MIRA COMO CORREN, parodiando el "whodunit" (crítica sin spoilers)

Despues de conocer en mi infancia a Sherlock Holmes (gracias a la serie de animación de Miyazaki), tardé bien poco en probar con otros ilustres del género policiaco, como la señorita Marple o el Poirot de Agatha Christie. Justo de dicha autora me leí toda su bibliografía disponible en la biblioteca, marcando la buena señora un estilo que para mi era indisoluble con ella, de tal manera que cuando leía o veía algo parecido solía calificarlo como un estilo "a lo Agatha Christie".

 

Pero en esta vida siempre aprende uno cosas nuevas, con lo cual con el estreno de la película Puñales por la espalda, todo un homenaje a las historias de misterio de la citada escritora, conocí el término usual para la mayoría de dichos relatos (y de hecho para todo ese tipo de misterios, sean de quien sean): whodunit. Dicho término, contracción del inglés Who has done it? o Who's done it? que se traduciría por ¿Quien lo hizo?, se refiere a esas historias donde se ha cometido un crimen, hay varios sospechosos y quien lo investiga es un detective con particulares peculiaridades.

 

El éxito en taquilla de la película de Rian Johnson antes mencionada (Puñales por la espalda) ha llevado a que muy pronto se estrene en Netflix la primera de sus secuelas, pero también debe haber animado a realizar otros films en ese mismo estilo como el presente, con el que debuta como director Tom George, y que cuenta entre otros con Sam Rockwell, Saoirse Ronan y Adrien Brody. 

Orientada desde un punto de vista paródico (ya que, como dice la voz inicial del narrador, el whodunit es tan específico que pocas diferencias hay entre uno y otro), esta película situada en 1953 se centra en la investigación del asesinato de Leo Kopernick en la celebración por la 100ª representación de la obra teatral La ratonera, emblemático whodunit escrito por la famosa Agatha Christie. La víctima, interpretada por Adrien Brody, iba a ser el director de la futura adaptación cinematográfica de dicha obra, y para averiguar quien es el asesino entran en escena el lánguido inspector Stoppard y su entusiasta ayudante la agente novata Constable Stalker (a cargo respectivamente de Sam Rockwell y Saoirse Ronan, pareja que funciona muy bien en pantalla; en especial ella mostrando una destacable vis cómica), que seguirán paso por paso todos los clichés y tópicos de este tipo de historias detectivescas, con un resultado final algo raro, ya que por mucho que se quiera satirizar sobre ese estilo de tramas, flaco favor haces si las sigues paso por paso, sin en ningún momento cuestionar la fórmula, sino tan solo aplicándola.

Con ello no quiero decir que Mira como corren sea una mala historia, ya que está bien planteada y se deja ver bien en sus ajustados 98 minutos. Quizás el problema sea también un metraje tan concreto, que hace que los personajes no acaben de estar desarrollados (quedándose en meros estereotipos), siendo ese un grave handicap si estamos hablando de un género (el whodunit), que aunque sea de forma paródica tiene a los personajes como su elemento primordial. Eso lleva a que al espectador le cueste implicarse en la trama, ya que salvo el duo formado por Rockwell y Ronan (de los que uno se queda con las ganas de saber más), el resto de personajes no levanta mucho interés. En ese sentido Puñales por la espalda tenía 130 minutos en los que, aparte de satirizar este mismo género, si desarrollaba a unos personajes mezquinos que viven de apariencias, en una ácida reflexión sobre nuestra sociedad que aqui se echa en falta cuando se descubre la relación de un personaje (ficticio de esta trama) con el hecho real que a su vez inspiró la historia de La ratonera a Agatha Christie, lo que podría haber derivado en una crítica hacia los que se lucran con desgracias ajenas.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de octubre de 2022.
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PINOCHO (2022), mimetismo innecesario (crítica sin spoilers)

Disney lleva muchos años viviendo del filón de los remakes en "acción real" de sus clásicos animados, con resultados dispares que van de lo curioso (unos pocos) a lo innecesario (la mayoría de ellos), aunque a veces combinando ambas definiciones. Y es que resulta innegable que para llevarlos a cabo no escatiman en medios, pero dejando palpable la mayoría de veces que un apartado visual portentoso no lo es todo si debajo no saben trasladar la "magía" del original, que es lo que lo hizo clásico. Eso es lo que le ocurre a este remake de Pinocho, que copia el aspecto del emblemático film de 1940, pero dejándose por el camino las emociones que transmitía aquella película de hace ya más de ocho décadas, que además ganó un Oscar por la popular canción When a wish upon a star (la cual se convirtió en la fanfarria de todas las producciones Disney de forma recurrente)

En una temporada en la que aparte de esta adaptación de Pinocho también llegará a Netflix la auspiciada por Guillermo del Toro, y con el recuerdo de la más reciente (2019) de Matteo Garrone con Roberto Benigni como Gepetto, yo me imaginaba que la mayor diferencia entre las dos de este 2022 radicaría en que esta de Robert Zemeckis sería la más conservadora y la del mexicano la más artística... pero lo que no me imaginaba es que esta lo sería TANTO, que replicaría la cinta de 1940 tan solo introduciendo guiños más contemporáneos, así como algunos detalles bastante anacrónicos, con un resultado final que no molesta, pero dista mucho de convencer.

Aunque los relatos sean diferentes, el mejor ejemplo para comparar a esta película con otro reciente remake surgido de la misma factoria sería El rey león de 2019 (e incluso con matices), ya que en ambos casos el acabado visual es destacable, si bien en este caso tiene detalles discutibles (el CGI no resulta muy acertado en algunos momentos); pero ambos coinciden en no ofrecer nada nuevo que mejore a la película original. En el presente caso resulta incluso más sangrante ver a un director que en su época fue emblemático como Robert Zemeckis, (responsable de clásicos como la trilogia de Regreso al futuro) junto a un actor como Tom Hanks (que ha demostrado su valía a lo largo de su carrera) trabajar en esta película con el piloto automático puesto, siendo meros replicadores de lo que la empresa les solicita: si el público pide más de lo mismo, pues hacemos más de lo mismo. De hecho el film de 1940 resultaba en algunos momentos algo perturbador, lo que aqui es sustituido por un tono monocorde en el que el espectador va asistiendo a las diferentes aventuras de Pinocho (por fuera llamativas, pero vacias por dentro) en su intento por convertirse en un niño de verdad.

Aunque el mayor porcentaje de metraje no deje de ser una copia del film animado de 1940, esta nueva versión se permite guiños al público un tanto autocomplacientes (como esos relojes plagados de personajes de películas de la factoria Disney, que resulta curioso pero apenas testimonial), así como detalles algo anacrónicos que se antojan tonterias innecesarias (ver algunos de los comentarios que hace el Honesto John, con voz original de Keegan-Michael Key) También suscitó polémica antes de su estreno la elección de Cynthia Erivo como el Hada Azul, por el cambio racial que representaba respecto a la imagen original de este personaje, pero más allá de los prejuicios que puedan tener algunos, se trata de una mera jugada comercial para contentar al máximo de público posible, que concuerda con el conformismo que destila este innecesario remake. Porque al final este decepcionante Pinocho tan solo busca el mayor mimetismo posible con la versión animada que deslumbró a muchas generaciones, dejándose por el camino todo lo demás, en un nuevo eslabón de remakes que prepara Disney para contentar a ese público que tan solo pide más de lo mismo.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA EN DISNEY PLUS: 8 de septiembre de 2022.
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LA HUÉRFANA: PRIMER ASESINATO, precuela sosa (crítica sin spoilers)

