FERDINAND, ese pacífico toro que incomodó a FRANCO y HITLER

Esta no pasaría de ser una película de animación más si no fuera porque enseguida me llamó la atención cuando me enteré de que hasta Franco la consideró anti-española. En mi caso tengo que admitir que estoy en contra de esa "supuesta" Fiesta Nacional que son las corridas de toros, por lo que al enterarme enseguida llamó mi atención. De todas maneras permitirme poneros en antecedentes: La historia de Ferdinando es una obra infantil de Munro Leaf que fue publicada en 1936. La misma llamó la atención incluso del famoso Walt Disney que realizó un par de años después un corto de animación que la adaptaba, el cual ganó el Oscar en dicha categoria en 1939. Hasta aqui sería todo normal y corriente, pero en la época en que vieron la luz tanto la historia original como su primera adaptación el mundo estaba revuelto por culpa del tristemente conocido Adolf Hitler en Alemania y de ese aún no olvidado Francisco Franco en España.

¿Qué hicieron con este cuento infantil estos dos dictadores? Prohibirlo: lo que menos les interesaba era que esta apología del pacifismo llegara al público, a lo que encima se añadió aqui en España que fuera una obra contraria a las corridas de toros, mensaje del todo opuesto a lo que el Régimen promulgaba como uno de los detalles más característicos de este pais (y que ya se ha quedado como tópico hasta nuestros dias) Y todo por un simple toro que se niega a aceptar su triste destino, ya que está más interesado en disfrutar del aroma de las flores que en lo que se supone típico de él: demostrar su bravura y embestir.

81 años después de ver la luz la obra original de Munro Leaf e ilustrada por Robert Lawson se estrena esta nueva versión en la que no se ha castellanizado el nombre del toro protagonista. Dirigida por Carlos Saldanha (responsable de otro film tan "autóctono" como fue Rio) y producida por Blue Sky Studios, muchos se preguntarán que es lo que queda de una obra en su momento catalogada como promotora del comunisno, anarquismo, fascismo y pacifismo (¡ey, que SÓLO es un cuento infantil!) siendo la respuesta muy clara: un acertado entretenimiento para el público infantil cuyo mayor handicap es el de montar casi toda la película tan solo con dicho objetivo en la cabeza, lo cual provoca en no pocos momentos que el tono se vuelva demasiado sencillo para el espectador adulto. En esos momentos me acordé de casi toda la filmografía de Pixar, en la que no solo piensan en los más pequeños sino también en los adultos que les acompañarán, radicando ahi esa diferencia de que las obras de la compañía del flexo estén, en su mayor parte, tan bien valoradas por público de todas las edades.

Mi mayor duda antes de ver esta película era la "relativa" incoherencia de que los toros pugnaran por ser los elegidos para ir a la plaza (¿van a ser tan tontos para batirse en duelo por ver quien es torturado y ensartado hasta la muerte?) pero todo queda aqui explicado cuando el propio Ferdinand descubre que no se trata de un duelo justo, y que la mayoría de los toros han acabado allí sus días (o en su defecto en el matadero si no cumples las características para el otro destino) Cuando es consciente de ello comenzará su lucha (pacífica) para intentar evitar cualquiera de esos dos terribles y aciagos finales que parece tener prefijados tan solo por ser lo que es, junto con sus otros compañeros rumiantes a los que intentará convencer de que la bravura no tiene ningún valor cuando tus posibilidades de salir con vida son más bien nulas. Aún lo elogiable del mensaje de concienciación que desprende esta película (claramente dirigido a sus espectadores más pequeños), la misma peca de demasiada dependencia hacia ese público más joven, con supuestos alivios cómicos que no acaban de funcionar (el trio de caballos me sobra) y cierto abuso del slapstick que poco aporta al conjunto (aunque hay algún momento simpático como el que tiene lugar en la tienda de porcelana)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de diciembre de 2017
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• LO MEJOR: Su mensaje, muy habilmente expuesto para concienciar a las próximas generaciones.
• LO PEOR: Su tono, por momentos, demasiado infantil y bufonesco.

STAR WARS EPISODIO VIII: LOS ÚLTIMOS JEDI (crítica sin spoilers)

Hace un par de años El despertar de la fuerza convenció y decepcionó a partes iguales, siendo el más evidente handicap el hecho de que fuera tan respetuosa hacia la primera entrega (la de 1977) que casi se pudiera considerar un remake de la misma (de hecho a mi no me molestó, pero si me dejó con la sensación de que podía haber ido mucho más allá de lo previsto) De todos es sabido que el episodio mejor valorado por los fans de esta saga sigue siendo El Imperio Contraataca, con lo cual uno podía pensar que Disney iría a lo sencillo y si la anterior tomaba como base la original de 1977, esta sería (más o menos) remake de la secuela citada antes. Afortunadamente no ha sido (lo cual creo que es para alegrarse) pero en mi caso no puedo compartir según que valoraciones exultantes que situaban a esta película como la mejor de la saga (hasta la fecha), sin negar en ningún momento que sea un tremendo entretenimiento.

Ante todo estamos ante el típico film en el que que lo mejor para poder verlo y disfrutarlo es no haber desvelado spoilers, pero es justo admitir que de lo planteado en Star Wars: El despertar de la fuerza se da tan solo respuesta a una parte (con resultados no del todo satisfactorios, al menos para mi) dejando otros detalles para la próxima entrega. Pero el más grande handicap que arrastra esta película, aparte del hecho de ser la más extensa de la saga (hasta el momento) es que estamos hablando de una octava entrega, que casi se podría tildar de novena si se suma el spin-off que fue Rogue One, y no hay ninguna franquicia que llegados a este punto no se haya resentido.

Como evidente relevo generacional, con El despertar de la fuerza se nos presentaron a los personajes principales de esta nueva trilogia, pero ninguno de ellos conseguía repetir el carisma que si estuvo presente en el reparto de la trilogia clásica. En este nuevo episodio el tema continua igual, con el (relativo) error de hacer girar la historia sobre dos tramos paralelos que separan a los héroes principales, resultando más interesante el tramo de Daisy Ridley con Mark Hamill que el de John Boyega con el resto, entre los cuales también repite un Oscar Isaac que intenta por todos los medios ser el nuevo Han Solo en un esfuerzo baldio. La difunta Carrie Fisher hace aqui su última aparición como Leia y tengo que comentar que hubo un momento en el que si pensaba que se había calculado milimétricamente para que fuera efectivamente eso (el último) en un giro de guión que podría haber sido coherente con lo que hizo el personaje de Adam Driver en la anterior entrega. Es justo afirmar que en caso de haber sido así se hubiera convertido a Kylo Ren en un villano bastante mejor de lo que es por ser tan solo el nieto de Vader, con todo que también es justo admitir que su personaje mejora un poco en desarrollo, aunque algunas decisiones por su parte se antojan un tanto arbitrarias.

A falta de que en el Episodio IX se les ocurra algo para rellenar ese vacio, hay dos personajes que ya se vieron en el título previo de J.J.Abrams en los que uno había puesto expectativas (te daban a entender que importaban algo) que quedan un tanto defraudadas por la resolución que tienen en esta película, aunque ya supongo que en los múltiples complementos que tiene esta franquicia, bien sean comics o novelas, alguna habrá que responda a dicha cuestión, si bien la primera reacción que te queda es la del mismo desaprovechamiento que tuvo Darth Maul en el Episodio I. Alguno podrá argumentar que Los últimos Jedi es una película con muchos personajes, resultando dificil ser equitativos con todos, pero resulta evidente ese desnivel en dos de los nuevos, los de Benicio del Toro y Laura Dern: mientras que el primero resulta sugerente y te deja con ganas de más, la segunda me dio la sensación de ser bastante superflua y perfectamente prescindible para que esto no se hubiera dilatado hasta las dos horas y media finales. A su favor no hay que olvidarse de citar a los Porg y a los ¿zorros? de cristal del tramo final, que tengo que admitir que se me hicieron simpáticos y llamativos respectivamente, supongo que debido a que no se abusa de ellos.

