FREE GUY, un muy acertado entretenimiento (crítica sin spoilers)

Esta película es el enésimo caso de films que tendrían que haber visto la luz en 2020 pero que la pandemia por el Coronavirus le llevó a ir acumulando retrasos hasta que al final se estrena este mes de agosto. Se trata además de una película en origen de 20th Century Fox que Disney (la actual propietaria) ha preferido estrenar de forma directa en cine, sin estreno simultáneo en Disney Plus (su plataforma de streaming) como ha ocurrido por ejemplo con títulos como Cruella, Viuda Negra o Jungle Cruise. Es algo un tanto llamativo si se tiene en cuenta que es una película que en su origen no es de Disney como tal sino de una de las muchas filiales de la citada Disney (la ahora rebautizada como 20th Century Studios), pero que tiene unos guiños divertidos a ciertas franquicias muy conocidas, que la compañía del ratón ya está rentabilizando.

Como estamos en una época con pocas novedades y la que que todo tiene que tener alguna referencia previa, si se tratara de una secuela, precuela, remake o reboot sería facil indicar al espectador. Pero en este caso estamos hablando de una historia (más o menos) original, por lo que para situar a quien quiera verla sin desvelar spoilers se puede decir que esta Free Guy tiene detalles que pueden recordar a El show de Truman, La Lego película, Rompe Ralph y algo en menor medida a Ready Player One. Y pese a lo variado de todo ello, al final el resultado funciona bastante bien y consigue ser el muy acertado entretenimiento al que aspiraba, ni más ni menos.

Me resulta curioso admitir las bondades de un título del que no tenía ninguna expectativa prefijada, más que nada porque su responsable es Shawn Levy, en cuyo curriculum no hay títulos especialmente destacables aunque tiene algunos bastante funcionales como la trilogia de Noche en el museo o Acero Puro. A posteriori si se puede admitir que Free Guy sería coherente con el resto de su carrera, pero cuando podía haberse quedado en una comedia de acción más sin ningún matiz, es curioso ver como la historia está bien hilvanada y resulta coherente, incluso con una evidente crítica hacia el abuso de poder de las corporaciones frente a los individuos (en referencia a lo que ocurre en "nuestro" mundo)

Es también evidente que estamos ante una cinta al servicio de su protagonista, el actor Ryan Reynolds, con lo cual la misma se valorará según la afinidad de cada espectador con el protagonista de las películas de Deadpool. De hecho Free Guy ofrece un tipo de humor más relativamente "blanco" que el que realizó Reynolds en las películas del Mercenario Bocazas de Marvel, pero que en esencia se podría decir que es deudor de aquel, con algunas bromas con un objetivo bien prefijado. Aunque sin duda lo más llamativo sería las (muchas) libertades que se pueden tomar en el universo virtual en el que transcurre parte de la acción, en el cual todo es posible por más exagerado (y violento) que parezca.

La historia se centra en Guy, que vive en un mundo que él cree real pero que en verdad es un videojuego (en el caso de El show de Truman era un reality-show) Sus funciones en ese mundo son muy determinadas y esquemáticas (vendría a ser un simple personaje de relleno, sin más opción que la de cubrir un hueco de ese mundo ficticio donde los jugadores son los únicos con libertad total de movimientos) El protagonista pronto descubrirá nuevos horizontes más allá de su cotidiana rutina (como les pasaba a los protagonistas de las citadas La Lego película o Rompe Ralph), en una aventura en la que intentará salvar  "su" mundo y de camino encontrar el amor... más o menos.

Es justo admitir que los que sean jugadores habituales de todo tipo de videojuegos online se sentirán más identificados que yo, que veía el planteamiento de la película desde un punto de vista externo (según lo que he leído el ficticio videojuego Free City en el que transcurre este film podría recordar bastante a otros reales como por ejemplo Grand Theft Auto) Por cierto, más allá de un omnipresente Reynolds sobre el que gira todo, es justo destacar en el reparto a la actriz Jodie Comer como el personaje que le abrirá nuevos horizontes al protagonista y Taika Waititi, director de algunas películas de Thor o Jojo Rabbit, en el papel de un villano con algunos momentos realmente hilarantes.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de agosto de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Es una película que no aspira a nada más que entretener al espectador, con un ritmo que no deja hueco al aburrimiento, y en donde destacan el omnipresente protagonista y el esperpéntico villano.
• LO PEOR: Sin duda podría haber ahondado más en lo que plantea (el poder de la inteligencia artificial), pero que se queda en lo justo para hilvanar un buen entretenimiento.

EL ESCUADRÓN SUICIDA, una salvaje gozada (crítica sin spoilers)

El universo Marvel en cines es algo digno de mérito porque de momento es una fórmula ganadora (luego que los títulos gusten más o menos eso ya va a gusto de cada espectador) Es por eso que Warner hace un nuevo intento (y van ya...) para montar algo más o menos parecido con esta El escuadrón suicida, que se supone que sería en inicio secuela del Escuadrón Suicida estrenado en 2016, cinta que aunque tuvo el éxito suficiente para que fuera rentable, cosechó críticas bastante negativas.

En el mismo año en que se ha visto la versión del director de Liga de la Justicia (que creo que mejoró de lo que fue en su origen "apañado" por Joss Whedon a lo planteado al final por Zack Snyder... si bien también es cierto que se le fue la mano a la hora de darle su "toque" personal), el director David Ayer, responsable del film de 2016, reclama que se le permita algo parecido, lo cual parece poco probable ya que este film es también un reboot para corregir los errores de la anterior. 

 

De ahi el fichaje de James Gunn como director, avalado por el tono que le otorgó a sus Guardianes de la Galaxia de Marvel, y asegurarse (aunque no es la única que repite) de tener en el reparto a la Harley Quinn de Margot Robbie, que fue sin duda el mayor acierto del film precedente. El resultado final ha sido una inesperada sorpresa para un servidor.

Lo primero que llama la atención es como juegan con el espectador, mostrando personajes que parece que puedan tener alguna importancia en la trama para después despanzurrarlos sin miramientos. De esta manera supongo que se ironiza sobre la intrascendencia que tienen muchos de los personajes que aparecen por aqui, algunos de ellos salidos de comics de los que ahora mismo tan sólo tendran recuerdo los fans más acérrimos. Pero mientras que en la película de 2016 esos personajes esquemáticos eran más un estorbo que una necesidad, aqui se transforman en un chiste más dentro de esa gran broma grotesca con la que se podría describir este film. Y es que Gunn tiene en este caso la libertad que parece que no tuvo Ayer, y realiza aqui una película (siempre en sentido positivo) muy bruta, zafía, grosera, escatológica y sangrienta a la par que tremendamente divertida y plagada del humor más negro que quepa imaginarse (tiene muchos detalles que es dificil imaginarlos en el universo en cine de Marvel con el sello de la Disney)

Intentando darle a la película un tono digno de su calificación R (lo que admite todas las barbaridades verbales y físicas que se pueden degustar en su metraje), el bueno de Gunn sigue por el camino abierto por sus Guardianes de la galaxia con el tono gamberro de Deadpool, ofreciendo también un personaje tan entrañable como su Groot de Marvel, representado aqui en ese King Shark que en su versión original tiene la voz de Sylvester Stallone. Y no sería el único personaje con el que te acabas encariñando, ya que el Hombre Moteado, el Pacificador, Ratonera 2 o Bloodsport son otros (de los muchos de su amplio elenco) con los que también logra que el espectador empatice y simpatice, más allá de que este último (a cargo de un solvente Idris Elba) pueda parecer una versión retocada del que interpretó Will Smith en la película de 2016. Aún así la relación casi paterno-filial que se establece entre él y Ratonera 2 demuestra que también hay sentimiento en esta película y no tan solo el muy gratificante tono grosero, cafre y vulgar en el que está envuelto el conjunto.

