NOCHES DE TORMENTA con Richard Gere y Diane Lane

FICHA TÉCNICA

Título: Noches de tormenta
Título original: Nights in Rodanthe
Dirección: George C. Wolfe
País: Estados Unidos, Australia
Año: 2008
Duración: 97 min.
Género: Drama
Reparto: Richard Gere, Diane Lane, Christopher Meloni, Viola Davis, Becky Ann Baker, Scott Glenn, Linda Molloy, Pablo Schreiber, Mae Whitman, Charlie Tahan, Carolyn McCormick, Ted Manson, Ato Essandoh
Guión: Ann Peacock, John Romano
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow Pictures, DiNovi Pictures
Cásting: Lisa Mae Fincannon, Lynn Kressel
Dirección artística: William G. Davis
Diseño de Producción: Patrizia von Brandenstein
Fotografía: Affonso Beato
Montaje: Brian A. Kates
Música: Jeanine Tesori
Productor: Denise Di Novi
Productor ejecutivo: Alison Greenspan, Bruce Berman, Dana Goldberg, Doug Claybourne
Vestuario: Victoria Farrell

SINOPSIS

Adrienne (Diane Lane), una mujer que se está sobreponiendo a la traición de su marido y lucha por reconstruir su vida sin él, se acaba de enterar de que éste quiere volver a casa. Dividida por unos sentimientos encontrados, se ve aliviada por la oportunidad de escapar cuando una vieja amiga le pide que se encargue de su hotel en Rodanthe durante un fin de semana. Allí, en un lugar remoto de los Outer Banks de Carolina del Norte, Adrienne espera encontrar la tranquilidad que necesitan para replantearse su vida.

Es temporada baja y el hotel debería estar vacío de no ser por la inusual llegada de su huésped solitario, Paul (Richard Gere), un médico de la ciudad. Se trata de un hombre que hace tiempo sacrificó su familia por su carrera y que ha acudido a Rodanthe para hacerse cargo de una difícil obligación y enfrentarse a su propia crisis de conciencia.

Se trata de dos extraños bajo el mismo techo. Pero estalla una gran tormenta y los dos se acercan el uno al otro en busca de consuelo e inician un romance que cambiará sus vidas y que recordarán durante toda su existencia.

CRÍTICA

No hay que llevarse a engaños ante un film de estas características: el mismo poster ya nos dice bien claro que estamos ante una película romántica. Y con la presencia de su protagonista eso queda más que confirmado, ya que hay actores que aunque hagan diferentes personajes, todos están cortados por un mismo patrón, y ese el caso de Richard Gere, generalmente prototipo de argumentos con temática melodramática y/o romántica.

Pese a todo hay que reconocer, en el caso de este film en cuestión, que estamos ante una película de amor maduro, al estilo de Los puentes de Madison. De hecho es con este film con el que le encontré más paralelismos (basicamente en sus esquemas argumentales), si bien las historias son radicalmente diferentes (y los estilos también, porque no se consigue la misma calidad a la que nos tiene acostumbrado Clint Eastwood, cayendo aquí en ocasiones en cierta cursileria). Aún así hay que reconocer que se deja ver bastante bien, sobretodo por una ajustada duración de 97 minutos que hace que en ningún momento se haga pesada, si bien tampoco excesivamente sorprendente. Principalmente el final, quizás excesivamente alargado en su vena melodramática, sería el punto más flojo del film, pero es justamente ahí donde le ví más paralelismos con la citada Los Puentes de Madison.

También resultan algo esquemáticos todos los personajes secundarios que rodean a la pareja protagonista, cumpliendo simplemente el rol preestablecido (el hijo empollón, la hija revoltosa, la amiga comprensiva, el exmarido que quiere volver a intentarlo, etc.). Eso deja el peso del film en Richard Gere y Diane Lane (que ya coincidieron previamente en Infiel), los cuales lo resuelven de manera correcta y entretenida: en el caso de él ejerciendo una vez más el papel para el que sabe que está predestinado (y es que la palabra galán parece perfecta para este actor, pese a su discutible calidad como interprete) mientras que Diane Lane demuestra una vez más lo buena actriz que es pese a intervenir en productos tan simples (aunque insisto en que entretenidos) como esta película.

En el plano secundario citar también la presencia en un par de escenas del (avejentado) actor Scott Glenn, mítico jefe de Clarice Starling en el clásico El silencio de los corderos, y que tiene una voz grave y profunda que me sorprendió descubrir (ya que ví la película en versión original subtitulada en un pase de prensa previo a su estreno).

LO MEJOR: Es entretenida, se deja ver sin problemas y una vez más confirma lo buena actriz que es Diane Lane (y lo desaprovechada que está en productos estimables aunque secundarios como el caso del presente film).

LO PEOR: Si a uno no le importa ver un argumento con muchos de los clichés propios del género, si acaso lo (relativamente) más cansino sería el tramo final.

JCVD con Jean-Claude Van Damme

FICHA TÉCNICA

Título: JCVD
Dirección: Mabrouk El Mechri
País: Francia, Luxemburgo, Bélgica
Año: 2008
Duración: 96 min.
Género: Drama
Reparto: Jean-Claude Van Damme, François Damiens, Zinedine Soualem, Karim Belkhadra, Jean-François Wolff, Anne Paulicevich, John Flanders, Saskia Flanders, Dean Gregory, Paul Rockenbrod, Alan Rossett, Jesse Joe Walsh
Guión: Mabrouk El Mechri, Frédéric Bénudis, Christophe Turpin
Distribuidora: Versus Entertainment
Productora: Gaumont, Samsa Films
Dirección artística: André Fonsny
Fotografía: Pierre-Yves Bastard
Montaje: Kako Kelber
Música: Gast Waltzing
Productor: Jani Thiltges, Sidonie Dumas
Productor ejecutivo: Arlette Zylberberg, Fiszman Marc, Patrick Quinet
Vestuario: Uli Simon

SINOPSIS

El gran astro del cine de acción, Jean-Claude Van Damme, se encuentra disfrutando de un merecido descanso en Bruselas cuando sufre una repentina crisis existencial. De repente la gran estrella de cine que todos conocemos se convierte en un tipo corriente, aquejado de miedos, contradicciones y esperanzas.

¿Cómo puede mantener la leyenda que ha ayudado a construir a su alrededor? ¿Qué hace un hombre de acción cuando la pistola que te está apuntando a la sien está cargada con balas de fogueo? Jean-Claude se encuentra a sí mismo en la encrucijada del fin de su vida como héroe.

Esta película fue imaginada como una aventura espiral que comienza de mala manera y termina mucho peor. Cuando las conquistas externas, el dinero o la fama, no son tan valiosas comparadas con la reconquista de uno mismo.

CRÍTICA

Jean-Claude Van Damme representa uno de los héroes de las películas de acción de nuestra infancia y/o adolescencia para todos aquellos que ahora mismo tienen una edad que ronda la veintena o treintena. En la misma época en que triunfaban Schwarzenegger o Stallone, la otra cara de la moneda (la de los films de acción de serie B) estaba personificada en Steven Seagal o el citado Jean-Claude Van Damme.

Pero todo acaba en esta vida, sobretodo cuando llegas a cierta edad en la que las escenas de acción cada vez cuestan más. Eso se lo aplicó Schwarzenegger dejando el cine por la política, y se lo aplicó Stallone pese a que ha tenido que volver a sus orígenes con los recientes films de Rocky y Rambo (dos personajes míticos de su filmografía y, ¿porqué no decirlo? de la historia del cine). A la espera de si alguna vez sabremos algo más de Steven Seagal, la sorpresa ha salido por parte de su homónimo en el género, el belga Van Damme.

