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viernes, 11 de marzo de 2022

RED, la problemática adolescencia según PIXAR (crítica sin spoilers)

Debido a la pandemia mundial del Coronavirus los estrenos de Pixar de 2020 (Soul) y 2021 (Luca) no llegaron a estrenarse en cines, sino que fueron directas a la plataforma de streaming Disney Plus, lo cual fue una lástima porque el portentoso trabajo visual de la productora del flexo perdía parte del encanto de poder verlo en una sala de cine (otra cosa sería la calidad de las películas citadas, siempre según la diferente valoración de cada espectador) Parecía que eso ya no sucedería con esta Turning Red, traducido en España por un escueto Red... pero como "no hay dos sin tres", su destino ha sido el mismo por más que en inicio tenía que haber llegado a los cines. Dirigida por Domee Shi, sería su debut con este largometraje (tras haber sido la responsable del corto Bao que acompañó en su estreno a la película Los Increibles 2), centrándose aqui en el problemático tránsito de la infancia a la adolescencia. 

La protagonista de esta Red es Mei Lee, una adolescente de 13 años y de ascendencia chino-canadiense, que vive en el Toronto de 2002 (lo que se representa en múltiples detalles, como por ejemplo los por entonces muy populares tamagotchis) En ese tramo de la pubertad digamos que Mei-Mei (como la llaman cariñosamente sus allegados) está en ese dificil momento en el que ya no es una niña pero aún no es una mujer, circulando el relato por esa dicotomía entre la búsqueda de su propia identidad (con sus amigas y sus aficiones) frente a una familia más bien conservadora.

Igual debido a que ya no soy el público "potencial" de una película como esta (soy hombre y tengo 47 años), la cuestión es que en cuanto me quedó claro que los personajes principales circulaban por ese tramo de la vida también conocido como "la edad del pavo" no conseguí conectar emocionalmente con la protagonista, aún comprendiendo que es un periodo por el que muchas han pasado con situaciones más o menos similares a las que se reflejan en esta película. Eso se hace evidente en el objetivo final de Mei y sus amigas: conseguir asistir a un concierto de una banda de pop genérica de esas formadas por unos chavales más o menos majos que poco importa si "cantan" mejor o peor, porque lo esencial es que revolucionen las hormonas de esas niñas recien llegadas a la adolescencia. Lo gracioso, o relativamente novedoso, de esta propuesta sería en utilizar la metáfora del color rojo (red en inglés) como representación de la menstruación femenina (ya es un avance que algo así se cite en un film de Pixar), haciendo de ella algo así como una representación antropomórfica con el aspecto de un panda rojo, que es el elemento visual más llamativo de esta película.

La justificación para dicho animal (anclada en el pasado de la familia) se me hizo más interesante, por el lógico interés que levanta todo lo oriental, pero lamentablemente es una línea argumental secundaria, centrándose el relato primero en la extrañeza inicial de Mei-Mei ante su inesperada transformación y luego el posterior partido que le saca al tema, en un relato de esos de autodescubrimiento personal bastante esquemático y poco sutil. Derivado de la pasión por el anime de su directora, a nivel visual se ven muchos detalles diferenciadores respecto a la tónica habitual de Pixar, a lo que sumar otros como la rotura de la cuarta pared, que en conjunto funcionan correctamente a la hora de otorgar un toque personal a Red. Pero lo mejor es sin duda ese entrañable panda rojo en el que se transforma Mei-Mei cada vez que no controla sus emociones, que irónicamente dentro de la propia historia genera su particular merchandising, siendo el verdadero protagonista de este film, quedando sus personajes adolescentes trazados con estereotipos genéricos y los adultos (en teoría más interesantes) en meros esbozos que dejan con las ganas de un mayor desarrollo.
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miércoles, 17 de noviembre de 2021

ENCANTO... y la película desborda de él (crítica sin spoilers)

Aunque en el fondo vengan todas bajo el mismo sello, hay más bien poca diferencia entre las películas de animación de Pixar y las de Disney a nivel de calidad técnica, y esta Encanto es otra muestra más de ello, en un nuevo paso más desde la factoria del ratón para romper los "relativos" estereotipos que tiene asociados, dando entrada a todo tipo de culturas de lo más diverso. Si este mismo año se decantaron hacia lo oriental en Raya y el último dragón, hace poco tiempo los de Pixar nos llevaban al Dia de los Muertos de México en la notable Coco, e incluso ya se pisó la Polinesia con Vaiana; en esta 60ª película de la factoria Disney se han decantado por otro destino latinoamericano y nos trasladan a una muy colorista Colombia para presentarnos a la mágica familia Madrigal y sus particularidades.

Algunos de los responsables de esta cinta (Byron Howard y Jared Bush como directores o Lin-Manuel Miranda en su muy destacable apartado musical) ya tenian experiencia en trabajar con Disney, porque colaboraron en mayor o menor medida en títulos previos como Zootrópolis, Enredados o la antes citada Vaiana. Al igual que sucedía con Coco, se nota mucho que estamos ante una obra grupal donde se han documentado sobre el pais de destino (en este caso Colombia) para obtener una inspiración más certera, en un título que se decanta por el realismo mágico, un género que sería bastante común en dicha cultura.

Encanto no es la primera película (ni será la última) dedicada a mostrarnos la importancia del concepto de la familia, en este caso centrándose en Mirabel Madrigal, una protagonista que se encuentra con el handicap de no haber recibido ella ningún don como el que se les otorgó en su más tierna infancia a todos los parientes de su bastante amplia estirpe. Y es que son muchos los miembros de dicho linaje que conviven juntos, pero cada uno con una capacidad específica propia y diferenciada (superfuerza, superoído, poder de sanación, control sobre las plantas, entender a los animales, etc.) que les otorga una personalidad muy característica, intentando Mirabel encajar en su seno aunque se sienta totalmente ajena al grupo por más esfuerzos que ponga por su parte. A eso hay que añadir su propio hogar común (la Casita Madrigal), que también posee ciertos detalles mágicos como si tuviese vida propia, siendo donde se custodia y respeta el símbolo de los dones de cada miembro de la familia, que ha pasado de generación en generación.

Aunque los diferentes parientes que componen el arbol genealógico parecen sentirse cómodos con sus variadas habilidades, en algunos casos las mismas les sobrepasan, al estar juzgados por el resto respecto a las mismas. Eso le ocurre por ejemplo a uno de ellos, en principio ausente y que luego da la sensación de ser el elemento oscuro de esta historia, pero que en el fondo abandonó (sin hacerlo) el núcleo familiar por las predicciones que llevó a cabo, aunque las mismas representaran la escision de toda la estirpe. La posibilidad de que la Casita se venga abajo (y con ella todas las capacidades de la familia Madrigal) llevará a Mirabel a profundizar más sobre unos parientes que creía conocer pero que tienen sus secretos, en un periplo lleno de entusiasmo y vitalidad además de los excelentes temas musicales compuestos por Lin-Manuel Miranda, que se integran satisfactoriamente al desarrollo de la propia historia. Y todo ello con una calidad visual, como cité al inicio de esta crítica, realmente portentosa en cuanto a luces, colores, texturas y detalles. 
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de noviembre de 2021.
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: La calidad visual y musical (en ambos casos portentosa), así como los parientes del núcleo Madrigal, en cuyas características se pueden ver reflejados detalles típicos de miembros de cualquier familia.
  • LO PEOR: Nada respecto a la propia película, más allá de que no interese la enésima historia de idealización del concepto de familia (en lo que también se centra el corto previo)

martes, 10 de agosto de 2021

FREE GUY, un muy acertado entretenimiento (crítica sin spoilers)

Esta película es el enésimo caso de films que tendrían que haber visto la luz en 2020 pero que la pandemia por el Coronavirus le llevó a ir acumulando retrasos hasta que al final se estrena este mes de agosto. Se trata además de una película en origen de 20th Century Fox que Disney (la actual propietaria) ha preferido estrenar de forma directa en cine, sin estreno simultáneo en Disney Plus (su plataforma de streaming) como ha ocurrido por ejemplo con títulos como Cruella, Viuda Negra o Jungle Cruise. Es algo un tanto llamativo si se tiene en cuenta que es una película que en su origen no es de Disney como tal sino de una de las muchas filiales de la citada Disney (la ahora rebautizada como 20th Century Studios), pero que tiene unos guiños divertidos a ciertas franquicias muy conocidas, que la compañía del ratón ya está rentabilizando.

