CARLITOS Y SNOOPY: LA PELÍCULA DE PEANUTS, adaptación sin riesgos

Quien a estas alturas no conozca a Snoopy es que habrá vivido en una cueva los últimos 65 años, que son los que tiene la tira de prensa en la que se dió a conocer, junto con su dueño Charlie Brown (o Carlitos, como se le conoce por aqui) así como su grupo de amigos. Quien los ha conocido y ha crecido con ellos disfrutará sin duda con esta película, pero tengo que reconocer que esperaba que calara en mi más de lo que lo ha hecho. Y es que aunque se mantenga el espíritu original de la obra, estamos ante una adaptación que se podría considerar fidedigna y en donde no hay ningún tipo de novedad, dando como resultado una absoluta falta de riesgo y una apuesta... ¿demasiado sobre seguro?

Ojo, porque no quiero decir que estemos ante una mala película, pero a los que conocemos a los personajes de toda la vida no les aportará nada nuevo, funcionando mejor como presentación de los mismos a las nuevas generaciones. Estamos, por tanto, ante un título realmente muy clásico (aunque la animación sea innovadora) con un humor muy blanco que no sé hasta que punto podrá conectar con los chavales de hoy en día, más preocupados por las pantallas de sus chismes móviles que por los clásicos juegos de antes entre amigos en la calle.

Es una lástima porque la inocencia y la sencillez de este film contrasta con la evolución de la realidad desde que estos personajes vieron la luz en un lejano 1950, por lo que recrear sus andanzas de manera fiel es (al mismo tiempo) un respeto por la obra original pero un handicap que puede hacer pecar al resultado final, como aqui sucede, de ser poco representativa de la infancia actual (aunque siempre me puedo equivocar y que salga algún nuevo fan del comic una vez vean este film)

El guión de la película, un trabajo iniciado por el hijo y el nieto de Charles M. Schulz (creador de la popular tira) recupera muy bien el espíritu de la misma de una manera muy acertada. Citar también que su estreno el pasado noviembre en Estados Unidos fue marcado para celebrar tanto el 65 aniversario de la edición de la primera tira cómica (en apenas siete diarios) así como el 50 aniversario de la primera aparición televisiva del popular grupo. Con el control de sus herederos sobre el resultado final, las posibles dudas estaban en su adaptación en animación en 3D, pero los estudios Blue Sky (responsables de sagas como Ice Age o Rio) realizan una destacable labor, manteniendo en todo momento el respeto hacia la obra adaptada.

Para los que no conozcan la historia de esta película digamos que, al igual que sucedía en la conocida tira de prensa, son las vivencias de un grupo de niños en su escuela y por el tranquilo barrio de clase media donde viven y juegan (típico de los años sesenta) Eso nos lleva a una realidad un tanto idílica, donde lo más peligroso sería el mal humor de Lucy (una de las niñas del grupo, cuya consulta de terapia por dinero está presente aqui) girando todo alrededor de estos pequeños chavales y como se encaran ellos con los sinsabores de la vida, cada uno desde su propia personalidad, en todos ellos muy marcada (los adultos, que no aparecen nunca en las viñetas, se "hacen ver" en esta película representados por voces distorsionadas)

El protagonista, Charlie Brown, resulta entrañable haciendo frente a todo con su bondad, su inseguridad así como su dulce pesimismo, aunque sin duda el más conocido es su perro Snoopy: un travieso, inquieto y optimista beagle, que lo mismo escribe una novela que se ve como héroe de la aviación de la Primera Guerra Mundial (con él la imaginación se desborda) La tira cómica de Peanuts vió la luz en 1950, publicándose de manera continuada hasta 2000, justo una semana antes de la muerte de su creador (Charles M.Schulz) Famosa a nivel global, en su momento de mayor popularidad se calcula que se ha publicado en más de 2600 periódicos, en 75 países y traducida a 40 idiomas (vamos, dificil el no conocerla de nada...)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• Más información en la web de la película (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre de 2015 
• LA CURIOSIDAD: El origen de este film está en 2006, seis años después de la muerte de Schulz y del final de Peanuts, cuando sus descendientes se propusieron su adaptación en película. 
• LO MEJOR: Es un excelente homenaje a tan clásicos personajes, con lo que deleitará a los (ahora) adultos que crecieron con ellos y quieran darlos a conocer a las nuevas generaciones. 
• LO PEOR: No hay nada nuevo para los que conozcan la obra de Schulz, siendo la película tan solo un tránsito por lugares comunes de la misma, por lo que la innovación brilla por su ausencia.

STAR WARS EPISODIO VII: EL DESPERTAR DE LA FUERZA, ahora si, así SI

No me considero fan de la saga Star Wars, para dejarlo claro de origen, pero lo que no negaré es la influencia que ha tenido en mucho público a lo largo de las décadas (entre los cuales si me incluyo) Puede sonar un tanto contradictorio, pero en mi caso admito haber disfrutado en 1983 con nueve años de El retorno del Jedi (cuando mi madre me llevó al cine a verla) así como del resto, vistas luego en televisión. Aunque en su momento fueron tan criticados como Jar Jar Binks admito aún tener por casa un muñeco de un Ewok, que debido a mi corta edad reconozco que me flipaba.

Cuando en 1997 se cumplia el 20 aniversario de la trilogia original, la misma se reestrenó (con ciertos retoques) para darla a conocer a una nueva generación. Como es natural yo acudí al mismo, disfrutando de ellos así como del hecho de poder presumir que había visto El retorno del Jedi tanto en su estreno como en el citado reestreno. Eso fue el anticipo que nos tenía preparado George Lucas, porque justo dos años después dió inicio a una nueva trilogia, en este caso de precuelas, que no convenció a los fans de la saga... y a los que no puedo menos que darles la razón, pero con matices.

Pero ¿esto no tendría que ser una crítica del Episodio VII? Si, lo es, pero antes me permito entrar en antecedentes, porque este El despertar de la fuerza de J.J.Abrams recien estrenado no solo abre nuevos caminos en la franquicia sino que también se vale de la nostalgia del espectador maduro. Y ahi tengo que reconocer que hay ciertos paralelismos entre el Anakin Skywalker de las precuelas y el Kylo Ren que aqui encarna Adam Driver (aparte de cierto GRAN spoiler que por aqui no citaré) porque mientras que en el caso del primero costaba ver al futuro y temible Darth Vader, algo similar le sucede a este nuevo enemigo, que sigue la estela de tan mítico villano, sin nunca sobrepasar al ejemplo que toma para emular.

De hecho a mi me plantea más dudas e incógnitas ese enemigo al que da vida (o más bien cuerpo virtual) el gran Andy Serkis, y que parece ser el sustituto del Emperador Palpatine. Supongo que las sucesivas secuelas ahondarán en el proceso de aprendizaje de Kylo Ren por parte de ese sustituto del Emperador (de ahi esa inexperiencia y ese poco control sobre la ira de Ren, semejante a la inicial de Anakin en las precuelas) Lástima que, de momento, ni uno ni otro estan a la altura de la imagen que dejó Vader en la trilogia clásica, o si mucho me apuras, de ese gran y desaprovechado villano que fue Darth Maul en La Amenaza Fantasma.