La premisa argumental para poner en movimiento a todos estos inadaptados sociales con poderes es muy sencilla: en este caso un ficticio pais latinoamericano llamado Corte-Maltese ha sufrido un golpe de estado y la fuerza especial de Amanda Waller (a cargo de otra que repite, la actriz Viola Davis) tiene que ponerse en movimiento para cumplir allí una misión, en un inicio tan peliaguda como peligrosa, que en su tramo final se transformará en una batalla contra un enemigo externo tan gargantuesco como coherente hacia el tono grotesco y macarra que tiene la película en todo momento. Es también ahi cuando El escuadrón suicida deja más patente su moraleja en defensa de los más desfavorecidos y en contra de los chanchullos gubernamentales, tras un desfile de personajes tremendamente extravagantes (cada cual a su manera, ya que el elenco es variado) con los que se juega manteniendo la duda razonable durante todo su metraje de los que llegarán al final, que ya adelanto (sin hacer spoiler) que serán más bien pocos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de agosto de 2021.
• ESCENAS POST-CRÉDITOS: Hay dos, una justo antes de los títulos de crédito y otra al final de los mismos, en ambos casos dando una segunda oportunidad a personajes que creiamos muertos, siendo en el segundo caso coherente con los planes de la productora.
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• LO MEJOR: Su tono gamberro, cafre, bruto, grosero (algo así no se visto nunca en los films de Marvel hasta la fecha) y plagado de un humor negro y realmente salvaje.
• LO PEOR: Su ritmo no resulta uniforme, con momentos realmente brillantes e hilarantes pero otros donde el desmadre del que hace gala no funciona igual de bien.

TIEMPO (OLD), ¡¡¡esta playa... está DE MUERTE!!! (crítica sin spoilers)

El director M.Night Shyamalan consiguió un tremendo (y justificado) éxito con El sexto sentido, pero nunca ha vuelto a brillar como lo hizo entonces (incluso con nominaciones a los Oscar), siendo luego bastante irregular su carrera, en la que ha ido combinando títulos más o menos aceptables con films bastante olvidables. De todas maneras, y para bien o para mal, ha conseguido forjarse un nombre, por lo que cualquier proyecto suyo suele generar como mínimo cierta curiosidad, más allá de que luego el resultado final sea convincente o desfavorable. Eso es lo que ocurre de nuevo con esta Old, que aqui se estrena con el título más descriptivo de Tiempo, y que está basada en la novela gráfica Castillo de arena de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, de la que no puedo opinar porque no me la he leído en el momento de escribir esta crítica. Dicho comic le fue regalado al director años atrás, pero no se trata de una adaptación del mismo sino que toma ciertos detalles llevándolos a su terreno habitual de la intriga.

Apropiada para la época estival en la que se estrena, el argumento de esta película resulta muy atrayente porque a priori nos presenta a ese tiempo que cita su título como el mayor enemigo de unas personas que deciden ir a una recóndita playa, donde (por motivos desconocidos) se envejece a marchas forzadas. Sin escapatoria posible lo único que les queda es ir padeciendo como a ellos mismos y a quienes les rodean se les acelera el paso del tiempo y con él la progresiva degeneración del cuerpo (o sea, un rápido envejecimiento)

Ahora quisiera hacer un pequeño inciso, y es que ante una premisa argumental tan interesante yo intenté descubrir las causas antes de ver este film, con lo que digamos que me "trague" aposta el spoiler de la "explicación" final, y asistí a su visionado intentando imaginar como iban a mostrar lo que yo había leído. En un inicio la historia puede recordar a la mítica serie The twilight zone y es posible que para lo que explica (y como lo explica) se podía contar mejor con la duración estandar de un episodio televisivo, además de que también se le pueda achacar a Shyamalan el intentar convencer a la fuerza, de tal forma que incluso lo que nos dice al final sería una justificación parcial, dejando MUCHO en el aire sobre los orígenes de esa playa, más allá de la punible "gestión" investigadora que se hace de sus recursos. 

Con eso vendría a decir que aunque se quiera "forzar" en parte una explicación final que de cierta coherencia al conjunto, la misma plantea dudas que al final no quedan resueltas. Eso si, no pude menos que pensar de que dicha conclusión hará las delicias de los conspiranoicos que ven maquinaciones perversas ante el detalle más nímio, sobretodo ahora en tiempos de pandemia mundial. Pese a todo tengo que reconocer que la película es entretenida y funciona bastante bien, ya que nos presenta a diversos personajes que quedan bien pronto perfilados de cara a lo que se les avecina. También es justo destacar a los diferentes actores que muestran el paso del tiempo de los iniciales niños a los posteriores adultos (o la labor de maquillaje y progresivos achaques propios de la edad en los más mayores) 

Es cierto que ante mi conocimiento prematuro del giro final esperaba algo más escabroso (podría haber derivado hacia el subgénero de la "porno-tortura" de sagas como Saw, sólo que aqui con el acelerado tiempo como asesino principal), pero Shyamalan se maneja mejor con el suspense decantándose por sugerir más que mostrar, dándole más importancia a las reacciones que suscita lo que va pasando que al hecho en si. Pero dicha opción también sirve para hacernos meditar sobre el sentido de nuestra propia vida, quedando el castillo de arena metafórico del título de la novela gráfica en la que se basa como la expresión de lo efímero de nuestra existencia, barrida cuando se alce la marea, por lo que me imagino que toda la explicación final es tan solo un añadido de Shyamalan que le ha salido acertado a medias.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de julio de 2021.
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• LO MEJOR: Su premisa argumental y como la va desarrollando.
• LO PEOR: La aclaración final (que convence a medias)

JUNGLE CRUISE, picoteando por aqui y por allá (crítica sin spoilers)

Hoy en día con tanta carencia de imaginación hasta una atracción puede ser apta para hacer su versión en película, lo cual NO es una crítica porque la misma Disney ya lo hizo con Piratas del Caribe, logrando resultados óptimos en la primera entrega pero que poco a poco fueron perdiendo fuelle al basar toda la saga (hasta el momento) alrededor del personaje de Jack Sparrow (Johnny Depp), que aunque estuvo bien en el primer film (por La maldición de la Perla Negra incluso lo nominaron al Oscar a mejor actor), paulatinamente se fue convirtiendo en una parodia de si mismo, haciéndolo más enervante. 

Y es que dicha saga de aventuras con Johnny Depp es la primera que se le viene a la mente al espectador que vaya a ver Jungle Cruise, porque en Disney parecen querer buscar otra franquicia al estilo de la de los Piratas del Caribe, en una mezcla que al menos a mi me ha resultado entretenida en sus pretensiones, algo dilatada en su metraje (sus 127 minutos se antojan demasiados para lo que en si tiene que contar), y desde luego que muy deudora no sólo de clásicos como La reina de África o del esquema aventurero de Indiana Jones sino también de otros sucedáneos de aquella época como Tras el corazón verde e incluso de otros más o menos recientes como lo fue La Momia de Stephen Sommers. En este caso la excusa para entablar esta aventura será la búsqueda de un árbol mágico perdido en el Amazonas que tiene la virtud de sanar cualquier cosa y tras el cual van unos cuantos personajes, cada cual con su motivación.

