DUNE PARTE DOS, continuista portento visual (crítica sin spoilers)

Si después de esta segunda entrega de Dune, su director Denis Villeneuve quisiera completar trilogía, no me extrañaría nada que marcara claramente un antes y un después en la valoración de la ciencia-ficción, al igual que Peter Jackson logró lo mismo con el género fantástico gracias a su trilogía de El señor de los anillos. Cuando hice la crítica de la primera parte, estrenada en 2021, ya aventuraba que dicha película tenía todas las de ganar en cuestión de premios técnicos, ya que su poderío visual era innegable (algo que sigo manteniendo)

 

Ello se confirmó cosechando diez nominaciones a los Oscar de aquel año, logrando alzarse con seis estatuillas en categorías técnicas (se llevó los de mejores efectos visuales, fotografía, banda sonora, sonido, diseño de producción y montaje), con lo que acabó como el título más premiado de aquella temporada, aunque no consiguió el galardón a mejor película, ni logró que ninguno de sus interpretes llegase a estar nominado.

Su ambición hacia que la secuela solo fuese segura si resultaba lo mínimo de rentable posible, y estrenada al año siguiente de la pandemia, muchos temieron que no lograra lo suficiente para ello, si bien al final sumó más de 430 millones de dólares a nivel global, aunque sólo el 25% fue en la taquilla americana, salvándose por el 75% del resto del mundo.

 

Debido al grosor de la novela de Frank Herbert es por lo que se decidió de dividirla en dos películas, con lo cual el film de 2021 se podría considerar como una "presentación", siendo aquí donde tendría que haber más desarrollo, por lo que era eso lo que yo esperaba tras una entrega inicial que no me acabó de cuadrar en cuanto a unos personajes que, supongo que por sintetizar lo mejor posible la densa obra literaria, quedaban apenas perfilados y no me resultaban atrayentes. Eso queda un poco corregido aquí, que parte con la ventaja de que los espectadores ya conocen lo básico de los personajes para a partir de ahí moverlos por la historia, pese a que he leído comentarios que recalcan de forma más evidente una labor de síntesis sobre la obra original que hace que las palabras literarias de Herbert apenas queden esbozadas y desarrolladas en las (por otra parte) FASCINANTES IMÁGENES con las que nos vuelve a deleitar su responsable, un Denis Villeneuve que postula esta secuela a las mismas cuotas de excelencia técnica que su antecesora.

Debo admitir que resulta difícil ponerle pegas al presente film, más allá de que la mitología que desarrolla conecte con los espectadores o no. En mi caso no ha sido así (me sigue faltando empatía hacia los personajes), pero pese a ello admito que esta película resulta visualmente impecable en todos sus detalles, mientras que a nivel de argumento se podría simplificar diciendo que todo gira sobre la venganza de los pocos Atreides supervivientes por lo que les pasó en el título previo (ayudados aquí por los Fremen), mezclando por el camino un mensaje mesiánico en (y de) Paul Atreides, sobre el que gira la mayoría de esta ambiciosa secuela. El reparto cumple, tanto los que repiten como los nuevos fichajes (por cierto, los Harkonnen me recordaron estéticamente mucho a los villanos de la película Dark City), y poco más a añadir ya que quien gozó con la primera, volverá a disfrutar con esta; mientras que los que no conectaron con el film de 2021 debido a su ritmo, frialdad emocional y extensión no creo que cambien mucho de opinión con esta.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de marzo de 2024.
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LA SIRENITA (2023), otro remake más de DISNEY (crítica sin spoilers)

A Disney algunas veces se la ha llamado La fábrica de los sueños, pero desde que vieron que los remakes en versión real de su amplio catálogo de películas animadas tenían éxito, el título antes citado se tendría que variar por el de La fábrica de sueños reciclados. Ojo que no seré yo quien critique un tipo de hacer cine que es el que cierto tipo de espectadores piden, cuando los resultados económicos les animan a continuar por la misma senda. Me imagino que en todo ello juega una importante baza el factor nostálgico, que permite que muchos padres y madres puedan llevar a sus retoños al cine a ver la versión "realista" de esa película que les encandiló cuando eran pequeños. Pero el encanto de lo clásico no lo puede sustituir aún la animación CGI.

Otro detalle peliagudo sería que bastantes de esas películas tenían una duración estándar ajustada, que hacía que funcionaran bastante bien, pero sus remakes se dilatan añadiendo detalles que en la mayoría de las ocasiones no solo no aportan nada, sino que además merman el mérito de lo que si funcionaba en la película original, aquí tan solo parasitado. Eso es lo que pasa por ejemplo en esta versión que alcanza los 135 minutos, cuando la original de 1989 apenas llegaba a la hora y media de duración (y el cuento original de Hans Cristian Andersen, que leí hace poco por primera vez, tampoco es que sea una obra muy extensa, sino más bien lo contrario, pese a lo curioso de tener implícitas entre las líneas de sus menos de un centenar de páginas un mensaje LGTBI que desconocía, por la condición sexual de su autor)

Otra polémica que ha arrastrado esta película antes de su estreno ha sido el cambio racial de la protagonista Ariel: una aberración para muchos, si bien ahí tengo que romper una lanza por sus responsables, ya que aparte de que pueden hacer lo que les venga en gana (si bien si "vendes" que eres fiel, ¿porque no serlo al 100%?), el cuento original da pie a todas las interpretaciones que quieras sacar de ello, por lo que no hay ningún problema si es de raza blanca y pelirroja (como en el film animado de 1989) o como Halle Bailey (la actriz afroamericana que la interpreta aquí) De hecho la mayor sorpresa me la he llevado con ella, ya que derrocha carisma en todo momento, además de tener una voz prodigiosa (como queda patente cuando entona el mítico tema Part of your world), por lo que hace un papel lo suficientemente solvente para convencer, más allá de los problemas raciales de cierto sector más extremista. Contrariando a su padre, la inicial y rebelde búsqueda de conocimientos por parte de esta Ariel, más allá de que luego eso derive en una más tópica defensa del amor, dota a la protagonista de unos matices más sutiles, que le permiten conectar con el espectador.