Pese a que en un principio pensaba que este sería un film a mayor gloria de su protagonista (que, todo sea dicho de paso, salvo Timecop y Blanco Humano no le he visto yo ninguna otra película minimamente decente) el film se convierte en una especie de cine dentro del cine, con un protagonista que se interpreta a si mismo viviendo una situación límite con rehenes, pero al mismo tiempo mostrando al ser humano que hay bajo la fachada de tipo duro, con problemas tanto familiares como monetarios que le llevan en un momento dado incluso a llorar frente a la cámara.

Con momentos bastante logrados como la parte final donde primero se ve el final cinematográfico de la situación con rehenes que vive, para a continuación verse el desenlace real (lo cual sirve, al igual que otros ejemplos, para mostrarnos la diferencia entre el Van Damme cinematográfico y el real), la película acierta en ciertos comentarios bastante simpáticos (como las referencias a Steven Seagal, su eterno rival) si bien nunca consigue ir más allá de la mera curiosidad de producto fuera de lo normal dentro de la filmografía del actor, lo que pese a todo no es malo porque convierte a este film en uno de los más destacados de su filmografía (pese a sus, en ocasiones, visibles carencias).

LO MEJOR: Lo curioso de su propuesta argumental, correctamente desarrollada.

LO PEOR: Nunca va más allá de la citada propuesta.

THE WOMEN con Meg Ryan y Eva Mendes

FICHA TÉCNICA

Título: THE WOMEN
Dirección: Diane English
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 114 min.
Género: Comedia dramática
Reparto: Meg Ryan, Annette Bening, Eva Mendes, Debra Messing, Jada Pinkett Smith, Bette Midler, Candice Bergen, Carrie Fisher, Cloris Leachman, Debi Mazar, India Ennenga
Guión: Diane English
Distribuidora: On Pictures
Productora: Jagged Films, Picturehouse Entertainment, Inferno Distribution
Dirección artística: Mario Ventenilla
Diseño de Producción: Jane Musky
Fotografía: Anastas N. Michos
Montaje: Tia Nolan
Música: Mark Isham
Productor: Bill Johnson, Diane English, Mick Jagger, Victoria Pearman
Productor ejecutivo: Bobby Sheng, James W. Skotchdopole, Jim Seibel
Vestuario: John A. Dunn

SINOPSIS

La vida de Mary Haines (Meg Ryan) aparentemente es perfecta: una casa preciosa en Connecticut, una encantadora hija de 12 años, un marido que ha triunfado en Wall Street y un trabajo a tiempo parcial de diseñadora en la compañía de moda de su padre. Mary no solo parece tenerlo todo, también lo hace todo: Ya sea plantar plantas vivaces en el jardín, seguir los pasos de su madre como copresidenta de un comité de mujeres de Central Park u ocuparse personalmente de un almuerzo benéfico pese a tener a Maggie (Cloris Leachman), su devota ama de llaves y Uta (Tilly Scout Pederson), su niñera. ¿Quién puede culparla si a veces está hecha polvo?

Una de las cosas con las que Mary siempre puede contar es con la maravillosa compañía de sus amigas, por ejemplo, la de su mejor amiga, la experta en moda Sylvie Fowler (Annette Bening). Una mujer de elegancia impecable y afilado ingenio que disfruta de su soltería en la cumbre de su profesión en su nuevo puesto de editora de CACHET, una importante revista femenina. El estrecho círculo de amistades de Mary y Sylvie también incluye a Edie Cohen (Debra Messing), una excéntrica madraza tanto para sus amigas como para su prole en constante expansión. Otra de las amigas es Alex Fisher (Jada Pinkett Smith) una elegante escritora lesbiana que escribe ensayos humorísticos y que tiene la virtud de decir siempre a la gente lo último que desea oir.

Pero para estas buenas amigas, está a punto de armarse la de Dios. Todo empieza en el sitio más impensable: el salón de belleza de Saks Fifth Avenue, donde Sylvie es atendida por la nueva manicurista de moda, Tanya (Debi Mazar). En un instante, la chismosa Tanya levanta la liebre al contarle que la cazafortunas de la casa, una dependienta de la sección de perfumería llamada Crystal Allen (Eva Mendes) acaba de pescar un pez gordo casado: un magnate de Wall Street llamado Stephen Haines. La angustiada Sylvie se encuentra ante un dilema, un dilema que pronto se extiende a sus amigas: ¿Qué decirle a Mary, si es que van a decirle algo? Pero antes de que las amigas puedan ponerse de acuerdo, Mary, que acaba de ser despedida por su propio padre, acude a hacerse la manicura a Saks. Con Tanya.

Las comadres de Mary rápidamente se solidarizan con ella y le aconsejan sobre lo que debería hacer. Al final, Mary decide seguir el consejo de su madre Catherine (Candice Bergen), una mujer muy crítica que ha tenido que lidiar con todo tipo de problemas en la vida, desde el abandono de un marido hasta el hecho de tener que envejecer. Juntas, Mary, Catherine y la hija de Mary, Molly (India Ennenga), deciden tomarse unas vacaciones en la casa de verano de Catherine en Maine.

Mientras tanto, Sylvie tiene sus propios problemas en el trabajo ya que sus esfuerzos por reinventar CACHET aún no han dado muchos frutos. En vista de que peligra el trabajo de sus sueños, Sylvie intenta contratar a una famosa cronista de sociedad, Bailey Smith (Carry Fisher) para que escriba para la revista. Pero Bailey, que es experta en descubrir infidelidades en Wall Street, acepta con una repugnante condición: Exponer la vida privada de Mary. Acorralada, Sylvie elige su carrera por encima de su mejor amiga.

Para Mary, la traición de Sylvie es el golpe más cruel de todos. Mary corta por lo sano con Sylvie y se embarca en un largo viaje de introspección, con breves paradas en la sensiblería y en la ingesta de dulces. Finalmente, termina en un campamento de salud de mujeres al norte de los Berkshires donde conoce a Leah Millar, "La Condesa", (Bette Midler), una agente de Hollywood, extravagante y porrera, cuya filosofía de marcado pragmatismo es toda una revelación.

CRÍTICA

No es que yo tuviera muchas esperanzas sobre este film, sobretodo con su sospechoso parecido a la reciente Sexo en Nueva York que también recibió unas críticas demoledoras. Pero como mínimo esperaba que la presencia de tanta actriz conocida (y en algunos casos hablamos de grandes interpretes) diera como resultado algo como mínimo visible. En este caso me equivoqué totalmente.

Producto feminista al 100%, la película defiende la idea y el estereotipo más clásico de la mujer con unos ejemplos de lo más esperpénticos: desde la esposa cornuda encarnada por Meg Ryan hasta el grupo de amigas que se supone que le dan apoyo (pero que no dudan de hablar de ella a sus espaldas) pasando por una amante encarnada por Eva Mendes que sin duda protagoniza el único momento más destacable del film (sobretodo si eres hombre) que es cuando aparece con un sugerente corsé.

Este producto (porque no se puede calificar de otra manera) hecho a la medida del gusto femenino más primitivo nos vende una imagen de la mujer totalmente distorsionada, porque dudo mucho que el sexo femenino se preocupe sólo de su aspecto físico, sus operaciones de cirugía estética y el dinero que se pueden gastar en todo tipo de caprichos representativos del lujo más excesivo, cual pijas estúpidas de Beverly Hills (o de Pedralbes en su vertiente más cercana).

Lo malo es que encima nos quieren vender la supuesta independencia femenina, la cual no es tal porque el mensaje final del film es tan conservador como si estuviera hecho con la mentalidad de las mujeres del Partido Popular. Si a eso sumamos unos personajes planos y arquetípicos (basta ver las amigas de la protagonista o sobretodo el papel interpretado por la citada Eva Mendes, simple mujer florero) el resultado desde luego que no será muy apreciado entre el sector masculino... y no sé yo hasta que punto las mujeres se sentirán identificadas con las protagonistas de esta película (de hecho pienso que más de una dama se sentirá insultada ante tanta banalización de lo que representa ser mujer, ya que sólo se muestran los tópicos más esquemáticos).