Hace 13 años ví la película La huérfana (uno de los primeros trabajos del director catalán Jaume Collet-Serra) sin muchas expectativas, y me encontré con un producto más o menos aceptable, donde la mayor sorpresa radicaba en conocer las causas y los motivos de Esther, la protagonista, para ser como es. Como deben suponer que el que vea esta precuela ya habrá visto la anterior, nada más empezar se deja bien claro cual es la causa, por lo que uno podría pensar que la cinta circularía por los mismos derroteros que la previa (y no se equivocaría tampoco mucho) PERO hacia la mitad de sus 99 minutos de metraje hay un giro inesperado, donde la suspensión de incredulidad roza los límites de lo coherente, pero que resulta bastante funcional a la hora de hacerla más pasable (que no mejor)

De todas maneras mi mayor curiosidad ante este film radicaba en su protagonista, la actriz Isabelle Fuhrman, que rodó la película previa cuando tenía 12 años (con lo cual podía ser coherente aparentar los 9 de su personaje en aquella entrega) PERO que aqui se supone que tiene dos años menos (o al menos eso calculo yo teniendo en cuenta las fechas que maneja la historia, situada en 2007), mientras que la actriz tiene actualmente 25 años. La solución que se han apañado ha sido, entre otros trucos, un evidente juego de perspectivas o usar en ciertos planos una doble de cuerpo con una actriz infantil, que hay que reconocer que resulta eficaz, logrando repetir ese aire inquietante que era uno de los aciertos del film de 2009.

Es una pena que nada más empezar esta precuela dejen claro lo que era la mayor sorpresa del film precedente, por lo que para no desvelar dicho spoiler (que se supone que justifica sus actos) digamos que la bastante manipuladora protagonista está en un centro en Estonia del que tarda bien poco en escaparse. De nombre real Leena decide hacerse pasar por Esther, la hija desaparecida de un matrimonio con alto poder adquisitivo, con la idea inicial de robarles todo lo que pudiera en el momento más inesperado y desaparecer. Pero la atracción hacia el que debería ser su padre (lo que vendría a ser Complejo de Electra si fuese la hija) le hace permanecer en la casa, si bien dando "buena cuenta" (entiéndase como eufemismo) de un personaje que no acababa de creérsela. Uno esperaría que a partir de ahi siguiera los previsibles cánones por los que circuló la previa, y si bien es asi, en ese momento la historia toma un giro inesperado en el que la hasta entonces sufrida matriarca de dicho núcleo familiar, interpretada por la actriz Julia Stiles, desvela como su amor de madre puede llegar a cotas bastante perturbadoras con la única idea de mantener su statu-quo.

Supongo que con ESA "sorpresa" hacia la mitad intentan levantar el interés de una película que hasta ese momento tampoco había demostrado nada especialmente trascendental, circulando por todos los tópicos genéricos. Ignoro si la intención es convertir a Esther en la matarife protagonista de una saga slasher (en algunos sitios he leído la posibilidad de más entregas), pero aunque en dicho género siempre ha sido útil la reiteración de contenidos, tan solo aumentando el nivel de brutalidad, no hay ningún momento en esta precuela que sea especialmente destacable en dicho contexto. El resto se basa en un esquema similar al del primer film, con las lógicas dudas y reticencias por parte de varios personajes para creer a Esther, y como esta intenta "abrirse camino" como sea para conseguir sus objetivos. Rodada como si se tratara de un telefilm olvidable, y con un reparto (más allá de los nombres citados) que tampoco es que destaquen especialmente, la labor como director de William Brent Bell resulta tan sosa como previsible, quedando al final una película que no es mala... pero que tampoco resulta especialmente remarcable.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de septiembre de 2022.
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CAMERA CAFÉ: LA PELÍCULA, ¿nostalgia televisiva? (crítica sin spoilers)

En lo que se refiere al tema del humor, los gustos de cada cual son muy subjetivos, con lo cual lo que para uno puede ser gracioso, igual otra persona no le ve ni gota de gracia. Estrenada el pasado mes de marzo recupero ahora Camera Café: La película, que como su mismo título indica es la versión para la gran pantalla de la muy popular serie española que se emitió en la primera década de este siglo. De hecho hay que reconocer que, estrenada en 2005, consiguió durar en emisión cuatro años (hasta 2009) basando todo su humor (que no era poco) en chistes entre surrealistas y esperpénticos que funcionaban muy bien al estar englobados en unos pequeños gags que nunca superaba los cinco minutos de duración.

¿Y de que iba esto? Pues para los que no lo recuerden (o no lo vivieran en su momento) se trata del día a día de una oficina, con las andanzas de sus respectivos trabajadores (cada uno con una personalidad muy marcada) y sus comentarios mientras conversan al lado de la máquina de café de la oficina, cuya cámara los enfocaba (sin que lo supieran) y nos descubría sus secretos. Pese a que pueda parecer algo que no da para mucho, la verdad es que Camera Café triunfó gracias a unos personajes carismáticos que no dejaban de representar estereotipos muy comunes, de los que no hacía falta saber nada más allá del ambiente laboral porque sólo con lo que vivian en su rutina laboral diaria era más que suficiente para hacernos reir (yo en su día fuí fan porque era un humor sencillo y rápido que se consumía muy bien)

Al ser un producto televisivo de episodios muy breves, que siempre transcurría en un mismo escenario, su traspaso a película parecía dificil, por lo que en lo que sería el debut de Ernesto Sevilla como director, se ha optado por coger a los personajes y mostrar (¡por fín!) la oficina en la que trabajan, así como conocer un poco más (tampoco mucho) como son ellos fuera del ambiente laboral, centrándose sobretodo en el personaje a cargo de Arturo Valls. ¿El problema? Pues el mismo que tantas y tantas series con formatos específicos (que van desde los 30 minutos de media por episodio de las sitcoms a otras donde cada entrega ronda una hora): que al pasar a formato extenso han tenido que variar su propia esencia, convirtiéndose en un homenaje nostálgico más o menos acertado al producto original, pero en donde se pierde la chispa y el ingenio que caracterizaba al mismo.

 

Con esto me vengo a referir a que intentando dar un hilo de continuidad a la historia para que no se consumiera tan rápido como los escuetos gags de la serie original, el guión vendría a ser una sucesión de momentos con mayor o menor gracia pero soltados un poco aleatoriamente, con la esperanza de que alguno consiga la sonrisa del espectador (y tengo que reconocer que algunos lo logran), pero en donde en ocasiones otros quedan dispersos, como sin acabar de entenderse su justificación más allá de que uno tenga algo de "manga ancha" a la hora de asumir el absurdo que caracterizaba a esta serie en origen. La pugna entre las filiales dirigidas por los personajes de Arturo Valls y Ana Milán (la que pierda cerrará) es la leve excusa argumental para hilar algo parecido al surrealismo del producto televisivo, en una película donde sin duda se ve la voluntad de sus responsables, pero la misma no se acaba de reflejar en unos resultados óptimos.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de marzo de 2022.

ANIMALES FANTÁSTICOS: LOS SECRETOS DE DUMBLEDORE, crítica sin spoilers de esta tercera entrega de las precuelas de HARRY POTTER

La saga de Harry Potter es una de las más populares y rentables, tanto a nivel literario como cinematográfico, por lo que es lógico exprimir lo máximo posible para contentar a los fans y hacer crecer dicho universo mágico. Pese a ello ya la serie principal dió evidencias de alargarse en exceso en siete libros que se convirtieron en ocho películas (la última entrega literaria se dividió en dos cintas), pero más o menos cumplió con sus objetivos, por lo que había esperanzas cuando se estrenó Animales fantásticos y donde encontrarlos. Dicho film partía como spin-off precuela de la saga original, pero en este caso con el guión directo de J.K.Rowling (creadora de todo este universo), pero sin basarse en ninguna obra literaria suya previa.