Aún así J.J.Abrams acierta al seguir el estilo de Superman Returns o de la reciente Jurassic World, que no dejan de ser secuelas que a su vez se pueden considerar remakes y/o reboots (en el primer caso del film de Richard Donner de 1978, en el segundo del Parque Jurásico de 1993 de Steven Spielberg) De todas maneras resulta un poco hilarante, a la que se analice un poco, que antes el Imperio y ahora la Primera Orden caigan POR TERCERA VEZ en el mismo error, tan solo que cada vez haciendo que el "elemento" fuera progresivamente más grande, si bien se puede obviar dentro del perfecto disfrute que es ver una película como esta (que supera a las precuelas y creo que queda a la altura de la trilogia original, justo tras los episodios V y IV respectivamente)

Porque si, El despertar de la fuerza se puede considerar una especie de remake del título inicial de 1977, sin que por ello se trate de una copia exacta. Pero de los errores se aprende, y mientras que las precuelas pecaban de un cierto exceso de CGI, aquí se decantan por recuperar el espíritu original (si funciona algo, ¿para qué cambiarlo?) por lo que es muy facil recordar el esquema de la aventura planteada por Lucas en la primera película y verlo reflejado aqui. Y eso sin olvidar que uno de los momentos más icónicos de Star Wars es aquel en que se reconoce cierta paternidad (¿recordais?), algo que justifica que se juegue con una premisa similar en la presente entrega, de forma acertada.

Cuando te das cuenta del citado paralelismo, no resulta muy dificil preveer cierto "sacrificio" como el que llevaba a cabo el gran Alec Guiness en la película de 1977 (entre otros detalles "sugeridos" más arriba) Pero para demostrar que no todo va a ser nostalgia, resultan todo un acierto tanto John Boyega como Daisy Ridley, sobre cuyos hombros está el grueso central de esta película, y por los que resulta facil sentir una inmediata empatía, sobretodo en el caso de ella (que parece heredar el carisma original de Luke y Leia Skywalker aunque OJO, porque de momento sin admitir (¿aunque si sugerir?) que algo de eso haya) Y sin olvidarme del entrañable BB-8, que podría considerarse el relevo de C3PO y R2-D2, que también tienen breve presencia. Al menos este nuevo robot cae mejor que el polémico Jar Jar Binks...

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• EL MOMENTO: Diría que cuando entra en escena Han Solo, pero casi lo adelantaría a cuando aparece su mítica nave.
• EL DETALLE: El acierto de los personajes a los que dan vida John Boyega y Daisy Ridley, que aportan savia nueva a la veterana saga. 
• LA CURIOSIDAD: Por fin consigue Harrison Ford lo que pidió para su personaje en El retorno del Jedi... y no digo más.
• LO MEJOR: Es un digno episodio dentro de la saga donde está englobado, ofreciendo no solo los elementos de nostalgia para el espectador veterano, sino también nuevos con los que encandilar a las nuevas generaciones.
• LO PEOR: Puede no convencer a todo el mundo su condición de secuela cuyo esquema casi parece el de un remake o reboot del film de 1977.

EL DESAFIO (THE WALK), vértigo desde las extintas TORRES GEMELAS

El 11 de septiembre de 2001 desaparecieron las Torres Gemelas de Nueva York debido al atentado terrorista de Al-Qaeda, pero aunque esos sucesos ya han sido repasados por otros títulos, el presente tan solo caería en el homenaje a lo ocurrido en la citada fecha en un plano final donde los dos edificios son enfocados en un claro tono nostálgico. Pero tan solo sería eso, porque más que enfocarse hacia su final, esta película se situa en sus inicios, cuando en 1974 estaban acabando de construirlas y un funambulista francés (Philippe Petit) se atrevió a cruzar la distancia que separaban las azoteas de ambos edificios tan solo con sus habilidades como equilibrista en la cuerda floja.

Tengo que reconocer que la historia ya comienza con sorpresas desde su inicio, porque sería el propio Petit (en la película con los rasgos de Joseph Gordon-Levitt) quien rompe la cuarta pared y se dirige tal cual al público que está viendo la película, para explicarles (cual si fuera un cuento, y para conseguir así su complicidad) todo el plan que elaboró, junto con sus colaboradores, para llevar a cabo el "crimen artístico del siglo": cruzar entre las Torres Gemelas desde sus 110 pisos de altura sin ningún tipo de permiso o autorización, con el consiguiente riesgo que ello suponía.

Pero eso sería el colofón final, por lo que la historia primero nos lleva a los orígenes de Petit y su afición por el equilibrismo, en una serie de flashbacks que sirven para introducir al espectador en el mundo por el que se mueve nuestro protagonista, lo que nos facilita el entender su gran anhelo, que muchos tacharian de locura. Es en esos momentos cuando Petit conoce al que será su mentor: Papa Rudy (encarnado por un notable Ben Kingsley) así como a su novia Annie (Charlotte Le Bon) y al que será su amigo y fotógrafo de sus hazañas Jean-Louis (Clément Sibony) que acompañarán a nuestro héroe en la gestación de su sueño (aunque más adelante hay más inclusiones en este grupo para llevar a cabo ese desafio)

Hay que reconocer que El desafio (The walk) demuestra que Robert Zemeckis sigue siendo uno de los mejores directores norteamericanos en activo (aunque haya tenido sus altibajos) porque aqui consigue que el espectador nunca se aburra en una película muy dinámica y divertida. Asimismo el director sabe llevarnos a los espectadores hasta la Francia y luego los Estados Unidos de los años 70, todo ello con un vestuario y unos escenarios cuidados hasta el mínimo detalle, aunque sin duda lo mejor estaría en la recreación de las Torres Gemelas, que nos permite conocer una anécdota de sus inicios tras las muchas imágenes que se han visto de su caida.

Es lógico pensar que si estos edificios aún estuvieran en pie, la historia que nos narra esta película sería tan solo una simple curiosidad más, y aunque se hubiera rodado en escenarios naturales, el film se hubiera volcado en los efectos visuales para llevar a cabo las escenas con más riesgo. Por eso el mayor mérito está no solo en como nos muestran tan temeraria acción, sino en el hecho de que Petit fue el único hombre que la llevó a cabo, porque esos edificios YA NO EXISTEN, algo que durante el transcurso de esta película parece dificil de creer, porque la misma nos situa en sus mismas entrañas, para asi mostrarnos como nuestro protagonista y su grupo de cómplices llevaron a cabo tal temerario plan.

Esta historia (que no olvidemos que es real) ya fue tratada en 2008 en el documental Man on wire, que ganó un Oscar (y que no he visto en el momento de escribir esta crítica) y la misma estaría basada en el libro Alcanzar las nubes (que tampoco me he leído al escribir esto, aunque ya lo he reservado para que me lo traigan a mi biblioteca más cercana) Pero sin conocer yo ninguna referencia previa sobre la hazaña que consiguió Petit el mismo año en que nací (1974) tengo que reconocer que Zemeckis me ha hecho disfrutar con un título que si bien no alzaría como lo mejor de su obra (ahí podrían estar films como Forrest Gump o la trilogia de Regreso al futuro), si que sin duda bien podía estar entre los más destacados.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre de 2015.
• EL MOMENTO: La notable recreación de los hechos reales, hasta el punto de que aunque se ha echado mano de los efectos visuales, la sensación de vértigo está muy lograda.
• EL DETALLE: Poder disfrutar del pase en 3D en la sala Dolby de Cinesa La Maquinista, donde luce espectacular. 
• LA CURIOSIDAD: Esta historia ya fue objeto de un documental de 2008 (Man on wire) ganador de un Oscar.
• LO MEJOR: El dinámico y divertido modo de narrar del director (que hace que no nos aburramos) así como la empatía inmediata del espectador hacia el Petit al que encarna Joseph Gordon-Levitt (sin olvidar unos efectos visuales excelentes en la recreación de los ahora inexistentes edificios y la hazaña que se consiguió en ellos)
• LO PEOR: Considerar sus dos primeros actos como simples anticipos del espectacular tramo final (cual si fuera una película de atracos, primero explicando el plan y luego llevándolo a cabo)

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO (PARTE 2), un correcto punto final

La avaricia de Hollywood no conoce límites, siendo tan solo el vil metal la única excusa para dividir los capítulos finales de varias sagas en dos películas (en vez de tan solo una) Se hizo con Harry Potter, se hizo con Crepúsculo, se ha hecho con esta saga y se hará con la de Divergente e incluso con lo que sería Los Vengadores 3 (que dividirán en dos films a estrenar en 2018 y 2019 respectivamente) En ninguno de los ejemplos previos eso ha servido para algo que no fuera el recaudar más dinero, y dudo mucho que eso no ocurra también con los ejemplos que están por llegar.