Otro elemento que puede levantar discrepancias de esta entrega sería su uso del humor, que sin acabar de resultar molesto si hace evidente la citada irregularidad que tiene este film, debido a que mientras que algunos logran funcionar (a lo sumo) de forma correcta, otros se podrían tildar de innecesarios. De hecho si se puede valorar un poco mejor a este Episodio VIII es con la ilusión que cada uno acabe teniendo respecto a lo que puede pasar en el Episodio IX, donde se hace evidente que el peso se sustentará sobre los cimientos que ha creado Disney en esta nueva trilogia, sin el apoyo de personajes clásicos (aunque son libres de meter el cameo más inesperado, como ocurre aqui contando de nuevo con Frank Oz y el personaje al que hizo mítico), lo cual puede derivar en una evidente novedad o en una reiteración sobre los mismos esquemas. Esta Los últimos Jedi circula con desigual fortuna por ambos carriles, planteando detalles nuevos en este variado universo pero que chocan con la sensación (al menos para mi) de que me repiten un esquema que ya tenía la trilogía clásica (El lider supremo Snoke sería el equivalente al Emperador, la Primera Orden lo mismo que el Imperio, etc.) Al menos las precuelas, con sus múltiples errores, dieron la sensación de arriesgar e innovar más.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de diciembre de 2017
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• LO MEJOR: Es un espectaculo tremendamente entretenido con detalles novedosos o como mínimo llamativos, así como giros argumentales más o menos acertados.
• LO PEOR: Su evidente irregularidad, palpable en la disparidad con la que aprovecha (o en este caso desaprovecha) algunos momentos, dilatando demasiado el resultado final.

JUMANJI: BIENVENIDOS A LA JUNGLA, entretenida (crítica sin spoilers)

No resulta extraño en estos últimos tiempos que se estrenen supuestas secuelas, remakes o reboots que llegan a la cartelera muchos años (e incluso en algún caso décadas) más tarde del film inaugural. Ejemplos puede haber muchos, aunque uno de los más recientes que tenemos es el de Blade Runner 2049: una secuela que vió la luz nada menos que 35 años después de la original. Atreverse, cuando ha transcurrido una cantidad de tiempo razonable, con un título considerado más o menos emblemático suele comportar un alto riesgo (y si no que se le digan a los responsables de la versión femenina de Cazafantasmas estrenada el pasado 2016, siendo un título entretenido pero que no se libró de un duro castigo en la taquilla debido justamente a lo emblemático del film original, sobretodo gracias a la química entre su reparto)

En el caso que nos ocupa no estamos ante un reboot o un remake de la película de 1995 que protagonizó Robin Williams, sino que más bien ante algo así como una secuela que aunque deriva del Jumanji inicial, podría considerarse independiente, lo que le permite funcionar no solo de cara a las nuevas generaciones (porque estamos ante una película claramente dirigida al público juvenil) como para los veteranos que en su momento vimos el film previo cuando llegó a las carteleras hace ya 22 años. De hecho en mi caso siempre me extrañó que no se llevara a cabo una secuela cuando Robin Williams aún estaba vivo, porque ya la película original daba pie a ello, pero supongo que fue un proyecto que dió vueltas hasta quedar olvidado en un cajón.

Volviendo al inicio de esta crítica nos encontramos con que en Hollywood nada es intocable, y ahora nos hacen una nueva entrega de Jumanji, sin el que fuera protagonista de la primera (el difunto, que en paz descanse, Robin Williams) y con un dispar cuarteto protagonista, a lo que sumar ciertas licencias sobre el propio Jumanji, que abandona lo de ser un juego de mesa para convertirse en un videojuego. Con semejante panorama lo que yo esperaba era que la relación entre ambos films se quedara tan solo en lo de compartir nombre, siendo por lo demás dos películas del todo diferentes, tan semejantes como un huevo y una castaña (e incluso dejando que la nostalgía me llevará a pensar como se vilipendiaba la cinta original) La sorpresa es mayúscula cuando al verla tengo que admitir que me entretuve bastante más de lo que yo mismo esperaba con una película independiente por ella sola pero muy acertadamente (e incluso emocionalmente) conectada con la anterior en detalles que pueden considerarse secundarios pero que creo que respetan tanto a la película de 1995 como a su máximo valedor, el antes citado Robin Williams.

Para aquellos que tienen en un pedestal al título original, el presente les supondrá más bien un complemento, pero resulta innegable que esta película funciona en sus pretensiones y no acaba siendo el espectáculo bochornoso que podía uno pensar en principio. Mi mayor duda estaba en cambiar la propia esencia de Jumanji, por lo antes citado de pasar de un juego de mesa a videojuego, pero resulta coherente en su planteamiento, lo que le sirve a esta cinta para adoptar hasta las últimas consecuencias la narrativa propia de dichos entretenimientos, lo cual se hace evidente en una historia muy dinámica en la que se van superando hazañas cual si fueran los niveles de un videojuego. O sin ir más lejos, en su cuarteto protagonista, que vendrían a representar (y lo saben) los estereotipos de los personajes propios de dichos juegos para consola. Es justo ahi donde cabe alabar a unos actores con una acertada química para los papeles que tienen que interpretar, que no tienen problema para sacar su vis cómica (y cachondearse de ello), y en donde todos ellos tendrán sus momentos para destacar, siendo quizás Jack Black el que logra un mejor equilibrio al no desmadrarse teniendo en cuenta a quien interpreta.

Tampoco quiero decir que estemos ante una película maravillosa: como es natural tiene altibajos a lo largo de sus casi dos horas de metraje, a lo que sumar detalles (como el villano encarnado por Bobby Cannavale) al que nunca te lo acabas de creer en su pérfido personaje, quedando un poco desaprovechado en el conjunto. Eso si, cabe avisar (que era un temor que tenía viendo lo que ha pasado en recientes films, donde se han "recuperado" digitalmente a actores y sus personajes más allá de la tumba) que se "forzase" de ese modo aunque fuera un breve cameo del Alan Parrish original de Robin Williams, pero tengo que admitir, sin spoilers, que el momento de mayor "conexión" está resuelto de una manera tan sencilla que se puede considerar un hermoso tributo al fallecido actor. En resumidas cuentas el director Jake Kasdan (responsable de films como Bad Teacher) consigue con esta Jumanji: Bienvenidos a la jungla una entretenida y disfrutable película que toma el relevo con dignidad del título precedente, con un acertado cuarteto protagonista que interactuan bien y con algún que otro gag realmente hilarante. No estará entre lo mejor del año pero tampoco es una total pérdida de tiempo como temía.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de diciembre de 2017
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• LO MEJOR: Es un digno tributo al Jumanji original, además de una entretenida película en si misma, favorecida por un cuarteto protagonista muy bien compenetrado.
• LO PEOR: Quien vió la de 1995 añorará el carisma de Robin Williams, aparte de un desarrollo con algunos altibajos y un villano claramente desaprovechado.

EL GRAN DESMADRE (MALAS MADRES 2), más de lo mismo para ellas

Cuando el año pasado se estrenó la cinta previa (Malas madres) la misma triunfó más en su pais de origen (Estados Unidos) que en el resto del mundo, donde tuvo una trayectoria más discreta (de hecho en España tuvo una repercusión más bien mínima) Pero animados por el éxito en taquilla (aunque fuera más bien local) y sin que importe la calidad, se han animado con esta secuela que se estrena justo al año siguiente. La misma lleva por título El gran desmadre (Malas madres 2), y decidí probar suerte con ella ya que la cinta previa, sin tampoco ser ninguna maravilla, me resultó lo justo de entretenida como para concederle la misma oportunidad a su presente continuación.

Y es que es justo esa palabra ("continuación") la que mejor define una secuela tan solo realizada para recaudar más dinero proponiendo un punto de partida más o menos similar pero situándolo en un periodo temporal muy determinado (la Navidad) con todas las costumbres y tópicos que ello conlleva. En unas fiestas tan señaladas se supone que toda buena madre ha de procurar darles a sus hijos todos los detalles que hacen ciertamente empalagosas esas fechas, pero nuestras tres protagonistas vuelven a desmelenarse (aunque sea tan solo lo justo) mientras tienen que lidiar con un nuevo problema, la relación con sus respectivas madres, que vienen de visita.

