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viernes, 28 de diciembre de 2012

LOS MISERABLES, la (tan solo) correcta adaptación del musical con HUGH JACKMAN, RUSSELL CROWE, ANNE HATHAWAY, AMANDA SEYFRIED, SACHA BARON COHEN y HELENA BONHAM CARTER

FICHA TÉCNICA

Título: Los miserables
Título original: Les Misérables
Dirección: Tom Hooper
País: Reino Unido
Año: 2012
Fecha de estreno: 25/12/2012
Duración: 157 min.
Género: Drama, Musical
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Russell Crowe, Hugh Jackman, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne, Dee Bradley Baker, Samantha Barks, Ignacio Guirado
Guión: William Nicholson
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Working Title Films, Cameron Mackintosh Ltd.

SINOPSIS

Francia, a principios del siglo XIX. El prisionero 24.601, de nombre Jean Valjean (Hugh Jackman), sale de la prisión con el objetivo de rehacer su vida y olvidar el pasado. Sin embargo, el impertinente inspector Javert (Russell Crowe) le pisa los talones buscando una excusa que le permita devolverlo a la cárcel. Son tiempos históricos a la par que convulsos: el telón de fondo es la rebelión de junio que tuvo lugar en París en el año 1832, el punto culminante de un lustro marcado por el hambre, la pobreza y la muerte.

CRÍTICA

Con un reparto como el que tiene este film llamarán sin duda la atención de muchos espectadores, y si además adapta una obra clásica como la de Victor Hugo más todavía, pese a las varias adaptaciones que ya he tenido la misma, siendo la de 1998 la más reciente. Pero hay que avisar que esta versión tiene algo nuevo y es que es MUSICAL, algo que recalco en mayúsculas porque salvo unos pocos diálogos entre según que escenas, TODO el film va sucediendo de canción en canción, en una jugada parecida a la que hizo Tim Burton cuando realizó su adaptación de Sweeney Todd. Aunque parezca una tontería hay que avisarlo, porque el público general, si no se les informa de manera correcta pueden pensarse otra cosa (como por ejemplo los que la pasada temporada descubrieron que The artist era muda) cosa que la publicidad prevía que he visto de nuevo ignora.

Una vez mencionado esto hay que decir que no tenía yo en mente la historia de Los Miserables (al menos por lo visto en la versión del 98) cosa que varió a medida que avanzaba el relato y me fuí recordando de la misma, la cual me gustó bastante en su esquema básico de héroe perseguido por la justicia pero siendo en el fondo honrado (en esencia, y con sus variantes, lo mismo que la película El fugitivo, de la que siempre he sido rendido fan y defensor). Me imagino, tanto en esta como en todas las anteriores, la síntesis lógica que ha debido de tener una obra que en origen tiene más de un millar de páginas, pero si a ello sumamos en este caso el tema musical, entiendo que para muchos ha de resultar cansino el seguir una historia de más de dos horas y media de metraje en la que los diálogos son breves islas dentro de un oceano cantarín de principio a fin.

Aclarados los puntos previos hay que decir que el reparto lo hace realmente muy bien, destacando un Hugh Jackman que demuestra sus grandes dotes de artista para todo lo que le echen, sin desmerecer a una Anne Hathaway que transmite todo el desgarro emocional de su personaje. No me olvido de Amanda Seyfried (que ya demostró su dulce tono musical en Mamma Mia) ni la pareja formada por Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter (ambos ya coincidieron en la musical versión que hizo Tim Burton de Sweeney Todd) pero la sorpresa me la he llevado con un Russell Crowe que aunque sin duda es el más flojo de todos (supongo que por la nula experiencia previa) no me desentona en su papel, que se esfuerza en llevar de la mejor manera posible.

¿Cual es entonces el problema que tiene esta nueva versión de Los Miserables? El mismo que padece una gran parte del cine actual: la dilatación temporal excesiva. Es cierto que una obra cumbre como es la de Victor Hugo daría quizás para una película tan larga como Lo que el viento se llevó, pero al estar aqui centrada en su versión musical hay demasiados momentos en que las canciones que tendrían que servir para hacer avanzar la historia no hacen otra cosa nada más que recalcarte lo que ya estas viendo en unos excesivos primeros planos. Si el inicio con Anne Hathaway funciona a las mil maravillas es porque en apenas 40 minutos nos muestra al personaje, nos lo describe y cumple su función, sin alargar la acción; lo cual resulta más evidente al ver la falta de ritmo que tiene la película desde ese punto hasta el final, resultando en algunos momentos cansina (lo que demuestra que lo que funciona en teatro no tiene porque funcionar igual en cine)

Con un estreno navideño tanto por estas tierras como en Estados Unidos está clara la ambición hacía los próximos Oscars que tiene este film a cargo de un director (Tom Hooper) ya premiado por El discurso del rey, por lo que uno no tiene queja de los decorados, vestuario y ambientación general de la obra, los cuales no me extrañaría que fueron nominados (y puede que incluso premiados) Pero lo malo de una película como Los miserables es que con los medios que tiene, el resultado no pase más allá de la simple corrección, lo que decepciona a aquellos que quizás esperen la adaptación definitiva (o el musical definitivo) cosa que desde luego esto no es debido en parte a la grandilocuencia con la que el director nos ofrece algo que sólo él cree que roza la excelencia (y que no es así)

LO MEJOR: El reparto en general, con menciones especiales a un polivalente Hugh Jackman y a una Anne Hathaway que tendría que tener nominación a la mejor secundaria si estamos en un mundo justo. Tambien, como no, todo el apartado técnico relacionado con la adaptación (decorados, vestuario, etc.)

LO PEOR: El director peca de grandilocuencia queriéndonos meter como excelente algo que no lo es (sin desmerecer para nada el correcto resultado final)

EL MOMENTO: La canción I dreamed a dream a cargo de Anne Hathaway. Ahi la película si consigue la excelencia que pretende.

¡ROMPE RALPH!, recuerdo empalagoso de videojuegos

FICHA TÉCNICA

Título: ¡Rompe Ralph!
Título original: Wreck-It Ralph
Dirección: Rich Moore
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 25/12/2012
Duración: 101 min.
Género: Animación
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: John C. Reilly, Jane Lynch, Ken Jeong, Sarah Silverman, Brandon T. Jackson, Stefanie Scott, Jack McBrayer, Scott Menville, Jamie Elman, Jack Angel
Distribuidora: Walt Disney Pictures

SINOPSIS 

Ralph (con la voz original de John C. Reilly) lleva 30 años siendo el 'malo' de un famoso videojuego. Siempre acaba perdiendo, y ya está harto de ver cómo el héroe Félix (Jack McBrayer) se lleva todos los honores. Así que Ralph decide coger el toro por los cuernos y embarcarse en una aventura por las diferentes generaciones de videojuegos, dispuesto a darle a la vuelta a la tortilla. Sin embargo, su extravagante aventura va a costarle unos cuantos disgustos...

CRÍTICA

Cuando hace unos años uno citaba a la Disney pensaba en ella como creadora de cursis y ñoños entretenimientos para los más pequeños de la casa, algo que cambió con la calidad de muchos de sus films animados de principios de los 90 así como muchas de sus incursiones en lo digital, aunque casi siempre bajo el apoyo de la Pixar. De todas maneras ellos quieren demostrar que no son menos y llevan años estrenando títulos (por ejemplo Bolt, Rapunzel-Enredados,..) de animación por ordenador pero con el sello Disney, por lo que no extraña la llegada de este ¡Rompe Ralph! que (además) pretendía ser un homenaje a los videojuegos de nuestra infancia, aquellos con los que muchas veces disfrutábamos en los salones recreativos.

Se puede hacer cine con una mirada nostálgica al pasado como demuestra el corto previo a este film (un Paperman que tampoco es que sea una maravilla, pero que luce MUCHO más; claramente creado como homenaje a la animación clásica) y se puede intentar con referencias a Sonic, Pac-Man, Streetfighter u otros juegos clásicos (y que conste que lo dice uno que nunca ha sido fan acérrimo de los mismos) En ese sentido lo que mejor puede funcionar es la terapia de malos a la que se presenta el protagonista, y que es con la que da comienzo la película. Si a eso sumamos cierto tono heredado de Toy Story (allí los juguetes interactuaban entre ellos lejos de la visión de los niños, aqui los personajes hacen lo mismo cuando se apagan las máquinas) la cosa podría haber funcionado.