Por cierto, citar como detalle que no aparece ningún hombre en ningún momento del film, único detalle que parece tener en común con la película homónima de George Cukor del año 1939 de la que se supone que esta es un remake (aunque me dicen que es un remake de Sexo en Nueva York o algo así y para el caso el resultado sería el mismo).

LO MEJOR: Las actrices

LO PEOR: Lo que se ven obligadas a representar con semejante argumento.

LONG WEEKEND (Festival de Sitges 2008)

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: Long Weekend
GENERO: Thriller
PAIS: Estados Unidos
AÑO: 2008
DIRECTOR: Jamie Blanks
GUION: Everett De Roche
INTERPRETES: Claudia Karvan y James Caviezel
PRODUCTOR: Gary Hamilton y Nigel Odell
MUSICA: Jamie Blanks
FOTOGRAFÍA: Karl von Moller
MONTAJE: Jamie Blanks

SINOPSIS

Un matrimonio en crisis se van a la playa, en Australia, a pasar unas vacaciones cuando, la naturaleza, inexplicablemente, comienza a reaccionar cruelmente a la presencia de la pareja.

CRÍTICA

Las películas de terror con elemento sobrenatural o maligno han tenido un montón de variantes: psicópatas, posesiones diabólicas, monstruos, etc. Algunas veces el peligro ha venido de lugares o seres facilmente reconocibles, pero en ocasiones el terror ha venido de lo desconocido, de "algo" o "alguien" que acosa a los protagonistas como parte de un castigo o una venganza (o simplemente porque si).

La presente Long Weekend entra de lleno en esa definición: nos encontramos ante un film minimalista que durante la gran mayoría de su metraje sólo tiene en pantalla a la pareja protagonista. Al principio estos parecen unos simples excursionistas más, pero los problemas conyugales y las disputas se irán acumulando junto con extraños fenómenos inexplicables tras los cuales parece estar la propia naturaleza, que se defiente de excursionistas pretenciosos.

Y basicamente eso es toda la película, con lo cual hay que admitir que su argumento es curioso (si bien no novedoso, buscando por internet me he enterado de que es un remake de un film de 1978 que fue premiado en Sitges) pero falla de un detalle muy común en el cine de hoy en día: argumentos que dan para un capítulo de una serie fantástica de televisión son alargados hasta tener duración de largometraje, provocando entonces que se resienta el ritmo de la historia. Eso es lo que ocurre aqui, cosa que se nota sobretodo en la parte inicial, donde le cuesta arrancar hasta que empiezan a pasar cosas, provocando cierto distanciamiento en el espectador.

Pese a ello el misterio sobre lo que es la "cosa" que amenaza a los protagonistas (que nunca se explica ni se vé, aunque claramente se siente en infinidad de detalles) está bastante conseguida, sobretodo en detalles como el del cadaver de la foca... que parece no estar muerto por como se mueve. Y el final, no por sorprendente deja de ser igual de impresionante, demostrando el justo castigo que se merecen las personas que no respetan la naturaleza.

LO MEJOR: La naturaleza y la amenaza que representa para los protagonistas.

LO PEOR: Lo que tarda en arrancar la parte entretenida del film.

LA CONSPIRACIÓN DEL PÁNICO (EAGLE EYE)

FICHA TÉCNICA

Título: LA CONSPIRACIÓN DEL PÁNICO
Título original: Eagle eye
Dirección: D.J. Caruso
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 118 min.
Género: Thriller
Reparto: Shia LaBeouf, Michelle Monaghan, Rosario Dawson, Anthony Mackie, Billy Bob Thornton
Guión: Hillary Seitz, John Glenn, Travis Wright, Dan McDermott
Distribuidora: Paramount
Productora: DreamWorks SKG
Cásting: Jennifer L. Smith, Mary Tricia Wood
Dirección artística: Kevin Kavanaugh, Naaman Marshall, Sean Haworth
Director de fotografía: Dariusz Wolski
Diseño de Producción: Thomas E. Sanders
Montaje: Jim Page
Música: Brian Tyler (BT)
Productor: Alex Kurtzman, Edward McDonnell, Pat Crowley, Pete Chiarelli, Roberto Orci
Productor asociado: Rizelle Mendoza
Productor ejecutivo: Steven Spielberg
Vestuario: Marie-Sylvie Deveau

SINOPSIS

Jerry Shaw (Shia LaBeouf) y Rachel Holloman (Michelle Monaghan) son dos desconocidos que se encuentran por culpa de una misteriosa llamada de teléfono de una mujer a la que no conocen. Amenazando sus vidas y a sus familias, consigue que Rachel y Jerry se metan en situaciones cada vez más peligrosas, utilizando la tecnología de la vida cotidiana para seguir todos y cada uno de sus movimientos.

A medida que las cosas se complican, estas dos personas normales y corrientes se convierten en los fugitivos más buscados de USA, y tienen que colaborar para averiguar qué está pasando en realidad y, lo que es aún más importante, por qué.

CRÍTICA

Es curioso como en muchas ocasiones las pretensiones con las que uno ve una película son las que finalmente influyen en la opinión que te generas de la misma. Hablando en cuestión de La Conspiración del Pánico yo me imaginaba algo sencillo con una trama de falso culpable al estilo de El fugitivo con dosis tecnológicas como lo visto en Enemigo Público de Tony Scott. Efectivamente así ha sido, pero el argumento también incluye referencias a títulos tan dispares como Con la muerte en los talones, Minority Report o incluso la más evidente en Terminator (en un spoiler que aqui no citaré) o incluso si mucho me apuras en los dibujos animados de Tom y Jerry (por aquello de que el personaje fugitivo encarnado por Shia LaBeouf se llama como el famoso ratón mientras que el agente encarnado por Billy Bob Thornton tiene el nombre de su antagonista el gato).

Naturalmente con este preámbulo muchos pensareis que es un film totalmente prescindible por su falta de imaginación. No nos equivoquemos, la película no es una maravilla, pero al menos sabe perfectamente cuales son sus límites y simplemente nos ofrece aquello que puede esperar uno de un film de estas características. Y es que la mano de Steven Spielberg como productor se nota, ya que el resultado final lo aproxima más a un film taquillero veraniego que no a una película de otoño (fecha final en la que se ha estrenado) ya que la acción es incesante, pese a algún que otro momento de bajada, sobretodo cuando los dos personajes protagonistas explican detalles personales. Eso si, estos son los mínimos, ya que los responsables saben perfectamente lo que tienen que dar: un film entretenido y sin pretensiones. Por mi parte creo que objetivo cumplido.

El punto probablemente más negativo del conjunto esté en su falta de innovación. Con esto me refiero a que pese al citado entretenimiento que ofrece el film casi de principio a fin, son las semejanzas citadas al principio de mi comentario (más todas las que puedan encontrar los espectadores) las que provocan una sensación final de que si, que estuvo bien, pero ya está: un film entretenido para pasar el rato y para de contar (lo cual tampoco está mal, ¿no?) Si acaso lo más llamativo radicaría en las ya citadas semejanzas con Enemigo Publico (son las más evidentes, por aquello de utilizar toda la tecnologia a nuestro alcance para que la policia persiga a los falsos culpables mientras estos son manejados por el cerebro en la sombra)... si no fuera porque desde el momento en que se sabe quien o que hay detrás de todo el plan la cosa toma unos tintes más de ciencia-ficción que son los que me hicieron recordar a la saga Terminator (y no por que salgan robots sino por cierto detalle que al ser spoiler aqui no puedo citar ya que es la, probablemente, única y gran sorpresa del film). La neutralidad del director también hace pensar como un proyecto de estas características no cayó en manos de alguien como Michael Bay, ya que su estilo de rodar se nota mucho en las escenas de acción, incesantes durante todo el metraje.

LO MEJOR: Solamente pretende ser un film entretenido y LO CONSIGUE CON CRECES.

LO PEOR: Todas las semejanzas que uno le puede encontrar a otras películas.