De nuevo estamos ante una película que dejará mucho más contento al público femenino que al masculino, este último reducido a la más escueta expresión, aunque es justo admitir que en el caso del personaje encarnado por Justin Hartley (del que me sonaba su cara: luego comprobé que fue Oliver Queen en la serie Smallville) resulta bastante simpático (pese a estar reducido a lo más básico de "hombre-objeto") gracias a la irónica relación que se establece entre él y el personaje de Carla (a cargo de nuevo por Kathryn Hahn) cuando el primero tiene que acudir a la segunda para depilarse POR COMPLETO ya que será concursante en una competición de Santa Claus sexys donde (¡como no!) acabarán nuestras tres protagonistas.  El diálogo que hay entre ambos personajes mientras una rasura las partes íntimas del otro es probablemente la escena humorística que mejor funciona en esta secuela, primordialmente porque Hahn consigue ser de nuevo el vértice más simpático del trio femenino principal.

Otro rostro conocido aqui es el de Christine Baranski, que los que sigan la serie The big bang theory la recordarán como la intransigente madre de Leonard Hofstadter, y que en el presente título realiza un papel bastante similar (por no decir que casi idéntico) como progenitora del personaje de Mila Kunis. De entre el trio de madres de las "malas madres" vistas en esta secuela es probablemente la que mejor funciona, pese a que sin duda la que tiene mejores referencias sería Susan Sarandon, pero como progenitora del personaje de Hahn realiza tan solo un mero trabajo alimenticio que cae en todos los tópicos del "vagabundo errante de buen corazón". Por lo demás nada nuevo que contar, basándose casi la totalidad del film en las relaciones entre las madres y sus respectivas madres, que pese a las evidentes discrepancias de caracter en el caso de cada una con sus respectivas hijas, resulta previsible (sobretodo desde la escena en la iglesia) de que todas lograrán la reconciliación familiar.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de diciembre de 2017
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• LO MEJOR: Quien quedara más o menos satisfecho con la primera entrega se encontrará con más de lo mismo.
• LO PEOR: Es una evidente repetición de esquemas (y errores) con el telón de fondo navideño.

COCO, crítica sin spoilers de este DÍA DE LOS MUERTOS según PIXAR

A principios del 2015 se estrenó una película de animación titulada El libro de la vida que tuvo un nivel de éxito más bien escueto (recaudó a nivel mundial más o menos el doble de su presupuesto), aunque fue bien recibida entre cierto sector de la crítica (en el cual me incluyo) Producida por Guillermo del Toro, el citado film nos acercaba a una festividad tan tradicional como es el Día de los Muertos en Mexico desde un punto de vista optimista en una historia tan vibrante como brillante que en su momento llegué a premiar como la mayor sorpresa de aquel 2015. Por eso tengo que admitir que esta 19ª producción de la factoria Pixar venía con las evidentes expectativas comparativas con la antes mencionada El libro de la vida (¿sería "más de lo mismo" o tendría algún toque original?) a lo que añadir la tendencia actual en la compañia del flexo para sacar réditos (o sea, ingresos) de fórmulas conocidas que no arriesgarse con nuevas propuestas (claro ejemplo de lo cual es la serie de secuelas de algunos de sus títulos más populares en los que están ahora enfrascados)

Dando una de cal y otra de arena, si hace unos pocos meses Pixar nos presentó Cars 3, un título tan solo correcto que entraría dentro de ese "uso" de una marca comercial, más allá de un resultado que lucía más en su apartado visual que en el argumental, con esta Coco es todo lo contrario, ya que estamos ante una película que no solo es soberbia a nivel visual sino que resulta tierna y emotiva en lo que nos cuenta (y como lo hace) Con una historia ambientada en esa celebración del Día de los Muertos tengo que admitir que la misma sería toda su semejanza con la antes mencionada El libro de la vida (a lo que sumar el evidente hecho de que ambas sean películas de animación), por lo que aunque no podamos decir de Coco que sea una obra maestra, son tan comprensibles sus pequeños defectos que uno no puede menos que recomendarla para todo tipo de público, ya que tras un inicio realmente prometedor se le puede achacar cierta bajada de ritmo en su tramo medio (lo que no es obstáculo para que el desarrollo funcione de manera muy conveniente) para luego en su tramo final resurgir y cumplir (casi) todas las expectativas que uno podía tener en ella.

No es la primera vez que el cine de animación se acerca al tema de la vida más allá de la muerte, por lo que se puede decir que el mundo de los difuntos en esta película está lleno de luz y colorido como pasaba en La novia cadaver de Tim Burton (aunque también sería tan solo esa semejanza) Y es que pocas veces se ha tratado un tema tan espinoso como el más allá en títulos de animación que, por su misma condición, tienen a su mayoría de público potencial entre los más jóvenes, por lo que también resulta digno de valorar el riesgo a la hora de enfrentarse a un reto así, que los directores de esta película (Lee Unkrich y Adrián Molina) solventan de manera muy notable. Visto desde el punto de vista del adulto que tiene que ir al cine a verla con chavales, la encuentro muy recomendable a la hora de hacerles entender a los más pequeños lo que es y significa la pérdida de un ser querido pero el emotivo hecho de que siempre guardemos su recuerdo. Eso mismo, sumado al de la importancia de la familia, serían los mensajes más claros que nos quiere transmitir esta Coco, y aunque a algunos les pueda parecer tan solo "más de lo mismo", aqui se demuestra que cuando Pixar se esmera puede tocarnos nuestro corazón y nuestra alma, siempre desde el mayor de los respetos, en este caso, a México con su cultura y tradiciones.

La calidad visual es maravillosa (muy mal tendrían que estar las cosas para que en ese apartado fallaran) pero si es verdad que en su historia pueden pecar en su tramo medio de detalles que parecen recordarnos a uno de esos extensos culebrones de sobremesa (aunque igual es una semejanza buscada adrede, no en vano México es un pais creador y exportador de gran cantidad de telenovelas) Asimismo se produce un giro argumental que en mi caso me hizo recordar la película Up, también de Pixar, curiosamente un título donde se tocaba el tema de la muerte, aunque fuera de manera más secundaria en su más que notable prólogo. Pero son pequeños tropiezos que uno le perdona a este film aunque solo sea por su acertado tono tan humano que llegado al final desborda los sentimientos sobretodo hacia el personaje que da título a este film, si bien el que sería su protagonista (el joven Miguel de 12 años) también resulta entrañable en su búsqueda de sus orígenes movido por su fuerte afición a la música, lo que le llevará a conocerse mejor tanto a si mismo como a su familia, todo ello con la fiesta del Día de los Muertos como telón de fondo. Poblada de múltiples referencias hacia su pais de origen (que van desde la de un Ernesto de la Cruz que recuerda a Jorge Negrete hasta las referencias hacia Frida Kahlo) no me extraña que Coco ya sea la más taquillera en la historia de México porque es la mejor carta de presentación que dicho pais podría tener.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de diciembre de 2017
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• LO MEJOR: Es una apuesta arriesgada teniendo en cuenta su público potencial (no olvidemos que aparte de Pixar también es Disney, con lo que eso conlleva) pero que cumple con creces tanto a nivel visual, donde resulta magnífica, como a nivel argumental, donde pese a pequeños baches resulta emotiva y respetuosa.
• LO PEOR: Pequeños detalles en su tramo medio, donde quizás puede hacerse demasiado densa, si bien pronto remonta para cumplir (casi) todas las expectativas planteadas en su origen.

LIGA DE LA JUSTICIA, visto lo visto podría haber sido mucho peor

Los de Warner/DC estan muy desesperados por intentar forjar un universo cinematográfico más o menos cohesionado como el que lleva forjando Marvel desde hace casi una década (cuando estrenó el primer Iron Man) y con más de una docena de títulos en el mismo. Hasta ahora se habían topado con las críticas más bien malas que cosecharon tanto Batman v Superman como la de Escuadrón Suicida, pero vieron el cielo abierto cuando la de Wonder Woman si consiguió dar en el clavo y convencer a casi la mayoría de la crítica y el público. Con la presente Liga de la Justicia que en principio empezó Zack Snyder aunque al final culminó Joss Whedon se la jugaban, y más allá de su previsible éxito en taquilla, ¿el resultado entretiene?

Desde mi punto de vista, y con unas expectativas más o menos justas, tengo que admitir que la película es entretenida aunque en el fondo te da en todo momento la sensación de ser un film que vendría a ser una especie de criatura de Frankenstein, con evidentes carencias pero con algunos aciertos, por lo que en mi baremo totalmente particular diría que supera tanto a Batman v Superman como a Escuadrón Suicida aunque se queda lejos del acierto que fue Wonder Woman. Resulta evidente mientras uno la está viendo que ese esquema que ha llevado a Marvel al éxito es lo que se intenta reproducir aqui, si bien los resultados resultan insuficientes aunque no por ello insatisfactorios.