Dicha ilusión empezó a quedar mermada cuando dos años después se estrenó su secuela (la inferior Los crímenes de Grindelwald), en lo que aspiraba a ser la segunda entrega de una pentalogía fílmica que ya veremos si se finaliza. Y eso se debe a que ya han pasado cuatro años desde aquel film hasta esta tercera entrega, teniendo que lidiar por el camino con varios problemas que se hacen evidentes en este tercer episodio. El primero fue el descenso en taquilla de la entrega previa, el segundo vino por la polémica que llevó a cambiar a Johnny Depp por Mads Mikkelsen, el tercero fue el retraso por la pandemia mundial y el cuarto el férreo control de J.K.Rowling sobre el producto final, intentando alargar en exceso algo que ya no da para más, lo que de nuevo se hace palpable en esta película.

Las muchas dudas que levanta esta tercera entrega de Animales fantásticos probablemente se hacen evidentes en ser la primera película de este universo que no se estrena ni en la temporada veraniega ni en la navideña, que es cuando han llegado tanto los ocho entregas de Harry Potter como las dos anteriores de este spin-off precuela. También hay una evidente incertidumbre en la propia película, que se dilata más de dos horas llevando a sus personajes de un sitio a otro con poca convicción sobre sus objetivos, para en resumidas cuentas dejarlos casi como al principio; si bien aqui se permite un cierto paralelismo más o menos acertado entre el auge de ciertos populismos políticos (¿fascismo?) y la ascensión de Grindelwald dentro de este mundo mágico. Asimismo resulta irónico que estas películas se titulen Animales fantásticos cuando los mismos cada vez tienen una menor trascendencia, algo también palpable en esta cinta (que además prioriza en lo de Los secretos de Dumbledore, por aquello de si nombrando a un personaje algo más conocido de este universo se consigue atraer a más espectadores: de que lo consiga depende su incierto futuro)

Pese a una evidente irregularidad durante sus excesivos 142 minutos, esta película tiene aciertos que se mantienen de la anterior entrega, como un destacable Jude Law encarnando al joven Albus Dumbledore, que en esta película ya deja clara su orientación sexual por más que el detalle tampoco aporte algo de especial trascendencia al producto final. Su reverso lo tiene en Gellert Grindelwald, que en esta franquicia ha tenido los rostros de Colin Farrell en el primer film, Johnny Depp en el segundo y Mads Mikkelsen aqui, consiguiendo este último una aceptable actuación por más que dicho villano quede algo lejos (de momento) de lo amenazador que representó ser Voldemort para Harry Potter. Ellos dos serían los evidentes protagonistas de esta película, quedando en segundo plano otros como el Newt Scamander encarnado por Eddie Redmayne, mientras que el resto pulula aportando poco o nada al resultado final, siendo especialmente hiriente en el personaje de Tina Goldstein, que pasa a ser un mero cameo quizás porque la actriz Katherine Waterston osó criticar los mensajes tránsfobos de J.K.Rowling (dueña y señora de toda esta franquicia) 

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de abril de 2022.
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UNCHARTED, la adaptación del videojuego (crítica sin spoilers)

Es usual admitir que cuando se lleva a cabo una adaptación de un medio a otro, la misma puede no contentar a todo el mundo justamente por el hecho de que lo que funciona de una forma puede no hacerlo de otra. Teniendo en cuenta que el cine es desde hace ya bastantes años muy proclive a eso de adaptar desde otros medios (valga de ejemplo lo rentable que le está saliendo a Marvel las películas basadas en los personajes de sus comics), los videojuegos eran todo un filón teniendo en cuenta las cifras que maneja dicha industria. Pero a diferencia de otras adaptaciones, que pese al cambio de un medio a otro han sido más afortunadas, aún se está a la espera de esa película basada en un videojuego que marque el género y logre convencer a crítica y público más o menos por igual.

De todas maneras si es cierto que lo mínimo que han logrado algunas (tampoco muchas) es ser un pasable entretenimiento (en su momento me gustó la de Silent Hill de 2006), e incluso han dado para hacer su propia franquicia de cine (por ejemplo Resident Evil, que empezó amena y acabó terrible, sin haber visto en el momento en que escribo estas líneas su reciente reboot) Eso lo digo desde mi punto de vista totalmente ajeno a sus orígenes, ya que el mundo de los videojuegos nunca me ha llamado la atención de manera especial, más allá de alguna escueta partida con el Tetris o el Super Mario.

Ahora se estrena Uncharted, centrada en las aventuras de Nathan Drake (a cargo del actor Tom Holland), un aventurero cazatesoros que desciende del histórico Francis Drake, y que aqui se nos presenta (tras un trepidante inicio en un avión que luego se desarrolla por completo en el último tercio del film) como un huérfano que recuerda a Sam, el hermano que se fue de su lado siendo ambos pequeños. Ya mayor, si bien esta película se tiene que considerar una precuela de todo lo que acontece en los varios videojuegos que ha tenido esta serie, nos lo vemos trabajando de barman en Nueva York, al mismo tiempo que roba lo que puede a sus clientes, pero siempre cual si fuera un fino ladrón de guante blanco. En uno de dichos hurtos conoce a Victor Sullivan (el papel de Mark Wahlberg), que le ofrece ir a la búsqueda del tesoro de Magallanes, cuyo valor actual sería de 5000 millones de dólares, ya que el citado Sullivan (o Sully) lo había investigado junto con Sam, el hermano del protagonista, por lo que tras su desaparición acude a él por si tiene alguna pista que le sirva.

 

Pero tras dicha fortuna también va Santiago Moncada (el villano encarnado por Antonio Banderas), cuya familia de rancio abolengo fue primordial tanto para el viaje original de Magallanes como en posteriores momentos históricos de España como las cruzadas, la Inquisición o el franquismo, por lo que considera que dicha fortuna le corresponde por derecho propio. A partir de ahi se establecen los elementos para una película que circula por todos los estereotipos del cine de aventuras centrado en la búsqueda de un tesoro (incluyendo una obvia mención a Indiana Jones), que me recordó en esencia a las dos entregas de La búsqueda con Nicolas Cage, que a su vez también se nutrian en esencia de las aventuras del popular arqueólogo inmortalizado por Harrison Ford de la mano de Steven Spielberg. Me imagino que con cantidad de guiños a los videojuegos de los que parte (creo que ese inicio en el avión, luego desarrollado, es uno de ellos) habrá que ver si nace aqui una segunda franquicia para Tom Holland (el actual Spider-Man de los films de Marvel)

Pero en última instancia lo importante es si Uncharted es una película aceptable y ahi la respuesta es que si... pero con matices. Aunque rememora el cine de aventuras al estilo de Indiana Jones y todos los sucedáneos que le surgieron con el tiempo (más lo que aporte de la propia base de la que parte), el conjunto no acaba de cuadrar debido a la química forzada entre Holland y Wahlberg, a unos personajes femeninos que son meros estereotipos (el de Tati Gabrielle es una femme fatale arquetípica, y el de Sophia Ali no parece más que el inevitable elemento romántico), y sobretodo a un villano que no acaba de convencer como tal, máxime cuando llegado a cierto punto su importancia se reduce a nada. Aún así tiene momentos funcionales, como todo el tramo que transcurre en Barcelona (pese a lo incongruente de encontrar un expositor de postales turísticas DENTRO de una iglesia), pero en resumidas cuentas este popurrí reciclador de géneros y estilos funcionará en proporción a la implicación del espectador a la hora de sentarse para verlo.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de febrero de 2022.
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MOONFALL, la luna se nos cae encima (crítica sin spoilers)

Roland Emmerich es un director con amplia experiencia en esto de los apocalipsis, ya que en su filmografía tiene varios títulos con los cuales ha intentado arrasar nuestro planeta de todas las formas que ha podido, bien sean invasiones alienígenas (Independence Day y su secuela), profecias mayas (2012) o el cambio climático a lo bruto (El día de mañana) Teniendo en cuenta sus antecedentes como director, con algunos títulos más o menos aceptables pero sin ninguna cinta meritoria (asunto aparte es que tenga unas cuantas más o menos exitosas), estamos ante un realizador del que lo mejor es no esperar mucho de ninguna obra suya... y si a partir de ahi como mínimo te entretiene, pues eso que sales ganando.