QUEMAR DESPUÉS DE LEER de los Hermanos Coen

FICHA TÉCNICA

Título: QUEMAR DESPUÉS DE LEER
Título original: Burn After Reading
Dirección: Joel Coen, Ethan Coen
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 95 min.
Género: Comedia negra
Reparto: Brad Pitt, George Clooney, Tilda Swinton, John Malkovich, Frances McDormand, J.K. Simmons, Richard Jenkins, David Rasche, David Huddleston, Matt Walton, Lenny Venito
Guión: Joel Coen, Ethan Coen
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Working Title Films, Studio Canal, Relativity Media, Mike Zoss Productions
Cásting: Ellen Chenoweth
Dirección artística: David Swayze
Director de fotografía: Emmanuel Lubezki
Diseño de Producción: Jess Gonchor
Montaje: Ethan Coen, Joel Coen
Música: Carter Burwell
Productor: Eric Fellner, Ethan Coen, Joel Coen, Tim Bevan
Productor asociado: David Diliberto
Productor ejecutivo: Robert Graf
Vestuario: Mary Zophres

SINOPSIS

La información de la CIA suele ser confidencial, pero siempre hay quien comete errores o descuidos imprevistos. Un agente tiene la mala suerte de perder un valioso disco que va a parar a las manos de dos empleados de un gimnasio, los cuales planean cómo sacarle partido.

CRÍTICA

Pese a que este año han sido los máximos ganadores en la ceremonia de los Oscars, personalmente la anterior película de los Hermanos Coen (No es pais para viejos) se me hizo bastante decepcionante debido a su tono cansino y apático, sólo levantado por la presencia de un Javier Bardem que hacía más interesante una película que a mi no me lo pareció tanto. Habiendo visto recientemente en televisión un nuevo pase del film Crueldad intolerable (también de los Coen) yo me imaginaba que esta nueva cinta de ellos estaría más próxima a ese estilo de película que no al visto en No es pais para viejos (sobretodo por la presencia también en esta de un actor como George Clooney).

Asimismo el reparto tengo que reconocer que se me hacía muy atractivo, no sólo por la presencia del citado Clooney sino por actores tan conocidos y de tanta solvencia como John Malkovich, Tilda Swinton, Frances McDormand, J.K.Simmons y Brad Pitt. ¿Como es que entonces me ha sorprendido el encontrarme con una película que me ha decepcionado? Pues probablemente por el tono del film y los personajes que lo pueblan, toda una muestra de idiotez y absurdidad elevada a la categoría de cine interesante. Es probable que justamente ahi radique el acierto del film y por eso en mi anterior frase he puesto que me ha decepcionado pero no que sea decepcionante; y es que Quemar después de leer tiene bastantes momentos curiosos, sarcásticos y alguno que otro moderadamente divertido. El problema viene por un conjunto en el que nunca llegué a conectar con ninguno de los personajes que pasean por el argumento, ya que el hecho de que se nos muestran tan patéticos, absurdos y frívolos hace que haya un distanciamiento hacia un guión que (además) peca quizás de demasiados giros para algo bien sencillo de contar (y que me provocó en varios momentos que se me hiciera cansina la historia, y eso que sólo dura poco más de hora y media).

Eso no es óbice para que los actores demuestren su valía, aunque sea haciendo el memo como el encarnado por Brad Pitt (su, digamos "salida de escena", es de lo más ridículo que he visto en mucho tiempo... pero curiosamente uno de los antes citados puntos de interés de la película), con la chulería propia de los que suele encarnar George Clooney (en el caso de su personaje, todo un vividor), con la vena un poco desquiciada de los relacionados con John Malkovich (que parece estar en perpetuo estado de cabreo en la película, lo cual provoca algunos de los momentos más exagerados del film), etc. Son por tanto los actores los que con algún momento destacable consiguen salvar un conjunto que peca de lo mismo que está narrando: frivolidad, estupidez y esperpento.

LO MEJOR: El plantel de actores del film, que consiguen algunos de los momentos más inspirados de la película.

LO PEOR: Nunca se conecta con unos personajes frívolos y memos, que en algunos momentos divierten pero que mayormente consiguen más bien enervar por sus tonterias.

100 FEET con Famke Janssen

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: 100 Feet
GENERO: Terror
PAIS: Estados Unidos
AÑO: 2008
DIRECTOR: Eric Red
DURACIÓN: 96 minutos
GUION: Eric Red
INTERPRETES: Bobby Cannavale, Ed Westwick, Famke Janssen y Michael Paré
PRODUCTOR: Sarah Black, Ed Elbert, Jonathan Sanger y Kornél Sipos
FOTOGRAFÍA: Ken Kelsch
MONTAJE: Janice Hampton

SINOPSIS

Marnie Watson es una minita que obtiene la libertad condicional tras haber matado a su marido, un violento policía de Nueva York, en defensa propia. Como condición deberá llevar una pulsera en el tobillo y permanecer en el interior de su casa, sin poder alejarse más de 100 pies. El compañero de su marido muerto la observa desde el otro lado de la calle dentro de un coche, esperando que viole la libertad condicional y enviarla de nuevo a la cárcel. Pero, el radio de 100 pies no es su mayor problema, sino el espíritu de su marido con sed de venganza.

CRÍTICA

Hay películas que lamentablemente sólo tienen una buena premisa argumental, siendo el resto un anódino espectáculo sin ningun interés. Ese es el caso de este film, lo cual no me extraña teniendo en cuenta que en el momento en que escribo estas líneas (septiembre del 2008) aún no tiene fecha de estreno predeterminada en USA.

Y es una lástima porque a priori la excusa argumental no está mal: eso de que una mujer maltratada tenga que vivir en la casa donde mató a su violento marido junto con el (muy cabreado) fantasma del mismo es, al menos sobre el papel, algo bastante novedoso. Lo que ocurre es que la cosa se queda ahi, ya que el resto sigue más o menos el esquema visto en tantas y tantas películas de casas encantadas, todo ello mezclado con la referencia a la reciente Disturbia en el brazalete de control que ha de llevar ella en su arresto domiciliario para no superar los 100 pies de distancia de margen a los que hace referencia el título.

El producto final tampoco goza de mucha espectacularidad, ya que las apariciones fantasmales no son especialmente sorprendente visualmente hablando, siendo sólo destacable la que en el tramo final provoca también la escena más gore del film (eso si, muy suave respecto a lo que podía haber dado de si el tema). Por su parte los actores son simplemente correctos cuando no facilmente prescindibles, girando todo mayoritariamente sobre el personaje central interpretado por una Famke Janssen que desde luego ha vivido tiempos mejores cinematográficamente hablando.

En resumidas cuentas, una buena premisa inicial que se ve lastrada por una neutra realización que no destaca ninguno de los vericuetos argumentales que podía haber dado de si tal situación, quedándose sólo en escenas arquetípicas del género de las casas encantadas.

LO MEJOR: La idea de la que parte y la violenta escena del tramo final cuando el fantasma demuestra lo poco que le gusta una infidelidad en su propia cama.

LO PEOR: Lo neutro del producto final, que en ningún momento logra asustar si no es a base de los típicos y tópicos trucos ya vistos en infinidad de títulos, aparte de un acabado visual simple y que aunque no molesta tampoco llega a destacar en nada.

EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS

FICHA TÉCNICA

Título: EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS
Título original: The boy in the striped pyjamas
Dirección: Mark Herman
País: Estados Unidos, Reino Unido
Año: 2008
Duración: 96 min.
Género: Drama
Reparto: David Thewlis, Vera Farmiga, Rupert Friend, Richard Johnson, Sheila Hancock, Jim Norton, Asa Butterfield, Jack Scanlon, David Heyman, Cara Horgan, Amber Beattie, Iván Verebély
Guión: Mark Herman
Distribuidora: Buena Vista International
Productora: Heyday Films, Miramax Films
Cásting: Leo Davis, Pippa Hall
Dirección artística: Mónika Esztán, Razvan Radu, Rod McLean, Szilvia Ritter
Diseño de Producción: Martin Childs
Fotografía: Benoît Delhomme
Montaje: Michael Ellis
Música: James Horner
Productor: David Heyman, Gábor Váradi, Mary Richards, Péter Miskolczi, Rosie Alison
Productor ejecutivo: Mark Herman
Vestuario: Natalie Ward

SINOPSIS

Berlín, 1942. Bruno (Asa Butterfield) tiene 9 años y desconoce totalmente el significado de la Solución Final y del Holocausto. No es consciente de las pavorosas crueldades que su país está infligiendo a los pueblos de Europa. Todo lo que sabe es que su padre (David Thewlis) ha ascendido en su trabajo y que ha pasado de vivir en una confortable casa de Berlín a una zona aislada en la que no hay mucho que hacer y sobre todo nadie con quien jugar.

Pero todo cambia cuando conoce a Shmuel (Jack Scanlon), un chico que vive una extraña existencia paralela al otro lado de la alambrada y que, como todos los que habitan allí, viste un uniforme similar a un pijama de rayas. La amistad de Bruno con Shmuel marcará el fin de su inocencia infantil. Sus encuentros secretos desembocan en una amistad cuyas consecuencias serán asombrosas y devastadoras.

CRÍTICA

Tengo que reconocer que esta es una de esas películas que me decido a ver por sorpresa, sin ser uno de esos films esperados durante meses. Y es que mi desconocimiento hacia la película hacía que el título me diese la sensación como si se tratara de alguna comedia tonta de esas tipo Scary Movie y derivados. NADA MÁS LEJOS: sin ser un film redondo, es de esos que me sorprende como lo hacen sólo unos pocos títulos a lo largo del año, y como lo hizo en su momento La vida es bella, la película con la que (quizás) pueda tener más paralelismos este film.

La historia nos narra el Holocausto Judio visto desde la perspectiva de un niño de nueve años cuyo padre (oficial del ejercito nazi) es trasladado cerca de un campo de concentración. El pequeño no tiene ni idea de que en esos momentos se está produciendo la masacre más vergonzosa de la historia europea del último siglo, para él sólo importa el hecho de que el traslado de su padre (y toda su familia) de la ciudad a una mansión rural ha significado quedarse sin amigos. Aburrido e inquieto un día conocerá a otro niño de su misma edad, sólo que este es un prisionero del campo de concentración. La inocencia del pequeño protagonista le hará tener curiosidad sobre todo lo que rodea al campo, y su amistad con su homólogo prisionero le llevará a un dramático final capaz de (como mínimo) emocionar al espectador más duro.

El argumento del film es (a grandes rasgos) lo citado arriba, pero sobre un material que se podría citar como sobreexplotado (¿cuantas películas no se han hecho ya sobre la Segunda Guerra Mundial, caso de La Lista de Schindler o La vida es bella por citar sólo dos ejemplos recientes?) la película ofrece algo que personalmente sólo recuerdo del citado film de Roberto Benigni (la visión de una catástrofe desde un punto de vista infantil) pese a que aqui se han quitado todos los elementos de comedia dejando sólo el drama, lo cual hace más duro el desarrollo de la historia, sobretodo cuando ya te imaginas que un buen final es imposible que lo tenga.

Y es que el drama sobre la pérdida de la inocencia infantil que narra el argumento de la película es sólo la línea principal, porque también veremos como la madre del protagonista empieza a darse cuenta de las barbaridades que se cometen, como su padre mantiene una creencia firme en sus ideas (pese a que en algunos momentos ciertas miradas hagan pensar de las dudas interiores que tendrá) o como la hermana poco a poco va comulgando con la doctrina nazi, haciéndose una clara simpatizante. Mientras tanto el pequeño protagonista intenta entender lo que sucede a su alrededor, aunque su amistad con ese "niño con el pijama de rayas" desemboque en un final amargo donde todos tendrán que pagar por sus errores, siendo lo más cruel para los más inocentes.

Eso si, la película no es perfecta debido principalmente a lo manido de su propuesta, y es que a estas alturas poco puede sorprender lo que se cuente (o como se cuente) sobre la Segunda Guerra Mundial, retratada en cine tantas veces y de tantas maneras que parece que no haya nada nuevo que narrar. Incluso desde la vertiente de la tragedia desde el punto de vista infantil citaría el ejemplo de La vida es bella de Roberto Benigni, para mí personalmente un film más redondo que este. Pero pese a ello la simplicidad con la que está narrada la historia la hace perfecta para los espectadores más jóvenes, los cuales pueden empezar a tener un primer contacto con uno de los episodios más graves de la Historia de la Humanidad. O sea, no es la mejor película ni del año ni del tema ni del género, pero sin duda alguna es un film que uno no se arrepiente de haber visto.

En el apartado actoral citaría sobretodo a los dos niños protagonistas, ambos perfectos en sus papeles si tenemos en cuenta que ambos son muy dificiles (el uno por el sufrimiento que tiene que representar y el otro por la inocente curiosidad que desembocara en sobrecogedor final). El resto de papeles se podrían citar como esquemáticos (y algunos igual daban juego para más, como el personaje del doctor judio que acaba de esclavo pelando patatas) pero aún así reconozco que la película me ha gustado lo suficiente como para ahora irme a buscar el libro en el que está basada para leermelo.

LO MEJOR: Como nos explican toda la historia, es decir, como el niño protagonista entiende "a su manera" lo que ocurre a su alrededor. Su progresiva perdida de la inocencia, unida al también progresivo deterioro de su círculo familiar con su madre y hermana en posiciones totalmente contrapuestas. PERO SOBRETODO EL FINAL: demoledor, trágico, sobrecogedor, fatal,... los adjetivos no me alcanzan. Y es que aunque pueda uno suponer lo que va a pasar (no va a contradecir la historia por todos conocida del Genocidio Nazi) no creo que muchos, porque yo al menos no, se imaginen lo que finalmente ocurre.

LO PEOR: Quizás el marco en el que está englobada la historia (la Segunda Guerra Mundial), siendo un escenario ya visitado en un montón de películas de todo tipo de géneros.

DEATH RACE (LA CARRERA DE LA MUERTE) con Jason Statham y Joan Allen

FICHA TÉCNICA

Título: DEATH RACE (LA CARRERA DE LA MUERTE)
Título original: Death Race
Dirección: Paul W. S. Anderson
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 104 min.
Género: Ciencia-ficción
Reparto: Jason Statham, Joan Allen, Tyrese Gibson, Ian McShane, Natalie Martinez, Robin Shou, Janaya Stephens, Robert LaSardo, Nathalie Girard, Sharlene Royer, Jacob Vargas, Ruth Chiang, Max Ryan, Marcello Bezina
Guión: Paul W. S. Anderson
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Impact Pictures, Relativity Media, Cruise/Wagner Productions, H2S2 Filmproduktionsgesellschaft
Cásting: Helene Rousse, Robin D. Cook, Scot Boland, Victoria Burrows
Director de fotografía: Scott Kevan
Diseño de Producción: Paul D. Austerberry
Montaje: Niven Howie
Música: Paul Haslinger
Productor: Adam Merims, Jeremy Bolt, Paul W. S. Anderson, Paula Wagner, Roger Corman, Tom Cruise
Productor ejecutivo: Dennis E. Jones
Vestuario: Gregory Mah

SINOPSIS

El tricampeón de velocidad Jensen Ames (Jason Statham) es todo un experto a la hora de sobrevivir en el desértico paisaje en el que se ha convertido el país. Cree haber cambiado de vida, pero el ex convicto es acusado de un terrible crimen que no ha cometido. La alcaidesa de Terminal Island (Joan Allen) le obliga a ponerse la máscara de Frankenstein, un favorito del público al que parece imposible matar, y le da dos opciones: competir o pudrirse en una celda.