Muchos acusan a Warner/DC de querer forjar algo deprisa y corriendo, cuando Marvel primero presentó a sus personajes y fue luego cuando los unió, por lo que no resulta extraño pensar que cuando una tragedía personal propició que Zack Snyder abandonara las labores de dirección, las mismas recayeran en Joss Whedon, responsable de las dos primeras entregas de Los Vengadores. Como es lógico buscaban un éxito similar, pero aunque el responsable de Buffy Cazavampiros logró una destacada primera entrega del grupo de superhéroes de Marvel, el resultado ya no fue tan redondo en su secuela. Visto lo visto, y desde esa valoración, digamos que esta Liga de la Justicia quedaría más o menos al mismo nivel que tuvo Joss Whedon en la primera secuela de Los Vengadores (pero más abajo), aunque me imagino que ese trasvase al estilo Marvel se ha propiciado en parte en lo que él buenamente haya podido intervenir (que se supone un 15 o 20% del total)

Liga de la Justicia es un puzzle donde hay elementos que encajan bien y otros que no tanto: en origen parece ser que Zack Snyder quería seguir el estilo ya planteado en Batman v Superman (que bien podría considerarse como el episodio previo a esta película) pero la antes citada mala recepción crítica debió de influir en que solicitaran rebajar esa trascendencia que no acababa de cuadrar (de hecho es que en mi opinión ya Zack Snyder NO acertó ni desde la de El hombre de acero, por lo que no entiendo la perseverancia de mantenerlo al frente tanto de la antes citada Batman v Superman como de la parte de la que él sea responsable del presente título) Es por ello que esta película asume los errores pasados y los corrige usando la misma fórmula que le lleva funcionando a Marvel en estos años, por lo que es mejor esperar hasta el final de los títulos de crédito para ver las dos escenas que hay tras los mismos (por citar un detalle, aunque no es el único)

En estos grupos de superhéroes siempre hay alguno que vendría a ser una especie de alivio cómico y esa es la labor de The Flash a cargo de un Ezra Miller que como dicho personaje (y su alter-ego Barry Allen) cumple con corrección, siendo muy magnánimos, aunque te hace añorar al Grant Gustin de la serie de televisión. Mejor suerte corre el Aquaman de un Jason Momoa convincente, que el próximo año veremos de nuevo encarnando a ese personaje en su propio film en solitario bajo la batuta de James Wan, el cual esperemos que corra la misma suerte que ha tenido Wonder Woman, que aqui vuelve a ser tan interesante como lo fue tanto en su título en solitario como en su breve aparición en Batman v Superman. Cyborg es tan solo uno más, y al igual que pasa con The Flash digamos que no molesta pero tampoco emociona (nunca se llega a empatizar con él), aunque la peor parte se la lleva de nuevo el Batman de Ben Affleck, actor que en todo momento denota el poco interés que tiene, lo que nos lleva a lo poco destacado que es su personaje pese a ser el supuesto lider del grupo.

De Superman no he citado nada pero digamos que si el nombre del actor que lo interpreta está presente en el reparto de la película, será porque aparece en algún momento, ¿no? Yo pensaba inicialmente que su resurrección sería la escena que hay tras los créditos pero no es así, aunque no aclaro más (para no desvelar spoilers) si bien destaco el gran acierto de volver a usar el tema de John Williams para este personaje (aunque sea un par de tonos), lo cual se podría añadir a la recuperación del tema de Batman que hizo Danny Elfman (responsable también de la banda sonora de este film) para la primera película de Tim Burton. Si en el primer caso me llevó a volver a sentir, aunque sea emocionalmente, el espíritu del Superman de Donner, en el segundo se plantea una disyuntiva: ¿es este Batman la "evolución" del de Michael Keaton? Hay cierto casual comentario por parte de Alfred que puede llevar a recordar al Batman vuelve, también de Tim Burton...

Héroes, héroes y más héroes pero, ¿y el villano? Steppenwolf es un personaje del que NO he leído nada por lo que no tengo ningún tipo de referencia previa más allá de lo que aqui me muestran. ¿Merece la pena? Pues digamos que cumple lo justo con su papel de ser la causa que una a todos estos superhéroes, pero quizás podría haber dado más de si, ya que en ningún momento resulta tan temible como nos quieren mostrar de forma insistente. Eso si, cuando sus poderes se desbordan en la previsible batalla final (aunque previamente ya había habido algún detalle así) resultan muy evidentes los efectos CGI, lo cual desmerece en una película cuya mayor parte del presupuesto se supone que se ha invertido en los mismos. Al final se puede decir que poniendo todos los elementos en una balanza esta Liga de la Justicia se inclina levemente hacia ese lado positivo de un mero producto que ensamblando detalles por aqui y por allá logra no ser el desastre que muchos vaticinaron, si bien tampoco es (ni de lejos) la película que podría haber sido.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre de 2017
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Para bien o para mal, el decantarse por el funcional sistema con el que Marvel lleva triunfando desde hace casi una década.
• LO PEOR: Que siguiendo un patrón ya conocido se diluya toda novedad, aparte de la evidente huella que han dejado los múltiples remontajes que ha tenido antes de ver la luz.

ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS de (y con) KENNETH BRANAGH

Cuando conocí y me aficioné a las historias de Sherlock Holmes pronto me encontré con el handicap de haberlas leido todas, y aunque ahora es más facil y popular encontrar todo tipo de pastiches de ese personaje, a finales de los ochenta no era así. En mi búsqueda de algo más o menos similar fue cuando conocí y leí las obras de Agatha Christie, en las que tuve mi primera aproximación a dos personajes clásicos de las mismas como la venerable Miss Marple o el investigador belga Hercules Poirot (que bien podría considerarse como una variante del inicial Holmes) Y si la historia más popular del famoso investigador de Baker Street sería la de El sabueso de los Baskerville, en el caso del detective belga obra de Agatha Christie es sin duda la de Asesinato en el Orient Express, pero que sea la más popular no significa que sea la mejor.

Aunque el tiempo va difuminando el recuerdo paulatinamente, el hecho de que no era la mejor historia del personaje continuaba latente en mi memoria cuando me subí a esta nueva versión que ha dirigido Kenneth Branagh, 43 años después de la más famosa a cargo de Sidney Lumet y también con un reparto estelar en el que figuraban Lauren Bacall, Sean Connery, Martin Balsam, Ingrid Bergman, Jacqueline Bisset, Albert Finney, John Gielgud, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Richard Widmark y Michael York. Reconozco que el tiempo transcurrido tanto desde que leí la novela como desde que ví la adaptación anterior habían borrado de mi memoria la solución de esta historia, pero una vez vista aqui me recordé de la previa... y de por qué me decepcionó.

Esta nueva adaptación de la obra de Agatha Christie coincide con la de Lumet en tener un reparto estelar en el que figuran desde el propio Branagh encarnando a Poirot hasta jóvenes promesas como Daisy Ridley (protagonista de la nueva trilogia de Star Wars) pasando por veteranos como Michelle Pfeiffer, Willem Dafoe y Judi Dench u otros como Penélope Cruz y Johnny Depp. Pero pese a un plantel tan solvente de talentos de todo tipo y condición, la sensación final que queda es no haberlos aprovechado del todo, siendo más bien meros reclamos comerciales para atraer la atención del espectador. No voy a desmerecer su trabajo, pero la historia resulta tan arquetípica que tan solo sirven para ir haciendo apuestas de cual será al final el culpable (otra cosa es la decepcionante solución que se le da al misterio, coincidiendo con la adaptación de 1974, y claro ejemplo de por qué esta NO es la mejor historia de Hercules Poirot, pero en eso la culpa no la tienen ni en esta el trabajo de Branagh ni en la de entonces Lumet sino la novela original)

