CARRIE, adaptando la adaptación del relato de STEPHEN KING

FICHA TÉCNICA

Título: Carrie
Título original: Carrie
Dirección: Kimberly Peirce
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 05/12/2013
Duración: 100 min
Género: Drama, Terror
Calificación: No recomendada para menores de 16 años
Reparto: Chloe Moretz, Judy Greer, Julianne Moore, Gabriella Wilde, Ansel Elgort, Alex Russell, Portia Doubleday, Skyler Wexler, Michelle Nolden, Connor Price
Guión: Roberto Aguirre-Sacasa
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Screen Gems, Misher Films

SINOPSIS

Carrie White (Chloe Moretz) es una torpe y solitaria adolescente que es humillada constantemente por sus compañeros de clase, además de ser castigada y golpeada por su madre (Julianne Moore), una fanática religiosa. Pero Carrie esconde un secreto: Dios, o quien quiera que sea, la bendijo con el don de la telequinesis. El problema es que ella no quiere utilizar ese poder porque teme quedarse aislada para el resto de su vida y que la traten como a un monstruo. Sin embargo, cuando las humillaciones y la frustración pasan el límite de lo humano, la propia Carrie es incapaz de controlar ese poder.

CRÍTICA

Hablar de Stephen King es citar a unos de los más prolíficos autores de las últimas cuatro décadas, famoso sobretodo por sus relatos de terror, si bien en una carrera que empezó hace cuarenta años sus obras han tocado otros géneros. Buscando como siempre objetivos para nuevos films, su literatura ha sido objeto de varias adaptaciones, pero salvo ejemplos muy contados la calidad ha sido como mucho correcta y entretenida, destacando sobre el resto casos puntuales como los que nos obsequió Kubrick en su maravillosa adaptación de El resplandor (probablemente la mejor película basada en un relato de este autor) o Frank Darabont en La niebla y Cadena perpetua.

Otro de los títulos míticos sería Carrie, una de sus primeras novelas que tuvo ya adaptación hace 37 años de la mano de un gran director como Brian de Palma, que consiguió resultados notables para la época convirtiéndose sin problemas en un mito, en especial las escenas de una ensangrentada protagonista y su dosis de venganza contra sus humilladores. El mayor prejuicio que se puede tener sobre dicho título sería la edad de sus actores, porque siendo el más joven John Travolta (22 años en aquel 1976) no concordaba mucho que los 27 años (por aquel entonces) de la protagonista Sissy Spacek fueran una edad muy adolescente que digamos.

En ese aspecto es donde sale ganando este remake, sobretodo gracias al acierto de coger a Chloe Moretz como la sufrida Carrie, si bien aún en esas lides resulta demasiado guapa para como el personaje está presentado en la novela original.  Pero es Julianne Moore como su fanática religiosa y desquiciada madre quien tiene algunos de los mejores momentos de este remake (sin ir más lejos el inicial, con el perturbador nacimiento de Carrie, algo no visto en el film de 1976) siendo correcto el resto del reparto, a la espera de si alguno triunfa posteriormente como pasó en el original con John Travolta, Amy Irving, Nancy Allen o William Katt (este último mítico en los 80 con la serie de televisión El gran héroe americano)

De todas maneras resulta triste que se invierta en realizar remakes tan innecesarios como este, porque fuera de actualizar al clásico de Brian de Palma, el resto circula por los mismos cauces que su película, por lo que más que poner en los títulos de crédito que es una adaptación de la novela de Stephen King se tendría que haber puesto que es una adaptación de la adaptación que tuvo en 1976 la novela de Stephen King, ya que la directora viene a actualizar detalles sobre una idéntica base, al estilo de lo que hizo Gus Van Sant en 1998 con el remake de Psicosis (cuyo poster también rompía uno de los momentos clásicos de la película, al igual que le pasa a esta Carrie con posters como el adjunto u otros más reveladores)

Pero lo que ganamos en actualizarla lo perdemos tanto en sorpresa (toda la esperable destrucción final) como en libertad, ya que en el film de 1976 en la escena inicial de las duchas se veían cuerpos femeninos desnudos, mientras que ahora en 2013 todo está tapado de manera muy pudorosa; aunque por contra el estigma del acoso escolar sigue tan vigente (o más) que entonces. El tramo final, que todos esperan, está actualizado y llevado a cabo con solvencia y sin caer en el gore, por lo que en resumidas cuentas este remake de Carrie es eficaz aunque siempre tendrá el estigma de basarse en una película mejor (aunque demasiado deudora de su época)

LO MEJOR: Chloe Moretz como Carrie y Julianne Moore como su fanática religiosa madre. Además hay una clara mejora técnica, evidente sobretodo en el destructivo tramo final.

LO PEOR: Que si remakeas un clásico, todo el mundo se conoce el final por lo que quitas toda sorpresa.

PLAN DE ESCAPE, la evasión de STALLONE y SCHWARZENEGGER

FICHA TÉCNICA

Título: Plan de escape
Título original: Escape Plan
Dirección: Mikael Håfström
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 05/12/2013
Duración: 115 min
Género: Thriller, Acción, Intriga
Calificación: No recomendada para menores de 16 años
Reparto: Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Vinnie Jones, 50 Cent, Matt Gerald, James Caviezel, Vincent D'Onofrio, Sam Neill, Caitriona Balfe, Amy Ryan
Distribuidora: eOne Films
Productora: Summit Entertainment, Emmett/Furla Films, Atmosphere Entertainment MM, Grosvenor Park Media, Envision Entertainment Corporation

SINOPSIS

El veterano Ray Breslin (Sylvester Stallone) es el mayor experto en seguridad estructural de todo el planeta. Tras analizar todas y cada una de las prisiones de alta de seguridad que hay en los Estados Unidos, él mismo podría diseñar una cárcel de la que fuera imposible escapar. El problema es que ahora es él quien ha sido encarcelado en un centro de estas características. Primero debe salir con vida de allí y, después, encontrar a la persona que le ha metido entre rejas.

