martes, 2 de abril de 2013

EFECTOS SECUNDARIOS de STEVEN SODERBERGH, cuando los medicamentos generan otro tipo de problemas de peor solución

FICHA TÉCNICA

Título: Efectos secundarios
Título original: Side Effects
Dirección: Steven Soderbergh
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 05/04/2013
Duración: 106 min.
Género: Criminal, Drama, Thriller
Reparto: Rooney Mara, Carmen Pelaez, Marin Ireland, Channing Tatum, Polly Draper, Haraldo Alvarez, Jude Law, James Martinez, Vladimi Versailles, Jacqueline Antaramian, Catherine Zeta-Jones
Guión: Scott Z. Burns
Distribuidora: eOne
Productora: Endgame Entertainment, Di Bonaventura Pictures

SINOPSIS

En teoría, Emily y Martin (Rooney Mara y Channing Tatum) lo tenían todo en la vida. Eran felices, con buenos trabajos y mucho poder de seducción. No tenían nada que envidiar al resto de parejas de Nueva York. Pero, en la práctica, Emily está tan deprimida que ha intentado suicidarse. Por eso ahora busca la ayuda de su psiquiatra, el doctor Jonathan Banks (Jude Law). Éste le receta un medicamento contra la ansiedad que, en principio, da resultados positivos. Pero, a medida que avanza el tratamiento, el fármaco provoca unos terribles efectos secundarios sobre las personas que rodean a Emily.

CRÍTICA

Lo nuevo de Steven Soderbergh parece continuar en esencia su trabajo visto en Contagio lo que pasa que ahora mirando a las enfermedades no con virús sino mediante su industria farmacéutica, aunque coincidiendo con aquella en un reparto atractivo (del citado film repite Jude Law uniéndose a él Rooney Mara, Catherine Zeta-Jones y Channing Tatum, cada vez más emergente y que ya trabajó con el director en su anterior Magic Mike)

El inicio del film puede ser el más convencional (a nivel dramático) y que descoloque un poco a los que vayan pensando en ese thriller de intriga prometido por algunas críticas previas, ya que el mismo tan solo nos sirve para que nos muestren los problemas psicológicos del personaje de Rooney Mara tras que su marido en la ficción (encarnado por Tatum) entre en prisión, y su posterior salida (con la depresión que ello le conlleva) y como su psiquiatra (encarnado por un convincente Jude Law) le receta diferentes medicamentos para sobrellevar su situación tras un primer intento de suicidio.

¿Que pasa a partir de ahi? Se produce un hecho importante que nos hace dudar sobre si la culpa del mismo la tendrá la protagonista o habrá sido causada por un efecto secundario de un medicamento recetado por mala práxis médica. A partir de ahi se establece el esperado thriller de suspense donde los espectadores congeniaremos con el personaje de Law, que parece verse metido en un lio que puede destrozar tanto su carrera como su vida personal. Y aunque podemos pensar que el personaje de Mara igual es inocente, tal y como nos plantean la situación parece que sea una víctima de los hechos.

¿Y al final que pasa? Como es natural eso no lo voy a decir porque es un gran spoiler pero digamos que en su último tramo las vueltas que ha dado la historia han sido tantas que se opta por una solución que a mi modo de ver peca de pretenciosa por su desesperado intento de que nos cuestionemos todo lo visto hasta ese momento, hasta el punto de que el personaje principal resulta más creíble en lo que es la ficticia historia que luego al final donde se descubre la verdad.

No es un mal final pero en su búsqueda desesperada de impactar al espectador creo que usa (de manera leve) elementos sexuales (ahi entra el personaje de Zeta-Jones) cual si fuera un simple heredero de los thrillers que se estilaron en los noventa tras el éxito de Instinto Básico. El resultado final es una película entretenida (no lo negaré), con buenas actuaciones (sobretodo por parte de Law y Mara) pero supongo que a un director como Soderbergh siempre se le pide ese "algo más" que aqui no ofrece, cumpliendo tan solo la papeleta con profesionalidad pero sin garra.

LO MEJOR: El inicio (porque aún no sabemos que pasará) y el centro del relato (cuando se nos hace cuestionar lo sucedido) así como las actuaciones de Mara y Law.

LO PEOR: Lo rebuscado de la resolución final, así como la (moderada) inclusión sexual en el personaje de Zeta-Jones.

jueves, 28 de marzo de 2013

LOS ÚLTIMOS DIAS, el apocalípsis al lado de mi propia casa

FICHA TÉCNICA 

Título: Los últimos días
Título original: Los últimos días
Dirección: Àlex Pastor, David Pastor
País: España
Año: 2013
Fecha de estreno: 27/03/2013
Duración: 102 min.
Género: Thriller, Aventuras
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Quim Gutiérrez, José Coronado, Marta Etura, Leticia Dolera, Mikel Iglesias, Ivan Massagué, Lolo Herrero, Pere Brasó, Pere Ventura, Pep Sais
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Eurimages, Morena Films, Antena 3 Films, Les Films du Lendemain, Televisió de Catalunya (TV3), Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Rebelion Terrestre

SINOPSIS 

La historia se desarrolla en la Barcelona de la actualidad: Marc (Quim Gutiérrez) percibe como día a día hay menos gente en las calles. En las noticias aparecen casos de gente que ha contraído una extraña enfermedad cuyos síntomas son similares a la agorafobia. Pero con una salvedad, esta te puede matar.