Igual es que mis expectativas estaban un poco altas, pero el supuesto homenaje a los videojuegos se pierde en cuanto el protagonista entra en Sugar Rush, el empalogoso mundo donde conoce a la insufrible Vanellope, una irritante niña (cuya única gracia es que tenga "pixlexia" en lugar de dislexia) que se supone que tiene que caernos entrañable pero que a mi me sentó como un empacho de dulce, propiciado también por el infantiloide mundo de piruletas y chucherías por donde se mueve, que uno está esperando que sea destrozado por los bichos que Ralph trae sin querer al mismo tras su paso por un juego de acción tipo Aliens. Es en ese citado juego de acción cuando el protagonista se escandaliza de la violencia en los videojuegos pero la misma ahi está y ahi ha estado siempre, por lo que la supuesta travesía por los videojuegos de nuestra infancia se queda en breves guiños a los que he citado antes (Sonic, Streetfighter, Pac-Man,...) y ya está, quedándose el resto en la parte más infantiloide de los mismos.

A menos, claro está, que cuenten como referencia los "alimentos" ya que durante la estancia en el insufrible mundo azucarado de la insufrible niña se hacen menciones BIEN directas al Nesquik, Cola-Cao, Coca-Cola o los caramelos Mentos. Pero si nos metemos en temas de comida casi que prefiero la mala leche de programas como Pesadilla en la cocina que no chuminadas así que parecen para niños MUY pequeños, por lo que no entiendo las críticas entusiastas que leo por internet, ya que yo me decanto por un aprobado justo, y solo por los guiños antes citados al mundo de los videojuegos (por ejemplo el movimiento "a saltitos" de los personajes del juego de Ralph, como claro homenaje a los de los años 80)

La supuesta originalidad que le ve la gente no sé donde está, porque aparte de copiar-plagiar-imitar (que cada uno ponga lo que más le convenga) la base de Toy Story como ya he dicho antes... ¿es que nadie se recuerda de Tron? Pues esto ES LO MISMO: mostrarnos el supuesto universo que tenemos al otro lado de la pantalla (aparte de lo evidente en el malo que cambia de actitud, algo que ya mostró Gru, mi villano favorito o Megamind por poner tan solo dos ejemplos) Y como aún haya alguien que le parezca cursi todo el tema de las princesas Disney, cuando llegue al final verá como incluso aqui han metido el tema, por lo que sumado a una historia previsible de principio a fin se salva tan solo por momentos puntuales de verdadero acierto.

LO MEJOR: El corto previo (del que teneis imagen de su banda sonora bajo estas líneas) y las referencias iniciales en la terapia del protagonista.

LO PEOR: Absolutamente TODO lo que concierne al almibarado mundo de Sugar Rush.


lunes, 10 de diciembre de 2012

EL HOBBIT: UN VIAJE INÉSPERADO

FICHA TÉCNICA

Título: El Hobbit: Un viaje inesperado
Título original: The Hobbit: An Unexpected Journey
Dirección: Peter Jackson
País: Estados Unidos, Nueva Zelanda
Año: 2012
Fecha de estreno: 14/12/2012
Duración: 166 min.
Género: Aventuras, Fantástico
Reparto: Martin Freeman, Luke Evans, Benedict Cumberbatch, Richard Armitage, Cate Blanchett, Elijah Wood, Andy Serkis, Evangeline Lilly, Ian McKellen, Stephen Fry
Guión: Guillermo del Toro, Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), New Line Cinema, WingNut Films, 3Foot7

SINOPSIS

Precuela de la trilogía "El Señor de los Anillos", obra de J.R.R. Tolkien. En compañía del mago Gandalf y de trece enanos, el hobbit Bilbo Bolsón emprende un viaje a través del país de los elfos y los bosques de los trolls, desde las mazmorras de los orcos hasta la Montaña Solitaria, donde el dragón Smaug esconde el tesoro de los Enanos. Finalmente, en las profundidades de la Tierra, encuentra el Anillo Único, hipnótico objeto que será posteriormente causa de tantas sangrientas batallas en la Tierra Media.

CRÍTICA

No voy a negar que en mi época de estudiante una de las obras más referenciadas entre mis compañeros era la trilogia de El Señor de los Anillos, pero yo jamás pude con ella porque la veía un tocho interminable. Aún así uno puede equivocarse, como me demostró Peter Jackson hace ya una década en la trilogía que adaptó dicha saga, y que consiguió trasladar en imágenes el épico y fantástico mundo ideado por Tolkien de una manera más concisa y concreta que la empleada por el autor, cosa que digo porque justo tras acabar de ver la primera película (que me dejó con ANSIAS DE MÁS aquella lejana Navidad del 2001) me decidí por fin a leer las tres entregas (La Comunidad del Anillo, Las Dos Torres y El retorno del Rey) siendo para mi una tarea árdua, extenuante y titánica.

Ante ese panorama tengo que reconocer no haberme leído (aún) El Hobbit, pero si he visto su grosor, el cual es un tercio inferior a los libros que componian la anterior saga, por lo que si ya resultaba molesto pensar que en inicio dividian esto en dos películas por simple razón monetaria (como han hecho o harán con Harry Potter y las reliquias de la muerte, La saga Crepúsculo: Amanecer y Los juegos del hambre: Sinsajo, títulos de franquicias divididos en dos films por mera ambición taquillera) resulta sorprendente que de aqui vayan a sacar una trilogia, demostrando que al final la ¿única? intención es hinchar los bolsillos de los productores, a cuenta de todo el merchandising relacionado (al igual que esa otra tan rentable saga que es Star Wars)

Las adaptaciones de una obra tienen que tomar su esencia, y a partir de ahi recrearla en un medio diferente: es por ello que nunca serán idénticas el libro (o comic, o videojuego, o lo que sea) al film que lo adapte, a menos que se decida ir por la traslación literal (como por ejemplo se hizo con Sin City) En las tres entregas de El Señor de los Anillos el director hizo una GRAN adaptación de las historias originales, ciñéndose a lo más esencial y sacando mucha parte literaría totalmente innecesaria en imágenes (pese a lo cual no priva de que la que mejor funcione de las tres sea La Comunidad del Anillo, quizás por servir de presentación a ese mundo) En resumidas cuentas: es lógico una trilogia de 9 horas para adaptar más de 1100 páginas entre las tres obras pero, ¿son necesarias OTRAS 3 PELÍCULAS de casi 3 horas para adaptar una obra de apenas 300 páginas? Se mire por donde se mire esto pinta a chicle estirado hasta el límite.

La ventaja para el óptimo resultado final de la trilogia de El Señor de los Anillos con la que contó Peter Jackson fue el tener a sus órdenes a un apartado actoral destacable, que supieron introducirse en los personajes a recrear, logrando unos resultados muy buenos (o casi diría que míticos, como ese Andy Serkis como Gollum o ese gran Ian McKellen como Gandalf, que incluso fue nominado al Oscar como mejor secundario por La Comunidad del Anillo) Al repetir varios de ellos en esta precuela eso prevalece, estando la novedad en el protagonista, un Bilbo Bolsón encarnado por Martin Freeman, actor conocido por ser el Watson de la serie Sherlock de la BBC, siendo su presencia así como la del enano Thorin (encarnado por Richard Armitage) lo más destacable en cuanto a nuevos personajes. Y es que a diferencia de La Comunidad del Anillo, donde cada miembro del grupo parecía tener presencia por algún motivo, la docena larga de enanos que emprenden esta aventura son meras marionetas con ningún valor esencial... al menos en esta primera entrega (su encuentro inicial en casa de Bilbo incluso me recordó el estilo de las adaptaciones "reales" de Asterix, para que os hagais una idea)

Uno de los elementos más promocionados de esta película ha sido eso de haber sido rodada a 48 frames por segundo, pero suponiendo que ese fue el estilo con el que nos fue proyectada al pase de prensa al que he asistido a verla (lo digo porque el cine consta entre los que la emitirán así, según veo por el listado de este enlace) yo no he notado ningún avance digno de mención, como tampoco lo ha sido el 3D (perfectamente prescindible) Asimismo los cameos iniciales de Elijah Wood e Ian Holm (como Frodo y Bilbo) podrían haber sido obviados sin para nada desmerecer al conjunto, que pese a todo (¡maldito seas Jackson!) a mi me entretuvo sobradamente y me deja con la incógnita de saber como continua la historia (no son tantas ansias como las que en el 2001 me produjo La Comunidad del Anillo pero si como adaptación hace que uno se interese por la base literaria, ¡bienvenida sea!)

El mayor problema que tiene (o que se va a encontrar) esta trilogía de El Hobbit es el hecho de ser un equivalente a las precuelas de la saga Star Wars (sobretodo por las expectativas de los fans)... y las mismas ya sabemos como fueron en general defenestradas por la crítica. El handicap de narrar hechos anteriores a los que conoce el espectador tiene la desventaja de que él mismo ya sabe lo primordial que el futuro deparará a los personajes, por lo tanto lo nuevo tiene que ser lo más atractivo posible, algo que juega a favor y en contra de Un viaje inésperado porque aunque había ganas y añoranza de volver a la Tierra Media, lo realmente novedoso tampoco era como para exponerlo (que no resolverlo) en un metraje tan dilatado.