CRÍTICA

La pareja protagonista del presente título tuvo sus dias de gloria durante los años 80 y principios de los 90, convirtiéndose en seguros éxitos de taquilla (salvo excepciones) tanto los films del italoamericano Stallone (y sus míticos Rocky y Rambo) como los del austriaco Schwarzenegger (con sus emblemáticos Conan y sobretodo Terminator) Tiene gracia que sin ser 100% norteamericanos ejemplifiquen junto con el belga Jean-Claude Van Damme las películas de acción y aventuras propio de aquellos años (no cuento a Chuck Norris, 100% estadounidense, aunque él se movía más bien por la serie B... cuando no Z).

Para la ocasión la unión viene determinada por una historia de fugas carcelarias, género en el que ya se ha visto de todo, por lo que la película no innova mucho (si acaso su diseño de producción, con esa gran prisión en estilo de colmena, que me recordó a la de las criaturas de La cabaña en el bosque), siendo su mayor interés el saber donde está localizada, hecho que se descubre cuando ya llevamos una hora de metraje (y que no citaré por ser el único spoiler más evidente del film) También resultan curiosos los métodos de la fuga (por ejemplo lo del sextante), a medio camino entre la acción ochentera tipo McGyver contra la innovación al estilo de Misión Imposible.

Cumpliendo todos los tópicos y clichés tanto del género carcelario como de los títulos de acción de la época de esplendor de estos héroes casi jubilados, la película gustará a los aficionados a los mismos, si bien al final resulta un mero trámite para demostrar la amistad que les une detrás de las cámaras. El duo de ya maduros héroes se reparte dejando a Stallone más acción (en si el protagonista sería él) y a Arnie más frases lapidarias de esas que a él le gustan tanto desde su ya clásico "Volveré" de la saga Terminator (Schwarzenegger en todo momento muestra lo bien que se lo debió pasar rodando este Plan de escape). De todas maneras el espectador se queda al final con la sensación agridulce de que si esta película se hubiera hecho en los años 80 o 90 igual hubiera ilusionado a los fans más que ahora, que pilla demasiado mayores a estos héroes de acción y demasiado experimentado al espectador.

Del resto del reparto citar también la presencia de Sam Neill como médico de esta prisión de alta seguridad, y que jugará un papel determinante en la fuga, mientras que en el bando contrario el director de la prisión (encarnado por Jim Caviezel) y su lugarteniente (al que da vida Vinnie Jones) encarnan todos los tópicos más evidentes de los malvados de este tipo de films (lo que hará recordar a muchos la película Encerrado, donde también Stallone tenía una carcel de la que fugarse y un director de la misma, allí encarnado por Donald Sutherland, que no se lo iba a poner nada facil) En la confrontación final de Sly con el director de la penitenciaría, el gesto del personaje de Caviezel queda más bien ridículo, siendo más digna la pelea previa con Jones, digna de cualquier entrega de Los Mercenarios

LO MEJOR: Es un correcto entretenimiento con el que los dos amigos protagonistas dejan evidente que se lo pasaron muy bien rodándolo.

LO PEOR: Su guión desbordado de tópicos y clichés

LA CURIOSIDAD: Su título previo (The tomb, o sea La tumba) hace referencia al nombre de la prisión aunque más a nivel metafórico que literal (por eso queda mejor su título final, más expeditivo y adecuado para una película con estos dos de protagonistas).

EL DOBLAJE: Nada que objetar al correcto trabajo realizado... pero sigue siendo raro escuchar a Schwarzenegger en castellano con una voz distinta a la tan inconfundible que tuvo como la del fallecido Constantino Romero. Hay voces que marcan para toda una vida.

3 BODAS DE MÁS, una BRIDGET JONES al estilo de los FARRELLY

FICHA TÉCNICA

Título: Tres bodas de más
Título original: Tres bodas de más
Dirección: Javier Ruiz Caldera
País: España
Año: 2013
Fecha de estreno: 05/12/2013
Duración: 94 min
Género: Romance, Comedia
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: María Botto, Rossy de Palma, Quim Gutiérrez, Martiño Rivas, Inma Cuesta, Sílvia Abril, Paco León
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Antena 3 Films, Think Studio, Apaches Entertainment, Ciskul

SINOPSIS

Una mujer llamada Ruth (Inma Cuesta) asiste a las sucesivas bodas de los hombres de su vida, sin que ella consiga encontrar a su media naranja. Tres ex novios para tres bodas. Un cóctel explosivo para Ruth, que tendrá que enfrentarse a su pasado y decidir con quién quiere compartir su futuro.

CRÍTICA

No soy consumidor habitual de cine español, pero antes que nada no diré que de eso tenga la culpa la calidad del mismo (como hace poco comentó y luego rectificó cierto ministro español) sino que con la evidente hegemonia del cine "made in USA", los films españoles tienen una férrea competencia por lo que una película autóctona lo tiene duro a la hora de luchar en cartelera por el interés del público. Pero dejando de lado mis temores suspicaces ante una comedia de este estilo, tengo que reconocer que me he divertido más de lo esperado gracias a la buena conjunción de los elementos que conforman estas 3 bodas de más (¿el título es un guiño a Cuatro bodas y un funeral? Puede ser, porque consigue algo del carisma que tuvo la citada película con Hugh Grant).

Bajo el esquema de las comedias románticas que nos han inundado en los últimos lustros, hay que reconocer que esta lo tenía muy facil para caer en lo rancio de las mismas, pero consigue evitarlo con ciertas pequeñas dosis de un humor más zafio que parece heredero de los hermanos Farrelly de Algo pasa con Mary. De hecho la protagonista Inma Cuesta vendría a ser una especie de Bridget Jones autóctona que funciona muy bien en su personaje (gracias a la versatilidad de la actriz) aunque en algunos momentos tenga que preguntar lo que es un bukkake al hablar de sexo con uno de los personajes (sirva de ejemplo conforme en algunos momentos las conversaciones parecen dignas de South Park).

