sábado, 28 de mayo de 2022

PIG, en busca de la cerda de NICOLAS CAGE (crítica sin spoilers)

Nicolas Cage es un actor que ha tocado el cielo (con premio Oscar incluido, y protagonizando exitosas cintas taquilleras de Hollywood) y el infierno (con productos de evidente inferior calidad o sencillamente engendros bochornosos en los que se veía metido tan solo para saldar deudas), pero está claro que no deja a nadie indiferente. Su tendencia al histrionismo le ha granjeado tantos seguidores como detractores (recomiendo el libro Las 100 primeras películas de Nicolas Cage, que primero conseguí leer de la biblioteca y luego lo compré con la dedicatoria de su coautor Paco Alcázar, donde se hace un repaso con mucho humor e ironía a la filmografía de este actor)

Con el argumento básico que tiene esta película titulada Pig, que protagoniza el citado Cage en el que sería el debut como director de Michael Sarnoski, uno puede pensar que estamos ante el enésimo film de venganza, pero esta vez poniendo como "excusa" la cerda del protagonista (total, ¿no era un perro el que hacía lo mismo en John Wick?). Pero para mi sorpresa estamos ante un drama intimista donde sin duda Nicolas Cage hace una interpretación contenida (para lo que suele ser habitual en él), a lo que también destacar la buena química que tiene con el personaje encarnado por Alex Wolff, ya que aunque inicialmente puedan parecer totalmente opuestos entre si (sólo relacionados por el negocio de las trufas), el desarrollo de la historia culminará en el entendimiento mutuo entre ambos, cada uno de ellos por sus diferentes razones personales.

La historia comienza presentándonos a Rob, el personaje encarnado por Nicolas Cage: se trata de un ermitaño de pocas palabras que vive al margen de la sociedad en una remota cabaña en Oregon, con la única compañía de su cerda trufera, un magnífico animal con un gran instinto para descubrir dicho manjar. Las que encuentra se las vende esporádicamente a Amir, el personaje de Alex Wolff, que a cambio le cubre las necesidades mínimas para poder sobrevivir en dicho ambiente (a destacar cuando le dice a Rob que cualquier día se lo encontrará muerto) Bien pronto se hace evidente el contraste entre ambos, porque mientras Rob se desentiende de todo, lo que le lleva a vivir (y parecer) un andrajoso vagabundo en armonia con la naturaleza; Amir si le da gran importancia a las apariencias, lo cual queda evidenciado en el coche deportivo en el que viaja, así como en lo extraño que se ve fuera del paisaje urbano por el que está acostumbrado a transitar. 
 
Todo parece ir más o menos bien en este aparente marco idílico, aunque uno ya sospecha (y luego la historia confirma) que fueron traumáticos los motivos que llevaron al protagonista a llevar varios años viviendo al margen de la sociedad. Pero un día unos desconocidos le secuestran a la cerda y eso marcará su decisión de recuperarla, sea al coste que sea. A partir de ahi uno esperaría las consabidas dosis de violencia del protagonista en pos de alcanzar su objetivo, pero pese a que la hay, tan sólo aparece esporádicamente. A cuentas de la búsqueda que emprende Rob de su cerda necesitará un compañero de andanzas, el cual será un Amir que en principio lo desprecia (hay un momento en que se lo dice bien a las claras), pero que poco a poco lo irá comprendiendo, hasta establecerse una simbiosis entre ambos en la que mientras uno se enfrenta a los temores de su pasado (ya que paulatinamente se irá desvelando los detalles que le llevaron a vivir en la situación en la que vive), el otro superará la larga sombra de un progenitor que le ha marcado siempre los límites. 
 
En un principio la búsqueda desesperada del animal por parte de Rob puede parecer algo exagerada, cual si el personaje no estuviera en sus cabales, pero más allá de eso uno empatiza con su amor por su mascota, la única compañía que tiene en su autoimpuesta soledad, aunque también sea su fuente de ingresos por las capacidades truferas de la misma. Lejos de los histrionismos a los que a veces nos tiene acostumbrados Nicolas Cage (y que bien podría haber explotado aqui), su trabajo actoral en este film es sutil, introspectivo y pausado, algo que le transmite a la propia película, cuyo ritmo es bastante tranquilo (algunos dirán que incluso demasiado lento) en sus 92 minutos de metraje divididos en tres actos. En resumidas cuentas Pig es una cinta sin excesos, introspectiva y tranquila, pero que resulta un acertado drama sobre el hecho de superar una pérdida traumática.
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viernes, 27 de mayo de 2022

CAMERA CAFÉ: LA PELÍCULA, ¿nostalgia televisiva? (crítica sin spoilers)

