NAPOLEON de RIDLEY SCOTT, crítica sin spoilers

Cuando me enteré de que Ridley Scott iba a dirigir una película sobre Napoleon pensé (erróneamente) si se trataría de ese proyecto que tenía Stanley Kubrick pero que nunca llegó a realizar. Al poco de buscar información me quedó claro que de hecho, aparte del presente film, el director Steven Spielberg, que ya "heredó" el proyecto de A.I.: Inteligencia Artificial en 2001 del citado Kubrick, está trabajando en una serie limitada de siete episodios que se verá en la plataforma HBO Max, basada en la película que el responsable de El resplandor no pudo llegar a realizar. 

 

Su intención era llevar a cabo una GRANDIOSA producción (a todos los efectos), y de hecho ya escribió en 1961 un guion sobre el ascenso al poder del emperador Napoleón Bonaparte que le llevó a controlar gran parte de Europa, pero al final tuvo que desistir por ser una epopeya demasiado ambiciosa para los márgenes de la época (la década de los setenta), siendo dicho libreto el que servirá como punto de partida para la serie que está preparando Spielberg.

Asimismo el destino de esta película será la plataforma de Apple TV, principal promotora de que este proyecto saliera adelante, y que se añadiría a Los asesinos de la luna de Martin Scorsese, también un reciente estreno que tras pasar por salas de cine tendrá allí su citado destino. Es curioso percatarse de que en ambos casos son directores ya veteranos (los dos superan los ochenta años) que han tenido que recurrir por ese camino para sacar sus proyectos adelante. Asimismo este retorno al cine histórico por parte de Scott le lleva a volver a trabajar con el actor Joaquin Phoenix: ambos coincidieron en el 2000 en la película Gladiator, dirigida por el primero y con el segundo dando la réplica al protagonista encarnado por Russell Crowe.

Con precedentes tan ambiciosos, uno podría pensar que un director ya veterano como Scott habría dado lo mejor de si en este proyecto, pero aunque estamos ante una película realmente notable, no acaba de resultar redonda quizás por cierta sensación de superficialidad (algo curioso a tenor de su metraje de dos horas y 38 minutos), como si esto fuera solo el preámbulo de ese otro montaje de cuatro horas y diez minutos citado por su responsable, que vea la luz de forma probable ya cuando el film llegue a Apple TV. El trabajo de Joaquin Phoenix encarnando al histórico personaje resulta bastante destacable al mostrar a un hombre de gesto huraño; engreído y ambicioso, que sólo muestra su verdadera personalidad (y patética condición) ante el gran amor de su vida, una Josefina muy bien encarnada por Vanessa Kirby (actriz vista en las más recientes entregas de la franquicia Misión imposible)

El mayor handicap de este film sería, como he citado antes, esa sensación de mera parcialidad que desprende una película con un metraje ya de por si respetable, como si el propio Scott hubiera asumido lo tremendamente ambicioso de intentar reflejar en pantalla la vida de un personaje histórico tan importante, quedándose tan solo en una destacable, pero pese a todo superficial visión (al menos en la adaptación estrenada en cines) De todas maneras en los aspectos técnicos sin duda alguna estamos ante toda una gran superproducción, ya que se logra una ambientación y escenarios (incluidos los evidentemente digitales) realmente digna de mérito, a lo que añadir el no cortarse en cuanto a mostrar la violencia y el salvajismo de las batallas, siendo realmente impresionante en casos como por ejemplo la de Austerlitz, resultando significativos esos momentos donde se muestra la vertiente más estratega de Napoleón Bonaparte.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de noviembre de 2023.
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BLACK FRIDAY (THANKSGIVING) de ELI ROTH, crítica sin spoilers

En 2007 Quentin Tarantino y Robert Rodriguez hicieron con Grindhouse un homenaje al cine cutre que aman, el cual se saldó con un importante fracaso en taquilla. Ello llevó a que las dos películas que la componían (cada una a cargo de uno de los directores citados) se estrenaran por separado cuando llegaron a España, siendo primero el turno de Planet Terror de Robert Rodriguez, y unas semanas después llegó el turno de Death Proof de Quentin Tarantino. 

 

Acompañando a las mismas se vieron unos trailers ficticios de unas películas que por aquel entonces no existían, pero que seguían el mismo espíritu que dicha propuesta. De ellos el más llamativo era Machete, que el propio Robert Rodriguez dirigió en 2010, funcionando lo bastante bien como para tres años después ofrecer la secuela: Machete kills, precedida del falso tráiler de una tercera entrega (Machete kills again in space), con el personaje a cargo de Danny Trejo viviendo aventuras espaciales, y que Rodriguez no descarta acabar realizando.

Entre aquellos falsos trailers (donde incluso había uno titulado Werewolf Women of the SS de Rob Zombie, que al final tuvo salida como cómic) también había uno de un slasher titulado Thanksgiving a cargo de Eli Roth, que ahora el propio director ha convertido en película pero que aquí en España se estrena como Black Friday (una jugada comercial bastante asumida por nuestro mercado, al igual que ha ocurrido con Halloween, que ha logrado ir calando entre el público de este país), ya que su título original hace mención a la festividad de Acción de Gracias, bastante popular en Estados Unidos pero desconocida por estas tierras.

 

Ojo que tampoco va tan desacertado como pueda pensar alguno, ya que la citada fecha comercial del Black Friday es la que en su prólogo tiene una funesta y bastante acertada sátira por parte de sus responsables, en la cual se muestra como el consumismo voraz en el que está inmersa nuestra sociedad (y que se hace más patente en las cercanías de Navidad) nos puede llevar a extremos grotescos como los que se ven en este film. Los mismos justifican que alguien quede traumatizado por lo vivido, y un año después se dedique a "impartir" su sangriento modo de justicia contra aquellos a los que cree culpables de su desgracia, bajo una máscara de John Carver, personaje histórico que fue gobernador de la primera colonia inglesa en Nueva Inglaterra.

 

Y si a alguien más le pasa, de que le resulten similares el citado personaje y el enmascarado de V de Vendetta, cabe decir que Guy Fawkes (el que inspiró al protagonista de dicha obra de Alan Moore y David Lloyd) fue más o menos coetáneo del citado Carver, por lo que de ahí viene que por estética se parezcan bastante. Por lo demás que lo de Black Friday lleve a lo de Thanksgiving o Acción de Gracias es lógico ya que mientras que la más comercial, y conocida ya también por aquí, hace referencia al último viernes del mes de noviembre (con sus cacareados y masivos descuentos para comprar casi de todo), la citada Acción de Gracias es una fiesta que se lleva a cabo el cuarto jueves de cada mes de noviembre en Estados Unidos, en una celebración tan familiar y hogareña, con todos reunidos alrededor de un pavo asado, como la cercana Navidad. 