Hace un año cuando se estrenó el capítulo previo ya comenté que daba una innecesaria sensación de dilatación, cuando todo ello se podía haber metido en un solo film (aunque el mismo rondara las tres horas) incluido el cliffhanger con el que acababa (y desde donde parte esta Sinsajo 2), introducido tan solo porque había que cortar por alguna parte para hacer dos películas y decidieron ese momento (en comparación funciona mejor el que hubo al final de la segunda parte). Ni tan siquiera la extensión del tercer libro justifica el no haber dejado esta saga en trilogia y dividir su capítulo final en dos entregas, hasta el punto de que por momentos da la sensación de que sea el hipertrofiado y excesivo Peter Jackson de la trilogia de El Hobbit quien esta como director (en lugar del responsable de títulos como Constantine o Soy Leyenda).

¿Merece la pena el cierre que ha tenido esta franquicia? Si obviamos en la medida de lo posible el citado "corte" en dos, cabe señalar que sabe finiquitar todos los cabos sueltos, si bien el interes y la novedad inicial de la franquicia se ha ido progresivamente diluyendo (pese a que a los libros les pasa lo mismo, ya que para mi tuvieron una progresión decreciente) aunque eso no fue obstáculo para que las adolescentes que poblaban la sesión a la que asistí acabaran con un sonoro aplauso, al que reconozco que no me sumé -tampoco es para tanto-, pero que me llevó a intentar recordar cuando fue la última vez que viví algo así, ya que no es algo usual.

Lo que sin duda resulta innegable es la perfecta fusión que se establece entre el personaje protagonista de Katnis Everdeen y la actriz que le da vida (Jennifer Lawrence) hasta llegar al punto de que uno no se imagina a ninguna otra en su lugar. Ella sostiene sobre sus hombros todo el peso de la acción, quedando en un segundo plano los dos chicos entre los que debate su amor (si bien provocaron algún suspiro entre las adolescentes presentes en mi misma sesión), así como el resto de secundarios (caso por ejemplo de Woody Harrelson, Stanley Tucci o Elizabeth Banks, que tan solo hacen acto de presencia o incluso menos)

El villano al que pone rostro Donald Sutherland consigue ser una digna némesis para Katniss (con escenas tan acertadas como la que transcurre en un invernadero de rosas), si bien su resolución final resulta un tanto decepcionante, mientras que son llamativas (más que nada porque lleva casi dos años fallecido) las escenas con Phillip Seymour Hoffman, muy bien integradas en el conjunto. De este Sinsajo 2 destacan dos escenas de acción principalmente: la de la plaza inundada de petróleo (o brea o lo que sea, tiene pinta de pringoso líquido negro) y la huida posterior de los "mutos", unas feas criaturas que parecen originarias de Mordor.

El film finiquita todo lo que tiene abierto, si bien no de manera acertada, ya que si bien la última escena más o menos sirve para cumplir el tópico de "final feliz", antes de eso hemos tenido varias conclusiones en donde da la sensación de cierta inseguridad a la hora de cerrarlo todo, con los evidentes altibajos que ello conlleva en el interés del espectador (el más evidente estaría en las motivaciones que llevan a Katniss a hacerle a la presidenta Coin lo que le hace, mal explicados porque no dejan claro la dudosa honestidad política de la afectada así como su implicación en lo que le pasa a su hermana Prim) Tambien resulta un tanto apresurada la forma en que se resuelve el triángulo amoroso de Katniss con sus dos pretendientes, aunque al final Sinsajo 2 es coherente con todo lo previo planteado, ofreciendo un desenlace más realista y cercano a lo que debe ser un conflicto armado, donde más que vencedores y vencidos hay sobretodo víctimas.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
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• EL MOMENTO: Las dos principales secuencias de acción del film, resueltas con corrección.
• EL DETALLE: Jennifer Lawrence se confirma en su papel, sosteniendo su personaje el peso del film y haciendo dificil imaginárnos a Katniss Everdeen con otro rostro que no sea el suyo.
• LA CURIOSIDAD: Las escenas con Phillip Seymour Hoffman, cuando ya lleva casi dos años fallecido, insertadas con acierto en la película.
• LO MEJOR: Es un correcto final para la franquicia, donde queda claro sobretodo que cualquier conflicto armado provoca principalmente víctimas antes que vencedores o vencidos.
• LO PEOR: Dividir en dos la última entrega, provocando unos dilatadísimos 260 minutos entre ambas que eran perfectamente resumibles en menos.

EL VIAJE DE ARLO (THE GOOD DINOSAUR), un buen PIXAR jurásico

Con este título Pixar completa los dos estrenos que tenía para este 2015 (el anterior fue Del Revés (Inside Out) hace unos meses) tras la sequia que hubo el pasado 2014, y antes de meterse en un planning en el que lo nuevo se quedará un poco de lado frente al (relativo) exito seguro que suelen ser las secuelas (aparte de Buscando a Dory, para continuar el éxito de Buscando a Nemo, trabajan también en Toy Story 4, Cars 3 y Los Increibles 2)

Siendo el último trabajo "original" que veremos de la productora en unos cuantos años, y con el listón tan alto que había dejado hace unos meses su anterior estreno, El viaje de Arlo es una película menor dentro del historial de Pixar. Ello se debe a una historia donde no se arriesga, y en la que es facil detectar influencias como El Rey León (por el destino del padre) o El libro de la selva (por esa especie de Mowgli que es el, por otra parte, carismático Spot) pese a su muy ingeniosa idea de partida: una realidad donde conviven dinosaurios y humanos porque los primeros no se extinguieron.

El viaje iniciático que experimentará Arlo a lo largo del film resulta un tanto previsible ya desde la base, y sino sirva de ejemplo la cantidad de películas con infantes perdidos (sean humanos o animales) que han de conseguir volver a casa. Siendo por tanto evidente que al final habrá un evidente regreso al hogar, las andanzas de Arlo servirán para sacarle de su zona de confort y darle valor para enfrentarse a sus temores, en una sucesión de vivencias donde incluso hay hueco para un viaje alucinógeno tras que humano y dinosaurio tomen unas frutas sin saber los efectos lisérgicos que ello conlleva (provocando uno de los momentos más surrealistas y divertidos del film)

Cabe destacar que con su idea inicial lo más lógico hubiera sido que un protagonista humano viviera sus aventuras junto a un dinosaurio. Pero como eso hubiera sido más previsible, aqui las tornas se invierten, lo que nos lleva a conocer el trabajo como granjeros de la familia de Arlo o el más sorprendente de ver tiranousaurios ejerciendo de ganaderos, siendo el apartado "animal" para los humanos (si bien Spot consigue ser un personaje más entrañable que el citado Arlo, pese a que solo se comunica con gruñidos) Esa inversión de roles entre "amo" y "mascota" resulta uno de los aciertos de esta película.