Vamos, que si fuera por ella, Bailey consigue el encanto suficiente para sobrellevar la película. Pero los problemas vienen, como he citado más arriba, porque lo que funcionaba en la película animada sigue funcionando aquí, pero la parasitación de aquello, como en si hacen todas estas nuevas versiones respecto a sus antecesoras, deviene en un problema parecido al que tuvo el remake de El rey león: la animación permite una libertad que choca contra la realidad de las cosas, por lo que no puedes pedirle expresividad a algo que quieras que se parezca a un animal REAL, porque los animales no la tienen. Si ello se hacía bien patente en aquella, aquí también salta a la vista con Sebastian, Flounder y Scuttle, tres animales que quieren aparentar ser reales pero con los recursos de sus homónimos animados, lo que provoca la perenne sensación de irrealidad cada vez que cualquiera de ellos aparece, siendo sostenibles tan solo por los intérpretes que les ponen voz. Dicha irrealidad se hace extensible a todo el impostado mundo submarino que se muestra, ya que no se puede aparentar una colorida realidad, y desarrollarla con los fantasiosos recursos de la animación clásica.

 

Resulta bastante curioso que, como he indicado antes, se dilate el metraje respecto a la película original, pero luego haya personajes como las seis hermanas de Ariel, que apenas aparecen fugazmente, sin ahondar luego en ninguna de ellas. Se ve que el Rey Tritón (al que encarna con corrección Javier Bardem) gobierna los siete mares y ha tenido una hija en cada uno de ellos. En cuanto al resto del reparto, el príncipe Eric al que encarna Jonah Hauer-King no aporta ningún detalle digno de mención (aunque no desentona), mientras que la villana a la que da vida Melissa MacCarthy da la sensación de estar algo contenida, supongo que por los evidentes límites de la realidad respecto a la animación que he citado antes, pese a que la propia actriz ha triunfado sobretodo en el género de la comedia algo desmadrada. En resumidas cuentas este remake de La Sirenita no es ni mejor ni peor que la mayoría de los que la han precedido (y ya veremos de los que están por llegar), siendo una operación de marketing entretenida pero globalmente lejos del emblemático film del que parte, más allá de aciertos puntuales resueltos con mayor o menor solvencia.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de mayo de 2023.
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DUNE (2021), una grandiosidad matizable (crítica sin spoilers)

Dune es visualmente EXCEPCIONAL. Valga eso de entrada porque en estos tiempos de maldita pandemia en los que convencer a los espectadores para que vayan al cine es una tarea titánica, la cinta de Denis Villeneuve que adapta la obra literaria de Frank Herbert resulta un apoteosis visual que no me extrañaría nada que en la próxima temporada de premios arrasara en casi todo lo referente a su diseño y concepción (fotografía, efectos visuales, dirección artística, vestuario y todo lo referente a sus categorias técnicas) Tengo que admitir que aunque no acabara de conectar con lo que la historia me plantea, su espléndido acabado justifica de sobras el verla, siempre que sea posible, en la gran pantalla de un cine.

En mi caso tengo que admitir que la adaptación previa de Dune ni la he visto ni nunca me ha llamado la atención, aunque conozco los intentos (fallidos) que hubo para sacar adelante este proyecto de la mano de Alejandro Jodorowsky primero y David Lynch después. Aunque el segundo consiguió concretarlo en una película estrenada en 1984 y que seguía la (por aquel entonces) moda imperante de las space-opera tras el éxito de Star Wars (saldándose con un fracaso de crítica y público), tengo que admitir que los elementos que manejó el primero sin poder concretarlo (Mick Jagger, Orson Welles y David Carradine en el reparto y Moebius, H.R.Giger y Pink Floyd en diversos apartados técnicos) te dejan con la duda de que hubiera salido de algo así.

Nada más empezar la película ya queda claro que estamos ante una obra TAN DENSA que se ha tenido que llevar a cabo en forma de díptico (eso dicen), por lo que habrá un Dune parte 2 si la taquilla acompaña a esta primera entrega. No tengo problemas por ese lado ya que la jugada me recordó a la llevada a cabo con la adaptación del It de Stephen King, también dividida en dos películas para intentar encajar lo máximo posible de sus más de 1000 páginas de obra literaria (en este caso la primera novela de Frank Herbert publicada en el año 1965 no llega a ese grosor, pero luego hay que sumarle las posteriores secuelas a cargo del mismo autor) El problema radica en que son obras tan tremendamente intrincadas que para acercarlas al público general tienes que hacer una labor de condensación digna de mérito, que es lo que en todo momento deja patente esta película de Villeneuve... pero que no fue suficiente para ver en esta cinta la joya del séptimo arte que están viendo algunos críticos.

