MATRIX RESURRECTIONS, una parcial decepción (crítica sin spoilers)

Aunque en 1999 se continuó la saga Star Wars con el estreno de La Amenaza fantasma, la primera de sus precuelas tras el parón desde que en 1983 llegara El retorno del Jedi, no consiguió desbancar al merecido éxito que tuvo la película Matrix, ofuscando a la franquicia creada por George Lucas incluso en la temporada de premios de aquel año (4 Oscar para Matrix frente a 0 para el Episodio I de la citada saga galáctica) Tal fue la repercusión que en 2003, apenas cuatro años después de la primera entrega, llegaron sus dos secuelas necesarias para hacerla trilogia, que se estrenaron con pocos meses de diferencia entre si (Matrix Reloaded llegó en la temporada veraniega mientras que Matrix Revolutions lo hizo en la navideña)

Pese a que se generó un buen montón de material complementario a las películas en otros medios como animación, videojuegos, comic, etc. se puede afirmar que la saga quedaba cerrada en la trilogia inicial... hasta ahora. Los (en origen) hermanos Wachowski, que ahora son hermanas, probaron suerte con multitud de proyectos desde su éxito con Matrix, pero ninguno logró el éxito de crítica y público de la película de 1999, por lo que Lana Wachowski (en solitario, sin la colaboración de su hermana Lilly, con quien creó esta emblemática franquicia) se ha embarcado como directora en esta cuarta parte, que bajo el título de Matrix Resurrections se estrena 18 años después de lo que, en un principio, se pensaba que era una trilogia cerrada. ¿Cual ha sido el resultado final? ¿Merece la pena?

Cabe indicar que cuando un pase de prensa es pocas horas previo al estreno de la película puede ser por dos razones: la primera es que no quieren que se desvelen de ninguna manera sus sorpresas, y la segunda (bastante más probable) porque están tan inseguros de como responderá la crítica (aunque eso poco haya importado al público en general, que es al final quien decide) que prefieren no mostrarla hasta el último momento. En el caso de esta Matrix Resurrections estamos ante algo de lo primero (su campaña de promoción no ha sido tan reveladora como la de otros estrenos, lo cual se agradece) y bastante de lo segundo, ya que la jugada realizada por Warner para los citados pases previos me recordó a la llevada a cabo con Batman v Superman: El amanecer de la justicia, que no acabó de convencer a los espectadores ni tampoco gozó del beneplácito de los críticos, pese a sus altas expectativas.

En mi caso tengo que admitir que lo mucho que me gustó la primera entrega de 1999 (que fue la que consiguió un mayor impacto en todos los sentidos) no se trasladó a sus secuelas (que más o menos se me hicieron tan solo entretenidas), y esta cuarta tampoco ha sido una excepción, al intentar pasar por trascendente algo más realizado a la desesperada en busca del éxito perdido (como demuestran sus múltiples referencias a las entregas que la anteceden) Y es una lástima porque el tramo inicial es sin duda el mejor de esta tardía secuela, ya que juega a la metaficción consigo misma de forma bastante atractiva, incluso parodiando su propia existencia (algo que se repite en la insustancial escena tras los títulos de crédito, otro relativo chiste sobre si misma) Hasta en ese "juego" entre ficción y realidad por el que transita se atreve a incluir una acertada referencia a la Alicia de Lewis Carroll en lo referente a la utilidad de los espejos.

Aunque se ha rescatado a la pareja protagonista junto con la mitad de las Wachowski que llevaron a cabo los anteriores films, se ha cometido el fallo de no incluir de nuevo a secundarios tan emblemáticos como Laurence Fishburne o Hugo Weaving, porque ellos también hicieron emblemáticos a sus respectivos personajes, con lo que ponerles ahora otra cara es una justificación muy pueril, ya que nunca acaba de funcionar. Asimismo el Neo de Keanu Reeves parece ser una versión más cansada y cínica de si mismo con el aspecto con el que el actor ha hecho popular a otra saga como es la de John Wick, siendo algo dificil el poder encajarlo aqui. Visualmente tampoco es que sea especialmente innovadora cuando transita por terrenos conocidos, pero he de admitir que tiene sus momentos, como el convincente asedio final (con el duo protagonista escapando en moto), que me recordó en su esencia a La invasión de los ultracuerpos.

EN CONCLUSIÓN esta Matrix Resurrections es un claro ejemplo de búsqueda desesperada de un éxito pretérito, que plantea detalles interesantes e irónicos en su primer tramo, pero que se vuelve demasiado complaciente cuando deriva a terrenos más usuales en esta saga, siendo demasiado dependiente del pasado que la precede. Con detalles que en algunos casos funcionan pero que en otros resultan exasperantes, logicamente el panorama futuro queda abierto por si al final esta cuarta entrega funciona en taquilla, si bien no creo que estén muy convencidos sus responsables, no sólo por lo antes citado de su pase de prensa a pocas horas de su llegada a los cines, sino por el hecho de haber retrasado su estreno para no coincidir con el de Spider-Man no way home, a lo que sumar lo mal que le ha ido en general a Warner su política de estrenos compartidos con HBO Max en esta época pandémica en la que estamos.

=================================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de diciembre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.

GODZILLA VS KONG, un crossover básico (crítica sin spoilers)

Al igual que tanto Marvel y DC tienen sus respectivos universos compartidos en cine (llevados con mayor o menor fortuna) e incluso se intentó uno con los clásicos de terror de la Universal (que nació y murió con La momia), tenemos otro que no ha hecho tanto ruido mediático pero que con este film ya alcanza su cuarta entrega. Se trata del de los monstruos que empezó con Godzilla en 2014, continuo con Kong: La isla calavera en 2017 y prosiguió con Godzilla: rey de los monstruos en 2019, al que se suma ahora la presente Godzilla vs.Kong que sería tan facil de definir como su propio título: la lucha encarnizada entre estos dos bicharracos de proporciones pantagruélicas.

 

Como curiosidad cabe indicar que no es la primera vez que estas dos criaturas se enfrentan, ya que hay una versión previa japonesa de 1962 que no he visto pero que me animo a creer que estaría en el mismo estilo (echando mano a la imaginación ante la falta de recursos técnicos) que las muchas películas de las que ha gozado Godzilla en aquellos años en los que triunfaba el género Kaiju con todo tipo de monstruos gigantescos haciendo de las suyas. Por su parte repiten en el reparto de esta cinta Millie Bobby Brown y Kyle Chandler (ambos vistos en la entrega anterior, Godzilla: rey de los monstruos) y dirige Adam Wingard, responsable de la pésima adaptación del manga Death Note y de la bastante más destacable Tu eres el siguiente.

 

En este tipo de películas lo que uno quiere es ver a los bicharracos, mientras que los humanos pasan a un nivel inferior, y en este caso se cumple dicha premisa de forma muy clara, aunque es justo reconocer que los personajes que pululan por la historia no provocan rechazo (como ocurrió en otros casos) sino más bien indiferencia. Hay sus excepciones, porque en la cruenta confrontación que se establecerá entre ambos titanes hay dos grupos de humanos a favor de uno u otro, siendo a destacar el aficionado a los podcasts interpretado por Brian Tyree Henry en el bando de Godzilla el que por momentos roza lo irritante, mientras que en el sentido contrario está la niña sordomuda interpretada por Kaylee Hottle que logra establecer un cierto poso de empatía hacia el público derivado de su buen entendimiento con Kong. Serían los dos casos más evidentes porque el resto circula por personajes esquemáticos que cumplen su función de rellenar hueco cuando la cámara no enfoca a las criaturas gargantuescas, pero sin lograr ningún tipo de interes por parte de los espectadores hacia lo que les suceda, resultando indiferente si viven o mueren.