Al igual que el antes citado Holmes es un personaje con unas características muy definidas (y que enseguida uno asocia o a él o a quien quiere imitarlo) el detective Poirot también, y ahi resulta todo un acierto el trabajo de Branagh como actor ya que sabe recrear con acierto el tono pedante y egocéntrico del personaje, al que además dota de un mostacho (porque eso va más allá de "bigote") que encontré demasiado exagerado, si bien sirve para marcar bien su estilo y personalidad. Si por algo se hizo famoso Branagh en sus inicios fue por su gran pasión por Shakespeare, por lo que él era el más indicado para llevar a cabo una adaptación clásica como la presente, pero la misma peca de brillar más en su prólogo, en el Muro de las Lamentaciones de Jerusalem, que en una historia esquemática resuelta de manera profesional (no tengo nada que objetar a la solvencia del reparto, esté más o menos aprovechada, o al meticuloso diseño de producción, por citar dos detalles), en la que se hecha en falta, sin negarle que resulta entretenida, el ser algo más arriesgada y algo menos académica.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de noviembre de 2017
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: La labor de Branagh como actor (resulta un acertado Poirot) así como de director (ofreciendo una clásica adaptación de la obra más popular de Agatha Christie), además de un reparto solvente (otra cosa es que esté más o menos aprovechado), un cuidado diseño de producción y una muy acertada labor de fotografía.
• LO PEOR: Que sea la más popular no significa que sea la mejor, lo cual queda patente en una solución un tanto decepcionante (aunque eso ya viene de origen), a lo que sumar cierto exceso de clasicismo y poco riesgo, frente a un prólogo en Jerusalem que puede ofrecer unas falsas expectativas al espectador.

FELIZ DÍA DE TU MUERTE, o ATRAPADO EN EL TIEMPO más SCREAM

La década de los noventa nos ofreció, entre otras MUCHAS películas, dos que fueron unos rotundos éxitos así como dos films realmente notables y destacados, cada uno por sus propios motivos: me refiero a Atrapado en el tiempo de Harold Ramis y Scream de Wes Craven, que serian los más claros ejemplos con los que se puede comparar al presente título, el cual mezcla sin problemas las premisas básicas de las películas antes citadas. De hecho incluso cita a la primera de ellas, en un detalle referencial que si acaso se me antojó demasiado evidente, ya que aunque resulta muy clara la inspiración tampoco es plan de desvelarla (si bien puede servir para que descubra la película de Ramis una nueva generación: la de los adolescentes actuales hacia los cuales va dirigida de forma precisa la presente cinta, y que como deja bien palpable el momento, pueden desconocer todo tipo de cine anterior al cambio de milenio)

Tengo que admitir que no he visto casi ninguna de las películas anteriores de la productora Blumhouse, siendo la única excepción Múltiple, pero si son el resto tan medianamente entretenidas como esta (que también es de ellos) no descarto darles una futura oportunidad. Pero centrándonos en el presente caso cabe indicar que hay que disfrutar de esta película con esa misma ligereza que ella denota en todo momento, ya que esta inesperada sorpresa de que estemos ante un título reivindicable en su sencillez se basa sobretodo en que no esconde sus artificios y no aspira en ningún momento a ser un film primordial, sino tan solo un divertido pasatiempo.

La protagonista de esta película (a cargo de la actriz Jessica Rothe, vista por ejemplo en La La Land) es una universitaria con todos los estereotipos como para que de entrada te caiga mal, que por circunstancias que nunca se nos llegan a aclarar (aunque tampoco hace falta) se ve obligada a repetir una y otra vez el aciago día de su cumpleaños, en el cual ella siempre acaba asesinada por un misterioso personaje que se esconde tras una máscara. Con semejante premisa argumental a un espectador veterano le son evidentes los parecidos con los títulos citados al principio de esta crítica, pero como la propia película es consciente de ello, se dedica a jugar con el espectador de una manera simpática para hacernos cavilar quien será la persona que se esconde tras la citada máscara, si bien Christopher Landon (el director de esta cinta) no consigue llegar al acierto de un experto en el género como fue Wes Craven, lo que se hace bastante palpable en su sencilla (aunque razonada) resolución.

De todas maneras hay que reconocer que su intención no es ser la cumbre de la originalidad, y ese evidente desenfado con el que está llevada a cabo (y que es el mejor talante para verla y disfrutarla) se hace evidente en su claro propósito de ser una mezcla de conceptos atrayente y simpática (algo claro desde el inicio, con el logo de la Universal reiniciándose varias veces antes de dar comienzo la película) más que el hecho de llegar al nivel de sus fuentes de inspiración, un objetivo que tampoco pretende, siendo consciente de sus limitaciones, pero que una vez vista queda claro que tampoco alcanza. A su favor cabe citar también un acertado sentido del ritmo, que consigue mantener el interés del espectador durante sus muy ajustados 96 minutos de metraje, a lo que ayuda un acertado guión obra del guionista de comics Scott Lobdell, el cual se podría interpretar como un divertido homenaje a los ejemplos en los cuales se inspira, algo evidente en la propia Jessica Rothe, que en muchos momentos puede recordar a otras clásicas scream queens que ha dado el género slasher.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de noviembre de 2017
• LO MEJOR: Ser una divertida y bastante acertada mezcla entre Atrapado en el tiempo y Scream.
• LO PEOR: Su falta de pretensiones, que la aleja del nivel al que llegaron sus fuentes de inspiración.

LA BATALLA DE LOS SEXOS, tenista y feminista por (sus) pelotas

En el momento actual es indudable que las adaptaciones de comics de superhéroes tienen bastante éxito, pero la fidelidad es más o menos relativa, salvando contadas excepciones que se demuestran todo un acierto, siendo a veces incluso lo mejor de ese título en cuestión. En ese breve y escueto grupo de grandes aciertos tengo yo sin duda a la Gwen Stacy que encarnó Emma Stone en las dos entregas que tuvo The Amazing Spider-Man, siendo sin duda la mejor compañera que le han puesto al popular arácnido de Marvel respecto a su homóloga en las viñetas, al menos en los seis films que tiene hasta la fecha. Como es lógico a partir de ahi me interesé por los proyectos de esta actriz, que se vió consolidada por el Oscar que ganó la pasada temporada por La ciudad de las estrellas (La La Land), demostrando que no es tan solo una cara bonita (algo que escribo pensando por ejemplo en Megan Fox, que en comparación tendría un talento más... "discutible")

Esta película es una prueba más de su versatilidad como actriz, ya que recrea a Billie Jean King, una tenista que estaba en el número 1 del ranking femenino a principios de los años setenta; que defendiendo la igualdad salarial entre hombres y mujeres compitió contra el entonces retirado Bobby Riggs (personaje a cargo de Steve Carell), un veterano tenista que se jactaba de su condición machista ya que tanto para él como para la mayoría de hombres en aquella época (e incluso aún hoy en día vigente para algunos) los únicos lugares en los cuales tenía que estar una mujer eran dos: la cocina y la cama.

Esta película de los directores de Pequeña Miss Sunshine gira sobre estos dos personajes, aunque en el reparto se pueden ver otras caras conocidas como las de Elisabeth Shue, Alan Cumming o Bill Pullman. Al estar ambientada en los setenta hay que reconocer el notable trabajo técnico y artístico que logra llevar al espectador hasta aquellos años, cuidando hasta el más mínimo detalle de la estética propia de aquel tiempo tanto en decorados como en escenografía, maquillaje, etc. La labor de sus dos protagonistas es también acertada, aunque según parece suaviza bastante la personalidad real que tenian ambos, hasta el punto de quedar ella como una heroina y él como un simpático fanfarrón, pese a lo cual quedan patentes en el film tanto la infidelidad de ella con su entonces marido como la ludopatía de él (esta última de forma más discreta)

El problema que arrastra no solo esta película sino toda aquella historia basada en hechos reales es esa evidente fidelidad, en mayor o menor medida, a los mismos. A eso hay que sumar su tono deportivo, que también suele hacer muy predecible que el protagonista de la historia competirá hasta el éxito final, bien sea en el propio juego o por méritos que lo elevarán como el ganador moral. Todo ello resulta evidente mientras se ve esta película, y aunque no se conozca nada de antemano sobre esta historia, haciendo previsible su resolución final (que no citaré aqui por ser evidente spoiler aunque a la mínima que uno busque información sobre este caso resulta bastante evidente) De hecho el propio tono de la película, feminista al 100%, ya deja bastante claro a lo que me refiero.