Con el rostro escondido detrás de la máscara metálica, el preso deberá sobrevivir a los tres días más terribles de su vida, enfrentándose a los peores criminales procedentes de las cárceles más duras del país si quiere salir libre. Al volante de un monstruoso coche armado con ametralladoras, lanzallamas y lanzagranadas, este hombre desesperado será capaz de destruir todo lo que se interponga en su camino para ganar el juego de masas más retorcido de la tierra.

CRÍTICA

Hay películas que nacen para ser disfrutadas principalmente por un público potencial, y eso se nota en casos como esta Death Race (La Carrera de la Muerte), título dirigido principalmente a espectadores jóvenes y masculinos. Remake de la película Death Race 2000 de 1975 protagonizada por David Carradine y Sylvester Stallone, aquí son Jason Statham y Tyrese Gibson los que encarnan a los dos principales contrincantes de la carrera.

La película (¿para que negarlo?) es exactamente lo que uno se puede imaginar: un film de acción que cumple todos los arquetipos del género (a saber: tipos duros, tías buenas, carreras de coches espectaculares y mucha acción). Ambientada en un hipotético año 2012, el film hace una clara crítica hacía los reality-shows que pueblan las cadenas de televisión, ya que los protagonistas (reos condenados por diferentes motivos) pasan de ser unos don nadie a ser héroes sólo por participar (y sobrevivir) a la carrera que da título al film. Allí irá a parar el protagonista encarnado por Jason Statham tras ser acusado falsamente del asesinato de su esposa, dándose cuenta enseguida que sus enemigos no sólo están entre los otros presos sino también en la severa jefa de la prisión y máxima organizadora de La Carrera de la Muerte, encarnada con bastante solvencia por una sorprendente Joan Allen.

El mayor problema de la película reside en su guión, que si bien es exactamente lo que uno puede esperar de un título así, no aporta nada novedoso, siendo el conjunto una sucesión de tópicos de lo más manidos que hacen recordar a uno películas como Encerrado con Sylvester Stallone y Donald Sutherland, cuya relación en el citado film vendría a ser el equivalente de la que mantienen aquí los personajes de Jason Statham y Joan Allen. Por su parte la carrera que da título al film, dividida en tres fases, vendría a recordar a la saga de Mad Max sobretodo en el aspecto de los automóviles, si bien la cantidad de armas y métodos para destruirse mutuamente que tienen esos vehículos hace pensar que estemos viendo un videojuego y no un largometraje usual.

En el transcurso de la mortal carrera el protagonista descubrirá que el asesinato de su esposa por el que fue encarcelado era simplemente una excusa para traerlo a prisión y obligarlo a competir en este deporte extremo, pudiendo averiguar quien lo hizo (y, lógicamente, tomándose la justicia por su mano). Pero tanto ese hilo argumental como el de la compañera femenina que tiene durante la carrera (encarnada por la guapísima Natalie Martinez) o las disputas entre los diferentes presos para provocar las rencillas que luego se disiparán en la violenta competición sobre ruedas son simples excusas para que, como si de un videojuego se tratara, el espectador vaya pasando de nivel a nivel por las tres fases de la carrera, hasta un previsible final donde los dos máximos competidores lucharán entre si por ganar, teniendo el incentivo de la libertad como premio final.

En resumidas cuentas, siendo un título de acción de clarísima serie B, y al que quizás se le puede echar en cara su sincopado montaje (algo, por otra parte, parece que usual en el cine de acción actual) si uno asume lo que va a ver puede pasar un rato entretenido y sin complicaciones, pese a no ser un título que vaya a acabar entre lo mejor del año. Aún así personalmente para mi es mejor que la psicotrónica Speed Racer, que también se movía en el campo de las carreras automovilísticas.

LO MEJOR: Su falta de pretensiones, su entretenimiento, su claro espíritu de serie B y unos actores solventes para lo que tienen que hacer, encabezados por un héroe de acción como Jason Statham y una mala muy mala a cargo de Joan Allen.

LO PEOR: Su falta de originalidad, no sólo porque recuerde a films como Encerrado o Mad Max, sino porque en ocasiones parece más un videojuego que una película.

ASESINATO JUSTO con Robert de Niro y Al Pacino

FICHA TÉCNICA

Título: ASESINATO JUSTO
Título original: Righteous kill
Dirección: Jon Avnet
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 101 min.
Género: Thriller
Reparto: Robert De Niro, Al Pacino, Curtis "50 Cent" Jackson, Carla Gugino, John Leguizamo, Donnie Wahlberg, Brian Dennehy, Trilby Glover, Saidah Arrika Ekulona, Alan Rosenberg, Sterling K. Brown, Barry Primus, Melissa Leo, Alan Blumenfeld, Oleg Taktarov, Shirly Brener, Frank John Hughes, Terry Serpico
Guión: Russell Gewirtz
Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España
Productora: Millennium Films, Emmett/Furla Films, Grosvenor Park Media, Nu Image Films, InVenture Entertainment
Cásting: Nancy Klopper
Dirección artística: Christina Ann Wilson
Diseño de Producción: Tracey Gallacher
Fotografía: Denis Lenoir
Montaje: Paul Hirsch
Música: Ed Shearmur
Productor: Alexandra Milchan, Avi Lerner, Boaz Davidson, Brian E. Frankish, Daniel M. Rosenberg, George Furla, Jon Avnet, Lati Grobman, Marsha Oglesby, Randall Emmett, Scott Putman
Productor ejecutivo: Danny Dimbort, Trevor Short
Vestuario: Debra McGuire
Fecha de estreno en España: 3 de octubre del 2008

SINOPSIS

Después de 30 años como compañeros en un estresante departamento de policía de Nueva York, los condecorados detectives Turk (Robert de Niro) y Rooster (Al Pacino) no están preparados para jubilarse. Algunos presuntos criminales han sido asesinados en diferentes puntos de la ciudad. La policía sabe que se trata de un asesino en serie porque junto con los cuerpos se encuentran unos poemas, una pista clara del motivo de los crímenes.

La agente del CSI Karen Corelli (Carla Gugino) se interesa por el caso cuando encuentra los rítmicos poemas en cada una de las víctimas. Los detectives Perez (John Leguizamo) y Riley (Donnie Wahlberg) desean resolver el caso antes que los chapados a la antigua Turk y Rooster. El teniente Hingis (Brian Dennehy), su jefe, sólo quiere resolver el caso, especialmente porque las pruebas señalan a uno de los suyos, un policía.

Desde que aparece la primera víctima, el chulo del "skate" Rambo (Rob Dyrdek), seguido por el montaje orquestado para arrestar al dueño de un club nocturno, Spider (Curtis '50 Cent' Jackson) en el que participa una abogada de Manhattan, Jessica (Trilby Glover), que tiene problemas con la droga; las cosas se van aclarando lentamente en el departamento de policía.

¿Cómo se puede detener a este asesino que se toma la justicia por su mano?

CRÍTICA

Estoy seguro que los artífices de esta película pensaron que teniendo en la misma a Robert de Niro y Al Pacino ya tenian bastante. No en vano estamos hablando de dos de los MEJORES ACTORES CLÁSICOS que hay ahora mismo aún trabajando en Hollywood. Porque muchos de los que ven una película en ocasiones se decantan por tal o cual título puede que sólo por el nombre o los nombres de los protagonistas, ¿a que si? Con lo cual tener a semejante pareja es toda una ventaja.

Pues no os lleveis a engaños, la cosa no merece la pena. Es cierto que en su día su anterior encuentro cinematográfico (Heat) tuvo polémica por saber si habian coincido en alguna escena o no (por como había sido rodada). Aqui eso queda resuelto porque se les ve varias veces a los dos juntos interactuando, pero el problema es el conjunto. O más bien la ausencia de originalidad del mismo.