 

A partir de ello sus responsables ofrecen un canónico slasher de grotesca y salvaje venganza en una pequeña localidad (Plymouth en Massachusetts, de donde es originario Eli Roth) con el clásico esquema de whodunit para saber quien se esconde tras la máscara del asesino, que relanzó en los noventa la saga Scream dentro de la misma temática (de hecho el segundo póster de esta crítica me hace recordar mucho a la citada franquicia iniciada por Wes Craven) Decantándose por un estilo más convencional, lejos de lo cutre que tenía que parecer todo lo relacionado con la propuesta original, la película resulta correcta en sus pretensiones, si bien también cumple el tópico de dejar algún resquicio disponible por si se tercia alguna secuela (pese a su eslogan de No quedarán ni los restos)

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre de 2023.
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EL UNIVERSO DE TARZÁN / DON DRÁCULA / BLACK HAMMER: VISIONES 1 y 2 / BATMAN: EL GRAN GOLPE DEL PINGÜINO / ¡ASADORA! 5 y 6

EL UNIVERSO DE TARZÁN

Cuando descubrí las novelas de Tarzán se me abrió un universo que no conocía, y libros como este El universo de Tarzán me sirven para saber el motivo. Para muchos el Tarzán más emblemático que ha habido en cine fue el encarnado por el actor Johnny Weissmüller, pero marcó unos estereotipos al personaje que se han quedado perennes en la cultura popular y en muchas adaptaciones posteriores, ya que las aventuras literarias del popular Hombre Mono no se centraban solo en el arquetípico selvático en el que lo tenemos situado, sino que circulaban también por otros escenarios. Este libro repasa TODOS los actores que lo han encarnado y TODAS sus andanzas en todo tipo de producciones que en la mayoría de los casos eran mero entretenimiento para un programa de sesión doble, cuando no desvergonzados ejemplos de serie B o incluso de serie Z. Un repaso interesante y entretenido de toda la vida que ha tenido en pantalla el héroe de Edgar Rice Burroughs, más allá de las aventuras literarias que vivió de la mano de su creador.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• El universo de Tarzán, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

DON DRÁCULA

Osamu Tezuka realiza aquí una obra realmente magnífica y muy divertida, que admito que me ha sorprendido de forma muy grata: ¿que pasaría si Drácula se fuera a vivir a Tokio, allá por finales de la década de los setenta del pasado siglo? El resultado es esta desternillante Don Drácula, que a través de los 26 capítulos incluidos en este tomo satiriza la imagen clásica del famoso vampiro, al que acompañan en estas andanzas una hija adolescente llamada Chocola (que se adapta mejor a su nuevo ambiente que su progenitor), así como un lacayo llamado Igor, a lo que añadir a Helsing, un cazador de vampiros con ciertos "problemillas" escatológicos. Todo se centra sobretodo en el contraste cultural y/o social de un conde transilvano muy aferrado a sus costumbres frente al mundo actual (esta obra se editó en 1979), en todo tipo de simpáticas andanzas donde predomina mucho un humor splastick que funciona la mar de bien gracias a la gran expresividad con la que Tezuka se encarga de esta parodia del más popular vampiro de todos los tiempos.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

• Don Drácula, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

BLACK HAMMER: VISIONES

Muchos son los cómics que me he leído del universo Black Hammer, ya que aparte de los que serían su "cabecera" oficial ha tenido también varios spinoffs que lo engrandecían (si bien con resultados dispares, al menos bajo mi punto de vista) En este caso Visiones sería una de esas "derivaciones", en este caso con la curiosidad de que el creador de Black Hammer (Jeff Lemire) le deja libertad creativa a una serie de autores que realizan ocho historias autoconclusivas, divididas en dos tomos de cuatro cada uno, con variedad de resultados pero en donde predomina lo curioso, en algunos casos derivando a destacable. Del primer tomo me gustaron las dos primeras historias (la segunda imitando el clásico estilo de terror de EC), mientras que en el segundo sobresale su primera historia, la quinta de esta Visiones, donde claramente se nota que se hace un homenaje a la "relación" entre Batman y Catwoman pero adaptada a esta serie; aunque todo ello sin desmerecer al resto de relatos, bastante disfrutables si uno ya está más o menos familiarizado con este universo.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Black Hammer: Visiones, ficha editorial del tomo 1 por este enlace y del tomo 2 por este enlace. Ficha de la biblioteca de ambos tomos por este enlace. 

LAS AVENTURAS DE BATMAN: EL GRAN GOLPE DEL PINGÜINO

Muchas veces se establece la duda sobre cómics que DE VERDAD se puedan considerar para todos los públicos, y el presente primer volumen de Las aventuras de Batman (que recoge los seis primeros números de dicha serie) sería un buen ejemplo de algo accesible para todas las edades. Heredera de la prestigiosa serie de animación que tuvo el personaje, en este tomo se concentra la misma esencia del Caballero Oscuro, pero desde un punto de vista que convence tanto al lector común como a esas nuevas generaciones que se pueden aproximar con curiosidad a esto de los tebeos de superhéroes. El título de este tomo (El gran golpe del Pingüino) vendría de la primera de las historias, centrada en dicho villano del Caballero Oscuro, a la que le siguen Catwoman y el Joker, para luego dedicar los números 4 y 5 al Espantapájaros mientras que el sexto sería un acertado homenaje a los whodunits al estilo Hitchcock (atención al guiño que tiene), en unos relatos ligeros divididos además en tres actos para hacer la lectura más distendida.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Las aventuras de Batman: El gran golpe del Pingüino, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

¡ASADORA! 5 y 6

Me leo el quinto y sexto tomo del manga ¡Asadora! (los tres primeros los reseñé por este enlace y el cuarto fue comentado por este otro), siendo realmente destacable la manera que tiene su autor (Naoki Urasawa) de conseguir mantener el interés y la intriga del lector, al mismo tiempo que la historia va avanzando hacia, de momento, terrenos desconocidos. El quinto tomo se centra de manera principal en como la protagonista Asa junto con Nakaido intentan evitar a bordo de un sencillo avión que el monstruo amenace Japón y la inauguración de los Juegos Olímpicos, en un hilo argumental que sabe mantener muy bien la tensión. Entre los tomos aquí reseñados también se nos ofrece como evolucionan y se desarrollan los personajes de Yone y Miyako (las dos amigas de Asa), siguiendo derroteros opuestos (al menos de momento), mientras Shô se sigue preparando como atleta en paralelo a las Olimpiadas, y por su parte Asa tiene que estar atenta a cualquier nuevo avistamiento del monstruo.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• ¡Asadora!, ficha editorial del tomo 5 por este enlace, del tomo 6 por este enlace y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: BALADA DE PÁJAROS CANTORES Y SERPIENTES, crítica sin spoilers de esta destacada precuela

En 2012 fue cuando despuntó el género de las distopias juveniles con el estreno de Los juegos del hambre. El éxito del film fue tal que se garantizó sin problemas la adaptación de toda la trilogía literaria (por aquel entonces), incluso dividiendo en dos películas Sinsajo, el tercer libro. Eso abrió la veda para que se estrenaran varias películas más que podían ser englobadas como "distopias juveniles", y que más o menos pretendían lo mismo que Los juegos del hambre, si bien El corredor del laberinto fue la única que completó trilogía, ya que otras como Divergente se quedaron inconclusas (nunca más se supo de la rumoreada serie de televisión), y luego otras como La quinta ola o Chaos walking no pasaron de su primera entrega.