Como es lógico a nivel visual el film es tan brillante como los de la anterior saga: tanto la fotografía como los efectos digitales son dignos de premio y sirven para dar coherencia entre ambas trilogias (lo que no pasaba en Star Wars, cuyos episodios I, II y III parecían excesivamente modernos para ser anteriores a los clásicos IV, V y VI) También en el apartado musical la película cumple de sobras (excelente Howard Shore), si bien hay algunas canciones dentro del argumento que las hubiera quitado porque no aportan nada al mismo. En cuanto al poso nostálgico queda saciado con los cameos de personajes de las anteriores entregas (Galadriel, Elrond y Saruman) aunque de nuevo sus escenas podían haber sido obviadas y no hubiera repercutido en el conjunto (¿pasará lo mismo si hay cameos de Han Solo o los Skywalker en la nueva trilogia que preparan de Star Wars?)

EN RESUMEN: Digna precuela a la que hay que asomarse sin expectativas de ver la obra maestra que NO es.

LO MEJOR: Se mantiene el espíritu, la estética y las características que convirtieron a la trilogia de El Señor de los Anillos en todo un referente cinematográfico.

LO PEOR: Aunque el resultado global es que cumple, no lo hace de manera tan redonda como si pasó con La Comunidad del Anillo, a la espera de que las próximas entregas hagan un conjunto más homogéneo.

EL DETALLE: El encuentro entre Bilbo y Gollum (de nuevo genial Andy Serkis), que de todas maneras podría haber sido un poco antes.

¿LA EQUIVALENCIA?: Un viaje inésperado juega al misterio con el dragón Smaug como lo hizo La Comunidad del Anillo con Gollum (no mostrado de manera clara hasta Las Dos Torres) con lo cual se supone uno de los mayores alicientes de la próxima entrega.



domingo, 25 de noviembre de 2012

EL ALUCINANTE MUNDO DE NORMAN (PARANORMAN)

FICHA TÉCNICA

Título: El alucinante mundo de Norman
Título original: ParaNorman
Dirección: Sam Fell, Chris Butler
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 21 de diciembre de 2012
Duración: 92 min.
Género: Comedia, Animación, Aventuras, Terror, Fantástico
Reparto: Anna Kendrick, Leslie Mann, John Goodman, Casey Affleck, Christopher Mintz-Plasse, Kodi Smit-McPhee, Jodelle Ferland, Bernard Hill, Jeff Garlin, Elaine Stritch
Guión: Chris Butler
Distribuidora: Universal Pictures (Spain)
Productora: Laika Entertainment

SINOPSIS

Podría decirse que Norman ha sido considerado siempre un 'freak' por su habilidad para hablar con los muertos. Sin embargo, cuando un buen día su pueblo se ve atacado por los zombies, será suya la responsabilidad de poner fin al conflicto. Así, además de los muertos vivientes deberá enfrentarse a brujas, a maldiciones milenarias. Toda una aventura paranormal.

CRÍTICA

¿De qué tienen miedo los niños hoy en día? En mi época (tengo 38 años, con lo cual contar que hablo de principios de los 80) había vampiros, hombres-lobo, zombis (de hecho muchas veces me recuerdo de lo que le impactó a mi pequeña mente el ver por primera vez el mítico videoclip Thriller de Michael Jackson con toda la pléyade de muertos vivientes que salían en él) En cambio ahora, y casualmente con poco tiempo de diferencia, se han estrenado tres films de animación (a priori) infantil donde el terror es parte primordial de los mismos: Frankenweenie, Hotel Transylvania y El alucinante mundo de Norman.

De la primera ya hablé en su momento (mi crítica del citado film de Tim Burton la teneis por este enlace) mientras que de Hotel Transylvania no puedo juzgar, ya que no la ví porque las críticas la ponían bastante mal (para muestra pasaros por este enlace) aunque claro, ¿que puede esperar uno de un film donde a Drácula le pone voz el insoportable Adam Sandler en su versión original? Previa a esas dos, aunque a nuestro pais llegará con cuatro meses de retraso (se estrenó en agosto en Estados Unidos y llegará a las carteleras españolas a finales de diciembre) fue el turno de Paranorman, aquí retitulada como El alucinante mundo de Norman (perdiéndose el juego de palabras del original, con el nombre del protagonista y el término "paranormal")

Siempre que hablamos de combinar terror y animación el título más popular dentro de esos géneros es el clásico Pesadilla antes de Navidad, y justo su creador e inspirador (Tim Burton) el que parece más apropiado para tocar esos temas en conjunto. La muestra en el trio de films antes citados está en Frankenweenie (que es suya) y aunque me pregunto que hubiera hecho él con la base de la que partía Hotel Transylvania, lo más aproximado que uno podría imaginar sería algo como este Paranorman (título que me gusta más que su variante "castiza"), en esencia un claro homenaje al cine de terror de serie B al que también rendía sus respetos Frankenweenie (y que nos llega de la productora que hace unos años nos alegró con Los mundos de Coraline de Henry Selick... que mira tú por donde fue el director de Pesadilla antes de Navidad)

El protagonista de la historia (cuyo nombre de Norman parece querer recordar a los cinéfilos a ese clásico personaje que regentaba el Motel Bates de Psicosis) es el típico niño raro que suele haber en todas partes, con la particularidad de que este no solo disfruta del terror sino que lo vive, al poder hablar con los fantasmas de los muertos. Como es lógico todos lo toman por tonto y lo desprecian, pero al final resultará ser él el único capaz de terminar con el terror sobrenatural que se cierne sobre su pueblo cuando los muertos comiencen a salir de sus tumbas. El estilo y forma de este Norman lo hacen digno heredero de los personajes de animación Burtonianos (podría ser perfecto compañero de clase del Victor de Frankenweenie), siendo más interesante que los estereotipos de secundarios que le rodean en su macabra aventura.

Al igual que el film de Burton antes citado, aquí también hay guiños a títulos emblemáticos del terror (la más evidente sería Viernes 13) pero en el fondo lo que nos quiere contar la película es que la ignorancia es el peor de los miedos, siendo no solo la culpable de hechos pasados sino que facilmente trasladables a la actualidad (iría bien el mensaje hacia ciertas turbas desenfrenadas y su violencia sin control) Pese a que no abandona al que sería su público potencial (los niños) la historia no se olvida de los adultos, con sorpresas como saber la inclinación sexual de cierto secundario (tema este, junto con el de la muerte, que sorprende en una película a priori tan solo infantil)

Los personajes se pueden considerar simples clichés pero tampoco olvidemos todos los tópicos por los que se ha movido el terror, y que son los que aqui parodian (ese musculoso pero lelo deportista, esa hermana con mentalidad de cheerleader, ese gordito tan humillado como el protagonista,...) El mayor inconveniente habría que encontrarlo en su final moralizante, que resulta ser (¡mira tú por donde!) lo menos creíble de la historia, pero pese a ello nadie le quita sus méritos a una película que sin ser redonda consigue hacer disfrutar a grandes y mayores aunque no venga de la todopoderosa Pixar, sobretodo por lo bien que afronta temas tan peliagudos como el terror y la muerte.

LO MEJOR: La magnífica combinación de animación stop-motion con CGI, consiguiendo resultados brillantes pero sin olvidar darles ese aspecto clásico que el mismo film (por su temática) demanda a gritos. Además resulta destacable como tratan un tema como el de la muerte, siempre más dificil de asumir en una mente infantil que en una adulta.

LO PEOR: Tiene ciertos altibajos como si no supiera por qué público decantarse (¿adulto o infantil?) así como un final moralizante y complaciente que resulta poco creíble (aunque más o menos correcto) teniendo en cuenta por donde circulaba la historia hasta ese momento.

EL DETALLE: Aunque en este caso el poster creo que es bastante acertado (cosa que no siempre ocurre) me gustaría destacar los otros que ha tenido el film (que podeis ver por este enlace) entre los cuales hay algunos al estilo del propio cine de terror de serie B antiguo al que el film homenajea.

jueves, 1 de noviembre de 2012

SKYFALL de SAM MENDES, la nueva y destacable aventura de 007

FICHA TÉCNICA

Título: Skyfall
Título original: Skyfall
Dirección: Sam Mendes
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 31/10/2012
Duración: 143 min.
Género: Thriller, Aventuras, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Ralph Fiennes, Daniel Craig, Javier Bardem, Judi Dench, Helen McCrory, Bérénice Marlohe, Albert Finney, Naomie Harris, Ben Whishaw, Ola Rapace
Guión: Neal Purvis, Robert Wade, John Logan
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), United Artists, Columbia Pictures, Eon Productions, Danjaq

SINOPSIS

Skyfall es la película número 23 de James Bond, el agente 007 (Daniel Craig). En esta ocasión, Bond pone a prueba su lealtad hacia M (Judi Dench) cuando el pasado de ésta le acecha. El MI6 es atacado y Bond deberá rastrear, interceptar y destruir la amenaza, aunque para ello tenga que asumir incalculables costes personales.

