ENOLA HOLMES 2, elementalmente continuista (crítica sin spoilers)

El mítico Sherlock Holmes ha dado para infinidad de historias en los 135 años que hace que "nació" como personaje literario de la mano de Sir Arthur Conan Doyle, pero en los últimos tiempos he notado cierta intención de acercarlo a las nuevas generaciones, con relatos orientados tanto para el público infantil como adolescente, que es donde se puede catalogar a esta ficticia hermana llamada Enola Holmes con la que la escritora Nancy Springer parece haber seguido a J.K.Rowling y haber encontrado a su propio Harry Potter. Y ojo que tal comparación no me parece descabellada teniendo en cuenta que además de los libros (seis hasta el momento) hay también comics, aparte de la saga de películas de la que el presente film es la primera secuela de la que se esperan más en el futuro (material tienen desde luego)

 

La primera entrega de hecho iba a ser estrenada en cines, hasta que la pandemia del Coronavirus de 2020 derivó en que Netflix se interesara por ella y la estrenara con bastante éxito en su plataforma. Ello ha derivado en que vieran su potencial como franquicia, repitiendo en esta secuela tanto su protagonista Millie Bobby Brown como los secundarios Henry Cavill (que interpreta a Sherlock) y Helena Bonham-Carter (la matriarca Holmes), así como tambien el director Harry Bradbeer (que fue responsable de la primera entrega) Curiosamente el actor Sam Claflin, que en la cinta previa encarnó a Mycroft Holmes, no aparece en esta debido a problemas de agenda con otros proyectos, que le impidieron implicarse en la misma.

Nada más comenzar esta segunda entrega, nos presentan a la protagonista en plena persecución intentando escapar de la policia para luego "romper la cuarta pared", como ocurría en la película previa, y poner al tanto al espectador de todo lo ocurrido hasta llegar a ese momento. La historia es fácil de resumir, ya que tras el final de la primera película Enola ha abierto una agencia de detectives de éxito más bien escaso, debido a que sus hipotéticos clientes la prejuzgan por ser una mujer joven, creyéndola inválida para resolver nada (más allá del apellido que ostente) Pero a punto de darse por vencida una niña pobre que trabaja en una factoria de cerillas le plantea un misterio del que se hará cargo: intentar encontrar a su hermana desaparecida. Lo que en un principio podía considerarse incluso algo voluntario se irá complicando, en una trama donde Enola tendrá que pasar por diferentes escenarios, entre otros el mítico 221-B de Baker Street, donde su popular hermano Sherlock (cuando aún vivia sin la compañía del doctor Watson) está enfrascado en una investigación que parece relacionar ambos casos, estando actuando entre las sombras un misterioso personaje denominado Moriarty.

De las seis entregas literarias de esta hermana de la familia Holmes esta secuela se supone basada (en mayor o menor grado) en El caso de la dama zurda, pero digamos que la película se decanta más por ser continuista respecto a la previa que fiel a la obra original. Eso se demuestra un acierto en cuanto a su protagonista, ya que la actriz Millie Bobby Brown sigue teniendo el carisma suficiente como para apoyar toda la película sobre sus hombros y salir indemne, logrando hacer carismática a su Enola en su continua lucha por hacerse valer como mujer en una sociedad tan machista como la victoriana de entonces. En sus variadas peripecias habrá cabida para ciertas reivindicaciones feministas que alcanzan su culminación cuando se desvela la identidad de Moriarty, que sorprende siendo coherente con lo planteado pero se antoja algo forzada y discutible respecto al Canon Holmesiano, más allá de que este se pueda considerar un universo alternativo (como sucede con los superhéroes) Esto último lo digo también por la manera en que hace su entrada Sherlock en esta secuela (la escena de la salida del bar), totalmente incoherente a la esencia del personaje.

Pese a que se puedan tener discrepancias puntuales, sin duda alguna esta secuela consigue ser tan entretenida como el film precedente, aunque su duración de 129 minutos podría haberse reducido si no abusara de paulatinas explicaciones que se hacen reiterativas, siendo su única función el darlo todo explicado para que ningún espectador se pierda. Asimismo el Sherlock encarnado por Henry Cavill resulta aceptable para lo que es la película, pero una elección de casting discutible respecto al personaje, si bien este ha tenido tantas encarnaciones en pantalla que por una más tampoco vamos a discutir. El otro miembro de la familia, en ausencia de Mycroft, sería la matriarca Holmes encarnada por Helena Bonham-Carter, que hace mero acto de presencia en ciertos momentos puntuales que pueden funcionar de forma más o menos acertada (como la persecución en carruaje), pero que parecen algo forzados en la historia, alargando demasiado su duración. Con un resultado funcional y continuista, esta secuela deja la puerta abierta a más aventuras teniendo en cuenta el personaje imprescindible que aparece en la escena entre los títulos de crédito finales.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN NETFLIX: 4 de noviembre de 2022.
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OCEAN'S 8, ahora ellas son las ladronas (crítica sin spoilers)

¿Para qué arriesgar cuando se puede ir sobre seguro? Esa parece ser la tónica más predominante estos últimos años, donde casi todos los films que nos llegan con ánimo de reventar la taquillas son remakes, reboots, secuelas, precuelas o bien un poco de todo. ¡Ojo!, no seré yo quien me queje si la fórmula funciona, pero hasta cierto punto resulta un tanto decepcionante tener una idea preestablecida sobre una película, y que luego una vez vista la cumpla en cada uno de sus puntos. Eso podría ser quizás una crítica negativa hacia el presente film, lo cual sería inexacto porque estamos ante un título sin duda alguna entretenido. El problema radica en que si tienes que dar su valoración en unas pocas palabras lo más justo sería decir que "está bien, pero...", siendo entonces cuando tienes que aceptar que no "es oro todo lo que reluce".

Ya de por si la innecesaria trilogia que tuvo la inicial Ocean's Eleven no inventaba nada nuevo, no sólo por ser el remake del film homónimo de 1960, sino porque además ese subgénero del "golpe perfecto" ha tenido infinidad de variantes, por lo que resulta previsible que cualquier nuevo ejemplo circule por los mismos derroteros. En 2001 Steven Soderbergh jugaba con el carisma de su reparto masculino, lo cual se intentó repetir en sus dos secuelas, siendo ahi donde tenía un evidente acierto ya que sólo el Danny Ocean al que dió vida George Clooney hay que reconocer que sabia tomar ese carisma del Hollywood clásico que tenia el film de 1960 protagonizado por Frank Sinatra y Dean Martin (entre otros)

Centrándonos ya en esta película cabe indicar que la misma funciona a varios niveles, porque se podría considerar secuela de las películas de Soderbergh (la última de las cuales se estrenó en 2007), spin-off derivado de los mismos y reboot de la franquicia, cambiando tan solo el sexo (de hombres a mujeres) y el número de miembros del plan (de los 11, 12 y 13 de las tres películas de 2001, 2004 y 2007 pasamos a las 8 de aqui) Por lo demas el director Gary Ross (responsable, por ejemplo, de la primera entrega de Los juegos del hambre) lleva a cabo una repetición de esquemas, ya que toda la historia de esta película se construye bajo el previsible orden de primero fichar a los diferentes miembros, después planear un robo a priori con muchas dificultades y finalizar llevándolo a cabo con la evidente sorpresa en su último tercio de que, en este caso, las ladronas aspiraban a todo. Todo ello se conecta ligeramente con las películas previas, incluso echando mano de algún breve cameo de alguno de los miembros de su reparto, y queda servida la nueva versión.

Esta película comienza con Debbie Ocean (a la que encarna con corrección Sandra Bullock) saliendo de prisión, ya que al igual que su hermano Danny (al que dió vida George Clooney) es muy amiga de sustraer lo ajeno. Como resulta previsible, nada más salir de la carcel planeará un complicado robo: si su hermano y su banda iban a por los casinos de Las Vegas, ella y sus aliadas han puesto el ojo en un impresionante collar de diamantes valorado en 150 millones de dólares (con ese muy previsible tópico de que las ladronas, si son mujeres, la mayoría de las veces se decanten por joyas) A partir de ahi, y si se ha visto la trilogia previa de Steven Soderbergh, se encontrará una repetición de esquemas donde el mayor mérito estaría (de nuevo) en el carisma del reparto, el cual varía resultando destacables Cate Blanchett y Anne Hathaway, con el relativo "alivio cómico" de Helena Bonham Carter (en especial en escenas como las de las gafas y el collar) siendo tan solo correcta una Sandra Bullock a la que cuesta imaginar como hermana del personaje de George Clooney, cumpliendo con solvencia el resto del reparto, pero sin destacar demasiado.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de julio de 2018
• Galeria de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Aspiraba a que como mínimo fuera un correcto entretenimiento, algo que cumple de sobras...
• LO PEOR: ... pese a lo tópico y previsible de su esquema argumental.

