EL INMORTAL HULK / HUYAMOS POR LA IZQUIERDA: LAS CRÓNICAS DEL LEÓN MELQUIADES / GIDEON FALLS / TARZÁN Y LAS JOYAS DE OPAR

EL INMORTAL HULK (varios)

En su día las grapas de El inmortal Hulk las leí de la biblioteca en (más o menos) el orden que pude, con lo cual no va mal recopilar como en este caso: si en su día me leí el tomo que recopilaba los cinco primeros números de esta cabecera dentro del formato Marvel Premiere, ahora han llegado a la biblioteca los dos tomos siguientes, titulados La puerta verde y Hulk en el infierno respectivamente. Recogiendo cada uno cinco cómics de su edición original, digamos que ahora me he leído del número 6 al 15 de la serie regular, lo que me completa los números 6 al 9 de su edición española, al tener la misma algunos números dobles (de los mismos en su día dejé reseña por este enlace de los que me leí) El resultado es, como ya indiqué en su momento, realmente acertado al ofrecer una visión de este famoso personaje en algunos momentos cercana al terror más orgánico, destacando en los tomos aquí referenciados la visita del protagonista a una especie de infierno personal. También es justo reseñar las fantásticas portadas de la serie, obra de ese gran artista que es Alex Ross.

• El inmortal Hulk, ficha editorial del tomo 2 por este enlace y de la biblioteca PENDIENTE DE ACTIVAR; ficha editorial del tomo 3 por este enlace y de la biblioteca por este otro.

Ya puestos, y como a medida que han pasado los meses han conseguido números atrasados y darle una mayor continuidad a El inmortal Hulk, empalmo y me leo del 10 al 29 de la edición española en grapa de esta serie, que justo continúa después de los tomos citados arriba (algunos son relecturas porque hace años leí parte de ellos) Lo que me encuentro sería la profanación de la tumba de Rick Jones para convertirlo en Abominación (por parte del General Fortean de Base Sombra) y mandarlo contra Hulk (que también da cabida a la personalidad de Joe Arréglalo con el cuerpo de Bruce Banner), en una trama con sus generosas dosis de gore en la que también están entre otros Alpha Flight, Doc Samson y una Betty Banner transformada en la Arpía.

 

Tras el cruce con el evento Matanza Absoluta el 16 español (con el 25 americano) incluye un relato algo metafísico con Hulk cual si fuera Galactus, dando paso a continuación a la contraofensiva del protagonista contra la Roxxon del Minotauro, y como este contraataca contra Banner y sus aliados (en una clara crítica contra el abuso corporativo y la manipulación mediática) Tras varios complementos y cruces con otros eventos, en la siguiente trama sería el Lider el villano que orquesta su plan genial contra el protagonista y su capacidad de resurrección, aprovechando incluso al difunto padre de Bruce Banner, destacando el número 25 español que incluye dos relatos clásicos que sirven para ahondar en la personalidad del mencionado Brian Banner.

• El inmortal Hulk, ficha editorial desde este enlace en adelante (seguir con las flechas superiores) y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro.

HUYAMOS POR LA IZQUIERDA: LAS CRÓNICAS DEL LEÓN MELQUÍADES

Aunque el León Melquíades fuera un producto de Hanna-Barbera como Los Picapiedra, Maguila Gorila, el Oso Yogi, Pepe Pótamo y Soso o Leoncio el león y Tristón, tengo que admitir que tuve que recurrir y echar mano de internet para acabar de situarlo, ya que no fue un personaje tan popular como los antes citados, por lo que no lo recordaba del todo. Pero tenía curiosidad tras lo mucho que me gustó la reinvención que hizo Mark Russell de Los Picapiedra (y que me leí hace unos años), ya que él es el responsable también del guión del presente comic, dentro de una línea donde también me leí hace unos meses la reinvención de Pierre Nodoyuna y Patán. En un tono satírico brillante, tanto en forma como en desarrollo, el autor sitúa a Melquíades como un dramaturgo de éxito, a medio camino entre Oscar Wilde y Tennessee Williams, en la paranoica época del Macartismo, haciéndolo objetivo del mismo por su condición de gay. Apoyado en un solvente apartado gráfico de Mike Feehan, el relato (por ambientación y estilo) me recordó en ocasiones al Blacksad de Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido, al coincidir en el recurso de los animales antropomórficos.