 

Por su parte en cuanto a Godzilla y Kong hay que decir que el resultado final es apoteósico y tan bestial como uno podía esperar: ellas son las auténticas estrellas de la función y cumplen con creces su cometido. Pero por aquello de que ambas criaturas tienen un pasado en el que más o menos fueron tolerantes con la humanidad, la duda inicial que tendría uno es pensar porque tienen que enfrentarse, y aunque en principio te lo quieren "vender" como que ambos son machos alfa y por lo tanto no pueden cohabitar juntos (si bien en líneas generales el lagarto sería el "malo" y el simio el "bueno" en la escueta premisa argumental de la que parte), en su tramo final queda claro que estamos ante un esquema de crossover de comic. Con ello me vengo a referir a los típicos team-up de (por ejemplo) Marvel, donde dos personajes antagónicos en principio lucharán entre si hasta darse cuenta de que tienen un enemigo común, momento en el cual unirán fuerzas para derrotarlo. Eso es lo que ocurre en el climax final situado en Hong-Kong, cuyas luces de neón otorgan una estética impactante, en el que la siempre funesta ambición humana asomará con otro clásico del género Kaiju al que vencer.

============================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN CINES: 26 de marzo de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Las dos criaturas principales y todo lo que les rodea, así como un ritmo muy entretenido que consigue mantener el interés del espectador durante casi todo su metraje.
  
• LO PEOR: Los personajes humanos, que con la relativa excepción de los citados en la crítica, causan bastante indiferencia.

ANNABELLE VUELVE A CASA, la tercera o la séptima (no hay spoilers)

En su momento las muy extensas franquicias a las que dió lugar la moda de los asesinos en serie en la gran pantalla derivaron en una paulatina pérdida de valores, que las iba transformando en meros artilugios para tener la susodicha franquicia en curso. Aquellas eran fáciles de detectar porque iban todas numeradas, pero de un tiempo a esta parte hay algunas franquicias que lo han modificado por un título más o menos descriptivo pero bien reconocible por el gran público, siendo el ejemplo más evidente todo el universo generado a raiz de la película The Conjuring (conocida aqui por Expediente Warren), de la cual el presente film sería ya su séptima entrega.

Esta franquicia ha tenido evidentes altibajos, ya que mientras las dos películas "oficiales" han resultado unos muy destacables ejemplos de lo que tendría que ser el cine de terror de buena calidad, en sus spin-offs el aplicar esa misma "fórmula" no ha servido para lograr los mismos resultados, aunque en conjunto son productos correctos respecto a las expectativas por las que fueron creados, pese a que en algunos (como por ejemplo en la reciente La Llorona) justo lo que menos funciona es su forzada relación con el universo creado por la saga principal. De forma afortunada eso no ocurre aqui, en la que sería la tercera cinta relacionada con la muñeca Annabelle (y que completa trilogia antes que la propia franquicia que la vió nacer)

Probablemente lo mejor de esta película esté en el hecho de volver a contar, aunque sea tan solo de una forma secundaria, con los actores principales de esta franquicia: Patrick Wilson y Vera Farmiga, que se vuelven a meter en la piel del matrimonio de demonólogos formado por Ed y Lorraine Warren (que recordemos que existieron en la realidad, ya que justo esta película está dedicada a la memoria de ella, fallecida el presente año) Aunque estén tan solo en el tramo inicial y el final, su presencia resulta muy acertada, ya que la aproximación hacia ellos es como si fuera el reencuentro con unos viejos amigos, funcionando en la idea de conseguir empatizar con el espectador. Pero esta nueva cinta sería ante todo una película bastante femenina, ya que los principales personajes de la misma son la hija pequeña de los Warren (y que ha heredado las mismas percepciones que su madre), a cargo de la joven actriz McKenna Grace, y las adolescentes Mary Ellen y Daniela Rios, la primera como "canguro" de Judy Warren (ante la ausencia temporal de los padres) y la segunda como amiga demasiado curiosa, que debido a un trauma personal que arrastra con la muerte de su padre será quien desatará el poder de la muñeca.

Debuta como director en este film Gary Dauberman, con un resultado bastante mejor de lo esperado siempre teniendo en cuenta el tipo de película que es, notándose también la mano de James Wan, el creador de esta rentable franquicia que aqui ejerce como productor además de haber escrito la historia que sirvió para el guión generado por el propio Dauberman, que sigue como buen "alumno" las enseñanzas de su "maestro", siendo evidente en muchos momentos una planificación y un desarrollo que bien podrian recordar a los vistos en las películas de Expediente Warren. Al igual que en aquellas, esta también está ambientada en la década de los años 70, si bien eso no deja de ser un mero detalle secundario, ya que la mayoría de la acción se desarrolla en la casa de los Warren, o para ser más exactos en su Sala de los artefactos, un sótano en el hogar familiar plagado de todo tipo de objetos relacionados en mayor o menor medida con maldiciones de toda condición, las cuales se desatarán una vez que Annabelle logre escapar de la urna bendecida donde los Warren la han encerrado (un spoiler menor pero predecible, sino no tendriamos película)

La citada muñeca actuaría como una especie de nexo de unión entre el mundo de los vivos y el de los muertos, ya que sirve para que los espíritus canalicen su poder a través de ella. Teniendo en cuenta donde está encerrada (y todo lo que tiene a su alrededor), cuando se libera desata multitud de entes siniestros que se dedican durante toda la película a asustar a sus indefensas víctimas, si bien es justo reconocer que algunos de ellos lo consiguen con más acierto que otros (el del hombre-lobo sería por ejemplo el más fallido) De todas maneras resulta evidente el tipo de película que es, por lo que hay que ser condescendientes y enfocar su visionado como si se recuperase un estilo de terror ya algo añejo, pero que aún puede ser más o menos funcional, donde los personajes encarnados por Madison Iseman y Katie Sarife (los antes citados Mary Ellen y Daniela Rios) sufrirán lo indecible junto a la pequeña Judy Warren (a cargo de la muy acertada McKenna Grace, en un personaje al que vimos en Expediente Warren: El caso Endfeld con los rasgos de la actriz Sterling Jerins) En resumen se puede decir que Annabelle vuelve a casa es, siempre dentro de sus pretensiones, una de las mejores películas surgidas de Expediente Warren, mejorando sin problemas las dos entregas previas protagonizadas por esta siniestra muñeca.

============================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de julio de 2019
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Su estilo y desarrollo, así como lo bien que se aprovecha la Sala de los artefactos, ya vista en anteriores entregas pero que estaba pendiente de ser el foco principal de la acción.
• LO PEOR: Entre todo lo que se desata hay algunas entidades que funcionan mejor que otras, haciendo algo más irregular su ritmo ya que descentran del tono que se pretende lograr.

GODZILLA: REY DE LOS MONSTRUOS (en formato TRIPLE SCREEN X)

Cuando hace cinco años fuí a ver al cine la primera entrega de Godzilla, de la cual esta sería su secuela, la misma no me acabó de convencer. Hablando unos dias antes con una persona de mi intención de ver el presente film cuando tocase, y que el anterior no me había acabado de convencer, me argumentó que para que iba a perder el tiempo viendo algo que lo más probable es que tampoco me gustara. No deja de tener cierta razón en su comentario, pero es que la intención de la productora (Warner) es hacer un universo compartido con monstruos al igual que tiene los de Marvel el suyo (o como la citada Warner lo está intentando con DC y sus superhéroes de comic) Con esa idea en mente en dicho "monstruoverso" ya consta Kong: La Isla Calavera, la cual me convenció mucho más, por lo que insistí con mi idea de ver este título cuando además tuve oportunidad de hacerlo en el nuevo sistema Triple Screen X del que el otro día fuí a su presentación.