ALICIA A TRAVÉS DEL ESPEJO, una secuela que te deja indiferente

Los de la Disney no son tontos (¡ojo, que en un caso así yo tampoco lo sería!) y como la actual moda de versionar en acción real sus clásicos animados está dando buenos beneficios, decidieron hacer secuela del que (podriamos decir) abrió la veda en 2010: Alicia en el Pais de las Maravillas de Tim Burton (que de momento es el único de toda esta moda que ha superado los 1000 millones de dólares de recaudación en la taquilla mundial) Es curioso que pese al gran éxito de taquilla de la predecesora (aunque fue más bien vapuleada por la crítica) se hayan tardado seis años en desarrollar esta secuela, donde Burton se queda como productor dejando el trabajo de director en las manos de James Bobin.

¿Alguien se recuerda de Batman forever? Fue el primero de la saga del Caballero Oscuro de DC que ya no dirigió Burton, responsable de las entregas de 1989 y 1992 (en el citado film tan solo ejerció tareas de productor, dejando la realización en manos de Joel Schumacher) El resultado final fueron retazos del estilo que había imprimido Burton en las dos primeras películas pero con un cierto exceso que llegó a sus más altas cotas con la posterior (y peor) Batman y Robin. Pues en el caso que nos ocupa digamos que ocurre algo parecido: sigue estando presente el estilo visual que le dió Tim Burton al primer film pero en este caso se opta por una historia en la que James Bobin (a quien le han cedido el testigo como responsable tras las cámaras) se limita a una labor totalmente impersonal y que para el caso podría estar firmada por cualquiera, demostrando que se ha plegado sin problemas a las órdenes recibidas de la Disney, que quería una secuela de tan lucrativo título, aunque no tuviese más que una relación colateral con el título precedente.

Y es que si nos vamos al origen literario del personaje, en la Alicia en el Pais de las Maravillas de 2010 ya se tomaron detalles no solo de la obra original de Lewis Carroll sino también de su secuela, por lo que en este caso solventan la papeleta con un guión que parece estar inspirado en las paradojas temporales de Regreso al futuro 2, tomando del original tan solo el título y la aparición de cuantos más personajes mejor de los vistos en el film anterior, siendo más o menos correcto en los casos, por ejemplo, de Anne Hathaway y Helena Bonham Carter (de las que se nos descubre su pasado en el viaje de Alicia al susodicho) y el Sombrerero Loco de Johnny Depp (cuya depresión en la justificación para todo lo que nos narra esta secuela) pero totalmente intrascendente para todos los demás, incluido la oruga azul a la que da voz en la versión original un Alan Rickman a quien está dedicada esta película a nivel póstumo.

La nueva incorporación al reparto de este título sería la de Sacha Baron Cohen en el papel de Tiempo, un supuesto villano que resulta tan histriónico como el Sombrerero de Depp (del que, pese a todo, no se abusa tanto en esta película) y que se pasa casi toda la película persiguiendo a la protagonista por el artefacto que esta le ha cogido "prestado" para los viajes temporales que acontecen durante el relato. Por su parte una Alicia ya del todo adulta, y no niña como en su base literaria, está ahora mejor interpretada por Mia Wasikowska, que dota a su heroina de más decisión y arrojo (por más que el tramo inicial con ella de capitana de barco parece una escena que bien podría ser de la próxima entrega de Piratas del Caribe)

Al igual que el film de Tim Burton no era ni el mejor de su carrera ni la mejor adaptación de la obra de Carroll, la presente Alicia a través del espejo es tan solo una secuela alimenticia realizada para estirar más el éxito de la anterior película, careciendo de las ¿virtudes? que le otorgó Burton a su predecesora (no hay que olvidar que él también tuvo que plegarse a los mandatos de la Disney, quienes le dejaron poco margen de maniobra) y en donde actores e historia quedan fagocitados por un recital de efectos visuales que en algunos momentos resultan excesivos, unido a la sensación (con el tema de los viajes temporales) que algo se tenían que inventar para seguir exprimiendo el filón. Igual a los más pequeños les gusta su fastuoso aspecto visual (lo más llamativo) pero es una lástima que bajo él no quede nada para el recuerdo.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de mayo de 2016
• LA PREGUNTA: ¿Porque es TAN descarado que el director no se ha calentado la cabeza, que los actores han repetido por el sustancioso cheque y que la guionista ha echado mano del primer recurso (viajes en el tiempo) que se le ocurrió, viniese a cuento o no?
• LO MEJOR: Continua la orgia visual de su predecesora (no en vano su mayor acierto), incluso ampliándola...
• LO PEOR: ... pero fagocitando el resto de elementos de la historia (¿al final esto que es? ¿Regreso al futuro en el Pais de las Maravillas?) 

CENICIENTA de KENNETH BRANAGH, un cuento muy bien contado

FICHA TÉCNICA

Título: Cenicienta
Título original: Cinderella
Dirección: Kenneth Branagh
País: Estados Unidos
Año: 2015
Fecha de estreno: 27/03/2015
Duración: 105 min.
Género: Drama, Familiar, Aventuras
Reparto: Cate Blanchett, Helena Bonham Carter, Richard Madden, Holly Grainger, Sophie McShera, Hayley Atwell, Stellan Skarsgård, Nonso Anozie, Derek Jacobi, Lily James
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Nueva adaptación del cuento clásico de la Cenicienta, en esta ocasión interpretada por la joven actriz Lily James. Cenicienta es enviada a vivir con su madrastra (Cate Blanchett), que muy pronto le obliga a realizar las tareas más pesadas de la casa y le impide acudir al gran baile de la comunidad. Pero un hada madrina (Helena Bonham Carter) convierte la calabaza del huerto en un carro tirado por caballos. Cenicienta llega al baile y se enamora del príncipe (Richard Madden), pero su hechizo se rompe a medianoche... Y la cruda realidad vuelve a cernirse sobre ella.

CRÍTICA

Desde que en 2010 triunfó la versión que hizo Tim Burton para Disney de Alicia en el pais de las maravillas (de la que ya está en proceso una secuela) se ha despertado un filón de momento aún rentable, que consiste en la adaptación de cuentos clásicos de nuestra infancia (tal "moda" hizo que en 2012 en España se estrenaran TRES versiones de Blancanieves, una de ellas autóctona y otra (la de Kristen Stewart) de la que también se prepara secuela) Tras el reciente éxito de Maléfica, con una acertada Angelina Jolie en esa reinterpretación de La Bella Durmiente, ahora es el turno de Cenicienta.

El citado cuento, cuya autoría varia de los hermanos Grimm a Charles Perrault, ya fue adaptado por la Disney en formato animado en 1950 en una versión más coincidente con la francesa de Perrault que con la alemana de los Grimm, motivo por el cual esa es la más famosa. Esta nueva adaptación viene dirigida por Kenneth Branagh, en origen defensor a ultranza de Shakespeare en cine (con ejemplos tan destacados como Mucho ruido y pocas nueces y Hamlet) pero ahora responsable de títulos más comerciales como Thor, Jack Ryan: Operación Sombra o el film que aqui nos ocupa.

En el caso de esta Cenicienta uno podía esperar un producto de estudio calculado de manera meticulosa para triunfar, pero mira tú por donde que el director también deja su huella: sin caer en la cursilería que uno podía pensar en un proyecto así, Branagh nos vuelve a narrar el cuento por todos conocido sin caer en lo hortera, destacando de su correcto reparto la labor de Cate Blanchett como la Madrastra, sin por ello desmerecer a una encantadora Lily James como Cenicienta o la escueta presencia de una ajustada Helena Bonham Carter como Hada Madrina.