 

No quiero decir para nada que estemos ante una película decepcionante, porque esa fastuosidad visual  que he citado al inicio compensa cualquier valoración a favor o en contra (cada uno tiene sus gustos personales), pero si resulta cierto que estamos ante un film que intenta llegar a cuanto más público mejor (algo que le honra) sintetizando el conjunto a algo inteligible y más o menos fácil de asimilar. El problema de eso (al menos para mi) es que los personajes me resultaron poco atrayentes y quedan meramente perfilados, dependiendo su desarrollo (que supongo más extenso y completo en el libro) del carisma del actor que les esté dando vida, lo que dificulta la empatía con el espectador. Eso conlleva que se "sienta" antes al actor que al personaje, con la relativa excepción del Paul Atreides de Timothée Chalamet, todo sea porque como me resulta más desconocido si me ha sido más fácil imaginarlo en el papel de protagonista que encarna. A eso hay que añadir una adecuada, pero por momentos atronadora, banda sonora obra de Hans Zimmer.

Cuando se estrenó la primera película de El Señor de los Anillos tengo que admitir que la disfruté un montón, pero eso fue en ligero descenso con las progresivas secuelas (mi preferida aún sigue siendo La Comunidad del Anillo), hasta que descubrí la trilogia literaria de Tolkien y me la leí... para tener claro de no leer nada más suyo nunca porque se me hizo tremendamente farragoso (aunque eso me sirvió para apreciar el meritorio nivel de síntesis llevado a cabo por Peter Jackson) Otro ejemplo podría ser El juego de Ender, que dió lugar a una adaptación entretenida pero que se dejaba cosas en el tintero al ser parte de una extensa saga de ciencia-ficción, y que coincidía con Dune en el apenas esbozo inicial de personajes, que luego no se pudo concretar porque sus resultados en taquilla frenaron cualquier atisbo de secuela. Espero que el éxito acompañe a este film porque si es verdad que acudiría al cine sin duda para ver la próxima entrega (todo sea por ver como desarrolla lo aqui esbozado)... pero esta primera parte no ha hecho que espere eso con ansias.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de septiembre de 2021.
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• LO MEJOR: Visualmente es ESPECTACULAR y digna de un montón de premios más que justificados en todas o casi todos sus apartados técnicos. Atención a detalles tan logrados como los gusanos de la arena, las naves-libelula o el concepto de escudo, aunque toda ella en general es brillante. Asimismo también es destacable su variado reparto y la labor como director de Villeneuve ante el reto de adaptar una obra tan densa.
  
• LO PEOR: La labor de síntesis (digna de mérito para lograr un resultado asimilable: luego depende de cada cual que le resulta más o menos entretenida), le resta alma a los personajes, teniendo tan solo el carisma que les otorgan sus diferentes intérpretes, pero desinteresando sobre cual sea el destino de cada uno de ellos.
  

MADRE!, la polémica (con razón) película de DARREN ARONOFSKY

Darren Aronofsky es uno de esos directores cuyas obras no aceptan término medio, de tal manera que o bien las alabas o bien las odias. No se ha caracterizado por hacer mucho cine comercial, siendo la de Cisne Negro (esa por la que ganó un merecido Oscar a mejor actriz Natalie Portman) su cinta con mayor repercusión reciente. Dentro de su filmografía hay de todo, aunque tengo que admitir que sus últimos títulos me habían convencido lo suficiente, como Noé, El luchador o la antes mencionada Cisne Negro, pese a que comprendo muy bien a aquellos que no acaban de comulgar con el estilo de este director, ya que sus obras no son sencillas. Justamente por eso no me extraña los abucheos que parece ser que tuvo el presente film en su presentación en el Festival de Venecia, aunque recordándolo me hizo gracia vivir yo justo con lo contrario al pase al que asistí, el cual finalizó con unos aplausos inesperados, que me dejaron sorprendido.

¿Es tan mala esta película como para abuchearla o tan notable como para aplaudirla? Siendo justos, y bajo mi humilde baremo, tengo que admitir que estamos ante una película DIFICIL (así, en mayúsculas) donde en todo momento te preguntas que se supone que es esto, lo cual deriva en su último tercio en la sensación de que el director se ha vuelto loco, ya que el mismo es dificil de describir de una forma coherente, entendiéndose como un definitivo descenso al pozo de la locura extrema. Es cierto que las películas de este director siempre tienen ese poso de "rareza" que las hace dificiles de comulgar con el público general, pero en los films previos a éste había sabido (con mayor o menor acierto) dejar claro QUE estaba contando (otra cosa es que te gustara más o menos) por lo que lo primero que sorprende de esta Madre es justamente que te pasas media película intentando dilucidar QUÉ ES (¿thriller, suspense, terror, drama, otra cosa?) hasta que llegamos a ese punto donde TODO SE DESMADRA y al final dudas de si es real lo que estas viendo o no, o si tan solo se trata de algo dentro de la mente enferma de él (Javier Bardem) o ella (Jennifer Lawrence) porque ni tan siquiera se le da nombre a ninguno de los personajes principales.