Cabe indicar que en un formato como el citado, una película como esta luce ESPECTACULAR, si bien hay que matizar que el efecto de la triple pantalla está previsto para cuando hay alguna escena intensa, siendo el resto usual, lo cual resulta adecuado para diferenciar los momentos más intimistas de aquellos en donde se echa mano de todo el exceso propio de este tipo de films. El problema vendría en que la simpleza implícita en este tipo de obras hace que como mucho su metraje diera para una cinta de entre 90 a 100 minutos, pero mientras que la anterior entrega superaba las dos horas, esta va incluso más alla.

Los 131 minutos de esta Godzilla: rey de los monstruos se hacen pesados por los mismos motivos que en el film de 2014, resulta excesivo dilatar algo que daba como mucho para una duración estandar como la antes citada. El éxito de este tipo de productos en el pasado supongo que iba en proporción a lo que el espectador "disfrutara" viendo la salvaje destrucción orquestada por el bicharraco protagonista más todos aquellos que le acompañaran. Pero eso en la actualidad ha cambiado, porque los efectos especiales ya son algo más que simples maquetas a las que vapulear, por lo que esos apocalipsis (de los cuales ya se han visto de todo tipo y forma: desastres medioambientales, meteoritos o, como aqui, monstruos) se pueden dilatar para recrearse en ellos, lo cual repercute en el ritmo y por tanto en la paciencia del espectador. No seré yo quien se atreva a renegar del género de catástrofes, en el cual bien se podría situar un film asi, pero si me haces 10 minutos que sean impactantes... ¿dicho impacto funcionará igual si lo estiras hasta una hora o más? En mi caso no es así, por lo que después de la espectacularidad inicial el resto se me hizo reinsistente, ya que una vez que ha pasado la primera sorpresa, ya sabes que lo que seguirá será... más de lo mismo.

"¡Pues no vayas a ver películas así!" me diran seguramente algunos, pero es que en esencia títulos como este NO es que sean malos, sino (como he indicado antes) que se hacen pesados, por culpa de dilatar algo que tendría que ser impactante Y QUEDARSE ASÍ para que sorprendiera y permaneciera en la memoria del espectador, en vez de una destrucción que (una vez pasada la sorpresa inicial) se vuelve progresivamente intrascendente y facilmente olvidable, así como acumulable a la de otros productos pantagruélicos que se exceden en lo mismo (y es que estamos hablando de un error demasiado común en cierta cantidad de blockbusters que nos llegan desde Hollywood) Hay que valorar a favor de esta cinta su muy evidente mensaje de lo mal que el ser humano está tratando el planeta, motivo por el cual aparecen no solo la Godzilla protagonista sino otras criaturas gigantescas que comparten universo con ella tales como Rodan, Ghidorah y Mothra, que resultan sin duda las lógicas y verdaderas estrellas de la función, más allá de que en el reparto repitan nombres como David Strathaim o Ken Watanabe, a los que se suman Kyle Chandler, Vera Farmiga, Charles Dance o la joven Millie Bobby Brown, dos de los cuales pronuncian ese ridículo "Larga vida al rey" en referencia a Godzilla en dos momentos concretos.

============================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de junio de 2019
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Adaptar con acierto las preocupaciones ecologistas actuales al kaiju-eiga, películas de monstruos descomunales (que son tambien, en esencia, lo más llamativo del producto final)
• LO PEOR: Siendo el tipo de película que es, dilatar demasiado el metraje con intrascendencias o reiteraciones hace que se resienta, logrando que lo supuestamente impactante se diluya por el abuso de lo espectacular.

BATMAN: LA BROMA ASESINA, la mejorable adaptación de un mítico comic

Alan Moore nunca ha sido amante de las adaptaciones de sus comics, hasta el punto de renegar que salga su nombre en los títulos de crédito de las mismas. Ello se vió en V de Vendetta, en Watchmen y se ve en esta Batman: La broma asesina... aunque más bien se tenía que haber titulado Batgirl: La broma asesina. Pero "vayamos por partes" (como diría Jack el destripador...)

Quien haya leído la obra original sabrá que su escueto tamaño no daba para una película (aunque tampoco El Hobbit daba para tres películas y al final nos las colaron) por lo que, entre las muchas opciones que había, han optado por la menos mala (ya que tampoco buena al 100%): respetar la historia original y "complementarla" para así rellenar más metraje.

El citado "complemento" es un prólogo de media hora donde se desarrolla al personaje de Batgirl y su relación con Batman (el cual no deja de ser más bien un secundario en este film, por eso me refería antes que tenía que tener esta película más bien el nombre de ella que el de él) Pasados esos 30 minutos iniciales nos ofrecen la adaptación de la obra que le da título, quedando luego una escena entre créditos para ver el futuro de Barbara Gordon y su superación personal pese a las secuelas de lo que sufre (intento escribir esta crítica sin spoilers por si hay alguien que no haya leído la obra aqui adaptada)

Esa opción nos deja un notable mediometraje que adapta el comic de Alan Moore y Brian Bolland al que el prólogo inicial le resta méritos, no porque sea malo sino porque parece una historia totalmente diferente (es como meter en el mismo saco una de las mejores historias de Batman junto con alguna otra del mismo personaje sin mucha importancia ni trascendencia) Eso si, se agradece que sus responsables desde su génesis ya tuvieran claro que esta adaptación merecía una clasificación R (no recomendada para menores de 17 años sin un adulto) porque era la única forma de desarrollar La broma asesina de manera fiel a las viñetas, sin infantilizar el resultado final por ser una película de animación.

Cabe citar, sin que tampoco repercuta como spoiler, que el Joker que nos presentan aqui (y lo digo en todos los sentidos, porque los flashbacks sirven para narrarnos su origen) siempre me ha parecido la némesis perfecta de Batman, pero el ambiguo final de La broma asesina (que aqui se respeta, y que cuando leí por primera vez me dejó un tanto dubitativo) puede parecer incongruente a aquellos que se acerquen a esta historia por primera vez (aunque otra característica que se le puede achacar sería la extremada fidelidad al comic que adapta, lo que da poco espacio a las novedades (que más bien sería la media hora inicial... pero que sin ser mala no llega al nivel), y que resta sorpresa a una historia que ya sabemos que derroteros tomará)

En resumidas cuentas esta Batman: La broma asesina es una película entretenida en su conjunto, literal como adaptación pero que no hace honor a la historia que está adaptando debido a la idea de mezclar dos hilos argumentales para conseguir una duración mínima de largometraje, estando a tan diferente nivel uno de otro. Es de agradecer que siendo un título de animación no enfoque al público infantil como su objetivo (de ahi la calificación que he citado más arriba) pero aunque la obra de Alan Moore no se merecía menos, cabe indicar que las "maldades" del Joker fueron censuradas en su origen, ya que las mismas parece que iban un poco más allá de lo que nos mostraron (SPOILER en el link)

=====================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• LA CURIOSIDAD: La clasificación R permite, entre otros detalles, que se toque un tema como el sexo, de manera MUY discreta... pero ahi está.
• LO MEJOR: La adaptación de la obra que le da título, que sería la segunda mitad del film.
• LO PEOR: El prólogo centrado en Batgirl, no porque sea malo sino porque ni de lejos está al nivel de lo que viene después.