• Huyamos por la izquierda: Las crónicas del León Melquíades, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

GIDEON FALLS (obra completa)

Otro comic que en su día comencé, pero que dejé colgado, fue Gideon Falls (del que en su día dejé reseña del primer tomo por este enlace) Se nota muy claro que estamos ante una obra que se disfruta mejor leída al completo, porque cuando me leí el segundo tomo enlacé mejor con los hechos del primero gracias a que no había pasado tantos meses como la anterior vez. En si la historia se inicia con Norton Sinclair (un enfermo mental) y el padre Wilfred (un cura que viene a sustituir a otro), en dos historias situadas en Gideon Falls, pero en diferentes momentos, todo ello relacionado con un misterioso Granero Negro. Dicho lugar parece albergar un mal ancestral que hará que ambas historias se entrelacen en una trama con dosis de terror metafísico, al que cada vez se irán añadiendo paulatinamente nuevos personajes, dando luego el relato pie a los viajes dimensionales por una sonriente amenaza con toques del It de Stephen King. El grupo protagonista tendrá que reencontrarse en el infinito multiverso de Gideon Falls para poner fin a la pesadilla orquestada que se manifiesta por el Granero Negro, en una destacable historia tanto a nivel argumental como gráfico.

• Gideon Falls, ficha editorial de los seis tomos que componen la serie por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

TARZÁN Y LAS JOYAS DE OPAR

 

Quinto libro de la extensa saga que escribió Edgar Rice Burroughs sobre su popular personaje de Tarzán, en el cual se recupera un escenario visto en entregas previas: la ciudad de Opar, un mítico lugar que no desentonaría para nada en el universo de otro aguerrido héroe como Conan el bárbaro. De todas maneras es tan solo una excusa para mover a los varios personajes que pululan por esta novela, ya que una vez finalizada de leer este libro te das cuenta que poco novedoso se ha añadido a la citada ciudad, justificando su presencia en los tesoros que esconde, y que provocarán las disputas entre héroes y villanos. Entretenida en su desarrollo, utiliza un recurso ya algo manido hoy en día como el de la amnesia de su protagonista, a cuenta de que le caiga una roca que le haga olvidar toda su vida como Lord Greystoke, lo que dará vía libre a los que intentan quitarle "su" fortuna (con el colonialismo propio de la época, en si el afán de todos es expoliar los tesoros de Opar) Curioso el detalle de que EN NINGÚN MOMENTO de esta obra se haga mención al hijo de la pareja, cuando él fue el protagonista principal justo de la entrega precedente.

• Tarzán y las joyas de Opar, ficha técnica por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA MORTAL (PARTE 1), crítica sin spoilers

Las modas van y vienen: ahora todo el mundo dice que vivimos en la de las películas de superhéroes, pero a finales del siglo pasado volvió por ejemplo la de los films de desastres más o menos apocalípticos, aunque en lo que me quiero centrar ahora sería en la década de los noventa, cuando lo que se llevaban eran adaptaciones en películas de antiguas series clásicas de televisión de los años sesenta. Hubo para todos los gustos, pero yo (que había descubierto algunas de dichas series en mi infancia televisiva, cuando ya eran reposiciones) disfruté (en mayor o menor medida) de títulos como El fugitivo con Harrison Ford y Tommy Lee Jones, El Santo con Val Kilmer, Los Vengadores con Ralph Fiennes y Uma Thurman (aunque en este caso lo mejor era Sean Connery haciendo de villano) o la que inició la presente saga: una magnífica Misión Imposible de Brian de Palma, con Tom Cruise de protagonista.