De todas maneras ese final feliz que uno espera en una comedia de estas características también está presente aqui, por lo que para entonces quizás uno es testigo de la parte más previsible de la película, si bien está resuelta con acierto y corrección, dándole un puntillo gamberro a la almibarada conclusión que nos vemos venir (atención al video en Youtube de la última boda). No es nada malo, porque incluso en la comedia americana más innovadora siempre acabamos viendo que lo que prevalece es lo clásico, pero es importante citar también la labor de los secundarios, que consiguen algunos de los momentos más hilarantes de la función (atención por ejemplo a Rossy de Palma como madre de la protagonista: apenas unas pocas escenas pero realmente desternillantes)

Sin duda alabando que consiga lo que en si es su objetivo (entretener y divertir) se le puede echar en cara, como he citado antes, el uso de esquemas ya vistos, pero sin inflar sin necesidad el metraje (dura unos ajustadísimos 94 minutos, ni más ni menos) el director Javier Ruiz Caldera consigue un producto apto para todos los públicos. Por su parte en cuanto a los estereotipos que conforman a la protagonista Ruth (una entrañable chica que vendría a ser una variante entre Bridget Jones y Betty la fea, heredando de esta última que con apenas unos retoques ya mejore su belleza) la actriz Inma Cuesta los maneja con soltura y se desenvuelve muy bien, logrando nada más aparecer en pantalla cautivar al espectador con una empatía que nos hace desear y esperar el previsible final feliz a sus tribulaciones.

LO MEJOR: Es la mejor comedia romántica con cierto tono gamberro que veo desde la época de Algo pasa con Mary, lo que la hace escalar leves puestos sobre el nivel medio del género en la actualidad. Por su parte Inma Cuesta está genial como protagonista, ayudada por unos secundarios que en ocasiones tienen los momentos más desternillantes de la película.

LO PEOR: Tiene un final previsible y se le puede achacar el caer en tópicos de la comedia romántica vistos en los últimos lustros. Además cierto tono de humor un poco más zafio (aunque a mi modo de ver sin llegar a ser grosero) puede turbar alguna mente sensible.

THE WALKING mid-season 4: siguiendo el esquema de los comics...

Hay series que no deberían alargarse más de la cuenta, y The walking dead es una de ellas. Con este inicio tan destroyer pensareis que me la voy a cargar, pero nada más lejos de mi intención. Desde luego no digo que tenga que haber tan solo 6 episodios como tuvo su primera temporada, pero sin duda los 13 de la segunda se mostraron claramente suficientes (e incluso diría que en exceso) para una trama que intenta seguir el esquema de los comics, aunque no su continuidad (de ahi que para muchos haya tan solo mero relleno para cumplimentar unos pocos momentos destacados, algo también evidente en la tercera con 16 episodios, los mismos que tendrá esta).

Situados ya en esta cuarta temporada, su primera mitad de 8 episodios ha servido tan solo para ver como un virus de la gripe (supongo) ataca y mata a varios supervivientes de la prisión, por las lógicas condiciones extremas en las que estan viviendo. Lo curioso fueron los capítulos 6 y 7, donde no solo volvía el personaje del Gobernador (encarnado con solvencía por David Morrisey) sino que era el protagonista absoluto de ambos, sin que en ningún momento apareciera el grupo de Rick (lo que aumentó el interés de los mismos) lo que habría las puertas a cierta esperanza en la evolución del citado villano.

Una vez visto el capítulo que cierra esta primera parte de la cuarta temporada (mid-season) me queda justificado el motivo de esos capítulos. Uno está claro, y es testar entre los espectadores otro grupo de supervivientes de cara a ese spin-off que se prepara de la serie, pero el otro ha sido nada más y nada menos que recrear (¡ahora si!) el ataque contra la prisión por parte del Gobernador. Lo bueno es que por fin se ha visto en imágenes uno de los momentos claves del comic (para mi gusto) aunque para ello se haya metido quizas un poco a la fuerza a otro grupo que sustituyera al original de Woodbury en las viñetas.

Con una continuidad que hace ya mucho quedo separada de su homónima de los comics (por este enlace mi reseña de los 13 primeros tomos), en estos hay momentos "cumbre" que la serie adapta a su manera: es evidente que la forma en que muere Hershel decapitado sería equivalente al final de Tyresse en los comics. También es evidente el parecido en el tramo final con Rick y su hijo, ahora en solitario (porque la pequeña Judith se la puede considerar muerta, aunque la serie no llega a esos puntos tan escabrosos como para mostrarlo, sino que tan solo queda sugerido en ese portabebes con manchas de sangre)

A nivel personal, tras la paliza que el Gobernador le daba a Rick me acordé del Sylvester Stallone de Rocky, cuando luego llama a gritos a su hijo, parecido como en el citado film hacía el protagonista con su prometida Adriane. En cuanto a este villano (el Gobernador) que ha sido la némesis perfecta en los comics, finaliza aqui su presencia ajusticiado (con toda justicia) por aquellas más agredidas por sus acciones (Micchine y Maggie). Ahora se abre el futuro post-prisión con lo cual quedan muchas incógnitas, como por ejemplo la maduración de los niños de la serie, algo evidente en esa escena donde una pequeña del grupo de Rick no tiene miramientos para disparar contra su enemigo.