El relato no tiene novedades destacables, pero la manera en que nos lo desarrolla Branagh es sin duda muy acertada, con una cuidada narración acompañada de un soberbio diseño de producción que podría ser una extensión Shakesperiana tan del gusto del citado Branagh. Hay que destacar que esten presentes todos los detalles que han hecho clásico a tan famoso relato, además de unos muy acertados efectos visuales, los cuales lucen de manera soberbia en momentos como cuando la Hada Madrina luce su magia para que Cenicienta vaya al baile de palacio (así como la espectacular huida posterior cuando las campanadas avisen del final del hechizo)

Lejos de histrionismos como por ejemplo la Glenn Close en 101 dálmatas (porque esto de reversionar antiguos títulos de animación no es novedad de ahora) me gustaría destacar de la labor de Cate Blanchett el diálogo que tiene con Cenicienta cuando le descubre su escondido zapato de cristal, que sirve para darle ciertas motivaciones a su Madrastra, sin caer en la previsible y superficial maldad de este tipo de historias (lástima de las hermanastras, que sin llegar al exceso, si incurren en los histrionismos que nos ahorra Blanchett)

LO MEJOR: Su soberbio diseño de producción, sus preciosas imágenes, su opulento vestuario... todo ello luce de manera espléndida en una película de la Disney para toda la familia, y en donde sin duda destaca el trabajo de Cate Blanchett sin olvidar un reparto donde, aparte de los citados en la crítica, figuran nombres como Derek Jacobi y Stellan Skarsgård en roles secundarios, todos ellos bien dirigidos por un artesanal pero acertado Branagh.

LO PEOR: Tiene todos los tópicos propios de la historia, que estan bien llevados (nadie lo niega) pero que estan ahi, dando lugar a bien poca novedad al respecto.

LOS DETALLES: Aunque sean digitales algunos animales de este cuento (como los ratoncitos amigos de la protagonista) no son antropomorfos, lo que sirve para darle a la historia un tono más realista (dentro de la fantasía implícita en el relato) Asimismo esta nueva película nos ahorra el tono musical de la versión animada de 1950.

EL PREÁMBULO: Antes de la película nos ofrecen el corto Frozen fever, que vuelve a reencontrarnos con los personajes de la exitosa Frozen: El reino de hielo.

EL LLANERO SOLITARIO, un clásico y arcaico héroe en el siglo XXI

FICHA TÉCNICA

Título: El llanero solitario
Título original: The Lone Ranger
Dirección: Gore Verbinski
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 21/08/2013
Duración: 149 min
Género: Aventuras, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Johnny Depp, Armie Hammer, Helena Bonham Carter, William Fichtner, Tom Wilkinson, Ruth Wilson, Barry Pepper, James Badge Dale, James Frain, Matt O'Leary
Guión: Ted Elliott, Terry Rossio, Justin Haythe
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Jerry Bruckheimer Films, Classic Media, Infinitum Nihil, Silver Bullet Productions (II), Blind Wink Productions, Disney

SINOPSIS

Tonto (Johnny Depp) es un nativo americano. Es lo que se llama un guerrero espiritual, un valiente defensor de la tierra que, a la vez, está conectado con los dioses. A través de él conoceremos la verdadera historia de John Reid (Armie Hammer), un hombre de ley que luego se convertiría en el famoso Llanero Solitario. Asistimos así al nacimiento de una leyenda del Viejo Oeste, a un enmascarado que se encargó de repartir justicia por los polvorientos poblados de Texas a finales del siglo XIX. Un hombre de los que ya no quedan.

CRÍTICA

Los de Disney no las tenian todas consigo con esta adaptación del mítico pistolero justiciero del Salvaje Oeste, ya que la película tuvo infinidad de problemas previos (reescrituras de guión, reducción de presupuesto, etc.) Pero eso no es a priori sinónimo malo (con las mismas premisas de problemas previos se ha estrenado este verano Guerra Mundial Z y ha sido un éxito) por lo que había que comprobar si los artífices de la franquicia Piratas del Caribe (Gore Verbinski y Johnny Depp) conseguían crear una nueva saga... o erraban en el intento.

A tenor de los resultados parece que la respuesta es un "no" rotundo, porque la película se puede catalogar de fracaso monetario (215 millones de presupuesto frente a menos de 90 en territorio americano) en una situación parecida a la que ocurrió el pasado año con John Carter. Pero como en el fondo aparte de generar dinero, tiene que entretener (¡qué menos!)... ¿cumple El llanero solitario los mínimos para ser catalogada así? Estando precavido por mi parte para lo peor... ¡me lo pasé bien! (aunque con matices, que paso a citar por lo que cuidado con pequeños spoilers)

Cuando se estrenó la primera entrega de Piratas del Caribe la encontré una destacable actualización de los clásicos films de bucaneros y tan solo se estropeó la cosa cuando quisieron ir más allá de eso y lo transformaron en una innecesaria saga donde lo que más chirriaba era una duración excesiva para unas películas que tendrían que haber sido simples films de entretenimiento. Parte del éxito (o todo diría yo) también estaba en el Capitan Jack Sparrow encarnado por Johnny Depp, que le valió una nominación al Oscar, pero lo que en un inicio fue un aventurero burlón se convirtió poco a poco en un cansino estereotipo en las sucesivas secuelas.

Siendo de los mismos responsables de la citada franquicia, el primer error que cometen aqui es dilatar demasiado la duración, ya que sus 149 minutos son como mínimo 40 más de lo que tendría que haber durado. El más evidente descarte que encuentro yo es toda la parte del anciano indio encarnado por Johnny Depp y el niño, cual si estuviera narrando un cuento: ya sé que siendo de la Disney me voy a encontrar algo tal que así, pero no hace falta que me lo remarques tanto, aunque nos estes actualizando un héroe de los más clásicos.

La lástima es que no es eso lo único, porque aún sabiendo que partían de un material digamos "arcaico" y ultrarevisitado como es el western, no les tiembla el pulso circulando por terrenos comunes a tantos y tantos títulos que se nos pueden venir a la cabeza. Aunque la cosa mantiene un cierto equilibrio, reconozco que los films de cowboys poco (o nada) pueden innovar hoy en día (la reciente Cowboys y aliens digamos que se quedó en terreno intermedio), por lo que parte del varapalo crítico supongo que puede haber venido por una historia de creación de héroe que cumple todos los tópicos asignados, lo que en menos tiempo podría haber estado mejor pero que aqui se les dispara.

Esa dilatación también llega hasta el climax final con los trenes, realmente muy bien planificado, trepidante, dinámico y entretenido, en donde escuchamos de fondo la mítica balada del personaje (la obertura de Guillermo Tell de Rossini) Lo que pasa que para llegar a eso se han tardado casi dos horas en un desarrollo irregular donde sobran parte de las supuestas gracias del personaje de Toro (la traducción española del Tonto original), del que quizás se abusa demasiado, todo sea por lo novato que está Armie Hammer en esto del gran espectáculo en cine (lo más conocido en su carrera son pequeños papeles en films como Blancanieves: Mirror, mirror y La red social)

¿Los actores? Cumpliendo, lo que no está mal: aparte de un Johnny Depp que parece que esté haciendo la versión india de su famoso capitan de la otra saga, los que más me gustaron fueron William Fichtner (en la línea de otros trabajos de este magnífico actor de reparto) y Tom Wilkinson, si bien el giro que hay sobre este último me pareció excesivo, casi como si habláramos de un megalómano villano de la saga Bond... o lo más parecido en estilo que podría ser Wild Wild West (film que en su momento no me molestó aunque nunca defendería)

El paralelismo es evidente porque en aquel film muchos dijeron que el tandem Will Smith y Barry Sonnenfeld querían crear (y fallaron) una nueva saga como lo fué Men in Black, efecto que se repite aqui con un director y protagonista que parecen buscar otro éxito en conjunto. Ahi podriamos tener otro de los errores de este film porque si en Wild Wild West quedaba eclipsado Kevin Kline por las supuestas gracias de Will Smith, otro tanto se podría decir aquí entre el héroe y su excéntrico compañero (no hace falta insistir hacía que lado se decanta la balanza) Pese a todo, o igual por su larga duración, El llanero solitario no es tan "payasesca" como aquella y se ahorra el tono steampunk que tenía el film de 1999 representado por un histriónico villano a cargo de Kenneth Branagh.