CRÍTICA

La franquicia del famoso agente 007 llega con este Skyfall a su título 23, que coincide en tiempo con el 50 aniversario del personaje (desde su primera aparición en pantalla a cargo del mítico Sean Connery). Con este film además completa Daniel Craig su trilogía encarnando a James Bond (tras la destacable Casino Royale y la NO tan destacable Quantum of solace) hecho que se prevee que continue en futuras entregas (si ahora vuelven a pillar el ritmo bianual, la próxima tocaría para el 2014) Y es que esta película llega con retraso (lo mismo que le ocurrirá a la saga de El Hobbit) debido a todos los problemas económicos que tuvo la MGM, lo cual retrasó en este caso un film que tenía que haber llegado a las pantallas a finales del 2010 de haber seguido los planes iniciales (recordemos que esta saga siempre ha procurado ofrecernos nuevas aventuras cada dos años por regla general, salvo algún periodo más largo generalmente por cambio de actor protagonista)

Contando además el bajón de calidad que hubo en su anterior entrega, mayor era el deseo de ver por que nuevos derroteros iba a circular James Bond; y en este caso se puede decir que la espera ha merecido la pena. Contra lo que he leído y/o escuchado por muchos sitios, NO creo que estemos ante la mejor entrega de la saga, e incluso no la considero, por poco, tan lograda como fue Casino Royale (si nos atenemos a la etapa de Daniel Craig en el personaje) pero aún así me parece una muy destacable y entretenida película de la saga Bond que sin duda alguna contentará a sus fans, a lo que ayuda la sorprendente y eficaz dirección de Sam Mendes (responsable entre otras de American Beauty y Camino a la perdición) que nos ofrece algo más allá del simple encargo impersonal (todos sabemos que en sagas así el director no suele ser el que más manda) dotando de drama y profundidad a un personaje que creiamos puro estereotipo, y rodando unas escenas de acción que son entendibles para el espectador, alejándose de la moda imperante del batiburrilo visual en el que al final no distingues nada.

Aunque en principio el Bond encarnado por Craig tenía ciertas semejanzas con el Jason Bourne de la trilogía con Matt Damon (sobretodo en el hecho de dar más realismo a la acción, quitándose los chismes tecnológicos tan clásicos de 007) esta película parece como si fuera un nuevo reinicio hacia los elementos tradicionales, y en donde conocemos detalles de los orígenes del protagonista, lo que le emparenta (por tono y estilo, ver sobretodo el intenso tramo final) al Batman de Christopher Nolan, a lo que ayuda además un destacable Javier Bardem de villano, que alejado de los típicos megalómanos de otras entregas, compone aqui a un Silva con un estilo parecido al que Heath Ledger hizo con el Joker en El Caballero Oscuro (aunque su escena en prisión puede recordar al Doctor Hannibal Lecter de El silencio de los corderos, incluyendo la empatía que provoca al espectador)

Otro de los detalles típicos de la saga Bond han sido sus chicas, pero aunque aqui las hay (por partida doble) la verdadera protagonista femenina sería una genial Judi Dench, ya que las otras o bien son inexpresivas cual piedras (Bérénice Marlohe) o bien guardan sorpresas que no voy a spoilear a ningún espectador (Naomie Harris) que son nuevos detalles a sumar a ese "retorno a los orígenes" que parece querer emprender Skyfall: a lo citado sumaría el papel que tomará el personaje de Ralph Fiennes (otro spoiler) o la inclusión de un joven Q, que será el que le aporte a Bond toda la tecnología necesaria (si bien aqui no es que sea muy extensa, algo que le permite a Craig soltar una de las muchas frases lapidarias con las que acomete al personaje por tercera vez)

Ya que he citado antes a Nolan, da la casualidad que el mencionado director de la trilogia de Batman ha comentado su interés por dirigir un film de James Bond, por lo que viendo como circula la historia de Skyfall, pueden haber sentado las bases para que la próxima entrega la firme el responsable de Memento. Aún así no hay que olvidar que estamos ante un producto de entretenimiento, y aunque el derrotero hacia el drama que toma Skyfall está bien (dejando a la acción en un segundo plano para profundizar en los personajes) puede pecar de grandilocuencia (evidente en su duración, casi dos horas y media, aunque muy bien llevadas y sin aburrir en ningún momento) intentando hacer profundo algo que, en esencia, es lo que es.

EL DETALLE: La casa solariega del tramo final, la visión de las tumbas de los padres de Bond, lo tormentoso y dramático del personaje... es evidente el guiño hacia el Bruce Wayne de la trilogia de Nolan. Pero para detalle citaría el momento homoerótico entre Bardem y Craig tras la entrada en escena del villano encarnado por el primero (hecho que, también hay que decirlo, tarda más de una hora en producirse)

LO MEJOR: Aunque en sagas así suelen quedar en segundo plano, sin duda alguna destacaría la labor de Mendes a la dirección y de Neal Purvis, Robert Wade y John Logan en el guión (aparte de un genial Daniel Craig, una excelente Judi Dench, un sorprendente (para bien) Javier Bardem y unos acertados Ralph Fiennes y Ben Whishaw (el nuevo Q)

LO PEOR: Que siendo una vuelta a los orígenes del personaje (o al menos eso parece) algunos detalles queden tan flojos (como por ejemplo unas casi inexistentes chicas Bond) aparte de dispararse la duración (casi dos horas y media, eso si, muy bien llevadas)

sábado, 20 de octubre de 2012

ARRUGAS, descubriendo una maravilla de la animación española

FICHA TÉCNICA

Título: Arrugas
Título original: Arrugas
Dirección: Ignacio Ferreras
País: España
Año: 2011
Fecha de estreno: 27/01/2012
Duración: 89 min.
Género: Drama, Animación
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Álvaro Cervantes, Tacho González, Álvaro Guevara, Mabel Rivera Guión: Ángel de la Cruz
Distribuidora: Wanda Visión S.A
Productora: Perro Verde Films

SINOPSIS

Esta película de animación narra la relación de amistad entre dos abuelos, Emilio y Miguel, los cuales viven en un geriátrico. Emilio tiene Alzheimer en su fase inicial y Miguel quiere ayudarle a detener la degeneración física y mental que le está provocando la enfermedad. Gracias a él, la residencia se teñirá de humor en mitad de un contexto de amargura.

CRÍTICA

Aunque no es actual (se estrenó el pasado mes de enero) por fin he conseguido ver la película Arrugas el pasado martes gracias al Espai VO de Hospitalet de Llobregat (donde vivo) y en donde en su momento no llegó este título porque se ve que no le veían salida comercial, y aunque a Barcelona si llegó me niego a ir al cine a la otra punta de la ciudad (algo parecido me pasado hace poco con Holmes y Watson: Madrid days, que estrenada el pasado septiembre tampoco llegó a las salas de cine de mi ciudad)

El film es la adaptación del comic Arrugas de Paco Roca, que ya me leí hace un par de años y que recomendé (y sigo recomendando) fervientemente -mi reseña la teneis por este enlace- Poco más puedo añadir a lo que ya dije del comic en su momento, porque nos encontramos ante una adaptación fiel y respetuosa del mismo, con lo cual espero que sirva para que todos aquellos que no sean lectores usuales de comics (por ese desfasado arquetipo de que "son para niños") descubra por mediación de esta película una historia delicada, hermosa y divertida sobre ese periodo por el que todos pasaremos, el de la vejez.

Que se haya optado por una adaptación animada es todo un acierto, ya que se consigue mayor empatía hacía los que conozcan la historia gráfica, aparte de permitir hacer más creíbles a los personajes (cosa que hubiera estado dificil con actores reales) Y si ya era emocionante en viñetas, en imágenes también lo es, ya que consigue momentos dignos del mejor Miyazaki (atención al recuerdo de los niños y la nube en la torre, algo plasmado con una belleza digna del mencionado director oriental) pero sin olvidar la cercanía de la muerte (por edad) para todos ellos, algo que llevan como mejor pueden.

Si acaso el único pero que se le puede poner al film es el final de la lucha del protagonista contra el Alzheimer, que en el comic nos es mostrado de una manera que en pantalla grande queda un poco diluida, pero el epílogo del film nos viene a demostrar que aunque hayamos asistido a una historia amable, la misma está englobada en un entorno lleno de crudeza y veracidad en donde tarde o temprano (casi) todos nos veremos: una residencia de ancianos donde esperar poco a poco a la guadaña de la muerte. Y lo triste es si encima combatimos con el Alzheimer como le pasa al protagonista.