 

Lo que comenzó dentro de la citada "moda" ha conseguido continuar, convertida ya en una franquicia, con Cruise intentando que cada film tuviera diferentes directores para dar diferentes visiones, algo que se mantuvo con John Woo con la segunda (y la más floja de toda esta saga), J.J.Abrams con la tercera, Brad Bird con la cuarta (titulada Protocolo Fantasma) y Christopher McQuarrie con la quinta (titulada Nación Secreta), que debe haber convencido tanto a Cruise que se quedó para la sexta (Fallout) así como esta séptima y la futura octava (que tiene previsto estrenarse para 2024)

 

El resultado de esta nueva aventura del agente Ethan Hunt sigue una línea continuista en esta serie desde que se hizo cargo de ella el mencionado McQuarrie, con unos resultados destacables pese a que en el fondo la historia que se plantea aquí sea bastante sencilla (que no por ello simple), centrándose en la lucha por la posesión de un objeto que será clave para algo que en origen desconocen la mayoría de los personajes: el control sobre una inteligencia artificial que se ha rebelado. Con ese planteamiento uno lo primero que piensa es en la saga Terminator, donde Skynet hace lo propio contra la humanidad, pero en este caso deriva por otros derroteros: la manipulación de las nuevas tecnologías sobre las masas, resultando inquietante porque en el fondo ya es lo que estamos viviendo hoy en día. 

 

Para algunos puede resultar gracioso que en un mundo como el actual, en donde todo parece calcularse con algoritmos, sea justo eso (una inteligencia artificial) el villano principal del presente film, cuando los más críticos pueden señalar que esta misma historia parece generada por una. Pero poco importa cuando el resultado final funciona tan bien como en este caso, logrando mantener el interés del espectador durante sus 156 minutos, en los diferentes escenarios donde transcurren las peripecias de los personajes, destacando para mi de forma principal todo lo que sucede en el aeropuerto de Abu-Dabi, la persecución por las calles de Venecia y todo lo que acontece en el tren (que es donde se inserta el momento de Cruise lanzándose al vacío con una motocicleta que se vio en algunos avances previos)

El reparto, en el que repiten algunos actores ya clásicos de esta franquicia (como por ejemplo Ving Rhames, más o menos presente desde la primera entrega, o Simon Pegg, que se añadió a partir de la cuarta), así como otros de entregas previas (como en el caso de Vanessa Kirby o Rebecca Ferguson, que se han sumado en diversos momentos desde que McQuarrie es director de la franquicia), se completa en esta séptima entrega con nuevos personajes entre los que sin duda creo que destaca el encarnado por una resolutiva Haley Atwell, que saltó a la fama como Peggy Carter en las diferentes andanzas que vivió dicho personaje tanto en cine (desde Capitán América: El primer vengador) como en televisión (la serie Agente Carter) dentro del universo Marvel en acción real que se inició en 2008.

En resumidas cuentas esta Misión Imposible: Sentencia mortal (parte 1) es una bastante notable película del más puro entretenimiento, con un siempre solvente Tom Cruise que se sabe y se maneja muy bien como estrella principal de este espectáculo (pese a que ya supere los 60 años), acompañado de un reparto bastante acertado que le sirve de perfecto complemento para una historia en esencia sencilla, que contrapone lo digital a lo analógico, pero que consigue atrapar al espectador tras un prólogo en el que se hace un primer esbozo. Se le pueden achacar ciertos detalles secundarios que quizás no acaban de funcionar respecto al resto del film, así como un montaje que en algunos momentos resulta algo confuso, pero estamos ante una película vibrante que sabe dejarnos con ansias por cual será su desenlace.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de julio de 2023.
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REPOSO ABSOLUTO, el sufrimiento de una madre (crítica sin spoilers)

El terror es un género barato de realizar y sencillo de amortizar, por lo que nunca habrá problemas para realizar nuevas películas. De hecho ahí están de muestra, dentro de lo que sería el slasher, tantas y tantas populares franquicias que han generado secuelas, reboots, remakes o lo que se tercie. El problema, claro está, radica en de verdad asustar (al menos intentarlo), o solo circular con mayor o menor fortuna por lugares y elementos comunes a este género, pero sin aportar nada de relevancia. Esa sería la mejor definición para esta Reposo absoluto, si bien se le agradece una mínima corrección, que pese a todo no la libra de caer en la mayor de las intrascendencias.