Como estamos en una época con pocas novedades y la que que todo tiene que tener alguna referencia previa, si se tratara de una secuela, precuela, remake o reboot sería facil indicar al espectador. Pero en este caso estamos hablando de una historia (más o menos) original, por lo que para situar a quien quiera verla sin desvelar spoilers se puede decir que esta Free Guy tiene detalles que pueden recordar a El show de Truman, La Lego película, Rompe Ralph y algo en menor medida a Ready Player One. Y pese a lo variado de todo ello, al final el resultado funciona bastante bien y consigue ser el muy acertado entretenimiento al que aspiraba, ni más ni menos.

Me resulta curioso admitir las bondades de un título del que no tenía ninguna expectativa prefijada, más que nada porque su responsable es Shawn Levy, en cuyo curriculum no hay títulos especialmente destacables aunque tiene algunos bastante funcionales como la trilogia de Noche en el museo o Acero Puro. A posteriori si se puede admitir que Free Guy sería coherente con el resto de su carrera, pero cuando podía haberse quedado en una comedia de acción más sin ningún matiz, es curioso ver como la historia está bien hilvanada y resulta coherente, incluso con una evidente crítica hacia el abuso de poder de las corporaciones frente a los individuos (en referencia a lo que ocurre en "nuestro" mundo)

Es también evidente que estamos ante una cinta al servicio de su protagonista, el actor Ryan Reynolds, con lo cual la misma se valorará según la afinidad de cada espectador con el protagonista de las películas de Deadpool. De hecho Free Guy ofrece un tipo de humor más relativamente "blanco" que el que realizó Reynolds en las películas del Mercenario Bocazas de Marvel, pero que en esencia se podría decir que es deudor de aquel, con algunas bromas con un objetivo bien prefijado. Aunque sin duda lo más llamativo sería las (muchas) libertades que se pueden tomar en el universo virtual en el que transcurre parte de la acción, en el cual todo es posible por más exagerado (y violento) que parezca.

La historia se centra en Guy, que vive en un mundo que él cree real pero que en verdad es un videojuego (en el caso de El show de Truman era un reality-show) Sus funciones en ese mundo son muy determinadas y esquemáticas (vendría a ser un simple personaje de relleno, sin más opción que la de cubrir un hueco de ese mundo ficticio donde los jugadores son los únicos con libertad total de movimientos) El protagonista pronto descubrirá nuevos horizontes más allá de su cotidiana rutina (como les pasaba a los protagonistas de las citadas La Lego película o Rompe Ralph), en una aventura en la que intentará salvar  "su" mundo y de camino encontrar el amor... más o menos.

Es justo admitir que los que sean jugadores habituales de todo tipo de videojuegos online se sentirán más identificados que yo, que veía el planteamiento de la película desde un punto de vista externo (según lo que he leído el ficticio videojuego Free City en el que transcurre este film podría recordar bastante a otros reales como por ejemplo Grand Theft Auto) Por cierto, más allá de un omnipresente Reynolds sobre el que gira todo, es justo destacar en el reparto a la actriz Jodie Comer como el personaje que le abrirá nuevos horizontes al protagonista y Taika Waititi, director de algunas películas de Thor o Jojo Rabbit, en el papel de un villano con algunos momentos realmente hilarantes.

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de agosto de 2021.
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Es una película que no aspira a nada más que entretener al espectador, con un ritmo que no deja hueco al aburrimiento, y en donde destacan el omnipresente protagonista y el esperpéntico villano.
  • LO PEOR: Sin duda podría haber ahondado más en lo que plantea (el poder de la inteligencia artificial), pero que se queda en lo justo para hilvanar un buen entretenimiento.

martes, 27 de julio de 2021

JUNGLE CRUISE, picoteando por aqui y por allá (crítica sin spoilers)

Hoy en día con tanta carencia de imaginación hasta una atracción puede ser apta para hacer su versión en película, lo cual NO es una crítica porque la misma Disney ya lo hizo con Piratas del Caribe, logrando resultados óptimos en la primera entrega pero que poco a poco fueron perdiendo fuelle al basar toda la saga (hasta el momento) alrededor del personaje de Jack Sparrow (Johnny Depp), que aunque estuvo bien en el primer film (por La maldición de la Perla Negra incluso lo nominaron al Oscar a mejor actor), paulatinamente se fue convirtiendo en una parodia de si mismo, haciéndolo más enervante. 

Y es que dicha saga de aventuras con Johnny Depp es la primera que se le viene a la mente al espectador que vaya a ver Jungle Cruise, porque en Disney parecen querer buscar otra franquicia al estilo de la de los Piratas del Caribe, en una mezcla que al menos a mi me ha resultado entretenida en sus pretensiones, algo dilatada en su metraje (sus 127 minutos se antojan demasiados para lo que en si tiene que contar), y desde luego que muy deudora no sólo de clásicos como La reina de África o del esquema aventurero de Indiana Jones sino también de otros sucedáneos de aquella época como Tras el corazón verde e incluso de otros más o menos recientes como lo fue La Momia de Stephen Sommers. En este caso la excusa para entablar esta aventura será la búsqueda de un árbol mágico perdido en el Amazonas que tiene la virtud de sanar cualquier cosa y tras el cual van unos cuantos personajes, cada cual con su motivación.

La protagonista está interpretada por una Emily Blunt realmente encantadora, que tras haberla visto hace poco en la secuela de Un lugar tranquilo demuestra aqui que es una actriz polivalente para cualquier tipo de proyecto o género. Es cierto que su personaje podría ser una variación del interpretado por Rachel Weisz en las dos primeras películas de La momia dirigidas por Stephen Sommers, en este caso una experta en botánica menospreciada por la sociedad de su época por el simple hecho de ser mujer, pero la actriz se desenvuelve con soltura. Su compañero de aventuras está a cargo de Dwayne Johnson en un personaje en el que muchos pueden ver un equivalente al encarnado por Humphrey Bogart en La reina de África, si bien serían tan solo parecidos estéticos porque en esencia el de esta película se decanta por otros derroteros más fantasiosos (aparte de que es EVIDENTE que Johnson dista mucho de ser un mito como Bogart

El problema radicaría en incluir un progresivo componente romántico entre ellos que no acaba de cuadrar y que bien podría haberse obviado por una paulatina amistad tras las primeras confrontaciones de caracteres que tienen sus personajes. Aunque no cuadren como pareja sentimental es indudable que Dwayne Johnson cumple con creces en su personaje, si bien quizás un héroe menos musculoso hubiera hecho más creible la deriva hacia los terrenos amorosos antes citados. Otro evidente parecido con La momia de 1999 lo tiene en el personaje encarnado por Jack Whitehall, hermano en la ficción de la protagonista y que cumple de forma algo forzada su función como "alivio cómico" al igual que sucedía en el film de Sommers con John Hannah. Pero los más evidentes parecidos serían con Piratas del Caribe ya que la presencia de los conquistadores españoles malditos (entre los cuales está un inesperado Dani Rovira entre otros) recuerda mucho a algunos de los villanos vistos en la citada franquicia caribeña, aunque también hay nazis como en la de Indiana Jones.