Pese a que mi interés personal sobre Los juegos del hambre se me hizo poco a poco menguante (algo que se trasladó a los cuatro films que generó entre 2012 y 2015), admito que su premisa argumental era lo suficientemente interesante como para interesarme por más. En lugar de intentar desarrollar la historia a partir de donde se quedó, la autora de la obra literaria (Suzanne Collins) se decidió por una precuela que me leí de la biblioteca hace tiempo, ambientada 64 años antes de los films estrenados hasta aquel momento. Como nexo de unión con ellos se decantó por el personaje de Coriolanus Snow, el villano presidente de Panem al que dio vida en las entregas previas el actor Donald Sutherland, y que en su juventud en esta precuela tiene los rasgos de Tom Blyth.

Tengo que recordar que cuando leí en su día la novela, su esencia me recordó a las precuelas de Star Wars, en el sentido de que lo mismo que aquellas se centraban en la caída de Anakin Skywalker en el villano Darth Vader, en esta precuela veíamos como el malvado Presidente Snow había sido en un principio un joven Coriolanus Snow, simple estudiante del Capitolio que fue criado en un ambiente humilde. Y si dichas precuelas galácticas conformaban una trilogía, eso mismo se encuentra uno en esta entrega, dividida en tres partes bien diferenciadas. Si uno de los detalles que más gustaron de esta franquicia son esos juegos del título, algo así como un Battle Royale donde sólo puede quedar uno, eso es lo que hay aquí en su décima edición, más rudimentaria y menos sofisticada de como acabaron siendo. 

 

En sí serán las pioneras ideas del protagonista las que ayudarán a hacer más populares Los juegos del hambre (que en esta historia no es que pasen por su mejor momento), pero lo que en principio era para Snow un reto ambicioso (por el premio que obtendrá si su tributo gana el sádico evento), se convierte en algo personal al conocer de quien será mentor. La tributo del Distrito 12 es Lucy Gray Baird, una joven con más aptitudes musicales que para la supervivencia extrema, pero que paulatinamente encandilará a Snow (ejerciendo en mi comparación galáctica previa el equivalente a Amidala), el cual recurrirá a todas las opciones posibles para ganar (aunque sea por mutuo interés) pese a que sus acciones, algunas saltándose las normas, le puedan meter en serios problemas.

 

De las tres partes en las que está dividido este film, las dos primeras servirían para presentar al joven Snow (encarnado por un acertado Tom Blyth), su interacción con otros miembros del Capitolio (destacando ahí más el personaje de Viola Davis que el de Peter Dinklage) y como todo cambiará para él cuando conozca a su tributo (la citada Lucy, a cargo de Rachel Zegler), así como lo que sucede en la citada décima edición de los juegos.... lo que lleva a una tercera parte con las consecuencias de ello, funcional pero quizás resuelta de forma algo precipitada, y donde lo que ocurre lleva ya a intuir al Snow posterior. En resumen una destacable (aunque algo extensa) precuela, donde lo que más chirría serían forzados insertos a lo previo, como las menciones a los sinsajos y a las plantas katniss.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre de 2023.
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THE MARVELS, irregular pero funcional (crítica sin spoilers)

Se puede afirmar que el UCM alcanzó su mayor gloria con ese díptico formado por Infinity War y Endgame, y desde entonces todo lo que se ha estrenado situado en dicho universo (que no es poco, teniendo en cuenta que se añadieron las series televisivas) no ha acabado de convencer como sucedió con las fases precedentes. Es cierto que se pretende ese universo entrelazado que ha caracterizado a los cómics, pero lo que tenía que ser un mero entretenimiento se transforma en una obligación si se tiene que estar al tanto de todo... o eso piensan muchos fans (también los hay que se quejan del poco carisma de los personajes nuevos que se han presentado tras todo lo relacionado con Endgame, si bien ahí diría yo que alguno si tiene potencial: todo es cuestión de que sepan aprovecharlo)

Esta The Marvels, secuela de la irregular Capitana Marvel, resulta un film entretenido y del todo disfrutable para el público mayoritario, pero también es verdad que es la más deudora (hasta la fecha) del citado universo compartido, ya que aparte de ser secuela de la cinta previa, nos "engarza" a los personajes de Monica Rambeau (que era una niña en Capitana Marvel y que luego de adulta adquirió poderes tras los sucesos ocurridos en Wandavision, la primera serie televisiva de este universo) y Kamala Khan (que se presentó en Ms.Marvel, dando aquí su salto a la gran pantalla) ¿Es obligatorio estar al tanto de todo ello al ir a ver esta película? No de manera necesaria aunque sin duda alguna se disfruta más si se ha visto todo lo citado.

 

El film se construye sobre un simple detalle que sirve para unir a los tres personajes principales, siendo ellos (y en menor medida un irregular Samuel L.Jackson) los que se llevan aquí el mayor peso. Eso va en detrimento del que probablemente sea el peor villano visto hasta ahora en este universo, la Dar-Benn que interpreta Zawe Ashton NUNCA consigue exudar ninguna sensación de peligro o amenaza: todo está organizado para el lucimiento de su trío protagonista, del que sin duda destaca Iman Vellani como Ms.Marvel, ya que desprende en todo momento esa ilusión de todo un fan de Marvel que está metida justo en aquello que más le gusta (de hecho la serie en la que se presentó, si destacó por algo es por el acierto de casting que lograron con ella, que consigue desprender el carisma y la empatía con la que conectar con el público) Por su parte Teyonah Parris está correcta como Monica Rambeau, algo extensible a una Brie Larson que hace oídos sordos a esas múltiples críticas que arrastra, ya desde su primera película encarnando a Carol Danvers.

