CUMBRES BORRASCOSAS, clásico erotizado (crítica sin spoilers)

He ido a ver Cumbres borrascosas sin haber leído ni la novela en la que se basa, ni las varias adaptaciones previas a esta. Eso para los más puristas puede ser un claro sacrilegio, pero de esa forma reseño la presente película sin las lógicas presiones que tiene en comparación con sus antecedentes. Que no son unos pocos precisamente, porque ha sido una obra con gran cantidad de adaptaciones a lo largo de las décadas.

 

Según me informa por varios medios (entre ellos filmaffinity) hay varias versiones de la obra literaria de Emily Brontë, que van desde el cine clásico de Hollywood (la más recordada y emblemática sería la dirigida en 1939 por William Wyler, que contó con Laurence Olivier y Merle Oberon); hasta otras tales como una de 1954 dirigida por Luis Buñuel y titulada Abismos de pasión. En 1970 hubo otra protagonizada por un entonces joven Timothy Dalton, y otra en 1992 con Ralph Fiennes (que marcaría su debut), junto a Juliette Binoche. 

 

A todas ellas se une ahora esta nueva de Emerald Fennell, que cuenta en su reparto como pareja protagonista a Margot Robbie y Jacob Elordi, este último nominado esta temporada al Oscar como mejor actor de reparto por su notable interpretación de la Criatura en el Frankenstein de Guillermo del Toro.

 

Con tantos precedentes ya tenía asumido que la fidelidad con el texto original iba a ser poca, pero cuando algunos ya citan directamente que la autora (Emily Brontë) tiene que estar revolviendose en su tumba, entonces ya te queda claro que esto será de fiel a la novela original como (salvando las distancias) lo son las películas del Sherlock Holmes de Guy Ritchie a las obras que del famoso detective escribió Sir Arthur Conan Doyle. Pero aún así, ¿merece la pena?

 

Los que conozcan la obra literaria y/o cualquiera de las versiones previas irán con los cuchillos afilados, pero si hay alguien como yo, a la que todo esto le pilla de nuevo, tengo que reconocer que han intentado meter ciertos detalles discutibles, más propios de 50 sombras de Grey, a un texto literario que estoy seguro que sólo insinuaba lo que aquí no hay problema en sugerir explícitamente. Una obra del siglo XIX "adaptada" a los gustos del público del siglo XXI.

 

Es curioso la masacre que deben haber hecho respecto a la novela de Brontë (a tenor de lo que leo) cuando en cambio, a nivel de fotografía, vestuario y peluquería, se puede afirmar que este film luce con una estética fascinante y fastuosa, que destaca sobretodo en una Margot Robbie que viste una buena ración de ostentosos vestidos a lo largo del film. Podría decirse que la directora se ha dejado llevar por aquello de "Vale más una imagen que mil palabras". 

 

La película gira exclusivamente sobre la relación que se establece, desde que son niños, entre Heathcliff (Jacob Elordi) y Catherine Earnshaw (Margot Robbie), pero el inicio no es la mejor de las presentaciones cuando ya queda claro que ella es una niña caprichosa y veleidosa. Al final, después de muchas idas y venidas, la relación entre ambos hace bueno aquello de "Ni contigo ni sin ti" y "Eres como el perro del hortelano" (este último citado literal).

 

En resumidas cuentas esta adaptación de 2026 de Cumbres borrascosas luce fastuosa en imágenes, aunque no tanto en su guion, donde se intuye una escabechina sin piedad sobre el texto original de Emily Brontë. A los gustos del espectador de hoy en día puede convencer (a mi se me hizo entretenida, aunque algo dilatada), por un resultado visual fascinante y una pareja atractiva encabezando el reparto, si bien chirría su algo forzada erotización. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero de 2026 
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COMO CABRAS, mezcla de ZOOTRÓPOLIS y SPACE JAM (sin spoilers)

Con el estreno de Como cabras apenas pocos meses después del de la secuela de Zootrópolis de Disney muchos verán, con toda la razón del mundo, una situación parecida a la que pasó en 1998, y también en el campo de la animación, con los estrenos con pocos meses de diferencia de Bichos (Una aventura en miniatura) de Pixar y Antz (Hormigaz) por parte de Dreamworks. No es raro porque ya ha habido otros casos de films con premisas similares con poca diferencia de estreno.