¿Y que tal Helena Bonham-Carter? Pues en su salsa, ya que pese a salir en cuatro o cinco escenas tan solo, su madame coja de prostíbulo de la época es una adecuada suma a la gran cantidad de personajes excéntricos encarnados por la actriz (es lo mismo que Johnnyp Depp, pero sin llegar a ser protagonista) El otro elemento femenino destacable del relato sería la damisela en apuros (aunque heroina si se requiere) a la que da vida la actriz Ruth Wilson, si bien su papel sería el tópico inserto amoroso en films así.

LO MEJOR: El apartado técnico y visual es tan entretenido como uno puede esperar de un film de los creadores de Piratas del Caribe, que aquí parecen intentar seguir la senda de la primera (y mejor) entrega de aquella saga.

LO PEOR: Del duo protagonista destaca más el "escudero" del héroe que el mismo, aparte de que FALLAN (asi, a lo grande) dilatando demasiado algo que hubiera estado mejor en menos tiempo.

GRANDES ESPERANZAS de MIKE NEWELL, con RALPH FIENNES y HELENA BOMHAM CARTER en una nueva adaptación del clásico de DICKENS

FICHA TÉCNICA 

Título: Grandes esperanzas
Título original: Great Expectations
Dirección: Mike Newell
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 27/03/2013
Duración: 128 min.
Género: Drama
Reparto: Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Jeremy Irvine, Jason Flemyng, Robbie Coltrane, Ewen Bremner, Holly Grainger, Sally Hawkins, David Walliams, Sophie Rundle
Guión: David Nicholls
Distribuidora: A Contracorriente Films
Productora: BBC Films, Number 9 Films, Lipsync Productions, iDeal Partners Film Fund, Unison Films

SINOPSIS 

Basada en la novela homónima del inmortal Charles Dickens la cinta es una nueva adaptación espera atraer al espectador al universo del genial novelista inglés. Narra la historia de Philip Pirrip (Jeremy Irvine), más conocido como Pip. Humilde huérfano que vive con su rigurosa hermana y el marido de esta. Durante una visita a la tumba de sus padres se encuentra con un convicto -Magwitch (Ralp Fiennes)- el cual, mediante coacción, consigue la ayuda de Pip para conseguir comida y herramientas con las que liberarse de sus grilletes.

Pasa un tiempo y Pip es enviado a casa de Miss Havisham (Helena Bonham Carter) para entretenerla. Miss Havisham es una mujer despechada que odia a todos los hombres ya que fue abandonada el mismo día de su boda. Allí conoce a la joven Estella (Holliday Grainger) que le robará el corazón. De forma imprevista, Pip -que se estaba preparando para ser herrero- recibe una herencia de un anónimo benefactor que pone como condición que vaya a Londres para ser educado entre la flor y nata de la sociedad londinense.

Al cabo de los años el protagonista vuelve para intentar conseguir el amor de Estella. Pero el oscuro origen de su fortuna, desconocido para él mismo, está a punto de salir a luz. Lo que originará que sus planes no marchen de la forma deseada.

CRÍTICA

Con permiso de William Shakespeare se puede decir que Charles Dickens es el novelista inglés más famoso, y sus obras son clásicos que han ido pasando de generación en generación, y que han tenido multitud de adaptaciones en todo tipo de medios (como es el cine) Aunque las más conocidas por la mayoría son David Copperfield, Oliver Twist y, sobretodo, Cuento de Navidad, otro de los grandes títulos de Dickens es Grandes esperanzas, que también ha tenido varias versiones siendo la más reciente la de 1998 dirigida por Alfonso Cuarón y con Ethan Hawke, Robert de Niro y Gwyneth Paltrow en los principales papeles, aunque ambientada en la actualidad.

Ahora nos llega esta nueva visión de la inmortal obra, adaptada en su tiempo original y con Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter como cabezas de cartel en un film dirigido por Mike Newell (responsable de títulos tan variados como Cuatro bodas y un funeral, Donnie Brasco, La sonrisa de Mona Lisa, Harry Potter y el cáliz de fuego o Prince of Persia: Las arenas del tiempo entre otros ejemplos) El mismo nos ofrece una versión clásica de la historia a todos los niveles, pecando quizás de un exceso de corrección y buenos modales, hasta el punto de que lo que tendría que emocionar no lo hace (por culpa quizás de una pareja protagonista demasiado sosa) dejando un resultado final correcto, concreto y entretenido como lo puede ser cualquier serie de época de la BBC (que, ¡mira tú por donde!, son productores de este film) pero sin hacerlo destacable.

Los actores más conocidos del reparto serían los únicos que pueden salvar la función (aparte de los antes citados mención también para Robbie Coltrane), pero sus papeles secundarios los hacen brillar de manera intermitente, si bien en el caso de Helena Bonham Carter es muy facil imaginársela en su rol de desequilibrada (personaje que le viene como anillo al dedo) si bien su actuación es más contenida de lo que uno podría imaginarse. El "relativo" problema radica no sólo en ser una versión quizás demasiado "británica y formal", con toda la corrección y el protocolo que uno presupone de ello (detalles como vestuario, maquillaje o ambientación estan bien logrados, algo usual en films así), sino en la lógica comparación que tendrá con las versiones anteriores (algunos clásicos del cine, como la de David Lean de 1946)

Y es que el mayor problema que tiene algo que dice ser nuevo es parecer antiguo (lo cual no significa que malo) que es lo que le ocurre a Newell en su versión de la obra: si adaptas a Dickens tienes que tener actores solventes que le den fuerza y vigor a los diálogos y las profundas emociones que tienen sus originales literarios. En el caso de los jóvenes Jeremy Irvine y Holliday Granger (que tienen a su cargo la pareja protagonista) pecan de una frialdad totalmente contraria a lo que se supone que nos tienen que transmitir (detalle que quedó mejor resuelto en la versión de Cuarón que en esta, por más que aquella fuera moderna) siendo algo patente sobretodo en ella donde no se ve por ninguna parte la supuesta seducción despiadada que ejerce su personaje.

LO MEJOR: Los secundarios Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter y Robbie Coltrane (aunque de manera desigual), así como la lógica (y esperable) corrección en los detalles técnicos (ambientación, vestuario, etc.) para lograr situarnos en el Londres de hace dos siglos.

LO PEOR: Que manejando material como para sacar un gran film se quede solo en entretenido por la fría labor del director (que hace que la palabra "clásico" sea más un defecto que una virtud) y por la sosa e insustancial pareja protagonista.

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LOS MISERABLES, la (tan solo) correcta adaptación del musical con HUGH JACKMAN, RUSSELL CROWE, ANNE HATHAWAY, AMANDA SEYFRIED, SACHA BARON COHEN y HELENA BONHAM CARTER

FICHA TÉCNICA

Título: Los miserables
Título original: Les Misérables
Dirección: Tom Hooper
País: Reino Unido
Año: 2012
Fecha de estreno: 25/12/2012
Duración: 157 min.
Género: Drama, Musical
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Russell Crowe, Hugh Jackman, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne, Dee Bradley Baker, Samantha Barks, Ignacio Guirado
Guión: William Nicholson
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Working Title Films, Cameron Mackintosh Ltd.

SINOPSIS

Francia, a principios del siglo XIX. El prisionero 24.601, de nombre Jean Valjean (Hugh Jackman), sale de la prisión con el objetivo de rehacer su vida y olvidar el pasado. Sin embargo, el impertinente inspector Javert (Russell Crowe) le pisa los talones buscando una excusa que le permita devolverlo a la cárcel. Son tiempos históricos a la par que convulsos: el telón de fondo es la rebelión de junio que tuvo lugar en París en el año 1832, el punto culminante de un lustro marcado por el hambre, la pobreza y la muerte.