Resulta curioso que pese a su citada experiencia a la hora de intentar acabar con el mundo, su nueva película (esta Moonfall) haya coincido con el reciente estreno del film No mires arriba en Netflix, teniendo ambas el nexo común de algo que se puede estrellar contra la Tierra y arrasarla (en la dirigida por Adam McKay un meteorito, en esta de Emmerich la Luna) Eso me llevó a recordar cuando en ocasiones han coincidido en las carteleras dos películas de temáticas muy similares, como pasó por ejemplo en 1998 con Deep Impact y Armageddon, films resueltos de maneras diferentes por parte de sus responsables (Mimi Leder y Michael Bay respectivamente) pero también en ambos casos curiosamente sobre meteoritos que podían arrasar la Tierra, lo que ponía en jaque a la humanidad.

Mientras que en No mires arriba se decantan por una sátira bastante meritoria en pretensiones, aunque no tan acertada en resultados, esta Moonfall opta por el esquema básico de los films catastrofistas, en la que resulta bastante evidente (y previsible) que el final será más o menos positivo, que veremos destrucciones apocalípticas muy brutas e impactantes, y que los personajes serán bastante básicos (donde lo mismo te encuentras al héroe en inicio incomprendido que al friki que se usa como "alivio cómico" y recurso final esperpéntico, o a ese personaje secundario trazado para que no caiga del todo bien pero que llevará a cabo cierto gesto de heroismo que motivará el respeto de los supervivientes) Es cierto que en ambas se coincide en que las altas esferas esconden en inicio lo que va a pasar, pero mientras que en la película de Netflix es un elemento primordial para dejar constancia de la manipulación política hacia la sociedad, en este caso es un elemento secundario que sirve tan solo para justificar la única escena que tiene el actor Donald Sutherland en esta cinta.

En cuanto a la premisa de la que parte, mientras que en No mires arriba se opta por el hipotético (pero no por ello menos descartable) meteorito que choque contra nuestro planeta como ocurrió (y motivó) la extinción de los dinosaurios; en Moonfall el problema lo daría la Luna al salirse de su órbita, lo que llevaría a una situación más o menos similar, pero en este caso totalmente disparatada (que ya en su último tercio directamente se desmadra) Y con eso me vengo a referir a que ante la total ausencia de coherencia científica, se opte por la justificación alienígena, siendo el enemigo a batir algo así como la versión ultimate de Galactus (los lectores de los comics Marvel sabrán a lo que me refiero) y el sorprendente campo de batalla un giro argumental que lleva a que nuestro satélite sea algo que parece inspirado en cierto emblemático elemento visto en varias entregas de la saga Star Wars. 

 

Por ello EN CONCLUSIÓN esta Moonfall es la típica tonteria que uno podría esperar de este director, que se deja ver con las expectativas bajo mínimos, pero que no deja de ser el enésimo "más de lo mismo" en esto de arrasar nuestro planeta. Recurriendo a un guión con agujeros abismales (donde la lógica brilla por su ausencia y los deus ex-machina abundan a destajo) resulta curioso que no se enfoque más hacia la comedia satírica (podía haber seguido la estela de la mencionada No mires arriba) e intente plantearse desde un punto de vista más o menos serio (algo totalmente absurdo) Reconozco que a mi me pilló de buen talante y me hizo pasar un rato algo ameno (por todo lo apocalíptico) e hilarante (por el batiburrillo de inconsistencias que conforman su estrambótica historia)... salvado en parte por el carisma de Patrick Wilson. De todas maneras ni él ni Halle Berry tampoco es que hagan absolutamente nada digno de mención... y son los más conocidos de un reparto donde el resto sería igual de intrascendente y olvidable.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de febrero de 2022.
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MATRIX RESURRECTIONS, una parcial decepción (crítica sin spoilers)

Aunque en 1999 se continuó la saga Star Wars con el estreno de La Amenaza fantasma, la primera de sus precuelas tras el parón desde que en 1983 llegara El retorno del Jedi, no consiguió desbancar al merecido éxito que tuvo la película Matrix, ofuscando a la franquicia creada por George Lucas incluso en la temporada de premios de aquel año (4 Oscar para Matrix frente a 0 para el Episodio I de la citada saga galáctica) Tal fue la repercusión que en 2003, apenas cuatro años después de la primera entrega, llegaron sus dos secuelas necesarias para hacerla trilogia, que se estrenaron con pocos meses de diferencia entre si (Matrix Reloaded llegó en la temporada veraniega mientras que Matrix Revolutions lo hizo en la navideña)

Pese a que se generó un buen montón de material complementario a las películas en otros medios como animación, videojuegos, comic, etc. se puede afirmar que la saga quedaba cerrada en la trilogia inicial... hasta ahora. Los (en origen) hermanos Wachowski, que ahora son hermanas, probaron suerte con multitud de proyectos desde su éxito con Matrix, pero ninguno logró el éxito de crítica y público de la película de 1999, por lo que Lana Wachowski (en solitario, sin la colaboración de su hermana Lilly, con quien creó esta emblemática franquicia) se ha embarcado como directora en esta cuarta parte, que bajo el título de Matrix Resurrections se estrena 18 años después de lo que, en un principio, se pensaba que era una trilogia cerrada. ¿Cual ha sido el resultado final? ¿Merece la pena?

Cabe indicar que cuando un pase de prensa es pocas horas previo al estreno de la película puede ser por dos razones: la primera es que no quieren que se desvelen de ninguna manera sus sorpresas, y la segunda (bastante más probable) porque están tan inseguros de como responderá la crítica (aunque eso poco haya importado al público en general, que es al final quien decide) que prefieren no mostrarla hasta el último momento. En el caso de esta Matrix Resurrections estamos ante algo de lo primero (su campaña de promoción no ha sido tan reveladora como la de otros estrenos, lo cual se agradece) y bastante de lo segundo, ya que la jugada realizada por Warner para los citados pases previos me recordó a la llevada a cabo con Batman v Superman: El amanecer de la justicia, que no acabó de convencer a los espectadores ni tampoco gozó del beneplácito de los críticos, pese a sus altas expectativas.

En mi caso tengo que admitir que lo mucho que me gustó la primera entrega de 1999 (que fue la que consiguió un mayor impacto en todos los sentidos) no se trasladó a sus secuelas (que más o menos se me hicieron tan solo entretenidas), y esta cuarta tampoco ha sido una excepción, al intentar pasar por trascendente algo más realizado a la desesperada en busca del éxito perdido (como demuestran sus múltiples referencias a las entregas que la anteceden) Y es una lástima porque el tramo inicial es sin duda el mejor de esta tardía secuela, ya que juega a la metaficción consigo misma de forma bastante atractiva, incluso parodiando su propia existencia (algo que se repite en la insustancial escena tras los títulos de crédito, otro relativo chiste sobre si misma) Hasta en ese "juego" entre ficción y realidad por el que transita se atreve a incluir una acertada referencia a la Alicia de Lewis Carroll en lo referente a la utilidad de los espejos.