 

Por su parte la temática deportiva de esta película puede recordar a la de Space Jam, film noventero a mayor gloria del jugador de baloncesto Michael Jordan junto con los personajes de los Looney Tunes, en un intento de capitalizar el (por entonces) reciente éxito de ¿Quien engañó a Roger Rabbit?, en su mezcla de acción real con animación. Dicho film resultante no llegó a ese nivel, pero se ganó el suficiente aprecio como para tener hace unos años una innecesaria secuela.

 

Esta Como cabras (o Goat: la cabra que cambió el juego en países de Hispanoamérica) es una producción de Sony Pictures Animation, cuyos éxitos más recientes han sido Las guerreras K-Pop y la saga animada de Spiderman con Miles Morales de protagonista (que se supone que cerrará trilogía en junio de 2027), por lo que eso deja pistas claras de por donde deriva su estilo visual. Por su parte consta como productor el jugador de la NBA Stephen Curry, lo que en este caso ya hace suponer por donde derivará el argumental. 

 

Tengo que admitir que asistí a un pase previo con público (en su mayoría infantil), lo que pasa que no quise arriesgarme a poner mi opinión demasiado por anticipado, porque las distribuidoras son muy puristas con el tema y no quería buscarme innecesarios problemas. El citado pase fue el pasado sábado 7 de febrero y cabe decir que al acabar el film todo fueron aplausos... aunque yo admito que no salí tan entusiasmado como los chavales.

 

Supongo que en eso influenciará que no sería el público potencial al que va dirigido el presente film, pero ha habido otras películas de animación que si han sabido conectar con todo tipo de espectadores. Además, el tema deportivo no se me hizo muy apasionante, aunque es curioso su título original (GOAT se traduce como cabra pero también por las siglas "Greatest of all time", o "El mejor de todos los tiempos", usado para definir a jugadores míticos). 

 

En cuanto a la historia, me imaginaba el enésimo intento de colar esa moraleja de que "si quieres puedes, porque al final conseguirás tu objetivo", algo muy bonito para ilusionar a los chavales pero que no siempre se cumple como desearíamos. Lo más novedoso estaría en presentar dicho mensaje de una forma muy actual, con muchas referencias a las tendencias en internet y las redes sociales, algo vital (¿y adictivo?) para las nuevas generaciones.

 

Ojo porque tampoco es que diga que Como cabras es una mala película, nada más lejos. El problema es que si la ves con la idea en la cabeza de los precedentes que he citado antes (Zootrópolis y Space Jam) te das cuenta que toma lo más tópico y esquemático de ambas, siendo carencias que no se pueden esconder con el enésimo ejemplo de superación, envuelto con un estilo visual (eso también es de justicia mencionarlo) bastante acertado.

 

En resumidas cuentas digamos que esta película es un film de animación claramente orientado hacia el público infantil, ya que los adultos asistiremos al enésimo relato de creer en uno mismo pese a las adversidades, que no es un mal mensaje pero ya se ha visto (y mejor expuesto) en muchos otros productos previos. Me imagino que también la disfrutarán los aficionados al baloncesto, aunque en esta historia tenga el curioso apelativo de "rugebol". 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero de 2026 
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SEND HELP (ENVIAD AYUDA) de SAM RAIMI, crítica sin spoilers

Con Send Help (Enviad ayuda) tenemos por fin el regreso como director de Sam Raimi, el cual se ha prodigado poco desde hace muchos años, ya que la previa a esta fue la secuela de Doctor Strange de 2022 y antes Oz: Un mundo de fantasía en 2013 (y si nos vamos a su género preferido, el terror, nos tendríamos que ir hasta 2009 con Arrástrame al infierno). Este film se ha definido como una mezcla entre Misery y Naufrago.