CRÍTICA

Con un reparto como el que tiene este film llamarán sin duda la atención de muchos espectadores, y si además adapta una obra clásica como la de Victor Hugo más todavía, pese a las varias adaptaciones que ya he tenido la misma, siendo la de 1998 la más reciente. Pero hay que avisar que esta versión tiene algo nuevo y es que es MUSICAL, algo que recalco en mayúsculas porque salvo unos pocos diálogos entre según que escenas, TODO el film va sucediendo de canción en canción, en una jugada parecida a la que hizo Tim Burton cuando realizó su adaptación de Sweeney Todd. Aunque parezca una tontería hay que avisarlo, porque el público general, si no se les informa de manera correcta pueden pensarse otra cosa (como por ejemplo los que la pasada temporada descubrieron que The artist era muda) cosa que la publicidad prevía que he visto de nuevo ignora.

Una vez mencionado esto hay que decir que no tenía yo en mente la historia de Los Miserables (al menos por lo visto en la versión del 98) cosa que varió a medida que avanzaba el relato y me fuí recordando de la misma, la cual me gustó bastante en su esquema básico de héroe perseguido por la justicia pero siendo en el fondo honrado (en esencia, y con sus variantes, lo mismo que la película El fugitivo, de la que siempre he sido rendido fan y defensor). Me imagino, tanto en esta como en todas las anteriores, la síntesis lógica que ha debido de tener una obra que en origen tiene más de un millar de páginas, pero si a ello sumamos en este caso el tema musical, entiendo que para muchos ha de resultar cansino el seguir una historia de más de dos horas y media de metraje en la que los diálogos son breves islas dentro de un oceano cantarín de principio a fin.

Aclarados los puntos previos hay que decir que el reparto lo hace realmente muy bien, destacando un Hugh Jackman que demuestra sus grandes dotes de artista para todo lo que le echen, sin desmerecer a una Anne Hathaway que transmite todo el desgarro emocional de su personaje. No me olvido de Amanda Seyfried (que ya demostró su dulce tono musical en Mamma Mia) ni la pareja formada por Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter (ambos ya coincidieron en la musical versión que hizo Tim Burton de Sweeney Todd) pero la sorpresa me la he llevado con un Russell Crowe que aunque sin duda es el más flojo de todos (supongo que por la nula experiencia previa) no me desentona en su papel, que se esfuerza en llevar de la mejor manera posible.

¿Cual es entonces el problema que tiene esta nueva versión de Los Miserables? El mismo que padece una gran parte del cine actual: la dilatación temporal excesiva. Es cierto que una obra cumbre como es la de Victor Hugo daría quizás para una película tan larga como Lo que el viento se llevó, pero al estar aqui centrada en su versión musical hay demasiados momentos en que las canciones que tendrían que servir para hacer avanzar la historia no hacen otra cosa nada más que recalcarte lo que ya estas viendo en unos excesivos primeros planos. Si el inicio con Anne Hathaway funciona a las mil maravillas es porque en apenas 40 minutos nos muestra al personaje, nos lo describe y cumple su función, sin alargar la acción; lo cual resulta más evidente al ver la falta de ritmo que tiene la película desde ese punto hasta el final, resultando en algunos momentos cansina (lo que demuestra que lo que funciona en teatro no tiene porque funcionar igual en cine)

Con un estreno navideño tanto por estas tierras como en Estados Unidos está clara la ambición hacía los próximos Oscars que tiene este film a cargo de un director (Tom Hooper) ya premiado por El discurso del rey, por lo que uno no tiene queja de los decorados, vestuario y ambientación general de la obra, los cuales no me extrañaría que fueron nominados (y puede que incluso premiados) Pero lo malo de una película como Los miserables es que con los medios que tiene, el resultado no pase más allá de la simple corrección, lo que decepciona a aquellos que quizás esperen la adaptación definitiva (o el musical definitivo) cosa que desde luego esto no es debido en parte a la grandilocuencia con la que el director nos ofrece algo que sólo él cree que roza la excelencia (y que no es así)

LO MEJOR: El reparto en general, con menciones especiales a un polivalente Hugh Jackman y a una Anne Hathaway que tendría que tener nominación a la mejor secundaria si estamos en un mundo justo. Tambien, como no, todo el apartado técnico relacionado con la adaptación (decorados, vestuario, etc.)

LO PEOR: El director peca de grandilocuencia queriéndonos meter como excelente algo que no lo es (sin desmerecer para nada el correcto resultado final)

EL MOMENTO: La canción I dreamed a dream a cargo de Anne Hathaway. Ahi la película si consigue la excelencia que pretende.

SOMBRAS TENEBROSAS (DARK SHADOWS) de TIM BURTON

FICHA TÉCNICA

Título: Sombras tenebrosas (Dark Shadows)
Título original: Dark Shadows
Dirección: Tim Burton
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 11/05/2012
Duración: 113 min.
Género: Thriller, Intriga, Terror
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Johnny Depp, Eva Green, Michelle Pfeiffer, Jonny Lee Miller, Chloe Moretz, Gulliver McGrath, Helena Bonham Carter, Jackie Earle Haley, Bella Heathcote, Christopher Lee Guión: Seth Grahame-Smith
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Dan Curtis Productions, Village Roadshow Pictures, Zanuck Company, The, Tim Burton Productions, GK Films, Infinitum Nihil

SINOPSIS 

En el año 1752, Joshua y Naomi Collins, con su jovencito hijo Barnabás, zarpan de Liverpool para iniciar una nueva vida en América. Pero incluso un océano no es suficiente para escapar de la misteriosa maldición que ha caído sobre su familia.

Pasan dos décadas y Barnabás (Johnny Depp) tiene el mundo a sus pies, o por lo menos la ciudad de Collinsport, Maine. Barnabás, el amo de Collinwood Manor, es rico, poderoso y un mujeriego impenitente... hasta que comete el grave error de romperle el corazón a Angelique Bouchard (Eva Green).

Angelique, una bruja en toda regla, le condena a un destino peor que la muerte: le convierte en vampiro y le entierra vivo. Dos siglos después, Barnabas sale de su tumba y emerge en 1972 en un mundo muy distinto del que conocía...

CRÍTICA

El nuevo trabajo como director de Tim Burton, de nuevo acompañado por su actor fetiche Johnny Depp, se trata del remake de una serie de televisión de los años 60, de la que desconocía por completo su existencia. Todo ello lo hace rodeado de un llamativo plantel de actores donde tenemos muchos nombres conocidos, Chloe Moretz (uno de las nuevas estrellas de Hollywood vista en Kick-Ass), Jackie Earle Haley (el Rorschach de Watchmen), Jonny Lee Miller (visto en la quinta temporada de Dexter como Jordan Chase, y que será Sherlock Holmes en una nueva serie de televisión), Michelle Pfeiffer (una preciosa mujer y gran actriz, que coincide de nuevo con el director que la hizo ser Catwoman en Batman vuelve), Helena Bonham Carter (pareja en la vida real de Burton, y que este siempre ha hecho salir en sus películas más recientes), Eva Green (todo sensualidad y picardía, como ya demostró en Casino Royale) o el antes citado Johnny Depp (presente en mucha de la filmografía del director)

Viniendo de Tim Burton uno se imaginaba una película con la estética habitual que el director le ha dado a sus films, y con el argumento de la película uno más bien pensaba en algo parecido a la Familia Addams pero en plan más oscuro (algo así como Sleepy Hollow), quizás no tan vodevilesco como ha sido el resultado final. Porque si, hay que reconocerlo: Sombras Tenebrosas es una película entretenida, con momentos puntuales de una gran belleza, pero también con claros altibajos y con quizás demasiado folletín, total para luego concentrarse en unos personajes, dejando a los otros descolgados hasta que tengan su momento puntual destacado (caso de Chloe Moretz, que parece aburrida cada vez que aparece hasta un final donde se descubre algo de ella cuya importancia no dura más de 5 minutos) y eso si lo tienen (¿que pinta el personaje de Jonny Lee Miller? lo digo porque no me recuerdo de ninguna escena esencial donde intervenga)