El director de Jungle Cruise es el "cumplidor" Jaume Collet-Serra (que ha repetido con Dwayne Johnson en Black Adam, adaptación del personaje de los comics DC que se estrenará para el verano del 2022), y ese calificativo lo pongo entre comillas porque estamos ante una obra que simplemente ofrece lo que promete, lo que para algunos puede ser suficiente, pero sin ningún virtuosismo que la haga especialmente destacable, como si podían tener algunos de los ejemplos de los que parte. Con esa misma corrección, pero sin llegar a sobresalir, se encuentra también la banda sonora de esta película, pese a que venga de James Newton Howard, algo que se puede hacer extensible a un guión firmado por Glenn Ficarra, John Requa y Michael Green que lo único que llevan a cabo es un "combinado" de ejemplos precedentes. Pese a todo insisto en que la película ofrece el entretenimiento que promete... pero sin ningún detalle que la haga memorable.

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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en cines y Disney Plus): 30 de julio de 2021.
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Visualmente es muy llamativa, ofrece el entretenimiento que promete y la pareja protagonista convence...
  • LO PEOR: ... menos cuando surge el amor, aparte de que toda la película en si es un combinado de ejemplos precedentes y su duración se hace excesiva.

miércoles, 30 de junio de 2021

VIUDA NEGRA, por fin una película para ella (crítica sin spoilers)

Otra de las víctimas del Coronavirus (en el mundo del cine) ha sido la película Viuda Negra, que de un estreno inicial previsto para el 30 de abril del 2020 se retrasó varias veces hasta al final por fin llegar a la cartelera el próximo 9 de julio. Se trataría del primer estreno situado en el Universo Cinematográfico Marvel desde que hace dos años llegó el título más reciente hasta la fecha (Spiderman: Lejos de casa), si bien dicho universo se ha expandido hace poco en formato televisivo con series como Wandavision, Falcon y el Soldado de invierno o la actualmente en emisión Loki. Para todo aquel que no esté al día con las citadas series le recomiendo que las vea porque hay un personaje que ha salido en alguna de ellas (no puedo especificar cual ni dar más pistas por ser un evidente spoiler) que conecta con el ¿futuro? de este universo (entre interrogantes porque no sé si se verá en televisión o en cine, ahora mismo caben ambas opciones) en la escena final tras los créditos tan habitual en ellas.

Hay que recordar que en las películas del universo Marvel la primera superheroina fue la Viuda Negra, aunque le haya tomado delantera y ya tenga título propio (y secuela a la vista) la Capitana Marvel, por lo que la primera sensación que desprende el film es que quizás llega un poco tarde, máxime si tenemos en cuenta el destino del personaje en el díptico de los Vengadores formado Infinity War y Endgame. Queda claro entonces que esta película es una precuela situada tras Capitán América: Civil War y antes de la citada Infinity War.

Si hay un detalle a alabar de Viuda Negra (más allá de que luego la película guste más o menos) es lo bien que funciona de forma individual, aunque esté integrada en un universo cinematográfico (que ahora también es televisivo) cada vez más grande. Logicamente hay algunas referencias en sus tramos inicial y final, pero las mismas sirven tan solo como piezas de puzzle para situar cronologicamente al espectador, funcionando el resto como una cinta a medio camino entre las sagas de Jason Bourne y James Bond dentro del universo Marvel (de hecho de este último hay un guiño a uno de los films de la etapa de Roger Moore
 
En este viaje al pasado de la Viuda Negra conoceremos a Yelena Belova (la gran sorpresa del presente film a cargo de la actriz Florence Pugh) Alexei Shostakov (un simpático "alivio cómico" con el actor David Harbour, al que quizás se nota que igual podía haber dado más juego) y Melina Vostokoff (a cargo de la actriz Rachel Weisz, en un papel quizás un tanto ambiguo), siendo todos ellos unos personajes que tendrán una especial relevancia en esta película, ya que vendrían a formar algo así como un "nucleo familiar", compartiendo un pasado común al que intentarán finiquitar aqui, marcado por un villano que bien podría haber salido de cualquier título de la longeva saga de James Bond porque cumple a la perfección todos los cánones de megalómano con ansias de dominación.

Pero el mayor problema que tiene Viuda Negra sería el de insinuar más que mostrar, quizás porque en el fondo estamos hablando de un producto que tiene que llegar cuanto a más público mejor. Con esto me vengo a referir no solo a todo lo que precede al personaje del Guardían Rojo encarnado por David Harbour (atención a sus múltiples comentarios sobre ello) sino a la propia protagonista, ya que no se ve la forma de adoctrinamiento que llevó a Natasha Romanoff a convertirse en la Viuda Negra. Comparativamente hace unos años la película Gorrión Rojo partía de un esquema similar pero ahi si se mostraba todo el duro entrenamiento de la protagonista para convertirse en el arma que le piden que sea. Y no quiero olvidarme de Olga Kurylenko que también está en el elenco de este film (lo que en inicio desconocía) en un papel que admito que me sorprendió, aunque también les faltó ahondar más, y no solo insinuar, en lo que la llevó a estar como está (pero me imagino que eso podría derivar hacia lo escabroso y esto tiene que ser apto para cuantos más, mejor)

Pese a su clara irregularidad, el resultado final es una película tremendamente entretenida, que quizás no estará entre las mejores de este universo cinematográfico Marvel (carece de la grandiosidad de algunos films previos), pero que sin duda se convierte en una interesante opción para pasar un rato bastante ameno. Si el arco de Scarlett Johansson dentro de este universo se cierra con el presente film, hay que reconocer que deja el listón alto porque sabe defender con solvencia a su personaje, incluyendo sarcasmos bastante acertados acerca de su forma de posicionarse para combatir. Las escenas de acción resultan solventes rozando en algunos momentos lo inverosimil al intentar hacer parecer espontaneo lo que se ve de forma clara que está coreografiado, pero la mayoría estan resueltas con eficacia. En resumidas cuentas una película que un personaje así se hubiera merecido antes (debutó en 2010 en Iron Man 2, o sea que oportunidades de haberlo hecho ha habido) Pero siempre es mejor tarde que nunca.
Nota: Agradezco al personal de Disney que ante mi imposibilidad para poder acudir al pase de prensa me ofrecieran una alternativa con la cual pude ver la película y ofrecer esta crítica con mi valoración.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en cines y Disney Plus): 9 de julio de 2021.
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Es bastante entretenida aunque siga el estilo marcado por los films de las sagas Jason Bourne y James Bond, destacando (más allá de la protagonista) una muy eficaz Florence Pugh.
  • LO PEOR: Aparte de que quizás tendría que haber llegado antes, la película denota cierta irregularidad y apenas insinúa detalles que podría haber mostrado.

sábado, 19 de junio de 2021

LUCA, un verano inolvidable con PIXAR (crítica sin spoilers)

Cuando se estrenó la película Brave (Indomable) de Pixar en el verano del 2012, el corto previo que la acompañaba era La Luna, una MARAVILLA de Enrico Casarosa que incluso estuvo nominada al Oscar a mejor corto de aquel año. Tras trabajar también en los story-boards de otras producciones de Pixar como Ratatouille y Up, este italiano de Génova debuta como director con Luca, que ha seguido el mismo camino de Soul las pasadas navidades y se ha estrenado de forma directa en la plataforma Disney Plus, sin pasar por las salas de cine, y sin coste adicional (como si han hecho en los estrenos de Raya y el último dragón, la reciente Cruella o la cercana Viuda Negra, todas ellas con estreno simultáneo en salas de cine y con coste adicional en Disney Plus)

¿Quien no recuerda esos veranos de la infancia, en los que cada día era una nueva aventura? Pues ese sería el espíritu de Luca, donde el director se decanta por ambientar la historia en su tierra natal (aunque quizás abusando un tanto más de la cuenta de los tópicos relacionados con lo italiano) en lo que vendría a ser una película ideal para la fecha en la que se ha estrenado: el verano. No estamos ante un título trascendental como en ocasiones nos ha ofrecido Pixar sino ante una historia sencilla que nos quiere atrapar mediante la nostalgía hacia los veranos entrañables de nuestra infancia.