El carisma del duo protagonista tiene momentos realmente brillantes, cuando a través de palos e ilustraciones muy básicas comparten de manera no verbal el dolor de sus respectivas pérdidas familiares (en ese sentido la "adopción" final de Spot se me antojó un tanto forzada, de cara al caracter familiar que uno espera de un título así, pero sin decantarse por otros derroteros que hubieran sido más innovadores) A destacar también la fotografía naturalista y fotorrealista, que sin duda alguna alcanzan la más espectacular perfección, siendo todo un deleite para la vista (y haciendo dificil de discernirlo con la realidad)

En un año en que los dinosaurios han dominado la taquilla (por el éxito de Jurassic World, la cuarta entrega de la saga de Parque Jurásico) cabe recordar que esta no es la primera vez que Disney nos traslada a la prehistoria, ya que en 2000 se estrenó Dinosaurio, una película que en principio fue concebida por Paul Verhoeven para llevarla a cabo lo más violenta y realista posible (y logicamente sin diálogos), pero que bajo el tamiz de la Disney, y de cara a no poder el potencial público infantil, fue más destacable por su portentoso aspecto visual que en el apartado argumental (donde la idea inicial se transformó en un film apto para todos los públicos, incluyendo logicamente que allí los dinosaurios hablaban) Al menos El viaje de Arlo en eso no engaña y pese a no ser de lo mejor en la filmografía de Pixar (supongo que por todos los vaivenes que tuvo que lidiar desde que el proyecto se inició en 2009) si que resulta una buena película donde la relación entre Arlo y Spot a muchos les puede recordar a la vista entre humanos y dragones en la saga Como entrenar a tu dragón.

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• EL MOMENTO: Todos los protagonizados por Spot, carismático pese a solo gruñir.
• EL DETALLE: La calidad visual, sobretodo en los paisajes, es sencillamente PERFECTA.
• LA CURIOSIDAD: ¿Porqué el cambio de título español respecto al original?
• LO MEJOR: La (ingeniosa) idea inicial de la que parte.
• LO PEOR: El viaje iniciático de Arlo resulta un tanto previsible.

EL PUENTE DE LOS ESPIAS, una muy buena película de SPIELBERG

Nuevo proyecto en común de Steven Spielberg como director y Tom Hanks de protagonista, después de que ambos ya coincidieran en las mismas funciones en títulos como Atrápame si puedes, La terminal y sobretodo Salvar al soldado Ryan (que le valió a Spielberg ganar su segundo Oscar como mejor director, tras el que consiguió por La lista de Schindler)

Con la clara intención de ser apreciada para la próxima temporada de premios, su paso por la taquilla ha sido discreto (no estamos sin duda ante el Spielberg más comercial, sino más bien ante el más personal), si bien de momento ya cubre su presupuesto de 40 millones de dólares. Pese a todo es indudable el afirmar que estamos ante una película de ritmo clásico y de narración muy fluida, en la que Spielberg nos vuelve a demostrar por qué (cuando quiere) sigue siendo uno de los mejores directores que tenemos en activo.

Este título respira clasicismo por todos sus poros, y su ambientación de dicho periodo histórico resulta muy acertada (sobretodo cuando la acción se traslada a Alemania) beneficiada por detalles como un buen guión (por parte de los hermanos Coen) y unas acertadas banda sonora (de Thomas Newman) y fotografía (de Janusz Kaminski, un habitual en la filmografía de Spielberg), consiguiendo que la enésima historia sobre la Guerra Fría (un conflicto histórico visto ya hasta la saciedad) sea una película disfrutable para el espectador actual.

Asimismo el director no cae en el patriotismo gratuito que una historia así podía mostrar, centrándose en la parte más humana de la misma, para lo que siempre va bien contar con los servicios de un actor como Tom Hanks (que suele conseguir esa imagen de nobleza e integridad, de un héroe capaz de enfrentarse a todos en pos de lo que cree justo) Eso si, el mejor personaje no sería el suyo, sino el supuesto espia soviético al que da vida Mark Rylance, que espero que sea valorado en su justa medida en la próxima temporada de premios, ya que su trabajo resulta sin duda soberbio.

Aún así si que se le puede achacar a El puente de los espias de caer en cierta simplicidad a la hora de hacer la diferencia entre buenos y malos, lo cual queda evidente en el trato que recibe cada uno de los presos en su respectiva carcel (los americanos tratan bien al suyo mientras que los rusos se muestran más bruscos) También se le puede echar en cara una moderada sensiblería a la hora de reflejar la heróica labor de su héroe (el personaje de Hanks) intentando hacer lo correcto y justo (un doble canje de prisioneros), pese a que le indican que se centre en lo que se estipuló en origen.

Ese idealismo que destila su vulnerable protagonista puede restarle algo de credibilidad (parece un heredero de los héroes clásicos como James Stewart, algo hoy en día un tanto obsoleto), si bien se puede entender como una visión de los valores morales que Spielberg cree que no se tendrian que perder. En resumidas cuentas, sin tener la crudeza de La lista de Schindler (puede que el mejor film digamos "serio" de su director) este título si nos sirve como digno heredero de ese clasicismo que en la actualidad está en vias de extinción (si acaso Clint Eastwood sería otro director de la vieja escuela que aún lo practica) y confirma a su responsable con la merecida fama y valoración lograda con su trabajo en las últimas décadas.

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• EL MOMENTO: Cuando la acción se traslada a Alemania, donde la ambientación es realmente muy acertada.
• LO MEJOR: El trabajo de Mark Rylance, simplemente soberbio
• LO PEOR: Ciertos defectos inherentes al estilo de narrar de su director.
• LA CURIOSIDAD: Este es el cuarto trabajo en común de Steven Spielberg y Tom Hanks, los mismos que ha tenido el director con Harrison Ford, lo que motivó unas declaraciones en las que afirmó que haría Indiana Jones 5 para así romper ese empate que hay entre los dos actores.

MACBETH, por méritos propios el MAYOR ABURRIMIENTO del 2015

Tengo que reconocer que nunca he tenido especial afición por la obra de William Shakespeare, siendo mi mayor acercamiento cuando el joven Kenneth Branagh adaptó unas cuantas de ellas, de las cuales recuerdo la simpática Mucho ruido y pocas nueces (con un gran reparto en el que debutó la ahora famosa Kate Beckinsale) o el clásico Hamlet (que con sus cuatro horas de metraje sigue ostentando el record de ser el film más extenso que he visto en una sala de cine)

Como es natural no cometeré la blasfemia de ningunearlo, si bien el célebre autor ha dado para multitud de formatos como una novela de humor de David Safier, un episodio de la serie Doctor Who o el film de 1998 Shakespeare enamorado, sin olvidar la divertida adaptación de Hamlet con Arnold Schwarzenegger de protagonista que se vió en la reivindicable El último gran héroe.

Pero para centrarnos en materia, lo primero es reconocer que no he leído la obra literaria, así como tampoco he visto sus adaptaciones anteriores (en la que constan nombres tan ilustres como Orson Welles, Roman Polanski o Akira Kurosawa), pero me decanté por la presente ya que despertó mi curiosidad, sobretodo por sus dos protagonistas más que por su director (un Justin Kurzel del que reconozco no haber visto, hasta la fecha, nada de su filmografía)

El duo que encabeza esta adaptación está formado por dos actores tan solventes como Michael Fassbender (que se hizo famoso para el gran público tras ser el joven Magneto en la precuela de los X-Men) y Marion Cotillard (actriz francesa que ha trabajado para directores como Steven Soderbergh o Christopher Nolan, entre otros), una pareja que volverá a coincidir en la adaptación del famoso videojuego Assassin's Creed que se está rodando en estos momentos, bajo la dirección del mismo responsable de esta película... y que espero que sea mejor que esto.