Que el protagonista de la historia sea un vampiro es uno de los detalles más novedosos dentro de la filmografía de su director, que hasta ahora no recuerdo que haya tocado esa variante del género en ninguna de sus películas anteriores. Pese a ello el habitual exceso del director se nota en un Johnny Depp que parece más cercano al universo Bitelchus que no al más dramático de Eduardo Manostijeras (por más que su personaje intenta ser lo segundo pero con el aire grotesco de lo primero) Vale que a lo mejor el querer optar por la comedía (muy ligera, tampoco espereis reiros a mansalva) es el motivo de disfrazar al protagonista de una especie de émulo del difunto Michael Jackson de hace 200 años, pero Barnabás Collins solo consigue destacar en el prólogo antes de los títulos de crédito (todo un modelo de la concisión y excelencia de la que hace gala Burton cuando quiere) así como luego en momentos puntuales del relato (su encuentro con la comuna hippy, o su búsqueda de un sitio donde dormir)

Pero si antes citaba algunos personajes de la película sin mucha trascendencia y/o importancia (algo extensible al mayordomo encarnado por Jackie Earle Haley o la sosa de la niñera) el otro canto de la moneda sería Eva Green, sin duda alguna lo mejor de la película, comiéndose a todo el reparto que hay en escena cada vez que su personaje aparece. Su malvada bruja sexy es tan vitalista, fuerte, poderosa y enérgica que al final uno tiene la extraña sensación de estar más a favor de ella que de parte de una familia (los Collins) que si querían ser una variante cómica como las familias Addams o Monster desde luego hay que reconocer que se queda por el camino, quizás por un argumento que deja cojos a muchos personajes, decantándose descaradamente por otros, lo que nos lleva a un resultado final que se queda en tierra de nadie, sin ser ni lo peor ni lo mejor de su director.

LO MEJOR: Eva Green (siendo la villana su personaje es el que da chispa a unos personajes carentes de ella) y Johnny Depp (si bien lo suyo son momentos puntuales) más el habitual toque visual que el director suele dar a sus proyectos.

LO PEOR: Que con el reparto que tiene muchos de los personajes queden descolgados de la trama principal. 

ALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS de TIM BURTON

FICHA TÉCNICA

Título: Alicia en el País de las Maravillas
Título original: Alice in Wonderland
Dirección: Tim Burton
País: Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 16/04/2010
Duración: 108 min.
Género: Familiar, Aventuras, Fantástico
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway, Michael Sheen, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Christopher Lee, Stephen Fry, Crispin Glover, Timothy Spall
Guión: Linda Woolverton
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Pictures, Zanuck Company, The, Tim Burton Productions, Team Todd, Tim Burton Animation Co.

SINOPSIS

Alicia (Mia Wasikowska) encuentra por casualidad la entrada a un mundo de fantasía en el que, sin embargo, también hay sitio para la oscuridad. En este País de las Maravillas, Alicia conocerá a personajes variopintos como el Sombrerero Loco (Johnny Depp), la Reina Blanca (Anne Hathaway), la Reina Roja (Helena Bonham Carter) o los gemelos Tweedledee y Tweedledum (Matt Lucas). Es la historia clásica, sí, pero con una particularidad... Y es que Alicia ya ha estado allí antes.

CRÍTICA

Antes de comenzar mi comentario lo primero sería agradecer a los responsables de la sala Imax de Barcelona que hayan estrenado este film, y es que desde el 2004 que no iba a ese cine (y entonces fue para ver en Imax la película Harry Potter y el prisionero de Azkaban). ¿Porqué tardé tanto en volver? Los que lo conozcan sabrán que se ha dedicado primordialmente al género documental, estrenando muy pocas películas comerciales (Polar Express sería otra que pasó por esa sala, si bien no la ví hasta su estreno televisivo). Pero vuelvo a preguntarme, con TANTOS estrenos que ha habido en los últimos años con versión Imax, ¿PORQUE NO HAN ESTRENADO NINGUNO? Sólo del género de superhéroes estoy hablando de al menos una docena de títulos (las entregas 2 y 3 de Spiderman, los dos Batman de Christopher Nolan, etc.) Y conmigo hubieran contado. Pero al final todo fue a circuitos comerciales.

Ignoro el motivo de que se hayan decidido por la Alicia de Tim Burton, si bien supongo que es por su temática infantil (no en vano los pocos títulos que se han visto en la citada sala han sido de ese género) pero me sorprende que no pusieran la reciente Avatar de James Cameron, cuando ese SI se puede señalar como un punto y aparte en el cine entendiéndolo como espectáculo visual. La cuestión es que yo he ido a verla y tengo que reconocer que el formato 3D que he visto con Alicia es EL MISMO que he visto en salas convencionales, con lo cual parece que la particularidad que tenía ese cine pierde parte de su novedad al ser algo más común en los últimos tiempos. Pero queda lo otro, y es que, ¿cuantas veces se puede ver una película en una pantalla del tamaño de un edificio de siete pisos? La espectacularidad de tal visión es algo digno de verse, y sin duda alguna que ese es un formato llevado a su máxima expresión y (como yo lo defino) ir a un Imax es ir a un TEMPLO DEL CINE.

Otra de mis dudas era a nivel personal el citado formato 3D. Me explico, cuando ví la de Harry Potter en 2004 era en formato Imax pero sin 3D, siendo un documental sobre dinosaurios el último (y único) que había visto en ese formato, en el ya bastante lejano 1999. Lo recordaba como una experiencia sensitiva realmente asombrosa, hasta el punto de que parecía que tuvieras a los bichos resoplándote en la oreja... pero siendo el mismo 3D la sensación con Alicia, como he citado más arriba, ha sido la misma que viéndola en una sala 3D de las habituales (salvo por lo espectacular de la pantalla). Cuando el pasado verano ví el avance de Avatar me dió más sensación de 3D, lo cual me ha llevado a la conclusión de que James Cameron tiene toda la razón cuando defiende su obra por delante de otras que se han apuntado al mismo formato, y es que el mencionado efecto en Avatar me fue más destacado que en ningún título previo, lo cual se puede explicar porque el film se rodó en ese formato, a diferencia de otros títulos, como sin ir más lejos esta Alicia de Tim Burton, a los que se añadió el efecto 3D en post-producción.

Lo del 3D a nivel personal lo cito porque yo tengo en la vista miopia y astigmatismo, entonces no sé si puede influenciar o no pero el supuesto efecto de ver como si las cosas se salieran de la pantalla sólo lo capto en momentos puntuales (lo típico en objetos que van hacia la cámara y todo eso). Eso es lo que me ha pasado con Alicia, lejos del 3D más visible y disfrutable del Avatar de James Cameron, si bien se nota en el film de Tim Burton en los momentos de acción más álgidos. Pero fuera de tecnicismos varios la cuestión sería si esta nueva versión de la obra de Lewis Carroll merece la pena o no, y la respuesta sería... depende. ¿Y de qué depende? Los seguidores de la obra de Tim Burton esperarán el típico universo visual tan específico de sus películas, algo que sin duda alguna obtendran, pero lejos de giros más adultos, lo que encontrarán es un guión infantil (algo no necesariamente negativo, si bien no al gusto de todos) lo que repercute en una película ambigua, que si bien a nivel visual es todo un portento, a nivel argumental merece un simple correcto como valoración general.

Insisto en que lo citado es algo que el espectador tiene que ir predispuesto a encontrarse, ya que no en vano la productora es la Disney y esta película se podría considerar como una secuela de la obra de animación del mismo estudio que si adaptó la historia original de Lewis Carroll. Aquí, por tanto, lo que nos encontramos es una visita al universo visual de su director pasado por el tamiz argumental de la productora, lo cual nos da como resultado una obra que si bien es un éxito de taquilla (cuando salí que asistí a la segunda sesión, para la tercera había una cola que llegaba hasta el cercano Aquarium) no se puede considerar más que un trabajo alimenticio para Burton, a la espera de que lleve a cabo la adaptación de su original Frankenweenie, en un caso parecido al de Spielberg en 1993 (donde primero hizo Parque Jurásico para conquistar la taquilla para después tener via libre para La lista de Schindler y conseguir el prestigio).