La protagonista está interpretada por una Emily Blunt realmente encantadora, que tras haberla visto hace poco en la secuela de Un lugar tranquilo demuestra aqui que es una actriz polivalente para cualquier tipo de proyecto o género. Es cierto que su personaje podría ser una variación del interpretado por Rachel Weisz en las dos primeras películas de La momia dirigidas por Stephen Sommers, en este caso una experta en botánica menospreciada por la sociedad de su época por el simple hecho de ser mujer, pero la actriz se desenvuelve con soltura. Su compañero de aventuras está a cargo de Dwayne Johnson en un personaje en el que muchos pueden ver un equivalente al encarnado por Humphrey Bogart en La reina de África, si bien serían tan solo parecidos estéticos porque en esencia el de esta película se decanta por otros derroteros más fantasiosos (aparte de que es EVIDENTE que Johnson dista mucho de ser un mito como Bogart) 

El problema radicaría en incluir un progresivo componente romántico entre ellos que no acaba de cuadrar y que bien podría haberse obviado por una paulatina amistad tras las primeras confrontaciones de caracteres que tienen sus personajes. Aunque no cuadren como pareja sentimental es indudable que Dwayne Johnson cumple con creces en su personaje, si bien quizás un héroe menos musculoso hubiera hecho más creible la deriva hacia los terrenos amorosos antes citados. Otro evidente parecido con La momia de 1999 lo tiene en el personaje encarnado por Jack Whitehall, hermano en la ficción de la protagonista y que cumple de forma algo forzada su función como "alivio cómico" al igual que sucedía en el film de Sommers con John Hannah. Pero los más evidentes parecidos serían con Piratas del Caribe ya que la presencia de los conquistadores españoles malditos (entre los cuales está un inesperado Dani Rovira entre otros) recuerda mucho a algunos de los villanos vistos en la citada franquicia caribeña, aunque también hay nazis como en la de Indiana Jones.

El director de Jungle Cruise es el "cumplidor" Jaume Collet-Serra (que ha repetido con Dwayne Johnson en Black Adam, adaptación del personaje de los comics DC que se estrenará para el verano del 2022), y ese calificativo lo pongo entre comillas porque estamos ante una obra que simplemente ofrece lo que promete, lo que para algunos puede ser suficiente, pero sin ningún virtuosismo que la haga especialmente destacable, como si podían tener algunos de los ejemplos de los que parte. Con esa misma corrección, pero sin llegar a sobresalir, se encuentra también la banda sonora de esta película, pese a que venga de James Newton Howard, algo que se puede hacer extensible a un guión firmado por Glenn Ficarra, John Requa y Michael Green que lo único que llevan a cabo es un "combinado" de ejemplos precedentes. Pese a todo insisto en que la película ofrece el entretenimiento que promete... pero sin ningún detalle que la haga memorable.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en cines y Disney Plus): 30 de julio de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Visualmente es muy llamativa, ofrece el entretenimiento que promete y la pareja protagonista convence...
• LO PEOR: ... menos cuando surge el amor, aparte de que toda la película en si es un combinado de ejemplos precedentes y su duración se hace excesiva.
  

SPACE JAM: NUEVAS LEYENDAS, la tienda WARNER (crítica sin spoilers)

Despues de esa nostalgia que se vive hoy en día por la década de los años ochenta, ¿vendrá otra por los noventa? Lo digo pensando en dos títulos que fueron muy populares en su estreno como Jumanji y Space Jam (si bien la primera me parece mejor que la segunda) que han tenido unas "relativas" secuelas o reboots bastantes años más tarde, la primera con Jumanji: Bienvenidos a la jungla (cuyo éxito llevó a Jumanji: siguiente nivel) y la segunda con esta Space Jam: Nuevas leyendas, cuya mayor "gracia" estaría en incluir TODO de lo que tiene sus derechos la Warner (Harry Potter, Matrix, universo DC y un largo etcetera) Desde guiños, cameos, escenas icónicas o meras presencias testimoniales en segundo plano, todo tiene cabida para aparecer aqui, en lo que se podría considerar más un escaparate de merchandising variado que una película con cierta dosis de coherencia.

Sería este continuo fluir de referencias el que más puede entretener al espectador más adulto, que acudirá por la nostalgia hacia los clásicos Looney Tunes (e incluso por el film previo de hace 25 años) pero que los verá siendo una mera presencia más de este festival de marcas registradas que recuerda al popurrí multireferencial que había en Ready Player One (si bien allí podriamos argumentar que tenía un mínimo de justificación) Aqui todo se reduce a una sencilla excusa: volcar encima del espectador tal cúmulo, tal aluvión de referencias que uno se sienta abrumado por todo el catálogo de licencias que tiene Warner (lo que siendo justos es sin duda así)

El problema es que son tantas las referencias que uno piensa si verdaderamente importan algo o están ahi tan solo para rellenar espacio, decantándose al final por esta segunda opción. Y es que algunas de ellas pueden hacer gracia, o incluso ser algo simpáticas y provocar alguna que otra sonrisa (como la película dentro de la cual están en origen el Coyote y el Correcaminos), pero esa manera de apabullar al espectador lo único que logra es que pierda interés la ya de por si escueta historia, que nunca circula fuera de terrenos claramente predeterminados de antemano. Al menos hay que agradecer que no se plantea el mismo esquema del film previo, pero es que el mismo (la animación tradicional) está "anticuado" según las grandes productoras, debido al apogeo que ha tenido la animación por ordenador en las últimas décadas. 

Y ahi radica otro de los contrasentidos de este film, ya que funciona mucho mejor cuando circula por la animación clásica, bien sea el mundo original de los Looney Tunes u otros populares por los que también pasarán, que cuando Bugs Bunny y compañía pasan a ser recreados en tres dimensiones (lo cual puede no acabar de convencer a los más puristas, más allá de la polémica con el diseño menos sexualizado de Lola Bunny respecto a sus orígenes) Es también llamativo que contando en esencia con poco que desarrollar dilate tanto su metraje: cuando el Space Jam de 1996 apenas duraba 87 minutos esta secuela se extiende hasta las dos horas, que se hacen especialmente pesadas en su tramo inicial, cuando se plantea el conflicto paternofilial sobre el que girará todo (y que enseguida se hace evidente como acabará)

El villano al que interpreta Don Cheadle resulta intrascendente, pero tiene su gracia por lo que es y el nombre que recibe, además de resultar indudable (ya que así lo transmite) lo mucho que el actor se divirtió interpretándolo. También aparecen breves cameos de otros actores como Steve Yeun (visto en la serie The walking dead o la película Minari) y Michael B.Jordan (el protagonista de la saga Creed, con el que hacen un jocoso guiño al que fue protagonista del film inicial por lo similar de sus nombres) Pero el mayor peso de la película recae en el jugador de baloncesto LeBron James, que habrá que ver si llega (y no sólo en Estados Unidos) al nivel mítico o al tirón mediático que tuvo su predecesor, pero que consigue compensar sus nulas dotes actorales por un inesperado y sorprendente carisma.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de julio de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: La cantidad de referencias que tiene la Warner, los tramos en animación tradicional y el carisma de los Looney Tunes (aqui quizás algo diluido) más el inesperado de LeBron James.
  