Habrá muchos que compararán esta Luca con Ponyo en el acantilado de Hayao Miyazaki, que de hecho no dejaba de ser una adaptación del clásico relato de La Sirenita, pero el propio director ha admitido que el espíritu del responsable de Studio Ghibli fue uno de los elementos que le ayudó a cimentar esta historia. Tambien es cierto que Enrico Casarosa también tuvo que desmentir el rumor que despertaron los trailers previos al estreno de que quizás podiamos estar ante la primera película homoerótica de Pixar (un total disparate porque cuando se ha visto Luca enseguida se da uno cuenta de que se centra en una amistad infantil totalmente sencilla, sin buscar en este caso dobles lecturas del todo innecesarias) De todas maneras si se puede ver reflejado en la condición de los dos niños protagonistas esa sensación que en ocasiones se tiene en la infancia cuando te parece que no acabas de encajar en ningún grupo, y te sientes como un bicho raro (en este caso unos monstruos marinos) tan solo capaz de relacionarte con excluidos como tú (de ahí la amistad que se establece entre los dos chavales y la joven Giulia, con la que congeniarán enseguida)

La película, que desde buen principio ya deja clara su ambientación italiana clásica en algún momento indeterminado de los años 50, tiene un inicio bastante destacable donde conocemos al protagonista Luca pastoreando unos peces en un claro paralelismo entre la sociedad humana y otra oculta bajo el mar con monstruos marinos. Ambos grupos viven lo más separado que se puede unos de otros, pero el joven Luca tiene una gran curiosidad pero una mayor aprensión por lo que habrá por encima del nivel del mar, la cual se verá saciada cuando conozca a Alberto, otro joven monstruo con el que descubrirá que fuera del agua pueden adoptar aspecto humano. En principio vivirán todo tipo de aventuras que alcanzarán un nuevo nivel cuando se acerquen al cercano pueblo de Portorroso, conozcan a la joven Giulia y juntos intenten darle una lección en una competición local al abusón de Ercole Visconti (que sería lo más parecido a un villano que nos ofrecerá esta película, en el que algunos quizás vean reflejado cierto toque del auge de la extrema derecha), teniendo como idealizado elemento de libertad a las clásicas motos Vespa
 
Pese a tener un tono evidentemente nostálgico en el que el director vuelca todo el cariño que tiene hacia su tierra natal, la película sería un título menor dentro de la filmografía de Pixar no por errores en su concepción (visualmente uno lamenta no poder haberla visto en una sala de cine, donde hubiera lucido espectacular), sino porque en el fondo su esquema básico sería poco novedoso, ya que relatos de iniciación a la vida como este se han visto muchos y tanto el mensaje inicial de miedo al diferente como el final a favor de la diversidad serían poco novedosos y si tan evidentes como trillados. Pese a un ritmo en algunos momentos un poco desequilibrado, aunque tiene un ajustado metraje de 95 minutos, el resultado final de Luca es una película sencilla (que no por ello simple) y tremendamente entretenida que demuestra la solvencia de Enrico Casarosa, que sería el primer director no estadounidense en encargarse de un largometraje de Pixar. Quizás no logre un resultado tan redondo como el del corto La Luna mencionado al principio de esta crítica, pero sin duda ofrece una película totalmente disfrutable con un apartado visual realmente precioso y espléndido.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en Disney Plus): 18 de junio de 2021.
  • Galería de posters por este enlace.
  • LA CURIOSIDAD: Hay una escena tras los créditos que no es que sea especialmente relevante pero si que es justo citar para que no pase desapercibida.
  • LO MEJOR: Su asumida sencillez (sin la trascendencia de otras películas de Pixar), así como su espléndido aspecto visual, lamentando no haber podido disfrutar de él en una sala de cine.
  • LO PEOR: Su esquema básico y los mensajes que se desprenden de su historia no serían novedosos y si un tanto manidos, faltando por ahi detalles que la hagan destacar más.

miércoles, 26 de mayo de 2021

CRUELLA, amena precuela de 101 DÁLMATAS (crítica con un mini-spoiler)

Disney sigue su política de reciclar sus clásicos poniendo el ojo esta vez en 101 dálmatas, si bien no es la primera vez porque en 1996 hubo un remake en acción real de la película animada (a la que aqui en España le añadieron el inutil subtítulo de ¡Más vivos que nunca!) que contó con Glenn Close en el papel de Cruella de Vil. Dicho film lo fuí en su momento a ver al cine de estreno y guardo el recuerdo de una cinta entretenida (tampoco aspiraba a mucho más), aunque no me quise arriesgar con su posterior secuela (102 dálmatas) cuyo fracaso cerró la franquicia, al menos hasta ahora. Y es que como el filón de reinterpretar villanos clásicos de la factoria les funcionó con Maléfica (siempre en referencia a términos económicos, otra cosa serían los artísticos según el gusto de cada cual), se decidió probar suerte con otra miembro destacable del citado grupo.

Si en la primera película con Angelina Jolie, la única que he visto de las dos que tiene hasta la fecha, se le otorgó un pasado a la villana de La Bella Durmiente (un tanto discutible, ¿porque se llama Maléfica siendo en origen bondadosa?), Cruella tiene aqui unas funciones parecidas, siendo evidente su condición de precuela de 101 dálmatas (de hecho en la escena entre los créditos finales ya se "plantan" las semillas para que eso sea lo próximo, si esta cinta obtiene el éxito esperado) No seré yo quien diga que Cruella era necesaria, ya que su misma razón de ser es puramente mercantilista, pero tampoco voy a negar que más o menos pasé un rato muy entretenido con ella.

Lo primero de todo es el gran acierto de contar con Emma Stone de protagonista, ya que se nota que se lo pasó la mar de bien en sus DOS papeles (único spoiler que uso aqui), ya que cual si fuera una especie de Jekyll y Hyde, pronto nos queda claro que tenemos por un lado a la dulce y sumisa Estella y por otro a la histriónica Cruella, en una relación dual visible en su cabello bicolor, que se intenta sustentar en cimientos algo endebles... por lo que logicamente la segunda tiene todas las de ganar. Al no saberse mucho sobre el pasado de este personaje, se inventan aqui uno que a priori resulta tan coherente como arquetípico de la factoria del ratón, que pese a todo funciona (hasta cierto punto) y justifica el odio que siente Cruella hacia los dálmatas, motivo por el cual es bien conocida. Ese "pasado" que arrastra desde su más tierna infancia está planteado de tal forma que el espectador empatiza enseguida con la protagonista, aunque resulte evidente que no está muy cuerda; pero al menos se puede observar a esta mítica villana desde otro punto de vista, cuando tan solo se concentraba en alcanzar sus aspiraciones estilísticas con su vertiente más comedida.

Y si la Stone es la protagonista, entonces entra la otra Emma del reparto (en este caso Thompson), que tiene que lidiar con el personaje de la Baronesa, una villana prepotente, arrogante e intimidante, que primero puede parecer que sería la ayuda perfecta para que Estella alcance sus objetivos, pero que pronto deviene su mayor obstáculo para prosperar, siendo ahi cuando se desata la personalidad dual a la que antes me refería (pese a que está presente y latente en todo momento) Habrá muchos que pongan como ejemplo la película El diablo viste de Prada, donde Anne Hathaway y Meryl Streep también tenian un duelo parecido al de las dos Emma de esta película, el cual también estaba ambientado en el mundo de la moda, pero más allá de partir de premisas similares, en este caso el desarrollo es diferente. El mayor problema, algo demasiado común hoy en día, es su duración: 134 minutos que no resultan molestos... pero que tras cierto giro argumental revelado sobre el VERDADERO pasado de la protagonista, ya no logran mantener el nivel con el que había empezado todo, unido eso a que ese detalle lo aporte el personaje de un Mark Strong que se nota claramente desaprovechado.
 