¡ESO ES TODO, AMIGOS!: EL UNIVERSO ANIMADO WARNERIANO, CALVIN Y HOBBES PARA PRINCIPIANTES, EL RETORNO DE LA GUERRA DEL RETORNO CONTRAATACA, BUENAS NOCHES DARTH VADER, YO FUI LA ESPIA QUE AMÓ AL COMANDANTE, SUPERMAN/BATMAN: APOCALIPSIS

Pertenezco a una generación que creció con los dibujos animados de la Warner: para mi ya son míticas las andanzas que vivieron sus famosos personajes (Bugs Bunny, el pato Lucas, Speedy Gonzalez, Porky, Silvestre y Piolin, el Coyote y el Correcaminos, etc.) ¿Que tengo que admitir ante un libro como este? Que ha sido una maravilla y todo un notable e histórico periplo el que aqui llevan a cabo los autores, cuya labor titánica convierte a esta obra (¡sin duda!) en la más completa sobre la animación de la Warner, al recopilar absolutamente todo desde su misma génesis hasta las aportaciones más recientes (una del 2015), en un viaje tan riguroso como nostálgico.

A traves de unos capítulos donde la información no está reñida con la diversión, los autores hacen un repaso no solo de los personajes más conocidos de la Warner sino incluso de esos que tuvieron menos éxito (aunque es a los primeros a los que dedica capítulos monográficos a partir de la página 74) Asimismo se da un tremendo repaso histórico a como lo que en inicio nació como cortos para su exhibición cinematográfica (y dirigidos en un primer momento al público adulto, e incluso a los soldados durante la Segunda Guerra Mundial) acabó alcanzando su mayor fama en televisión (entre el público infantil), si bien no es el único medio que tuvieron (se citan también los comics así como parte del abundante merchandising) si bien es patente que fueron exprimidos al máximo, de ahi que con sus continuas reposiciones en televisión haya calado en varias generaciones.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Hablar de Calvin y Hobbes es hablar de una de las mejores tiras de prensa de toda la historia, pese a que duró tan solo una década (de 1985 a 1995) aunque su temática la haga totalmente atemporal. En la misma se narran las andanzas de Calvin (un imaginativo niño de 6 años) y Hobbes (su tigre de peluche, al que él imagina como real, y que tiene una clara personalidad  enérgica, sarcástica y un tanto pomposa) si bien las peripecias del chaval hacen evidente que tiene muchas fantasias con las que se evade del mundo real (ver por ejemplo cuando se ve de piloto espacial porque la clase a la que asiste le aburre soberanamente) Aparte de la pareja protagonista (niño y tigre) hay un elenco de secundarios que sirven para mostrar como Calvin se comporta en casa, en el colegio o en otras situaciones con otros miembros de la sociedad.

¿A que se deben los nombres de este simpatico duo? Parece ser que el del niño proviene de Juan Calvino, teólogo reformista francés del siglo XVI, mientras que el que tiene el tigre debe su origen en Thomas Hobbes, filósofo inglés del siglo XVII. Convertido en un referente de la cultura popular, esta tira de prensa llegó a publicarse en más de 2400 periódicos de todo el mundo (en el momento en que escribo estas líneas, y que me conste, sale en La Vanguardia de Barcelona por poner un ejemplo), y aunque de entrada puede parecer con pocos recursos (muchos verán la sencillez infantil de Peanuts, al considerarlas tan solo las andanzas de un niño) en ellas el autor plasmó multiples referencias y reflexiones que la convierten en un referente de la cultura popular incluso ahora, más de 20 años después de haber finalizado.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

A estas alturas es poco probable que pueda haber alguien en este mundo que no conozca la saga Star Wars, una de las más rentables y famosas de la historia. Entre lo MUCHÍSIMO que ha dado de si he descubierto El retorno de la guerra del retorno contraataca, una secuela (¡lástima que el original no esta en la biblioteca!) que vuelve a ofrecer a los lectores una selección de chistes de Yodablog.net, el blog de Thierry Vivien, su autor, desde que lo inició en 2009. Para todos aquellos (entre los que más o menos me incluyo) que hayan disfrutado con las películas (con algunas más que con otras), este se convierte en un buen complemento que les hará echarse unas risas a cuenta de sus personajes más emblemáticos. De tan rentable saga también he disfrutado (aunque se lee en un santiamén, se nota dirigido a los niños pequeños) Buenas noches Darth Vader de Jeffrey Brown, autor del que he leído sus comics previos (tanto los autobiográficos como los dedicados a los gatos, así como las dos anteriores de Star Wars para Luke y Leia o hace poco Los niños son raros) y que aqui nos ofrece un buen libro para que los más pequeños aprendan la importancia de cuando llega la hora de irse a dormir.

• Para lo primero ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. Para lo segundo ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

Guste más o menos, sin duda es algo evidente que la actriz Jennifer Lawrence es una de las mejores del presente inicio de siglo, por lo que me ha resultado interesante cuando me enteré de que uno de sus futuros próximos proyectos era encarnar a la amante de Fidel Castro. Eso me llevó a interesarme por la autobiografía de Marita Lorenz (que es como se llama) y tengo que reconocer que estamos ante una obra que le viene perfecta a la actriz para conseguir una nueva nominación al Oscar o, ¿quien sabe?, su segunda estatuilla.

Con un ritmo de lectura ágil, y logrando la empatía directa del lector, Marita Lorenz desglosa en apenas 270 páginas una vida que parece digna de una película: de pequeña en un campo de concentración nazi, violada en su infancia, joven amante de Fidel Castro (aunque no sería su único dictador), espia para la CIA y viviendo de primera mano hechos tan trascendentales como el asesinato de Kennedy o el caso Watergate (de hecho ya existe un telefilm de 1999 titulado Mi pequeña asesina, y citado en esta autobiografía, donde el papel de la protagonista estuvo a cargo de Gabrielle Anwar mientras que el encargado de encarnar a Fidel Castro fue Joe Mantegna, si bien se centra tan solo en el periodo de su relación con Castro)

• Ficha técnica por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Con el cada vez más cercano estreno del film Batman v Superman: El amanecer de la justicia decidí probar con el comic Superman/Batman: Apocalipsis y tengo que reconocer que me he entretenido, sumado al interés mio por Supergirl (a raiz de la simpática serie de televisión que protagoniza Melissa Benoist) Y es que el correcto título que tendría que tener este recopilatorio sería el de la prima de Superman, ya que aqui se introduce de nuevo al mencionado personaje, con las consabidas reacciones de Superman (que confia en ella) y Batman (todo lo contrario) Pululan por la historia otros superhéroes y villanos de DC (en cameos y pequeñas apariciones) siendo Wonder Woman la que tendría un papel más determinante.

Con un correcto guión que promete (y ofrece) momentos espectaculares, estos sin duda quedan bien reflejados con el dibujo de Michael Turner. Asimismo el título español se justifica al ser en terrenos de Darkseid donde transcurre parte de la acción. El éxito que tuvo en origen este arco argumental llevó a la realización de una adaptación animada estrenada en 2010 que no he visto, aunque de momento me espero al estreno del film de Zack Snyder, si bien el citado también lo tengo en el catálogo de las bibliotecas.

• Ficha técnica por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

OPERACIÓN U.N.C.L.E., espias clásicos pero desde una óptica moderna

FICHA TÉCNICA

Título: Operación U.N.C.L.E.
Título original: The Man from U.N.C.L.E.
Dirección: Guy Ritchie
País: Estados Unidos
Año: 2015
Fecha de estreno: 14/08/2015
Duración: 116 min
Género: Comedia, Aventuras, Acción
Reparto: Henry Cavill, Armie Hammer, Alicia Vikander, Elizabeth Debicki, Jared Harris, Hugh Grant, Luca Calvani, Christopher Sciueref, David Menkin
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures

SINOPSIS

A principios de la década de los sesenta, el agente de la CIA Napoleón Solo y la espía del KGB Illya Kuryakin participan juntos en una misión contra una misteriosa organización criminal, la cual pretende contribuir a la proliferación de las armas nucleares, un negocio sumamente lucrativo.