Es dificil preveer como adaptará la serie los hechos que vienen a partir de ahora (aparte de la incógnita con Carol, mi curiosidad radica hacia el personaje principal al que le revientan la cabeza con un bate de beisbol en el número 100 en comic, ¿tendrá su equivalente en pantalla?) De todas maneras arduo trabajo tiene por delante The walking dead porque viendo el potencial como villano del Gobernador crearon una especie de variante llamada Negan cuyas maldades han sido estiradas en las viñetas hasta el exceso durante meses y meses (y sigue, al menos hasta el último número (115) que me he leído cuando escribo esta reseña) bajando mucho la calidad final y ralentizando hasta la extenuación el ritmo de narración.

12 AÑOS DE ESCLAVITUD, brutal alegato contra esa lacra social

FICHA TÉCNICA

Título: 12 años de esclavitud
Título original: 12 Years a Slave
Dirección: Steve McQueen
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 13/12/2013
Duración: 133 min
Género: Drama, Histórico, Biográfico
Reparto: Michael Fassbender, Brad Pitt, Chiwetel Ejiofor, Michael K. Williams, Paul Dano, Benedict Cumberbatch, Garret Dillahunt, Ruth Negga, Sarah Paulson, Scoot McNairy, Lupita Nyong'o
Distribuidora: DeA Planeta Home Entertainment
Productora: Summit Entertainment, New Regency Pictures, Plan B Entertainment, River Road Entertainment

SINOPSIS

Película basada en la increíble historia real de un hombre que luchó por su libertad en los años previos a la guerra civil de los Estados Unidos. Solomon (Chiwetel Ejiofor) es un negro libre de Nueva York que un día es raptado y vendido como esclavo. Su comprador (Michael Fassbender) realiza con él todo tipo de crueldades. Pero Solomon no se rinde y sueña con recuperar su libertad y su dignidad. En los 12 años que ejercerá como esclavo, su encuentro con el abolicionista canadiense Bass (Brad Pitt) dará a su situación un giro de 180 grados.

CRÍTICA

Pese a la casualidad de llamarse igual, el Steve McQueen que consta como director de este film no tiene nada que ver con el actor de idéntico nombre que vimos en clásicos como La gran evasión, Papillon y Bullit. Por su parte en cuanto a lo referente a la esclavitud prevía a la Guerra de Secesión Americana, no es la primera (ni será la última) película en tratar el tema, por lo que tampoco hay mucha novedad en la base... aunque si en el fondo, que es lo que ha hecho destacar al presente título y posicionarlo como favorito para las próximas entregas de premios.

De entrada lo primero a reconocer es la gran labor de Chiwetel Ejiofor que le tendría que valer no solo una nominación al Oscar como mejor actor sino la entrega del premio, porque en sus hombros está la mayor parte del metraje de esta dura película que provocará una angustia frente a las torturas que se ven en pantalla (por su brutal realismo) casi paralela a la vista en La Pasión de Cristo de Mel Gibson. Pero cuando otros hubieran perdido la esperanza, el protagonista la mantiene, sin rendirse ni desfallecer, lo que lo dota de una empatía hacia el espectador realmente abrumadora.

Entre los secundarios me gustaría citar al trio más conocido formado por Benedict Cumberbatch (entre otros de la serie de televisión Sherlock), Brad Pitt (reciente protagonista de Guerra Mundial Z) y Michael Fassbender (el nuevo Magneto del reboot precuela de los X-Men), los cuales hacen una labor encomiable... aunque sin duda es el último de ellos, por su salvaje brutalidad, quien puede conseguir otra nominación a mejor secundario para la película, ya que vendría a ser un malvado sin piedad del estilo al que encarnó Ralph Fiennes en La lista de Schindler (que también le valió en su momento una nominación al citado actor)

Más breve es la presencia del siempre polivalente Paul Giamatti, aunque no por ello inferior a las de los citados, formando entre todos un conjunto que sirve para llevar al espectador a una de las épocas más polémicas y criticables de los Estados Unidos prevía a la abolición de la esclavitud. Pero 12 años de esclavitud también sirve para que no olvidemos esta lacra, que pese a la evolución de la sociedad sigue estando presente en la misma en forma de explotación sexual en mujeres y menores de edad (y sino basta con mirar un poco las noticias).

Una magnífica obra, que quizás hubiera sido necesaria antes (no negaré que el tema de la esclavitud ha sido tratado en tantas ocasiones que puede resultar cansino) Si acaso su mayor mérito sería en no caer en mojigaterias innecesarias y mostrar la crudeza de esta barbarie, hasta el punto de que sale herida al final de la historia incluso el alma del espectador (viendo esto queda lejos el estereotipo de la esclava negra que inauguró Lo que el viento se llevó con ese ya mítico "Si Señorita Escarlata")

LO MEJOR: Es la más realista película sobre la histórica esclavitud racial en Estados Unidos (no se corta en muchas de sus escenas más violentas). Asimismo también destacar su plantel de actores, desde el Solomon protagonista a todos los que se cruzará en su fatídica odisea, a lo que se suma lo destacable de su ambientación en todos los sentidos.

LO PEOR: Tendría que haber llegado antes, porque poca novedad aporta al tema (si acaso el mostrarlo en toda su crudeza y brutalidad)

AN ADVENTURE IN SPACE AND TIME y THE DAY OF THE DOCTOR

50 son los años que tiene a sus espaldas Doctor Who (que vió la luz por primera vez el 23 de noviembre de 1963), y una larga lista de episodios así como varios rostros (11, a los que pronto se unirá el actor Peter Capaldi como el 12º). En The day of the doctor se ha querido rendir homenaje a todos, a lo que también ha ayudado An adventure in space and time, en este caso recordando la dificil génesis de la serie hace ya medio siglo. Una breve reseña por mi parte de ambas a continuación.