Aparte de lo mencionado, si por algo destaca Cruella es por su muy acertados trabajos tanto de ambientación (sirva de ejemplo como recrean el Londres de la década de los setenta) como estilísticos (marcando la innovación transgresora que representan los modelos de la protagonista respecto a los más ostentosos de la Baronesa, haciendo evidente mediante ese detalle las personalidades de cada una de ellas), aunque también es evidente el acierto en departamentos relacionados con lo citado como el de peluquería y maquillaje, además de una destacable banda sonora que se ajusta bastante bien a la esencia de la película. En resumidas cuentas esta Cruella ofrece un estupendo entretenimiento que funciona mejor de lo esperado, si bien se resiente de detalles que la podían haber mejorado (dentro de sus claras aspiraciones), aunque a cambio nos queda una Emma Stone que se nota en todo momento cuanto disfrutó con el personaje, desmelenando su versión más histriónica cuando las condiciones asi lo requieren. En definitiva es una precuela que sabe desligarse (en la medida de lo posible) del original en el que se dió a conocer el personaje y ofrecer algo (relativamente) diferente.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en cines y Disney Plus): 28 de mayo de 2021.
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Las dos Emma protagonistas, su entretenida premisa argumental (bien planteada) y los acertados trabajos en ambientación, vestuario y su apartado musical.
  • LO PEOR: El claro bajón que experimenta la película (del que ya no se recupera) tras revelarse cierto secreto del pasado de Cruella, así como desaprovechar a un actor como Mark Strong.

viernes, 5 de marzo de 2021

RAYA Y EL ÚLTIMO DRAGÓN de la factoría DISNEY (crítica sin spoilers)

El año 2020 ha sido fatídico para muchos sectores, entre ellos el del cine, y eso se continúa arrastrando hasta este año, lo que ha llevado a multitud de cambios de fechas de estreno hacia el futuro, esperando que la situación mejorara en algún momento. Pero Warner y Disney han probado otras opciones para dar salida a sus estrenos, la primera optó por hacerlo de forma simultánea en cines y bajo streaming en la plataforma HBO Max (estrategia que dió inicio con Wonder Woman 1984 y que continuarán con todos sus estrenos del presente 2021), mientras que la segunda optó por un estreno tan solo en su plataforma Disney Plus para Mulan con coste adicional, misma decisión con Soul pero sin coste adicional y ahora con Raya y el último dragón optan por una opción intermedia: estrenarla en su plataforma Disney Plus con coste adicional y también en los cines que estén disponibles.

Debido a la aún no resuelta (aunque hay visos de esperanza) pandemia del Coronavirus que nos está afectando, los animadores responsables de esta cinta tuvieron que finiquitarla desde sus hogares, bajo la batuta de nada menos que cuatro directores, por lo que resulta algo innegable la meticulosidad con la que midieron todos los detalles que la conforman. De todo ello se beneficia un acabado visual portentoso que es digno de gozar en una sala de cine (si las circunstancias así lo permiten), pese a que su cada vez más amplio reparto de personajes haga que algunos no destaquen más allá de lo meramente anecdótico, con lo que pierden importancia de cara al espectador.

Resulta bastante clara la inspiración de la cultura mítica del sudeste asiático en esta película cuando nada más comenzar nos presentan a Kumandra, un lugar paradisíaco donde humanos y dragones viven en armonia. La misma no tarda mucho en romperse cuando hacen su entrada los Druun, una amenaza bastante incorpórea pero letal, a la que consiguen vencer (que no destruir) gracias al sacrificio de los dragones. Las víctimas, convertidas en piedra, son un recuerdo constante de su constante acecho, por lo que 500 años después aparece una valiente guerrera llamada Raya que intentará encontrar al último dragón y de camino volver a unir a todos los reinos de Kumandra para vencer de una vez por todas a los Druun. En su periplo la protagonista, tan solo acompañada de una especie de armadillo gigante (que le sirve de medio de transporte cuando no hace las funciones de simple mascota), verá unirse a su causa a una pléyade de personajes que la ayudarán en su objetivo final, en una entretenida aventura donde, como es usual viniendo de la factoría Disney, uno de los elementos más importantes que aprenderán durante su travesía será el valor de la amistad.
 
Si como he indicado antes su nivel visual es maravilloso, con una animación que combina en algunos momentos diferentes estilos con un resultado espléndido, otra cosa sería su historia, más allá de que la protagonista sería otra nueva muestra de esas princesas Disney que rompen con los estereotipos que tenían en el pasado (de hecho en el caso de Raya, que lo sea es algo totalmente anecdótico) A medida que avanza la historia la protagonista irá recogiendo diferentes personajes que se supone que la acompañarán y la ayudarán en su aventura, pero que en muchos casos aportan más bien poco (por no decir nada: los monos y el bebé son meros "alivios cómicos"), lo que va en detrimento de los personajes más primordiales del relato, que pierden oportunidad de verse desarrollados de forma más completa. Eso repercute también en un ritmo algo irregular, ya que ese exceso de personajes hace que se tengan que rellenar metraje para justificar su presencia de forma anecdótica (pero sin importancia para el conjunto final), y aunque en algunos casos sirve para lucir animación de calidad, en otros son tan solo vericuetos de guión que no llevan a nada esencial.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de marzo de 2021.
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Es tremendamente entretenida y tiene una calidad de animación portentosa.
  • LO PEOR: Peca de tener un exceso de personajes secundarios que importan poco o nada.

lunes, 28 de diciembre de 2020

SOUL o la casi siempre brillante partitura de PIXAR (crítica sin spoilers)

Finalizo 2020 con otro film que se ha visto afectado por la pandemia mundial del Coronavirus, ya que de haberse estrenado en un principio el pasado verano al final se retrasó hasta la temporada navideña para acabar estrenándose este pasado 25 de diciembre sólo en Disney Plus, la plataforma de streaming de Disney. Me refiero a Soul, una bastante grata sorpresa que si bien no puede decirse que sea una obra maestra (igual porque el jazz, elemento primordial de la cinta, es un género del que no soy apasionado fan), sin duda alguna es un título excelente que sabe mal que no haya podido llegar a salas cinematográficas porque era ahi donde se podía haber disfrutado de él. Y es que puede sonar algo redundante pero desde Pixar demuestran de nuevo en Soul que están a la cabeza en cuanto a animación por ordenador con resultados en este caso (a nivel de formas, texturas e infinidad de detalles) que tan sólo se pueden catalogar de MAGNÍFICOS, en el que sería su segundo estreno en este año tras Onward, que logró llegar a la cartelera poco antes de que estallase la crisis sanitaria. 
 
Siendo del mismo director de Del revés (Inside Out) y con las imágenes previas donde se veían unos personajillos que podían recordar a como se representaban allí las sensaciones humanas más básicas, esta cinta vendría a presentarnos y responder la duda de muchos sobre como se forjan nuestras personalidades, en una historia adulta pero apta para todos los públicos donde su director (Pete Docter) nos habla de buscar aquello que de sentido a nuestra vida.

El protagonista de Soul es Joe Gardner, un profesor de música al que de repente le surge la gran oportunidad de su vida para ser un músico de jazz como siempre había soñado, con tan mala suerte que justo ese día tiene un accidente y se muere... ¿o no? Reticente de ir al Más Allá una serie de circunstancias le llevará a un estado previo de la existencia, y es que si no quiere aceptar su destino, ¿porque no ir a parar donde empezó todo? Allí se verá metido en una inesperada tarea: tendrá que ayudar a forjar una personalidad aún en ciernes si es que quiere volver a nuestro mundo, en lo que será tan solo el principio de una gran aventura donde se intentará alcanzar esa chispa que da sentido a nuestra vida y nos revela nuestro propósito en el mundo. Y aunque lo de meterse en temas metafísicos puede parecer algo demasiado farragoso para plasmarlo en una película con vocación infantil, Soul lo logra con nota ya que sabe contentar a todo su público potencial con un segundo acto en el que el slapstick se revela como la gran baza para contentar a los más pequeños, mientras que los adultos se verán representados en la crisis existencial y emocional de su protagonista, así como todas las peripecias que le llevan a entender lo que sería el valor del alma humana.