Pero pese a que esta película sea entretenida (que sin duda lo es) y esté bien llevada a cabo (lo cual nadie niega), lo triste sería que desde que ocurrieron estos hechos (en 1973) hasta ahora aún siga plenamente vigente la diferencia salarial entre hombres y mujeres, algo de lo que se han hecho eco en los últimos tiempos actrices como Jennifer Lawrence o la propia Emma Stone, protagonista de este film. El caso de ellas se hace más mediático por su condición de famosas, pero resulta evidente que en otros muchos campos profesionales sigue presente, por lo que es digno de alabar el propósito final de esta historia, que sirve para mostrar que esa lucha por la igualdad de oportunidades (y por lo tanto también a la hora de cobrar) no es algo reciente sino que se lleva arrastrando desde hace ya muchas décadas.

Aún así se le puede reprochar a esta cinta no ahondar más a fondo en ese tema, ciñéndose quizás de forma abusiva en la parte íntima de King, ya que su ilícita relación con otra mujer (no en vano parece ser que en la vida real Billie Jean King ha sido una acérrima defensora de los derechos del colectivo LGTB) copan bastante de sus 121 minutos de metraje. No es que me queje de ello, porque la película sabe mostrarlo desde un punto de vista acertadamente sentimental, sobretodo gracias al desparpajo de Emma Stone, pero eso también deja al personaje de su marido en la ficción como un mequetrefe, si bien me imagino que eso ayuda a ese tono feminista antes citado que a través de un guión de Simon Beaufoy sirve de evidente homenaje a la imagen de ella como deportista y como defensora de la igualdad entre hombres y mujeres.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de noviembre de 2017
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• LO MEJOR: El trabajo de su pareja protagonista, destacando sobretodo ella, así como una lograda ambientación y una historia con un mensaje feminista bien claro.
• LO PEOR: La previsibilidad hacia unos hechos que, aunque no los conozcas, resultan fáciles de intuir.

THOR: RAGNAROK, una acertada tercera entrega del Dios del Trueno

Con esta Thor: Ragnarok los de Marvel completan las trilogias de los personajes más emblemáticos con los que iniciaron su universo en la gran pantalla, siendo los otros dos el omnipresente Iron Man (el cual además de en sus tres películas ha salido de una manera más o menos acertada en unas cuantas más) y el Capitán América, el cual sería el que ha tenido mejor fortuna, en especial por su segunda entrega (El soldado de invierno) que sigue siendo para muchos la mejor película Marvel desde que nació este universo cinematográfico hace casi una década (justamente con la primera de Iron Man)

Pero centrándonos en el Dios del Trueno, cabe señalar que aunque por su título se pueda pensar que estamos ante una cinta trascendente (el Ragnarok sería una especie de Apocalipsis) el tono de la misma es del todo contrario a eso, ya que estamos ante una película muy simpática y divertida que podría decirse que sin ser una maravilla (algo a lo que nunca aspira) estoy seguro que convencerá a los fans de Thor (entre los cuales, curiosamente, reconozco no haber estado en inicio) y que incluso se podría afirmar que es la mejor entrega de esa trilogia de la que ha gozado el Dios asgardiano.

En su momento admití (y me reafirmo) que las dos entregas anteriores de este personaje pueden gustar más o menos (a mi me convencieron, y ya digo que Thor no es uno de mis superhéroes preferidos) pero son más bien recordadas por cierta grandilocuencia, mayor o menormente conseguida, lo que quizás podía hacer esperar un tono similar en el presente título. Nada más lejos de la realidad, porque el director Taika Waititi se decanta por restar bastante del aplomo de las dos primeras películas de este personaje para en su lugar tomarse la historia desde un punto de vista por momentos muy paródico, pero sin olvidar los detalles propios del cine de superhéroes. Dicho así puede hacer pensar si aqui se sigue el estilo de Guardianes de la galaxia (el título Marvel con el cual más facilmente se puede comparar este) pero digamos que son diferentes tipos de humor, radicando el matiz en que mientras allí se establecian unos parámetros que daban entidad a unos personajes poco conocidos, aqui teniamos los antecedentes de las dos películas previas (sin contar sus apariciones en otros títulos Marvel) por lo que el humor paródico que se emplea en este caso resulta una satisfactoria sorpresa que sirve para reforzar esta propuesta.

Quizás estaba ahi la respuesta para que las dos películas previas de Thor hubiesen funcionado mejor, y es dándole un tono paródico (sin caer en el esperpento) que sería un total contrapunto hacia la excesiva seriedad empleada (por ejemplo) por Zack Snyder en sus películas de comics de DC (a la espera de ver esa Liga de la Justicia que empezó él pero ha acabado el responsable de Los Vengadores) También es justo admitir que Thor Ragnarok no sería lo mismo sin sus personajes, que no tienen ningún problema en desmitificar lo que son (seres superpoderosos) logrando momentos muy simpáticos cuando se les da más libertad a los actores, dotando de mayor humor situaciones que se perciben como ridículas, pero que en este caso funcionan y dotan de un buen ritmo a todo el conjunto. En ese sentido muchos puede que destaquen el tramo inicial con el Doctor Extraño, aunque a mi me resultó muy irónica la breve escena donde ambos hermanos (Thor y Loki) van a la Tierra al lugar donde se supone que está Odin... y lo que allí encuentran. La conservación que mantienen es PURA IRONÍA.

Entre la infinidad de referencias que se dan cita en esta tercera aventura del Dios del Trueno, la más evidente y llamativa sería la de Planeta Hulk, posiblemente la saga más famosa y popular que ha vivido en las viñetas el Coloso Esmeralda en los últimos años. Sería el combate en el coliseo entre Thor y Hulk la escena de acción que más prevalecerá en el recuerdo de esta película, porque mientras que el resto funcionan bien para la tarea que tienen establecida, no habría ninguna que llame esencialmente la atención por encima de la media en productos de este estilo. De entre los que repiten la relación de amor-odio entre los personajes de Chris Hemsworth y Tom Hiddleston sigue siendo notable, a lo que sumar en este caso al antes citado Hulk. Por su parte de entre los nuevos la villana a la que encarna Cate Blanchett resulta tan temible como aparenta ser, lo que se demuestra en el sacrificio que se hará al final para detenerla, quedando un tanto en segundo plano la Valkiria a la que da vida Tessa Thompson, destacando más la jocosa presencia del personaje de Jeff Goldblum.

Dentro del Universo Marvel cinematográfico esta tercera entrega de Thor va un poco por libre, con escuetas referencias a lo pasado y aún más escuetas a lo que ha de llegar (ver la primera escena tras los créditos) por lo que se puede disfrutar de ella como un capítulo individual, aunque es evidente que si se han visto las previas ayudará a dotar de mayor satisfacción a la presente. Contando con el evidente cameo de Stan Lee (responsable del nuevo aspecto que tendrá aqui el héroe), una de las escenas más acertadas sería la de la obra de teatro en Asgard, y ver en la misma cuales son los famosos actores que se ponen en la piel de los personajes principales: podriamos afirmar que ese breve fragmento ya destila por si solo el tono paródico que (con mayor o menor acierto) veremos luego a lo largo de toda la película. Dotada de una banda sonora que en muchos momentos te hace pensar si hemos retrocedido hasta los ahora muy añorados años ochenta, la sensación final que deja Thor Ragnarok es su acertado y nada pretencioso intento de tan solo hacer disfrutar al espectador. Objetivo logrado.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de octubre de 2017
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: El tono de comedia que adopta, sin por ello olvidar que estamos ante un film de superhéroes de la Marvel, además de un Hulk que nunca estuvo tan divertido como aqui (sirva de ejemplo la conversación con Thor cuando el gigante verde sale de un baño termal)
• LO PEOR: Su evidente falta de pretensiones (más allá que la de hacer disfrutar al espectador, algo que logra con creces) lo que la aleja del podium de las mejores películas Marvel (hasta la fecha)

ANNABELLE: CREATION, mejorando lo previo pero sin acertar del todo

Con la gran cantidad de estrenos que hay hoy en día, lo más normal es hacer selección porque no se puede ver TODO ya que al final se pasaría uno frente a la pantalla las 24 horas, y tampoco es plan. Pese a todo el hacer selección requiere suponer por anticipado que tal estará tal o cual producto y juzgar en consecuencia, lo cual siempre da pie a un posible error (que te pierdas algo que merece la pena, o en su defecto que te ahorres algún bodrio) Parte de ambas cosas las he tenido yo con todo el universo cinematográfico de la franquicia The Conjuring, más conocida por aqui como Expediente Warren.