Pero si en su día Capitana Marvel era tan solo un simple episodio meramente funcional dentro de este universo, otro tanto se puede decir de esta The Marvels, cuya mayor virtud estaría en sus apenas 105 minutos de metraje, que hacen que vaya "directa al grano" desde principio, si bien el desarrollo resulta algo irregular. Eso se hace palpable en una película que nunca logra sobreponerse a esa idea que transmite de mero pasatiempo intrascendente, a lo que no ayudan algunos momentos que rozan peligrosamente el ridículo, y que a muchos les puede "chirriar" (me refiero sobretodo a los relacionados con dos conceptos precisos: el uso de canciones y de gatos) Asimismo hay en su tramo final un momento de sacrificio que tampoco logra desprender el dramatismo necesario, si bien la escena entre créditos lo transforma en una fuente de ilusión que vuelve su mirada al pasado. Previo a eso la última escena sugiere la formación de un futuro grupo con, de momento, el cameo de otro personaje surgido de una serie de televisión del UCM.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de noviembre de 2023.
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RETRIBUTION, remake de la española EL DESCONOCIDO (sin spoilers)

Mucho se ha hablado de Los Simpsons y su acierto a la hora de prever según que temas, siendo algo en ocasiones curioso si (como yo) uno es bastante desafortunado a la hora de intentar adivinar algo: por tónica general cuando por ejemplo se hacen las quinielas de los Oscars suelo acertar poco. Por eso me permito una felicitación hacia mi mismo, ya que cuando se estrenó la película española El desconocido con Luis Tosar de protagonista ya cité en la crítica que Liam Neeson sería la mejor opción que veía si alguna vez se realizaba el remake... ¡y aquí está!, ya que esta Retribution sería justo la versión norteamericana del mencionado film estrenado en 2015 (conservando el mismo título que tuvo la cinta original en el mercado americano)

Junto a un Liam Neeson, que desde que triunfó en el género de acción con Venganza (Taken) ha convertido casi todos los films en los que aparece en algo así como un subgénero propio (lo mismo que le pasó, salvando las distancias, a Charles Bronson tras el éxito que tuvo El justiciero de la ciudad (Death Wish) en la década de los setenta), los otros nombres más conocidos de su elenco serían los de Matthew Modine y Embeth Davidtz. Como director de este remake tenemos a Nimród Antal, del cual tengo la experiencia (dentro de su más bien discreta filmografía) de Vacancy (Habitación sin salida) y Predators, que cumplian como los funcionales entretenimientos que eran, aunque también ha tenido andadura televisiva haciéndose cargo de algunos episodios de series como Servant o Stranger Things.

Pese a estar producida, entre otros, por Jaume Collet-Serra (que me imagino que será gran amigo de Liam Neeson, al que ha dirigido hasta en cuatro películas), el resultado final es excesivamente superficial, componiendo uno de tantos títulos encabezados por este veterano actor (que pese a todo se desenvuelve muy bien a sus 71 años): sin destacar en nada en particular resultan tan pasables como olvidables, y sin ser malos distan de ser destacables. Su mayor handicap sería la continua sensación de déjà vu que provoca su visionado, máxime con los pocos años transcurridos desde el estreno de la película original dirigida por Dani de la Torre. Es algo tristemente habitual en todo este tipo de remakes realizados para el mercado norteamericano, donde no están acostumbrados ni a las versiones originales ni a los subtítulos, realizando copias que, en el mejor de los casos, igual levantan el interés de algún espectador avispado por conocer la base original sobre la que se sustenta (o al menos eso quiero pensar) 

 

En este caso hay que decir que incluso dura menos que la película de 2015 en la que se basa (aquella eran 102 minutos frente a los escuetos 91 de esta), pero al menos hay que valorar que han optado por un montaje concreto y conciso, lo cual se agradece. Junto a ello estaría el ya citado carisma de este actor irlandés, por más que aquí repita una tónica muy común en ese subgénero de acción que ha creado el mismo: un padre al que los malos amenazan a su familia, y si tu padre en una película es Liam Neeson, los villanos ten por supuesto que acabarán recibiendo su merecido. El problema radica en todo lo que envuelve esa idea básica, que en este caso es un film que denota ser acomodaticio para su protagonista, sabedor de los aficionados que ha generado dentro de esta vertiente crepuscular de héroe de acción que se ha granjeado, y que le seguirán incluso (como en este caso) aunque se pase la gran mayoría de la película sentado (sobre una bomba que amenaza estallar, aunque más bien sobre un guion con evidentes carencias y tópicos a destajo)

En este remake la historia se sitúa en Alemania, donde trabaja Matt Turner (el personaje al que encarna Liam Neeson), un avispado hombre de negocios al que parece que la vida le sonríe, pese a que quizás no sea tan listo a nivel personal al no percatarse que por su obsesión laboral ha dejado un tanto olvidada a su esposa (encarnada por Embeth Davidtz) Un día como otro cualquiera esta le pide que lleve al colegio a sus dos hijos, caracterizados con todos los tópicos que uno se pueda imaginar en un título de estas características, pero cuando se sube a su coche de 100.000 euros recibe una llamada del villano de turno que le amenaza con una bomba escondida bajo el asiento del vehículo, y que explotará si no le obedece en sus peticiones. A partir de ahí se desarrolla una historia que repite el esquema de la película del 2015, solo que en este caso de una manera más rutinaria, y con un guion que opta por la ley del mínimo esfuerzo, haciendo previsibles algunos sus (supuestamente) sorpresivos giros, máxime si se conoce el film original.

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de octubre de 2023.
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LOS ASESINOS DE LA LUNA, magistral SCORSESE (crítica sin spoilers)

Hasta ahora el film más extenso que he visto de estreno en una sala de cine ha sido el Hamlet de Kenneth Branagh en la década de los 90, que con sus 242 minutos marcaba una duración que pensaba que sería difícil que algún día superara. Lo nuevo de Martin Scorsese no lo logra, pero admito que marca una destacada posición que costará desbancar, ya que sus 206 minutos de metraje han levantado cierta polémica sobre si no hubiera sido mejor enfocarla como una miniserie televisiva que como una película. Ante eso el director ha defendido dicho metraje, ya que según él hay espectadores que pasan horas y horas frente a una pantalla viendo lo que sea, por lo que el cine bien merece un respeto que no se le da (de hecho el guion original daba para cuatro horas y media)

Basada en el libro Los asesinos de la luna: petroleo, dinero, homicidio y la creación del FBI de David Grann, esta nueva película de Martin Scorsese marca su reunión con viejos conocidos, ya que sería la décima vez que dirige a Robert de Niro (con quien comenzó a principios de la década de los 70) y la sexta que lo hace con Leonardo DiCaprio (que le ha acompañado desde inicios de los 2000), aunque Los asesinos de la luna es la primera vez que coincide con ambos en una misma película. Incluso como curiosidad cabe indicar que de hecho Scorsese, De Niro y DiCaprio ya coincidieron en un corto de 2015 (en el que también estaba Brad Pitt) para promocionar un complejo de casinos en Macao, y los dos actores protagonistas de Los asesinos de la luna ya trabajaron juntos hace 30 años en la película Vida de este chico.

En cuanto al presente film, resulta triste que un maestro de la vieja escuela como es Martin Scorsese no haya conseguido apoyos de ningún estudio para este proyecto (financiado al final por Apple TV) y el previo (El irlandés, ese sufragado por Netflix), como si ya hubiera pasado el tiempo de cineastas de primera fila como él. Aún así hay que indicar que la presente Los asesinos de la luna tiene un presupuesto de 200 millones de dólares, lo que sin duda la convierte en una superproducción, pero no hay problema en ello porque la película lo luce en todo momento, a lo que añadir un ritmo que temía en exceso pausado, pero que resulta acertado en su conjunto, pese a leves altibajos en sus 206 minutos, que se pueden hacer pesados por su duración (me removí algunas veces en mi butaca del cine donde la estaba viendo, ya que me cansa estar sentado tanto rato en un sitio) pero nunca tediosos en su paulatino desarrollo. 