Como he indicado antes a nivel visual Soul es un portento, y es que basta con ver la recreación que hacen tan fidedigna de una ciudad como Nueva York para darse cuenta que bien podrían haber optado por realizarla en imagen real, ya que hasta los detalles más sutiles estan reflejados de forma realista, y sin los excesos de los que normalmente suele hacer gala la animación. Y es que eso se lo guardan para los mundos metafísicos donde prima lo sencillo, elegante y funcional, todo ello en colores armónicos, con una estética y un diseño muy bien diferenciado de lo que sería el mundo real, destacando que una película con una animación impresionante se decante en esos escenarios por líneas básicas picassianas que pese a todo forman "personajes" perfectamente definidos. Logicamente es en esos planos metafísicos donde se demuestra un derroche de imaginación magnífico, en los cuales todo es posible y al mismo tiempo todo tiene su explicación y coherencia dentro de lo que nos quieren narrar. Con un ritmo que no decae en ningún momento la película estaría planteada en tres actos perfectamente entrelazados y que funcionan en una excelente conjunción donde el protagonista con su pasión por el jazz ejemplifica la importancia de saber valorar nuestro tiempo en este mundo.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre de 2020 en Disney Plus.
  • Galeria de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Tanto a nivel visual como argumental la película es inmejorable y una excelente excusa para hacernos reflexionar sobre nuestra propia humanidad, cuidando con mimo los detalles y la narrativa en otra genialidad de Pixar que sabe mantener el ritmo en todo momento.
  • LO PEOR: Salvo su segundo acto, donde prima con acierto el slapstick, no sería una buena elección para los que busquen una mera película de animación para ver con los crios. Por lo demás absolutamente nada.

lunes, 24 de febrero de 2020

ONWARD, una obra menor en el catálogo de PIXAR (crítica sin spoilers)

El planteamiento de Onward es, con diferencia, lo más destacado de esta nueva producción de Pixar y Disney: todos conocemos mundos imaginarios llenos de todo tipo de criaturas fantásticas, bien sean los creados por Tolkien en El Señor de los Anillos, los generados en esa famosa franquicia de Dragones y Mazmorras o los que transita Conan el Bárbaro. Pero, ¿qué ocurriría si dejaran ese universo fantástico-medieval y se quedaran tan solo con lo primero, al ser ellos criaturas fantásticas, pero evolucionando lo segundo a una sociedad bastante paralela a la que vivimos nosotros?

En inicio algo así me hizo recordar a Bright, película de Netflix con Will Smith a la cabeza que partía de una premisa similar, si bien con un resultado bastante más decepcionante. Afortunadamente en Pixar son lo bastante inteligentes como para desarrollar un punto de partida así de manera más destacable, si bien resulta evidente el hecho de que caen en demasiados tópicos que hacen que el resultado final sea entretenido, pero dando la sensación de que a Pixar, responsable de tantas joyas de la animación, se le podía exigir algo más.

El director de esta Onward es Dan Scanlon, siendo esta su segunda película tras haber sido el responsable de Monstruos University. La premisa de la que parte el presente film la vivió él de forma personal, al perder a su padre muy joven, teniendo siempre la incertidumbre de como habría sido de verdad de haberlo conocido.

Al inicio de esta crítica he citado todo el "envoltorio" alrededor de la nueva producción de Pixar, pero el mismo es tan solo aprovechado para darle un escenario a la historia, a la espera de que futuras secuelas (si las hubiera) o derivados que bien pueden ir a la plataforma Disney Plus saquen más jugo de esta, sin duda alguna, fructífera fuente. Porque practicamente toda la historia está centrada en los dos hermanos elfos protagonistas, totalmente contrapuestos el uno al otro, a los que ponen voz en su versión original Tom Holland a Ian (el más apocado de los dos) y Chris Pratt a Barley (el más desinhibido y descarado, un auténtico fan de los juegos de rol al estilo de Dragones y Mazmorras, que en este universo especial en el que viven están basados en hechos históricos más o menos reales) 

El más pequeño de los dos (Ian) no tiene recuerdos de su padre, mientras que el mayor (Barley) apenas guarda unos pocos, y no todos necesariamente agradables (se intuye que murió de una grave enfermedad), pero todo cambiará cuando en el 16º cumpleaños del primero reciba un inesperado regalo de su progenitor fallecido: un bastón mágico, una piedra y un hechizo con el que conseguirán volver a estar con él durante todo un día, desapareciendo luego para siempre. El problema radica en como usar la magía en un mundo mágico que ha dejado de creer en ella (impagable la escena de los unicornios rebuscando en la basura como alimañas), por lo que inicialmente no llegan a lograr su objetivo, ya que esta sociedad en la que viven ha dejado a un lado todos los temas más mitológicos y es más convencional.

Cuando se consigue llevar a cabo ese hechizo, un incidente provoca que tan solo puedan recuperar al padre de cintura para abajo, lo que embarcará a ambos hermanos en la búsqueda de otra piedra como la que tenían (que se consumió con el uso) para poder "completar" a su padre, teniendo un periodo temporal de apenas 24 horas, ya que pasado ese tiempo se acaba la magía y su fallecido progenitor desaparecerá para siempre. A partir de ese momento se transforma en una road movie que transita a medias con esa típica historia de búsqueda de un tesoro vista más veces, en una aventura con ciertos toques que pueden recordar a Indiana Jones, El Señor de los Anillos o cualquiera de sus múltiples derivados, solo que con un "estilo" más infantil (sin que ello signifique algo negativo) 

Como ocurre en muchas ocasiones, en este relato no es tan importante lo que van a buscar como lo que vivirán durante dicho periplo, siendo lo más interesante la evolución de la relación entre los dos hermanos, demostrándose ahi el acierto de su responsable al tener ambos unas personalidades bien marcadas, en la que no es dificil imaginar a Ian como el alter-ego del propio director, por la anécdota personal de él que configuró esta Onward.  En su tercer acto la historia intenta combinar épica y emotividad, destacando más en el segundo apartado (en el que Pixar ya se ha demostrado muy habil en anteriores ocasiones) ya que en el primero la resolución se nota estándar pero un tanto abrupta. Con un resultado final más bien correcto y funcional que emblemático, estamos ante una entretenida historia que aunque muchos momentos sea poco sutil en sus pretensiones y demasiado convencional en su desarrollo, acierta en su apartado más emotivo.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de marzo de 2020
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: El mundo en el que se ambienta la película, del que apenas vemos algunos detalles al centrarse más en la aventura principal. Asimismo el sobresaliente nivel de animación y el punto de partida que generó esta película, que se hace especialmente emotivo en su tramo final.
  • LO PEOR: Aunque bien usados, transita por demasiados tópicos de otras muchas aventuras de búsquedas de tesoro y road movies, lo que le resta originalidad más allá de su llamativa premisa argumental. Asimismo en algunos momentos le falta sutileza y le sobran convencionalismos.

lunes, 18 de noviembre de 2019

FROZEN 2, tan digna y entretenida como innecesaria (crítica sin spoilers)

Hace ya seis años acudí al pase de Frozen en una sesión compartida entre medios de prensa con los alumnos de un colegio, del cual cabe decir que salí encantado porque me parecía descubrir esa magia tan clásica de Disney con la que había disfrutado en mi infancia al mismo tiempo que la conocian las nuevas generaciones. Hay que reconocer que posteriores visionados me han permitido darme cuenta que dicho film, además de los elementos propios de los cuentos de hadas que maneja con bastante solvencia (siempre dentro del estilo propio de la factoría de la que sale) tiene la muy emblemática canción Let it go (Suéltalo) en su banda sonora, la cual sin duda ayudó bastante a su éxito en taquilla, que la coronó como la película de animación más rentable de la historia (habría que hacer el inciso de que ese puesto se lo ha sacado el reciente remake de El rey león, pese a que la propia Disney no quiere verla como de animación sino en "acción real")

Como toda empresa, ante un éxito tan destacado como el del primer Frozen tan solo era cuestión de tiempo que hicieran alguna secuela (aunque algunos personajes ya han salido en unos pocos cortos con desigual fortuna), pese a que en origen Frozen tenía una historia lo bastante cerrada como para que la misma no hiciera falta. Y justo es ahi donde más se "resiente" esta secuela, porque ya desde su propio inicio queda claro que los personajes viven felices, sin necesidad de evolucionar más, de ahi que Elsa resista tanto la aventura que la está llamando. ¿Que ofrece entonces este film digno de mención?