Cuando era pequeño descubrí a Doctor Who gracias a Tom Baker, el más famoso de la etapa clásica, cuando lo emitió el canal autonómico catalán TV3. Ya en aquel entonces me maravillaba la gran imaginación de la serie, pero luego le perdí la pista. En 2005 volvió pero mi recuperación fue a partir del 2011 cuando el canal Boing de Mediaset recuperó las etapas modernas de los doctores 9 (Christopher Eccleston) y 10 (David Tennant) viendo yo la etapa de Matt Smith en los canales 3XL y Boing (temporadas 5 y 6) e internet (temporada 7)

De la etapa clásica recuerdo de manera vaga aquellos capítulos (de hecho lo más recordado eran las extensas bufandas del 4º Doctor encarnado por Tom Baker) pero pese a no recuperar ningún capítulo más (sería una labor titánica, algo así como leerse TODO Spiderman, por poner un ejemplo de un personaje que también me gusta) siempre he tenido curiosidad por la misma, algo que ha satisfecho el telefilm An adventure in space and time, donde se narran los inicios de tan éxitosa serie.

Es curioso que en su origen no se confiara en Doctor Who, ya que se inició como mero programa de relleno, teniendo además la mala suerte de estrenarse justo cuando el mundo estaba conmocionado por el asesinato de Kennedy (al menos lo citan así en este telefilm, de ahi su "pinchazo" inicial en audiencias) La desconfianza venía incluso por parte del actor William Hartnell, que fue el primer rostro del personaje y por lo tanto el original en el que se han visto más o menos reflejados todos los posteriores. Pero la productora Verity Lambert (encarnada por la actriz Jessica Raine) se impuso sobre el machismo de la época (evidente en las escenas en que quieren ningunearla) y consiguió sacar adelante su idea (ella y Hartnell vendrian a ser los protagonistas de An adventure in space and time).

Para los aficionados a la serie resulta curioso el ver como fueron sus primeros días, incluyendo la creación de sus villanos más famosos (los Daleks), así como el gran calado que tuvo en la sociedad británica de la época (a destacar la escena en el parque donde esos niños vanaglorian al actor al que toman por el personaje que interpreta en la serie) Es también acertado y emotivo el momento en el que, por edad, Hartnell ya no estaba capacitado para interpretarlo, por lo que le comunican que habrá un sustituto, un siguiente Doctor (aunque no acaban de aclarar a quien se le ocurrió lo de la regeneración).

En ese punto tengo que decir que el parecido entre los actores David Bradley y William Hartnell es asombroso, por lo que no me cuesta creerme al primero en su interpretación del segundo en este telefilm, pero la breve presencia de su sucesor (Patrick Troughton) no acierta tanto en cuanto al aspecto. De todas maneras no sólo el telefilm rescata lo que hubo detrás de las cámaras en los tres primeros años de vida de la serie sino que resulta un bonito homenaje a ese primer Doctor, destacable y emotivo sobretodo en el momento final en que al activar la Tardis él mismo ve uno de los rostros futuros de su personaje (cameo de Matt Smith)

Mark Gattis, el responsable de este telefilm, es todo un fan de la serie (colabora con Steven Moffat) y ya probó suerte cuando fue el 40 aniversario (en 2002) aunque entonces la cosa no prosperó, sobretodo porque la serie aún no había renacido en aquel momento (la etapa actual comenzó en 2005). El resultado final, tan correcto y del estilo de los biopics de Hitchcock de hace unos meses (el homónimo y The girl) es sin duda recomendable para todo fan de la serie, así como incluso para los interesados en la historia de la televisión, al recrear como se hacía la misma hace medio siglo.

Pero como no todo es pasado, volvemos al presente y en la línea de continuidad que se marcó la serie al final de su séptima temporada, The day of the doctor consigue ser un homenaje a toda su historia, pero englobando aqui un giro sobre su continuidad. Si hasta ahora parecía que el Doctor había sido quien activó un arma definitiva (¿termonuclear?) que acabó con la Guerra del Tiempo entre Gallifrey y los Daleks (acabando con ambas razas), este episodio concluye con una hipotética nueva realidad (algo parecido a las películas de Star Trek de J.J.Abrams respecto a las series clásicas) donde Gallifrey queda congelado en el tiempo, pudiendo ser ahora el objetivo (macguffin) de sus viajes por el espacio y el tiempo: la búsqueda de su hogar natal, ahora no destruido por él sino también salvado por él.

Este citado especial sirve para el retorno de David Tennant como el 10º Doctor y Billie Piper siendo (y no siendo) Rose Tyler (sería más bien la "esencia" del Bad Wolf que hubo durante su estancia en la serie). Ello demuestra que su tiempo ya pasó, porque la inclusión de ambos es totalmente circunstancial, ya que en esencia lo que se narra en este capítulo podría haber sido la de cualquier episodio de la serie, sin necesidad de contar con ellos. No me interpreteis mal, la relación entre los Doctores 10 y 11 es magnífica, pero al no haber esa misma con el personaje de Billie Piper, que nada más se "comunica" con el Doctor encarnado por John Hurt, me da la sensación de dejarla a ella así como a la actual companion Clara en un lugar más secundario y obviable. Pero no penseis que lo tomo como un punto negativo, ya que la reunión final de todos es muy emocionante (así como su actuación en el nuevo destino de Gallifrey con... ¿los 12? ¡NO, 13! Hay cameo de Peter Capaldi)

He de mencionar que la inclusión de John Hurt como War Doctor (se queda sin número) se podría haber obviado porque podría haber sido el origen que nunca vimos del Noveno (Eccleston) aunque gracias a la buena labor de John Hurt, lo relacionado con su personaje no molesta, y tener a un actor de tanto renombre en el historial del personaje y de la serie es todo un orgullo. También me resulta un poco secundaria la inclusión de los Zygons como enemigos en este especial, que aunque sean metamorfos y puedan tomar cualquier aspecto no parecen brillar tanto como los Ángeles Llorones o los Silent (aunque igual la idea era echar mano de estos para no gastar tanto a los usuales: ver por ejemplo lo poco que ya asustan los Daleks)

Insisto, The day of the doctor es uno de sus mejores capítulos desde su renacimiento en 2005; ¡¡¡son tantos los guiños al pasado del personaje!!!: sobretodo al cuarto encarnado por Tom Baker, que queda representado en la multicolor bufanda de uno de los personajes secundarios así como a la presencia de un ya anciano actor como conservador del museo. No es lo único porque recupera la entrada inicial de la serie y hay multitud de referencias relacionadas con el pasado de la misma (incluso alguna reciente, como la mención al Jack Harness de Torchwood) Pero al mismo tiempo no se recrea en lo que ya ha sucedido sino que instala las bases sobre las que se puede mover la serie a partir de ahora, tal y como he citado un poco más arriba.