De esta Alicia sin duda alguna destacan los desatados Johnny Depp y Helena Bonham-Carter, que como el Sombrerero Loco y la Reina Roja tienen algunos de los momentos más hilarantes del metraje (también muy ajustado a unos correctos 108 minutos) Pese a ello en algunos momentos se roza la sobreactuación en ambos casos, lo cual sirve de contrapunto a una bastante sosa Alicia, que pulula por la historia simplemente dejándose llevar por los acontecimientos (sólo al final se anima un poco y parece por fin tomar el destino de su vida). Del resto del reparto (por ejemplo Anne Hathaway) poco que decir ya que sus personajes se ven absorbidos por el impresionante mundo en el que se mueven, siendo sus presencias simplemente correctas cuando no testimoniales (si bien ninguna despreciable). Pero insisto en asumir esta película como espectáculo visual, algo que se consigue con la gran cantidad de criaturas y paisajes de los que se puede disfrutar (pese a que algunos tengan parecidos, o eso me pareció a mi, con los vistos en la saga del Señor de los Anillos) La lástima es que con un estilo que podría haber conseguido los mismos resultados de Pesadilla antes de Navidad (film de la Disney, de Burton (como productor) e infantil) la cosa acabe simplemente entretenida pero lejos de los grandes clásicos con los que nos ha deleitado su director en su trayectoria profesional (por citar un ejemplo Eduardo Manostijeras).

LO MEJOR: Verla en formato Imax 3D es una experiencia orgiástica. Y si te gusta el universo visual de Tim Burton, pues más que más.

LO PEOR: Es infantil (no en vano la produce la Disney)

TERMINATOR SALVATION de McG

FICHA TÉCNICA

Título: Terminator Salvation
Título original: Terminator Salvation
Dirección: McG
País: Reino Unido, Estados Unidos, Alemania
Año: 2009
Fecha de estreno: 05/06/2009
Duración: 105 min.
Género: Thriller, Aventuras, Acción, Ciencia ficción
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Christian Bale, Sam Worthington, Anton Yelchin, Moon Bloodgood, Bryce Dallas Howard, Common, Jane Alexander, Helena Bonham Carter, Jadagrace, Roland Kickinger
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Intermedia Films, Halcyon Company, The, IMF Internationale Medien und Film GmbH & Co. Produktions KG, Lin Pictures, T Asset Acquisition Company

SINOPSIS

Año 2018. John Connor ha sido el elegido para liberar la lucha de los humanos contra las máquinas. Sin embargo, el futuro que estaba previsto para Connor es modificado cuando aparece en escena Marcus Wright, un extraño cuyo último recuerdo es estar en el corredor de la muerte. Ambos deberán unir sus fuerzas para realizar un último ataque a Skynet que les llevará al corazón del centro de operaciones del cerebro de las máquinas mientras Skynet prepara su ataque definitivo.

CRÍTICA

Mis expectativas ante este film estaban por los suelos. No es para menos porque tras dos primeras entregas realmente destacables (más la primera que la segunda, que parece un simple remake con más medios del título precedente) vino una innecesaria tercera parte que aunque a mi me pareció entretenida, saltaba a la vista lo intrascendente que era al repetir una vez más el mismo esquema argumental de las dos películas precedentes (lo más destacable que dejó era el final, donde por fin veiamos el Día del Juicio). Ante la idea de una cuarta película de la saga valoré la necesidad de la misma (a priori ninguna), máxime si el responsable iba a ser McG, autor de las dos horripilantes películas de Los Ángeles de Charlie. Pero la cosa empezó a prometer cuando se empezó a rellenar con un reparto como mínimo solvente, y que garantizaba algún elemento llamativo al resultado final. Y tras multitud de imágenes y videos promocionales previos a su estreno, por fin ha llegado a la cartelera... y tengo que reconocer que me ha entretenido más de lo que esperaba.

Es bien sabido el revival actual que hay de veteranas franquicias de todo tipo y condición (ha habido o habrá nuevas películas de personajes como Rambo, Rocky, Indiana Jones, Alien, Depredador, Hannibal Lecter, Jungla de Cristal,...) En algunos de estos retornos el resultado ha sido lamentable (la unión de bichos de Alien vs.Predator) y en otros la película ha tenido opiniones contrastadas (por ejemplo Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal) pero si por una cosa se han caracterizado en su mayoria es por contar con el actor bajo cuyos rasgos el personaje en cuestión se ha hecho emblemático (Bruce Willis como John McClane, Harrison Ford como el citado Indy, Stallone como Rambo y Rocky) Mucho ojo porque eso parece un detalle sin importancia pero en ocasiones se convierte en principal (citar por ejemplo el fracaso de Hannibal: El origen del mal al presentar a un Hannibal Lecter bajo otros rasgos que no eran los de Anthony Hopkins, su mítico intérprete). ¿Como enfocas, entonces, una película de Terminator sin el rostro de Arnold Schwarzenegger?

Dicha pregunta se responde, logicamente, con un nuevo inicio. Si la anterior trilogia contaba lo acontecido antes del Día del Juicio, esta nueva trilogia que planean (otra cosa es que la taquilla les acompañe) se situa ya en el futuro post-apocalíptico posterior. Y el resultado, al menos sobre papel, está muy conseguido, ya que por fin se muestra lo apenas visualizado en los films previos, ese futuro donde las máquinas tomaban el control. Lo que pasa que a estas alturas ya no sorprende, porque lo que en 1984 (el año del primer film) era un elemento hasta cierto punto novedoso, 25 años después es un recurso que se ha visto en multitud de films. A ello no ayudan detalles como la recolecta de personas que hacen los terminators (que recuerda al poder sobre los humanos de las máquinas de la saga Matrix) o la variedad de robots (acuáticos, en forma de motocicleta o el gigantesco de la escena de la gasolinera ya vista en los trailers previos) que parecen simples variaciones para vender más juguetes o hacer recordar (mal que le pese al Sr.McG) a los Transformers de Michael Bay, donde estamos más acostumbrados a ver variedad de formas y tipos robóticos.

De todas maneras hay que reconocer que el Sr.McG sabe realizar films de acción, porque si por algo se caracteriza esta pelicula es por eso (no al nivel del maestro James Cameron, pero si al menos de una manera resultona y sin provocar vergüenza ajena). Sin apenas dar descanso al espectador asistimos a todo tipo de persecuciones y enfrentamientos entre robots y humanos; es cierto que algunos de ellos son realmente prescindibles (lo de las moto-terminator parece más un ejemplo de decir "¡oh, fijate que cosa más molona!" que porque ese tipo de robots cumpla una necesidad imprescindible) pero dentro del contexto de la película la cosa, en su apartado visual, convence. Lo que pasa que, ¿y en el artístico? Pues la verdad, ahi la cosa recibiría un aprobadillo justo: es cierto que el reparto es el más llamativo con el que ha contado la saga hasta la fecha, pero lo que NO es McG es director de actores, notándose mucho en unos personajes que nunca acaban de tener un empaque para el espectador como si obtuvieron en las dos primeras películas los protagonistas de las mismas (incluso pese a la importancia de John Connor en la saga, este film se podría considerar protagonizado por Marcus Wright, personaje al que se le da más importancia que al que por lógica pensaría uno que es el protagonista del film) Eso no me importa, ya que sirve para descubrirme a un actor como Sam Worthington, del que parece que oiremos hablar bastante al estar su nombre ligado al nuevo film de James Cameron (Avatar) y al remake de Furia de titanes. Y es que sin duda alguna su personaje es lo más llamativo del film porque el conocido John Connor queda un poco desdibujado (quizás a la espera de darle más empaque en futuros films) mientras que los personajes femeninos son simplemente anecdóticos (y en ese sentido los englobo a todos, desde Bryce Dallas-Howard como mera esposa sufriente de Connor hasta Moon Bloodgood en un simple papel de relleno o Helena Bonham-Carter en una aparición que se podría considerar tan cameo como el que hace un digitalizado Schwarzenegger en el tramo final de la película). La sorpresa del reparto me la dió Michael Ironside, en un pequeño papel no muy importante pero que este veterano actor consigue hacer destacar minimamente.