En lo más básico la ¿historia? se centra en una casa donde el personaje de Jennifer Lawrence vive tranquila con su marido (Javier Bardem), un poeta en búsqueda de la inspiración perdida. De repente aparece una pareja de extraños (Ed Harris y Michelle Pfeiffer) a los cuales el marido acoge sin problemas, pese a las evidentes reticencias por parte de ella a meter en su hogar a unos perfectos desconocidos. Eso desemboca en el cada vez más extraño compartamiento de él, lo que a ella le estresa hasta tal punto que intenta sacar a todo el mundo de su casa... y lógicamente a partir de ese momento empiezan a suceder "cosas" que provocan el mayor desasosiego en nuestra sufrida protagonista al ver como tiene su casa invadida por agobiantes muchedumbres de personas (algo que a mi me provocó una sensación similar al ser poco proclive a los grandes tumultos, por lo que sin duda acierta al mostrar esa angustia)

Hasta ese momento el film ES RARO porque evaluas que todo esto es real (o al menos se supone) lo que te hace congeniar con la aprensión de ella o desconfiar ante el intrigante comportamiento de él. Hasta ahi lo que me había provocado es una tremenda intriga por intentar dilucidar QUÉ se supone que me estaban contando, pero es que a partir de ahi ya prevalece la total y completa anarquia, el mayor caos que uno se pueda imaginar, en donde el concepto de idolatría se lleva hasta el límite de la coherencia (e incluso más allá) hasta el punto de pensar en todo momento ¿PERO ESTO QUE ÉS? Eso sí, aunque al salir del cine pensaba en cual sería mi valoración (nada positiva) de Madre, al final voy a ser un poco más imparcial, ya que la inspiración le vino al director como crítica hacia la situación mundial actual, por lo que si se asume todo como una alegoría (donde la casa representaría nuestro planeta) resulta algo más tolerable, aunque si lo que pretendía era mostrar su rabía hacia el mundo en el que vivimos podía haberlo expresado de forma más concisa y concreta.

Ante la evidente duda de si recomendar o no esta película tan solo puedo admitir que la decisión depende de cada cual: en mi caso, y si te quedas tan solo con su aspecto formal, la sensación caótica que desprende es tan grande que te hace dudar sobre cual es el motivo de lo que nos han contado (porque de entrada admito que cuesta verlo) siendo al final algo un poco más o menos aceptable en caso de tomarlo como la alegoría que antes he citado pero AÚN ASÍ le sobra mucha simbología y le falta concreción (si criticas algo, ¿TANTO CUESTA DEJARLO CLARO?) De todas maneras al menos nos queda un cuarteto de actores que hacen un trabajo más o menos correcto, destacando sin duda una sufridora Jennifer Lawrence que no me extraña que acabe como acaba (justificando ese poster inicial de la película que también fue uno de los incentivos que me llevaron a decantarme por ella)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de septiembre de 2017
• Galeria de posters por este enlace.
• LO MEJOR: El cuarteto actoral principal, destacando una sufridora Jennifer Lawrence, así como los momentos en los que prevalece la angustia y la intriga sobre lo que nos estan contando.
• LO PEOR: Cuando la historia SE DESMADRA, provocando la lógica duda en el espectador sobre QUÉ se supone que está viendo.

PIRATAS DEL CARIBE (5): LA VENGANZA DE SALAZAR, ligera mejoría

Hay géneros clásicos que el paso del tiempo ha dejado obsoletos al no tener mucho nuevo que narrar (por ejemplo el western), siendo uno de ellos el de aventuras con piratas (con algunos intentos fallidos como La isla de las cabezas cortadas de Renny Harlin) Pero esto fue así hasta 2003 cuando Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra nos devolvió todo el encanto clásico de las aventuras de este género junto al espectáculo de todo blockbuster actual, aparte de presentarnos a uno de los personajes más emblemáticos de Johnny Depp (por el cual estuvo nominado al Oscar a mejor actor): el capitán Jack Sparrow.

¿Cual es el problema? Que a partir de ahi se ha intentado exprimir esta saga (recordemos que basada en una atracción de Disneylandia) y la mejor definición para sus sucesivas entregas sería esa de "franquicia escalera" porque cada nuevo film se colocaba un puesto por debajo del anterior (de hecho de la dilatadísima tercera entrega se me hizo un auténtico tostón mientras que de la cuarta no recuerdo ningún detalle digno de mención más allá de que era en la que salía Penélope Cruz) Casualidad  (o no) su pareja en la vida real, el actor Javier Bardem, toma aqui el relevo en esta quinta entrega encarnando a Salazar, el villano del título.

Esta quinta película de la franquicia se la juega a todas, por lo que tenemos precuela, secuela y reboot todo en uno, que aunque pueda parecer disparatado en principio consigue funcionar de una manera más o menos coherente cuando se traslada a pantalla. A lo primero se la juegan con un flashback donde vemos a un joven Jack Sparrow y su duelo con el antagonista, que con los antecedentes de lo visto en Rogue One con Leia y Guardianes de la galaxia 2 con el personaje de Kurt Russell me hace ¿temer? que la Disney haga algo similar para esa anunciada quinta aventura de Indiana Jones prevista para 2020 (no aclaro más por si alguien aún no ha visto los films citados; los que ya las hayan visto sabrán a lo que me refiero) Lo de secuela es evidente, porque sería necesario haber visto todas las anteriores por las menciones a las mismas, bien sea por hechos, personajes o situaciones.