Y es que Jon Avnet ha reunido a dos de los mejores actores de todos los tiempos en un film típico y tópico sobre asesino en serie que se toma la justicia por su mano y los dos policias que lo persiguen, sospechándose que uno de los dos es el criminal. Esta historia no aporta NADA al género del thriller, porque lo que se ve ya se ha visto un montón de veces, y la falta de innovación del producto deja el peso del film en los hombros de la pareja protagonista, la cual lo resuelve de manera correcta pero dejando en el espectador la insatisfacción de que dos nombres así se hubieran merecido una película de mayor calidad.

Y es que si cambias a los dos actores protagonistas por cualquier otro (pero de verdad, CUALQUIER OTRO) el resultado final sería el mismo (o incluso peor), porque la pobreza de un guión irregular, arquetípico y neutro provoca bastante poco interés en una historia que parece casi de telefilm de media tarde, pese a la (relativa) sorpresa final sobre cual de los dos es el asesino que provoca toda la investigación (pero que no logra levantar el interés de una película ya obviable desde su comienzo).

LO MEJOR: Robert de Niro y Al Pacino.

LO PEOR: (Casi) todo lo demás, principalmente por su total falta de originalidad y sorpresa.

VICKY CRISTINA BARCELONA de Woody Allen

FICHA TÉCNICA

Título: VICKY CRISTINA BARCELONA
Dirección: Woody Allen
País: España, Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 96 min.
Género: Comedia dramática
Reparto: Javier Bardem, Patricia Clarkson, Penélope Cruz, Kevin Dunn, Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Chris Messina
Guión: Woody Allen
Distribuidora: Mediapro
Productora: Gravier Productions, Mediapro Pictures, Antena 3 Films
Diseño de Producción: Alain Bainée
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Montaje: Alisa Lepselter
Productor: Bernat Elias, Gareth Wiley, Helen Robin, Letty Aronson, Stephen Tenenbaum
Productor ejecutivo: Charles H. Joffe, Jack Rollins, Javier Méndez
Vestuario: Sonia Grande

SINOPSIS

Durante un viaje a España, dos jóvenes turistas estadounidenses, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson), ven cómo su mundo comienza a desintegrarse de manera compleja. El encuentro con un pintor español desinhibido (Javier Bardem) y las proposiciones de éste, finalmente aceptadas por las turistas, se convierten en el detonante de una historia que tiene otro vértice, la trastornadora aparición de la exmujer del pintor (Penélope Cruz) en sus vidas.

CRÍTICA

No voy a negar que alguna vez veo material audiovisual (series y/o películas) bajadas de internet. Yo nunca lo he mirado como pirateo, sino simplemente para aprovecharme ya que como a los pases de prensa mayoritariamente no puedo ir, al menos así puedo adelantar algún que otro título y dar mi opinión anticipada (y, claro está, ahorrarme el dinero si el resultado no merece la pena o verlo luego en cine si considero que si la merece, como he hecho hoy con LOS EXTRAÑOS, que he visto junto a este film). Y en el caso de las series para garantizarme el ver algo que no se como luego será emitido por las televisiones españolas.

Pero bueno, centrándonos en el tema el inicio de este comentario lo he puesto a colación porque en ocasiones muchas de las copias de films son screeners, cuya calidad oscila entre lo correcto y lo abominable. Y al comentarlo yo con gente con las mismas costumbres me comentaron que no sabian como podía ver yo screeners, cuya calidad es pésima comparada con los que estan como DVDrip o similares. Pero yo ya digo que lo único que me importa es la película, y que si esta en si merece la pena ya la veré luego en pantalla de cine cuando se estrene. Vamos, que con esta bastante extensa introducción lo que vengo a decir es que a mi lo que me importa en última instancia es la calidad de lo que veo más que en qué condiciones lo veo.

Y lo anteriormente citado viene a colación también por el idioma, porque Vicky Cristina Barcelona la he visto en una copia en catalán. Y que nadie piense que la crítica que voy a hacer a continuación es debido al idioma, porque aunque reconozco preferir las películas dobladas al castellano o en versión original subtitulada antes que en catalán, he de felicitar a los dobladores porque reconozco que han hecho en este caso un gran trabajo. Pero empezamos con el problema y ese es para mi Woody Allen. Todo el mundo tiene algún actor o actores y algún director o directores con los que no congenia, y eso a mi me pasa en el caso de estos últimos con Pedro Almodovar y Woody Allen. Sus películas me da la sensación de que giren siempre sobre lo mismo, con elementos comunes y estéticas similares. Es cierto que eso es un signo identificativo de cada uno, como lo puede ser de otros que si me gustan como Guillermo del Toro, pero la clave está en que los estilos de estos en cuestión no me van.

Con eso no quiero decir que sean malos directores, Allen por ejemplo ha dado al cine muchos clásicos entre ellos La Rosa Púrpura del Cairo, uno de mis films favoritos de él. Y Almodovar me pareció correcto en la celebre Todo sobre mi madre. Pero suelen ser casos puntuales. Y Vicky Cristina Barcelona es de las que no me ha convencido plenamente, ya que (por así decirlo) mezcla los conceptos que no me gustan del cine de Allen con los del cine de Almodovar, algo que se nota mucho por el hecho de estar rodada (mayoritariamente) en Barcelona. Y es que se cae en todos los tópicos habidos y por haber, dando la (falsa) sensación de que esta ciudad (yo vivo en ella) es algo así como la versión contemporánea del Paris de Moulin Rouge, con todo lleno de artístas bohemios con graves problemas emocionales o existenciales.

Eso no quita para que como muestra visual de lo que es la ciudad no resulte atractiva, porque otro de los puntos buenos del film es la hermosa fotografía del gran Javier Aguirresarobe, maestro que ya demostró su capacidad en otros films como Mar Adentro o Los Otros. Pero es que los personajes que presenta Allen no consiguen transmitirme nada: Javier Bardem tiene durante todo el film una pose de chulo y engreido con la que es dificil congeniar, Scarlett Johansson podía ser un atractivo visual (que no digo que no) pero su personaje es de una chica tan pánfila y atontada que pone nervioso al espectador (al menos a mi me pasó) con reacciones insipidas que muchas veces no vienen a cuento (igual es problema de las pocas dotes actorales de la actriz, aparte del rotundo físico que tiene). En ese sentido sería Rebecca Hall la que tendría a su cargo el rol más sensato del argumento, si no fuera porque el antojo que le hacen tener a su personaje hacia el de Bardem bordea lo estúpido en más de una ocasión (y de dos).

Curiosamente mis simpatias nunca han sido muchas hacia Penélope Cruz pero aunque su papel también es bastante tópico, es finalmente el que entretiene más, porque al estar medio loca se pasa casi todo el rato chillando como una chiflada, lo cual consigue entretener sobre el papanatismo de las dos americanas y la excesiva chulería del personaje de Bardem. Pero eso no quita para que en líneas generales todos los actores tengan a su cargo roles bastante arquetípicos, los cuales muestran aún más sus errores por el distanciamiento que uno siente hacia ellos, propiciado además por la voz en off que nos narra el film.

Y del resto poco a comentar, siendo una historia de amores, desamores, dudas morales y existenciales pero en donde la falta de interés hacia los personajes hace que a uno le queden finalmente sólo las bellas imágenes como contrapunto a una película que pese a su corta duración, se me hizo bastante cansina en su parte final. Pese a ello no la suspendo por los detalles positivos citados... aunque tampoco creo que merezca un aprobado.

LO MEJOR: El personaje de Penélope Cruz (más divertido de lo esperado) y la fotografía de Javier Aguirresarobe (que muestra una ciudad preciosa, así como también Oviedo, donde transcurre parte de la acción).

LO PEOR: Los arquetipos y clichés de los personajes, algo que se nota sobretodo en el chulesco personaje de Bardem y en el papanatas personaje de Scarlett Johansson, y los tópicos que pueden hacer pensar que Barcelona es una ciudad de artistas bohemios al estilo del Paris de Toulose Latrec. Y la historia, que no da para tanto haciéndose ya bastante cansina en su parte final.