No sería la primera vez que en una película de este estilo todo parece girar alrededor de una protagonista embarazada, pero en este caso aporta la novedad de que la misma ha de guardar el reposo absoluto de su título en las semanas finales de la gestación, si no quiere que haya problemas con el bebé. El espectador morboso ya se imagina que la situación no le permitirá estar tranquila a la sufrida embarazada, y cabe indicar que eso se cumple con aparentes presencias que en un principio la protagonista no entiende, y que luego relaciona con cierto hecho traumático que arrastra de su pasado, lo que deriva en una doble problemática emocional. Dichos "sobresaltos" no devienen nada más que previsibles momentos de tensión para el espectador avezado, aunque alguno si pueda funcionar más o menos bien, más que nada por la escueta corrección con la que se llevan a cabo.

 

En lo que sería la opera prima de su directora (Lori Evans Taylor), que también se encarga de su esquemático guion, se podría decir que en inicio todo parece girar sobre la tópica duda de si lo que dice ver y experimentar la protagonista proviene del hecho traumático que arrastra de su pasado, o está relacionado con la nueva casa a las afueras de la ciudad, donde vive junto con su pareja (interpretado por un soso Guy Burnet) No resulta sorprendente que al final ambas tramas se entrelacen, teniendo que lidiar no solo con los fantasmas que arrastra de su pasado, sino también con los que lleva consigo su nuevo hogar, en un último tercio donde todo desemboca en una resolución a medio camino entre un mero telefilm de sobremesa, la película Ghost y un episodio de la serie Entre fantasmas (aquella donde Jennifer Love-Hewitt veía espíritus a los que ayudaba a cruzar al más allá) Pese a todo durante gran parte de su ajustado metraje, apenas 90 minutos, parece dudar sobre por que derroteros decantarse, lanzando sugerencias que luego descarta (como por ejemplo esa cuidadora de la que se hace dudar al espectador, para luego tirar por otro camino)

Con un reparto intrascendente, donde los personajes secundarios nunca acaban de tener una importancia determinante, cabe indicar que la que más destaca sería su protagonista, encarnada por una Melissa Barrera que ha alcanzado la fama por las recientes entregas de la saga Scream. Debido al trauma que arrastra, y a la difícil situación que se le plantea en su nuevo hogar, cabe indicar que la actriz cumple con corrección, siendo solvente la gestual forma en la que plasma el drama de su sufrida protagonista, emocionalmente dañada por lo que le pasó, y temerosa por como acabará su actual situación a tenor de como está y lo que le está sucediendo, por lo que quizás se podría considerar que todo gira aquí sobre el sufrimiento de una madre. La lastima radicaría en que dicha intención queda en parte desvirtuada por la absoluta falta de originalidad con la que circula por todos los tópicos comunes de este tipo de propuestas, si bien al menos la aceptable labor de Melissa Barrera logra que el resultado final no sea desdeñable, quedándose tan solo en una mera película que se deja ver sin mayores pretensiones, pero que rápidamente pasará al olvido.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de julio de 2023.
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INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO, crítica sin spoilers

Viendo la que con toda probabilidad será la última aventura del personaje con Harrison Ford al frente, uno piensa la suerte que habría corrido el personaje de Indiana Jones si se hubiera desarrollado como la longeva franquicia de James Bond, con seis actores hasta la fecha que han encarnado al personaje en sus seis décadas de vida en cines. Esto viene a colación porque el director Steven Spielberg quiso POR DOS VECES dirigir una película de James Bond (en la época en que dicho personaje tenía los rasgos de Roger Moore), aunque se lo denegaron en ambas. La frustración se la quitó su amigo George Lucas con el personaje de Indiana Jones y, volviendo al inicio de mi crítica, hubiera estado curioso como se hubiera desarrollado en caso de seguir el esquema de James Bond.

Enfocada esta saga como homenaje a los seriales de aventuras de las décadas de los años 30 y 40 del pasado siglo, tuvo una meritoria trilogía durante la década de los ochenta. Pero siendo una popular saga que podía haber continuado sin problemas, incluso con relevo de actor protagonista, la cuestión es que la cuarta aventura llego en 2008, casi dos décadas después de la precedente. No acabando de convencer en general al público (no fue mi caso) su triunfo en taquilla lleva hasta la presente, que también ha tardado en ver la luz 15 años desde la anterior, siendo la ¿última? con Harrison Ford.