La epidemia parece extenderse a nivel global. Marc resulta infectado y se ve incapaz de abandonar el edifico donde se encuentra. Tras meses logra encontrar una salida y pide a Enric (José Coronado) que le ayude a orientarse por el subsuelo de Barcelona con su GPS. El objetivo: encontrar a Julia (Marta Etura), novia de Marc, de la cual no sabe nada desde que quedó encerrado.

Juntos, Marc y Enric recorrerán la peligrosa jungla suburbana en la que se ha convertido Barcelona. Afrontarán variedad de peligros y se verán obligados a recurrir a su ingenio para sobrevivir a los últimos días mientras el mundo se desmorona.

CRÍTICA

La anterior película de los hermanos Pastor, directores de este film, fue la muy destacable Infectados (Carriers) por la que incluso este blog consiguió su primera mención en el IMDB. Pero os aseguro que desconocía de este (su siguiente trabajo) hasta que hace poco me pusieron antes de Spring Breakers el trailer de este film, que enseguida me cautivó por su idea original de un mundo devastado tras una crisis mundial. La misma (y ahi radica la sorpresa) no ha estado motivada por aliens, terroristas, zombis o derivados sino por una extraña agorafobía mortal que ha afectado a toda la humanidad, impidiéndoles salir a sitios abiertos, malviviendo en edificios, por las cloacas o en los túneles del metro (¿guiño a los morlocks de La máquina del tiempo de H.G.Wells?)

Con la actual moda hacía apocalípsis de todo tipo y condición (sirva como ejemplo la serie de televisión The walking dead o su propio origen en comic) siempre resulta curioso eso de ver ciudades cosmopolitas convertidas en páramos desiertos, algo a lo que el cine americano nos ha acostumbrado en todo tipo de títulos (por citar un ejemplo, el Soy leyenda con Will Smith) pero la gracia en este caso sería el ver eso en una ciudad tan conocida como Barcelona, que es donde yo vivo, dando aún más esa sensación de cercanía que una foto de Nueva York, Londres o Paris en las mismas circunstancias.

Muchos podrán mencionar el ansia destructora de sus directores, ya que tanto su anterior film como este suceden en un planeta devastado por una pandemia, pero lejos de lo que con un producto así hubiera hecho el destructor oficial de Hollywood (hablo de Roland Emmerich, en cuyas películas ya se ha cargado el planeta de diferentes maneras) aqui los hermanos Pastor consiguen de nuevo centrarse en los personajes, tal y como hicieron en su opera prima, dejando a un lado las posibles explicaciones sobre el origen de la afección mundial (sólo en cierto momento se sugiere un patógeno expulsado a la atmósfera por un volcan, pero sin ir más allá de la simple suposición)

Entre los sitios conocidos que se ven en la película está el del Centro Comercial Gran Via 2 que tengo a pocos minutos de mi casa, por lo que la sensación de cercanía es aún mayor. Entremedio tanto de ese como de los otros lugares de Barcelona que aparecen en la película se desarrolla una aventura en la que la pareja protagonista (un solo correcto Quim Gutiérrez y un sorprendente José Coronado) iran en busca de sus seres queridos para intentar sobrellevar el final de la civilización tal y como la conocemos. En el accidentado trayecto de estos dos compañeros "forzosos" (ello se va explicando poco a poco) se aprecian ciertos valores como la amistad, la lealtad y el amor, aparte de las dudas sobre traer niños a un mundo devastado (y no digo más porque eso es spoiler)

Otro homenaje que detecto en el film es a 12 monos de Terry Gilliam, ya que si en aquel la fauna y los animales tomaban las ciudades abandonadas por los hombres, aqui hay un guiño claro con lo que acontece en la Iglesia adonde van a parar en su periplo por los subsuelos de la ciudad (y no sería el único porque ya solo la base de la película recuerda a El incidente de M.Night Shayalaman) De lo que peca quizás en exceso es del uso de los flashbacks, ya que la acción comienza 3 meses después del inicio de la plaga, por lo que para contarnos algo sobre los personajes (y situárnoslos en el antes y el después de ese apocalipsis) se abusa quizás demasiado del citado recurso narrativo.

Con la actual escasez de ideas que hay en Hollywood, no veo descabellado que esta película tenga remake, pero el ¿error? en el que podrían haber caido ellos lo tiene la propia película, en un supuesto final que da pie a la esperanza a cuenta de unos saltos temporales demasiado forzados y en donde nos queda una conclusión que parece más digna de la moralina del Spielberg más conservador que de una propuesta patria con ánimos de emular el cine espectacular y apocalíptico de Estados Unidos. ¡Ojo! que a mi no me desagrada, y da pie para múltiples lecturas, pero es sin duda el detalle que más puede disgustar a sus espectadores.