CRÍTICA

No me equivoco si afirmo que ya (casi) todas las series de televisión de los años 60 y 70 (y alguna de los 80) han tenido su versión en película, entre las que te puedes encontrar títulos muy famosos (Misión Imposible, El fugitivo, etc.) u otros no tanto, como ocurre con El agente de Cipol, una (vieja) serie de espias de la que reconozco no haber visto nada, por lo que no puedo valorar que tal es como adaptación esta Operación U.N.C.L.E. dirigida por Guy Ritchie, que aqui se da el gusto de narrarnos una aventura de espionaje digna del mismísimo James Bond.

De hecho el Napoleon Solo al que pone cuerpo Henry Cavill (el actual Superman) es también un personaje creado por Ian Fleming (el padre de 007), por lo que viéndolo en el presente film me hizo preguntarme como es que el citado actor no ha sido valorado para sustituir a Daniel Craig cuando deje al personaje (porque visto lo visto lo haría de perlas) y que curioso sería que esta película iniciara una franquicia (el final da para ello) hermana de la ya lóngeva de James Bond (de hecho en algunos momentos parece que el director le haga todo un homenaje al 007 más clásico, puede que para demostrar (siendo inglés) que él también podría ser responsable de un film del famoso agente con licencia para matar)

Ritchie sigue en parte aqui el esquema de sus películas sobre Sherlock Holmes: si en aquellas el famoso detective junto a Watson trabajaban en contra de un enemigo común, eso mismo resulta aqui, con la pareja que forman el citado Napoleon Solo y el agente soviético Illya Kuryakin (al que da vida Armie Hammer, al que muchos recordarán como protagonista de la reciente versión de El llanero solitario) Entre ellos se completa el trio con Alicia Vikander, cuyo aspecto tras sobrepasar el Muro de Berlín parece todo un homenaje a la Audrey Hepburn de aquellos años.

Aunque resulte dificil de creer esa unión entre los dos frentes en el escenario en el que transcurre la acción (plena Guerra Fría), hay que reconocer la química existente entre los dos agentes de la CIA y el KGB, unidos (pese a sus diferencias) en contra de un enemigo común (detalle este que Ritchie deja un poco colgado, ya que el personaje sobre el que recaería ese "honor" queda bastante desdibujado frente al trio protagonista) Junto a ellos hay una cierta tensión sexual no resuelta con Gaby, el personaje de Alicia Vikander, que ofrece una sorpresa hacia la mitad del film para asombro de sus protagonistas masculinos, la cual explica la presencia de Hugh Grant (aqui tan solo un secundario de lujo)

El resultado final de esta Operación U.N.C.L.E. es entretenido, siendo una película con una historia sencilla, dotada de un ritmo ágil, en la que destacan por méritos propios una ambientación muy cuidada (tanto en fotografía como en vestuario o banda sonora) hasta el punto de que no me extrañaría que en esos apartados optará a algún futuro premio. Con este título el 2015 destaca como un buen año en el género de espias, con los aciertos de Kingsman y Misión Imposible 5 (a la espera del estreno a finales de año de Spectre, el nuevo Bond)

LO MEJOR: Su notable ambientación (que en todos sus aspectos resulta muy destacable) y la química que hay entre los tres protagonistas (pese a que en algunos momentos sean meros estereotipos en manos del director)

LO PEOR: Su falta de un villano con más entidad que justificara mejor la unión de ambos bloques (un megalómano al estilo de los de las películas de James Bond; el que hay aqui no llega a eso)

MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA, brutal genialidad desenfrenada

FICHA TÉCNICA

Título: Mad Max: Furia en la carretera
Título original: Mad Max: Fury Road
Dirección: George Miller
País: Estados Unidos, Australia
Año: 2015
Fecha de estreno: 15/05/2015
Duración: 120 min.
Género: Thriller, Aventuras, Acción
Reparto: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Adelaide Clemens, Richard Norton, Zoë Kravitz, Rosie Huntington-Whiteley, Riley Keough, Nathan Jones
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Kennedy Miller Productions, Village Roadshow Pictures

SINOPSIS

Nueva historia apocalíptica de la saga "Mad Max". El desierto ocupa la mayor parte del territorio del planeta y la humanidad ha sido prácticamente aniquilada. Unos pocos habitantes luchan por quedarse con los escasos recursos naturales que permiten la subsistencia. Pero dos rebeldes se resisten a morir en este panorama. Sus nombres son Max y Furiosa (Tom Hardy y Charlize Theron). Y para lograr su objetivo tendrán que cruzar el inmenso desierto, en dirección a la región que les vio nacer.

CRÍTICA

Tengo que admitir que las tres primeras entregas de esta saga las ví hace ya MUCHO tiempo (no en vano la más reciente ya tiene tres décadas) pero el recuerdo que tenía de ellas era de unos films entretenidos y dignos de su época, si bien la tercera se podía considerar la más rocambolesca (pese a la mediática presencia de Tina Turner) Con el consabido cambio generacional que representa en esta película la labor de Tom Hardy heredando la del Mel Gibson original, esta Mad Max 4 opta por intentar recuperar el estilo de los dos primeros films de la franquicia.

Aparte del protagonista, la otra presencia mediática de esta entrega sería la actriz Charlize Theron, que demuestra de nuevo sus dotes actorales, en esta ocasión encarnando a una Furiosa que rompe por completo la imagen de candidez que pueda levantar la citada actriz, y la convierte en todo un gran contrincante con el que batirse frente a lo que sea y quien sea (destacando el combate cuerpo a cuerpo que mantiene con Tom Hardy en el primer encuentro de ambos personajes) Y no hay lugar para perderse: el breve prólogo enseguida nos resume la situación, para aquellos que no vieron en su día las anteriores entregas y no conocen al expeditivo Max Rockatansky, hace tres décadas con el rostro de Mel Gibson.

En un momento en que estan de moda los futuros distópicos juveniles (como Los juegos del hambre, Divergente, etc.), el veterano George Miller (ya tiene 70 años) orquesta aqui un salvaje, extravagante e impresionante espectáculo de acción desenfrenada, donde el Max protagonista es uno de los héroes más lacónicos vistos en los últimos tiempos en pantalla (no me extraña que Tom Hardy se haya ofrecido como Punisher para Marvel porque viendo lo visto sería una elección muy acertada) Como es lógico, esta entrega gana en espectacularidad a las clásicas, ya que ahora con un presupuesto de 100 millones de dólares todo luce espectacular de principio a fin, destacando el genial trabajo de Miller, que sin dudas ni titubeos orquesta un espectáculo delirante (en el buen sentido) digno de directores megalómanos como por ejemplo James Cameron o Peter Jackson.

Entre los personajes, y aparte del duo protagonista, hay que citar también la presencia de Nicholas Hoult, visto en X-Men Primera Generación, donde coincidió con la también aqui presente Zoë Kravitz, a la que también hemos visto en la saga Divergente, y Rosie Huntington-Whiteley, pareja en la vida real del actor Jason Statham y que aqui su papel demuestra incluso unas dotes interpretativas (atentos a su momento de parto en plena secuencia de acción) que uno dudaba que ella tuviera viendo su soso debut en Transformers 3: El lado oscuro de la luna.