En lo que se refiere al tema del humor, los gustos de cada cual son muy subjetivos, con lo cual lo que para uno puede ser gracioso, igual otra persona no le ve ni gota de gracia. Estrenada el pasado mes de marzo recupero ahora Camera Café: La película, que como su mismo título indica es la versión para la gran pantalla de la muy popular serie española que se emitió en la primera década de este siglo. De hecho hay que reconocer que, estrenada en 2005, consiguió durar en emisión cuatro años (hasta 2009) basando todo su humor (que no era poco) en chistes entre surrealistas y esperpénticos que funcionaban muy bien al estar englobados en unos pequeños gags que nunca superaba los cinco minutos de duración.

¿Y de que iba esto? Pues para los que no lo recuerden (o no lo vivieran en su momento) se trata del día a día de una oficina, con las andanzas de sus respectivos trabajadores (cada uno con una personalidad muy marcada) y sus comentarios mientras conversan al lado de la máquina de café de la oficina, cuya cámara los enfocaba (sin que lo supieran) y nos descubría sus secretos. Pese a que pueda parecer algo que no da para mucho, la verdad es que Camera Café triunfó gracias a unos personajes carismáticos que no dejaban de representar estereotipos muy comunes, de los que no hacía falta saber nada más allá del ambiente laboral porque sólo con lo que vivian en su rutina laboral diaria era más que suficiente para hacernos reir (yo en su día fuí fan porque era un humor sencillo y rápido que se consumía muy bien)

Al ser un producto televisivo de episodios muy breves, que siempre transcurría en un mismo escenario, su traspaso a película parecía dificil, por lo que en lo que sería el debut de Ernesto Sevilla como director, se ha optado por coger a los personajes y mostrar (¡por fín!) la oficina en la que trabajan, así como conocer un poco más (tampoco mucho) como son ellos fuera del ambiente laboral, centrándose sobretodo en el personaje a cargo de Arturo Valls. ¿El problema? Pues el mismo que tantas y tantas series con formatos específicos (que van desde los 30 minutos de media por episodio de las sitcoms a otras donde cada entrega ronda una hora): que al pasar a formato extenso han tenido que variar su propia esencia, convirtiéndose en un homenaje nostálgico más o menos acertado al producto original, pero en donde se pierde la chispa y el ingenio que caracterizaba al mismo.
 
Con esto me vengo a referir a que intentando dar un hilo de continuidad a la historia para que no se consumiera tan rápido como los escuetos gags de la serie original, el guión vendría a ser una sucesión de momentos con mayor o menor gracia pero soltados un poco aleatoriamente, con la esperanza de que alguno consiga la sonrisa del espectador (y tengo que reconocer que algunos lo logran), pero en donde en ocasiones otros quedan dispersos, como sin acabar de entenderse su justificación más allá de que uno tenga algo de "manga ancha" a la hora de asumir el absurdo que caracterizaba a esta serie en origen. La pugna entre las filiales dirigidas por los personajes de Arturo Valls y Ana Milán (la que pierda cerrará) es la leve excusa argumental para hilar algo parecido al surrealismo del producto televisivo, en una película donde sin duda se ve la voluntad de sus responsables, pero la misma no se acaba de reflejar en unos resultados óptimos.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de marzo de 2022.

jueves, 26 de mayo de 2022

LA VUELTA AL CAMPO: EDICIÓN INTEGRAL / CONAN EL BÁRBARO: WHAT IF? / TARZAN: EL SEÑOR DE LA JUNGLA / LADY KILLER (1 y 2)

LA VUELTA AL CAMPO: EDICIÓN INTEGRAL

Aunque me guste el comic en líneas generales, hay estilos que me apasionan más que otros, y uno de ellos es sin duda es el de la tira cómica. Ahi hay clásicos como Snoopy, Mafalda, etc. pero ahora he descubierto uno igual de digno... aunque con matices. El mencionado formato tiene asociado el hecho de ser de una a cuatro viñetas (como tónica general) en la cual se desarrolla el respectivo gag, pero nunca extendiendose más allá de esa "tira" de aproximadamente un cuarto de folio. Pero en los seis albumes de La vuelta al campo que están recopilados en este tomo integral que he descubierto en la biblioteca cada "tira" ocupa media página, repartidas de entre una a seis viñetas (en dos filas de tres y tres) El duo conformado por Jean-Yves Ferri al guión y Manu Larcenet al dibujo funciona de maravilla en esta obra.