 

Con películas como esta Scorsese demuestra ser un virtuoso del cine al estilo de otro clásico como Clint Eastwood, y en esta ocasión lo hace decantándose por el que para muchos sería el primer western de su extensa filmografía, si bien a tono con la propia edad de su responsable (que supera los 80 años), entraría dentro de los enfocados de forma crepuscular, ya casi cuando el Salvaje Oeste conocido por todos daba sus últimos estertores de vida. En este caso se basa en unos hechos reales que vendrían a resumirse en la mezquina codicia y usura del ser humano, capaz de las peores triquiñuelas con tal de conseguir algo si considera que lo merece más que su legítimo propietario. Por el desmedido colonialismo del que siempre ha hecho gala la humanidad, en la década de los años veinte del pasado siglo la nación Osage (tribu nativa de los Estados Unidos) fue desplazada hasta una zona en el noroeste de Oklahoma sin ningún tipo de valor.

 

Pero lo que en inicio pensaban que sería una tierra infértil y rocosa cambió cuando se descubrió petróleo en ellas, haciendo a sus (ahora) legítimos propietarios la comunidad más rica del país. Eso no se podía tolerar y se perpetró una retorcida conspiración por parte de algunos hombres blancos para quitarle a los Osage la propiedad de esas tierras, infiltrándose en sus núcleos familiares, y perpetrando los asesinatos de los mencionados nativos (algunos encubiertos como suicidios), con la complicidad de unas autoridades que miraban para otro lado, pero siempre procurando que el heredero de los terrenos fuera un hombre blanco. Curiosamente estamos ante un hecho real poco conocido, siendo justo ese uno de los motivos que convencieron a Scorsese para enfrascarse en este proyecto, pese a que los Osage actuales (aún habiendo sido consultados por el director) han mostrado ciertas discrepancias con el resultado final, al estar enfocado más desde el punto de vista del personaje notablemente encarnado por Leonardo DiCaprio, que del de los propios nativos.

El trío protagonista de esta película realiza un trabajo excelente, pero si bien uno ya puede suponer algo así de actores de renombre como Robert de Niro o el citado Leonardo DiCaprio (capaces en ocasiones de lo mejor), es justo destacar también a una Lily Gladstone que tiene aquí su proyecto de mayor envergadura hasta el momento, realizando una labor introspectiva magnífica en un personaje que se debate entre las tradiciones de su cultura, y aquellas propias del nivel social adquirido gracias a su estatus social (no serían los únicos, porque en un reparto notablemente acertado es justo destacar también la labor de Jesse Plemons, Brendan Fraser y John Lithgow) En resumidas cuentas Los asesinos de la luna es una magnífica epopeya histórica narrada con pulso brillante y enérgico por Scorsese, pero también un tipo de cine como se realizaba antaño, pero que ahora vemos con resignación como poco a poco desaparece.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de octubre de 2023.
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TRES ASESINOS / PRIME ROSE / TÍPICOS TÓPICOS DE HOLLYWOOD

TRES ASESINOS

Me leo en español la nueva novela que se edita de Kotaro Isaka, pese a que en origen vio la luz en 2003, aunque ahora es cuando se traduce por el éxito de su anterior obra (Tren bala) que fue adaptada en una película de título homónimo (en su versión original) con Brad Pitt de protagonista. Admito que con los precedentes que tenía, confié bastante en el autor y ya desde el principio sorprende: si uno lee la sinopsis de su contraportada casi se imagina una historia de venganza como las que han llevado al éxito en cines, en su etapa madura como actor, a Liam Neeson, pero al poco de empezar a leer trastoca cualquier previsión en dicho sentido, decantándose por otros interesantes derroteros. 

De todas maneras el inicio no es tan vertiginoso como el de Tren bala, decantándose por una paulatina presentación de los personajes, aunque con el giro inicial que provoca que su esquema no sea tan previsible como uno podría haber pensado. Toda la novela se sustenta en el progresivo relato de los acontecimientos que vive Suzuki (el protagonista) y la Ballena y la Cigarra (dos de los tres asesinos a los que hace mención el título, ya que el tercero digamos que tiene su sorpresa) Eso si, a medida que se avanza la lectura se hace tan atractiva como adictiva, ya que la trama se complica y la tensión aumenta, ofreciendo una novela bastante destacable, recomendable y entretenida.

CALIFICACIÓN: Buena (3,5/5)

• Tres asesinos, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

PRIME ROSE

A Osamu Tezuka lo llaman (con toda justicia) el "dios del manga", y con esta nueva obra suya que ha llegado a la biblioteca deja constancia de ello (si bien lo de "nueva" sería por fecha de edición, ya que esta Prime Rose en origen es de 1982) Ante todo tendría que admitir que la mayoría de lo gestado por este autor me ha parecido de notable para arriba, si bien a lo largo de su trayectoria hizo tal cantidad de material de tantos temas y con tantos estilos que siempre hay algo más ligero, con lo que pasar un rato entretenido, y otras obras más extensas, que pueden requerir de una lectura pausada para su total disfrute. Pues bien, esta Prime Rose sería intermedia entre ambos conceptos.

Sin saber absolutamente nada de ella pensaba, por su portada, que sería quizás una obra de espada y brujería, ya que el atuendo de la protagonista me hizo pensar en Red Sonja, personaje femenino del universo de Conan el bárbaro. Algo de eso hay, pero estamos ante una obra río, una extensa saga de 888 páginas, cuyo personaje sería la Emiya de portada, pero que no es protagonista única sino que comparte la historia junto con todos aquellos que se relacionan con ella, sea por el motivo que sea. Y todo ello envuelto en una mezcla de géneros (fantasía épica, ciencia-ficción, drama, comedia, intrigas palaciegas, distopía, acción o aventuras entre otros) que funciona bien pese a algunos cambios un tanto abruptos.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

• Prime Rose, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

TÍPICOS TÓPICOS DE HOLLYWOOD

¿¡Cuantas veces uno no está viendo una película o serie, y se encuentra de pronto con un recurso argumental previsible que ya se ha visto en otros muchos sitios!? Eso serían los llamados tópicos o clichés: situaciones que en la vida real serían del todo diferentes, pero que en la ficción se resuelven de una forma "casual" y por tónica habitual repetitiva, que como siempre ha funcionado más o menos bien... ¿para que cambiarla? En este libro titulado Típicos tópicos de Hollywood: 120 clichés del cine comercial el autor (Álvaro Ruiz de Gauna) repasa ese tipo de situaciones que suelen tener una resolución similar, las cuales van desde todos los consabidos recursos del cine de terror (que la propia Scream satirizaba) hasta la representación de la violencia (bien sea en peleas, explosiones, etc.) pasando por los tópicos de los films de adolescentes, las maneras de representar escenas de sexo o la forma de proceder de los policias, entre otras de estas "casualidades" en ocasiones tan evidentes. El resultado es un libro muy entretenido que provoca más de una sonrisa cómplice al leer algunos típicos tópicos que el lector no puede menos que confirmar que se han visto hasta la extenuación. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Típicos tópicos de Hollywood: 120 clichés del cine comercial, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

IRON MAN OMNIBUS: LAS CINCO PESADILLAS / EL CARNICERO Y EL PÁJARO / PRODIGY: LA SOCIEDAD ICARUS / y más reseñas...