LO MEJOR: Todo lo bueno del cine de apocalipsis, esta vez situado bien cerca de mi casa. Y además destacable la premisa argumental, que se sale de la tónica quizás demasiado abundante ahora mismo de los zombis.

LO PEOR: Demasiados flashbacks al inicio para situarnos y definirnos a los personajes, así como un final esperanzador que rompe la tónica mantenida hasta ese momento.

martes, 26 de marzo de 2013

POSESIÓN INFERNAL (EVIL DEAD), un destacable remake

FICHA TÉCNICA

Título: Posesión infernal (Evil Dead)
Título original: Evil Dead
Dirección: Fede Alvarez
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 05/04/2013
Duración: 91 min.
Género: Terror
Reparto: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Jessica Lucas, Lou Taylor Pucci, Elizabeth Blackmore
Guión: Sam Raimi, Diablo Cody, Rodo Sayagues Mendez
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Ghost House Pictures, Sony Pictures Entertainment (SPE), FilmDistrict

SINOPSIS

En este remake de la película de culto dirigida por Sam Raimi en 1981, cinco veinteañeros se ven obligados a refugiarse en una cabaña de madera en mitad del bosque. Allí descubren un misterioso libro que habla de muertos, demonios y posesiones infernales. Aunque al principio no le hacen caso, poco a poco van experimentado las terribles consecuencias de haber despertado a la bestia. Mia (Jane Levy) es la única que puede hacer frente al poder del mal.

CRÍTICA

Parece que los distribuidores aprenden del error cometido el pasado año 2012 con la destacable La cabaña en el bosque (retrasada varios meses y al final no estrenada en cines) y veremos el remake de Posesión infernal el mismo día de su estreno americano. Lo que yo no pensaba es que el pase de prensa me permitiría disfrutarla incluso más de una semana antes de ese 5 de abril marcado por todos los fans de la película original, y que tienen ganas de ver que tal está el remake.

Con las elogiosas críticas previas a su estreno uno acude a ver el film con las lógicas reservas (¿será para tanto?) entre lo que hizo un ahora consagrado Sam Raimi y lo que ofrece un primerizo Fede Alvarez, por más que el resultado final tenga el beneplácito del artista original. La película que dió pie a este remake me queda lejana en la mente (no recuerdo si la ví completa o no) pero me transporta a principios de los 90, cuando el terror en televisión estaba de la mano de programas como Noche de lobos de Antena-3, y en donde aparte de títulos como el original descubrí entre otras las maravillas clásicas de terror de la productora Hammer.

En la actualidad la noticia de cualquier remake es motivo de polémica, porque en muchos casos desvirtua los logros del film original de cara a entregar un frío producto de merchandising del gusto del mayor número de espectadores posible (ejemplo claro podría ser el reciente remake de Desafio Total) En el caso de una película como Posesión Infernal el gore de aquellos años podría uno pensar que ha sido suavizado para estos tiempos de corrección política... pero si pensais eso estais MUY equivocados.

Sin temor a equivocarme creo que esta es la película comercial más gore que he visto en mucho tiempo: beneficiada quizás porque la vertiente más sangrienta del género esté ahora más o menos admitida entre el público general gracias al éxito de la serie de televisión The walking dead el film no se corta a la hora de mostrarnos escenas que asombraran, asustarán y/o asquearán a partes iguales (dependiendo del aguante de cada uno) pero que sin duda alguna no defraudarán a los que quieran ver correr la sangre (y otros fluidos) a borbotones.

¿Es por tanto un buen remake? Pues he de decir sin duda y rotúndamente que SI: lo mismo que El origen del planeta de los simios fue un digno reboot de su saga o La matanza de Texas de Marcus Nispel una gran revisión del film original (no así todos los sucedaneos que han salido después) esta nueva versión del primer título de la trilogia de Sam Raimi (que ya tiene más de tres décadas) resulta una muy buena revisión del espíritu con el que se hizo la película de 1981, pero adaptado a los nuevos tiempos.

¿Entonces estamos ante un nuevo clásico? Puede que si, puede que no (su aceptación en taquilla lo dirá) pero aunque parte de material conocido y del que el género del terror ha abusado hasta la saciedad (la al inicio citada La cabaña en el bosque podría bien ser un homenaje en plan reality, y es que el unir a unos cuantos jóvenes y un lugar tenebroso ha dado para innumerables títulos y todo tipo de versiones y variantes) el film no acaba de ser redondo no solo por la sensación de algo familiar (ya que lo que en  el lejano 1981 era nuevo ahora es tópico y usual, si bien será una buena experiencia para las nuevas juventudes) sino por un final donde la sangre parece tapar la coherencia.