Mad Max: furia en la carretera es una película que promete lo que da ya desde su inicio, donde de manera visceral y muy acelerada consigue ponernos en situación de manera rápida, para meternos en faena, con dos horas de estimulante acción desenfrenada, que a base de un estilo implacable y emocionante consigue mantener la atención del espectador, dejándonos al final con una sensación agotadora y aturdidora como si acabásemos de viajar por la más espectacular montaña rusa que imaginemos (me recordó a Terminator 2 en el sentido de ser una película que en si contaba lo mismo que la anterior, pero de manera MUCHO MÁS espectacular, notándose el dinero invertido)

LO MEJOR: No aburre en ningún momento llevándolo todo al más puro exceso (y disfrutando con ello)

LO PEOR: Te deja con las ganas de más.

FOCUS con WILL SMITH: entre estafadores anda el juego

FICHA TÉCNICA

Título: Focus
Título original: Focus
Dirección: John Requa, Glenn Ficarra
País: Estados Unidos
Año: 2015
Fecha de estreno: 27/03/2015
Duración: 105 min.
Género: Criminal, Drama, Comedia
Reparto: Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, Stephanie Honore, BD Wong, Adrian Martinez, Robert Taylor, Kate Adair, Joe Chrest, Dominic Fumusa, Nina Leon, Candice Michele Barley, Griff Furst, Brennan Brown, Juan Minujín
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures

SINOPSIS

Nicky (Will Smith) es un veterano estafador que lo sabe todo acerca de conseguir las mayores ganancias en apuestas deportivas y otro tipo de eventos en el que se pueden saltar las reglas. Un día acoge bajo su ala a la novata Jess (Margot Robbie), quien rápidamente aprende las artes de este oficio. Cuando Jess quiere ir más lejos e intenta echarle el lazo a Nicky, éste desaparece bruscamente de su vida. Tres años después, Jess está en Buenos Aires intentando llevarse la recaudación de una carrera automovilística. Una operación que le podría ayudar a acabar para siempre con su mentor.

CRÍTICA

El presente título sería la nueva película de los responsables de I love you Phillip Morris, que aqui en Focus intentan una jugada parecida (en el sentido de intentar tocar muchos temas sin al final decantarse por ninguno) donde sin duda que lo más destacado, aparte del carismático Will Smith, sería la presencia de Margot Robbie, uno de los mayores aciertos de la película El lobo de Wall Street y a quien veremos como Harley Quinn en la próxima Escuadrón Suicida, título en donde volverá a coincidir con Will Smith.

El problema de Focus es que juega en muchos terrenos, aunque no en todos de manera acertada: si hay buenos momentos como lo que sucede en la grada del estadio de rubgy (que hay que reconocer que funcionan, por lo bien que saben mantener la tensión del momento) el film se desinfla bastante cuando se decanta por el tono romántico, por la nula química entre la pareja protagonista (pese a que en sus roles por separado si funcionen de forma más o menos correcta) lo que provoca una clara disparidad entre las dos partes que conforman el film, funcionando mejor la primera que la segunda.

Y es que hasta que se meten por medio los sentimientos, el personaje de Will Smith convence como experto y hábil ladrón de guante blanco, teniendo algunos momentos de comedia muy acertados, en su estilo habitual (ver la sorpresa inicial ante el supuesto marido, o lo posterior con los camareros); mientras que por su parte la labor de Margot Robbie resulta creíble en su inicial labor de pupila del maestro, demostrando que tras una cara bonita se esconde una interesante actriz (como ya probó en la antes citada El lobo de Wall Street de Scorsese) a la que habrá que seguirle la pista en futuros trabajos.

La película atesora sus mayores aciertos en el tramo inicial, con momentos tan logrados como la labor de estos amigos de lo ajeno en las multitudes de las celebraciones de Nueva Orleans (demostrando ser unos hábiles expertos en la materia) Pero tras el hiato temporal de lo que allí sucede, el tramo en Buenos Aires funciona de manera más intermitente (le falta, por ejemplo, entidad al relativo villano a cargo de Rodrigo Santoro), pese a que la citada ciudad sudamericana (es justo reconocerlo) luce de manera preciosa como destino turístico.

Como simple entretenimiento hay que reconocer que esta Focus cumple con su función, pero debido a que todo gira sobre unos personajes tan amigos del engaño el inesperado giro final (donde nada ni nadie es lo que parece, y da la sensación de que todos engañan a todos) me resultó muy forzado y bastante poco creíble, dando la sensación que han mareado todo el guión y los personajes para luego al final no obtener nada consistente de ello (alguno igual puede achacar que le toman el pelo hasta al espectador)

LO MEJOR: La pareja protagonista POR SEPARADO, ya que él sigue demostrando ese carisma que le llevó al éxito, aqui desde una óptica más madura, mientras que ella demuestra ser no solo una simple cara bonita sino sin duda una actriz a la que habrá que seguirle la pista. También destacaría el tramo inicial, puede que más tópico pero sin duda mejor resuelto que su final.

LO PEOR: Lo olvidable que resulta todo el tramo romántico (no hay ninguna química como pareja amorosa entre Will Smith y Margot Robbie), unido a un final donde se lian tanto las cosas que más de uno puede pensar si no lo toman el pelo hasta al espectador, de lo improbable que resulta tal sucesión de giros argumentales en pos de un forzado final feliz.

EL FRANCOTIRADOR de CLINT EASTWOOD, patriotismo intimista

FICHA TÉCNICA

Título: El francotirador (American Sniper)
Título original: American Sniper
Dirección: Clint Eastwood
País: Estados Unidos
Año: 2015
Fecha de estreno: 20/02/2015
Duración: 132 min.
Género: Acción, Biográfico
Reparto: Bradley Cooper, Sienna Miller, Jake McDorman, Luke Grimes, Kyle Gallner, Navid Negahban, Keir O'Donnell
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros., Amblin Entertainment, Mad Chance, 22 and Indiana Productions

SINOPSIS

Chris Kyle (Bradley Cooper) fue el francotirador más efectivo de la historia del ejército estadounidense. Su puntería fue tan certera que el Pentágono le atribuyó la muerte de 150 insurgentes iraquíes, aunque él siempre defendió que había matado a un centenar más. A 40 de ellos los aniquiló en un solo día. Los enemigos le pusieron el apodo de Satán de Ramudi y valoraron su muerte en 20.000 dólares. Para Kyle, sus víctimas no eran personas: eran amenazas para su país, y por ello se sintió orgulloso de todos y cada uno de sus letales disparos.

CRÍTICA

Con una edad en la que otros ya se habrían retirado, el maestro Clint Eastwood sigue dando guerra y a sus 84 años nos presenta este título, que se ha convertido en su título más taquillero en el mercado norteamericano, superando ya los 300 millones de dólares. Aparte del veterano realizador, el otro que sin duda sale reforzado de este film sería su protagonista (Bradley Cooper) que consigue su tercera nominación consecutiva al Oscar (El Francotirador está nominada también a mejor película, mejor guión adaptado, mejor montaje, mejor sonido y mejores efectos de sonido)

No es la primera vez que Eastwood toca el tema bélico, si bien en el díptico formado por Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima el conflicto citado era la Segunda Guerra Mundial, mientras que lo narrado en este film es la más contemporánea guerra de Irak. Intuyo que el alto espíritu patriótico que tienen los ciudadanos norteamericanos es el que ha propiciado su esplendida recaudación, pero puede que sea un film dificil de vender en territorio internacional. Y es que el género bélico está tan explotado como por ejemplo el western, siendo dificil sorprender al espectador o innovar.