En su momento la primera entrega de Expediente Warren no la fuí a ver al cine, pero como hubo gente que incluso de manera personal me dijeron que valía mucho la pena, lo tuve presente cuando la recuperé en su primer pase televisivo. Y fue en ese momento cuando me dí cuenta que lo que pensaba que sería una película más de sustos (que cada vez asustan menos) era un título tan destacable como me habían dicho, lo que me llevó a si ver su secuela en el momento del estreno y sin duda alguna disfrutarla.

Debido al éxito de la primera entrega se hizo un spin-off de la misma centrada en la muñeca Annabelle la cual ya no fue tan bien recibida por la crítica. En mi caso, al no haber visto aún en aquel momento la cinta "madre" no me decanté por este derivado, aunque de nuevo cuando fue su primer pase televisivo pude recuperarla. En este caso Annabelle si tengo que admitir que no me disgustó, aunque soy el primero en admitir que el resultado final no era tan redondo como en Expediente Warren, por lo que siendo magnánimos digamos que se me hizo "pasable", pero tampoco tan nefasta como la catalogaban algunos. El éxito de aquel spin-off propició la presente secuela, que actua más bien como precuela, y que si he visto en un pase previo a su estreno, aunque la franquicia Expediente Warren (de la que esta sería su cuarta película) aún tiene que dar mucho más de si, porque además de una tercera entrega de la película original hay en proyecto dos spin-offs más derivados de los "seres" vistos en la secuela, a lo que añadir la evidente tercera entrega que tendrá Annabelle, ya que con apenas 15 millones de dólares de presupuesto, en el momento en que escribo estas líneas ya está a punto de alcanzar los 300 millones de dólares de recaudación a nivel mundial.

¿Y qué tal está esta precuela que es secuela del spin-off inicial? Bueno, para ser sinceros tengo que admitir que el resultado final es más correcto que la película previa y puede tomarse como la más próxima al espíritu del título que inició toda esta franquicia, pero pese a los esfuerzos de su director, su trabajo no consigue llegar al acierto que alcanzó James Wan en los dos primeros Expediente Warren, si bien cabe señalar que lo que a priori pensaba que sería una entrega innecesaria logra hilvanar más o menos bien los hechos, en especial en su último tramo, dando coherencia (al menos hasta el momento) a lo que llevamos de este universo cinematográfico. Porque la citada coherencia es algo a cuestionar en películas así, donde los personajes hacen todo lo que el espectador ve que no tendrían que hacer, si bien esa carencia igual nos dejaría sin historia que narrar (hoy en día el cine de "supuesto" terror basa muchas de sus expectativas en plantear momentos que pueden ser previsibles para el espectador más avezado: vamos, lo típico de que aqui tiene que pasar algo... y pasa)

En el reparto de este film los nombres más conocidos serían los de Anthony LaPaglia y Miranda Otto, pero los dos están muy desaprovechados, porque resultan meros secundarios de lo que nos quieren contar, que se podría resumir en el drama inicial que sufre el matrimonio al que encarnan, pero como luego pese a ciertos hechos (que serán revelados poco a poco), no se les ocurre nada más brillante que hacer de su triste hogar una especie de orfanato femenino, en el que enseguida se te hace evidente que todas las indefensas huerfanitas (y la monja que las acompaña) las van a pasar canutas, y sobretodo la niña invalida (por aquello de que su debilidad la hace una víctima más propicia) Ahi si que tengo que admitir que las dos actrices más jóvenes de ese grupo (Lulu Wilson y Talitha Bateman) cumplen con bastante acierto, ya que todo el resto de jovencitas son meros personajes de relleno, pero en su sencillez está su mayor acierto, por lo que tomada como lo que es, esta precuela puede ser más o menos aceptable si las expectativas del espectador son las justas.

En resumidas cuentas Annabelle Creation resulta tan solo un escalón más a la hora de aprovechar el éxito de la franquicia de donde surge (a la que al menos si se le puede agradecer el ir mejor encaminada que ese Dark Universe de la Universal que empezó de forma tan poco adecuada con La Momia) El problema radica en que el resultado final mejora el de la cinta previa, pero aún así no consigue llegar al nivel de los dos, de momento, Expediente Warren, por lo que habrá que ver que dan de si las sucesivas entregas, ya que se corre el peligro de caer en una reiteración (ya más o menos evidente aqui) que haga perder méritos a esta saga (no en vano muchos ya saben como las progresivas secuelas de muchos éxitos del cine de terror han ido derivando paulatinamente en productos alimenticios que no aportaban nada, y en las que esos elementos de supuesto miedo se iban haciendo cada vez más previsibles, cuando no directamente risibles)  

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de octubre de 2017
• LO MEJOR: Mejora de forma evidente a la anterior.
• LO PEOR: No llega al nivel de los films de los que deriva.

BLADE RUNNER 2049, una tardía pero digna secuela (crítica sin spoilers)

A Ridley Scott siempre le han juzgado toda su obra posterior sobre sus dos primeros y más emblemáticos trabajos: Alien y Blade Runner. De la primera ha habido secuelas, precuelas y hasta spinoffs pero ninguna ha superado a la original (no entramos en las valoraciones porque hay desde films más o menos acertados a bodrios que sería mejor olvidar), pero la segunda se había mantenido "virgen" de secuelas hasta ahora, aunque nadie le niega lo mucho que influyó en el aspecto visual de un buen montón de películas que llegaron con posterioridad. Aunque en su momento fue un fracaso de taquilla, el Blade Runner original de 1982 fue revalorizado con el paso del tiempo, por lo que una secuela 35 AÑOS DESPUÉS se antojaba como un reto dificil, no solo de llegar al escalafón que tiene el film previo, sino que además atraiga a una nueva hornada de espectadores.

Pero todo llega en esta vida, y más en el mundo del cine, por lo que si una película puede ser revisada de alguna manera para seguir siendo lo más rentable posible, siempre habrá alguien que se apunte al carro, con el aliciente de la nostalgía que levante la obra primigenia. En este caso hay de todo (precuelas, secuelas, reboots, etc.) pero cabría indicar que ya la película original se aprovechó de ello, más que nada con las varias versiones posteriores que vieron la luz, entre ellas la que ví yo hace una década en su reestreno en cines. Cabe indicar, al menos en mi opinión, que el título de 1982 es una de esas películas que hay que visionar más de una vez, porque encierra detalles de una sorprendente madurez que pueden resultar inadvertidos para aquellos que tan solo busquen un entretenimiento pasajero. Curiosamente esta secuela, aún logrando mantener el tipo con dignidad, resulta una historia mucho más sencilla y bastante deudora de la cinta del 82, hasta el punto de que quien no la haya visto puede no acabar de entender (y por lo tanto no disfrutar) esta película, aunque nadie le niega su calidad pero también sus evidentes errores, siendo el más palpable ese tan común en la gran parte de los estrenos de estos últimos tiempos: una dilatación temporal innecesaria.

No criticaré la duración de las películas si tienen ALGO que contar, pero es que lo que nos cuenta Blade Runner 2049 lo podría haber narrado igual, y me atrevería a decir que incluso mejor, recortando bastante esos 163 minutos que cuando acaban te dejan con la sensación de que han metido mucho relleno a una historia que en si es bastante básica (aparte de que se dejan las puertas abiertas para más secuelas en caso de que el presente título triunfe en taquilla lo que no logró el original) Sin desvelar spoilers, ya que un mensaje previo del director antes del pase de la película al que acudí solicita que sea así (lo que me llevó a rememorar la misma petición de Zack Snyder en Batman v Superman) el mayor error que se le podría encontrar a esta secuela sería cierta falta de personalidad, al menos por parte de un responsable (Denis Villeneuve) que no es uno de esos directores que te fabrica películas como churros, sin dejar ningún detalle propio en la obra sino que realizando un trabajo que para la ocasión podría haber llevado a cabo cualquiera (que insisto, aqui no es el caso)

