lo debido) pero también previsible a marchas forzadas, algo quizás asumible al hecho de que en su esquema básico no deja de ser una variante de Cars y Fast and Furious pero con caracoles.

La historia tiene ciertos guiños más adultos y de un humor más negro, como por ejemplo lo de los cuervos, pero la película se hace quizás demasiado esquemática en cuanto a sus personajes (ver el repelente niño aplasta-bichos) resultando más divertidos, aunque igual de tópicos, los caracoles que aparecen en escena. En cuanto a la explicación de que Turbo consiga la velocidad que tiene, me gustó que fuera al estilo de los superhéroes (su involuntario baño en oxido nitroso le cambia su ADN) siendo una salida más correcta que si hubieran echado mano de temas más infantiles como duendes, hadas, deseos o similares.

Aún así lo citado antes puede hacer pensar (de nuevo comparada con Cars) que nuestro protagonista se encontrará con más caracoles con poderes como él (lo digo por los que aparecen "tuneados" a su alrededor en el poster principal de la película) pero no es así, derivando más en ingenio que en velocidad las características de esos otros gasterópodos que vienen a formar el grupo de amigos que suelen tener los protagonistas en films dirigidos hacia la chavalería (y que principalmente son usados de "alivio cómico" en la progresiva evolución del protagonista hasta conseguir su objetivo)

LO MEJOR: Su curioso punto de partida y lo entretenido de las andanzas de estos caracoles en una historia con la duración justa que ha de tener.

LO PEOR: Es bastante previsible y los personajes humanos no logran la misma empatía que los caracoles, además de que en ambos casos resultan en conjunto meros estereotipos.

ROCK OF AGES (LA ERA DEL ROCK) con TOM CRUISE, CATHERINE ZETA-JONES, ALEC BALDWIN, PAUL GIAMATTI y RUSSELL BRAND

FICHA TÉCNICA

Título: Rock of Ages (La era del rock)
Título original: Rock of Ages
Dirección: Adam Shankman
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 10/08/2012
Duración: 123 min.
Género: Romance, Comedia, Musical
Reparto: Diego Boneta, Dakota Sage Grant, Julianne Hough, Tom Cruise, Matt Sullivan, Alec Baldwin, Russell Brand, Erica Frene, Bryan Cranston, Michael Olusczak, Catherine Zeta-Jones, Malin Akerman, Paul Giamatti.
Guión: Justin Theroux, Chris D'Arienzo, Allan Loeb
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: New Line Cinema, Offspring Entertainment, Maguire Entertainment, Corner Store Entertainment, Material Pictures

SINOPSIS 

Viajamos atrás en el tiempo: Los Ángeles, 1987. Drew y Sherrie (Diego Boneta y Julianne Hough) son dos jóvenes que intentan cumplir sus sueños en la gran ciudad. Ambos tienen el mismo objetivo: hacerse un hueco en Hollywood. Pero la gloria está reservada sólo para los más brillantes. Mientras tanto, protagonizan una turbulenta historia de amor marcada por el ritmo del rock'n'roll.

SHOOT'EM UP (EN EL PUNTO DE MIRA)

FICHA TÉCNICA

Título: SHOOT'EM UP (EN EL PUNTO DE MIRA)
Título original: Shoot'em Up
Dirección: Michael Davis
País: Estados Unidos
Año: 2007
Duración: 86 min.
Género: Thriller
Reparto: Clive Owen, Monica Bellucci, Stephen McHattie, Paul Giamatti, Greg Bryk, Daniel Pilon, Ramona Pringle
Guión: Michael Davis
Distribuidora: New Line Cinema
Productora: New Line Cinema, Angry Films
Dirección artística: Patrick Banister
Diseño de Producción: Gary Frutkoff
Fotografía: Peter Pau
Montaje: Peter Amundson
Música: Paul Haslinger
Productor: Don Murphy, Rick Benattar, Susan Montford
Productor ejecutivo: Cale Boyter, Douglas Curtis
Vestuario: Denise Cronenberg

SINOPSIS

Clive Owen interpreta al Sr. Smith, el hombre más enojado y duro del mundo, a quien le confían la protección de lo más inocente del universo: un niño recién nacido. Cuando Smith ayuda a nacer al bebé en medio de un tiroteo, pronto descubre que el niño es el blanco de una extraña fuerza que ha enviado a un equipo de inagotables atacantes misteriosos, conducidos por Hertz (Paul Giamatti), para borrar todo rastro del bebé.

En medio de una lluvia de balas y de los tiroteos más inconcebibles, Smith se une a una prostituta llamada DQ (Monica Bellucci) para solucionar el misterio en cuanto a porqué está siendo amenazada la vida del bebé antes de que esta familia improvisada termine del lado equivocado de la bala. Todos quieren ver muerto al bebé. ¿Por qué?

CRÍTICA

Una película como Shoot’em Up hay que tomarla como es: un simple entretenimiento. Y aún diría más, todos aquellos que disfrutaron en la década de los ochenta con las películas de acción que se hacian por entonces (protagonizadas por Stallone, Schwarzenegger, Steven Seagal, Van Damme o Bruce Willis) serán el público indicado para este film y quien más lo disfrutará.

Y es que este film vendría a ser un ejemplo del cine de acción de entonces pero exagerado a tope. Y cuando digo a tope es literal, porque las escenas de acción son las más exageradas que he visto en mucho tiempo en pantalla. Lo cual a priori no es malo, porque me hizo recordar la acción de Blanco Humano, a mi modo de ver la película más potable de la filmografía de Jean Claude Van Damme. Y encima teniendo en este film a un protagonista como Clive Owen, sin duda mejor actor que el belga lanza-patadas.

Pero eso no es todo, otro punto a favor del film es el humor con el que ella misma se toma: la actuación del protagonista vendría a aproximarse más a la de una versión más oscura del cínico John McClane de La Jungla de Cristal. Además el villano de la función es un Paul Giamatti totalmente desatado, cuya sobreactuación puede recordar en algunos momentos a otros actores amigos del exceso como Jack Nicholson. Y encima la chica de la película es un bellezón como Monica Belluci. Con todos esos elementos, ¿qué más se puede pedir?

Pues a decir verdad lo que se podría pedir es una historia un poco más compleja. Y es que de hecho el argumento del film es tan simple que se podría prescindir de él, ya que no deja de ser un mero hilo para hilvanar las espectaculares secuencias de acción. Encima la comparación con los films de los actores citados al principio de este comentario no es tan descabellada, porque la historia básica de la película podría haber servido perfectamente para ser protagonizada por cualquiera de los arriba citados (o de otros como Chuck Norris o Mel Gibson). ¿Qué diferencia hay, pues, entre esta película y cualquiera de las que esos actores hicieron en el pasado? Pues básicamente ninguna: Shoot’em Up sólo sirve para recordar aquel cine, llevado en este caso hasta el exceso más excesivo (y más divertido, ojo, que una cosa no quita la otra). Pero por lo demás se hubiese agradecido una historia un poco más elaborada que no dejara a este film como simplemente un divertido pasatiempo y ya está.

LO MEJOR: La ACCIÓN. Así, en mayúsculas, porque quien disfrute con ese género, aquí se lo pasará pipa con las escenas más increíbles vistas en mucho tiempo en una pantalla. Y todo eso con un trio protagonista realmente magnífico (tanto Clive Owen como Paul Giamatti y Monica Belluci).

LO PEOR: La historia. O casi la carencia de la misma, siendo un simple motivo para hilvanar las espectaculares escenas de acción.