LO MEJOR: Todo

LO PEOR: Nada

LOOPER, paradojas en los viajes en el tiempo para BRUCE WILLIS

FICHA TÉCNICA 

Título: Looper
Título original: Looper
Dirección: Rian Johnson
País: Estados Unidos, China
Año: 2012
Fecha de estreno: 19/10/2012
Duración: 118 min.
Género: Thriller, Acción, Ciencia ficción
Calificación: No recomendada para menores de 16 años
Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Paul Dano, Noah Segan, Piper Perabo, Jeff Daniels, Pierce Gagnon, Qing Xu, Tracie Thoms
Distribuidora: Aurum Producciones
Productora: Endgame Entertainment, FilmDistrict, Ram Bergman Productions, DMG Entertainment

SINOPSIS 

Cometer un asesinato en el año 2072 supone enfrentarse a una sentencia mortal. El asesino viaja atrás en el tiempo, hasta el año 2042, donde será aniquilado por una banda de sicarios conocidos como Loopers. Uno de esos Loopers es Joe (Joseph Gordon-Levitt), que lleva una vida tranquila pero ahora se enfrenta a un reto que jamás pensó que podría ocurrirle: tiene que matar a su yo del futuro (Bruce Willis), es decir, tiene que matarse a sí mismo...

CRÍTICA

No es esta la primera vez que Bruce Willis está en un film de temática fantástica (ahi está El quinto elemento por poner un ejemplo) ni en uno con viajes en el tiempo que incluyen paradojas de esas tan entretenidas en tales casos (citar la magistral Doce Monos de Terry Gilliam) En este caso el film viene precedido de una campaña mediática que lo encumbra como si fuera el Matrix de esta generación (ahora no me acuerdo donde he visto tal aseveración, que ya me pareció excesiva incluso antes del visionado de la película) pero aunque no estamos ante un film excepcional, sin duda alguna estamos ante una muy buena historia que se sale de la común complacencia con la que estan orquestados los blockbusters que nos llegan de Hollywood.

Partiendo de una idea inicial sobre paradojas temporales que ya ha sido tocada con mejores resultados en títulos como Regreso al Futuro 2 o la citada Doce Monos la película resultante puede recordar al díptico que hizo James Cameron en Terminator y Terminator 2 ya que tenemos dos personajes principales relacionados pero antagónicos y un niño que jugará una presencia ¿importante? en el futuro y al que hay que eliminar. Pero alejándose de la ciencia-ficción, Looper sería más bien un thriller con temática fantástica, algo así como lo que hizo Nolan en Origen pero aqui con viajes temporales en lugar de insertos en los sueños ajenos.

Aunque Bruce Willis hace lo que mejor sabe hacer (su personaje puede recordar desde a su clásico John McClane de la Jungla de Cristal -sobretodo en el climax tras escapar de sus captores-, hasta sus papeles en films como Pulp Fiction o la citada Doce Monos) el mérito se lo lleva Joseph Gordon-Levitt, que en su muy loable interpretación consigue que nos creamos que es la versión joven de lo que luego 30 años en el futuro será Bruce Willis (a destacar el momento en que nos resumen esos 30 años que enlazan al joven y viejo protagonista uniendo a los dos actores en el único personaje al que interpretan)

Al estar ambientada en un futuro no muy lejano (a unos 30 años vista) la sociedad que se nos presenta no difiere mucho de la actual, si acaso haciendo aún más notable la diferencia entre ricos y pobres (el aspecto puede recordar al de tantos y tantos futuros distópicos vistos en pantalla grande desde que se inaugurara el tema con Blade Runner) En un tiempo en que las salas de cine intentan llenar sus butacas con remakes, reboots, secuelas y (de por si) films con las mínimas complicaciones en sus historias para contentar a cuanto más público mejor, es de agradecer una película como esta, que jugando en el terreno de las superproducciones, no toma al espectador por memo.

Con un guión sólido al que quizás sólo haya que achacar el altibajo de su tramo medio (lo de la granja me recordó a Señales de Shyamalan y lo del niño por momentos me hizo pensar en el malvado Damien Thorn de La Profecia) sorprende que en un principio parezca que un film de público mayoritario se vaya a decantar por el infanticidio (de hecho lo hace, aunque destacaría lo bien que representa Willis el dolor de sus acciones con su primer objetivo) pero la cosa se tuerce ATENCIÓN SPOILER en un "relativo" final feliz tras el autosacrificio de nuestro antihéroe, al que se le ilumina la mente con el descubrimiento del destino de su objetivo, que modifica con dicho gesto FIN SPOILER.

No digo que ese final sea torpe, e incluso dentro de la lógica del film resulta coherente, aunque las escenas finales me hicieron dudar (teniendo en cuenta los datos que los personajes han compartido) si en el futuro el chaval será el Fundador... ¿o quizás el propio protagonista? Esa ¿posible? interpretación final (igual me equivoco, pero es lo que yo pensé), más el cambio de ritmo en su tramo central (lo cual, por otro lado, sirve para que los personajes se nos muestren como algo más que meras marionetas) es lo más evidente en una historia que aunque partía más o menos original, no consigue llegar a ese nivel de mérito que la podía haber encumbrado como una excelencia en el género de los viajes temporales. Pero pese a todo merece mucho la pena.

LA CURIOSIDAD: En la versión doblada en castellano el personaje de Gordon-Levitt, no olvidemos que asesino, tiene la misma voz que la de otro famoso matarife televisivo: Dexter.

EL DETALLE: ¿Porque resulta tan intrascendente el desnudo de Piper Perabo (y porqué ahora si y no (porque fue eliminada) cuando hizo El Bar Coyote?)

LO MEJOR: Su idea inicial, la forma en que muestra la sociedad futura, el personaje principal del que se encargan los dos protagonistas en sus diferentes estados temporales (destacando en Gordon-Levitt y su esfuerzo por ser un joven Willis), su sólido (aunque no excelente) guión y su (más o menos) entretenido ritmo a lo largo de sus casi dos horas de duración.

LO PEOR: Que parta de una idea original no quiere decir que no recuerde a otros films que han tocado la misma temática de manera total o colateral, quedando en evidencia que esta Looper no consigue llegar al nivel de los mismos, pese a sus esfuerzos.

viernes, 12 de octubre de 2012

FRANKENWEENIE, la nueva genialidad de TIM BURTON

FICHA TÉCNICA

Título: Frankenweenie
Título original: Frankenweenie
Dirección: Tim Burton
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 11/10/2012
Duración: 87 min.
Género: Comedia, Animación, Ciencia ficción
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Winona Ryder, Catherine O'Hara, Conchata Ferrell, Atticus Shaffer, Martin Short, Tom Kenny, Martin Landau, Charlie Tahan, Robert Capron, James Hiroyuki Liao
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Pictures, Tim Burton Productions, Tim Burton Animation Co.

SINOPSIS

El pequeño Víctor (con la voz original de Charlie Tahan) está muy triste porque su querido perro Sparky ha muerto inesperadamente. Pero Víctor no es de los que se rinden, y su pasión por la ciencia le lleva a descubrir la manera de devolver a Sparky a la vida. El experimento es un éxito... o casi. El corazón de Sparky late otra vez, pero los efectos secundarios son un poquito inquietantes y asustan a toda la comunidad. La película, dirigida por Tim Burton, está rodada en blanco y negro y utiliza la tecnología 3D. Burton parte de la idea de un cortometraje homónimo que estrenó en el año 1984 y que no pudo desarrollar más por falta de presupuesto.

CRÍTICA

La nueva película de Tim Burton, que no ha gozado de mucho éxito en su estreno americano, se trata de lo que podriamos llamar como "versión alargada" de un cortometraje del propio director que realizó a mediados de los años 80. Por fortuna mucho mejor que Sombras tenebrosas (el otro título que el director ha estrenado este 2012) no me extraña su pobre resultado en taquilla porque estamos sin duda ante una de las películas más personales de Burton, donde sin importarle si tiene éxito o no se ha limitado a realizar (por fin) la historia que hace 30 años tenía en mente.