Logicamente ahora os preguntareis, ¿con todo lo citado y te ha gustado? Pues si, probablemente por lo bajas que llevaba yo las expectativas y aunque la película plantee grandes cambios en la saga apenas esbozados en este film (se supone que retomados en futuras secuelas si las hay) el resultado global ofrece lo que tenía que haber sido la tercera película (y no una reiteración sobre un esquema argumental ya visto) todo eso acompañado de los suficientes "fuegos artificiales" como para no aburrir, y todo ello completado con un reparto lo suficientemente bueno como para que esten incluso minimamente correctos en un film del que no se espera que ninguno de ellos haga una interpretación digna de premio sino simplemente para cumplir el expediente. Asimismo hay los suficientes guiños al espectador clásico como para que este quede contento (aparte del citado cameo de Schwarzenegger se dicen frases míticas de la franquicia como "Volveré" o "Ven conmigo si quieres vivir") y en reglas generales se convierte y es el típico producto de acción que uno podía esperar, sin que de la vergüenza ajena que daban los citados Ángeles de Charlie de McG, pero sin conseguir los meritorios resultados obtenidos por James Cameron en las dos primeras películas, sin duda alguna las mejores de toda la franquicia. Pero pese a ello reitero que Terminator Salvation es para mi superior en resultados globales a Terminator 3 e incluso tiene más acción que la que caracterizó a la ahora cancelada serie Las crónicas de Sarah Connor.

LO MEJOR: Entretiene, no aburre y si uno espera encontrar algo del estilo de los aborrecibles Ángeles de Charlie orquestados por su director, se encontrará por contra un espectáculo de acción y entretenimiento que como mínimo no defrauda.

LO PEOR: El guión no acompaña al apartado visual, consiguiendo resultados muy inferiores al de los dos films de James Cameron, si bien superiores a los de la reiterativa tercera entrega así como a los de la recientemente cancelada serie de televisión.

Helena Bonham Carter también se anima contra los Terminators

Helena Bonham Carter, actual esposa del director Tim Burton y vista en películas como Frankenstein de Kenneth Brannagh o Sweeney Todd con Johnny Depp, se encuentra en negociaciones para interpretar un pequeño pero determinante papel en Terminator Salvation The Future Begins, cuarta entrega de la famosa franquicia iniciada por James Cameron y que ahora (bajo la dirección de McG) ya cuenta en su reparto con Christian Bale, Bryce Dallas Howard, Moon Bloodgood, Sam Worthington, Anton Yelchin y Common.

Fuente: Coming Soon

SWEENEY TODD, EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET

FICHA TÉCNICA

Título: SWEENEY TODD
Título original: Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
Dirección: Tim Burton
País: Estados Unidos, Reino Unido
Año: 2007
Duración: 116 min.
Género: Musical
Reparto: Alan Rickman, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Timothy Spall, Sacha Baron Cohen, Jamie Campbell Bower, Laura Michelle Kelly, Jayne Wisener, Ed Sanders
Guión: John Logan
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros Pictures, DreamWorks Pictures SKG, Film IT, Parkes/MacDonald Productions, The Zanuck Company
Director de fotografía: Dariusz Wolski
Diseño de Producción: Dante Ferretti
Montaje: Chris Lebenzon
Música: Stephen Sondheim
Productor: John Logan, Katterli Frauenfelder, Laurie MacDonald, Richard D. Zanuck, Walter F. Parkes
Productor asociado: Derek Frey
Productor ejecutivo: Patrick McCormick
Vestuario: Colleen Atwood

SINOPSIS

Adoptando el disfraz de Sweeney Todd, Barker regresa a su antigua barbería encima del local de empanadas de carne de la Sra. Lovett, y fija sus miras en el juez Turpin que, con la ayuda de su vil secuaz Beadle Bamford, le mandaron lejos con una acusación falsa y así poder robarle a su esposa, Lucy, y a su hija bebé. La Sra. Lovett le cuenta a Todd que su mujer se suicidó con veneno después de que el juez Turpin se aprovechara de ella. Pero cuando un barbero rival, el flamante italiano Pirelli , amenaza con descubrir la verdadera identidad de Sweeney, Todd le mata cortándole la garganta. Al no saber qué hacer con el cuerpo, la Sra. Lovett ve esta circunstancia como una potencial solución para su debilitado negocio y sugiere usar la carne humana para el relleno de sus empanadas de carne. Sweeney descubre que el juez ha volcado todo su cariño hacia Johanna, la ya adolescente hija de Sweeney, la cual está ahora bajo la tutela de Turpin. Prisionera en su casa, un día Anthony, el joven marinero que rescató a Sweeney del mar, se fija en Johanna. Perdidamente enamorado, Anthony jura rescatar a Johanna y casarse con ella. Mientras tanto, las empanadas de carne de la Sra. Lovett pronto se convierten en la comidilla de Londres, y mientras su negocio florece, sueña con una vida respetable junto al lado del mar junto a Sweeney como su marido y con el ex ayudante de Pirelli, Toby ahora a su cargo, y también con su hijo adoptado. Pero Sweeney solo tiene en mente la venganza en detrimento de cualquiera o de cualquier otra cosa.

CRÍTICA

Cuando se estrenó esta película en USA las pasadas Navidades pensé que era una más que clara favorita para hacerse con una buena cantidad de nominaciones a los Oscars de este año (estos galardones siempre suelen tirar hacia los musicales), donde quizás por fin Tim Burton vería recompensada su carrera con un premio (teniendo en cuenta que la otra que veía yo como gran favorita era No es pais para viejos). Pero me sorprendió al enterarme de que el film de Tim Burton se quedaba sólo con tres míseras nominaciones (eso si, todas merecidísimas: mejor actor (Johnny Depp), mejor dirección artística (decorados y ambientación) y mejor vestuario).

Pues tengo que aclarar que una vez vista la película encuentro lógico dicho resultado. Y no porque Sweeney Todd me parezca una mala película, más bien al contrario. El problema está en que pese a que yo no tengo nada contra los musicales (aunque tampoco sea un género que me apasione) si reconozco que la adaptación cinematográfica realizada por Tim Burton de la obra de Stephen Sondheim se hace en momentos cansina, debido a un abuso de canciones (en los títulos de crédito conté unas 25 o 26). Ya sé que estamos hablando de la adaptación de un musical y que, por tanto, música tiene que tener, pero el problema está en que también estamos hablando de géneros diferentes, y una cosa es una historia que como musical puede funcionar en el escenario de un teatro y otra que esa misma historia funcione en el cine.

Porque el problema de Sweeney Todd viene dado por algunas de esas veintitantas canciones, que no aportan nada al argumento y que perfectamente podian haberse obviado, dándole un ritmo más ágil al film (porque también es verdad que cuando uno ha visto la película y sabe toda la historia... sin duda alguna que para lo que és se podía haber contado en menos tiempo). Aún y por esas no puedo decir que sea un film fallido, ya que las citadas nominaciones a mejores decorados y vestuario se notan y mucho, porque son de lo mejorcito de la película, otorgándole ese tono tan Burtoniano que caracteriza a la película, emparentándola con el resto de filmografía del famoso director. Y es lógico destacar también a Johnny Deep, no sólo por su impresionante actuación como Sweeney Todd, sino por la sorpresa de verlo cantando... Y MUY BIEN (suyas son la mayoría de canciones del film, y sin duda alguna se nota la calidad del actor cuando por ejemplo se comparan sus temas con los de los otros actores, simplemente correctos (musicalmente hablando) en la mayoría de los casos, cosa bien visible en el dueto que tiene con Alan Rickman).

Por eso que, en resumidas cuentas, Sweeney Todd es una película simplemente correcta, que visualmente recuerda al mejor Tim Burton, pero que musicalmente abusa de demasiados temas, no siendo todos necesarios para el buen desarrollo de la historia que tiene que contar, y alargándola al menos más de lo que tenía que haber durado. Para el recuerdo nos deja una ambientación soberbia (que recuerda a Sleepy Hollow, del mismo director) y un Johnny Depp que demuestra ser tan buen cantante como actor. Eso si, no puedo acabar sin citar la engañosa campaña publicitaria que ha tenido el film ya que en los trailers previos que he visto no se veía en ningún momento más que unos pocos minutos musicales, y mucha gente puede ir al cine pensando que es un tipo de película que no es (ya que no todo el mundo tiene paciencia para aguantar musicales en pantalla cinematográfica).

LO MEJOR: Sin duda alguna aquello por lo que ha recibido nominaciones a los Oscar: su actor principal Johnny Depp, su vestuario y su ambientación.

LO PEOR: El abuso de canciones, ya que muchas no son necesarias para hacer avanzar el argumento, alargándolo más de lo necesario.