• LO PEOR: Tiene un ritmo excesivamente precipitado, el conflicto paternofilial sobre el que pivota todo resulta manido y las virguerías visuales no logran enmascarar una historia tan esquemática o más que la de la primera entrega (y aqui dilatándose hasta las dos horas)

VIUDA NEGRA, por fin una película para ella (crítica sin spoilers)

Otra de las víctimas del Coronavirus (en el mundo del cine) ha sido la película Viuda Negra, que de un estreno inicial previsto para el 30 de abril del 2020 se retrasó varias veces hasta al final por fin llegar a la cartelera el próximo 9 de julio. Se trataría del primer estreno situado en el Universo Cinematográfico Marvel desde que hace dos años llegó el título más reciente hasta la fecha (Spiderman: Lejos de casa), si bien dicho universo se ha expandido hace poco en formato televisivo con series como Wandavision, Falcon y el Soldado de invierno o la actualmente en emisión Loki. Para todo aquel que no esté al día con las citadas series le recomiendo que las vea porque hay un personaje que ha salido en alguna de ellas (no puedo especificar cual ni dar más pistas por ser un evidente spoiler) que conecta con el ¿futuro? de este universo (entre interrogantes porque no sé si se verá en televisión o en cine, ahora mismo caben ambas opciones) en la escena final tras los créditos tan habitual en ellas.

Hay que recordar que en las películas del universo Marvel la primera superheroina fue la Viuda Negra, aunque le haya tomado delantera y ya tenga título propio (y secuela a la vista) la Capitana Marvel, por lo que la primera sensación que desprende el film es que quizás llega un poco tarde, máxime si tenemos en cuenta el destino del personaje en el díptico de los Vengadores formado Infinity War y Endgame. Queda claro entonces que esta película es una precuela situada tras Capitán América: Civil War y antes de la citada Infinity War.

Si hay un detalle a alabar de Viuda Negra (más allá de que luego la película guste más o menos) es lo bien que funciona de forma individual, aunque esté integrada en un universo cinematográfico (que ahora también es televisivo) cada vez más grande. Logicamente hay algunas referencias en sus tramos inicial y final, pero las mismas sirven tan solo como piezas de puzzle para situar cronologicamente al espectador, funcionando el resto como una cinta a medio camino entre las sagas de Jason Bourne y James Bond dentro del universo Marvel (de hecho de este último hay un guiño a uno de los films de la etapa de Roger Moore) 

 

En este viaje al pasado de la Viuda Negra conoceremos a Yelena Belova (la gran sorpresa del presente film a cargo de la actriz Florence Pugh) Alexei Shostakov (un simpático "alivio cómico" con el actor David Harbour, al que quizás se nota que igual podía haber dado más juego) y Melina Vostokoff (a cargo de la actriz Rachel Weisz, en un papel quizás un tanto ambiguo), siendo todos ellos unos personajes que tendrán una especial relevancia en esta película, ya que vendrían a formar algo así como un "nucleo familiar", compartiendo un pasado común al que intentarán finiquitar aqui, marcado por un villano que bien podría haber salido de cualquier título de la longeva saga de James Bond porque cumple a la perfección todos los cánones de megalómano con ansias de dominación.

Pero el mayor problema que tiene Viuda Negra sería el de insinuar más que mostrar, quizás porque en el fondo estamos hablando de un producto que tiene que llegar cuanto a más público mejor. Con esto me vengo a referir no solo a todo lo que precede al personaje del Guardían Rojo encarnado por David Harbour (atención a sus múltiples comentarios sobre ello) sino a la propia protagonista, ya que no se ve la forma de adoctrinamiento que llevó a Natasha Romanoff a convertirse en la Viuda Negra. Comparativamente hace unos años la película Gorrión Rojo partía de un esquema similar pero ahi si se mostraba todo el duro entrenamiento de la protagonista para convertirse en el arma que le piden que sea. Y no quiero olvidarme de Olga Kurylenko que también está en el elenco de este film (lo que en inicio desconocía) en un papel que admito que me sorprendió, aunque también les faltó ahondar más, y no solo insinuar, en lo que la llevó a estar como está (pero me imagino que eso podría derivar hacia lo escabroso y esto tiene que ser apto para cuantos más, mejor)

Pese a su clara irregularidad, el resultado final es una película tremendamente entretenida, que quizás no estará entre las mejores de este universo cinematográfico Marvel (carece de la grandiosidad de algunos films previos), pero que sin duda se convierte en una interesante opción para pasar un rato bastante ameno. Si el arco de Scarlett Johansson dentro de este universo se cierra con el presente film, hay que reconocer que deja el listón alto porque sabe defender con solvencia a su personaje, incluyendo sarcasmos bastante acertados acerca de su forma de posicionarse para combatir. Las escenas de acción resultan solventes rozando en algunos momentos lo inverosimil al intentar hacer parecer espontaneo lo que se ve de forma clara que está coreografiado, pero la mayoría estan resueltas con eficacia. En resumidas cuentas una película que un personaje así se hubiera merecido antes (debutó en 2010 en Iron Man 2, o sea que oportunidades de haberlo hecho ha habido) Pero siempre es mejor tarde que nunca.

Nota: Agradezco al personal de Disney que ante mi imposibilidad para poder acudir al pase de prensa me ofrecieran una alternativa con la cual pude ver la película y ofrecer esta crítica con mi valoración.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en cines y Disney Plus): 9 de julio de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Es bastante entretenida aunque siga el estilo marcado por los films de las sagas Jason Bourne y James Bond, destacando (más allá de la protagonista) una muy eficaz Florence Pugh.
  
• LO PEOR: Aparte de que quizás tendría que haber llegado antes, la película denota cierta irregularidad y apenas insinúa detalles que podría haber mostrado.

LUCA, un verano inolvidable con PIXAR (crítica sin spoilers)

Cuando se estrenó la película Brave (Indomable) de Pixar en el verano del 2012, el corto previo que la acompañaba era La Luna, una MARAVILLA de Enrico Casarosa que incluso estuvo nominada al Oscar a mejor corto de aquel año. Tras trabajar también en los story-boards de otras producciones de Pixar como Ratatouille y Up, este italiano de Génova debuta como director con Luca, que ha seguido el mismo camino de Soul las pasadas navidades y se ha estrenado de forma directa en la plataforma Disney Plus, sin pasar por las salas de cine, y sin coste adicional (como si han hecho en los estrenos de Raya y el último dragón, la reciente Cruella o la cercana Viuda Negra, todas ellas con estreno simultáneo en salas de cine y con coste adicional en Disney Plus)

¿Quien no recuerda esos veranos de la infancia, en los que cada día era una nueva aventura? Pues ese sería el espíritu de Luca, donde el director se decanta por ambientar la historia en su tierra natal (aunque quizás abusando un tanto más de la cuenta de los tópicos relacionados con lo italiano) en lo que vendría a ser una película ideal para la fecha en la que se ha estrenado: el verano. No estamos ante un título trascendental como en ocasiones nos ha ofrecido Pixar sino ante una historia sencilla que nos quiere atrapar mediante la nostalgía hacia los veranos entrañables de nuestra infancia.