No voy a negarle sus (escasas) virtudes a este Macbeth, ya que sin duda detalles como la fotografía y el apartado artístico son fascinantes. El problema radica en un guión que te deja más frio que el helado viento que corre por esos paisajes de Dios donde está ambientada la historia, ya que en ningún momento consiguió transmitirme ese estilo de drama tan propio de Shakespeare (pese a los evidentes esfuerzos por parte de la pareja protagonista) Estoy seguro que en manos del antes citado Kenneth Branagh lo más seguro es que hubiera tenido mejor suerte esta adaptación, ya que la presente es sin duda todo un aburrimiento.

El principio de la película ya resulta mosqueante, con unas batallas rodadas a cámara superlenta que parecen querer seguir la estética de 300 de Zack Snyder (si bien yo tenía la confianza en que esto fuera una especie de Braveheart) Al final ni lo uno ni lo otro, ya que el director desaprovecha momentos que podian haber dado más "sustancia" a la historia (como en el inicio el encuentro con las brujas videntes) facturando casi dos horas de tedioso teatro filmado. Ignoro la fidelidad al texto original pero puedo asegurar que viendo una película como esta se te quitan todas las ganas de averiguarlo, ya que Kurzel (el director) opta por una solemnidad que a todas luces le queda grande.

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• EL DETALLE: Los esfuerzos de su duo protagonista por intentar transmitir algo al espectador. 
• EL MOMENTO: La supuesta violencia de las batallas no resulta nada impactante.
• LO MEJOR: Los paisajes y la ambientación (¡algo tenian que acertar!)
• LO PEOR: Es muy aburrida por no ver que el teatro y el cine son medios diferentes, optando más por lo primero.

SPECTRE, (casi) la mejor entrega de la etapa CRAIG y... ¿final de su ciclo?

Si los estrenos del 2015 destacarán en algo es por la buena salud que tienen las películas de espias, porque tras las acertadas Kingsman: Servicio secreto y Misión Imposible: Nación secreta ahora nos llega la entrega 24 de la larga franquicia de James Bond, y lo hace con un título brillante cuyo desarrollo ya deja entrever un final de ciclo para Craig (lo que lo igualaría al anterior Pierce Brosnan, que también estuvo cuatro películas como 007).

La actual etapa de la serie se inició con la (bastante) acertada Casino Royale, siguió en la (tan solo) correcta Quantum of solace y mejoró en Skyfall, de la que ahora repite no solo Daniel Craig como Bond sino que además Sam Mendes como director. De esa manera Spectre convence con creces y ha sido toda una agradable sorpresa, hasta el punto de que creo que estamos ante (casi) la mejor entrega de la etapa Craig.

Si con Muere otro día (el último Bond de Brosnan) se hizo una película con muchas referencias a los episodios anteriores (con motivo de ser el vigésimo título de la extensa saga), otro tanto sucede aqui, donde son fáciles de localizar los guiños a Goldfinger o Al servicio secreto de su majestad, si bien son las tres películas previas las que tienen más peso en la historia, para que todo quede hilvanado y sean tan solo estaciones de paso hacia el ¿final? de trayecto que aqui tenemos.

El mismo título (Spectre) ya nos lleva a recordar la mítica organización con la que lucho el personaje en el pasado, e incluso tendremos sorpresa cuando se desvele el nombre del villano al que da vida Christoph Waltz (y que luego comprobé que salía en los títulos de crédito, aunque no así en la ficha de IMDB) ya que sería la más icónica némesis de Bond, el equivalente a lo que es el profesor Moriarty para Sherlock Holmes (y ya no digo más por ser spoiler, pero a buen entendedor pocas palabras bastan)

El segundo título de Brosnan como Bond no fue el más acertado de ellos pero si que nos presentó a un villano con una motivación más o menos creible y "coherente" (dentro de los parámetros por los que se mueven los villanos de esta franquicia): la dominación de los medios de comunicación de todo el mundo, para así dominar la opinión de las masas, era lo que movía al Elliot Carver al que daba vida Jonathan Pryce en El mañana nunca muere en un 1997 aún pre-internet.

Parte de eso se recupera aqui en un orwelliano Gran Hermano que lo controla todo y a todos, y que parece que "jubila" a los agentes de la vieja escuela como James Bond (ya que aqui ese "control" se supone que está del lado de los buenos) pero atentos al que promueve esto, al que da vida el actor Andrew Scott (el malvado Moriarty de la serie de la BBC Sherlock), que aqui no está tan histriónico como lo vimos en la citada serie televisiva británica, pero con el que tendremos alguna que otra sorpresa (que no diré si es buena o mala porque es spoiler)

Naomie Harris se sumó a esta franquicia en Skyfall como la mítica Moneypenny, que aqui demuestra identidad propia, sin caer en los estereotipos clásicos del personaje. Asimismo Ralph Fiennes tomó el relevo de Judi Dench como jefe de 007 (aunque hay brevísimo cameo de la previa), papel que aqui desarrolla de una manera más amplia, en especial en el climax final en Londres. Otros que repiten serían Ben Whishaw como Q, que también colaborará en las nuevas aventuras de Bond de manera más o menos activa, y Jesper Christensen como el villano Mr.White al que ya vimos en las dos primeras entregas de la etapa Craig: Casino Royale y Quantum of solace.

Las mujeres siempre han sido un elemento primordial de esta serie, y aqui tenemos a dos para cumplir ese papel... aunque más bien sea tan solo una: Léa Seydoux sería la importante, porque la presencia de la más famosa Monica Bellucci en tan solo testimonial en un par de escenas (también mencionar la fornida presencia de Dave Bautista, que se dió a conocer por Guardianes de la galaxia, como uno de los esbirros del villano)

Y todo esto en sus casi dos horas y media de metraje, que saben mantener la atención del espectador ya desde su clásico prólogo, donde quizás hubiera hecho falta una canción tan potente como la que tuvo Casino Royale o (en el film en si) una chica que marcase tanto a Bond como lo hacía allí la Vesper Lynd a la que daba vida Eva Green (sin desmerecer aqui el rol de Seydoux, aunque es solo OTRA chica más y no LA chica, como ocurría en la citada Casino Royale)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• Más información en la web de la película
• EL DETALLE: Las múltiples referencias a entregas pasadas, sobretodo de la etapa Craig.
• EL MOMENTO: Cuando el villano dice su nombre REAL, que todo buen fan enseguida reconocerá.
• LO MEJOR: Lo bien que consigue mantener el interés del espectador pese a su extensa duración.
• LO PEOR: Que este sea posiblemente el final de la etapa Craig.