El film es un claro homenaje tanto al cine de terror clásico con el que se crió su director (ver la nada velada referencia a Frankenstein, incluida la escena con Perséfone, la perra del vecino) como a su personal visión de su imaginario y estilo propio (magnífico ese stop-motion en blanco y negro como si fuera una historia de mitad del siglo XX) y se nota mucho que es un simple capricho que Disney le concedió tras todo el dinero que le reportó a la compañia con su particular visión de Alicia en el pais de las maravillas de hace un par de temporadas. Y es que nos encontramos ante una historia a priori tan poco Disneyana como la de un muchacho que añorando a su perro fallecido decide revivirlo de entre los muertos (es por eso que aunque venga sellada por el conocido estudio NO CREO que sea una película apta para TODOS los niños)

Entre las muchas referencias que se encuentran a lo largo de su metraje hay de todo: desde un simpático contrapunto a la famosa Hello Kitty (ver una de las lápidas del cementerio de animales) hasta un claro homenaje al cine de monstruos gigantescos (ver la tortuga del tramo final) pasando por referencias a la Hammer (los padres del protagonista viendo el Drácula de Christopher Lee en televisión), la reverencia al su muy amado Vincent Price (algo evidente en el personaje de Mr. Rzykruski) o el guiño a los lectores de Creepy y Eerie (con la referencia a los monos de mar, que se anunciaban en dichas publicaciones) Incluso está la curiosidad de que aqui NO haya colaborado Johnny Depp, el actor fetiche de Tim Burton (si bien entre las voces originales si está la de Winona Ryder, que participó en ese otro clásico de su director que es Eduardo Manostijeras)

A diferencia de otras producciones animadas, que suelen caer en el infantilismo y cuyos personajes no provocan nada más allá de una simple (son)risa artificial, aqui Burton consigue dotar a sus criaturas de una gran humanidad (pese a la llamativa morfología de sus personajes marginales) siendo especialmente entrañable en Sparky, el perro protagonista, al que dan ganas de llevártelo para casa (todos los que hayan tenido o tengan mascota entenderán los sentimientos del pequeño Victor, que no dejan de ser el leiv motiv de la historia) De entre todos los seres que circulan por el film destacaría al gato Bigotitos y su dueña, sin duda alguna los personajes más INQUIETANTES (así, en mayúsculas) que veo en pantalla en mucho tiempo.

En resumidas cuentas, nos encontramos de nuevo con el Burton más personal, que en esta Frankenweenie nos devuelve a su particular universo tétrico, macabro pero entrañable y emotivo. Alejándose de esas películas donde metió su particular estilo dentro de historias no muy adecuadas a su forma de narrar (vease por ejemplo El planeta de los simios o las antes citadas Alicia en el pais de las maravillas y Sombras tenebrosas) aqui nos reencontramos con el genio que nos dió cuentos como Eduardo Manostijeras, que aqui nos regala otra película para la posteridad a la altura de sus anteriores aventuras con el stop-motion (vease Pesadilla antes de Navidad y La novia cadaver)

LO MEJOR: Los fans de Tim Burton disfrutarán con una película que nos transporta a la época más gloriosa de su creador.

LO PEOR: A priori nada, pero su escena final (tras lo que acontence en el molino) puede considerarse más disneyana que burtoniana.

ANEXOS
  • Corto original más mi crítica del mismo por este enlace.
  • Galería de posters de la película por este enlace (atención a los que homenajean al cine fantástico y de terror de mediados del siglo XX)
  • El corto animado Vincent (de la misma época que el original de Frankenweenie) por este enlace.

LO IMPOSIBLE con EWAN MCGREGOR y NAOMI WATTS

FICHA TÉCNICA

Título: Lo imposible
Título original: The Impossible
Dirección: Juan Antonio Bayona
País: España
Año: 2012
Fecha de estreno: 11/10/2012
Duración: 107 min.
Género: Drama, Thriller
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Ewan McGregor, Naomi Watts, Geraldine Chaplin, Tom Holland, Marta Etura, Oaklee Pendergast, Soenke Möhring, Dominic Power, Samuel Joslin, Bruce Blain
Guión: Sergio G. Sánchez
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Telecinco Cinema, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Canal+ España, Institut Valencia de Cinematografia (IVAC), Apaches Entertainment, Mediaset España, Generalitat Valenciana

SINOPSIS

Más de 5.000 personas murieron en las costas de Tailandia como consecuencia del tsunami ocasionado por el devastador terremoto del oceano Índico que tuvo lugar el 26 de diciembre de 2004. Maria (Naomi Watts), su esposo Henry (Ewan McGregor) y sus dos hijos estaban allí pasando las vacaciones de invierno. De repente, una gigantesca ola negra entró por la terraza del hotel y lo arrasó todo. Maria emergió en un mar embravecido, lleno de cadáveres y suciedad. Y se dijo a sí misma que, si había sobrevivido, tenía que seguir luchando por su familia.

CRÍTICA 

El nuevo film del director de El Orfanato es toda una superproducción del cine español que cuenta en su reparto con dos nombres tan conocidos como Ewan McGregor y Naomi Watts, si bien la auténtica novedad resulta ser el joven actor Tom Holland, el cual consigue (sin por ello restarle mérito a los otros dos chavales) conseguir que no caigan repelentes los tres niños protagonistas, hijos en la ficción de la pareja de famosos antes citada. Hay otras caras conocidas por el reparto (Marta Etura o Geraldine Chaplin) pero tanto su presencia como importancia en el relato son menores y obviables.

 La tragedía del tsunami que asoló Tailandia a finales del 2004 queda muy bien retratada en imágenes, consiguiendo unas altas dosis de realismo (brillantes los efectos digitales que ayudan a ello) por lo que podemos afirmar que estamos ante un film que sabe mostrarnos el drama en toda su magnitud. El problema es que Bayona aqui quiere jugar a ser el Spielberg más lacrimógeno, y la sensación final que te queda es que si este material hubiera caido en manos del responsable de Parque Jurásico seguro que habría (casi) unanimidad en tildarlo de drama blando y manipulador, por lo que no hay motivo para sobrevalorarla tan solo porque represente todo un hito dentro del cine español que llega a nuestras pantallas.

De todas maneras tampoco quiero que se piense que la defenestro sin motivos: yo sabía de sobra que iba a ver un drama (no en vano eso es lo que fue) e incluso reconozco que en los últimos tiempos soy bastante sensiblero (por razones personales) con lo cual no cuesta mucho hacerme soltar una lagrimilla. Pero tal como nos presentan a los personajes y todo lo que sucede tras el tsunami (y es bien pronto, a los 15 minutos de película ya ha pasado la ola devastadora) me pareció una total manipulación hacia el espectador para que sufra y llore tanto como los personajes. Y si no hay empatía hacia los mismos, por mucho que les pase no llegas a confraternizar con sus sentimientos, que es lo que me ha pasado a mi.

Eso no quita méritos a la pareja protagonista (casi diría que incluso mejor ella que él) así como a los apartados técnicos tanto de efectos especiales como de maquillaje, pero mientras que hay escenas muy acertadas (como los segundos previos a la catástrofe, donde se maneja muy bien el suspense) a partir de ahi tenemos un machacón drama de supervivencia humana que poco varía de los típicos telefilms de sobremesa, lo cual unido a lo de que esté basado en una historia real (lo cual te priva de la incógnita del desenlace) hace que caigan muchas de las expectativas que había ante este Lo imposible (también quizás por la cansina campaña publicitaria que ha hecho Mediaset España)

Insisto en que me emociono ante según que títulos, quizás porque tienen una mayor sutileza para el drama que la que tiene el nuevo trabajo de Bayona: aqui pretenden que casi estes llorando sus casi dos horas de duración y eso suena tan dificil como conseguir una comedía que te haga reir de principio a fin (tendrá sus chistes con mayor o menor gracia, pero NO existe una comedia con la que rias sin parar todo su metraje) Ese equilibrio, trasladado al drama, es lo que no tiene este film (uno de los más claros ejemplos de manipulación está en el momento en que la familia dividida estan en la misma zona y no lo saben, giro argumental perpetrado para hacer llorar al espectador cuando se produzca el previsible encuentro entre todos)

En resumidas cuentas estamos ante el enésimo caso de película salvada por su reparto, ya que de no ser así podría haber engrosado las amplias filas de telefilms de sobremesa sobre superaciones humanas ante todo tipo de adversidades con los que nos castigan las cadenas de televisión. Y aunque la labor del director es destacable, no priva para que sea mejorable en su próximo proyecto, porque si ya la anterior El Orfanato estaba entretenida pero se le notaban mucho sus múltiples referencias (entre ellas también el Spielberg más blandito) eso se hace más patente en esta Lo imposible donde se zambulle sin remilgos en la violación emocional del espectador.

LO MEJOR: El reparto, no solo la pareja protagonista sino incluso sus tres hijos en la ficción, mayor mérito porque en dramas así el apartado infantil puede caer en lo cursi o pasteloso.

LO PEOR: Lo machacón de su búsqueda desesperada por provocar el mayor drama posible y la lágrima facil, cuanto más mejor.


sábado, 6 de octubre de 2012

RESIDENT EVIL 5: VENGANZA (¿contra el espectador?)