Insisto en que son detalles menores que no obstaculizan el disfrute de la película (sino no le daría mi equivalente a 4 estrellas sobre 5) aparte de los beneficiosos efectos colaterales que nos sugiere el film (me gusta la parábola que se puede establecer entre el infierno de las drogas y lo que experimenta la adicta de la historia al caer bajo las fauces del mal) Pero lo que surge en su tramo final tendría que nacer de la posesión de cinco almas (y lo dicen) por lo que me parece un poco aleatorio que suceda cuando EN NINGÚN MOMENTO coincide que hayan sido poseidos o estén muertos los 5 protagonistas (y cuidado porque lo uno no lleva implícito lo otro)

Eso nos lleva al otro punto cuestionable, que es dejar las puertas abiertas a una secuela (por ese lado no hay problemas) pero retrocediendo en uno de los personajes de manera un poco dudosa (la mete en ese sitio, luego la saca... ¿y ya está? Cuando lo veais sabreis a lo que me refiero) Eso si, ahi tendremos el mayor guiño al film original con motosierra y mano amputada, lo cual nos deja al nuevo equivalente al Ash de los films originales. Cuando ya todo acaba te das cuenta de que no has echado de menos a Bruce Campbell (actor que se dió a conocer gracias a estas películas) pero atención DURANTE y AL FINAL de los títulos de crédito donde se sugiere su presencia en futuras secuelas.

LO MEJOR: Entendiéndose como film comercial estamos hablando de uno de los de mayor gore que he visto en mucho tiempo. Pero al mismo tiempo como remake de la película original conserva su espíritu y la revisiona sin tapujos de cara a una nueva generación.

LO PEOR: Lo aleatorio de lo que le sucede a uno de los personajes en el tramo final (aunque pronto olvidado cuando se lía la que se lía, con guiños muy evidentes al film original)

LA DUDA: Dicen no haber usado el ordenador para los efectos especiales, algo que cuestiono en su primera muerte (la del prólogo y con fuego) aunque acepto en el resto.

lunes, 25 de marzo de 2013

GRANDES ESPERANZAS de MIKE NEWELL, con RALPH FIENNES y HELENA BOMHAM CARTER en una nueva adaptación del clásico de DICKENS

FICHA TÉCNICA 

Título: Grandes esperanzas
Título original: Great Expectations
Dirección: Mike Newell
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 27/03/2013
Duración: 128 min.
Género: Drama
Reparto: Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Jeremy Irvine, Jason Flemyng, Robbie Coltrane, Ewen Bremner, Holly Grainger, Sally Hawkins, David Walliams, Sophie Rundle
Guión: David Nicholls
Distribuidora: A Contracorriente Films
Productora: BBC Films, Number 9 Films, Lipsync Productions, iDeal Partners Film Fund, Unison Films

SINOPSIS 

Basada en la novela homónima del inmortal Charles Dickens la cinta es una nueva adaptación espera atraer al espectador al universo del genial novelista inglés. Narra la historia de Philip Pirrip (Jeremy Irvine), más conocido como Pip. Humilde huérfano que vive con su rigurosa hermana y el marido de esta. Durante una visita a la tumba de sus padres se encuentra con un convicto -Magwitch (Ralp Fiennes)- el cual, mediante coacción, consigue la ayuda de Pip para conseguir comida y herramientas con las que liberarse de sus grilletes.

Pasa un tiempo y Pip es enviado a casa de Miss Havisham (Helena Bonham Carter) para entretenerla. Miss Havisham es una mujer despechada que odia a todos los hombres ya que fue abandonada el mismo día de su boda. Allí conoce a la joven Estella (Holliday Grainger) que le robará el corazón. De forma imprevista, Pip -que se estaba preparando para ser herrero- recibe una herencia de un anónimo benefactor que pone como condición que vaya a Londres para ser educado entre la flor y nata de la sociedad londinense.

Al cabo de los años el protagonista vuelve para intentar conseguir el amor de Estella. Pero el oscuro origen de su fortuna, desconocido para él mismo, está a punto de salir a luz. Lo que originará que sus planes no marchen de la forma deseada.

CRÍTICA

Con permiso de William Shakespeare se puede decir que Charles Dickens es el novelista inglés más famoso, y sus obras son clásicos que han ido pasando de generación en generación, y que han tenido multitud de adaptaciones en todo tipo de medios (como es el cine) Aunque las más conocidas por la mayoría son David Copperfield, Oliver Twist y, sobretodo, Cuento de Navidad, otro de los grandes títulos de Dickens es Grandes esperanzas, que también ha tenido varias versiones siendo la más reciente la de 1998 dirigida por Alfonso Cuarón y con Ethan Hawke, Robert de Niro y Gwyneth Paltrow en los principales papeles, aunque ambientada en la actualidad.

Ahora nos llega esta nueva visión de la inmortal obra, adaptada en su tiempo original y con Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter como cabezas de cartel en un film dirigido por Mike Newell (responsable de títulos tan variados como Cuatro bodas y un funeral, Donnie Brasco, La sonrisa de Mona Lisa, Harry Potter y el cáliz de fuego o Prince of Persia: Las arenas del tiempo entre otros ejemplos) El mismo nos ofrece una versión clásica de la historia a todos los niveles, pecando quizás de un exceso de corrección y buenos modales, hasta el punto de que lo que tendría que emocionar no lo hace (por culpa quizás de una pareja protagonista demasiado sosa) dejando un resultado final correcto, concreto y entretenido como lo puede ser cualquier serie de época de la BBC (que, ¡mira tú por donde!, son productores de este film) pero sin hacerlo destacable.