Es norma más o menos usual que las historias que nos narran un conflicto armado tengan cierto tono propagandístico (uno siempre tiende a decantarse más por un bando que otro), pero en este caso que tras las cámaras dirija un maestro como Eastwood hace esperar que esta película sea un relato intimista de esos que tanto le gustan al maestro Clint en su faceta como director, que es al final lo que nos encontramos en este caso (pese a la dura controversia ante un supuesto héroe que facilmente se podría tildar de asesino en serie, con más de un centenar de muertes a sus espaldas)

La labor de Bradley Cooper es digna de mérito, y justifica su nominación al Oscar a mejor actor, ya que a la hora de llevar a pantalla a Chris Kyle refleja sin problemas como es un experto en el campo de batalla (un flashback al inicio del film ya nos muestra que era habil tirador desde pequeño) Pero su adicción al combate le provocará dificultades para integrarse en el mundo real y empatizar con sus seres más allegados, para suplicio de una esposa, a cargo de la actriz Sienna Miller, que le rogará mayor atención tanto a ella como a sus dos hijos (si bien en general su papel resulta al final previsible)

Habrá quien le reproche a Eastwood el lógico tono patriota en un film de estas características, pero a su favor me gustaría justificar que consigue unos 132 minutos de cine muy entretenidos, con algunos momentos en donde maneja la tensión de manera magistral, pese a los evidentes tópicos y arquetipos que suelen derivar en el género bélico (como por ejemplo una vena patriotica siempre presente, pero que Eastwood consigue mantener estable hasta el inicio de los títulos de créditos finales, donde ya se desborda al enlazar con el verdadero Kyle y su destino)

LO MEJOR: La labor de dirección y la interpretación de su protagonista.

LO PEOR: No aporta nada nuevo al género bélico en el que se enmarca.

EL GUIÑO DE COMIC: En un momento entre batallas el protagonista encuentra a un soldado leyendo un comic de Punisher, algo que le recrimina como si fuera algo infantil, respondiendo el soldado que se llama "novela gráfica" y no comic. El logo del citado Punisher se verá impreso en los vehículos norteamericanos en la siguiente incursión en combate tras la citada escena.

EL DESTINO DE JÚPITER, aunque la mona se vista de seda...

FICHA TÉCNICA

Título: El destino de Júpiter
Título original: Jupiter Ascending
Dirección: The Wachowski Brothers
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 06/02/2015
Duración: 125 min
Género: Aventuras, Acción, Ciencia ficción
Reparto: Channing Tatum, Mila Kunis, Eddie Redmayne, Tuppence Middleton, Sean Bean, Douglas Booth, Terry Gilliam, Du-na Bae, Vanessa Kirby, James D'Arcy
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow Pictures

SINOPSIS

Jupiter Jones (Mila Kunis) nació una oscura noche, bajo la influencia de un signo que indicaba que estaba predestinada a realizar grandes cosas en la vida. Ahora, Jupiter sueña con las estrellas pero tiene que afrontar la dura realidad de trabajar limpiando lavabos y de plantar a novios que le partieron el corazón. Pero cuando Caine (Channing Tatum), un ingeniero genético y ex militar, llega a la Tierra, Jupiter entiende cuál es su verdadera meta. Está a punto de heredar un poder increíble que podría cambiar para siempre el equilibrio del universo.

CRÍTICA

A los hermanos Wachowski les sonrió la suerte con Matrix (un éxito tanto de crítica como de público) pero desde entonces no han conseguido triunfar a ese nivel (ni con Speed Racer ni con El Atlas de las nubes), aunque ahora tienen una nueva oportunidad con esta película, cuyo estreno inicial previsto para el verano del 2014 se retrasó ocho meses, justificando que era para terminar correctamente la labor de sus efectos visuales (que duda cabe que los mismos lucen espectacularmente en pantalla, si bien el 3D, que es como la ví, tampoco aporta nada especial al conjunto)

¿Cual es, entonces, el problema? un guión caótico que aunque no esté basado en nada previo recuerda a muchas cosas, a lo que hay que sumar unos personajes menos que esquemáticos que son meros títeres de la acción, lo que nos lleva a que su destino nos traiga sin cuidado. No negaré que el apartado visual puede estar tan logrado como por ejemplo el de Avatar, pero la historia quiere abarcar mucho quedándose al final en nada. El destino de Jupiter acaba resultando una propuesta pretenciosa donde bajo un acabado visual portentoso, hay una historia con agujeros de grandes como socavones.

Al ser un film de los responsables de Matrix las expectativas pueden estar un poco altas, pero recordando las discrepancias que provocaron las dos últimas entregas de la citada saga, de nuevo aqui demuestran que el poderio visual está envuelto en el vacio argumental (la trama de las luchas de poder de los dos hermanos parece una variante sci-fi de las intrigas de los Borgia, lo que pasa que todo está tan enrevesado que al final lo que supuestamente tenía que ser épico acaba siendo más bien risible, por cierta obsesión hacia lo kitsch, evidente en escenas como la de la malograda boda)

No debería ser así, pero normalmente lo que ocurre en productos de este estilo es que los actores quedan fagocitados por toda la imagineria visual que les rodea. Aqui además hemos de sumar el muy forzado alivio cómico que pretende ser lo de la familia terrestre de la protagonista (una Mila Kunis que resulta más creible cuando ignora su destino que cuando lucha por él) estando siempre a su vera un Channing Tatum cuyas dotes de actor brillan por su ausencia, y cuyo héroe protector tiene una alarmante falta de carisma, pese a ser una mezcla de Han Solo y Lobezno.

Aún asi no puedo decir que sea mala, porque ya digo que el apartado visual es portentoso y sin duda merece la pena si fue la causa del retraso inicial de la película. Pero por muy bonito que sea el envoltorio, si lo de dentro no acierta (como le ha pasado por ejemplo a la dilatadísima trilogia de El Hobbit), eso dificilmente lo puedes tapar (por no hablar de un guión que parece un popurri de Princesa por sorpresa, Terminator, El quinto elemento, Los Borgia, John Carter de Marte o Star Wars, por citar tan solo unos ejemplos) ¿Donde estan los Wachowski que asombraron con Matrix en 1999?

LO MEJOR: Visualmente es espectacular gracias a unos efectos portentosos que justifican el retraso en su estreno.

LO PEOR: La historia resulta pretenciosa e innecesariamente enrevesada, y los personajes son meros estereotipos.

AL FILO DEL MAÑANA, el repetitivo videojuego de TOM CRUISE

FICHA TÉCNICA

Título: Al filo del mañana
Título original: Edge of Tomorrow
Dirección: Doug Liman
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 30/05/2014
Duración: 113 min
Género: Acción, Ciencia ficción
Reparto: Emily Blunt, Tom Cruise, Bill Paxton, Charlotte Riley, Lee Asquith-Coe, Jonas Armstrong, Kick Gurry, Dragomir Mrsic, Jeremy Piven, Madeleine Mantock
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: 3 Arts Entertainment, Viz Media

SINOPSIS

William Cage (Tom Cruise) es un comandante que, debido a una decisión injusta de sus superiores, es obligado a participar en una misión prácticamente suicida. Como era de prever, Cage muere a los pocos minutos de entrar en combate. Sin embargo, su mente entra en un bucle temporal: cuando muere, vuelve a iniciar el combate. Y tanto él como su compañera Rita (Emily Blunt) -guerrera de las Fuerzas Especiales- están cada vez más cerca de batir al enemigo: un poderoso escuadrón alienígena. Pero, ¿serán capaces de conseguirlo? Y cuando lo hagan, ¿se repetirá de nuevo el bucle?

CRÍTICA

La nueva película de Tom Cruise, que adapta una obra de Hiroshi Sakuzazaka que no he leído en el momento de escribir esta crítica, resulta ser una mezcla de Atrapado en el tiempo y Starship Troopers... con todos los aciertos y defectos que ello conlleva. Y es que aunque el (magistral) film de Harold Ramis de 1993 es un ejemplo de comedia bien construida en el que se han fijado muchos títulos posteriores, el de Paul Verhoeven de 1997 era un panfleto militarista que de puro exceso acababa siendo hasta paródico.