FICHA TÉCNICA

Título: Resident Evil 5: Venganza
Título original: Resident Evil: Retribution
Dirección: Paul W.S. Anderson
País: Estados Unidos, Alemania
Año: 2012
Fecha de estreno: 05/10/2012
Duración: 96 min.
Género: Thriller, Acción, Terror, Ciencia ficción
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Milla Jovovich, Michelle Rodriguez, Sienna Guillory, Kevin Durand, Oded Fehr, Bingbing Li, Johann Urb, Shawn Roberts, Colin Salmon, Boris Kodjoe
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Davis Films/Impact Pictures (RE5), Constantin Film International

SINOPSIS

Nueva adaptación del popular videojuego que, en esta quinta entrega, nos transporta de nuevo a una Tierra atacada por la amenaza de un virus mortal capaz de convertir a la población mundial en una legión de zombies. Alice, la última esperanza de la raza humana, deberá salvar de nuevo al mundo mientras continúa descubriendo cosas sobre su pasado.

CRÍTICA

Podría ser tan facil poner a parir un film como este... ¡¡¡de verdad, sería tan facil!!! Pero si dijera que estamos ante un bodrio mentiría, aunque eso dista mucho de convertirla en una buena película (algo que sólo consiguió el primer film de la saga... y más diría que "entretenido" que no "bueno") Pero antes he de aclarar (cosa que hago desde YA mismo) que no soy usuario de videojuegos, con lo cual conozco el origen pero no puedo comparar respecto a su adaptación (aunque me creo los que dicen que la misma da asco) por lo tanto valoro tan solo la película como tal, no su fidelidad.

Supongo que quizás por la actual fama de la serie The walking dead (tanto en su origen en comic como en la serie de TV) tengo que reconocer que ME GUSTÓ MUCHO el pequeño episodio al principio del film donde vemos a la Jovovich como una ama de casa normal y corriente que de repente se ve metida en un escenario que me recordó mucho al film Amanecer de los muertos de Zack Snyder. Ese pequeño apartado es adrenalina pura que se disfruta ante la total incertidumbre de lo que está por venir, a diferencia del resto que circula por terrenos más conocidos.

Respecto a la recuperación de personajes ya vistos en anteriores entregas (por ejemplo el de Michelle Rodriguez), la justificación es ridícula ya que los mismos como tal son meras marionetas: tan solo la Jovovich consigue despertar algo de interés al espectador, siendo el resto meros peones de "quita y pon" en este videojuego cinematográfico. Y es que los diferentes escenarios por donde transcurre la acción recuerdan mucho los orígenes consoleros de la saga.

Otro acierto (apenas puntual, y centrado también al inicio de la película) es la presencia de zombis, lo cual a algunos les puede sonar como una perogrullada, pero es que todos los que han visto los títulos previos de esta franquicia saben que en algunos de ellos estos monstruos (leiv motiv de la propia historia) brillaban por su ausencia o eran meros personajes ya no secundarios, sino que incluso diría que terciarios o menos. Además esa otra mania de la franquicia de organizar peleas y piruetas varias al estilo Matrix continúa aqui, sin que vengan a cuento en ningún momento (más allá del caracter onanista o masturbatorio que se le pueda otorgar a las féminas del film, con la Jovovich y su traje de cuero a la cabeza)

El disparate argumental ya es al final de puro cachondeo (e insisto, lo dice uno que no ha jugado nunca a Resident Evil en sus múltiples variantes) cuando en el epílogo vemos a un supuesto villano al que ya se daba por muerto en el Despacho Oval, porque ahora lucha contra la Reina Roja (al final el ordenador es quien tiene la culpa de todo), pero lejos de plantearnos un creíble mundo asolado por una pandemia zombi (como por ejemplo la saga literaria de Los caminantes, de la que justo hoy he acabado su tercera entrega) el plano final parece recordar más a un escenario de El Señor de los Anillos con los ejércitos de Sauron hostigando a los buenos de la película.

Asimismo que la cosa ya no da más de si lo demuestra las múltiples referencias a las anteriores entregas, bien en la antes citada recuperación de personajes o bien en bichos (ya que otros que reaparecen son esos zombis que me recuerdan tanto al personaje de Matanza de los comics de Spider-Man) con lo cual el evidente final abierto de esta quinta parte nos hace pensar en... ¿una mezcla con los mundos fantásticos de Tolkien? Porque vamos, es que ya no les queda donde exprimir...

LOS DETALLES: Los zombis nazis de Moscú (si es que eran eso) me recordaron a sus homónimos del film Dead Snow. Asimismo que todos los escenarios sean "recreaciones" me hizo recordar la Sala del Peligro de los comics de X-Men.

LO MEJOR: No es tan horrenda como uno puede pensar (tiene aciertos puntuales que no estan mal)

LO PEOR: Que amenacen con una sexta. Pero bueno, igual ya es cachondeo (porque tal y como lo dejan eso parece)

martes, 2 de octubre de 2012

EL FRAUDE (o como el título ya es indicativo del resultado final)

FICHA TÉCNICA

Título: El fraude
Título original: Arbitrage
Dirección: Nicholas Jarecki
País: Estados Unidos, Polonia
Año: 2012
Fecha de estreno: 05/10/2012
Duración: 106 min.
Género: Drama, Thriller
Reparto: Tim Roth, Richard Gere, Susan Sarandon, Brit Marling, Jennifer Wiener, William Friedkin, Monica Raymund, Laetitia Casta, Nate Parker, Josh Pais
Guión: Nicholas Jarecki
Distribuidora: TriPictures
Productora: Artina Films, Lucky Monkey Pictures, Green Room Films, Treehouse Pictures, Alvernia Production

SINOPSIS

A sus casi 60 años, Robert Miller (Richard Gere) parece tener la vida resuelta. Es un magnate que ha tenido éxito tanto en los negocios como en la familia, al estar siempre acompañado por su esposa Ellen (Susan Sarandon) y su hija y heredera Brooke (Brit Marling). Pero, en realidad, Miller está desesperado: ha cometido un fraude que le ha puesto contra las cuerdas y sólo una venta milagrosa podría salvarle. Además, se le ha ocurrido iniciar una relación con una joven marchante de arte francesa llamada Julie (Laetitia Casta).

CRÍTICA

He de reconocer que de este nuevo film con Richard Gere de protagonista no supe nada hasta hace poco que me molesté en ver el trailer del mismo. Y aunque el famoso actor parece haber quedado encasillado en el registro de galán más o menos maduro que le dió fama en algunos de sus títulos más conocidos de los 80 y 90 (Oficial y caballero, Pretty Woman, etc.) la pinta prevía que tenía este título era de ser un thriller solvente en donde el protagonista esconde una cara no tan feliz como la que aparenta.

Craso error (y monumental decepción) cuando me he encontrado con una historia plana y sin chispa, en la que tras un inicio más o menos prometedor la cosa va degenerando en un progresivo desinterés por lo que le pasa a los personajes, acabando al final con una desangelada historia cuya parte de intriga hubiera quedado mejor resuelta en cualquier serie procedimental tipo CSI que lo que al final nos ofrece este film fallido cuyo título es indicativo (¡mira tú que bien!) del resultado final.

De los personajes no hay nada que destacar: el protagonista Richard Gere hace lo que le hemos visto hacer en multitud de títulos previos, y el supuesto giro hacia cierta "maldad" (por intentar encubrir su infidelidad) es ridículo cuando luego el argumento intenta resolver la situación "justificando" sus acciones para que lo veamos con ojos magnánimos. Del resto citar la fugaz presencia de una hermosa Laetitia Casta como amante del protagonista y de una cornuda Susan Sarandon como esposa del mismo, siendo su personaje otro compendio de clichés y tópicos como para parar un tren (y aún gracias porque el resto del elenco brilla por su insipidez anódina)

Supongo que a través de la (relativa) caída del protagonista se quiere hacer una crítica social en estos actuales tiempos de crisis que nos ha tocado vivir, pero la misma nunca llega a desarrollarse de una manera minimamente entretenida, todo ello por una historia plana y simple, la cual nos es narrada con parsimonia y sin chispa. El mayor aliciente lo podría haber tenido en su apartado de suspense (por como el protagonista intenta mantener ocultos sus chanchullos, el financiero y el sentimental) pero hay tan poco interés por mostrarnos algo minimamente creíble que el film hace aguas por todas partes siendo al final un aburrimiento para las piedras.

LO MEJOR: Que apuntaba a ser mejor de lo que es.

LO PEOR: Que resulta más decepcionante de lo esperado.

lunes, 1 de octubre de 2012

EL LADRÓN DE PALABRAS con OLIVIA WILDE, BRADLEY COOPER, JEREMY IRONS, DENNIS QUAID, ZOE SALDANA y J.K.SIMMONS

FICHA TÉCNICA

Título: El ladrón de palabras
Título original: The Words
Dirección: Brian Klugman, Lee Sternthal
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 31/10/2012
Duración: 97 min.
Género: Drama, Romance
Reparto: Olivia Wilde, Bradley Cooper, Zoe Saldana, Dennis Quaid, Jeremy Irons, J.K. Simmons, Ben Barnes, John Hannah, Nora Arnezeder, Zeljko Ivanek
Guión: Brian Klugman, Lee Sternthal
Distribuidora: DeA Planeta Home Entertainment
Productora: Benaroya Pictures, Also Known As Pictures, Animus Films, Serena Films, Waterfall Media

SINOPSIS

Rory Jansen (Bradley Cooper) es un escritor que, después de mucho tiempo, consigue publicar la nueva gran novela americana. Le llueven aplausos y felicitaciones por todas partes. Pero hay un pequeño problema: en realidad, él no es el autor de la novela. A partir de ahora tendrá que pagar el alto precio de haber robado el talento y el trabajo de otro hombre. Vivirá bajo una constante presión moral que le encaminará hacia la autodestrucción, la culpa y el dolor.