Los actores más conocidos del reparto serían los únicos que pueden salvar la función (aparte de los antes citados mención también para Robbie Coltrane), pero sus papeles secundarios los hacen brillar de manera intermitente, si bien en el caso de Helena Bonham Carter es muy facil imaginársela en su rol de desequilibrada (personaje que le viene como anillo al dedo) si bien su actuación es más contenida de lo que uno podría imaginarse. El "relativo" problema radica no sólo en ser una versión quizás demasiado "británica y formal", con toda la corrección y el protocolo que uno presupone de ello (detalles como vestuario, maquillaje o ambientación estan bien logrados, algo usual en films así), sino en la lógica comparación que tendrá con las versiones anteriores (algunos clásicos del cine, como la de David Lean de 1946)

Y es que el mayor problema que tiene algo que dice ser nuevo es parecer antiguo (lo cual no significa que malo) que es lo que le ocurre a Newell en su versión de la obra: si adaptas a Dickens tienes que tener actores solventes que le den fuerza y vigor a los diálogos y las profundas emociones que tienen sus originales literarios. En el caso de los jóvenes Jeremy Irvine y Holliday Granger (que tienen a su cargo la pareja protagonista) pecan de una frialdad totalmente contraria a lo que se supone que nos tienen que transmitir (detalle que quedó mejor resuelto en la versión de Cuarón que en esta, por más que aquella fuera moderna) siendo algo patente sobretodo en ella donde no se ve por ninguna parte la supuesta seducción despiadada que ejerce su personaje.

LO MEJOR: Los secundarios Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter y Robbie Coltrane (aunque de manera desigual), así como la lógica (y esperable) corrección en los detalles técnicos (ambientación, vestuario, etc.) para lograr situarnos en el Londres de hace dos siglos.

LO PEOR: Que manejando material como para sacar un gran film se quede solo en entretenido por la fría labor del director (que hace que la palabra "clásico" sea más un defecto que una virtud) y por la sosa e insustancial pareja protagonista.

sábado, 23 de marzo de 2013

Recortables de DOCTOR WHO y trailer y precuela de THE BELLS OF SAINT JOHN, el capítulo inicial de la 2ª parte de la temporada 7


Los recortables de Doctor Who bajo estas líneas (que picando sobre ellos podeis ver más grandes) son parte de la galería fotográfica que le dedica Entertainment Weekly, y que teneis por este enlace, que se completa con la precuela y el trailer de The bells of St.John (que teneis justo sobre estas líneas), título del capítulo con el que dará inicio la segunda parte de su séptima temporada el próximo 30 de marzo.

jueves, 21 de marzo de 2013

BATES MOTEL, primera impresión de la precuela de PSICOSIS

FICHA TÉCNICA

Título original: Bates Motel (TV Series)
Año: 2013
Duración: 48 minutos
Pais: Estados Unidos
Director: Anthony Cipriano
Guión: Anthony Cipriano, Kerry Ehrin (Personajes: Robert Bloch)
Música: Chris Bacon
Fotografía: John S. Bartley, Tom Yatsko
Reparto: Freddie Highmore, Vera Farmiga, Max Thieriot, Nicola Peltz, Richard Harmon, W. Earl Brown, Brittney Wilson, Olivia Cooke, Nestor Carbonell
Productora: Universal Television / The Wolper Organization

SINOPSIS

Precuela contemporánea de la película Psicosis, que nos hace un retrato íntimo de cómo se desarrolla la psique de Norman Bates durante sus años de adolescencia. Los fans descubrirán su historia de trasfondo oscuro y retorcido y conocerán de primera mano cuán profundamente intrincada es la relación con su madre, Norma, y cómo ello ayudó a forjar a uno de los asesinos en serie más famoso de todos los tiempos.

PRE-CRÍTICA

Los asesinos en serie nacieron para la pantalla con Norman Bates en la magistral Psicosis de Alfred Hitchcock, en un ya muy lejano 1960. Y es que él fue el primero de la larga lista que vinieron después (Michael Myers, Jason Voorhees, Freddy Krueger, Hannibal Lecter, Dexter Morgan,...) por lo que no es de extrañar revisiones periódicas sobre los personajes, lo que en el caso de muchos de ellos ha derivado en remakes o reboots con mayor o menor acierto (sin contar con las muchas secuelas que han conocido la mayoría) A pocos días del estreno de Hannibal, serie que nos llevará al mítico protagonista de El silencio de los corderos a nuestras pantallas de televisión, toma la delantera esta precuela de la obra original de Robert Bloch, pero bajo los parámetros que hizo míticos Hitchcock hace más de medio siglo.

Ahora permitirme un inciso: los lectores de comics sabran que pese a que Spider-Man y la mayoría del Universo Marvel nacieron a mediados de los 60 del pasado siglo, han tenido progresivas reinterpretaciones, siendo la más conocida la de la cabecera Ultimate, que vendría a contar esos orígenes pero ambientados en la actualidad. Pues bien, para que os hagais una idea esto podría ser Ultimate Psicosis, o como habría sido el inicio de las andanzas del mítico Norman Bates, pero ambientado en la actualidad (de ahi la presencia de un elemento tan moderno como los iphones) en una trama que planta las semillas para que esto se convierta en una serie interesante (¿sufrirá acoso escolar el joven Norman?, ¿cómo evolucionará la posesiva relación con su madre tras el incidente de este episodio?), pero que en ningún momento quiere hacer olvidar sus orígenes (de ahi mi comparación con la cabecera Ultimate), al ser lo mismo pero narrado de manera contemporánea.