 

Admito que con su premisa argumental Sam Raimi tiene ganado a cierto sector del público, que en su vida laboral habrá tenido que batallar con jefes nefastos, sirviendo esta película como consuelo ficticio para ello. Es por eso que aunque se englobe como terror, sería más bien de un brutal humor negro de lo que está cargado este film, todo ello envuelto en un relato de supervivencia extrema. 

 

La protagonista de esta historia es Linda Liddle (a cargo de una Rachel McAdams, que ya trabajó junto con Raimi en la secuela de Doctor Strange de 2022 citada antes). Ella vendría a ser el típico ejemplo de trabajador abnegado que espera de que su buena labor le conceda beneficios de alguna índole, que en su caso sería un prometido ascenso. Pero aunque se vuelque en realizar su faena de forma profesional y brillante, lo habitual es que ella sea ignorada y menospreciada.

 

Aún así Linda no pierde esperanza, y cree que su momento por fin ha llegado cuando entra un nuevo jefe llamado Bradley Preston (a cargo del actor Dylan O'Brien, popular por la trilogía de El corredor del laberinto de la que fue protagonista). Pero nada más lejos de la realidad, ya que con él continua todo igual, aunque reconociendo sus habilidades laborales se la lleva para cerrar una importante fusión en el avión privado de la compañía. 

 

Tras un terrible accidente en el que Linda y Bradley son los únicos supervivientes, se invertirán las tornas: ella, auténtica fan de realitys de supervivencia como Survivor (el equivalente por aquí es Supervivientes en Telecinco) demostrara unas buenas aptitudes para seguir adelante pese a las adversidades; mientras que él, alejado de la sociedad de consumo y el capitalismo salvaje que lo forjó, se revela más bien torpe e inútil.

 

Con un planteamiento así desde Hollywood podrían haber perpetrado la enésima comedia romántica, en la que ella fuera ayudándole y fueran acercando posiciones. No en vano hemos visto muchos ejemplos de ese estilo, siguiendo ese popular dicho de que "Los que se pelean, se desean", o bien aquel otro de "Los polos opuestos tienden a atraerse", y no mentiré si digo que en ciertos momentos temía que la película girara hacia ese vertiente.

 

Pero no, tengo que admitir que la idea de Sam Raimi nunca fue esa, ya que si antes he citado que esto fuera una mezcla de Misery y Naufrago, ahí faltaría un tercer título con el que compararla: La guerra de los Rose. Al igual que allí, el vitriólico humor negro de su responsable se demuestra en multitud de situaciones brutales, salvajes y escatológicas, sin olvidar de darles un gamberro toque de diversión que hacen recordar al Raimi de sus inicios.

 

Los reyes de la función son sin duda su pareja protagonista, y no solo una notable Rachel McAdams que vuelve a demostrar sus sobradas dotes para la comedía (sea ésta del tipo que sea), sino también un Dylan O'Brien que podía haber caído en el exceso o la caricatura, pero logra mantener la compostura, haciendo que su "catarsis" sea paulatina pero precisa. Ojo al momento en que tan solo sus ojos tienen que expresar lo que cree que está pasando...

 

Como buena película de Sam Raimi, tenemos cameo de su actor fetiche Bruce Campbell pero mantengan ojo avizor al inicio porque el mismo resulta más bien "pictórico". Y también atentos a cierto vehículo habitual en su filmografía, que también tiene escueto guiño cuando en el primer tramo ella va a desahogarse a su coche. En resumen: una comedia muy negra y salvaje que satiriza las dinámicas laborales en un escenario de supervivencia extrema. 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de enero de 2026 
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EL VENGADOR TÓXICO, un grotesco disparate (crítica sin spoilers)

Esta nueva versión de El vengador tóxico se estrenó en España el mes de septiembre del año pasado, pero como en su momento no pude verla debido a un estreno bastante limitado, he aprovechado para recuperarla y dejar referencia de ella. Aún así no lo ha tenido fácil porque en si se rodó en 2021, se proyectó en festivales en 2023 y fue en la recta final del 2025 cuando por fin pudo tener aunque fuera una mínima carrera comercial en cines.