CRÍTICA

El primer detalle que me llamó la atención de esta película fue (sin duda) su elenco actoral: Olivia Wilde, Bradley Cooper, Dennis Quaid, Jeremy Irons J.K.Simmons y Ben Barnes son todos nombres conocidos para el cinéfilo actual, el más veterano, e incluso ambos. Pero siempre hay que tener presente (cosa que a mi se me olvida más de lo previsto) que NUNCA un buen elenco de actores garantiza una buena película.

¿Es por tanto mala El ladrón de palabras? No, al contrario, tiene numerosos puntos de interés al saber conectar tres historias entre si de manera coherente y satisfactoria durante sus 97 minutos de duración, pero igual debido a tan escueta duración no se acaba de conseguir una empatía con el público, ciñéndose su esquema argumental a lo que en si nos cuenta su sinopsis más básica (y es que no hay más: SÓLO la reacción del protagonista al descubrirse su plagio)

A priori la historia es buena, y se le podía haber sacado igual más jugo si el personaje de Irons (verdadero autor de la historia sobre la que gira la película) hubiese apretado más las tuercas del protagonista, lo que pasa que entonces esto hubiera derivado al thriller de suspense que ni es, ni busca serlo en ningún momento (prefiere quedarse en un cómodo drama) Y en última instancia la duda sobre el plagio (que ya dicen que ni es la primera ni será la última) ¿se hace extrapolable al personaje de Quaid, en esencia narrador final? Porque sino no entiendo su presencia ni la de (por otro lado) la bellísima Olivia Wilde.

De todas maneras creo que el film deja muy bien plasmado que todos tenemos nuestras limitaciones, pero que debido al mundo estresante en el que vivimos quizás nos hacemos unas ambiciones lejanas para nuestras posibilidades. Al no poder llegar a lo que quiere aparentar por eso el personaje de Cooper se nos presenta como, en el fondo, un pobre infeliz superado por las circunstancias (igual por eso yo le hubiera metido más "caña" aprovechando la aparición del verdadero autor de su novela)

LO MEJOR: El reparto, donde todos cumplen con corrección su propósito.

LO PEOR: El final, dejando todo juicio crítico sobre el espectador.

miércoles, 26 de septiembre de 2012

VENGANZA: CONEXIÓN ESTAMBUL (TAKEN 2) con LIAM NEESON

FICHA TÉCNICA 

Título: Venganza: Conexión Estambul
Título original: Taken 2
Dirección: Olivier Megaton
País: Francia
Año: 2012
Fecha de estreno: 05/10/2012
Duración: 91 min.
Género: Criminal, Thriller, Acción
Reparto: Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen, Rade Serbedzija, Leland Orser, Luke Grimes, Luenell, Laura Bryce, Kevork Malikyan, Aclan Bates
Guión: Luc Besson, Robert Mark Kamen
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Canal+, Europa Corp., M6 Films, Grive Productions

SINOPSIS 

El imparable agente Bryan Mills (Liam Neeson) se encuentra de vacaciones en Estambul cuando un grupo de sicarios le secuestra junto a su ex mujer (Famke Janssen). Esta vez tendrá que ser la joven Kim (Maggie Grace) quien ponga en riesgo su propia vida para salvar al padre que un día se sacrificó por ella.

CRÍTICA

Tiene gracia que ahora a su edad le toque a Liam Neeson hacer de héroe de acción, pero la verdad es que con la anterior entrega ya demostró que lo borda (teneis mi crítica por este enlace) y repasándola ahora las mismas palabras servirían para definir esta secuela: de nuevo nos encontramos ante una historia con acción "real" (entendiéndose como tal la que por ejemplo se ha visto hace poco en Los mercenarios 2, aunque sin la autoparodia del título mencionado) y de nuevo Liam Neeson repite en su papel de justiciero, aqui en Estambul y con el problema de su implicación directa y la de su familia.

En este tipo de películas de acción, las secuelas suelen caer en tópicos y clichés de juzgado de guardia, por lo que esta Taken 2 (retitulada por nuestras tierras como Venganza: Conexión Estambul) no es menos: no hay que buscarle insensateces al argumento porque a la que uno se pare a pensar saldrán a borbotones. Para muestra de ello estaría el primero de los tres claros tercios que tiene la película, en donde uno alucina sobre el cúmulo de casualidades que conectará al protagonista con los villanos (aunque claro, ¡sino no habría película!) Pero vuelvo a insistir en que este film no es ninguna tesis, sino un simple entretenimiento digno heredero de los films de acción ochenteros protagonizados por Chuck Norris o Jean-Claude Van Damme, y en donde los motivos son secundarios frente a la acción.

De los tres tercios de la película (cada uno de una media hora más o menos) tras el primero con la conexión entre los personajes principales pasamos al segundo, con el secuestro en si. Del mismo no es spoiler decir (porque hasta los mismos trailers ya lo han mostrado) que si en la primera parte era la hija del protagonista la que resultaba secuestrada, ahora son sus padres. Y si, ella será quien tenga que ayudar para liberarlos... pero cuidado, que nadie se piense que en ese momento la película deriva en una historia de acción con protagonista femenina (la actriz Maggie Grace) porque la ayuda será circunstancial y temporal, tomando bien pronto el personaje de Liam Neeson las riendas del asunto, lo que nos lleva al tramo final donde se impartirá justicia (y no doy más detalles pero, ¿a que es evidente quien saldrá vencedor al final? ¿a que no hace falta que lo diga?)

El motivo que da pie a esta secuela (aparte de la recaudación conseguida por el título anterior) entra de lleno en el esquema clásico que tenian muchas películas de acción de los 80 e incluso de los 70 (de hecho esto se puede decir que nació con Charles Bronson, que al igual que Neeson consiguió fama por sus films de justiciero urbano justo en su madurez artística) y ahi si que justifica su título español de Venganza, porque en el fondo se plantea desde el otro punto de vista (el de los villanos) que aunque fueran malos, al acabar muertos dejan viudas y huérfanos que el personaje encarnado por Rade Serbedzija (padre de una de las víctimas de Neeson en la primera entrega) cree que hay que vengar.Que los motivos de los fallecidos fueran turbios no le importa más allá de la simple y placentera venganza, como demuestra en la frase de lo que le haría a la hija de Neeson, si acaso el comentario más duro de esta entrega, al menos bajo mi punto de vista.

Al estar implicada ahora toda la familia de nuestro héroe (ex-mujer e hija) en algunos momentos se juega a la duda sobre si saldrán todos vivos de este nuevo secuestro: es evidente que por su preparación el personaje de Neeson lo conseguirá, pero se plantean algunas dudas sobre los personajes femeninos, en especial el encarnado por Famke Janssen. Asimismo en el tramo final el jefe de los villanos que quería vengar a su hijo reconoce que le quedan más vástagos, con lo cual eso es una puerta abierta de par en par para el argumento de la tercera entrega, si la taquilla acompaña a este film como para que eso ocurra. El colofón final estaría en una escena que no detallaré pero en donde la hija del protagonista suelta una frase del estilo "humor chulesco" que uno aceptaría en un film de Jason Statham pero que aqui se produce de una manera un tanto forzada (es ahi cuando uno más se recuerda de que el director de esta ya fue responsable de Transporter 3, con el mencionado actor)

En resumidas cuentas, esta Venganza: Conexión Estambul es una digna secuela del título original con el que además se intenta recuperar el espíritu de las cintas de acción de antaño. Si no fuera por cierta hiperactividad en las escenas de acción (que por momentos pueden tornarse ligeramente confusas) y por las "casualidades" que dan pie a este tipo de secuelas (es como el John McClane de Jungla de Cristal, que vuelve a estar en el sitio equivocado en el momento equivocado) el film cumple con las expectativas previstas en sus (eso si) 91 concisos minutos (2 menos que la anterior película) pero en donde en ningún momento tiene cabida el aburrimiento.

LO MEJOR: Es lo que es, no engaña a nadie, con lo cual lo mejor es dejarse llevar por los acontecimientos, y si se disfrutó con la anterior también se hará con esta.

LO PEOR: Intentar analizarla más allá de lo que es, lo cual derrumbaría toda lógica.