Habrá muchos que compararán esta Luca con Ponyo en el acantilado de Hayao Miyazaki, que de hecho no dejaba de ser una adaptación del clásico relato de La Sirenita, pero el propio director ha admitido que el espíritu del responsable de Studio Ghibli fue uno de los elementos que le ayudó a cimentar esta historia. Tambien es cierto que Enrico Casarosa también tuvo que desmentir el rumor que despertaron los trailers previos al estreno de que quizás podiamos estar ante la primera película homoerótica de Pixar (un total disparate porque cuando se ha visto Luca enseguida se da uno cuenta de que se centra en una amistad infantil totalmente sencilla, sin buscar en este caso dobles lecturas del todo innecesarias) De todas maneras si se puede ver reflejado en la condición de los dos niños protagonistas esa sensación que en ocasiones se tiene en la infancia cuando te parece que no acabas de encajar en ningún grupo, y te sientes como un bicho raro (en este caso unos monstruos marinos) tan solo capaz de relacionarte con excluidos como tú (de ahí la amistad que se establece entre los dos chavales y la joven Giulia, con la que congeniarán enseguida)

La película, que desde buen principio ya deja clara su ambientación italiana clásica en algún momento indeterminado de los años 50, tiene un inicio bastante destacable donde conocemos al protagonista Luca pastoreando unos peces en un claro paralelismo entre la sociedad humana y otra oculta bajo el mar con monstruos marinos. Ambos grupos viven lo más separado que se puede unos de otros, pero el joven Luca tiene una gran curiosidad pero una mayor aprensión por lo que habrá por encima del nivel del mar, la cual se verá saciada cuando conozca a Alberto, otro joven monstruo con el que descubrirá que fuera del agua pueden adoptar aspecto humano. En principio vivirán todo tipo de aventuras que alcanzarán un nuevo nivel cuando se acerquen al cercano pueblo de Portorroso, conozcan a la joven Giulia y juntos intenten darle una lección en una competición local al abusón de Ercole Visconti (que sería lo más parecido a un villano que nos ofrecerá esta película, en el que algunos quizás vean reflejado cierto toque del auge de la extrema derecha), teniendo como idealizado elemento de libertad a las clásicas motos Vespa. 

 

Pese a tener un tono evidentemente nostálgico en el que el director vuelca todo el cariño que tiene hacia su tierra natal, la película sería un título menor dentro de la filmografía de Pixar no por errores en su concepción (visualmente uno lamenta no poder haberla visto en una sala de cine, donde hubiera lucido espectacular), sino porque en el fondo su esquema básico sería poco novedoso, ya que relatos de iniciación a la vida como este se han visto muchos y tanto el mensaje inicial de miedo al diferente como el final a favor de la diversidad serían poco novedosos y si tan evidentes como trillados. Pese a un ritmo en algunos momentos un poco desequilibrado, aunque tiene un ajustado metraje de 95 minutos, el resultado final de Luca es una película sencilla (que no por ello simple) y tremendamente entretenida que demuestra la solvencia de Enrico Casarosa, que sería el primer director no estadounidense en encargarse de un largometraje de Pixar. Quizás no logre un resultado tan redondo como el del corto La Luna mencionado al principio de esta crítica, pero sin duda ofrece una película totalmente disfrutable con un apartado visual realmente precioso y espléndido.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en Disney Plus): 18 de junio de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LA CURIOSIDAD: Hay una escena tras los créditos que no es que sea especialmente relevante pero si que es justo citar para que no pase desapercibida.
  
• LO MEJOR: Su asumida sencillez (sin la trascendencia de otras películas de Pixar), así como su espléndido aspecto visual, lamentando no haber podido disfrutar de él en una sala de cine.
• LO PEOR: Su esquema básico y los mensajes que se desprenden de su historia no serían novedosos y si un tanto manidos, faltando por ahi detalles que la hagan destacar más.

UN LUGAR TRANQUILO 2, tu ruido será tu muerte (crítica sin spoilers)

La pandemia mundial por el Coronavirus fue la culpable de esos sucesivos retrasos de un buen montón de estrenos de cine, pero a nivel personal el que me dolió más fue el de la secuela de Un lugar tranquilo que en origen tenía que haberse estrenado el 19 de marzo de 2020 (apenas una semana después de decretarse el estado de alarma, de ahi el poster adjunto a esta crítica) pero que al final ha visto la luz en junio del 2021. Y me supo mal porque a diferencia de otros estrenos que puedes esperar con mayor o menor ansiedad, a este le vino de tan solo una semana el no poder verlo y el tener que esperar más de un año para conseguirlo, con lo cual las expectativas eran muy altas (así quedaron tras el primer film), siendo el resultado convincente aunque (eso era evidente) no tan novedoso.

La película se estrena en España el 16 de junio (el 28 de mayo lo hizo en Estados Unidos) pero unos dias antes algunos cines programaron una maratón con la primera película y esta secuela, siendo por eso que he podido verla con antelación, ya que las ganas eran muchas y encontré que verlas seguidas era una buena manera de compararlas entre si. He de afirmar que con la película de 2018 volví a disfrutar pero con la secuela es justo admitir que el nivel baja un poco al faltar esa sorpresa que representó el film inicial en su estreno. Pese a todo el resultado merece de nuevo la pena y otra vez nos vuelve a dejar con las ganas de más, con un final quizás algo abrupto pero que deja incógnitas pendientes de resolver.

Como quienes vieron el film de 2018 saben el destino final del personaje encarnado por John Krasinski en la anterior entrega, a nadie le extrañará (más que nada porque se ha visto en muchos de los trailers y spots televisivos de esta secuela) su "relativo" retorno en un prólogo que nos sitúa en el primer día de la invasión y como sorprendió a todo y a todos de una manera brutal. Ese Día 1 (rodado de manera realmente destacable por un Krasinski que de nuevo repite en la silla de director) sirve también para presentar al personaje encarnado por Cillian Murphy, que se podría decir que es el que toma el "relativo" relevo del que ejercía el Krasinski actor en el film precedente, si bien la historia se disgrega por varios senderos argumentales, separando a los diversos miembros del nucleo familiar por diferentes senderos resueltos con mayor o menor solvencia. Eso conlleva, y de ahi sus momentos un poco menos acertados, cuando la historia "coquetea" con el género de supervivencia apocalíptica visto en The walking dead y tropecientos ejemplos similares, siendo este un recurso que se entiende en su contexto pero que resulta demasiado trillado para que a estas alturas logre sorprender.

De cara a compensar en su ajustado metraje, la importancia que se sugería en la primera cinta de los hijos en la ficción de Emily Blunt se ve aqui claramente aumentada (en especial la hija sordomuda), lo que va en detrimento de la citada actriz, que no tiene el protagonismo tan destacado que el final de la primera película podía llegar a sugerir. Eso puede deberse a su lógica para la supervivencia común, ya que no tiene que mirar tan solo por ella sino también por sus tres hijos (incluido el bebé, con el que se plantea una muy acertada metáfora sobre la terquedad humana por sobrevivir a cuenta de cierta bombona de oxígeno que está en las últimas) Pese a esa disminución en importancia, el trabajo de Blunt vuelve a ser muy destacable, y aunque en esencia en muchos momentos pueda parecer que estamos ante lo mismo que en la primera película, aqui se muestran más cohesionadas las criaturas con el apocalipsis que han provocado, jugando de nuevo con acierto la particularidad que tienen de ser ciegas pero atacan por su finísimo oido, lo que lleva a que el sonido sea de nuevo un elemento primordial y fundamental que se sabe manejar de manera bastante notable.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de junio de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Sabe mantener muy bien la tensión y el suspense como ya se demostró en el título precedente.
• LO PEOR: "Coquetea" con el manido y trillado tópico de la mezquindad humana en momentos de crisis.
  

EXPEDIENTE WARREN: OBLIGADO POR EL DEMONIO, crítica sin spoilers

Dudo mucho que los responsables de la primera película de Expediente Warren (traducción española del The Conjuring original) pensaran que iban a crear un universo propio que iba a dar tanto de si, ya que si nos ponemos a contar este sería ya el octavo film de dicha franquicia. Pero a diferencia de otros títulos famosos en el género del terror que luego han tenido multitud de secuelas, en este caso esa expansión ha venido mediante unos cuantos spin-offs (las tres películas de Annabelle y las de La Monja y La Llorona) derivados de las películas de la franquicia principal, que eran tan solo dos hasta la fecha (la inicial y la de El caso Enfield) a la que ahora hay que sumar esta. 