 

Había leído sobre El Vengador Tóxico, pero no he visto nada de él, por lo que esta sería mi primera aproximación a este "podríamos decir" superhéroe de serie B, que inició su carrera en 1984 con el estreno de su primera película, a la que siguieron hasta tres secuelas más, una serie de animación y un musical. Supongo que lo que siempre me ha echado atrás ha sido su gore desvergonzado y su cutrez en la misma tónica, pero en este caso tenía curiosidad.

 

Una nueva versión de este personaje llevaba dando vueltas desde el 2010, como un proyecto en el que en algunos momentos de su largo periplo hasta acabar concretándose aquí, estuvo en la órbita incluso de nombres como Arnold Schwarzenegger. De hecho el reparto de este film sorprende, ya que junto a Peter Dinklage (popular a raíz de la serie Juego de Tronos) tenemos a Jacob Tremblay (al que descubrí en La habitación) así como Elijah Wood (El Señor de los Anillos) y el veterano Kevin Bacon (con una gran filmografía tras él).

 

No serían los únicos, porque en su elenco también encontramos a Julia Davis o Taylour Paige, y si la cara de esta última os suena mucho (como me pasó a mi mientras veía la película) es porque hace poco se la ha visto como Charlotte Hanlon, uno de los personajes de la serie It: Bienvenidos a Derry, precuela televisiva de las dos películas de It de 2017 y 2019 que dirigió Andy Muschietti tomando como base la obra de Stephen King. 

 

Resulta curioso que haya tenido tantas dificultades esta adaptación para salir adelante, porque una vez vista se nota mucho que sigue la moda superheroica de los últimos años, siendo esta una película "de orígenes" de manual. De hecho incluso se integran ligerísimas notas de drama con el destino médico inicial del protagonista, en un detalle argumental que me hizo recordar a Deadpool. Pero prevalece el tono gamberro, delirante, brutal y desmadrado.

 

Siguiendo la moda impuesta por Marvel de incluir algún guiño o escena final tras los títulos de crédito, El vengador tóxico también la tiene, si bien resulta del todo intrascendente, por lo que aviso que puede decepcionar a los que esperen algo del disparate que es esta película (y que pese a todo dicen que está un tanto suavizado a lo que en su día hizo Troma, la que fuera productora a cargo de las anteriores entregas).

 

El tono satírico de un producto como este queda patente desde que se muestran las instalaciones de una empresa como en la que trabaja el protagonista, en la cual digamos que la contaminación que provocan les trae sin cuidado. Winston Gooze es allí un mero limpiador, que lleva una vida rutinaria intentando poder pagar sus facturas y criando a un problemático hijo adoptivo, pero cuando el doctor le da un fatídico resultado queda hundido.

 

Al no responder la empresa como él esperaba, se ve inmerso en una delirante situación tras la cual acaba hundido en unos residuos tóxicos, que lo mutarán dándole un aspecto grotesco y deforme pero inesperados poderes. Pese al rechazo inicial que provoca, no tardará en convertirse en protector de la ciudad, a lo que ayuda el carisma de Peter Dinklage, que logra insuflar emoción y ternura bajo su maquillaje de engendro.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de septiembre de 2025 
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PRIMATE, un slasher con mono (crítica sin spoilers)

Esta Primate se une a la ingente cantidad de películas que ha habido (y habrá) con un animal o animales descontrolados (justificado con todo tipo de excusas), viniendo a ser la moraleja más o menos común de la mayoría de ellas el hecho de que el ser humano no respeta como se debe tanto a la naturaleza como a sus animales, y cuando (bien una o bien otros) se rebelan, la humanidad paga las consecuencias. Y como es algo que siempre tiene salida, de ahí nace esto.