IRON MAN OMNIBUS: LAS CINCO PESADILLAS

Cuando en 2008 se estrenó la primera película de Iron Man, con ella llegaba un universo que se ha expandido tanto en cine como en series de televisión. Pero claro, en aquel entonces quien se lo iba a decir, por lo que para promocionar a dicho personaje, por quien lo conociera por la película, se dio una cabecera a Matt Fraction en los guiones y Salvador Larroca en el apartado gráfico (en ambos casos con resultados destacables), recogiendo este gordo tomo los 19 primeros números de la misma, divididos en dos arcos argumentales. El primero se titula Las cinco pesadillas y abarca los 7 primeros números, enfrentando en él al protagonista contra Ezekiel Stane (aprovechando que el villano de la primera película fue su padre, Obadiah Stane, interpretado por Jeff Bridges) Por su parte el segundo arco argumental se titula El más buscado del mundo, y ambientado en la época de Reinado oscuro, presenta a Iron Man como fugitivo de la justicia tras haber dejado Tony Stark el mando de Shield, y la posterior ascensión al poder de Norman Osborn. Este tomo es una buena entrada para nuevos lectores, sin desdeñar ni a los veteranos ni al statu-quo del personaje por aquel entonces.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Iron Man Omnibus: Las cinco pesadillas, ficha técnica por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

EL CARNICERO Y EL PÁJARO

Admito que esta novela es de esas lecturas que pillo en la biblioteca casi por casualidad, sin tener ninguna noción previa ni de su existencia ni (como en este caso) del propio autor, o aquí autora. Se trata de la primera novela de Alaina Urquhart, técnica forense que parece que se ha puesto de moda gracias a su podcast Morbid, que es el más escuchado del mundo en el género de los crímenes reales. La referencia previa que toma la autora para su obra es heredera del estilo de Thomas Harris y más exactamente de su popular El silencio de los corderos, ya que no resulta difícil imaginar a la protagonista como una variante de Clarice Starling, y al asesino al que persigue un estilo al Buffalo Bill al que intentaba atrapar allí con la ayuda del doctor Lecter. El problema puede venir por su escueta extensión, lo que provoca que algunos personajes apenas queden esbozados, además de recurrir a muchos tópicos, pero en general entretiene. Hay ciertos giros quizás algo inesperados, que en algunos casos se sienten un tanto tramposos, y la explicación a su título ORIGINAL (relacionado con el nombre de la protagonista) queda aclarada en su tramo final (y además abierto)

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• El carnicero y el pájaro, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

PRODIGY: LA SOCIEDAD ICARUS

A principios de este año me leí de la biblioteca el cómic Prodigy: El mal en la Tierra de Mark Millar, donde presentaba a ese superhombre (por sus altas capacidades físicas y mentales, así como financieras, pero sin que ello signifique que sea un superhéroe) llamado Edison Crane. En esta nueva serie limitada de cinco números, recogidos todos ellos en el presente tomo, asistimos a la secuela del trabajo precedente, aquí enfrentando al superdotado protagonista con el reto de vérselas con otras mentes tan brillantes como la suya (los miembros de la sociedad que la da título), en una trama con detalles de la mitología griega (como por ejemplo la Atlántida) Todo ello está enfocado con el objetivo de repetir lo ofrecido en el título precedente: tremendas dosis de espectacularidad y maniqueismo, en una obra con la vista puesta en una hipotética futura adaptación en cine y/o televisión, que en si tan solo pretende entretener. El problema radica de nuevo en un Edison Crane por el que resulta difícil sentir algo de empatía (es lo que tiene la perfección, que tiende a ser insatisfactoria) El apartado gráfico corre a cuenta de Matteo Buffagni, con un resultado tan vistoso como frío.

CALIFICACIÓN: Entretenido (2,5/5)

• Prodigy: La sociedad Icarus, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

Y ADEMÁS...

• La familia Vader celebra Sithmas
• Takashi
• Superman: Exilio (volumen 1) 

CEMENTERIO DE ANIMALES: LOS ORÍGENES (PET SEMATARY BLOODLINES), crítica sin spoilers de esta precuela

Stephen King es un escritor muy prolífico, pero las adaptaciones de sus obras, bien sean en formato televisivo o en cine, han tenido por tónica habitual mala suerte, siendo la mayoría productos a lo sumo correctos, cuando no directamente mediocres. Es cierto que hay excepciones, e incluso algunas de ellas que se han vuelto clásicos en su género, pero por regla general la calidad sería bastante dudosa y discutible, como le ocurre a esta desganada precuela de Cementerio de animales, en su versión de 2019 (como ya te deja claro el mismo inicio)

 

Es curioso porque de nuevo se repite la historia: en 1989 Mary Lambert dirigió su versión de la novela Cementerio de animales, logrando el éxito suficiente para que tres años después se pudiera embarcar en una secuela que iba ya por libre, con resultados mucho más inferiores. De dicha secuela lo que más se recuerda sería la presencia de Edward Furlong, entonces famoso por haber salido en Terminator 2, pero que luego no logró ningún otro éxito al mismo nivel en su carrera.

 

Eso se vuelve a repetir ahora con un remake en 2019 estrenado en cines que me pareció bastante correcto (pese a los cambios respecto a la obra literaria original), al que le sigue esta precuela directa a plataforma de streaming, y en donde el más popular de su reparto para muchos sería un David Duchovny que no ha logrado ningún éxito en su carrera como actor al nivel del conseguido en los noventa como el agente Fox Mulder en la serie televisiva Expediente X.