 

Hay más o menos cierta unanimidad en que las mejores entregas hasta el momento eran las dos iniciales dirigidas por James Wan, ya que no en vano han sido el origen de todas las posteriores, si bien la presencia secundaria de los Warren en la tercera entrega de Annabelle, de la que Wan fue coautor de la historia, la convertía en lo más similar (sin serlo) a una secuela de las dos iniciales entregas de Expediente Warren. Pero ya fuera de las manos de James Wan como director (en este caso tiene esa función Michael Chaves, responsable del spin-off de La Llorona) esta Expediente Warren: Obligado por el demonio nos devuelve al matrimonio de demonólogos formado por Ed y Lorraine Warren (otra vez a cargo de los carismáticos Patrick Wilson y Vera Farmiga), esta vez inmersos en lo que en un principio parece tan solo un nuevo caso de posesión demoníaca que tomará otros derroteros.

Este octavo film de la franquicia iniciada por James Wan (y a su vez tercera entrega de la primera cinta) comienza con un nuevo exorcismo en el que participan los Warren, con un resultado más o menos afortunado pero que les dejará secuelas, no tan solo a ellos (especialmente a Ed) sino a los integrantes de la familia afectada (por cierto hecho que sucede mientras se lleva a cabo dicho exorcismo), a partir de lo cual se desarrolla la vertiente detectivesca que tendrán los protagonistas en esta nueva secuela. Porque uno de los miembros de esa familia comete un asesinato poco después, argumentando en su defensa que lo hizo obligado por el demonio, lo que llevará a los Warren a intentar descubrir si existe causa para ello o no (las pruebas en un principio no son del todo concluyentes en la teoria de la posesión), moviéndose la película con bastante solvencia por terrenos más propios de las tramas policiacas y de suspense. Logicamente tras ese tránsito por otros géneros la historia se reconduce hacia su temática habitual, si bien en este caso las casas encantadas de las dos películas previas dan paso a los cultos satánicos, llevando a una conclusión final funcional pero ya no tan sorprendente.

La sensación final que deja esta tercera entrega de Expediente Warren es la de un film tan entretenido como claramente inferior a sus dos entregas precedentes, notándose el cambio de director y dejando con la duda de si Michael Chaves, que fue el responsable del spin-off más forzado que ha tenido hasta ahora esta franquicia (La Llorona), era la mejor opción para recoger el testigo de James Wan. Su trabajo como responsable puede pecar de ser demasiado conservador, primero por cumplir con corrección ante unos hechos con ciertos toques verídicos (efectivamente los Warren fueron asesores en el primer caso de homicidio en Estados Unidos donde el acusado puso como atenuante la posesión demoníaca), y segundo por contentar a los seguidores de esta franquicia ofreciéndoles lo que esperan, algo que lleva a cabo de forma aceptable pero sin los momentos de tensión que logró el director de las dos primeras. Como mínimo la pareja formada por Patrick Wilson y Vera Farmiga sigue funcionando de manera bastante destacable, siendo en gran parte el carisma de ellos dos encarnando al matrimonio Warren el que hace funcionar mejor a esta secuela.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de junio de 2021.
• LO MEJOR: Sabe resultar entretenida pese a todo lo que hemos visto ya en esta extensa franquicia, y la pareja protagonista a cargo de Patrick Wilson y Vera Farmiga sigue funcionando muy bien.
• LO PEOR: Resulta algo conservadora, quedándose al nivel medio de cualquiera de sus spin-offs antes que al más destacable logrado por las dos películas que la preceden.

CRUELLA, amena precuela de 101 DÁLMATAS (crítica con un mini-spoiler)

Disney sigue su política de reciclar sus clásicos poniendo el ojo esta vez en 101 dálmatas, si bien no es la primera vez porque en 1996 hubo un remake en acción real de la película animada (a la que aqui en España le añadieron el inutil subtítulo de ¡Más vivos que nunca!) que contó con Glenn Close en el papel de Cruella de Vil. Dicho film lo fuí en su momento a ver al cine de estreno y guardo el recuerdo de una cinta entretenida (tampoco aspiraba a mucho más), aunque no me quise arriesgar con su posterior secuela (102 dálmatas) cuyo fracaso cerró la franquicia, al menos hasta ahora. Y es que como el filón de reinterpretar villanos clásicos de la factoria les funcionó con Maléfica (siempre en referencia a términos económicos, otra cosa serían los artísticos según el gusto de cada cual), se decidió probar suerte con otra miembro destacable del citado grupo.

Si en la primera película con Angelina Jolie, la única que he visto de las dos que tiene hasta la fecha, se le otorgó un pasado a la villana de La Bella Durmiente (un tanto discutible, ¿porque se llama Maléfica siendo en origen bondadosa?), Cruella tiene aqui unas funciones parecidas, siendo evidente su condición de precuela de 101 dálmatas (de hecho en la escena entre los créditos finales ya se "plantan" las semillas para que eso sea lo próximo, si esta cinta obtiene el éxito esperado) No seré yo quien diga que Cruella era necesaria, ya que su misma razón de ser es puramente mercantilista, pero tampoco voy a negar que más o menos pasé un rato muy entretenido con ella.

Lo primero de todo es el gran acierto de contar con Emma Stone de protagonista, ya que se nota que se lo pasó la mar de bien en sus DOS papeles (único spoiler que uso aqui), ya que cual si fuera una especie de Jekyll y Hyde, pronto nos queda claro que tenemos por un lado a la dulce y sumisa Estella y por otro a la histriónica Cruella, en una relación dual visible en su cabello bicolor, que se intenta sustentar en cimientos algo endebles... por lo que logicamente la segunda tiene todas las de ganar. Al no saberse mucho sobre el pasado de este personaje, se inventan aqui uno que a priori resulta tan coherente como arquetípico de la factoria del ratón, que pese a todo funciona (hasta cierto punto) y justifica el odio que siente Cruella hacia los dálmatas, motivo por el cual es bien conocida. Ese "pasado" que arrastra desde su más tierna infancia está planteado de tal forma que el espectador empatiza enseguida con la protagonista, aunque resulte evidente que no está muy cuerda; pero al menos se puede observar a esta mítica villana desde otro punto de vista, cuando tan solo se concentraba en alcanzar sus aspiraciones estilísticas con su vertiente más comedida.

Y si la Stone es la protagonista, entonces entra la otra Emma del reparto (en este caso Thompson), que tiene que lidiar con el personaje de la Baronesa, una villana prepotente, arrogante e intimidante, que primero puede parecer que sería la ayuda perfecta para que Estella alcance sus objetivos, pero que pronto deviene su mayor obstáculo para prosperar, siendo ahi cuando se desata la personalidad dual a la que antes me refería (pese a que está presente y latente en todo momento) Habrá muchos que pongan como ejemplo la película El diablo viste de Prada, donde Anne Hathaway y Meryl Streep también tenian un duelo parecido al de las dos Emma de esta película, el cual también estaba ambientado en el mundo de la moda, pero más allá de partir de premisas similares, en este caso el desarrollo es diferente. El mayor problema, algo demasiado común hoy en día, es su duración: 134 minutos que no resultan molestos... pero que tras cierto giro argumental revelado sobre el VERDADERO pasado de la protagonista, ya no logran mantener el nivel con el que había empezado todo, unido eso a que ese detalle lo aporte el personaje de un Mark Strong que se nota claramente desaprovechado.