Aunque se ha rescatado a la pareja protagonista junto con la mitad de las Wachowski que llevaron a cabo los anteriores films, se ha cometido el fallo de no incluir de nuevo a secundarios tan emblemáticos como Laurence Fishburne o Hugo Weaving, porque ellos también hicieron emblemáticos a sus respectivos personajes, con lo que ponerles ahora otra cara es una justificación muy pueril, ya que nunca acaba de funcionar. Asimismo el Neo de Keanu Reeves parece ser una versión más cansada y cínica de si mismo con el aspecto con el que el actor ha hecho popular a otra saga como es la de John Wick, siendo algo dificil el poder encajarlo aqui. Visualmente tampoco es que sea especialmente innovadora cuando transita por terrenos conocidos, pero he de admitir que tiene sus momentos, como el convincente asedio final (con el duo protagonista escapando en moto), que me recordó en su esencia a La invasión de los ultracuerpos.

EN CONCLUSIÓN esta Matrix Resurrections es un claro ejemplo de búsqueda desesperada de un éxito pretérito, que plantea detalles interesantes e irónicos en su primer tramo, pero que se vuelve demasiado complaciente cuando deriva a terrenos más usuales en esta saga, siendo demasiado dependiente del pasado que la precede. Con detalles que en algunos casos funcionan pero que en otros resultan exasperantes, logicamente el panorama futuro queda abierto por si al final esta cuarta entrega funciona en taquilla, si bien no creo que estén muy convencidos sus responsables, no sólo por lo antes citado de su pase de prensa a pocas horas de su llegada a los cines, sino por el hecho de haber retrasado su estreno para no coincidir con el de Spider-Man no way home, a lo que sumar lo mal que le ha ido en general a Warner su política de estrenos compartidos con HBO Max en esta época pandémica en la que estamos.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de diciembre de 2021.
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VENOM: HABRÁ MATANZA, simbiontes grotescos (crítica sin spoilers)

Ya la primera película de Venom no me entusiasmó en exceso (digamos que entretenida y poco más) pero para sorpresa del que esto escribe triunfó como para generar una secuela: la presente Venom: Habrá Matanza, que logicamente presenta a la clara versión opuesta del protagonista si lo consideramos un antihéroe como planteó la primera película (y que de hecho ya se presentaba en la escena tras los créditos de la mencionada cinta: Cletus Kasady encarnado por el actor Woody Harrelson) Es un tanto irónico que con la gran cantidad de personajes que se mueven en el universo Marvel, y en especial los muchos que tiene el universo Spider-Man, haya sido alguien como Matanza (Carnage en su versión original) el que ya haya salido en una película como esta, mientras que otros muchos de los que se podría aprovechar Sony (los gestores de la franquicia arácnida) continuan esperando alguna oportunidad. 

 

En todo caso resulta una decisión coherente en esta secuela que para mi sorpresa tiene una duración inferior a la de la cinta precedente: apenas 97 minutos cuando la tónica general hoy en día es que casi cualquier cosa, y máxime si está relacionado con los comics, dure dos horas o más allá. Cambia el director ya que el responsable de esta secuela es Andy Serkis, popular actor que se ha hecho famoso al encarnar a varios personajes fantásticos a traves de la técnica de captura de movimiento (como el Gollum de la franquicia de El Señor de los Anillos, el King Kong de Peter Jackson, el Capitán Haddock en Las aventuras de Tintin: El secreto del unicornio o César en las precuelas de El planeta de los simios), que tiene aqui su tercera experiencia como director tras Mowgli: la leyenda de la selva, su oscura versión del clásico literario de Rudyard Kipling, en la que además de su responsabilidad tras las cámaras también encarnó al oso Baloo.

Con estreno previsto en inicio para el pasado 2020, la pandemia del Coronavirus la forzó a varios retrasos hasta ahora, los cuales parece que fueron acertados ya que de nuevo para sorpresa de un servidor, el presente film ha triunfado en la taquilla tras lograr el mejor estreno desde que estalló la citada pandemia: más de 90 millones de dólares. Y me sorprende porque le auguraba unos malos resultados siguiendo la tónica de las Tortugas Ninja de Michael Bay, cuya primera entrega tuvo malas críticas en general (aunque triunfó en taquilla), por lo que entre eso y la decepción de algunos espectadores tras el film de 2014, la segunda en 2016 no recaudó lo suficiente y esa franquicia quedó detenida. Incluso hay un ejemplo paralelo bastante reciente: las malas críticas en general de Escuadrón Suicida en 2016 (que triunfó en taquilla) y el posterior fracaso en las cifras logradas por El Escuadrón Suicida este mismo año.

Uno de los alicientes para el triunfo de esta secuela está sin duda en la escena entre los créditos finales, que ya se había divulgado por internet tras su estreno en Estados Unidos el pasado 1 de octubre, y que vendría a dar esperanzas a los que quieren ver a este Venom frente al personaje del que procede en las viñetas (tengo que confirmar que esa escena provocó un revuelo de exaltación entre el público asistente a la sesión a la que fuí) En cuanto a lo previo hay que valorar el hecho de que esta película vaya "directa al grano" y no pierda el tiempo para presentar lo que todo el mundo está esperando: la confrontación entre Venom y Matanza que se puede disfrutar en su último tercio de su escueto (y justo por ello acertado) metraje. En cuanto al resto habría que destacar de nuevo como lucen los simbiontes protagonistas (aunque también es cierto que la mayoría de escenas donde aparecen son nocturnas) así como algún detalle aislado, como el origen animado de Cletus Kasady, que me recordó en pretensiones a uno similar que hay en la reciente Candyman, ya que el resto se mueve en la misma intrascendencia vista en el film previo.

Probablemente pensando en el éxito de Deadpool (aunque son personajes diametralmente diferentes aunque provengan del mismo universo en comic) se opta de forma no del todo acertada por el humor, haciendo por ejemplo que Eddie Brock (un Tom Hardy que repite excesos) y Venom mantengan fuertes discusiones cual si fueran compañeros de piso ¡¡¡o incluso insinuando relación sentimental!!!, principalmente porque el simbionte quiere cerebros humanos y le fuerzan a que se contente con chocolate y ¡¡¡gallinas!!! Por su parte el Cletus Kasady de Woody Harrelson es un villano muy esquemático y unidimensional, mientras que la Frances Barrison de Naomie Harris me dejó con la duda de si con sus capacidades se la podría considerar mutante como los X-Men. Incluso la propia película tiene serias contradicciones (la escena de Venom en una discoteca sería incoherente teniendo en cuenta lo que le afecta el sonido), aunque también por el tono que adopta se hubiera agradecido mucha más brutalidad (una calificación R en lugar de la PG-13, y que tan sólo sirve para que los chavales flipen con los simbiontes sin que se traumaticen por una violencia desatada)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de octubre de 2021.
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• LO MEJOR: La espectacularidad de los simbiontes en acción, el escueto metraje de la película (lo que la hace ir "directa al grano") y lo que promete su escena entre los créditos finales.
  
• LO PEOR: Sigue la misma tónica intrascendente de su predecesora, abusando de un humor que no siempre funciona y con incoherencias incluso dentro de las reglas que se marca.

CANDYMAN (2021), vuelve el asesino negro en serie (crítica sin spoilers)

Cuando descubrí hace unos años la vertiente literaria de Clive Barker tengo que admitir que disfruté mucho recuperando todo lo que había suyo en las bibliotecas (en la etiqueta de este post con el nombre de dicho autor teneis bajo la presente crítica todas mis reseñas que cito) Lo curioso es que a nivel visual no es que haya tenido muchas adaptaciones de renombre más alla de Hellraiser, Razas de noche y Candyman; y como siempre suele ser la tónica habitual con el género del terror, las mejores adaptaciones suelen ser las iniciales, ya que a partir de ahi las sucesivas secuelas (hasta 10 para Hellraiser e hicieron trilogia con la adaptación previa de esta Candyman) tan solo sirven para ofrecer más de lo mismo (Razas de noche, basada en la obra Cabal, no pasó de la primera)

De Hellraiser la recuperé hace unos años al descubrir la obra de Clive Barker por lo que tengo que admitir que cuando la ví me resultó bastante correcta como adaptación teniendo en cuenta la época en que fue hecha (1987) En cambio de Candyman (la de 1992) si me recordaba de haberla visto en televisión, en un pase del cual recordaba que se me hizo entretenido, y que cuando leí el relato en el que se basa (Lo prohibido dentro del volumen 3 de los Libros de sangre) pude ver que más o menos era coherente con el mismo. 