Su tono de reboot resulta evidente en la nueva pareja protagonista de jóvenes que vendrían a cubrir el hueco que en las tres primeras tenian Orlando Bloom y Keira Knightley. De la misma hay que admitir que él resulta tan soso como en la muy horrenda Dioses de Egipto (donde era protagonista y coincidió con Geoffrey Rush, también presente en este título) ejerciendo aqui de hijo en la ficción del personaje de Bloom, lo cual NO ES SPOILER porque ya se ve en la primera escena, pero que visto lo visto resulta curioso cuando ambos actores tan solo se llevan 12 años y desde luego hace en comparación a Orlando Bloom un artista de premio (pese a que no se puede decir que sea un actor muy solvente)

Relativa mejor suerte se corre en el caso de ella, que luce más desparpajo pese a que aunque sea la protagonista femenina entre tanto hombre, su repercusión en la historia es más bien poca (más allá del pasado relacionado con un personaje de la saga que se descubre en el último tercio) a lo que hay que añadir que sin duda alguna cumple primero los estereotipos de una mujer avanzada a su época (se considera científica, por eso la tachan de bruja al inicio) pero no tiene ningún problema en asumir los elementos fantásticos que iran saliendo a su paso. De generoso escote (¡al menos se alegra uno la vista!) se podría decir que funciona con su partenaire en la ficción aunque es evidente quien será la dominante en esa relación (si es que la franquicia continua)

Jack Sparrow es lo que es: los que hayan visto las cuatro películas precedentes se encontrarán con más de lo mismo, si bien la simpatía que hubo con la película de 2003 aqui en algunos momentos resulta un tanto forzada, ya que no hay ese elemento novedoso del título inicial, dando la sensación de que Johnny Depp pensaba más en el lucrativo cheque que en otra cosa (de todas formas su presencia no deja de ser un elemento más de esta película, ni mejor ni peor, pero al menos sin llegar a resultar tan cansino como en anteriores entregas) Frente a él tenemos a un Javier Bardem correcto como ese fiero y temible Salazar, que resulta todo lo inquietante que podía ser aunque deja con la sensación de que se podría haber aprovechado más de él. Aparte de la presencia final (muda) de un personaje previo, el film tiene el cameo "tonto" de Paul McCartney, y digo "tonto" porque es del todo prescindible pero al final no molesta por justo eso: lo absurdo del mismo.

Aprendida la lección (porque era uno de los más evidentes errores de los films precedentes) la historia se concreta más, sin dilatar de forma innecesaria la película (lo cual no quiere decir que algún retoque por la sala de montaje no le hubiera ido mal) Pese a ello sus 129 minutos resultan muy entretenidos y aunque no llegue al nivel del título inicial (como he dicho, la novedad brilla por su ausencia) si que al menos insufla algo de su espíritu y consigue que si la saga continua (HAY ESCENA TRAS LOS CRÉDITOS) al menos nos queda la esperanza de que repitan (o mejoren) la jugada en el futuro. Al final esta La venganza de Salazar, sin ser ni mucho menos una maravilla, resulta la mejor secuela de La maldición de la Perla Negra, pese a mis iniciales reticencias (la tercera y cuarta entrega me hicieron perder toda esperanza)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de mayo de 2017
• LO MEJOR: Consigue rescatar algo del espíritu del primer film, mejorando ligeramente sobre las secuelas que tuvo el mismo (sobretodo en cuanto a duración)
• LO PEOR: Resulta muy evidente que la novedad que hubo en 2003 ahora mismo ya brilla por su ausencia (antes Jack Sparrow era simpático, ahora es tan solo un elemento más)

EL CONSEJERO de RIDLEY SCOTT: un aburrimiento con BRAD PITT, CAMERON DIAZ, JAVIER BARDEM y PENÉLOPE CRUZ

FICHA TÉCNICA 

Título: El consejero
Título original: The Counselor
Dirección: Ridley Scott
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 29/11/2013
Duración: 117 min.
Género: Thriller
Reparto: Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem, Cameron Diaz, Natalie Dormer, Dean Norris, John Leguizamo, Rosie Perez, Goran Visnjic
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Scott Free Productions, Kanzaman, Nick Wechsler Productions, Translux, 20th Century Fox

SINOPSIS

Narra la historia de un respetado abogado del sudoeste de Estados Unidos que se introduce en el mundo del tráfico de drogas. Escrita por el novelista Cormac McCarthy (La carretera, No es pais para viejos), en su primer guión original pensado expresamente para el cine que llega a las pantallas, dirigido por el reputado director Ridley Scott.

CRÍTICA

De manera definitiva puedo admitir que Cormac McCarthy no es para mi. Y ahora es cuando os preguntareis quien es ese: pues el guionista de esta cinta, la nueva película como director de Ridley Scott, a favor del cual quiero romper una lanza (suyas son dos joyas como Blade Runner y Alien), que se limita a hacer lo que puede con una historia aburrida hasta las trancas (aunque no olvidemos algunos deslices que ha tenido este director que le hicieron perder parte del mérito de sus orígenes).

El citado guionista saltó a la fama gracias al éxito conseguido hace unos años por No es pais para viejos, película con la que Javier Bardem ganó su primer Oscar. Si ya aquel título se me hizo cansino, no me quise arriesgar con la adaptación de La carretera (si acaso la obra más conocida del citado autor) pero me decanté por El consejero, ya que su reparto es bastante llamativo. Pero de nuevo se confirma que unos cuantos actores (más o menos buenos o famosos) no levantan un argumento tan soso como este, que parte del vacio para quedarse al final en nada.