Su presencia aquí sería secundaria, ya que esta precuela estaría centrada en el personaje de Jud Crandall, encarnado por John Lithgow en el film de 2019 (o Fred Gwynne en la primera adaptación de 1989), y que aquí tiene los rasgos del joven actor Jackson White, al estar ambientada esta precuela en 1969, cuando era más joven. Pero en su elenco también hay otros intérpretes que tuvieron su momento de gloria, como Pam Grier (redescubierta para las nuevas generaciones por Jackie Brown de Tarantino), Henry Thomas (que logró la fama como Elliot, el niño amigo de ET, el extraterrestre de Steven Spielberg) o Samantha Mathis (con una variada filmografía, pero a la que yo descubrí como protagonista femenina de la versión en acción real de Super Mario Bros estrenada en 1993, junto a Bob Hoskins y John Leguizamo) Estos dos últimos encarnan en este film a los padres en la ficción del personaje de Jud Crandall, al cual nos presentan intentando irse del pueblo de Ludlow junto con su novia Norma (Natalie Alyn Lind)

Justo cuando iban a salir ocurre un incidente que les hace permanecer allí, lo que le llevará al protagonista a saber porque se libró de los sucesivos reclutamientos para la guerra de Vietnam. En dicho conflicto quien si fue es su amigo Timmy Baterman, que en inicio se nos dice que volvió con honores, aunque la escena inicial de un algo hierático David Duchovny (que encarna a su padre en la ficción) ya nos hace intuir que es lo que pasó verdaderamente. A partir de ahí se suceden una serie de sustos que basculan entre lo previsible y lo esquemático, que es lo mismo que se puede decir de un guion (del que sería co-responsable la misma directora de esta cinta, Lindsey Beer) donde se notan detalles interesantes (como cuando se retrocede aún más en el pasado, hasta los miembros fundadores de Ludlow), pero que son desarrollados de forma en exceso superficial. Al final esta precuela deja con una sensación insatisfactoria: pudiendo haber sido mejor se decanta por lo anodino e intrascendente, ofreciendo un film que sin ser malo resulta mediocre.

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN PARAMOUNT PLUS: 6 de octubre de 2023.

SANGRIENTOS DIECISÉIS (TOTALLY KILLER), crítica sin spoilers

En una época como la actual, en la que la pasada campaña veraniega en las pantallas de cine se ha saldado con unos cuantos fiascos, debido a presupuestos inflados que no se amortizaban con las recaudaciones, ha habido de nuevo una constante que se sigue manteniendo: el terror es más o menos barato de realizar y por lo tanto fácil de rentabilizar. Ya no digamos de su variante slasher, que vivió su auge entre finales de la década de los setenta y durante la década de los ochenta, con míticos matarifes (Freddy Krueger, Michael Myers, Jason Voorhees, etc.) que generaron franquicias aún vigentes hoy en día, bien sea por enésimas secuelas o por tardíos reboots, remakes o lo que se tercie (como esa reciente trilogía de Halloween de David Gordon Green, que recuperaba a su protagonista, encarnada por Jamie Lee Curtis)

El problema es que ya se ha visto dicha básica historia de un asesino enmascarado y sus potenciales víctimas (sobretodo) adolescentes desde tantos puntos de vista, que ahora mismo resulta difícil innovar, por lo que en lo más básico se puede decir que esta Sangrientos dieciséis (título español del original Totally killer) no asombra en esa vertiente, si bien tampoco sería su pretensión el conseguirlo. Lo que busca esta película sería ofrecer un rato de sencilla y simple diversión a quien opte por ella, con la mezcla de lo básico de ese tipo de films de asesinos enmascarados con los viajes temporales al estilo de Regreso al futuro, logrando en su conjunto un resultado final ameno, entretenido y tremendamente disfrutable.

Dirigida por Nahnatchka Khan (directora norteamericana de origen iraní) y con un guión llevado a cabo por David Matalon, Sasha Perl-Raver y Jen D’Angelo, la premisa de esta Sangrientos dieciseis (Totally Killer) nos presenta a Jamie (encarnada por una muy carismática y divertida Kiernan Shipka), que en la actualidad vive agobiada por una madre algo sobreprotectora que intenta que no le pase nada después de que hace 35 años varias amigas suyas muriesen a manos de un misterioso asesino enmascarado que nunca fue descubierto. Eso ha provocado que la pequeña localidad donde sucedió eso se haya hecho tristemente famosa, generando incluso tours turísticos por los escenarios de la masacre, con fanáticos del tema pertrechados con máscaras como las del asesino.

Previsiblemente el criminal vuelve a hacer de las suyas (¿el mismo u otro? tampoco importa mucho...), mientras que la mejor amiga de la protagonista está realizando una máquina del tiempo en el lugar más insospechado, aunque no consigue hacerla funcionar (me imagino que ahí entra el más claro homenaje a Regreso al futuro, título mencionado además en varias ocasiones en este film) En un momento en el que el asesino va a por Jamie, una serie de incidentes la llevarán a viajar 35 años al pasado (hasta 1987), antes de las muertes que hicieron famosa a su localidad, lo que le llevará a intentar evitarlas al mismo tiempo que tiene que acostumbrarse a la sociedad de entonces, bastante diferente de la actual (siendo de ese contraste cultural de donde salen algunos de los momentos más acertados de esta película)

Ante la actual añoranza que se siente hacia la década de los ochenta, situar por entonces este film sirve para ofrecer ciertas dosis de nostalgia, que no priva para hacer livianas críticas sobre ciertas actitudes habituales por aquel entonces, pero no tan bien admitidas en la actualidad. Pero cual si fuera el Marty McFly de la citada Regreso al futuro, aparte de intentar descubrir al asesino la protagonista intentará no entorpecer la (por entonces) inicial relación de los que serán sus padres, aparte de intentar volver al presente, lo cual en principio parece algo bastante complicado.  Vamos, que si Feliz día de tu muerte (y su secuela) era slasher más bucles temporales como en Atrapado en el tiempo y Este cuerpo está de muerte era slasher más comedia de intercambio de cuerpos, la misma tónica sigue esta pero con viajes temporales.

Sangrientos dieciséis (Totally killer) es lo que es, y tampoco hay que buscarle más vueltas: es evidente que se parece a tropecientas películas previas que han tenido una estructura parecida, así como lo disparatado de su propuesta para viajar en el tiempo (casi como una extravagante sencillez que se puede construir cualquier chaval con ínfulas de MacGyver), pero como he indicado antes su única pretensión es divertir y entretener, sin intentar buscar coherencia a un argumento que puede tener agujeros del tamaño de desfiladeros, asi como tópicos y clichés del tamaño de catedrales. Liviana y amena, antepone el tono de comedia al terror, y sin bien no resulta revolucionaria, indudablemente ofrece una generosa dosis de simple y puro entretenimiento. En ocasiones con eso basta.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN AMAZON PRIME VIDEO: 6 de octubre de 2023.

THE CREATOR, ciencia-ficción con MUCHA calidad (crítica sin spoilers)

Cuando fuí al cine a ver Tenet en el verano del 2020 fue cuando conocí a John David Washington, aunque fue más tarde cuando me enteré de que es hijo del también actor Denzel Washington. Aparte del film citado de Christopher Nolan, donde él era el protagonista, sólo lo he vuelto a ver como parte del trío principal de Ámsterdam (junto con Christian Bale y Margot Robbie), película con altas pretensiones pero resultados no tan satisfactorios. 

 

Tampoco ha sido muy prolífico el director Gareth Edwards, ya que tras su versión de Godzilla del 2014 nos ofreció dos años después Rogue One (el primer spin-off cinematográfico de la franquicia Star Wars) estando inactivo desde entonces, hasta esta The creator en la que el nombre más conocido del reparto (aparte del citado retoño de Denzel Washington) sería el japonés Ken Watanabe, que ya había trabajado con este director en la Godzilla que he citado antes.