En resumidas cuentas, y como he visto en un tweet de Mel_Gluci durante todos los homenajes que ha vivido Doctor Who en su 50º aniversario, la cosa es facil de resumir:  11 Doctores, 33 temporada, 805 capítulos, 5 películas, dos spin-off, libros, cómics, audios. ¿Y os preguntáis qué es Doctor Who? #SaveTheDay La próxima cita con el personaje será en el especial de Navidad que significará la despedida de Matt Smith como Doctor 11 y la entrada de Peter Capaldi como Doctor 12.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS, se acerca la revolución

FICHA TÉCNICA

Título: Los juegos del hambre: En llamas
Título original: The Hunger Games: Catching Fire
Dirección: Francis Lawrence
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 22/11/2013
Duración: 146 min.
Género: Aventuras, Acción, Ciencia ficción
Reparto: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Sam Claflin, Elizabeth Banks, Alan Ritchson, Jena Malone, Stanley Tucci, Woody Harrelson, Philip Seymour Hoffman
Distribuidora: eOne Films
Productora: Lionsgate, Color Force, Alarm Clock Films

SINOPSIS

Los Juegos del Hambre: En llamas comienza con Katniss Everdeen volviendo a casa sana y salva después de ganar los 74º Juegos del Hambre anuales junto a su tributo Peeta Mellark. Ganar significa tener que dejar atrás a familia y amigos, y embarcarse en el Tour de la Victoria por los diferentes distritos. A lo largo del camino, Katniss se da cuenta de que una rebelión comienza a gestarse, pero en el Capitolio continúa todo bajo control mientras el Presidente Snow organiza los 75 Juegos del Hambre anuales (El Vasallaje), una competición que cambiará Panem para siempre.

CRÍTICA

En Hollywood andan desesperados detrás de la perfecta franquicia que les haga ganar mucho dinero una vez que finalizó la más taquillera de todas (la de Harry Potter) motivo por el cual son innumerables las novelas orientadas hacia el público infantil y/o juvenil con elementos fantásticos que han probado suerte en pantalla, con resultados dispares que han dado quizás para alguna secuela (como es el caso de Percy Jackson) pero que no han acabado en rentables sagas como la del mago de J.K.Rowling.

La excepción que continuó el (progresivo) éxito sería la muy criticada Saga Crepúsculo, pero ya ahi se notó la avaricia de los estudios, al dividir la adaptación de su cuarto y último libro en dos películas, siguiendo el ejemplo de la saga Potter (que hizo lo mismo con el séptimo y último libro de su saga) Son jugadas con las que uno puede estar más o menos de acuerdo (ahí está el ejemplo de El Hobbit, estirado para tres películas siendo un solo libro), pero que enseguida se plagian unos a otros, porque Sinsajo, el tercer libro de la trilogia de Los juegos del hambre, seguirá el mismo camino entre 2014 y 2015.

Aunque en su momento la obra inicial me gustó (así como toda la trilogia literaria en su conjunto) reconozco la progresiva bajada de interés, algo palpable ya en esta En llamas, cuyo esquema argumental vendría a ser el mismo que el del primer libro, sensación que se transmite a esta película en su segunda mitad, que transcurre durante el Vasallaje de los 25, unos Juegos del Hambre especiales donde se recopilan antiguos ganadores de la competición. Pero aunque pueda sonar a más de lo mismo, Francis Lawrence (responsable de títulos como Constantine o Soy leyenda por ejemplo) consigue sacarla adelante con notable resultado y grandes dosis de entretenimiento.

Pese a que en muchas ocasiones soy el primero en criticar los metrajes dilatados, tengo que reconocer que Los juegos del hambre: En llamas dura lo que tiene que durar, ya que la historia va evolucionando sin bajones destados y de una manera fluida y coherente. En cuanto a los personajes sin duda la principal sigue siendo la Katniss Everdeen que aqui vuelve a estar interpretada por la emergente Jennifer Lawrence, tomando ahora conciencia de lo simbólico de sus actos de cara a  la futura rebelión contra el Capitolio, lo que se nota en el conflicto motivacional que tiene con el Presidente Snow en el tramo inicial de esta película (cuando él quiere forzarla a ser un elemento conciliador para los revueltos distritos). Sin duda uno de los detalles más destacados y disfrutables de esta secuela.

Otro punto positivo de esta segunda entrega estaría en lo acertado de su guión, que se concentra más en el tema político pero sin liarlo, de manera que queda claro para todo tipo de público. Así por ejemplo tan solo es necesario el comentario de Peeta sobre la fórmula para vomitar que le ofrecen en un banquete (para luego seguir comiendo sin parar) para darnos cuenta de las graves desigualdades sociales que hay en el futuro distópico de esta saga, que también son evidentes a nivel visual teniendo en cuenta lo que gana el film en presupuesto (de 78 millones de dólares que costó la primera a los 130 que ha valido esta) lo que permite ver la pompa y boato del Capitolio frente a la escasez y las restricciones en los Distritos.