Pese a todo quiero dejar bien matizado que una película como esta no se puede tildar de mala a la primera, porque si tiene momentos puntuales brillantes. Pero el problema radica en una historia muy insípida que no consigue ser levantada por el elenco protagonista, que en algunos casos parece que esté presente tan solo como reclamo para vender la película que por la importancia de su personaje (si bien como no acaban todos vivos hay que reconocer que cierta sangrienta muerte, que indico un poco más abajo, es uno de los grandes logros de esta, por otra parte, irregular película)

Del reparto el primero al que le toca "recibir" es sin duda Michael Fassbender, que pese a todo lo que le sucede, nunca consigue transmitir la empatía necesaria como para que al espectador le interese lo que le va pasando. Si continuamos con mi compatriota pareja de actores (los españoles Javier Bardem y Penélope Cruz) digamos que el primero sale en el mismo plan excéntrico que tenía en Skyfall mientras que la segunda no va más allá del mero adorno (su escena inicial casi lo mejor que hace durante todo el metraje). Otro que tan solo cumple sería Brad Pitt, si bien es junto con Cameron Diaz los que tienen los personajes más determinantes... y no digo más para no spoilear.

En cuanto a la valoración general, a El consejero le pese mucho ser una película más reflexiva que activa, de ahi que tan solo haya un par de escenas memorables, siendo una de ellas la aplicación de cierto elemento ahorcador con el que uno de los protagonistas acaba desangrado, ya que el citado chisme (como una especie de brida que poco a poco se aprieta más) puede acabar cortando la cabeza de la víctima (algo que, ¡lástima!, no se vé) pero la misma muere antes al rebanarse la carótida.

LO MEJOR: El director y el reparto, llamativos para todo aficionado al cine, así como puntuales escenas como la del ahorcamiento final de uno de los personajes.

LO PEOR: Es lenta, aburrida y los personajes hablan mucho y hacen poco.

LA CURIOSIDAD: Si la película se titula El consejero, ¿porque los subtítulos del pase de prensa al que acudí traducen esa palabra por "abogado"?

Posible nuevo director para ORGULLO Y PREJUICIO Y ZOMBIS, posters para KUNG FU PANDA 2 y THE TOURIST (entre otros), JAVIER BARDEM y JAMES FRANCO podrían estar en la secuela de FURIA DE TITANES, GRU supera los 500 millones de dólares, 11-11-11 nueva fecha ¿apocalíptica?, nuevo clip de HARRY POTTER 7 y otros breves

• Le han hecho a Mike White el ofrecimiento de la silla de director de Orgullo y prejuicio y zombis, según leo por este enlace.
• Scarlett Johanson podría ser la compañera de reparto de Matt Damon en la película We bought a zoo de Cameron Crowe, según leo por este enlace.
• Estrenan posters la tercera entrega de Esta abuela es un peligro, la película The tourist con Johnny Depp y Angelina Jolie y la secuela de Kung Fu Panda: todos ellos los teneis por este enlace.
• Wrath of the titans, el título provisional de la secuela que preparan de Furia de titanes, podría contar con James Franco como Agenor, hijo de Poseidon, y Javier Bardem como Ares, según leo por este enlace.
• Las dos entregas de la cuarta parte de la saga Crepúsculo se rodarán entre el 8 de noviembre y el 22 de abril del 2011, según leo por este enlace.
• Lo mismo que el 6-6-06 se estrenó el remake de La profecia, por aquello de que 666 es el número del Anticristo, la próxima película numérica que nos llegará será 11-11-11 que se estrenará ESE día, aún no se ha rodado (están en ello) y muestra por este enlace sus primeros posters.

Trailer de BIUTIFUL de ALEJANDRO GONZALEZ IÑÁRRITU y con JAVIER BARDEM (estreno en España el 3 de diciembre) y de RIO (de los creadores de ICE AGE)

Trailer en español de COME, REZA, AMA con JULIA ROBERTS y JAVIER BARDEM

NO ES PAIS PARA VIEJOS según José Mota (ex-Cruz y Raya)

VICKY CRISTINA BARCELONA de Woody Allen

FICHA TÉCNICA

Título: VICKY CRISTINA BARCELONA
Dirección: Woody Allen
País: España, Estados Unidos
Año: 2008
Duración: 96 min.
Género: Comedia dramática
Reparto: Javier Bardem, Patricia Clarkson, Penélope Cruz, Kevin Dunn, Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Chris Messina
Guión: Woody Allen
Distribuidora: Mediapro
Productora: Gravier Productions, Mediapro Pictures, Antena 3 Films
Diseño de Producción: Alain Bainée
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Montaje: Alisa Lepselter
Productor: Bernat Elias, Gareth Wiley, Helen Robin, Letty Aronson, Stephen Tenenbaum
Productor ejecutivo: Charles H. Joffe, Jack Rollins, Javier Méndez
Vestuario: Sonia Grande

SINOPSIS

Durante un viaje a España, dos jóvenes turistas estadounidenses, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson), ven cómo su mundo comienza a desintegrarse de manera compleja. El encuentro con un pintor español desinhibido (Javier Bardem) y las proposiciones de éste, finalmente aceptadas por las turistas, se convierten en el detonante de una historia que tiene otro vértice, la trastornadora aparición de la exmujer del pintor (Penélope Cruz) en sus vidas.

CRÍTICA

No voy a negar que alguna vez veo material audiovisual (series y/o películas) bajadas de internet. Yo nunca lo he mirado como pirateo, sino simplemente para aprovecharme ya que como a los pases de prensa mayoritariamente no puedo ir, al menos así puedo adelantar algún que otro título y dar mi opinión anticipada (y, claro está, ahorrarme el dinero si el resultado no merece la pena o verlo luego en cine si considero que si la merece, como he hecho hoy con LOS EXTRAÑOS, que he visto junto a este film). Y en el caso de las series para garantizarme el ver algo que no se como luego será emitido por las televisiones españolas.