¿Y que ofrece esta película? Pues una de las mejores películas del año para quien esto escribe, aparte de también una de las mejores dentro del género de la ciencia-ficción, aunque se le pueda detectar de manera sencilla sus referentes (entre ellos Blade Runner, District 9 o Elysium), lo cual no le resta mérito al saber conjugar los mismos con un resultado realmente muy destacable, que combina casi a la perfección calidad y acción, a lo que sumar su loable intención de hacernos meditar sobre la inteligencia artificial.

Para no desvelar spoilers hay que decir que la historia de la película nos sitúa en un futuro a pocas décadas de distancia, donde los avances con la inteligencia artificial han llevado a que cierto suceso divida a la humanidad entre aquellos que aún siguen confiando en las máquinas, y aquellos que quieren erradicarlas. Entre estos últimos es reclutado el protagonista (interpretado por John David Washington), que arrastra un incidente traumático con su mujer embarazada ocurrido cinco años antes. La misión de su grupo será intentar acabar con el responsable de dicha inteligencia artificial, o de lo contrario se extinguirá la humanidad (lo que fácilmente puede llevar a otra clara similitud con el Skynet de la extensa franquicia Terminator), pero cuando logran infiltrarse en territorio enemigo se encontrarán con la inesperada sorpresa de que todo parece estar relacionado con una niña con un poder extraordinario, lo que levantará dudas en el protagonista. 

 

A partir de dicha premisa, lo que igual podría convertirse en una nueva demonización de las inteligencias artificiales (no en vano ya era el villano en la más reciente entrega de la franquicia Misión Imposible) deriva de forma bastante coherente hacia el lado opuesto, dándonos a entender que por muy evolucionada que esté una máquina, detrás de ella estarían los humanos que la programaron, por lo que la responsabilidad última sería nuestra (un interesante planteamiento dentro de las actuales deliberaciones que hay sobre el desarrollo de la inteligencia artificial, y el peligro de que la misma tome control y se revuelva contra nosotros, como se ha visto en títulos como Matrix, si bien de momento no deja de ser algo concebido por la humanidad, que tiene que regularizarse de forma adecuada para lograr sacarle el máximo provecho) The Creator consigue por tanto dos objetivos: hacernos pasar un buen rato y sugerir elementos sobre los que meditar.

El problema más evidente de esta película estaría justo en lo contrario que suele ser la tónica habitual: si muchas veces hay films que se dilatan en exceso, divagando en lugar de concretar, The Creator da la sensación de que le falta tiempo, lo cual justifica la duración inicial de cinco horas citada por su director Gareth Edwards, y que quizás hubiera sido más redonda enfocada de esa manera, y por tanto derivada a ser miniserie de televisión. Aún así la labor de montaje en sus finales 133 minutos resulta destacable, condensando de una forma concisa lo que quiere transmitir, aunque notándose cierta falta de desarrollo en algunos personajes (como por ejemplo el encarnado por Ken Watanabe) Con un tramo final funcional pero algo desigual, este film sin duda puede presumir de un apartado visual excelente, en el que todo lo que se nos muestra en pantalla resulta creíble, ofreciendo un resultado digno de verse en una sala de cine.

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de septiembre de 2023.
• Galería de posters por este enlace.

VIDA PERRA, unos perretes muy guarretes (crítica sin spoilers)

Pese a que resulta evidente que los géneros no tienen un público determinado, aún se continua considerando a la animación o a las marionetas como algo dirigido al público infantil, por más que existan ejemplos de lo contrario desde hace ya décadas. Muestras de ambas cosas podrían ser La fiesta de las salchichas, película realmente irreverente que utilizaba la animación para desarrollar una historia poco apta para menores, o ¿Quien está matando a los moñecos?, que mezclaba marionetas tipo Barrio Sésamo en un procedimental con idénticas intenciones.

Se podría afirmar que esta Vida perra (o Hijos de perra en el mercado latinoamericano, en ambos casos acertados títulos del original Strays, que significa extraviados, en clara referencia a los perros protagonistas) podría ejercer una función parecida en el también eterno género de la comedia con animales, sean parlantes o no, que también suele ir orientada hacia los niños ya desde los tiempos de la clásica Lassie.

Con las voces, en su versión original, de Will Ferrell, Jamie Foxx, Isla Fisher y Randall Park, en la versión española (la que he visto yo) se ha echado mano de forma bastante acertada de los actores y humoristas Santi Millan, El Monaguillo, Susi Caramelo y Raúl Cimas para ponerle voz a los cuatro perros protagonistas: Reggie, un border terrier, y sus amigos Bug, Hunter y Maggie.

Vida perra intenta entroncarse en la larga estirpe de comedias groseras que nos han llegado desde Estados Unidos desde la época de la clásica Porky's, en una operación parecida a la que quisieron establecer hace unos meses los estrenos de Oso vicioso y Sin malos rollos, pero en este caso cogiendo como referencia esos relatos donde uno o varios animales tienen que emprender un periplo de retorno al hogar. El protagonista es el perro Reggie, que tiene una completa fidelidad hacia su amo, pese a que este no le tiene ningún afecto y ya lo ha intentando abandonar varias veces, topándose con la destreza canina del susodicho para volver a casa. Pero en uno de esos intentos parece por fin lograrlo, y Reggie intentará volver al hogar, en principio por fidelidad perruna, pero después por venganza (prometiendo arrancarle a mordiscos a su dueño sus atributos masculinos) cuando su encuentro con el dicharachero Bug (un callejero boston terrier amigo de la libertad) le abra los ojos y le haga entender que su dueño nunca le ha querido. Por el camino se les unirá Maggie, una perra por la que su dueña ha perdido el interés, y Hunter, un gran danés dedicado a la terapia emocional.

En una historia cuyo paralelismo humano estaría en el género de las road-movie, el periplo de los cuatro perros en busca del hogar de Reggie les llevará a vivir toda clase de peripecias, incluido hasta un viaje alucinógeno. Pero lejos del humor bondadoso que uno se imaginaría en un film así, lo que abunda (de forma más o menos acertada según cada espectador) es un humor zafio, chabacano, soez y escatológico, que aunque en algunos momentos se pase de la raya (por ejemplo lo de los excrementos en la perrera), si que acierta en su intento de ironizar sobre el esquema de historia que parodia esta película; aunque al final entronque justo con ello, para dejar claro que los animales también requieren atención por nuestra parte, y no son meros accesorios o juguetes. Entre grosería y zafiedad se nota una cierta concienciación contra el maltrato animal, las relaciones tóxicas o el egoísmo (todo ello reflejado en el dueño de Reggie, protagonista de la escena entre los créditos), si bien son conceptos apenas esbozados que no acaban de desarrollarse más allá del humor de brocha gorda que destila, con mayor o menor acierto, toda esta gamberra propuesta perruna.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de septiembre de 2023.
• Galería de posters por este enlace.