¿Y de que va La vuelta al campo? Se trata de las muchas anécdotas que le ocurren al dibujante Manu Larssinet y su pareja Mariette cuando deciden dejar atras el urbanístico ambiente de la ciudad de Paris para comprarse una casa de campo en la ficticia localidad de Ravenelles. Como es lógico muchos de los chistes se centran en el evidente choque cultural entre la pareja cosmopolita y los peculiares habitantes de la citada ciudad rural y sus curiosas costumbres. A lo largo de un periodo de tiempo que se extiende desde el album inicial publicado en 2002 hasta el sexto con fecha de salida en 2019 la historia tiene una evidente y progresiva continuidad, con una evolución introspectiva por parte de los personajes, pero sin nunca olvidar la diversión, haciéndola una lectura muy recomendable para pasar un buen rato.

CONAN EL BÁRBARO: WHAT IF?

Hay personajes tan asociados a una estética determinada que resulta extraño (y suele levantar quejas) cuando se hacen cambios demasiado radicales. En lo referente al famoso cimmerio Conan no hace tanto pude ver las críticas que levantó el hecho de tenerlo en la alienación de los Salvajes Vengadores, aunque los comics que he podido leerme de la misma me han resultado bastante entretenidos. Pero esa no ha sido la primera vez que se mezclaba al personaje con el universo Marvel, ya que estuvo en varios números de la cabecera What If? que se recopilan en este tomo que encontré en la biblioteca, tres correspondientes a la primera etapa (entre finales de los setenta y mediados de los ochenta) y uno de su segunda etapa (ya situada en la década de los noventa)

Resulta una lectura curiosa, que en su momento fue innovadora (al menos el primer número fue todo un éxito de ventas, contando con dos autores de renombre como Roy Thomas y John Buscema) De las cuatro historias digamos que la primera sitúa a un perdido Conan en nuestra época (1977) aunque luego al final consigue volver, si bien la tercera historia fantasea con el hecho de que eso no hubiera sido posible, y como se hubiera integrado el personaje en nuestro mundo. Pero aparte de ser él quien viaja, también está la opción inversa, estando la segunda y la cuarta historia respectivamente centradas en el hecho de que en la Era Hyboria de Conan apareciera en el primer caso el asgardiano Thor y en el segundo el mutante Lobezno. El resultado global es correcto, destacando el primer relato por méritos históricos.

TARZAN: EL SEÑOR DE LA JUNGLA

Tarzán es un personaje mítico, de más de un siglo de antigüedad (nacio literariamente en 1912 de la mano de Edgar Rice Burroughs), y que es conocido por varias generaciones a través de las muchas adaptaciones en todo tipo de formatos que ha habido de sus aventuras, algunas de ellas auténticos clásicos. En este caso me he leído de la biblioteca una adaptación en viñetas de la novela primigenia del personaje, editada en origen en el mercado francobelga del comic, con guión de Christophe Bec y un acertado apartado gráfico de Stevan Subic, que destaca sobretodo en el tramo inicial, cuando las viñetas definen casi por si mismas como fue la dura infancia del joven primogénito del matrimonio Clayton y heredero de los Greystoke, cuando fue adoptado de bebé por unos primates.

Esta adaptación también destaca en su prudencia a la hora de adaptar un texto literario que vió la luz en una sociedad que era más machista, colonialista y racista que la actual, aunque va dejando pequeños detalles en algunos comentarios que dan muestra de ello. También se muestra cauto cuando se conocen Tarzán y Jane, sin idealizar demasiado (aunque si lo hace evidente) el atractivo mutuo que sienten, todo ello en una trama con dos partes tan bien diferenciadas como bien cohesionadas, pero en la que el tramo inicial no escatima la violencia derivada de intentar sobrevivir en un ambiente duro y cruel como es la jungla. En resumidas cuentas una buena adaptación que respeta el material original si bien matizando y modificando detalles que pese a todo ofrecen un resultado global bastante destacable.

LADY KILLER (1 y 2)

En la serie de televisión Dexter su protagonista (encarnado por Michael C.Hall) mantenía una doble vida como forense de la policia y asesino en serie, aunque siempre con un código moral que le habían inculcado para matar tan solo a quien se lo mereciera. Es imposible no recordarse de la citada serie leyendo esta Lady Killer, pero ambientándolo todo a mediados del siglo pasado, y con una protagonista (la fascinante Josie Schuller) que tiene que conciliar su vida familiar (con esposo, dos hijas y suegra) con su trabajo "oculto" para una agencia como asesina a sueldo. Logicamente dicha dicotomia no podrá llevarla para siempre, y el primer tomo se centra en las dificultades entre lo que es y lo que aparenta, en un comic muy notable que sabe recoger en sus viñetas el estilo gráfico de la época en la que se ambienta.