En la película de Gary Ross uno de los detalles más negativos eran sus escenas de acción, rodadas de manera inquieta y mareante, sin poder discernir a las claras el espectador lo que está sucediendo. Ese detalle está corregido en esta secuela por Francis Lawrence, haciendo que quede bastante claro en todo momento qué pasa, sin marear al público. Asimismo aqui ya es más palpable el hartazgo del sufrido pueblo, la represión a la que se ven sometidos por ello y la rebelión que está naciendo tomando a Katniss como símbolo (representado en el logo del Sinsajo), por lo que evoluciona más allá de mostrar en pantalla esta curiosa mezcla entre Supervivientes, Gran Hermano y Battle Royale que son los juegos del título.

Volviendo de nuevo al inicio de esta crítica, y con la moda separatista actual, el problema de esta secuela se podría decir que está en su brusco final, que si bien coincide con el de la novela... deja al espectador con la intriga. Lo que pasa es que esto no es una serie y por lo tanto no tendremos la resolución del conflicto la siguiente semana sino dentro de un año (si no hay retrasos sobre el plan previsto, Los juegos del hambre: Sinsajo (parte 1) se estrenaría a finales de noviembre del 2014 y para acabar Los juegos del hambre: Sinsajo (parte 2) justo un año después)

LO MEJOR: Sigue la tónica planteada en el film precedente, pero corrigiendo errores (mejorando las escenas de acción y justificando su metraje)

LO PEOR: Su abrupto final (que me recordó al de Matrix Reloaded), que nos deja con una intriga que durará varios meses.

EL CONSEJERO de RIDLEY SCOTT: un aburrimiento con BRAD PITT, CAMERON DIAZ, JAVIER BARDEM y PENÉLOPE CRUZ

FICHA TÉCNICA 

Título: El consejero
Título original: The Counselor
Dirección: Ridley Scott
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 29/11/2013
Duración: 117 min.
Género: Thriller
Reparto: Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem, Cameron Diaz, Natalie Dormer, Dean Norris, John Leguizamo, Rosie Perez, Goran Visnjic
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Scott Free Productions, Kanzaman, Nick Wechsler Productions, Translux, 20th Century Fox

SINOPSIS

Narra la historia de un respetado abogado del sudoeste de Estados Unidos que se introduce en el mundo del tráfico de drogas. Escrita por el novelista Cormac McCarthy (La carretera, No es pais para viejos), en su primer guión original pensado expresamente para el cine que llega a las pantallas, dirigido por el reputado director Ridley Scott.

CRÍTICA

De manera definitiva puedo admitir que Cormac McCarthy no es para mi. Y ahora es cuando os preguntareis quien es ese: pues el guionista de esta cinta, la nueva película como director de Ridley Scott, a favor del cual quiero romper una lanza (suyas son dos joyas como Blade Runner y Alien), que se limita a hacer lo que puede con una historia aburrida hasta las trancas (aunque no olvidemos algunos deslices que ha tenido este director que le hicieron perder parte del mérito de sus orígenes).

El citado guionista saltó a la fama gracias al éxito conseguido hace unos años por No es pais para viejos, película con la que Javier Bardem ganó su primer Oscar. Si ya aquel título se me hizo cansino, no me quise arriesgar con la adaptación de La carretera (si acaso la obra más conocida del citado autor) pero me decanté por El consejero, ya que su reparto es bastante llamativo. Pero de nuevo se confirma que unos cuantos actores (más o menos buenos o famosos) no levantan un argumento tan soso como este, que parte del vacio para quedarse al final en nada.

Pese a todo quiero dejar bien matizado que una película como esta no se puede tildar de mala a la primera, porque si tiene momentos puntuales brillantes. Pero el problema radica en una historia muy insípida que no consigue ser levantada por el elenco protagonista, que en algunos casos parece que esté presente tan solo como reclamo para vender la película que por la importancia de su personaje (si bien como no acaban todos vivos hay que reconocer que cierta sangrienta muerte, que indico un poco más abajo, es uno de los grandes logros de esta, por otra parte, irregular película)

Del reparto el primero al que le toca "recibir" es sin duda Michael Fassbender, que pese a todo lo que le sucede, nunca consigue transmitir la empatía necesaria como para que al espectador le interese lo que le va pasando. Si continuamos con mi compatriota pareja de actores (los españoles Javier Bardem y Penélope Cruz) digamos que el primero sale en el mismo plan excéntrico que tenía en Skyfall mientras que la segunda no va más allá del mero adorno (su escena inicial casi lo mejor que hace durante todo el metraje). Otro que tan solo cumple sería Brad Pitt, si bien es junto con Cameron Diaz los que tienen los personajes más determinantes... y no digo más para no spoilear.

En cuanto a la valoración general, a El consejero le pese mucho ser una película más reflexiva que activa, de ahi que tan solo haya un par de escenas memorables, siendo una de ellas la aplicación de cierto elemento ahorcador con el que uno de los protagonistas acaba desangrado, ya que el citado chisme (como una especie de brida que poco a poco se aprieta más) puede acabar cortando la cabeza de la víctima (algo que, ¡lástima!, no se vé) pero la misma muere antes al rebanarse la carótida.

LO MEJOR: El director y el reparto, llamativos para todo aficionado al cine, así como puntuales escenas como la del ahorcamiento final de uno de los personajes.

LO PEOR: Es lenta, aburrida y los personajes hablan mucho y hacen poco.

LA CURIOSIDAD: Si la película se titula El consejero, ¿porque los subtítulos del pase de prensa al que acudí traducen esa palabra por "abogado"?

FROZEN: EL REINO DE HIELO, un instantáneo clásico DISNEY

FICHA TÉCNICA

Título: Frozen, el reino de hielo
Título original: Frozen
Dirección: Chris Buck
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 29/11/2013
Duración: 108 min.
Género: Familiar, Animación, Aventuras
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Kristen Bell, Idina Menzel, Josh Gad, Alan Tudyk, Santino Fontana, Chris Williams
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Cuando una profecía condena a un reino a un invierno eterno, Anna, una joven optimista se une a un temerario montañero llamado Kristoff y a su compinche el reno Sven. Juntos emprenden un viaje épico en busca de Elsa, hermana de Anna y Reina de las Nieves para poner fin al gélido hechizo. Adaptación del cuento "La reina de las nieves".