Volviendo al símil con James Bond hay que citar que por muchos sustitutos que tuviera el personaje, su primer actor marcó tendencia, con lo cual para muchos Sean Connery sigue siendo el que mejor lo encarnó. Eso le serviría de consuelo a Spielberg cuando le hizo encarnar al padre de Indiana Jones en la tercera entrega, cerrando un círculo que para muchos tenía que haberse quedado allí, pero en un revival nostálgico el famoso arqueólogo volvió en el 2008 de la mano de sus responsables... y las expectativas del público (que igual esperaba el Segundo Advenimiento de Cristo, cuando tan solo se trataba de una película, como dijo el productor George Lucas) provocaron esa general insatisfacción. Pero como "poderoso caballero es don dinero", su recaudación fue la mayor de la franquicia hasta aquel momento, por lo que se puso en marcha una quinta donde Spielberg ha delegado sus funciones como director en James Mangold (responsable de la notable Logan, con otro héroe crepuscular como Lobezno de protagonista), aunque si repite de nuevo por quinta vez un mítico Harrison Ford dando vida (a sus 80 años) a un Indiana Jones al que encarnó por primera vez hace cuatro décadas.

Cabe indicar que el actor resulta convincente volviendo a enfundarse los míticos látigo y sombrero que uno asocia con este personaje, e incluso me atrevería a decir que la media hora inicial de esta película es aún más Indiana Jones de lo que fue toda la cuarta entrega (pese a que yo soy de los que salió más o menos satisfecho, aún admitiendo que es inferior a la trilogía que la precede) En ese tramo inicial se concentra toda la esencia del arqueólogo más famoso de la historia del cine, aunque lo que más se vaya a comentar sea el rejuvenecimiento digital que le aplican al protagonista, logrando que Ford luzca como lo hacía en las entregas estrenadas en la década de los ochenta. Quizás por lo mucho que se habló de eso antes de su llegada a la cartelera ha sido uno de los detalles más comentados, y por lo tanto sabían que el público lo miraría con detenimiento. Pues bien, en mi caso tengo que decir que, aún sabiendo dicho retoque digital, la sensación final que ofrece es BASTANTE CREÍBLE sin ser perfecta, de ahí mis interrogantes en el segundo párrafo de esta crítica sobre si sería la última... porque con este método caben todas las que se quieran inventar.

De hecho se podría decir que esta quinta aventura supera a la cuarta en sus dos tercios iniciales, ya que aquí si se ofrece todo lo que un fan de Indiana Jones espera en una película de Indiana Jones, incluyendo ese enemigo vital que ha estado presente en todas las entregas impares de la franquicia: los nazis. Algunos tildarán esta película de mero fan-service para contentar a aquellos que quedaron descontentos con la cuarta, ya que está plagada de detalles más o menos evidentes que nos recuerdan a los episodios precedentes, funcionando unos mejor que otros (incluyendo una explicación coherente a la ausencia del hijo del protagonista que encarnó Shia LaBeouf en la cuarta, que se perfilaba quizás como sustituto de su progenitor, pero que aquí no aparece) Y aunque la labor de Mangold es meritoria, es justo admitir que con media hora menos (su duración son unos extensos 154 minutos) hubiera podido lograr un resultado final, sino mejor, si al menos equivalente al de la trilogía inicial, siendo en su último tercio donde se decanta por cierto recurso fantástico que me dió la sensación de que se aprovecha de forma algo desigual, a tenor de sus posibilidades.

 

Creo que no seré el único que, cuando queda claro lo que hace el famoso dial de su título, uno esperaba que eso les sirviera a los nazis para reafirmar su reino del terror. En cambio se dan cuenta de que no es lo pensado justo cuando están metidos en el meollo de la cuestión, llevando la acción a otro destino que resulta aceptable... pero provocando un evidente bajón en el interés (al menos a mi) Una vez allí aún hay tiempo para que uno tema que sus responsables se decanten por cierto giro argumental emotivo (en esencia, por lo que representa para Jones) pero gratuito (en planteamiento, ¿a esas alturas te vas hacia lo melodramático?) Finalmente es ese último tercio el que funciona de una manera correcta pero perdiendo la trascendencia lograda por lo previo, así como respecto a su brillante tramo inicial, aunque en conjunto El dial del destino es un digno colofón al personaje (si lo respetan) con un reparto funcional donde algunos destacan (como Mads Mikkelsen, Boyd Holbrook o Toby Jones), otros cumplen bien (como Phoebe Waller-Bridge o Antonio Banderas) y otros no tanto (como Ethan Isidore, en un papel que hace recordar al de Ke Huy Quan de El templo maldito)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de junio de 2023.
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SIN MALOS ROLLOS, desvírgate como puedas (crítica sin spoilers)