HOTEL TRANSILVANIA 2, una estupidez perfecta para HALLOWEEN

En una cartelera con tantos y tantos estrenos reconozco que hace tres años dejé pasar la primera entrega de esta (me imagino) saga, porque me parecía otra vuelta de tuerca sobre el género de la desmitificación paródica de monstruos que ya tuvo su momento de éxito y gloria con Los Monsters, un clásico de televisión del que disfruté en mi infancia cuando fue repuesto en aquel otro programa mítico como fue La bola de cristal. También es verdad que el hecho de que estuviera implicado el nefasto Adam Sandler influyó en tal decisión, si bien eso se pierde en la versión doblada (en la original le da voz a Drácula mientras que aqui en España eso corre a cargo de Santiago Segura)

Pero ya que este año hice lo mismo con la saga Insidious (ver la tercera entrega, y si me gustara -que va a ser que no- valorar el ver las previas) decidí jugármela con esta secuela y arriesgarme... pese a que aqui el temible Adam Sandler no solo pone la voz a Drácula sino que repite de nuevo como productor y se estrena como coguionista, labor que supongo que continuará en futuras secuelas (los números cantan, y con lo que ya lleva recaudado es lógico que sigan pensando en exprimir este filón)

¿Porqué Hotel Transilvania 2 es una película TAN infantil? No digo que TODA la animación que se estrene tenga que ser comparada con Pixar, pero es que aunque ellos también tengan sus errores (por ejemplo Cars 2) su política hasta la fecha ha sido hacer películas ingeniosas, como lo ha sido este año Del Revés (Inside Out) a la espera en breve de lo que nos ofrezcan con El viaje de Arlo (The good dinosaur) Si ellos son capaces de realizar CINE así, en mayúsculas (apto para TODOS los públicos), ¿porqué la competencia busca contentar tan solo a los más pequeños con productos como este?

El problema está, en origen, en un guión muy blando y predecible, donde se nota la mano de Sandler (para mal) logrando que esas míticas criaturas pierdan todo su posible potencial, para caer en el chiste facilón y repetitivo que le hará gracia a los más pequeños (eso nadie lo niega), pero que a los que sean más mayores les resultará estúpido e infantil (no miento: mientras estaba viéndola me removí inquieto en mi butaca, sin saber como ponerme algo cómodo del tremendo hastío que me estaba provocando el film, ¡y eso que apenas son 89 minutos con créditos incluidos!)

Al pase al que asistí ví la versión doblada en español, con lo cual el trabajo vocal de Sandler me lo ahorré... lo malo es que el doblaje español es tan ATROZ que al final resulta más o menos simpático (aunque te lleva a preguntarte si es que no hay en este pais actores de doblaje especialistas, sin tener que contratar a unos cuantos famosos que no aportan nada al resultado final) En referencia a eso me provocó un evidente "déjà vu" el trabajo de Santiago Segura como Drácula, ya que recordemos que ha sido la voz de Sully en las dos entregas de Montruos S.A.

El compañero con el que asistí al pase, que si había visto la primera, me citó que entre lo mejor de la misma estaban las múltiples referencias a los títulos donde habían salido los monstruos protagonistas (que supongo que sería el aliciente que pusieron en ella para el público adulto) En su secuela el guiño más evidente que ví fue cuando en su tramo final el yerno de Drácula se viste como inmortalizó Coppola al citado vampiro con su apariencia anciana en su clásico de 1992, siendo el resto una agotadora sucesión de gags con la que, como mucho, esbozas alguna que otra sonrisa (en mi caso fueron creo tan solo un par y con el personaje de Blooby, esa masa verdosa que solo hace ruidos, que al menos se me hizo simpática por no decir tantas estupideces como el resto)

¿Hay algo a resaltar de esta película? Pues la verdad que poco, pero si hay algo: cuando antes he citado su atroz doblaje era porque se nota mucho que por ejemplo gente como Alaska o su marido Mario Vaquerizo no son expertos en el tema, pero aunque por la película circule (por poner un ejemplo) un licántropo ¡con acento andaluz!, el mayor mérito está en el actor Arturo Fernández, cuya labor sobre las tablas le otorga la experiencia necesaria para doblar al abuelo Vlad con ese estilo suyo tan particular ("chatín" incluido) con el que nos divirtió en la serie La casa de los lios. Asimismo la calidad técnica de la animación es notable y cuidada (¡sólo hubiera faltado que encima estuviera mal en ese apartado!)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• Más información en la web de la película
• EL DETALLE: La labor de doblaje de Arturo Fernández, acertada y simpática de tan autóctona que es.
• EL MOMENTO: El guiño al Drácula de Coppola (apenas un oasis en el desierto)
• LO MEJOR: La animación es de buena calidad (¡solo hubiera faltado que no!)
• LO PEOR: El guión, coescrito por Adam Sandler, es simplón, infantiloide y previsible.

LA CUMBRE ESCARLATA (CRIMSON PEAK) de GUILLERMO DEL TORO, un relato gótico hermoso por fuera pero previsible por dentro

Esperando que algún día se pueda realizar un Hellboy 3 que complete la trilogia del famoso personaje de comic (creación de Mike Mignola), el director Guillermo del Toro cambia los gargantuescos robots de Pacific Rim por un relato de terror más clásico con claras referencias a Poe y Lovecraft y que puede recordar a los títulos más emblemáticos de dicho género de la productora Hammer.

Tengo que reconocer que las películas de Guillermo del Toro funcionan de manera correcta y entretenida en líneas generales, incluyendo ahi su labor como novelista con esa The Strain que ha acabado como serie de televisión (de la que no he pasado más allá de su primera temporada por lo dilatadísimo de su base literaria); con la salvedad de El laberinto del Fauno, sin duda la obra maestra de su filmografía.

Después del lapsus que le tuvo como posible director de El Hobbit (y con la duda de si su aportación hubiera sido mejor que la de Peter Jackson y su estirada en exceso trilogia a modo de precuela de la más notable El Señor de los Anillos) su trabajo en la anterior Pacific Rim parecía tan solo una muestra de sus capacidades como director, siendo ahora con La cumbre escarlata cuando vuelve al estilo que más le gusta y en el que se desenvuelve mejor, el fantástico en su vertiente más clásica, en la cual más que ser explícito y mostrar el elemento o cosa del que tener miedo, lo que se hacía era insinuarlo (en muchos casos por carecer de los adelantos tecnológicos que tenemos hoy en día, donde los efectos visuales consiguen que ya nada parezca imposible, perdiendo el encanto de los más tradicionales como por ejemplo los que hacía el maestro Ray Harryhausen)

A estas alturas el director Guillermo del Toro sabe que no puede traernos un relato sobre fantasmas que sorprenda al espectador, por eso su presencia en la película es puramente testimonial, basándose el resto del relato en crear una atmósfera gótica y decadente que parece recien sacada de la Casa Usher de Poe. Los 55 millones de presupuesto de este título se notan bien invertidos en una muy acertada y lúgubre ambientación, siendo sin duda este uno de los mejores detalles de la película. Pero la lástima está en que en el interior de ese bonito envoltorio tenemos un relato muy previsible casi desde el inicio, a poco que el espectador esté curtido en el género.

Con otros actores igual el resultado hubiera variado, pero con el trio principal con el que cuenta el director mexicano aqui resulta todo un mérito que sepan mantener el interés de quien está viendo la película, pese a que el desarrollo (casi) mínimo de sus personajes sea bastante evidente. En cuanto al reparto, Mia Wasikowska dota a su heroina de esa candida inocencia como la que mostró en la Alicia en el Pais de las Maravillas de Tim Burton (su personaje al inicio de la película, y por su labor como escritora, se compara con la Mary Shelley de Frankenstein, que bien podría ser otra de las referencias de esta película)

Pese a ello los mejores del film son los hermanos (en la ficción) a cargo de Jessica Chastain y Tom Hiddleston, los cuales ya dejan bien claro casi desde el inicio que algo ocultan (ahi destacaría el acertado uso de los colores y sus contrastes, lo que resulta notable en general, pese a que la personalidad de los protagonistas sea evidente en los tonos con los que se visten) Como decía, son en esos dos personajes, y sobretodo más ella (por los muchos secretos que guarda) que él (cuyos matices se quedan en lo superficial), en donde se nota el espíritu de Hitchcock, otro de los elementos referenciales de La cumbre escarlata.