El (merecido) éxito del primer volumen, que recoge los cinco números de la serie inicial, llevó a un segundo de la misma extensión, que continúa el relato tras lo acontecido al final del primero. En el mismo la protagonista se verá metida en una historia que vuelve a ser tanto una visión costumbrista de la sociedad de aquellos años (con una muy acertada crítica social de la época), como una historia con bastante humor negro y una sucesión de atrocidades con las justas dosis de violencia (buen uso del color por parte de Laura Allred en el primer tomo y Michelle Madsen en este segundo) En ambos tomos el guión y el dibujo son de Joëlle Jones, que hace un trabajo notable (y a nivel de ambientación yo diría que excelente) que deja con las ganas de un tercer tomo, ya que la historia se presta a dicha posibilidad.

sábado, 21 de mayo de 2022

CHIP Y CHOP: LOS GUARDIANES RESCATADORES (crítica sin spoilers)

La ¿estrategia? de Disney es como mínimo bastante curiosa: hace unos meses estrenaron en su plataforma de pago la película Red de Pixar, que claramente tendría que haber tenido vida en las salas de cine (que no le concedieron), y ahora estrenan esta Chip y Chop: Los guardianes rescatadores que, una vez vista, podía haber tenido potencial para llegar a los cines (aunque me imagino que las dudas sobre lo que era en origen este proyecto fue lo que les decantó para que se estrenará en Disney Plus) Y es que en un principio esto iba a ser la contraréplica al éxito de las películas de Alvin y las ardillas, con lo que su "potencial" podía verse reducido al valorarse tan solo como una "variación" de un éxito preestablecido, por lo que su destino final para la plataforma de streaming parecía lo más lógico y menos arriesgado.

Pero por el camino (el proyecto original data del 2014) se han cambiado muchas cosas, y para sorpresa de un servidor... ¡ha sido para bien! Si en 1988 la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? de Robert Zemeckis hacía la fusión definitiva entre nuestro mundo real y el de los dibujos animados (algo con lo que siempre había coqueteado el cine casi desde sus inicios), muchos son los ejemplos que han intentado una jugada más o menos similar (sin ir más lejos el pasado año 2021 Space Jam: Nuevas leyendas) pero pocos los que han acertado. Ahora con esta Chip y Chop: Los guardianes rescatadores tenemos el ejemplo del film que logra coger el relevo, aunque no logre superarlo, del clásico dirigido Robert Zemeckis que encandiló a varias generaciones.
 
Esta película creo que es tan divertida y entretenida para adultos como para niños, algo de lo que muy pocas se pueden vanagloriar ya que generalmente se entiende el cine infantil como algo sólo apto para los más pequeños, mientras que a los mayores puede parecerles un producto mejor o peor, pero no específicamente orientado hacia ellos. Si, es cierto que hay excepciones, pero sorprende que esta sea una de ellas ya que es un film con inesperados toques satíricos sobre el estado de la animación y del cine actual, que viene bajo el sello de toda una corporación como es Disney. Tomando como ejemplo el citado film de Roger Rabbit de 1988, que tendrá su referencia aqui, uno podría pensar que se repetiría el ejemplo de la antes citada Space Jam: Nuevas leyendas de insertar, aunque fuese algo forzado, TODAS las franquicias de la compañía. O sino la transformación, allí también vista, de la animación tradicional a ese 3D que se ha puesto de moda ultimamente, en algunos casos restando todo el encanto del original. Hay tanto de lo uno como de lo otro aqui... pero bien encauzado se consigue ir más allá incluso con referencias ajenas a Disney.
 
Y es que con lo citado era previsible que el bastante amplio catálogo de esta productora saliera por aqui, pero bien pronto queda claro que no se ciñen solo en ellos, con la inclusión multireferencial más amplia que he visto en mucho tiempo (estamos ante uno de esos films que se repiten con agrado para poder pillarlas todas, porque hay una barbaridad), en la que incluso tiene cabida la versión descartada de cierto erizo, al que además dotan de la conciencia suficiente como para que tenga bien asumido su condición. Ese sería uno de la gran infinidad de cameos o referencias que hay en esta película que tiene más presencia en pantalla, ya que muchos otros son tan breves y escuetos que apenas te permiten esbozar una sonrisa ante el ingenio de lo planteado (de ejemplo cuando tocan franquicias ajenas) Porque en el fondo la historia es una sátira sobre el mismo Hollywood, en su eterna idea de reciclar conceptos de éxito en el pasado para así poder garantizarse un futuro, en este caso centrado primordialmente en la industria de la animación, con el objetivo puesto en el tráfico de esas copias piratas de éxitos de taquilla, aqui con personajes remodelados exprofeso para ellas.
 