Pero bueno, centrándonos en el tema el inicio de este comentario lo he puesto a colación porque en ocasiones muchas de las copias de films son screeners, cuya calidad oscila entre lo correcto y lo abominable. Y al comentarlo yo con gente con las mismas costumbres me comentaron que no sabian como podía ver yo screeners, cuya calidad es pésima comparada con los que estan como DVDrip o similares. Pero yo ya digo que lo único que me importa es la película, y que si esta en si merece la pena ya la veré luego en pantalla de cine cuando se estrene. Vamos, que con esta bastante extensa introducción lo que vengo a decir es que a mi lo que me importa en última instancia es la calidad de lo que veo más que en qué condiciones lo veo.

Y lo anteriormente citado viene a colación también por el idioma, porque Vicky Cristina Barcelona la he visto en una copia en catalán. Y que nadie piense que la crítica que voy a hacer a continuación es debido al idioma, porque aunque reconozco preferir las películas dobladas al castellano o en versión original subtitulada antes que en catalán, he de felicitar a los dobladores porque reconozco que han hecho en este caso un gran trabajo. Pero empezamos con el problema y ese es para mi Woody Allen. Todo el mundo tiene algún actor o actores y algún director o directores con los que no congenia, y eso a mi me pasa en el caso de estos últimos con Pedro Almodovar y Woody Allen. Sus películas me da la sensación de que giren siempre sobre lo mismo, con elementos comunes y estéticas similares. Es cierto que eso es un signo identificativo de cada uno, como lo puede ser de otros que si me gustan como Guillermo del Toro, pero la clave está en que los estilos de estos en cuestión no me van.

Con eso no quiero decir que sean malos directores, Allen por ejemplo ha dado al cine muchos clásicos entre ellos La Rosa Púrpura del Cairo, uno de mis films favoritos de él. Y Almodovar me pareció correcto en la celebre Todo sobre mi madre. Pero suelen ser casos puntuales. Y Vicky Cristina Barcelona es de las que no me ha convencido plenamente, ya que (por así decirlo) mezcla los conceptos que no me gustan del cine de Allen con los del cine de Almodovar, algo que se nota mucho por el hecho de estar rodada (mayoritariamente) en Barcelona. Y es que se cae en todos los tópicos habidos y por haber, dando la (falsa) sensación de que esta ciudad (yo vivo en ella) es algo así como la versión contemporánea del Paris de Moulin Rouge, con todo lleno de artístas bohemios con graves problemas emocionales o existenciales.

Eso no quita para que como muestra visual de lo que es la ciudad no resulte atractiva, porque otro de los puntos buenos del film es la hermosa fotografía del gran Javier Aguirresarobe, maestro que ya demostró su capacidad en otros films como Mar Adentro o Los Otros. Pero es que los personajes que presenta Allen no consiguen transmitirme nada: Javier Bardem tiene durante todo el film una pose de chulo y engreido con la que es dificil congeniar, Scarlett Johansson podía ser un atractivo visual (que no digo que no) pero su personaje es de una chica tan pánfila y atontada que pone nervioso al espectador (al menos a mi me pasó) con reacciones insipidas que muchas veces no vienen a cuento (igual es problema de las pocas dotes actorales de la actriz, aparte del rotundo físico que tiene). En ese sentido sería Rebecca Hall la que tendría a su cargo el rol más sensato del argumento, si no fuera porque el antojo que le hacen tener a su personaje hacia el de Bardem bordea lo estúpido en más de una ocasión (y de dos).

Curiosamente mis simpatias nunca han sido muchas hacia Penélope Cruz pero aunque su papel también es bastante tópico, es finalmente el que entretiene más, porque al estar medio loca se pasa casi todo el rato chillando como una chiflada, lo cual consigue entretener sobre el papanatismo de las dos americanas y la excesiva chulería del personaje de Bardem. Pero eso no quita para que en líneas generales todos los actores tengan a su cargo roles bastante arquetípicos, los cuales muestran aún más sus errores por el distanciamiento que uno siente hacia ellos, propiciado además por la voz en off que nos narra el film.

Y del resto poco a comentar, siendo una historia de amores, desamores, dudas morales y existenciales pero en donde la falta de interés hacia los personajes hace que a uno le queden finalmente sólo las bellas imágenes como contrapunto a una película que pese a su corta duración, se me hizo bastante cansina en su parte final. Pese a ello no la suspendo por los detalles positivos citados... aunque tampoco creo que merezca un aprobado.

LO MEJOR: El personaje de Penélope Cruz (más divertido de lo esperado) y la fotografía de Javier Aguirresarobe (que muestra una ciudad preciosa, así como también Oviedo, donde transcurre parte de la acción).

LO PEOR: Los arquetipos y clichés de los personajes, algo que se nota sobretodo en el chulesco personaje de Bardem y en el papanatas personaje de Scarlett Johansson, y los tópicos que pueden hacer pensar que Barcelona es una ciudad de artistas bohemios al estilo del Paris de Toulose Latrec. Y la historia, que no da para tanto haciéndose ya bastante cansina en su parte final.

Poster de VICKY CRISTINA BARCELONA de Woody Allen

NO ES PAIS PARA VIEJOS de Joel y Ethan Coen

FICHA TÉCNICA

 

Título original: No country for old men  

Dirección: Joel Coen, Ethan Coen 

País: Estados Unidos 

Año: 2007  

Duración: 122 min.  