Frozen 2 es una continuación innecesaria (partamos ya desde ese punto) pero consigue ser una película solvente, carente de la magía de la anterior cinta pero sin duda alguna lo bastante entretenida como para que no decepcione a aquellos que decidan verla. Para introducir el nuevo decorado donde sucederá la mayoria de la historia (un bosque encantado) se echa mano de la retrocontinuidad con un prólogo que nos lleva a la infancia de las dos hermanas y como sus padres les relataron la leyenda que rodea a ese nuevo escenario de acción. Justo en ese prólogo me percaté de que entre los juguetes de ambas niñas hay más de un guiño a anteriores películas de la factoría Disney, lo cual me resultó más simpático que la mencionada leyenda sobre el bosque, la cual me parece una mera excusa más o menos bien desarrollada (pero excusa al fin y al cabo), con la que se le quiere dar un tono más oscuro y adulto a esta franquicia (siempre dentro de unos evidentes márgenes, ya que nunca olvida su público potencial) Esta secuela resulta, por tanto, no tan sólo la búsqueda de la resolución del misterio sobre el nuevo escenario, sino también una contínua búsqueda por intentar conseguir la magía que tenía de forma natural la primera película, y que aqui se demuestra más carente, con tan solo aciertos puntuales.

Aunque es cierto que las secuelas lo mismo sirven para repetir fórmulas ya testadas con éxito como para hacer evolucionar a los personajes, la presente se decanta por la primera opción, ya que poco (o nada) cambian los protagonistas de cuando los conocimos, en una clara señal de franquicia como las de los superhéroes (por poner un ejemplo), donde por mucho que cambie todo, lo básico siempre es claramente evidente. Elsa tiene unos poderes que quedarán "justificados" aqui, pero lo primordial sigue siendo su magnífica relación con su hermana, la cual ya era bastante evidente en la primera cinta (por lo que no sé puede decir que te esten contando algo nuevo) Si puede resultar más simpático el "alivio cómico" que nos ofrece Kristoff en sus múltiples intentos de pedirle matrimonio a Anna, así como algunos momentos con Olaf, el cual ya no tiene la mentalidad tan infantil del primer film sino que habría "evolucionado" un poco hacia una especie de preadolescencia (en su caso la broma más afortunada sería lo de Samantha, que sirve para rebajar la tensión del momento en que ocurre) De lo nuevo añadiría aqui el simpático bichejo que representa el espíritu del fuego, que fue lo que se me hizo más destacable de esta secuela ya que (como en los casos de Kristoff y Olaf) funciona bien sin abusar y dentro de unos límites.

Si antes citaba el Let it go (Suéltalo) como un tema que logró aupar aún más al éxito a la primera entrega, en esta secuela podría ser Into the unknown la canción concebida como sucesora de aquella, si bien desconozco cual será su trascendencia más que nada por el hecho de que si Let it go triunfó sin esperárselo, en este caso queda bastante evidente la "jugada" de intentar algo similar pero sin la sorpresa que tuvo aquella, por lo que me aventuro en suponer que su calado no será igual. Aparte de la citada, sus muchas canciones (para algunos puede que sean demasiadas) resultan funcionales y muy correctas, pero sin que haya ninguna destacable por encima del resto. En cuanto a su calidad visual resulta todo lo espectacular que uno podría pensar, pero eso de nuevo ya quedó palpable en la anterior entrega, sin que en esta haya nada que sobrepase a la anterior, por más que se utilicen elementos mitológicos que apenas quedan esbozados, usados para una mera sorpresa visual, pero con poca trascendencia argumental. Al final Frozen 2 se queda como una mera secuela para seguir haciendo caja gracias al cariño del público hacia estos personajes, que pese a todo resulta lo suficientemente digna para resultar un espectáculo bastante entretenido y correcto.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de noviembre de 2019
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Todo lo que funcionaba en Frozen sigue presente (en especial el carisma de sus personajes), ofreciendo una continuación entretenida...
  • LO PEOR: ... pero la novedad que tenía la previa brilla por su ausencia, ya que su final cerrado hacia inncesaria esta secuela, lo que se hace evidente tras verla.

miércoles, 18 de septiembre de 2019

DICCIONARIO ESCÉPTICO, NO CONFIES EN NADIE (film y novela), SALVEMOS NUESTRA ESCUELA y EN BUSCA DE LA FELICIDAD


Los temas paranormales siempre han tenido mucho seguimiento, y desde finales del siglo XIX y durante el XX se generaron muchos fenómenos que derivaron en asuntos de este tipo, de los cuales hubo una "explosión" con lo del fin del milenio que propició el éxito (entre otros productos) de la que es sin duda la más emblemática serie de televisión dedicada a ese tipo de temas: Expediente X. El problema viene cuando uno se adentra en muchos de esos fenónemos "extraordinarios", ya que al analizarlos y valorarlos desde un punto de vista científico y más o menos coherente y conciso, el resultado final siempre suele desmentir (o al menos contradecir en gran medida) todo lo que se nos quiere hacer creer. Este Diccionario escéptico obra de José Fonollosa vendría a valorar 66 de esas creencias, mitos o leyendas urbanas, demostrando de una forma muy sencilla y amena en que consisten cada una de ellas (admito que algunas me sonaban, pero otras ni sabía de su existencia) y como el tiempo (y los avances) las han ido rebatiendo, lo cual no ha sido obstáculo para que algunas de ellas sigan hoy en día gozando de fieles seguidores y defensores. En resumen estamos ante una obra muy didáctica, de fácil lectura y que nos permite reflexionar sobre esos temas y fenómenos paranormales, todo ello con mucha ironia y humor.
Lo normal, o como mínimo lo más usual, es leer un libro y luego ver su adaptación en película o serie, pero en mi caso con No confies en nadie la cosa fue al revés, e incluso viendo la cinta en televisión, unos años después de su estreno en cines. El citado film es de 2014 y lo ví hace unos dias en televisión por primera vez, encontrándome con una película entretenida sin tampoco ser ninguna maravilla, aunque dejándome con cierta confusión a la hora de desentrañar todo el misterio. Al saber su desenlace uno podría pensar que leer la novela en la que se basa resultaría un tanto absurdo, pero al ser tan solo tres los personajes principales (en la película con los rostros de Nicole Kidman, Colin Firth y Mark Strong) pensé que su lectura podía aclararme los conceptos que la cinta no me había dejado del todo claros, más allá de que de forma coherente fuera fiel a la misma y por lo tanto ya supiese yo el resultado final. Al final me he encontrado con una novela mucho más interesante que su adaptación, que se toma ciertas licencias al traspasar el texto a imágenes teniendo además un metraje demasiado escueto para dejar finiquitadas todas las líneas argumentales de manera coherente. En resumidas cuentas una lectura amena, ágil y muy fluida en una historia recomendable, se haya visto o no su adaptación cinematográfica.
El sexto volumen de Moon Girl y Dinosaurio Diabólico tengo que reconocer que me ha gustado más de lo que esperaba, si bien se mantiene dentro de los cánones habituales de esta serie, aunque quizás se puede deber al muy destacado número inicial autoconclusivo en el que se realiza una muy acertada campaña contra el tabaquismo, teniendo en cuenta que es un vicio en el que muchos se meten cada vez a edades más tempranas. Tras ese viene el arco argumental Salvemos nuestra escuela que da título al presente tomo, en el que la protagonista se las tendrá que ver con la caprichosa hija adoptiva de Kingpin, que además (en su actual estatus de alcalde) pretende cerrar el colegio si no alcanza ciertos mínimos de calidad. La labor de los habituales Brandon Montclare en el guión y Natacha Bustos en el apartado gráfico sigue siendo tan buena y destacable como en anteriores entregas, la cual se ve complementada en el número inicial contra el tabaquismo por Amy Reeder al guión y  Ray-Anthony Height en lo referente al dibujo.
Si hace casi un año disfruté con el comic de Mickey obra de Lewis Trondheim al guión y Keramidas en el apartado gráfico, lo mismo me ha pasado con el que se podría considerar su secuela, y que lleva por título Donald Happiest Adventures: En busca de la felicidad, también a cargo de esos mismos responsables. En este nos hacen creer en el prólogo que estamos ante una vetusta historia del famoso pato de la Disney de una vieja publicación denominada Donald's Quest, si bien es un recurso que se inventan los citados autores para darle un estilo más avejentado (lo que se hace evidente en el aspecto de las páginas que componen esta obra) a un trabajo realizado de una manera destacable por ellos. Realizado cual si fuera un comic clásico, vetusto y ya amarillento por el tiempo, la simpática historia (apta para todo tipo de público) nos llevaría a la épica búsqueda que emprende Donald del secreto de la felicidad por orden de su ambicioso Tío Gilito. El único handicap estaría en romper la ilusión planteada por los autores, tanto aqui como en el previo (es lo malo que tiene informarse por internet de las cosas) lo cual no es obstáculo para disfrutar del notabilísimo resultado final.