Chip y Chop nacieron en origen en 1943 como dos ardillas traviesas que eran secundarios en los cortos de los personajes usuales de la popular factoria (como Mickey Mouse o el Pato Donald por ejemplo), pero en la década de los años ochenta Disney los reimagino como unos aventureros, en la serie Los guardianes rescatadores. La diferencia sutil está en que aqui se imagina que la misma no era dibujada sino actuada, centrándose la historia en el reencuentro de ambos amigos (que se conocían desde el instituto, y se separaron por discrepancias hacia como orientar sus carreras) cuando se ven inmersos en una trama de misteriosas desapariciones. La gracia está desde su misma concepción, ya que mientras Chip acabó como agente de seguros, Chop se hizo la cirugía para transformarse en un personaje digital. A partir de ahi se verán inmersos en una historia quizás algo esquemática en su concepto o en la definición de ciertos personajes, pero destacable ejemplo final de que se puede hacer buen humor metareferencial incluso, como en este caso, en lo que a priori parecía un producto menor.
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viernes, 20 de mayo de 2022

JUJUTSU KAISEN 0, la precuela del popular shonen (crítica sin spoilers)

Los éxitos de un pais es raro que se puedan exportar a nivel de todo el mundo, ya que el público mayoritario que acude a las salas de cine está más acostumbrado (en líneas generales) a las películas que se estrenan de Estados Unidos, siendo tarea dificil que films que provengan de otro destino logren triunfar como los que vienen de Norteamerica. De todas maneras en la variedad está el gusto, por lo que no soy reacio a probar lo que se tercie siempre que pinte bien, y por eso decidí ir al pase de Jujutsu Kaisen 0, pese a que soy consumidor bastante esporádico de anime, y no tenía ninguna expectativa previa sobre esta película ya que ni he visto la serie, de la que esta película se puede considerar precuela, ni he leído el manga de Gege Akutami. Esta cinta en su estreno en Japón logró estar 5 meses en las carteleras, con un éxito que la ha situado entre las películas de animación japonesas de mayor éxito de toda la historia, aunque en principio fue publicada en 2017 como historia autoconclusiva, luego integrada al resto por su autor.

No voy a negar que meterse en una franquicia como la del presente caso sin tener ningún tipo de experiencia previa podría ser un handicap de cara a no acabar de entender las referencias que me ofreciera este film. Pero en mi decisión para ir a verlo estuvo también condicionado el hecho de haber leído críticas previas que citaban que era una precuela que servía tanto para dejar contentos a los seguidores de Jujutsu Kaisen como para llamar la atención a aquellos que no hubieran tenido ningún contacto previo con dicha saga (como era mi caso)

El resultado final admito que ha sido satisfactorio, ya que estamos ante una historia que en su esquema básico puede recordar a la rivalidad entre los X-Men de Marvel (en esta película hay dos formaciones de personajes con capacidades especiales enfrentados entre si) mezclados con la magia más oscura de Harry Potter (de hecho el protagonista va a parar a la Escuela de Hechicería de Tokio) y ciertos toques a lo Men in black (en este caso no persiguiendo alienígenas sino maldiciones, que son representadas cual si fueran grotescos yokais) Por lo tanto Jujutsu Kaisen 0 es perfectamente entendible y disfrutable por todo tipo de espectadores: desde los que tienen experiencia previa con esta saga (y pillarán los guiños a la misma) a los que, como en mi caso, iba totalmente en blanco sin ninguna idea preconcebida de lo que iba a ver, ofreciendo 105 minutos bastante entretenidos.

La película nos presenta a Yuta Okkotsu, un estudiante de instituto que arrastra consigo una trágica maldición: cuando era pequeño asistió a la muerte accidental de Rikka, la que fue su amor de la infancia, provocando que su espíritu quedara adherido al cuerpo de Yuta, otorgándole ciertos poderes "especiales". De cara a intentar controlar dichas "habilidades" el gran hechicero Goju Satoru le ofrece asistir a su Academia de Hechicería, donde Yuta conocerá a otros alumnos de la misma como Maki, Toge y Panda, con los que establecerá una relación de amistad que se irá afianzando a lo largo de la película mientras intentan combatir a un enemigo común. Con un buen trabajo de animación la película consigue equilibrar bien los elementos que maneja, otorgando un acertado ritmo al conjunto, pese a ciertos personajes que quizás quedan algo esquemáticos, probablemente al tener un mayor desglose más allá de las fronteras del presente film.
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