Como he citado antes, la presencia fantasmal sería más bien secundaria (por lo que sería un error englobar a este film en el género del terror) con lo cual es mejor que se abstengan los que tan solo van a por el susto facil. De hecho es mejor no objetar acerca de su argumento, y tan solo aceptarlo como lo que es, porque también resulta un tanto cuestionable lo que dice la primera aparición en referencia al título de la película, cuando un rato más tarde queda aclarado para el espectador (a menos que ello no deje de tener una importancia similar a la de los espíritus del Cuento de Navidad de Dickens, y para ser más exacto el del futuro)

En resumen digamos que La cumbre escarlata es una película coherente con el estilo de su director (si no fuera suya el otro que podía hacer algo así sería Tim Burton) si bien los elementos con los que parte son tan evidentes que da poco pie a la novedad; aunque por contra podemos disfrutar de un film visualmente notable y con un uso de los colores excelente (ver por ejemplo lo acertado del contraste entre la arcilla roja y la sangre), lo que convierte su visionado en todo un goce para la vista del espectador.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• Más información en la web de la película (en español)
• EL DETALLE: El guiño hacia la película El Resplandor, centrado en el fantasma en la bañera.
• EL MOMENTO: La poética y hermosa aparición de uno de los protagonistas como fantasma en su tramo final.
• LO MEJOR: La excelente ambientación y la inquietante atmósfera, digna del Poe o Lovecraft más clásico.
• LO PEOR: Resulta notablemente previsible su historia a poco que el espectador esté curtido en el género.

MARTE (THE MARTIAN), ciencia-ficción de la BUENA y RECOMENDABLE

FICHA TÉCNICA

Título: Marte (The Martian)
Título original: The Martian
Dirección: Ridley Scott
País: Estados Unidos
Año: 2015
Fecha de estreno: 16/10/2015
Duración: 141 min.
Género: Aventuras, Ciencia ficción
Reparto: Matt Damon, Jessica Chastain, Kate Mara, Jeff Daniels, Sean Bean, Kristen Wiig, Aksel Hennie, Donald Glover, Michael Peña, Sebastian Stan
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Scott Free Productions, Mid Atlantic Films, Twentieth Century Fox Film Corporation, Genre Films

SINOPSIS

El astronauta Mark Watney (Matt Damon), un botánico e ingeniero mecánico de la NASA, se ve atrapado en el planeta Marte cuando la tripulación del Ares 3 debe evacuar su lugar de aterrizaje ante una tormenta de arena. Sin su tripulación, se ve obligado a encontrar la forma de regresar a la Tierra y sobrevivir confiando en sus habilidades científicas y técnicas, antes de que se le agoten los suministros. Mientras que sus compañeros astronautas piensan que podría estar muerto, Watney comienza a escribir un diario divagando sobre el futuro, después de su muerte. Cuando la NASA descubre a través del satélite que Mark podría estar vivo, comienzan a trabajar sobre su rescate, ocultándoselo al resto del grupo.

CRÍTICA

De la mano de Ridley Scott se estrena esta adaptación de El marciano, una novela que leí hace poco, la cual narraba de la manera más realista posible una especie de variante de ciencia-ficción del clásico Robinson Crusoe, lo que pasa que cambiando una isla perdida en el mar por un planeta Marte donde es dificil sobrevivir... y más estando solo. La película es el regreso de su responsable al género que mejor le ha funcionado tanto en crítica como en público, tras las decepciones de sus más recientes trabajos (El consejero y Exodus: dioses y reyes).

Está claro que este film sigue la estela de Gravity e Interstellar, pero aportando elementos nuevos que no estaban en los ejemplos citados, siendo el más evidente el humor. El "alivio cómico" de la historia (ya presente en su base literaria) sirve para restar un tanto de densidad a la narración, para facilitar sus más de dos horas de metraje al espectador. El acierto de Scott está en que sabe mesurarlo para que el mismo esté justificado pero sin caer en lo inapropiado. Con ello sin duda se consigue un tono optimista y más realista en los miembros del reparto, manteniendo que la esperanza es lo último que se pierde (vamos, como en la vida misma).

Para una película con esta historia era clave el acertar con el actor protagonista, y ahi si que tengo que admitir que Matt Damon está realmente espléndido, consiguiendo una inmediata empatía con el espectador, que vivirá con él su tremenda batalla para sobrevivir en un entorno hostil (no sería de extrañar, porque sin duda la merece, alguna nominación a premio) Pero como no todo va a ser él, sería injusto no citar el buen trabajo (tanto desde el espacio como en la Tierra) de Jessica Chastain, Kate Mara, Michael Peña, Jeff Daniels, Sean Bean y Chiwetel Ejiofor.

Hay que decir que partiendo de una buena base (como es este caso) muy torpe tiene que ser el director para no acertar en su adaptación, y aunque de todos es sabida la carrera con altibajos que ha tenido Ridley Scott (marcada por los aciertos de Alien y Blade Runner en sus inicios, no pudiendo estar posteriormente a ese nivel) con la acertada odisea espacial de este film recuperamos a ese director con fuerza y brio, capaz (porque sabemos que lo ha hecho antes) de dejarnos películas que han sido notables entretenimientos (como por ejemplo Prometheus, Gladiator, Hannibal o Thelma y Louise)

Con una acertada selección musical (que por su tono puede recordar a la de Guardianes de la galaxia) tengo que reconocer que el momento más simpático de la historia es cuando citan El Señor de los Anillos (con risas entre el público del pase al que asistí) ya que en esa escena está presente el actor Sean Bean, que participó en esa citada saga de Peter Jackson (por cierto, su personaje en esta película no acaba muerto, como es tónica habitual en su filmografía) En fin, lo justo es justo y digamos que Marte (The Martian) es uno de los mejores estrenos de este 2015. Y punto.

LO MEJOR: No solo los excelentes trabajos de Scott y Damon detrás y delante de las cámaras, sino también un buen guión de Drew Goddard, que saca excelente partido de la novela original (sin olvidar la labor del destacado elenco que conforma este film).

LO PEOR: Esperar algo al nivel de Alien o Blade Runner (si bien esta película podría estar sin duda entre las cinco mejores de su director, y es sin duda uno de los mejores estrenos del año en curso)

PAN: VIAJE A NUNCA JAMÁS, un pastiche de precuela muy histriónico

FICHA TÉCNICA

Título: Pan: Viaje a Nunca Jamás
Título original: Pan
Dirección: Joe Wright
País: Estados Unidos
Año: 2015
Fecha de estreno: 09/10/2015
Duración: 111 min.
Género: Comedia, Familiar, Aventuras
Reparto: Rooney Mara, Hugh Jackman, Amanda Seyfried, Garrett Hedlund, Nonso Anozie, Kathy Burke, Adeel Akhtar, Paul Kaye, Emerald Fennell, Cara Delevingne
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Berlanti Productions

SINOPSIS

Peter (Levi Miller) es un pícaro muchacho de 12 años con una irreprimible vena rebelde; lo que ocurre es que, en el sombrío orfanato de Londres en el que ha vivido toda su vida, esas cualidades no son precisamente muy deseables. Entonces, en el curso de una noche increíble, Peter se ve transportado desde el orfanato y aparece en un mundo fantástico de piratas, guerreros y hadas llamado Nunca Jamás. Allí, en compañía de la guerrera Tigrilla (Rooney Mara) y de un nuevo amigo llamado Capitán Garfio (Garrett Hedlund), Peter debe derrotar al implacable pirata Barbanegra (Hugh Jackman)

CRÍTICA

Es algo ya conocido por todos que desde que la Alicia en el Pais de las Maravillas de Tim Burton triunfó a lo grande en la taquilla en 2010, muchos han sido los cuentos de nuestra infancia que han vivido todo tipo de remakes, reboots, nuevas variantes o (como es este caso) precuelas. La jugada, no vamos a negarlo, se basa tan solo en exprimir la moda para sacar cuanto más mejor, pero aunque hay cineastas que saben lidiar con la grandilocuencia de la nueva recreación de algunos de estos cuentos (como por ejemplo Kenneth Branagh hace unos meses con la Cenicienta) con Pan no pasa eso.