viernes, 19 de julio de 2019

EL REY LEÓN (2019) en formato 4DX 3D, nostalgia irreal (sin spoilers)

Hace poco asistí a la presentación del formato Screen X junto al 4DX en los cines Filmax Gran Via, y por la mención hecha en mi blog tuve el privilegio de poder probar ambos sistemas. Si el primero lo hice con la última película de Godzilla, el 4DX me lo reservé para esta nueva versión de El Rey León que se estrena 25 años después que la primera (al menos si contamos el estreno americano, porque por aquel 1994 la tónica de Disney era estrenar en Navidad por este pais lo que habian estrenado en Estados Unidos en verano) Tengo que admitir que el film original es para mi todo un clásico, que se quedó también marcado en mi mente por los hechos que viví en aquella época, con el recuerdo aún vivo de una anécdota que tuve en un momento del metraje: con una sala llena a rebosar, al suceder la muerte que tiene lugar tras la estampida estaba todo el mundo en silencio y se escucha la voz de un niño entre el público que dice: "¿está muerto?".

A diferencia de las cintas que le precedieron en ese resurgir de Disney entre finales de los ochenta e inicios de los noventa, El Rey León fue la primera que fuí a ver al cine (las otras las ví en video VHS), siendo además la primera que podriamos decir que "versiona" un clásico para adultos como es Hamlet de William Shakespeare, y no otro cuento o relato infantil como era habitual por aquel entonces. Nada se puede argumentar en contra de un título que consiguió emocionar a todo el mundo, con su combinación de una extraordinaria animación y banda sonora así como unas voces (en su versión original) míticas.

Ojo, que la versión doblada en español no desentonaba para nada, ya que (por poner un ejemplo) en la piel del rey Mufasa tenía al fallecido Constantino Romero, que es al primero al que uno echa en falta al ver esta nueva versión digital, si bien sería Pedro Tena quien le sustituye (el mismo que ya lo hizo para dar voz a Darth Vader en Star Wars: Rogue One) Y por lo demás, ¿merece la pena El Rey León versión 2019? Pues yo diría que si pero con matices: lo más previsible es que en unos tiempos (los actuales) en los que prima y vende mucho el concepto de nostalgia, esta película se aboca sin ningún tipo de vergüenza sobre ello, lo cual no está mal (con el tema inicial ya me tenían a mi con la lágrima a flor de piel) Pero una vez que los animales empiezan a hablar, todo el metraje transcurre enmedio de un PLACER para la vista al ver lo que ahora se puede llevar a cabo con un ordenador (MAGISTRAL) pero lo irreal del conjunto. Y es que la animación como tal sería una puerta abierta a todo tipo de concesiones, pero si en lo que se hace llamar "versión real" lo que nos ofrece es algo así, la perfección de las imágenes tiene en contra lo irreal de los hechos. Vamos, que ESTO también es animación.

Jon Favreau ya demostró con su versión de El libro de la selva adonde podian llegar hoy en dia la calidad fotorealista de los efectos visuales, por lo que es justo indicar que cuanto más pasa el tiempo más se mejora la perfección de la misma, con lo cual decir que aqui es IMPRESIONANTE sería quedarse MUY corto. Pero el citado Favreau (presente en el universo cinematográfico Marvel como director y actor) no se arriesga y realiza aqui una copia de la película original, supongo que asumiendo que mejorarla sería imposible, lo cual se nota mucho en ciertos sutiles momentos (y otros no tanto) en los que se alarga el metraje más en busca de un placer visual que de una necesidad narrativa. Es cierto que hay algunos momentos en los que la animación más realista intenta arriesgarse con detalles algo más tenebrosos, pero se quedan tan solo en unos simples esbozos de un camino que podía haberse arriesgado a tomar si no optara por, como he dicho antes, ser un clon para la nostalgia del espectador. Lo más lógico sería enfocar el visionado de esta película como un homenaje a la cinta clásica en la que se nos muestra que se puede hacer con las nuevas tecnologías, esperando ahora que lo usen para algo nuevo y no para reciclar viejas glorias.

En mi caso he visto la versión doblada, a la que no le puedo poner ninguna pega, pero lo mismo que me recordaba de la voz de Mufasa en su versión doblada (Constantino Romero) y en la original (James Earl Jones, que aqui repite), el otro que se me quedó clavado es el villano Scar, al que aqui no dejaba de imaginar con los rasgos del actor que le dió voz en origen, un Jeremy Irons sustituido en la versión original de esta por Chiwetel Ejiofor. Por lo demás el formato 4DX que escogí para ver esta película es sin duda tan espectacular como la misma cinta, incluyendo efectos de movimiento, aire, luces, agua, calor, etc. que acompañan a cada momento del film con bastante acierto, e incluso me quedo también con una anécdota, ya que una niña pequeña que tenía sentada al lado, en cierto momento en que dan a Simba por muerto escucho como ella en voz baja dice que no lo está (y como por edad ya podría ser padre, se me hizo emotivo imaginando que significará esta película para las nuevas generaciones como la clásica significó para mi y otros muchos) Al final lo que nos queda es OTRO remake innecesario, donde lo mejor es todo lo que coge de la de 1994 y que tan solo se puede entender como homenaje a la misma con los IMPRESIONANTES avances técnicos actuales.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de julio de 2019
  • Galería de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: En su apartado visual es UNA OBRA MAESTRA y todo lo que funcionaba en la versión de 1994 aqui se repite, salvo algunos cambios más o menos sutiles.
  • LO PEOR: ¿Porque emplear técnicas tan espectaculares para un remake innecesario? Sería un buen homenaje pero sin duda un producto reciclado en pos de la nostalgia.