 

Este subgénero ha dado para todo tipo de amenazas (creo que no hay bicho viviente que no pueda serlo para el guionista más osado), pero también hay que incluir títulos tan emblemáticos como el Tiburón de Steven Spielberg (que años después empezó la franquicia jurásica, cuya premisa básica también sería animales descontrolados, sólo que en ese caso antediluvianos). Y si hablamos de monos, como en este film, otro clásico sería King Kong. 

 

Entonces, ¿merece la pena Primate? ¿Puede acabar siendo un clásico de serie B? Eso sólo el tiempo lo podrá decir, pero sin duda alguna estamos ante una película extremadamente básica, en la línea de otros films de su director (Johannes Roberts) como A 47 metros y su secuela, donde el peligro animal lo representaban tiburones (de los que también se ha llevado a cabo un abuso desmesurado en películas de todo tipo, desde que hace medio siglo el antes citado Spielberg demostrara que pueden ser una inquietante amenaza marina).

 

¿Tiene virtudes Primate? Aunque parezca mentira la verdad es que sí: es una película concisa, concreta y no deja hueco a dobles lecturas, por lo que resulta absurda cualquier expectativa de un tipo de terror más "elevado". Siguiendo con el tono habitual en el subgénero en el que se engloba, la historia tampoco rehuye de otros tópicos habituales del terror como son un escenario agreste y recóndito, o unas víctimas adolescentes de manual.

 

De todas maneras aunque la causa de la rabia del mono protagonista queda pronto aclarada (le ha mordido una mangosta), eso no es obstáculo para que el film en ocasiones sea ambiguo a la hora de mostrar al animal. Con esto me vengo a referir que el mismo sería infectado (lo cual "explica" sus actos posteriores), pero en muchos momentos no se duda en enfocarlo de manera claramente maligna y monstruosa, contradiciendo la "excusa" de la infección.

 

Cómo pudo llegar la rabia a Hawaii (donde está situada la historia) cuando, como indican más adelante, dicha patología allí está erradicada tendría que hacer pensar en que la culpa quizás provenga de alguna acción humana que lo propició. Pero Primate no da lugar a una reflexión sobre ello: el mono está infectado, se ha vuelto malvado y hay que acabar con él para preservar la vida humana. Cómo indiqué antes es concreta y concisa (y punto).

 

En ese sentido podríamos afirmar que Primate se decanta más bien por el género slasher, ya que si cambiamos al mono por un psicópata como Jason Voorhees, Michael Myers o derivados, en esencia este film sigue todos los parámetros del tipo de películas por las que se han hecho famosos matarifes así. O sea, adolescentes con las hormonas desatadas que caen de la forma más sangrienta posible, aquí con la novedad de que el causante es un mono. 

 

La película, que se estrenó en Estados Unidos a principios de enero, y llegará a la cartelera española el 6 de febrero, tiene un presupuesto de 21 millones de dólares, recaudando en su primer fin de semana 13,4 millones a nivel global. Si quiere ser rentable necesita recaudar entre 50 y 63 millones, pero estamos ante un tipo de película de la que lo mejor que se quede sólo en lo que es, y rehuir de hipotéticas secuelas que tan solo serían más de lo mismo. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de febrero de 2026 
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EL HOMBRE MENGUANTE, y ahora francés (crítica sin spoilers)

La película El hombre menguante vendría a ser una nueva adaptación del relato homónimo de Richard Matheson que se escribió en 1956, el cual me leí hace ya unos años, y me dejó tan satisfecho que bien poco tardé en ver la rápida primera adaptación. Con el título de El increible hombre menguante, el film de Jack Arnold se estrenó apenas un año después (1957) de que se editará la novela original, contando con el propio autor de la misma para hacerse cargo del guion.