Al buen sabor de boca que me ha dejado este capítulo piloto influyen mucho los actores principales escogidos: como el famoso Norman Bates tenemos a un Freddie Highmore cuya caracterización de "outsider" en su nuevo instituto ya nos hace recordar (y aqui con mayor parecido físico) al original Peter Parker antes de convertirse en Spider-Man (más incluso que Tobey Maguire o Andrew Garfield) Que ahora a partir de aqui se frágue uno de los más míticos asesinos en serie de la ficción supongo que tendrá motivo de causa en su obsesiva y posesiva madre, encarnada con sorprendente veracidad por Vera Farmiga, que ha entendido a la perfección su personaje, mostrando a la perfección la enfermiza relación maternofilial que influenciaría al futuro matarife.

Los cinéfilos exigentes seguro que maldecirán esta serie, pero con el riesgo de equivocarme (valoro tan solo su capítulo inicial) no parece que vayan a ir por derroteros demasiado gastados en el género de asesinos en serie, sino centrándose en la pareja protagonista y lo que vayan viviendo desde su traslado al mítico motel que ha sido con el que ha dado el pistoletazo de salida este Bates Motel. Eso si, desconociendo como desarrollarán los detalles aqui tan solo perfilados (las vivencias de Norman con sus compañeros de instituto, la evolución de la madre tras lo que acontece en este capítulo inicial,etc.) no creo que esta serie pueda dar más allá de una o dos temporadas aunque siempre me puedo equivocar. De momento su primera tanda es de 10 episodios según su ficha en el IMDB (por este enlace).

LO MEJOR: Freddie Highmore y Vera Farmiga (o lo que es lo mismo, Norman y Norma Bates) que demuestran ser todo un acierto de casting, siempre con la vista al pasado del film de Hitchcock (porque recordemos que el personaje en su origen literario no era como el mundialmente conocido)

LO PEOR: El lógico peso de la herencia con la que parte, si bien de momento parece respetarla sin torcer por la vía facil en el género de psycho-killers (todo depende de como desarrolle lo que aqui plantea)

SPRING BREAKERS, las cachondas ex-princesitas DISNEY

FICHA TÉCNICA

Título: Spring Breakers
Título original: Spring Breakers
Dirección: Harmony Korine
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 15/03/2013
Duración: 94 min.
Género: Criminal, Drama, Comedia
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: James Franco, Selena Gomez, Ashley Benson, Vanessa Hudgens, Rachel Korine, Heather Morris, Lauren Vera, Emma Holzer, Gucci Mane, Ash Lendzion
Guión: Harmony Korine
Distribuidora: Vertigo Films
Productora: Radar Pictures, Muse Productions, Division Films, Iconoclast

SINOPSIS

¿Qué puede suceder cuando tus ganas de pasártelo bien nublan todo pensamiento racional? Esta es la historia de cuatro amigas que están dispuestas a todo para disfrutar de las vacaciones de su vida. Incluso cometer un delito. Candy (Vanessa Hudgens), Faith (Selena Gómez), Brit, (Ashley Benson) y Cotty (Rachel Korine) llevan un tiempo planeando las mejores vacaciones de su vida, pero les falta el dinero para llevarlas a cabo. Totalmente cegadas por su ansia de fiesta atracan un comercio e invierten todo el dinero conseguido en sus vacaciones soñadas. Durante unos días el descontrol lo ocupa todo, hasta que son arrestadas y acusadas del atraco.

Entra entonces en escena Alien (James Franco), que se transforma en su benefactor pagando su fianza y dándoles la libertad, pero espera obtener ciertos favores a cambio de su buena acción. Alien resulta ser un camello, además de chulo, que busca sangre nueva para su negocio. Así las chicas se ven inmersas en una espiral de droga, sexo y violencia que parece no tener fin.

CRÍTICA 

Aficionado como soy al cine y (sobretodo en su apartado gráfico) a los carteles de las películas, no voy a negar que cuatro chicas en bikini es suficiente incentivo para mi, y si a eso unimos que dos de ellas son ex-princesas Disney (Vanessa Hudgens y Selena Gomez) pues más morbo todavía. Recordemos que la primera se hizo famosa por High School Musical mientras que la segunda lo fue por Los magos de Waverly Place, en ambos casos franquicias del canal Disney. Y también en ambos casos sus relaciones sentimentales con Zac Efron la primera y Justin Bieber la segunda ayudaron a auparlas a ese olimpo de la fama adolescente, de donde suelen caerse a la misma velocidad que suben a él.