 

Aparte de lo mencionado, si por algo destaca Cruella es por su muy acertados trabajos tanto de ambientación (sirva de ejemplo como recrean el Londres de la década de los setenta) como estilísticos (marcando la innovación transgresora que representan los modelos de la protagonista respecto a los más ostentosos de la Baronesa, haciendo evidente mediante ese detalle las personalidades de cada una de ellas), aunque también es evidente el acierto en departamentos relacionados con lo citado como el de peluquería y maquillaje, además de una destacable banda sonora que se ajusta bastante bien a la esencia de la película. En resumidas cuentas esta Cruella ofrece un estupendo entretenimiento que funciona mejor de lo esperado, si bien se resiente de detalles que la podían haber mejorado (dentro de sus claras aspiraciones), aunque a cambio nos queda una Emma Stone que se nota en todo momento cuanto disfrutó con el personaje, desmelenando su versión más histriónica cuando las condiciones asi lo requieren. En definitiva es una precuela que sabe desligarse (en la medida de lo posible) del original en el que se dió a conocer el personaje y ofrecer algo (relativamente) diferente.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en cines y Disney Plus): 28 de mayo de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Las dos Emma protagonistas, su entretenida premisa argumental (bien planteada) y los acertados trabajos en ambientación, vestuario y su apartado musical.
• LO PEOR: El claro bajón que experimenta la película (del que ya no se recupera) tras revelarse cierto secreto del pasado de Cruella, así como desaprovechar a un actor como Mark Strong.

MINARI: HISTORIA DE MI FAMILIA, una buena película (crítica sin spoilers)

Tengo que admitir que Minari, a la que se le ha añadido el subtítulo de Historia de mi familia, es una de esas películas que si no fuera por su repercusión en la temporada de premios pasaría quizás un tanto desapercibida. En mi caso la he podido recuperar ahora gracias a una amable invitación por parte de su distribuidora que no he querido desaprovechar para así poder verla y juzgarla por mi mismo, ya que hay que recordar que en la ceremonia de los Oscars de este año, el presente título del director Lee Isaac Chung obtuvo seis nominaciones (mejor película, mejor dirección, mejor actor, mejor actriz secundaria y mejor banda sonora) ganando finalmente el Oscar a mejor actriz secundaria que fue a parar a manos de la surcoreana Youn Yuh-jung, encargada de dar vida a la simpática abuela en este hermoso relato de lo cotidiano, que me hizo recordar en esencia al tono que emplea Jiro Taniguchi en algunos de sus mangas, al menos a nivel personal. 

Pero si tengo que desvelar cual era mi curiosidad principal hacia este film, la misma está en su actor protagonista Steven Yeun, que estuvo nominado como mejor actor (aunque quien al final ganó fue Anthony Hopkins por El padre) pero que tanto a mi como a muchos se nos ha hecho mundialmente conocido por interpretar a Glenn en la serie The walking dead hasta que su personaje pereció a manos del entonces novedoso Negan (interpretado por Jeffrey Dean Morgan) En este caso realiza una actuación como cabeza de familia realmente sólida, la cual justifica su nominación al Oscar a mejor actor.

Ambientada en la década de los ochenta, se nota el caracter autobiográfico de esta historia, ya que el director se posiciona con el miembro más joven de esta familia coreana emigrante en los Estados Unidos de Reagan, donde intentan alcanzar el tan ansiado "sueño americano". Eso nos lleva al relativo estereotipo de que sería en esa América rural donde radica la oportunidad para alcanzar dicho sueño, siempre que uno le dedique el tiempo y la constancia necesaria, aunque no siempre los mejores deseos vienen acompañados de los mejores resultados (como se descubre en el tramo final) Pero pese a que el éxito no siempre está al alcance de todos, el tono de la historia es respetuoso hacia esos progenitores que pasaron muchos sacrificios para conseguir que sus hijos no tuvieran que pasar por las mismas necesidades que ellos, lo cual se nota en la forma de describir a los padres (y por extensión a la abuela), que derrocha sinceridad y un profundo cariño. De hecho sería justo esta última la que se gana enseguida la simpatía del espectador al ser una abuela poco convencional, como le dice irónicamente su nieto en algunos momentos de la película, al no cumplir con los estereotipos asociados a alguien asi.

Es curioso porque aparte del núcleo formado por la joven pareja coreana, sus dos hijos y la abuela se situa también un vecino del pueblo al que da vida el actor Will Patton, que resulta tremendamente llamativo por su exacerbada fé religiosa, si bien se convierte bien pronto en un carismático compañero de fatigas del protagonista encarnado por Steve Yeun. Este interpreta a un emigrante coreano que decide comprar unas tierras en Arkansas y trasladarse allí con su familia (no del todo convencida), con la idea de cultivar plantas propias de su pais, pensando en la salida comercial que tendrían por los muchos compatriotas que en aquel entonces marchaban a Estados Unidos. El problema viene en que el matrimonio, hasta que ese proyecto funcione (o no) se tiene que ganar la vida como sexadores de pollos, algo que al padre no le convence del todo al no permitirle la estabilidad económica que él quería tener para los suyos. Para cuidar a los niños entra la atípica abuela, que pese a su delicada salud intentará ayudar a los suyos, al mismo tiempo que también representa ese último reducto con las costumbres y raices ancestrales, que con la integración familiar a una nueva cultura se van diluyendo.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de marzo de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Los cinco personajes principales, bien planteados y notablemente desarrollados, si bien los que más destacan serían el padre, la abuela y el niño pequeño (que actúa como alter-ego del propio director), todo ello en un film que se deleita a mostrarnos la bella delicadeza de lo cotidiano, sin excesos melodramáticos.
• LO PEOR: La total ausencia de conflictos raciales (por ejemplo son aceptados sin problemas en la iglesia del condado) es algo secundario, pero resulta un tanto utópico de creer. Asimismo el curioso y fervoroso vecino encarnado por Will Patton deja con las ganas de saber más de él.

SPIRAL: SAW, aunque la mona se vista de seda... (crítica sin spoilers)

El terror es uno de los géneros de los que más se ha abusado en las últimas décadas, ya que ante lo barato de realizar una película de esa temática más o menos original, el negocio está en repetir la fórmula en cuantas secuelas haga falta, hasta el total desgaste de la misma. Y eso es evidente en gran multitud de franquicias (Halloween, Viernes 13, Pesadilla en Elm Street, etc.) donde las sucesivas continuaciones se han limitado a la básica fórmula de "más de lo mismo", sin nunca llegar a los resultados originales. El progresivo desgaste ha llevado a la nueva vertiente de reboots, remakes o lo que se tercie, con resultados dispares debido al hecho de intentar "colarnos" como algo nuevo lo que ya no lo es, siendo ese el caso de películas como esta.

Admito que la primera Saw la ví en un pase televisivo y creo que es correcta (y poco más) al nutrirse de "elementos" ya presentes en el género por entonces (un asesino maquiavélico cual Hannibal Lecter, una estética visual al estilo de Seven de David Fincher, etc.) pero presentándolos de forma más o menos novedosa en aquel ya lejano 2004. Pienso que parte de su acierto estaría en la labor como director de James Wan, quien luego reincidió en el género pero mejorando en parte los resultados (con Insidious y sobretodo Expediente Warren, la cual ya ha generado tanto secuelas como varios spin-off), siendo lo más destacado de la Saw inicial los retorcidos "juegos" macabros que hacía padecer el asesino a sus víctimas. Esa "porno-tortura" tiene su público, lo que llevó a que se sumaran hasta siete secuelas más a la primera película, donde lo más morboso para satisfacer a sus muchos fans radicaba en cuales serían los sádicos y crueles "juegos" mortales, que cada vez se volvían más sangrientos y escabrosos, pero sin llegar a conseguir el (moderado) acierto de la primera película, al faltar la novedad y ser tan solo una repetición de un esquema que ya se había probado como eficaz, retorciendo su planteamiento para estirar la saga cuanto más mejor. 