Probablemente si este proyecto hubiera caido en las manos de otra persona si que se podría haber quedado más escaldado del resultado final, pero es justo valorar que Villeneuve consigue transportarnos de nuevo al mundo de la película de 1982, lo único que tres décadas después de los hechos que nos narraba la primera entrega. Esos 185 millones de dólares que ha costado esta película lucen de forma maravillosa en todo momento en pantalla, por lo que no puedo quejarme de su diseño de producción o su fotografía (en ambos casos meritorios) pero quizás esperaba yo más que ver algo que en la película de Scott si era original, pero que ahora mismo ha sido un recurso utilizado tantas veces que no provoca el asombro de aquel entonces (aunque insisto, valorando que sabe captar aquella atmósfera, sin caer en la simple repetición de esquemas, pero sin algún toque personal que la haga evolucionar más allá de ahi, haciéndola demasiado deudora de la primera entrega)

Si por algo será recordado Harrison Ford será por esos tres personajes tan emblemáticos que ha interpretado en su larga carrera: Indiana Jones, Han Solo y Rick Deckard. Si en el primer caso cuesta imaginar otro rostro que no sea el de este actor, otro tanto se podría decir de su famoso personaje de la saga Star Wars, por lo que si Ford ha vuelto a ellos en los últimos años (con mayor o menor acierto), el único que faltaba era el de Blade Runner, lo que resulta cubierto estando en esta secuela, si bien el protagonista principal sería Ryan Gosling, tardando bastante en llegar el momento en que se unen ambos personajes. La química entre ambos actores funciona bien en los momentos que comparten en pantalla, aunque sin duda se ve superada por la que hay entre Gosling y Ana de Armas, en este caso destacable en múltiples facetas. Bastante más discutible sería el trabajo de Jared Leto (el Joker de Escuadrón Suicida), no porque no lo haga bien (cumple con corrección) sino porque su personaje creo que se podría haber descartado para agilizar el ritmo final del film.

Por el reparto de esta secuela también vemos a un Edward James Olmos que repite casi a nivel testimonial, al que sumar otros como Dave Bautista (Drax en las películas de los Guardianes de la galaxia), Robin Wright o una Sylvia Hoeks cuya villana nunca se me hizo tan temible como se supone que es. En resumidas cuentas esta Blade Runner 2049 es una buena película (eso nadie se lo niega) que gracias a la respetuosa labor de Villeneuve resulta una digna secuela del título original con un acabado visual portentoso cuyo mayor handicap estaría en una excesiva dilatación para una historia más o menos sencilla, así como una glorificación del trabajo de Scott, sin añadir detalles que hagan evolucionar al conjunto más allá de su excelente apartado visual (solo por comparar James Cameron en la primera secuela que tuvo el Alien inicial si aportó más variantes sobre el planteamiento original que lo que hace aqui Villeneuve respecto al trabajo original de Scott, más allá de las tres décadas citadas que separan uno del otro)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de octubre de 2017
• Galeria de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Cumple bien en el difícil trabajo de ser la secuela de uno de los títulos más míticos de la ciencia-ficción de todos los tiempos.
• LO PEOR: Para lo que cuenta, y como lo cuenta, le sobra metraje.

MADRE!, la polémica (con razón) película de DARREN ARONOFSKY

Darren Aronofsky es uno de esos directores cuyas obras no aceptan término medio, de tal manera que o bien las alabas o bien las odias. No se ha caracterizado por hacer mucho cine comercial, siendo la de Cisne Negro (esa por la que ganó un merecido Oscar a mejor actriz Natalie Portman) su cinta con mayor repercusión reciente. Dentro de su filmografía hay de todo, aunque tengo que admitir que sus últimos títulos me habían convencido lo suficiente, como Noé, El luchador o la antes mencionada Cisne Negro, pese a que comprendo muy bien a aquellos que no acaban de comulgar con el estilo de este director, ya que sus obras no son sencillas. Justamente por eso no me extraña los abucheos que parece ser que tuvo el presente film en su presentación en el Festival de Venecia, aunque recordándolo me hizo gracia vivir yo justo con lo contrario al pase al que asistí, el cual finalizó con unos aplausos inesperados, que me dejaron sorprendido.

¿Es tan mala esta película como para abuchearla o tan notable como para aplaudirla? Siendo justos, y bajo mi humilde baremo, tengo que admitir que estamos ante una película DIFICIL (así, en mayúsculas) donde en todo momento te preguntas que se supone que es esto, lo cual deriva en su último tercio en la sensación de que el director se ha vuelto loco, ya que el mismo es dificil de describir de una forma coherente, entendiéndose como un definitivo descenso al pozo de la locura extrema. Es cierto que las películas de este director siempre tienen ese poso de "rareza" que las hace dificiles de comulgar con el público general, pero en los films previos a éste había sabido (con mayor o menor acierto) dejar claro QUE estaba contando (otra cosa es que te gustara más o menos) por lo que lo primero que sorprende de esta Madre es justamente que te pasas media película intentando dilucidar QUÉ ES (¿thriller, suspense, terror, drama, otra cosa?) hasta que llegamos a ese punto donde TODO SE DESMADRA y al final dudas de si es real lo que estas viendo o no, o si tan solo se trata de algo dentro de la mente enferma de él (Javier Bardem) o ella (Jennifer Lawrence) porque ni tan siquiera se le da nombre a ninguno de los personajes principales.

En lo más básico la ¿historia? se centra en una casa donde el personaje de Jennifer Lawrence vive tranquila con su marido (Javier Bardem), un poeta en búsqueda de la inspiración perdida. De repente aparece una pareja de extraños (Ed Harris y Michelle Pfeiffer) a los cuales el marido acoge sin problemas, pese a las evidentes reticencias por parte de ella a meter en su hogar a unos perfectos desconocidos. Eso desemboca en el cada vez más extraño compartamiento de él, lo que a ella le estresa hasta tal punto que intenta sacar a todo el mundo de su casa... y lógicamente a partir de ese momento empiezan a suceder "cosas" que provocan el mayor desasosiego en nuestra sufrida protagonista al ver como tiene su casa invadida por agobiantes muchedumbres de personas (algo que a mi me provocó una sensación similar al ser poco proclive a los grandes tumultos, por lo que sin duda acierta al mostrar esa angustia)

Hasta ese momento el film ES RARO porque evaluas que todo esto es real (o al menos se supone) lo que te hace congeniar con la aprensión de ella o desconfiar ante el intrigante comportamiento de él. Hasta ahi lo que me había provocado es una tremenda intriga por intentar dilucidar QUÉ se supone que me estaban contando, pero es que a partir de ahi ya prevalece la total y completa anarquia, el mayor caos que uno se pueda imaginar, en donde el concepto de idolatría se lleva hasta el límite de la coherencia (e incluso más allá) hasta el punto de pensar en todo momento ¿PERO ESTO QUE ÉS? Eso sí, aunque al salir del cine pensaba en cual sería mi valoración (nada positiva) de Madre, al final voy a ser un poco más imparcial, ya que la inspiración le vino al director como crítica hacia la situación mundial actual, por lo que si se asume todo como una alegoría (donde la casa representaría nuestro planeta) resulta algo más tolerable, aunque si lo que pretendía era mostrar su rabía hacia el mundo en el que vivimos podía haberlo expresado de forma más concisa y concreta.

Ante la evidente duda de si recomendar o no esta película tan solo puedo admitir que la decisión depende de cada cual: en mi caso, y si te quedas tan solo con su aspecto formal, la sensación caótica que desprende es tan grande que te hace dudar sobre cual es el motivo de lo que nos han contado (porque de entrada admito que cuesta verlo) siendo al final algo un poco más o menos aceptable en caso de tomarlo como la alegoría que antes he citado pero AÚN ASÍ le sobra mucha simbología y le falta concreción (si criticas algo, ¿TANTO CUESTA DEJARLO CLARO?) De todas maneras al menos nos queda un cuarteto de actores que hacen un trabajo más o menos correcto, destacando sin duda una sufridora Jennifer Lawrence que no me extraña que acabe como acaba (justificando ese poster inicial de la película que también fue uno de los incentivos que me llevaron a decantarme por ella)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de septiembre de 2017
• Galeria de posters por este enlace.
• LO MEJOR: El cuarteto actoral principal, destacando una sufridora Jennifer Lawrence, así como los momentos en los que prevalece la angustia y la intriga sobre lo que nos estan contando.
• LO PEOR: Cuando la historia SE DESMADRA, provocando la lógica duda en el espectador sobre QUÉ se supone que está viendo.