Junto a ellas dos el otro rostro conocido del reparto es el de James Franco, que se dió a conocer como Harry Osborn en la trilogía de Spider-Man a cargo de Sam Raimi, y que aqui luce un peinado que bien podría ser el equivalente al que su personaje tiene en los comics. A un nivel más bien televisivo está Ashley Benson (vista en la serie Pequeñas mentirosas) mientras que Rachel Korine es la esposa del director de este film, que reconozco es el primero que veo de un tipo que siempre se ha movido por el cine independiente y que con esta película tendría el que se puede considerar como título más comercial... aunque solo sea por los nombres citados.

Arrastrando la típica polémica en ese tipo de trabajos que parecen no tener término medio (algo así como el inicial Tarantino, que o te encanta o lo odias) la película es una crítica contra la vacía juventud actual, que se rige por modas de corta duración y en donde hay una continua búsqueda del hedonismo sin importar las condiciones para ello. En este punto es justo reconocer que esto sería una versión de sólo UNA PARTE de la juventud actual, porque es justo suponer que no toda es así, pero hay que ir precavidos contra muchos que si podrían estar representados por las alocadas jovencitas de esta historia, que parecen recien salidas de un reality de la MTV al estilo de Jersey Shore y sus múltiples derivados.

En ese sentido el personaje de Selena Gomez es el que actuaría como más inocente, y por tanto más realista (dentro de unos márgenes), pero como el director no sabe que hacer con ella se la quita de enmedio a media película (tranquilos, no como os pensais) Pero será cuando otra de ellas reciba un disparo accidental (aunque no, tampoco penseis que se la cargan así) cuando por fin parecen darse cuenta de donde se han metido. El problema son las dos que quedan, cuyo desfase final no es tan solo MUY estrafalario (¿ESTO QUE ES, un sucedaneo de Jungla de Cristal?) sino poco creíble, dando la sensación que ese viaje hasta el límite es el que tiene que hacer la juventud para madurar, aunque sea llevándose por delante a quien sea o saltándose todos los límites habidos y por haber.

Jugando a la estética visual más videoclipera el film peca de que lo que cuenta (te guste más o te guste menos, lo aceptes y compartas o no) es una mera excusa desgranada en poco más de 90 minutos pero donde sin duda sobrarían muchas escenas de simple relleno que no solo no aportan nada sino que me hicieron pensar que el director podría ser la versión independiente de Michael Bay porque por momentos tiene su mismo y frenético método de rodar (igual es de lo que se mete...) Y en este supuesto viaje iniciático de las muchachas creo que se provoca más de lo que se hace porque no me creo que el personaje de James Franco no actue como proxeneta de las cuatro chicas hasta el final sino más bien como su protector (¡con el morbo que hubiera dado abusar de la más inocente!)

De todas maneras resulta curiosa la opción elegida por las actrices citadas para quitarse de encima la estela infantil (donde les comenzó la fama) con una película arriesgada y no muy apta para sus jóvenes fans de televisión (por más que había un grupo de ellas a la sesión a la que asistí) Heredera de aquel film de 1994, Asesinos natos, que también jugaba a la provocación llevada al exceso (y cuyo guión original era de Quentin Tarantino), habrá espectadores que disfruten con este espectáculo digno de la MTV (ahora que aunque salgan tetas ninguna es de las protagonistas) y en donde parece que se justifique el llevar la vida hasta el límite tan solo por el aburrimiento de la monotonía. Lo malo es que de un "viaje" así uno no puede salir "de rositas".

LO MEJOR: Claro relato de lo que en España sería la generación "ni-ni" (ni estudia ni trabaja) pero que quieren vivir a tope de botellón en botellón (o como las protagonistas de la película, de fiesta en fiesta) sin importarles nada ni nadie.

LO PEOR: Si se quiere ser malo hay que llegar hasta el fondo, y el personaje de James Franco pedía a gritos el comportarse de manera más cabrona con todas ellas (ya lo dice el refrán: "quien juega con fuego acaba quemándose") Y eso es lo que les hubiera hecho falta a las dos del final, también demasiado exagerado y MUY POCO CREÍBLE.

lunes, 18 de marzo de 2013

UNA BALA EN LA CABEZA con SYLVESTER STALLONE

FICHA TÉCNICA

Título: Una bala en la cabeza
Título original: Bullet to the Head
Dirección: Walter Hill
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 22/03/2013
Duración: 92 min.
Género: Criminal, Thriller, Acción
Reparto: Sylvester Stallone, Sung Kang, Sarah Shahi, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Jason Momoa, Christian Slater, Jon Seda, Holt McCallany, Brian Van Holt, Weronika Rosati
Guión: Alessandro Camon
Distribuidora: eOne
Productora: Dark Castle Entertainment, After Dark Films, Millar Gough Ink, IM Global, Automatik Entertainment, Silver Reel, EMJAG Productions

SINOPSIS 

Sylvester Stallone encarna a Jimmy Bobo, el mejor asesino a sueldo de Nueva Orleans. En todos estos años ejerciendo una de las profesiones más dura del mundo, Jimmy jamás había tenido problemas debido a su trabajo, hasta que él mismo, pasa a ser el objetivo de una poderosa organización criminal. Conociendo lo bueno que es el Sr. Bobo en su negocio prefieren ir sobre seguro y secuestrar a su hija.