Si en el género del terror ha habido muchos matarifes que se han hecho populares (Freddy Krueger en Pesadilla en Elm Street, Jason Voorhees en Viernes 13 o Michael Myers en Halloween, por citar unos ejemplos), eso ha provocado que algunos de los actores que los interpretaron se hayan quedado ya en la memoria colectiva encasillados en ese personaje, siendo ejemplo de ello Anthony Perkins por Psicosis (todo un clásico) o Robert Englund por el antes citado Freddy Krueger de Pesadilla en Elm Street. Esto viene a colación porque al actor Tony Todd, también presente en esta nueva versión, le ocurrió algo similar al encarnar a Candyman en las tres películas iniciales, quedando ya intrínsecamente ligado a dicho personaje. Por su parte hay que citar en referencia a esta película que el nombre más conocido de la misma sería el de su productor y coguionista Jordan Peele, del que tengo como referencia su película Nosotros (Us) y su labor en el reciente remake televisivo de La dimensión desconocida, en ambos casos con resultados tan solo correctos.

Eso no va a variar demasiado con esta Candyman, que tiene una función más o menos parecida al reboot de La noche de Halloween de 2018 con Jamie Lee Curtis: actualizar un mítico asesino en serie para las nuevas generaciones. Al igual que aquella, que se consideraba secuela directa del film de 1978 dirigido por John Carpenter, el presente film dirigido por Nia DaCosta funciona como secuela de la película original de 1992 dirigida por Bernard Rose. El personaje que da título a la película parte de una leyenda popular contada de generación en generación, por lo que es evidente que se sabe valorar el trasvase de tradiciones con el paso de los años, en este caso con un equivalente al clásico Hombre del Saco con el que se asusta y previene a los más pequeños (en eso destacaría la muy acertada parte realizada con una animación similar a las sombras chinescas en diferentes momentos de su metraje y en los créditos finales, para narrarnos los orígenes de este mito, y la "relativa" justificación para su venganza) 

Esta película vuelve al escenario donde tuvo lugar la de 1992, un barrio suburbano en el que vive un pintor artístico no muy destacado que busca despuntar en el mundo del arte. Cuando debido a una serie de hechos se entere de la leyenda de Candyman muy pronto empezará a obsesionarse con él, al mismo tiempo que diferentes personajes que se cruzan directa o indirectamente con él empezarán a morir de forma sangrienta. Se nota MUCHO (porque la película lo matiza una y otra vez) que estamos ante la enésima crítica contra el racismo aún inherente en nuestra sociedad, y que en Estados Unidos se hace especialmente patente contra las personas de raza negra. De hecho en cierto momento de su tramo final pensé si lo que querían llevar a cabo es el renacimiento de un oscuro antihéroe social (como muchos que vieron la luz en la década de los noventa, cuando se estrenó el primer film) capaz de defender a los desvalidos y a los desfavorecidos de los verdaderos villanos (entiéndase los blancos, al menos según está planteado)

El problema radica en que eso queda solapado por una serie de personajes más o menos perfilados pero que (al menos en mi caso) no me despertaron ningún interés. Los mismos irán desapareciendo a medida que avance el metraje en escenas tan brillantemente filmadas, jugando con acierto con las perspectivas, como en algunos casos totalmente intrascendentes para el resultado final (siendo el mejor ejemplo de ello la que tiene lugar en un lavabo femenino de un instituto con una serie de adolescentes cuya único objetivo parece ser el garfio de Candyman) De hecho la progresiva degeneración de Anthony, el pintor antes citado que se obsesiona con este mito macabro, me resultó un tanto previsible si bien también es cierto que tiene algunos pocos detalles llamativos, lo que me llevó a recordar (con las consabidas diferencias) la de Jack Torrance en El resplandor. Al final el único mérito estaría en aportarle de nuevo a la comunidad negra un asesino en serie con el que empatizar, en un género mayoritariamente plagado de matarifes de raza blanca.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de agosto de 2021.
• Galeria de posters de la película por este enlace.
  
• LO MEJOR: La importancia que se le da al trasvase de historias y leyendas de generación en generación, en este caso con una acertada animación similar a las sombras chinescas. También su evidente mensaje en contra de todo tipo de racismo (aunque al final acaba siendo redundante)
• LO PEOR: Momentos tan brillantemente rodados como argumentalmente intrascendentes que no aportan nada más que el consabido toque morboso y sangriento, siendo el mejor ejemplo la escena en el lavabo femenino.

REMINISCENCIA, distopía noir apática y mojada (crítica sin spoilers)

Reminiscencia hace referencia al hecho de recordar algo del pasado, y que duda cabe que eso para la mayoría de nosotros es algo que valoramos bastante. De hecho es muy probable que tengamos unos hermosos recuerdos que perviven en nuestra memoria y en los que ahondamos en algunos momentos en los que nos vienen a la mente con nostalgia. Pero salvo que queden "impresos" de alguna manera (fotos, videos, etc.) la mayoría se suelen ir desdibujando con el paso del tiempo.

En la distopia que nos propone esta película se pueden volver a dichos recuerdos para dejar constancia de ellos, de un modo que puede rememorar a muchos de los espectadores que vean esta cinta a lo visto en Minority Report de Steven Spielberg. No sería la única referencia (o reciclado de ideas), ya que el film con el que Lisa Joy debuta en la dirección parece también fijarse en el tono y estilo de clásicos como Blade Runner entre otros referentes de la ciencia-ficción.

Con un guión firmado por la misma directora, cocreadora junto a su marido Jonathan Nolan de la serie Westworld (versión televisiva de la película homónima de 1973 escrita y dirigida por Michael Crichton y titulada por estas tierras como Almas de metal), hay que admitir que para su debut Lisa Joy se ha beneficiado de poder contar con un destacable elenco en el que el protagonista encarnado por Hugh Jackman se ve secundado (entre otros) por dos actrices vistas en la franquicia Misión Imposible: por un lado Thandie Newton (también presente en la antes citada serie de Westworld), que estuvo en Misión Imposible 2; y por otro Rebecca Ferguson, a la que se ha visto en las entregas 5 y 6; y que también estuvo en Doctor Sueño, la secuela de El resplandor (en donde ella coincidió con Cliff Curtis, también presente en esta Reminiscencia y visto por ejemplo en la serie televisiva Fear the walking dead, el primer spinoff de The walking dead)

Nada más comenzar la película ya vemos el escenario por donde se moverá, y hay que decir que resulta tan atractivo como poco aprovechado: debido al cambio climático el nivel del mar ascendió en todo el planeta, anegando ciudades (lo que enseguida te lleva a recordar Waterworld), por lo que la acción se situa en una ciudad de Miami parcialmente cubierta por el agua. En dicho escenario se nos presenta a Nick Bannister (a cargo del actor Hugh Jackman), que se dedica junto a su socia (papel para Thandie Newton) a dejar constancia física de los recuerdos de la gente a cambio de un precio. Un día se presenta una misteriosa mujer que responde al nombre de Mae (Rebecca Ferguson) porque quiere recordar donde se dejó las llaves, pero a partir de ahi comienza una trama donde el protagonista quedará ensimismado por esa mujer, hasta el punto de obsesionarse con encontrarla cuando desaparezca misteriosamente.