 

Pero tras una Saw 8 (cuyo título original era Jigsaw) que parecía que evidenciaba el desgaste de la fórmula, el actor Chris Rock (especialista de comedias con más bien poca gracia, al menos para un servidor) se interesó por contribuir a tan extensa franquicia con esta película dirigida por Darren Lynn Bousman, responsable de varias secuelas de la saga original (la 2, la 3 y la 4) en la que coincide con otro famoso actor como Samuel L.Jackson, siendo todo eso lo que me llamó la atención. Nadie duda de que aún funcionando tan solo de forma correcta ya dará para hacer más secuelas (o no, porque su presupuesto es de 40 millones de dólares cuando la media en esta franquicia han sido unos 20, facilmente recuperables con recaudaciones que superaban los 100), pero a favor de esta Spiral: Saw tengo que admitir que ante la duda de quien será el responsable de los atroces crímenes, la historia consigue mantener una mínima dosis de interés ya que en un principio uno piensa que no puede ser tan evidente como parece y que en verdad se decantará por otros derroteros, aunque llegado a cierto punto ese deseo queda descartado.

 

No revelaré quien es el nuevo asesino que imita a Jigsaw porque sería un spoiler innecesario, pero si es justo matizar que cuando se nos aclara quien es y se dan las explicaciones oportunas (que mayormente es algo tan viejo como el sentimiento de venganza), la sensación que me quedó es de total incredulidad porque teniendo en cuenta algunas de las (bastante) rebuscadas trampas que prepara para sus objetivos, no resulta nada coherente poder llevarlas a cabo sin ningún tipo de interrupción inesperada, máxime teniendo en cuenta los escenarios de algunas de ellas. Eso si, se sigue con la tónica habitual en origen de que todas las víctimas habian hecho algo mal y escapar de su suplicio será su redención (si es que lo consiguen...), ofreciendo en esos momentos la película las oportunas dosis de "porno-tortura" para dejar satisfechos a los fans más acérrimos, siempre con esa justificación moral de que lo que sufren sería la expiación por sus pecados. 

 

En cuanto a Chris Rock, máximo responsable de la existencia de este film, digamos que su papel más tópico no puede ser (el policia íntegro y honrado que lucha contra la corrupción dentro del cuerpo en el que trabaja) pero resulta tolerable y no se hace tan irritante como suele ser habitual en él. Su padre en esta película está interpretado por Samuel L.Jackson que mayormente hace de si mismo, lo cual convence en el sentido de que ofrece lo que uno se espera de él (estuve un poco suspicaz en algunos momentos pero al final todo se decanta por los derroteros más previsibles) De todas maneras esta película se engloba dentro de la franquicia en la que consta más que nada por los detalles que se citan (hay incluso un evidente guiño al primer film), ya que si no fuera por eso podriamos estar hablando del enésimo thriller procedimental tras la pista de un asesino en serie que no ofrece ninguna novedad digna de mención. Y ese es su mayor problema: en el fondo no hay nada nuevo que contar, aunque quieran aparentar lo contrario.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de mayo de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Se deja ver y supongo que dejará satisfechos a los seguidores de esta franquicia.
• LO PEOR: En esencia es más de lo mismo, por más que quieran aparentar otra cosa.

EJÉRCITO DE LOS MUERTOS, un disparate grotesco (crítica sin spoilers)

Zack Snyder convenció a un amplio sector del público con su debut como director en 2004 con la película Amanecer de los muertos, la cual para muchos (entre los que me sumo) sigue siendo sin duda uno de sus mejores títulos incluso respecto a posteriores films suyos. En el mismo año que ha presentado la culminación de su trilogia DC (formada por El hombre de ácero, Batman v Superman y Liga de la Justicia) con la versión totalmente personal de esta última, ha decidido regresar al género zombi en el que se estrenó. Ejército de los muertos se estrena en Netflix el 21 de mayo pero antes tiene un estreno limitado en cines... aunque lo de "limitado" sería un eufemismo, porque ahora mismo sería la película para una plataforma de pago que se estrena de forma limitada en más salas de cine repartidas por todo el mundo (600 de las cuales son sólo en Estados Unidos)

En mi caso no sería la primera película que veo con esas condiciones, porque hace pocos meses se estrenó Noticias del gran mundo de una forma similar, si bien resultan claramente diferentes las pretensiones de un film como el de Tom Hanks (que quería optar a algún premio en la temporada de los mismos) de una película como esta, que destila por sus fotogramas un tono gamberro cuya única aspiración es entretener al máximo de espectadores posible. Su mayor problema radica en el propio director, que se excede de largo (y no solo en el metraje) en una cinta que tiene un esquema muy similar a la reciente Peninsula, la secuela de Train to Busan, si bien los desarrollos son diferentes.

Las mayores semejanzas podrían radicar con Escuadrón Suicida, ya que la cutrez de sus personajes puede recordar a ese film de DC, siendo incomprensible que en una película como esta con semejante planteamiento se molesten en presentarlos como si al espectador le tuvieran que importar algo, para que al final sean meros clichés y tópicos de los que queda bien claro que no muchos (de hecho bastantes pocos) llegarán al final de la película. Eso me llevó a perder todo tipo de interés sobre los personajes que pululan por la historia, más allá de un Dave Bautista como protagonista, con un papel que hace algunos años bien podría haber ido a manos de Schwarzenegger o Stallone, si bien resultan risibles los problemas con su hija (otro personaje esquemático más), que se desarrollan con todos los tópicos que se pueda uno imaginar en una relación paternofilial. La única valoración posible sería que la película no se toma en serio a si misma en ningún momento (algo ya evidente desde sus títulos de crédito iniciales), por lo que su reparto actúa en consecuencia, pero es que estamos hablando de 148 minutos de metraje que para lo que es SIN DUDA se podían haber resumido en menos tiempo.

 

Visualmente Ejército de los muertos está resuelta como si fuera una cinta de serie B que quiere aparentar ser de primera categoría, pero sin abandonar en ningún momento ese tono cutre que uno suele relacionar con esos films más casposos y baratos (solo que me imagino que este no lo habrá sido tanto, aunque luzca como tal) Más allá de un director que busca una estética zafia adrede, a lo que sumar unos personajes que siendo mera carnaza tampoco hubieran requerido de tantos minutos en pantalla, la historia tiene unos agujeros de guión inmensos, con situaciones resueltas de una forma ridícula o vergonzosa, superando el nivel de incredulidad del espectador más allá de cualquier límite (y no lo digo solo por el tigre zombi que se vió en los avances porque hay muchos más disparates) De todas formas hay apuntes interesantes, como esa "evolución" de los zombis (con una cierta jerarquía de poder), que se notan acertados al tono excéntrico de una película que no tiene nada de terror y si muchas ganas de quedar en el recuerdo por ser un film sinvergüenza y excéntrico que no aburre, pero por decantarse siempre por lo más insensato. Que eso guste ya depende de cada espectador.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de mayo de 2021.
• FECHA DE ESTRENO EN NETFLIX: 21 de mayo de 2021.
  
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Es una inmensa chorrada excéntrica y grotesca que nunca se avergüenza de ello.
• LO PEOR: En muchos detalles (guión, personajes, metraje, etc.) el disparate se les escapa de las manos.