Las penurias que pasaba Bill Murray en Atrapado en el tiempo son paralelas a las que vive en esta película el personaje de Tom Cruise, un militar que vende sobretodo su imagen, y que de repente se verá obligado a combatir de forma activa en la guerra que esta manteniendo la Humanidad con unos extraterrestres pulposos que pueden recordar a los vistos en la saga de Matrix. Con un giro de guión que no será revelado hasta más tarde, nuestro protagonista verá como se repite el mismo día una y otra vez.

En busca del objetivo que decantara la batalla a favor nuestro, el personaje de Tom Cruise tendrá que vivir, luchar y morir cuantas veces sea necesario, a lo que le ayuda una aguerrida Emily Blunt en un papel que se podría considerar deudor de la Ripley de la saga Alien si no fuera porque (como todo producto protagonizado por este actor) Tom Cruise es la estrella sobre la que gira toda la película. Y la misma no decepciona a aquellos que vayan con la intención de ver una especie de videojuego, que es lo que parece en muchos momentos el film, sobretodo cuando predomina la acción bélica.

El problema de esta megalómana producción que se podría considerar extrapolable a la carrera de su máximo protagonista (por aquello de ir pasando errores para conseguir aciertos) radica en lo insatisfactorio de la explicación de dicho fenómeno, lo que justifica incluso un forzado final feliz que no cuadra con lo previo. A ello hay que sumar un continuo déjà vu ya que aparte de los ejemplos citados antes, esta Al filo del mañana se le pueden encontrar semejanzas con Salvar al soldado Ryan (por ese desembarco masivo) o Elysium (en los trajes de los soldados) unido todo ello a que el film no deja de ser una especie de videojuego donde a cuenta de ir perdiendo vidas hay que ir superando niveles hasta llegar al final.

LO MEJOR: El director de El caso Bourne o Señor y Señora Smith consigue ofrecer todo lo esperado en un film de estas características: acción, entretenimiento y aventuras.

LO PEOR: Sería un título con una premisa original si no fuera por la lógica comparación con Atrapado en el tiempo (aunque también pueden echársele semejanzas con Starship Troopers, Matrix, Salvar al soldado Ryan y Elysium entre otras)

GODZILLA, las dos irregulares partes del monstruo

FICHA TÉCNICA

Título: Godzilla
Título original: Godzilla
Dirección: Gareth Edwards
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 16/05/2014
Duración: 123 min
Género: Aventuras, Acción, Fantástico
Reparto: Ken Watanabe, Bryan Cranston, Elizabeth Olsen, Juliette Binoche, Sally Hawkins, David Strathairn, Victor Rasuk, Aaron Taylor-Johnson, Brian Markinson, Al Sapienza
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Legendary Pictures

SINOPSIS

Un monstruo gigante radioactivo llamado Godzilla emerge de las profundidades dispuesto a sembrar el caos y a provocar la destrucción de la raza humana. Además, en paralelo, el monstruo más famoso del mundo se enfrenta a malvadas criaturas que, animadas por la arrogancia científica de la humanidad, amenazan nuestra propia existencia. ¡Sólo nos queda intentar sobrevivir!

CRÍTICA

Tras el fallido intento que tuvo en 1998 a cargo del "amigo de la destrucción" Roland Emmerich (y cuya Godzilla parecía descendiente de los dinosaurios de Parque Jurásico) nos llega ahora este nuevo intento de popularizar aún más al mítico monstruo nipón. Antes de nada he de reconocer que no he visto nada de la filmografía de este bicho (con la excepción del film del 98) por lo que valoro más el apartado catastrófico que sería donde mejor entraría, dejando su calidad dentro de la saga a los expertos del tema.

Justo es recordar que el mismo año en que llegó la anterior Godzilla se estrenaron un par de films con temática similar: la Tierra en peligro de colisión con un meteorito. Hablo de Armageddon y Deep Impact, y sacarlas a colación viene a raiz de las claras semejanzas que hay entre la segunda de ellas y la primera hora del film que ahora nos ocupa, en la cual el protagonista es el personaje de Bryan Cranston, que tras lo que le sucede a su esposa en la ficción (Juliette Binoche) decide investigar los hechos sospechando una trama encubierta. Es esa primera mitad la que funciona mejor, pese a que tampoco te cuente nada nuevo.

El problema está cuando en su segunda hora Godzilla se centra ya más en la destrucción que provoca, la cual transcurre con todos los tópicos del género hasta el punto de que nada le tiene que envidiar a los Transformers de Michael Bay o la batalla final de El Hombre de Acero. No negaré que este film intenta alejarse de la versión de Emmerich tomando más como referencia por ejemplo a Cloverfield (Monstruoso)... pero al igual que sucedía en la reciente Pacific Rim (o en la ya más veterana Parque Jurásico) se nos quiere hacer partícipes del drama humano el cual funciona minimamente antes de que comience el caos porque justo después ni nos va ni nos viene (sirva de ejemplo el niño perdido en el metro)

Aunque los ESPECTACULARES efectos visuales son los protagonistas de la segunda hora de la película, para que el público pueda empatizar con los humanos tenemos al hijo en la ficción de Bryan Cranston, al que da vida Aaron Taylor-Johnson (conocido por ser Kick-Ass), que toma el relevo de su padre y va dando vueltas junto con otros soldados alrededor de la criatura para pararle los pies. Lo reiterativo de este segundo tramo de Godzilla, tras la sorpresa inicial, me provocó un progresivo desinteres hacia lo que veía en pantalla, si bien no niego que entre dentro de los parámetros habituales del género.

Aunque cumple con lo que se les pide, sabe mal que pululen por la historia actores como Ken Watanabe (que se pasa toda la película con cara de susto), Elizabeth Olsen (que corre, chilla y poco más) y David Strathairn. Tanto ellos como todos los citados antes palidecen cuando el caos se apodera de la pantalla. El problema radica en que la correcta primera parte de la película da paso a una segunda machacona y cansina, donde al final los personajes no son más que meras marionetas de las que uno pierde todo interés, siendo el monstruo el rey de la función (¿porqué no centrarse SÓLO en él?.

SPOILERS: Cuando va el hijo en la ficción de Cranston a sacarle de prisión al inicio del film, ¿porqué luego le acompaña a la zona prohibida? Asimismo en los noticiarios que aparecen en pantallas, ¿porqué están doblados al castellano menos uno que permanece en inglés? En cuanto a las criaturas (porque si, no sólo está Godzilla), ¿porqué los "mutos" parecen una reina Alien con alas, coincidiendo además en reproducción por huevos? Además, ¿porqué la publicidad previa da a entender que el protagonista es el personaje de Bryan Cranston cuando en verdad es su hijo en la ficción? ¿Porqué al final Godzilla es aclamada como héroe ("rey de los monstruos" para ser exactos) cuando a destruido tanto o más que los "mutos"? Incluso en un caos similar en Los Vengadores o El Hombre de Acero al menos se cuestionan un poco lo ocurrido (tampoco mucho, no vayamos a pensar...) En resumidas cuentas, ¿porqué no se han limitado a hacer tan solo una hora de criaturas gargantuescas, sin humanos y con (si acaso) una voz en off para narrar la acción? FIN SPOILERS

LO MEJOR: Su primera parte (por conseguir dar cierto aire diferenciador a este estilo de películas) a lo que ayuda tener dos buenos actores como Bryan Cranston y Juliette Binoche.

LO PEOR: Su segunda parte (ESPECTACULAR pero reiterativa y cansina) que no consiguen salvar ni el chaval de Kick-Ass ni otros secundarios, ensombrecidos por el caos reinante.