¿Es una película como Sin malos rollos un ejemplo de film previsible? Eso era lo que yo me preguntaba en origen cuando al final me decidí por darle una oportunidad, más a tenor de su premisa argumental que de su desarrollo, en el cual pensaba que, tras el tono provocador inicial, se decantaría por los buenos sentimientos. Digamos que no me equivoqué mucho... pero el resultado final ofrece ciertos matices para contentar incluso a los que más o menos ya se imaginan por donde irán los tiros. Y es que el problema de las comedias hoy en día para triunfar está en ese difícil equilibrio que intentan lograr entre lo más almibarado y lo más gamberro, siendo en esa indefinición donde se sitúa este film.

 

En la década de los noventa triunfaron mucho las comedias románticas, hasta el punto de convertirse en un género por si mismas. En aquel entonces nombres como los de Sandra Bullock, Julia Roberts o Meg Ryan (por citar unos ejemplos) eran suficiente atractivo para que los espectadores vieran sus películas, pero el género llegó a la saturación y no hubo una nueva generación que tomara el relevo. Ahora Jennifer Lawrence prueba suerte como la protagonista y el rostro más conocido de esta comedia (el otro sería Matthew Broderick como el padre del chaval protagonista), en un film que no es que sea innovador, pero que maneja con acierto sus recursos para ofrecer un simpático entretenimiento que, pese a moverse dentro de lo más o menos previsible, consigue momentos simpáticos y llamativos (lo de la playa por ejemplo), convenciendo por la mínima. 

¿De que va la historia? La protagonista es Maddie (Jennifer Lawrence), una joven treintañera con problemas económicos para lograr mantener la casa de su infancia, que un buen día parece encontrar la solución a sus males en un anuncio donde unos padres, tan ricos como sobreprotectores, buscan a una candidata para que espabile un poco a su hijo (a punto de entrar en la universidad), a cambio de una generosa remuneración. A partir de ahí se suceden todo tipo de situaciones a medio camino de las propias de las comedias screwball y de esas otras más gamberras (y escatalógicas) de la década de los noventa, centradas en principio en las evidentes insinuaciones sexuales que le hace la desinhibida Maddie al timorato Percy (interpretado por Andrew Barth Feldman), y como este, ajeno en principio a lo planeado por sus progenitores, responde a las mismas. Pero como no todo puede centrarse en eso, a medida que avanza la película se decanta por un tono más emotivo, en el que se intenta que el espectador se encariñe con ambos personajes, perdiendo ese tono cómico más mordaz en detrimento de una resolución que ya se ve venir hacia donde va a tirar. 

Llegados a dicho "giro" argumental algunos se pueden sentir decepcionados, ya que de esa manera el resultado final se queda algo ambiguo, pero me imagino que ese es el peaje a pagar para ofrecer una historia que se abra a un mayor público potencial: una mezcla no del todo acertada para suficientemente funcional que convenza tanto al espectador juvenil que quiere ver una comedia más alocada, como al de mediana edad que prefiere un tono entre romántico y familiar. Quizás no ahondar en ninguna de esas vertientes es lo que le resta trascendencia, pero a cambio ofrece un irónico vehículo para el lucimiento de su protagonista principal (también productora), que se demuestra cómoda en este tipo de comedias que juegan de forma tan clara con los dobles sentidos, no tiene reparos en mostrarse TAL CUAL ES (sorprendido me dejó la escena de la playa), y en donde incluso no se priva de ironizar sobre su propia edad, en ese Hollywood donde las actrices mayores progresivamente van siendo relegadas. También sería destacable la buena química que se establece entre la pareja protagonista, funcionando tanto en los momentos más surrealistas como en los más íntimos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de junio de 2023.