Los elementos a mostrar (al menos en su base) serían similares si comparamos el título antes citado de Branagh y el Pan que aqui nos ocupa. Pero mientras que el primero se mueve cómodo en ese tipo de grandilocuencia, a Joe Wright le viene grande, desbordándose su relato de manera exagerada. El resultado,  que salta a la vista, es que con esta historia que nos narra, "esto" es tan solo apto para niños con edad en un solo dígito, ya que los adultos tendrán que lidiar con una película de lo más infantil (en el peor sentido del ridículo)

No negaré que en su tramo inicial en el orfanato tenía alguna esperanza de que lo que nos vaya a relatar merezca la pena, pero todo ello se vuela cual si fuera un castillo de naipes debido al histrionismo de (casi) todos los personajes adultos del film (incluido un excesivo Hugh Jackman que hace méritos para llevarse un Razzie a peor actor del año) Lo curioso de una película de estas características sería una cierta antipatia hacia los niños, pero ahi si tengo que reconocer que Levi Miller como Peter Pan es sin duda el mejor del reparto (lo cual no deja de ser triste por los actores más renombrados)

Y es que si ya de por si resulta irritante el histrionismo del villano a cargo de Hugh Jackman, no mucho mejor les va a los sosos Garrett Hedlund y Rooney Mara como Garfio y Tigrilla (entre los cuales se establece una relación que nos recuerda mucho a la de Han Solo y Leia en la saga Star Wars) No sería el único parecido razonable, porque lo de que el joven Peter sea el elegido, que sea huérfano y que los piratas vayan tras él parece una variante del conocido Harry Potter (y que decir de ese pájaro de vivos colores que recuerda al visto en Up) En otro sentido, no me olvido de citar los cameos (porque no llega a más) de Amanda Seyfried y Cara Delevigne.

Al final lo que yo tenía más en mente tras este film fue el Hook de Steven Spielberg, una reimaginación del personaje que se estrenó en 1991, y aunque tampoco fuera redonda en su conjunto, si resulta mucho más aceptable que el presente título de Joe Wright (aunque hay que reconocer que TODAS las adaptaciones, sean fieles o no, de la obra de J.M.Barrie se miran al espejo de la versión de la Disney de 1953, en ese caso SI que un excelente clásico) Por cierto, aunque en mi caso la ví en el 2D usual, hay un montón de escenas metidas tan solo para lucimiento del 3D, sin que aporten nada esencial al relato.

LO MEJOR: Curiosamente sus jóvenes intérpretes (con Levi Miller a la cabeza), así como el uso acertado de los efectos visuales (aunque solo en algunos momentos, porque en otros saturan la pantalla)

LO PEOR: El exceso de histrionismo en los personajes adultos (con Hugh Jackman a la cabeza) y que esta precuela parezca una mezcla de la obra original con detalles o giros ya vistos en Harry Potter, Up o Star Wars, resultando no solo previsible sino que también prescindible.

REGRESIÓN, sorprendente decepción viniendo de quien viene

FICHA TÉCNICA

Título: Regresión
Título original: Regression
Dirección: Alejandro Amenábar
País: Estados Unidos, España
Año: 2015
Fecha de estreno: 02/10/2015
Duración: 106 min
Género: Thriller
Reparto: Ethan Hawke, Emma Watson, Aaron Ashmore, Devon Bostick, David Thewlis, Dale Dickey, Aaron Abrams, Adam Butcher
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: Himenóptero, Mod Producciones, First Generation Films, Telefónica Producciones

SINOPSIS

Minnesota, 1990. Una joven llamada Angela Gray (Emma Watson) acusa a su propio padre de haber abusado de ella cuando era pequeña. El detective Kenner (Ethan Hawke) investiga el caso y consigue que el padre confiese los hechos aunque no los recuerde. Entonces entra en acción el profesor Raines (David Thewlis), un psicólogo que sospecha que el padre ha sido forzado a creer que cometió el crimen. En el caso de que Raines tenga razón, ¿qué motivos habría para que la hija quisiera incriminarlo? Una conspiración está a punto de salir a la luz.

CRÍTICA

Hace seis años ya desde la última película de Alejandro Amenabar, una Agora que no me acabó de convencer, pero no hay que olvidar sus acertados inicios (con Tesis, Abre los ojos y Los otros) así como ese particular giro que le dió a su carrera (con Mar adentro, consiguiendo además un Oscar) por lo que el estreno de esta Regresión se antojaba como un retorno al misterio e intriga que caracterizó a sus acertados trabajos iniciales. Y es que no hay que olvidar que estamos hablando de Alejandro Amenabar, uno de los directores más internacionales que tenemos en activo.

Apoyado por un trio de actores más o menos solventes como Emma Watson, Ethan Hawke y David Thewlis, la película nos narra una investigación policial que sirve como excusa para un relato contra los fanatismos religiosos, detalle ya presente en la previa Agora. El problema radica en que esta Regresión dicen que la firma Amenábar, pero para el caso podría ser de otro cualquiera, estando lastrada de ese toque de autoría personal que si supo dejar presente en sus primeros trabajos (incluida Los Otros, su primer film internacional)

Dudaba de que valoración darle a Regresión, pero aunque sería injusto tildarla de mala, viniendo de quien viene tampoco es que resulte buena. No negaré que desarrolla su historia de manera correcta (Amenábar ahi es competente) pero aunque esté bien rodada no es obstáculo para que se haga reiterativa hasta el exceso, lo que hace evidente que lo que nos cuenta esta película daría, como mucho, para un capítulo de una serie de televisión (tipo Expediente X por ejemplo), pero que en este caso está dilatado hasta hacerlo largometraje.

El trio de protagonistas citado antes no ayudan a levantar el ánimo de esta propuesta, limitándose tan solo a cubrir todos los tópicos sobre los que están construidos (mas evidentes sobretodo en el psicólogo al que da vida David Thewlis) y pese a que tenemos una relativa sorpresa en su final, la cual tengo que reconocer que no esperaba, la misma queda forzada (y lejos de la brillantez que Amenábar demostró en el giro final de Los Otros), limitándose al estereotipo de que el peor mal y el mayor diablo es el que cada uno tenemos dentro.

Estando Mediaset entre las productoras de este film resulta lógico suponer que conseguirá buenos resultados en la taquilla (aunque solo sea de la saturadora publicidad que ha tenido) pero al igual que ocurrió en su estreno con Atrapa la bandera (publicitada hasta el exceso también por Mediaset), la sensación que deja es que tampoco es para tanto. Lo que si espero de cara a su próximo trabajo es recuperar al Amenábar de Tesis o Abre los ojos, un director eficaz que parece que pierda fuelle cuanto mayor y más ambicioso es su nuevo proyecto.

LO MEJOR: Viéndola con pocas expectativas sirve para pasar el rato sin muchas pretensiones, si bien su premisa inicial se antoja simple y poco interesante (pese a que Amenábar demuestre que sabe rodar correctamente)

LO PEOR: Es abrumadoramente reiterativa, demostrando excesivos sus 106 minutos de duración para lo que nos tiene que contar, a lo que añadir la total falta de autoría viniendo de quien viene.