El encargado de cometer el secuestro y acabar con Jimmy no es otro que Keegan (Jason Momoa), un fornido exmercenario dispuesto a matar a nuestro protagonista a cualquier precio. Pero Jimmy no tiene sólo enemigos, un policía de Washington -Taylor Kwon (Sung Kang)- se ofrecerá a ayudarle en el rescate de su hija.

Ambos comenzarán a investigar al más puro estilo asesino a sueldo para dar con el paradero de su hija. Mientras, Taylor intentará convencer a Jimmy de que se comporte de una manera más policial. Es decir, no asesinando indiscriminadamente a todo aquel que se interpone entre él y su hija.

CRÍTICA 

De nuevo en pantalla Stallone busca suerte en aquello que se le da mejor, que es el cine de acción. Lo que pasa que lejos del multicameo que son las dos entregas hasta la fecha de Los mercenarios, aquí el protagonista de míticos personajes como Rocky o Rambo encabeza él solo un reparto donde el otro rostro más conocido sería el Jason Momoa (el que iba a ser el nuevo Conan del fallido remake estrenado hace un par de temporadas) en un título que parece recordarnos al cine de acción de los 80, todo sea porque viene firmado por Walter Hill (autor de, entre otras, Límite 48 horas o Danko: calor rojo) con un guión basado en el comic Du plomb dans la tête, de Alexis «Matz» Nolent y Colin Wilson, que no he leído en el momento de escribir esta crítica (por este enlace ficha técnica de la edición española)

Cabe citar que este título sufrió un retraso de varios meses en su estreno, lo que le hizo debutar en la taquilla yanki poco después de El último desafio, el film con el que volvía al cine Arnold Schwarzenegger tras una década en asuntos políticos. Teniendo en cuenta que ambos actores fueron las estrellas indiscutibles del género de acción durante los años 80 y principios de los 90 es curioso que sus primeras películas "en solitario" (tras el "retorno" antes citado que fueron las dos entregas de Los mercenarios) se hayan saldado con dos fracasos en taquilla, ya que Una bala en la cabeza apenas llega a los 10 millones de dólares en terreno americano, mientras que El último desafio se ha tenido que conformar con poco más de 12. ¿Se ha cansado el público del tipo de películas que solían hacer estos actores? Uno podría pensar que si, por lo que una vez que ya comenté el film con Schwarzenegger (teneis mi crítica por este enlace) ahora le toca el turno al film con Stallone.

De cara a ampliar su público potencial Sung Kang tiene en su haber un papel (compañero de fatigas del protagonista) que en inicio iba a ir para Thomas Jane (visto en la segunda adaptación del comic Punisher a la gran pantalla) lo cual actúa a favor y en contra del resultado final, porque por un lado otorga el control total de la función a Stallone pero por otro se echa de menos esa química que en su día tuvieron por ejemplo Mel Gibson y Danny Glover en la saga Arma Letal, y que aqui queda coja (pese a los múltiples intentos para lograrla) por la citada falta de carisma del actor de origen surcoreano, quedando todo el peso de la empatía con el espectador en manos del veterano Stallone (de hecho ejerce como mejor contrapunto de nuestro protagonista el villano encarnado por Jason Momoa que su supuesto colega en esta especie de homenaje a las buddy movies de los 80)

Por lo demás no se puede añadir mucho que no se haya dicho ya, porque en apenas 92 minutos de duración asistimos a todos los tópicos, clichés y similitudes que este tipo de cine propició (y de las que abusó) hace tres décadas: por citar tan solo un ejemplo, ¿cuantas veces no hemos visto al héroe de turno buscar venganza contra aquellos que mataron a su amigo, compañero, familiar o lo que proceda en cada caso?  Y eso citando detalles del guión, porque con la labor retro de Walter Hill como director, parece en todo momento que estemos ante un film de aquellos años si no fuera por los detalles de los móviles y el USB (lo único contemporáneo en la historia)

Ya sé que esta película actua más bien como homenaje al cine de aquellos años, pero si ya el mismo fue parodiado por Schwarzenegger en la infravalorada El último gran héroe hace ya 20 años, aqui Walter Hill nos ofrece un espectáculo que si bien no desentona con lo que uno espera (casí parece que hayamos viajado al pasado, incluso en la manera en que está rodada), si decepciona respecto a lo que uno desea (¿más de lo mismo... OTRA VEZ?) Menos mal que el caracter socarrón del protagonista Bobo (¡manda narices también el nombre que tiene!) al que da vida Stallone, y la buena forma física del actor (en clara edad de jubilación si viviera en España) consiguen hacer visible este film de rápido consumo y aún más veloz olvido.

LO MEJOR: Sylvester Stallone y Jason Momoa, cuyo duelo final con hachas de bombero es de lo mejor de este título, y cuya química como enemigos funciona muy bien (mejor que la que tendría que tener Sly con su compañero de aventuras)

LO PEOR: Lo que cuenta y como lo cuenta uno lo ha visto no una vez sino un ciento en películas del propio Stallone o de Van Damme, Norris, Willis o Schwarzenegger por lo que eso conlleva a estas alturas que todo funcione sincronizado y sin sorpresas de ningún tipo. Predecible desde el minuto 1.