Género: Drama  

Reparto: Barry Corbin, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson, Josh Brolin, Kelly MacDonald, Javier Bardem, Stephen Root, Rodger Boyce, Beth Grant, Garret Dillahunt, Tess Harper, Ana Reeder, Kit Gwin, Zach Hopkins, Chip Love, Eduardo Antonio Garcia, Gene Jones  

Guión: Joel Coen, Ethan Coen  

Productora: Scott Rudin Productions, Paramount vantage, Miramax Films, Mike Zoss Productions  

Dirección artística: John P. Goldsmith 

Diseño de Producción: Jess Gonchor  

Fotografía: Roger Deakins  

Montaje: Ethan Coen, Joel Coen  

Música: Carter Burwell 

Productor: Ethan Coen, Joel Coen, Scott Rudin  

Productor asociado: David Diliberto  

Productor ejecutivo: Mark Roybal, Robert Graf 

Vestuario: Mary Zophres  

 

SINOPSIS 

 

Llewelyn Moss (Josh Brolin) encuentra una camioneta rodeada por varios hombres muertos. En la parte trasera hay un cargamento de heroína y dos millones de dólares. Cuando Moss coge el dinero, provoca una reacción en cadena de violencia, que la ley, representada por el desilusionado sheriff Bell (Tommy Lee Jones), no consigue detener. Mientras Moss intenta huir de sus perseguidores, especialmente del misterioso cerebro de la operación (Javier Bardem) que se juega las vidas de otros a cara o cruz, la película pone al descubierto la delincuencia en Estados Unidos y amplía su significado hasta incluir temas tan antiguos como la Biblia y tan contemporáneos y sangrientos como los titulares de esta mañana. 

 

CRÍTICA 

 

La primera palabra que me sirve para describir esta película es decepción, aunque tengo que reconocer que puede que en parte influenciada por el amplio abanico de prestigio de la que la han rodeado, que quizás haga que las expectativas sean demasiado altas para la misma. Con ello no quiero decir que estemos ante una mala película, pero lamentablemente tampoco puedo decir que (bajo mi punto de vista) sea entretenida. Aunque eso si, como todo en esta vida, el tema tiene matices. 

 

De entrada admito que cuando empecé a conocer cosas de este proyecto lo primero que se me vino a la cabeza fue la película Los tres entierros de Melquiades Estrada dirigida por Tommy Lee Jones. (que mira tú por donde hace aqui un personaje bastante parecido). Al igual que aquella, esta se situa en la frontera entre Estados Unidos y México, y al igual que aquella nos narra una historia entre personajes que se situan en ambos lados de la frontera de la ley. Pero a diferencia de aquella (que tenía más ritmo) aqui la historia se hace demasiado pausada desde el principio, máxime cuando el argumento principalmente es como el protagonista descubre (y coge) un maletin con dinero y lo que provoca eso. Y ya está, no hay más. Con lo cual, para una historia tan escasa (y para como la desarrollan una vez que has visto la película) dos horas se antoja mucho tiempo. O como mínimo a mi se me hizo mucho tiempo. 

 

Naturalmente habrá quien diga que con menos argumentos ha habido películas buenas, y efectivamente así es si hay desarrollo de personajes. El problema está en que la cosa se mueve entre un decepcionado, que no decepcionante, Tommy Lee Jones (correcto en su papel), un bastante hermético Josh Brolin (a su personaje hay que sacarle las palabras con tenazas) y un soberbio Javier Bardem, que también no es que hable mucho, pero cuya presencia consigue convertirle en uno de los mejores puntos a favor de la película. El resto son simplemente personajes que van pasando por allí y ya está, si bien la cosa va desde los que aparecen sin que importe mucho (el fugaz papel de Woody Harrelson) u otros cuya presencia, aunque sea testimonial, da el contrapunto adecuado (el dependiente de la gasolinera con el que habla el personaje de Javier Bardem). Pero a lo que me vengo a referir es que no hay cambios en los personajes ni variación en sus caracteres: todos son como son y actuan como actuan de principio a fin de la película, sin que los actos que se producen durante la historia ocasione ningún cambio en ellos (el único podría ser si acaso el del protagonista cuando ve peligrar la vida de su esposa, si bien al final el tema queda en nada). 

 

Eso si, hay que reconocer que el film tiene ideas interesantes, como si ir más lejos todo lo relacionado con el personaje de psicópata que interpreta Javier Bardem, sin duda alguna lo más llamativo del film y que hace que se merezca la nominación al Oscar al mejor actor secundario que ha recibido (si bien su personaje podría interpretarse como el contrapunto del de Samuel L.Jackson en Pulp Fiction: donde aquel era todo sermones, éste es hierático y estoico, si bien en métodos son iguales) Por lo demás la película tiene relativos momentos de interés pero una duración excesiva y un ritmo demasiado pausado no ayudan a levantar el interés en esas escenas más interesantes de un film destacable actoralmente pero demasiado pausado argumentalmente.  

 

LO MEJOR: Todo lo relacionado con el personaje de Javier Bardem y algunos momentos de interés dispersos por el argumento. Asimismo los actores principales (correctos en sus respectivos papeles)  

 

LO PEOR: Que para lo que cuenta, como lo cuenta es muy pausado y lo que tarda en contarlo es mucho tiempo.