Pese a ser una distopía más o menos futurista, el tono de este film se nota muy deudor del género noir más clásico, con un personaje principal que en otro tiempo podría haber estado interpretado por el mismísimo Humphrey Bogart, y con una femme fatale para la actriz Rebecca Fergusson que podría haber sido sin problemas alguien como Rita Hayworth o Lana Turner (por poner dos ejemplos) ¿Cual es entonces el fallo de esta película? Un argumento pretencioso y progresivamente embarullado con el que la directora y guionista Lisa Joy parece querer emular al hermano de su esposo, pero sin la solvencia mostrada por Christopher Nolan en films suyos como Origen (Inception), que es otro título que le puede venir a la mente al espectador, sólo que aqui trasteando con los recuerdos mientras que allí era con los sueños. 

Ni siquiera se aprovecha la lógica lucha de clases que se podría establecer con un planteamiento como el que tiene (y que queda muy soterrada en los excesivos recovecos de una historia desarrollada con un ritmo bastante apático), siendo tan solo el carisma de su trio principal (Jackman, Newton y Fergusson) el que salva en parte a esta película del olvido, pese a sus papeles más bien esquemáticos, ya que el citado Cliff Curtis tiene un personaje que parece un mero estereotipo de villano. Al final lo que queda de Reminiscencia es un llamativo cúmulo de elementos interesantes que una vez mezclados ofrecen un resultado insípido e insatisfactorio, dejando con la sensación de ser tiempo perdido. Cabe citar que la película ha obtenido el peor estreno en taquilla de la historia para un film lanzado en más de 3000 cines en Estados Unidos, con lo que ya se la puede tildar de fiasco de los gordos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de agosto de 2021.
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• LO MEJOR: El carisma de su trio principal y algunos de los elementos y géneros que maneja...
• LO PEOR: ... que luego desaprovecha en una historia pretenciosa, apática y enrevesada.

SPACE JAM: NUEVAS LEYENDAS, la tienda WARNER (crítica sin spoilers)

Despues de esa nostalgia que se vive hoy en día por la década de los años ochenta, ¿vendrá otra por los noventa? Lo digo pensando en dos títulos que fueron muy populares en su estreno como Jumanji y Space Jam (si bien la primera me parece mejor que la segunda) que han tenido unas "relativas" secuelas o reboots bastantes años más tarde, la primera con Jumanji: Bienvenidos a la jungla (cuyo éxito llevó a Jumanji: siguiente nivel) y la segunda con esta Space Jam: Nuevas leyendas, cuya mayor "gracia" estaría en incluir TODO de lo que tiene sus derechos la Warner (Harry Potter, Matrix, universo DC y un largo etcetera) Desde guiños, cameos, escenas icónicas o meras presencias testimoniales en segundo plano, todo tiene cabida para aparecer aqui, en lo que se podría considerar más un escaparate de merchandising variado que una película con cierta dosis de coherencia.

Sería este continuo fluir de referencias el que más puede entretener al espectador más adulto, que acudirá por la nostalgia hacia los clásicos Looney Tunes (e incluso por el film previo de hace 25 años) pero que los verá siendo una mera presencia más de este festival de marcas registradas que recuerda al popurrí multireferencial que había en Ready Player One (si bien allí podriamos argumentar que tenía un mínimo de justificación) Aqui todo se reduce a una sencilla excusa: volcar encima del espectador tal cúmulo, tal aluvión de referencias que uno se sienta abrumado por todo el catálogo de licencias que tiene Warner (lo que siendo justos es sin duda así)

El problema es que son tantas las referencias que uno piensa si verdaderamente importan algo o están ahi tan solo para rellenar espacio, decantándose al final por esta segunda opción. Y es que algunas de ellas pueden hacer gracia, o incluso ser algo simpáticas y provocar alguna que otra sonrisa (como la película dentro de la cual están en origen el Coyote y el Correcaminos), pero esa manera de apabullar al espectador lo único que logra es que pierda interés la ya de por si escueta historia, que nunca circula fuera de terrenos claramente predeterminados de antemano. Al menos hay que agradecer que no se plantea el mismo esquema del film previo, pero es que el mismo (la animación tradicional) está "anticuado" según las grandes productoras, debido al apogeo que ha tenido la animación por ordenador en las últimas décadas. 

Y ahi radica otro de los contrasentidos de este film, ya que funciona mucho mejor cuando circula por la animación clásica, bien sea el mundo original de los Looney Tunes u otros populares por los que también pasarán, que cuando Bugs Bunny y compañía pasan a ser recreados en tres dimensiones (lo cual puede no acabar de convencer a los más puristas, más allá de la polémica con el diseño menos sexualizado de Lola Bunny respecto a sus orígenes) Es también llamativo que contando en esencia con poco que desarrollar dilate tanto su metraje: cuando el Space Jam de 1996 apenas duraba 87 minutos esta secuela se extiende hasta las dos horas, que se hacen especialmente pesadas en su tramo inicial, cuando se plantea el conflicto paternofilial sobre el que girará todo (y que enseguida se hace evidente como acabará)

El villano al que interpreta Don Cheadle resulta intrascendente, pero tiene su gracia por lo que es y el nombre que recibe, además de resultar indudable (ya que así lo transmite) lo mucho que el actor se divirtió interpretándolo. También aparecen breves cameos de otros actores como Steve Yeun (visto en la serie The walking dead o la película Minari) y Michael B.Jordan (el protagonista de la saga Creed, con el que hacen un jocoso guiño al que fue protagonista del film inicial por lo similar de sus nombres) Pero el mayor peso de la película recae en el jugador de baloncesto LeBron James, que habrá que ver si llega (y no sólo en Estados Unidos) al nivel mítico o al tirón mediático que tuvo su predecesor, pero que consigue compensar sus nulas dotes actorales por un inesperado y sorprendente carisma.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de julio de 2021.
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• LO MEJOR: La cantidad de referencias que tiene la Warner, los tramos en animación tradicional y el carisma de los Looney Tunes (aqui quizás algo diluido) más el inesperado de LeBron James.
  
• LO PEOR: Tiene un ritmo excesivamente precipitado, el conflicto paternofilial sobre el que pivota todo resulta manido y las virguerías visuales no logran enmascarar una historia tan esquemática o más que la de la primera entrega (y aqui dilatándose hasta las dos horas)

SPIRAL: SAW, aunque la mona se vista de seda... (crítica sin spoilers)

El terror es uno de los géneros de los que más se ha abusado en las últimas décadas, ya que ante lo barato de realizar una película de esa temática más o menos original, el negocio está en repetir la fórmula en cuantas secuelas haga falta, hasta el total desgaste de la misma. Y eso es evidente en gran multitud de franquicias (Halloween, Viernes 13, Pesadilla en Elm Street, etc.) donde las sucesivas continuaciones se han limitado a la básica fórmula de "más de lo mismo", sin nunca llegar a los resultados originales. El progresivo desgaste ha llevado a la nueva vertiente de reboots, remakes o lo que se tercie, con resultados dispares debido al hecho de intentar "colarnos" como algo nuevo lo que ya no lo es, siendo ese el caso de películas como esta.

Admito que la primera Saw la ví en un pase televisivo y creo que es correcta (y poco más) al nutrirse de "elementos" ya presentes en el género por entonces (un asesino maquiavélico cual Hannibal Lecter, una estética visual al estilo de Seven de David Fincher, etc.) pero presentándolos de forma más o menos novedosa en aquel ya lejano 2004. Pienso que parte de su acierto estaría en la labor como director de James Wan, quien luego reincidió en el género pero mejorando en parte los resultados (con Insidious y sobretodo Expediente Warren, la cual ya ha generado tanto secuelas como varios spin-off), siendo lo más destacado de la Saw inicial los retorcidos "juegos" macabros que hacía padecer el asesino a sus víctimas. Esa "porno-tortura" tiene su público, lo que llevó a que se sumaran hasta siete secuelas más a la primera película, donde lo más morboso para satisfacer a sus muchos fans radicaba en cuales serían los sádicos y crueles "juegos" mortales, que cada vez se volvían más sangrientos y escabrosos, pero sin llegar a conseguir el (moderado) acierto de la primera película, al faltar la novedad y ser tan solo una repetición de un esquema que ya se había probado como eficaz, retorciendo su planteamiento para estirar la saga cuanto más mejor. 