BABYLON A.D. con Vin Diesel

FICHA TÉCNICA

Título: BABYLON
Título original: Babylon A. D.
Dirección: Mathieu Kassovitz
País: Estados Unidos, Francia
Año: 2008
Duración: 90 min.
Género: Ciencia-ficción, thriller
Reparto: Vin Diesel, Mélanie Thierry, Michelle Yeoh, Lambert Wilson, Mark Strong, Jérôme Le Banner, Charlotte Rampling, Gérard Depardieu, Joel Kirby, Souleymane Dicko, David Belle, Radek Bruna
Guión: Mathieu Kassovitz, Eric Besnard, Joseph Simas
Distribuidora: Aurum Producciones S.A.
Productora: Canal +, Twentieth Century-Fox Film Corporation, Légende Films, MNP Entreprise, Okko Productions
Cásting: Gigi Akoka, Jina Jay
Dirección artística: Claudio Campana, Jindrich Kocí, John King, Karen Wakefield, Milena Koubkova, Olivier Raoux, Ora Ito, Peter James, Robert Cowper, Stephen Wong, Thomas Brown
Diseño de Producción: Paul Cross, Sonja Klaus
Fotografía: Thierry Arbogast
Montaje: Benjamin Weill
Música: Atli Örvarsson
Productor: Alain Goldman, Kevan Van Thompson, Mathieu Kassovitz, Selwyn Roberts
Productor ejecutivo: Avram 'Butch' Kaplan, Benoît Jaubert, Gary Ungar, Marc Jenny
Vestuario: Chattoune, Fab
Estreno en USA: 29 de agosto del 2008
Estreno en España: 26 de septiembre del 2008

SINOPSIS

En un futuro próximo, un mercenario recibe la misión de escoltar a una bella joven desde Rusia hasta Estados Unidos. Durante el viaje, se ven sometidos a incesantes persecuciones, numerosos tiroteos y situaciones límite.

CRÍTICA

Poco antes del estreno en Estados Unidos de esta película, el director de la misma empezó a despotricar sobre el resultado final, diciendo que no se parecía en nada a lo que él hubiese hecho, habiendo quedado en poco más que una basura. Pues os digo una cosa: otra cosa no, pero el hombre ha sido sincero.

Babylon (ya que aqui en España parece que no tendrá el AD del final) es una mala película con ínfulas de grandeza y con aires de superioridad, que son precisamente los que más empeoran un resultado final que con menos prepotencia hubiera tenido mejores resultados teniendo en cuenta el aire de serie B de lo que vemos en pantalla. Pero el mayor problema de la película es su protagonista: Vin Diesel es actualmente al género del cine de acción como lo fue Steven Seagal hace unos años: un simple cacho de carne con mínima expresión, menos sentido del humor y puños muy sueltos. Y como dice el refrán: "por mucho que la mona se vista de seda, si mona es mona se queda".

Lo malo es que probablemente por ese recorte de metraje que ha sufrido la película (la versión inicial creo haber leído que duraba dos horas y media) hay ocasiones en que parece que el film tenga buenas ideas, pero lamentablemente ninguna pasa de un simple esbozo, perjudicado además por un guión que pretende ser innecesariamente rebuscado y por unos aires de grandeza como si nos estuvieran presentado el nuevo Blade Runner, cuando la cosa quedaría más cerca de subproductos del citado Seagal o de Jean Claude Van-Damme. Incluso este mismo año se ha estrenado otra película (Doomsday de Neil Marshall) con similar planteamiento (ciencia-ficción post-apocalíptica) pero con resultado muy superior dentro de la serie B donde también estaba englobada.

En cuanto a los actores, fuera de un hierático Diesel el resto de actores pasan por el metraje sin dejar huella, lo cual es bastante triste si tenemos en cuenta que por ahi hay nombres como los de Charlotte Rampling, Gerard Depardieu o Michelle Yeoh. En ese sentido un actor de acción paralelo a Vin Diesel podría ser Jason Statham y este, con intenciones más humildes en sus films, consigue resultados mucho más entretenidos.

LO MEJOR: Es breve (90 minutos frente a las dos horas y media que duraba originariamente).

LO PEOR: Vin Diesel y la prepotencia con la que nos quieren vender esto como si fuera una obra maestra que dista mucho de ser.

LOS EXTRAÑOS (THE STRANGERS) con Liv Tyler

FICHA TÉCNICA

Título: LOS EXTRAÑOS
Título original: The Strangers
Dirección: Bryan Bertino
País: Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 85 min.
Género: Terror
Reparto: Alex Fisher, Peter Clayton-Luce, Scott Speedman, Liv Tyler, Gemma Ward, Kip Weeks, Laura Margolis, Glenn Howerton
Guión: Bryan Bertino
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Vertigo Entertainment, Intrepid Pictures, Mandate Pictures, Rogue Pictures
Cásting: David Rapaport, Lindsey Hayes Kroeger, Tracy Kilpatrick
Dirección artística: Linwood Taylor
Director de fotografía: Peter Sova
Diseño de Producción: John D. Kretschmer
Montaje: Kevin Greutert
Música: Tomandandy
Productor: Doug Davison, Nathan Kahane, Roy Lee, Thomas J. Busch
Productor ejecutivo: Joseph Drake, Kelli Konop, Marc D. Evans, Sonny Mallhi, Trevor Macy
Vestuario: Susan Kaufmann

SINOPSIS

Cierre la puerta con llave y piense que está seguro. Aún se desconocen todos los detalles del horror que tuvo lugar en la segunda residencia de la familia Hoyt, ubicada en el 1801 de Clark Road, el 11 de febrero de 2005.

Champán. Pétalos de rosas. Velas. Kristen McKay (Liv Tyler) y James Hoyt (Scott Speedman) habían decidido pasar una noche especial en la aislada segunda residencia de la familia Hoyt. Al regresar a casa después de asistir a la boda de una amiga, el mundo de la feliz pareja se derrumba cuando alguien llama a la puerta a las 4 de la mañana y pregunta, con extraña voz:

"¿Está Tamara?"

CRÍTICA

Que el terror es uno de los géneros que está más desgastado en la actualidad lo prueba el hecho de que este año se vaya a estrenar Saw 5 o que a principios del que viene veamos un remake de Viernes 13. Parece como si la originalidad se hubiera evaporado, repitiéndose una y otra vez la misma fórmula segura. Por eso sorprende una película de las características de Los extraños, ya que sin ser ni novedosa ni sorprendente es interesante y entretenida por lo bien que está llevada la tensión del argumento, hasta el punto de que uno sufre con los mismos protagonistas (cuando normalmente en este tipo de films los personajes suelen ser simples caricaturas antes de que acabe con ellos el psicópata de turno).

Pero lo que más miedo acaba dando es el hecho de lo que no se dice ni se cuenta. Y es que a diferencia de Funny Games (que es a la que, a priori, más pensaba yo que se parecería) aqui hay muy poco diálogo. De hecho nunca sabemos nada de los atacantes: ni sus rostros, ni sus nombres, ni sus motivos. Eso hace tener más miedo, ya que entonces la historia acude al miedo más antiguo del ser humano: a lo desconocido. Cada espectador puede hacerse sus propias teorias.

De todas maneras el planteamiento ya digo que no es original (aparte de a la citada Funny Games también me recordó a Habitación sin salida con Kate Beckinsale) pero pese a esa falta de sorpresa insisto en recalcar como con pocos diálogos y un ritmo muy bien llevado la película consigue entretener y hacer sufrir al espectador hasta llegar a un climax final que se puede definir de cualquier manera menos complaciente (justamente esa parte es la que finalmente aclara el hecho de que ya esté en marcha una secuela de este film).

LO MEJOR: Que la película no explica nada de los atacantes, así como un final que no cae en la resolución típica ante esa situación. Y sobretodo el ritmo, muy bien llevado en su ajustada duración.

LO PEOR: Sorprendente y novedosa no es (a mi me recordó a las citadas Funny Games y Habitación sin salida). Pero está bien resuelta.