 

Resulta curioso que una obra tan mítica de Richard Matheson como es el presente título no tuviera más adaptaciones, ya que otro relato emblemático del mismo autor como es Soy leyenda ha tenido varias versiones, siendo las más notorias las que contaron con Vincent Price (El último hombre sobre la Tierra en 1964), Charlton Heston (El último hombre... vivo, con título original The Omega Man, de 1971) y Will Smith (Soy leyenda de 2007).

 

En este caso, más allá de la citada adaptación de 1957, sólo hubo una versión posterior titulada La increíble mujer menguante en 1981, una comedia dirigida por Joel Schumacher que admito que no he visto en el momento de escribir estas líneas. A la misma se habría sumado un proyecto en 2008 con el título de El increíble hombre menguante que no se llegó a concretar, dirigida por Brett Ratner y con Eddie Murphy de protagonista, aunque con el mencionado actor el tono se supone que hubiera sido también de comedia.

 

Si tenemos en cuenta que la adaptación más fiel al relato tiene ya casi 70 años, es lógico pensar que con los avances en el campo de los efectos especiales se podrían conseguir resultados más espectaculares (los de la película de 1957 son sin duda ingeniosos y encantadores para su época, pero muy evidentes para el espectador actual). Pero cuando uno se imaginaría un remake norteamericano, la sorpresa viene con uno que llega desde Francia. 

 

Con la dirección de Jan Kounen y teniendo de protagonista al actor Jean Dujardin (famoso a nivel internacional sobre todo por la película The Artist), esta película parte de la misma premisa que la obra literaria original, si bien los personajes y las causas varían, aunque pese a ello conservan toda su esencia. El protagonista no se llama Scott Carey sino tan solo Paul, y la historia está ambientada en la actualidad y no en la década de los 50.

 

Asimismo la causa de su progresivo tamaño menguado entonces se "justificaba" en el peligro radioactivo, mientras que en esta nueva adaptación es una mera espiral nubosa bastante extraña con la que empieza esta película (por lo que no sería spoiler), aunque en esencia nunca se aclara más sobre ello. A partir de ahí ambas coinciden en lo posterior: en este caso Paul verá como paulatinamente va menguando, sin causa ni justificación posible.

 

Como yo me imaginaba, la recreación de los efectos sobre el protagonista son visualmente más espectaculares en esta versión, casi siete décadas posterior a la previa. Pero es que en esencia se parte del mismo "truco": tan solo hay que jugar con las perspectivas para dar la idea de ese tamaño cada vez más mermado, por lo que el objetivo entonces y ahora sería el mismo, tan solo cambiando los medios para hacerlo más pulido y asombroso.

 

Lo único malo que tiene eso, aunque de forma colateral y no por la película en sí, es que aunque no sean adaptaciones de la obra de Matheson en particular, a lo largo de los años hemos visto películas donde sus personajes también disminuían de tamaño (por ejemplo las del superhéroe Ant-Man de Marvel), por lo que a ojos del espectador actual (en el caso de no conocer los referentes) tampoco es que el resultado sea más o menos inédito.  

 

A eso hay que sumar que la obra literaria original de Matheson planteaba cuestiones que el film de hace casi 70 años no tocó por ser temas delicados por la moral imperante de entonces. Esos detalles aquí ni se plantean, ya que es bastante evidente la fascinación del director Jan Kounen por el film de 1957, recreando aquí de nuevo algunos de los momentos más míticos del mismo, como el acecho del gato primero y de la araña después.