CRÍTICA

Que Disney es una de las mayores fábricas de ilusiones del mundo es algo evidente en su amplio historial de títulos que en muchos casos se han convertido en clásicos por méritos propios, marcando la infancia de varias generaciones. Aunque ahora puede estar en un buen momento (en parte gracias a las muchas alegrias en taquilla que han dejado los títulos de Pixar) no hay que olvidar que también hubo una edad "oscura" dentro de la compañia, de la que resurgió a finales de los 80 y principios de los 90 con films tan recordados y apreciados como Aladdin, El Rey León o La Bella y la Bestia (por poner unos ejemplos)

El espíritu, el candor y la magía de clásicos modernos como los que he citado está presente también en Frozen: El reino de hielo, una estupenda (aunque libre) adaptación del relato de Hans Christian Andersen titulado La reina de las nieves, y que la factoría Disney consigue llevar a su terreno, consiguiendo un espectáculo tan notable que no sería precipitado de tildarlo como el mejor título no-Pixar que ha salido de las entrañas de esta fábrica de fantasias en los últimos tiempos, aparte de que uno ya se imagina su adaptación en Broadway porque se presta a ello como ya pasó con La Bella y la Bestía (con la que guarda una similar estructura) La espera ha merecido la pena, ya que el propio Walt Disney quería haber adaptado el relato hace ya 70 años, hasta que al final claudicó por imposible (para la época)

Previo a la película nos deleitan con un nuevo corto de Mickey Mouse para celebrar su 85 cumpleaños titulado Get a horse!. El mismo puede parecer ya antiguo en su estilo gráfico, pero tras un inicio clásico se integra al espectador dentro de la acción al "romperse" la pantalla, saliendo por ella los mismos personajes pero en animación digital en 3D, en un "juego" que puede recordar a El moderno Sherlock Holmes de Buster Keaton, La rosa púrpura del Cairo de Woody Allen o El último gran héroe de John McTiernam y con Schwarzenegger parodiando los estilos de sus películas por aquella época.

En cuanto a Frozen: El reino de hielo, hay que reconocer que vendría a ser una continuación de lo ya visto en Tangled (Enredados) y sobretodo en Brave (Indomable) de Pixar, al servir para renovar una variante tan propia de Disney como son sus famosas princesas, labor que lleva a cabo sin renunciar a sus elementos más representativos, pero orientado de manera clara hacia un público moderno que no congeniaría con esquemas morales caducos y rancios. No en vano de nuevo aqui son las mujeres las que llevan la acción del relato (todo gira en torno a las hermanas protagonistas Anna y Elsa), sin verse mermadas para nada por las presencias masculinas, que además quedan en un rol más secundario.

A raiz del éxito de Shrek (y sus secuelas y derivados) se propagó una vertiente más sarcástica dentro del cine de animación que puede pecar de caduca al estar centrada en unos conceptos concretos y no siempre perdurables (que es lo que ha hecho que la parodía, incluso en imagen real, haya derivado al bajo concepto que tiene ahora mismo) Esa ironía también se propagó en la Disney, y se podría decir que la misma puede estar patente de manera leve en Anna, la hermana joven, quizás muy moderna teniendo en cuenta el estilo de la película. Pero son meros detalles circunstanciales en una historia desarrollada desde el clasicismo, pero con ese toque actual que evita pretéritas cursilerias tópicas, y todo ello con las técnicas de animación más modernas (digital 3D frente al tradicional 2D: ¿Tiana y el sapo será la última de Disney en ese "arcaico" estilo?)

En cuanto a los personajes, estan todos bien perfilados como para que ninguno levante antipatias entre el público, siendo de entre los principales mi preferido el de Elsa, la mayor de las dos hermanas y que ha de vivir con la maldición de que todo lo que toca se congela, lo que provoca algunos de los momentos más intensos y álgidos de la película cuando dicho poder le resulta incontrolable (al principio me recordó al Hombre de Hielo de los X-Men, aunque la capacidad de esta supera con creces al del citado mutante de los comics de la Patrulla X) A ella, desde cierto punto de vista, se la podrían considerar la villana (o bruja) de la historia, pero su drama introspectivo levanta sin problemas las simpatías del público, aunque eché de menos una explicación del origen de sus congeladoras facultades.

Entre los secundarios incluidos como alivio cómico a la acción, mi preferido es el reno Sven, que siguiendo el estilo clásico de Disney, no necesita hablar para hacerse del todo expresivo. Aún así tenias mis reservas con Olaf, un muñeco de nieve con vida que desea disfrutar del calor del verano (y orientado de manera clara hacia los espectadores más jovencitos) pero consigue hacerse simpático y ameno sin caer en lo molesto (no es Jar Jar Binks), convirtiéndose en un importante punto del triángulo secundario que formaría junto con los personajes de Kristoff y el ya citado de Sven, entre los cuales el muñeco Olaf nunca desentona (asumida su orientación más infantil)

En resumen, sin duda alguna Frozen: el reino de hielo es todo un clásico de la Disney a la par que su mejor musical animado desde la época de La bella y la bestía.

LO MEJOR: Todo está perfectamente ensamblado como para crear un resultado final tan notable como entrañable, que nos servirá para recordar los clásicos de antaño con los que nos obsequió en nuestra infancia la Disney.

LO PEOR: Nada achacable a la película sino al videoclip con la canción La puerta hacia el amor, interpretada por Abraham Mateo, concesión lógica de Disney al típico producto de moda del momento.