 

Pero tras una Saw 8 (cuyo título original era Jigsaw) que parecía que evidenciaba el desgaste de la fórmula, el actor Chris Rock (especialista de comedias con más bien poca gracia, al menos para un servidor) se interesó por contribuir a tan extensa franquicia con esta película dirigida por Darren Lynn Bousman, responsable de varias secuelas de la saga original (la 2, la 3 y la 4) en la que coincide con otro famoso actor como Samuel L.Jackson, siendo todo eso lo que me llamó la atención. Nadie duda de que aún funcionando tan solo de forma correcta ya dará para hacer más secuelas (o no, porque su presupuesto es de 40 millones de dólares cuando la media en esta franquicia han sido unos 20, facilmente recuperables con recaudaciones que superaban los 100), pero a favor de esta Spiral: Saw tengo que admitir que ante la duda de quien será el responsable de los atroces crímenes, la historia consigue mantener una mínima dosis de interés ya que en un principio uno piensa que no puede ser tan evidente como parece y que en verdad se decantará por otros derroteros, aunque llegado a cierto punto ese deseo queda descartado.

 

No revelaré quien es el nuevo asesino que imita a Jigsaw porque sería un spoiler innecesario, pero si es justo matizar que cuando se nos aclara quien es y se dan las explicaciones oportunas (que mayormente es algo tan viejo como el sentimiento de venganza), la sensación que me quedó es de total incredulidad porque teniendo en cuenta algunas de las (bastante) rebuscadas trampas que prepara para sus objetivos, no resulta nada coherente poder llevarlas a cabo sin ningún tipo de interrupción inesperada, máxime teniendo en cuenta los escenarios de algunas de ellas. Eso si, se sigue con la tónica habitual en origen de que todas las víctimas habian hecho algo mal y escapar de su suplicio será su redención (si es que lo consiguen...), ofreciendo en esos momentos la película las oportunas dosis de "porno-tortura" para dejar satisfechos a los fans más acérrimos, siempre con esa justificación moral de que lo que sufren sería la expiación por sus pecados. 

 

En cuanto a Chris Rock, máximo responsable de la existencia de este film, digamos que su papel más tópico no puede ser (el policia íntegro y honrado que lucha contra la corrupción dentro del cuerpo en el que trabaja) pero resulta tolerable y no se hace tan irritante como suele ser habitual en él. Su padre en esta película está interpretado por Samuel L.Jackson que mayormente hace de si mismo, lo cual convence en el sentido de que ofrece lo que uno se espera de él (estuve un poco suspicaz en algunos momentos pero al final todo se decanta por los derroteros más previsibles) De todas maneras esta película se engloba dentro de la franquicia en la que consta más que nada por los detalles que se citan (hay incluso un evidente guiño al primer film), ya que si no fuera por eso podriamos estar hablando del enésimo thriller procedimental tras la pista de un asesino en serie que no ofrece ninguna novedad digna de mención. Y ese es su mayor problema: en el fondo no hay nada nuevo que contar, aunque quieran aparentar lo contrario.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de mayo de 2021.
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• LO MEJOR: Se deja ver y supongo que dejará satisfechos a los seguidores de esta franquicia.
• LO PEOR: En esencia es más de lo mismo, por más que quieran aparentar otra cosa.

EJÉRCITO DE LOS MUERTOS, un disparate grotesco (crítica sin spoilers)

Zack Snyder convenció a un amplio sector del público con su debut como director en 2004 con la película Amanecer de los muertos, la cual para muchos (entre los que me sumo) sigue siendo sin duda uno de sus mejores títulos incluso respecto a posteriores films suyos. En el mismo año que ha presentado la culminación de su trilogia DC (formada por El hombre de ácero, Batman v Superman y Liga de la Justicia) con la versión totalmente personal de esta última, ha decidido regresar al género zombi en el que se estrenó. Ejército de los muertos se estrena en Netflix el 21 de mayo pero antes tiene un estreno limitado en cines... aunque lo de "limitado" sería un eufemismo, porque ahora mismo sería la película para una plataforma de pago que se estrena de forma limitada en más salas de cine repartidas por todo el mundo (600 de las cuales son sólo en Estados Unidos)

En mi caso no sería la primera película que veo con esas condiciones, porque hace pocos meses se estrenó Noticias del gran mundo de una forma similar, si bien resultan claramente diferentes las pretensiones de un film como el de Tom Hanks (que quería optar a algún premio en la temporada de los mismos) de una película como esta, que destila por sus fotogramas un tono gamberro cuya única aspiración es entretener al máximo de espectadores posible. Su mayor problema radica en el propio director, que se excede de largo (y no solo en el metraje) en una cinta que tiene un esquema muy similar a la reciente Peninsula, la secuela de Train to Busan, si bien los desarrollos son diferentes.

Las mayores semejanzas podrían radicar con Escuadrón Suicida, ya que la cutrez de sus personajes puede recordar a ese film de DC, siendo incomprensible que en una película como esta con semejante planteamiento se molesten en presentarlos como si al espectador le tuvieran que importar algo, para que al final sean meros clichés y tópicos de los que queda bien claro que no muchos (de hecho bastantes pocos) llegarán al final de la película. Eso me llevó a perder todo tipo de interés sobre los personajes que pululan por la historia, más allá de un Dave Bautista como protagonista, con un papel que hace algunos años bien podría haber ido a manos de Schwarzenegger o Stallone, si bien resultan risibles los problemas con su hija (otro personaje esquemático más), que se desarrollan con todos los tópicos que se pueda uno imaginar en una relación paternofilial. La única valoración posible sería que la película no se toma en serio a si misma en ningún momento (algo ya evidente desde sus títulos de crédito iniciales), por lo que su reparto actúa en consecuencia, pero es que estamos hablando de 148 minutos de metraje que para lo que es SIN DUDA se podían haber resumido en menos tiempo.

 

Visualmente Ejército de los muertos está resuelta como si fuera una cinta de serie B que quiere aparentar ser de primera categoría, pero sin abandonar en ningún momento ese tono cutre que uno suele relacionar con esos films más casposos y baratos (solo que me imagino que este no lo habrá sido tanto, aunque luzca como tal) Más allá de un director que busca una estética zafia adrede, a lo que sumar unos personajes que siendo mera carnaza tampoco hubieran requerido de tantos minutos en pantalla, la historia tiene unos agujeros de guión inmensos, con situaciones resueltas de una forma ridícula o vergonzosa, superando el nivel de incredulidad del espectador más allá de cualquier límite (y no lo digo solo por el tigre zombi que se vió en los avances porque hay muchos más disparates) De todas formas hay apuntes interesantes, como esa "evolución" de los zombis (con una cierta jerarquía de poder), que se notan acertados al tono excéntrico de una película que no tiene nada de terror y si muchas ganas de quedar en el recuerdo por ser un film sinvergüenza y excéntrico que no aburre, pero por decantarse siempre por lo más insensato. Que eso guste ya depende de cada espectador.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de mayo de 2021.
• FECHA DE ESTRENO EN NETFLIX: 21 de mayo de 2021.
  
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Es una inmensa chorrada excéntrica y grotesca que nunca se avergüenza de ello.
• LO PEOR: En muchos detalles (guión, personajes, metraje, etc.) el disparate se les escapa de las manos.