 

Otro hándicap con el que tiene que enfrentarse esta película es que el tono aventurero de su premisa argumental, sobre todo cuando tiene que hacer toda una labor de supervivencia en el sótano donde quedará atrapado, deriva en este caso en un mayor énfasis en lo filosófico y lo existencialista. Eso lleva a que esta adaptación se tome demasiado en serio a sí misma, aumentando un dramatismo en el que no tenía que haberse recreado tanto. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de enero de 2026 
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LA MUERTE DEL UNICORNIO, moraleja jurásica (crítica sin spoilers)

La película La muerte del unicornio (o La muerte de un unicornio, ya que consta con ambas definiciones) es una producción de A24 que se estrenó en Estados Unidos en marzo de 2025, logrando una taquilla paupérrima que la convirtió en un sonado fracaso. Me imagino que es por eso que este film ha tardado tanto en llegar por estas tierras, e incluso sin pasar por salas de cine: el pasado 20 de octubre se lanzó en alquiler en plataformas digitales.

 

Fue el pasado 28 de diciembre cuando se estrenó en la plataforma de streaming SkyShowtime, y como no he podido verla hasta ahora se ha convertido en uno de mis primeros estrenos de 2026 (el otro fue La asistenta, que en ese caso si llegó a los cines españoles este pasado 1 de enero, aunque yo la había visto antes en un pase de prensa). Este film estuvo nominado a mejor película en el pasado Festival de Sitges, donde también estuvo presente.

 

La muerte de un unicornio sería la opera prima de Alex Scharfman, producida por Ari Aster y A24, sonando a priori un tanto raro ya que ambos nombres estaban asociados en un inicio a títulos más profundos en cuanto a pretensiones (en resultados ya sería otra cosa), mientras que esta es una sencilla comedia de terror con aspiraciones de mero entretenimiento, si bien su ambigüedad en los géneros que utiliza, sin decantarse de una forma clara por ninguno, creo que ha sido la culpable del desinterés general del público por ella.

 

No seré yo quien ahora defienda esta película, pero si admito que merece como mínimo un visionado para que así cada uno juzgue por si mismo. A mi me resultó evidente que la propuesta podría haber dado más de si (los unicornios no son seres habituales en las películas fantásticas), pero no negaré que el reparto hace lo que puede con lo que tiene, destacando sin duda el personaje de joven mimado y engreído al que encarna el actor Will Poulter.

 

Los protagonistas serian Elliot Kitner y su hija adolescente Ridley (a cargo respectivamente de Paul Rudd y Jenna Ortega), cuya relación paternofilial no está en su mejor momento. De cara a afianzarla en la medida de lo posible, el padre lleva a su hija a la recóndita mansión del millonario Odell Leopold (encarnado por el actor británico Richard E.Grant), con el que espera cerrar un importante trato, pero surgirá un inesperado imprevisto.

 

Camino hacia su destino, el coche donde van padre e hija atropella de manera accidental a un unicornio. Mientras que el progenitor intentará llevar la situación lo mejor posible, la hija conectará a nivel emocional con el animal moribundo. Aunque se intentará ocultar, al llegar a su destino bien pronto todos los personajes estarán al tanto de lo sucedido. Eso llevará a que se intente sacar partido de las propiedades curativas del difunto animal.

 

Las pretensiones del director de este film son evidentes: una satírica crítica contra la avaricia corporativa de las grandes farmacéuticas (a cuenta de las propiedades sanadoras del unicornio). Pero es que eso es lo mismo que en esencia nos han mostrado otros títulos como por ejemplo la extensa saga jurásica iniciada por Spielberg, cuya moraleja también es como empresas con mezquinas intenciones quieren controlar algo que al final se escapará de su control.

 

A favor de la propuesta juega el hecho de presentar a los unicornios como unos seres más salvajes y temibles que no la de su imagen estereotipada como criaturas cuquis y armoniosas. Pero el problema radica en una indefinición de género y en un guion que no desarrolla de una forma adecuada a todos sus personajes (por ejemplo la relación paternofilial de los personajes de Rudd y Ortega tiene un planteamiento muy superficial). 

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de diciembre de 2025 en SkyShowtime.
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LA ASISTENTA, entretenida adaptación de la novela (crítica sin spoilers)

Aunque fui a ver La asistenta en el pase de prensa realizado a finales de noviembre, no ha sido hasta ahora cuando he podido hacer la crítica, ya que no había que adelantarse a su estreno en la cartelera americana, que tendrá lugar el 19 de diciembre (aquí en España llegará justo con el Año Nuevo, el 1 de enero de 2026). Se trata de la adaptación de la novela homónima de Freida McFadden, que no he leído.

 

La citada saga literaria está formada por los libros La asistenta, El secreto de la asistenta y La asistenta te vigila, que vieron la luz, a razón de uno al año, entre 2022 y 2024. Dicha franquicia se completa con el relato La boda de la asistenta, cuyo orden de lectura tendría que ser entre el segundo y el tercer libro o bien al final. En concreto digamos que vendría a ser un thriller psicológico con giros argumentales, intriga y suspense.

 

Todos los que hayan leído, o bien el libro en que se basa esta película o bien toda la saga, irán con ideas preconcebidas, al conocer de antemano que se van a encontrar, pero en mi caso tengo que admitir que fui a ver la película sin saber nada (pero absolutamente nada), más allá de que sus  protagonistas eran las actrices Sydney Sweeney y Amanda Seyfried. De esa manera no tengo problema en admitir que al pillarme todo de sorpresa, me resultó una película entretenida.

 

Dicen que las comparaciones son odiosas, pero me imagino que no seré el único que (después de verla) se recuerde de otras películas con suspense, giros argumentales sorprendentes, y también basadas en exitosos best-sellers literarios, como por ejemplo Pérdida de David Fincher o La chica del tren de Tate Taylor. En dicha comparativa la primera fue superior, ya que tenía como responsable a un director más solvente, si bien ambas fueron cumplidoras.

 

En este caso tras las cámaras se encuentra Paul Feig, responsable de títulos como Cazafantasmas (esa versión femenina de 2016 que levantó un bastante generalizado odio por parte del público) o Espías (una solvente comedía con Melissa McCarthy y un sorprendente Jason Statham de secundario, que te deja con las ganas de una secuela sólo para su personaje). Aquí las protagonistas son las actrices Sidney Sweeney y Amanda Seyfried.

 

Tengo que admitir que ellas dos sostienen con bastante solvencia una película a la que quizás le sobraría un poco de metraje (algo muy común en los estrenos de hoy en día), pero que consigue ser un producto muy entretenido una vez que el desarrollo la lleva a ser algo más allá que el telefilm de sobremesa que puede parecer al principio. Digamos que vendría a ser una historia de esas que va de menos a más, mejorando paulatinamente.

 

La protagonista es Millie (a cargo de Sidney Sweeney), una joven con un pasado digamos que complicado, que necesita un trabajo de forma urgente, y mejor si requiere su estancia fija. Por eso que cuando le surge la oportunidad de trabajar de asistenta para los Winchester (Nina y Andrew) no lo duda, ya que todo aparenta ser de lo más normal... hasta que deja de serlo: Nina (el personaje de Amada Seyfried), tiene un carácter desconcertante e inestable.

 

Las situaciones empiezan a rozar el calvario para la protagonista, pero ella se ve obligada a aguantar el tipo como pueda (por detalles que más adelante serán revelados). Al menos tiene el consuelo del esposo, Andrew (Brandon Sklenar), que aguanta con paciencia y resignación los desplantes de Nina mientras se encarga de la hija en común de ambos. Lo malo es que eso llevará a una tensión sexual donde las cosas no son ni mucho menos lo que aparentan. 

 

Hasta ahí sería todo lo que puedo mencionar sin revelar spoilers, si bien los que hayan leído la novela si sabrán que es lo que pasa después. Quizás le sobraría metraje en un primer tramo en el que, como he dicho antes, parece más bien un sencillo telefilm. Pero cuando la historia tiene ese inesperado giro argumental se anima bastante, en un film que mezcla sororidad, suspense, sensualidad y crítica hacia las conductas tóxicas normalizadas.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero de 2026.
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