BLADE RUNNER 2049, una tardía pero digna secuela (crítica sin spoilers)

A Ridley Scott siempre le han juzgado toda su obra posterior sobre sus dos primeros y más emblemáticos trabajos: Alien y Blade Runner. De la primera ha habido secuelas, precuelas y hasta spinoffs pero ninguna ha superado a la original (no entramos en las valoraciones porque hay desde films más o menos acertados a bodrios que sería mejor olvidar), pero la segunda se había mantenido "virgen" de secuelas hasta ahora, aunque nadie le niega lo mucho que influyó en el aspecto visual de un buen montón de películas que llegaron con posterioridad. Aunque en su momento fue un fracaso de taquilla, el Blade Runner original de 1982 fue revalorizado con el paso del tiempo, por lo que una secuela 35 AÑOS DESPUÉS se antojaba como un reto dificil, no solo de llegar al escalafón que tiene el film previo, sino que además atraiga a una nueva hornada de espectadores.

Pero todo llega en esta vida, y más en el mundo del cine, por lo que si una película puede ser revisada de alguna manera para seguir siendo lo más rentable posible, siempre habrá alguien que se apunte al carro, con el aliciente de la nostalgía que levante la obra primigenia. En este caso hay de todo (precuelas, secuelas, reboots, etc.) pero cabría indicar que ya la película original se aprovechó de ello, más que nada con las varias versiones posteriores que vieron la luz, entre ellas la que ví yo hace una década en su reestreno en cines. Cabe indicar, al menos en mi opinión, que el título de 1982 es una de esas películas que hay que visionar más de una vez, porque encierra detalles de una sorprendente madurez que pueden resultar inadvertidos para aquellos que tan solo busquen un entretenimiento pasajero. Curiosamente esta secuela, aún logrando mantener el tipo con dignidad, resulta una historia mucho más sencilla y bastante deudora de la cinta del 82, hasta el punto de que quien no la haya visto puede no acabar de entender (y por lo tanto no disfrutar) esta película, aunque nadie le niega su calidad pero también sus evidentes errores, siendo el más palpable ese tan común en la gran parte de los estrenos de estos últimos tiempos: una dilatación temporal innecesaria.

No criticaré la duración de las películas si tienen ALGO que contar, pero es que lo que nos cuenta Blade Runner 2049 lo podría haber narrado igual, y me atrevería a decir que incluso mejor, recortando bastante esos 163 minutos que cuando acaban te dejan con la sensación de que han metido mucho relleno a una historia que en si es bastante básica (aparte de que se dejan las puertas abiertas para más secuelas en caso de que el presente título triunfe en taquilla lo que no logró el original) Sin desvelar spoilers, ya que un mensaje previo del director antes del pase de la película al que acudí solicita que sea así (lo que me llevó a rememorar la misma petición de Zack Snyder en Batman v Superman) el mayor error que se le podría encontrar a esta secuela sería cierta falta de personalidad, al menos por parte de un responsable (Denis Villeneuve) que no es uno de esos directores que te fabrica películas como churros, sin dejar ningún detalle propio en la obra sino que realizando un trabajo que para la ocasión podría haber llevado a cabo cualquiera (que insisto, aqui no es el caso)

Probablemente si este proyecto hubiera caido en las manos de otra persona si que se podría haber quedado más escaldado del resultado final, pero es justo valorar que Villeneuve consigue transportarnos de nuevo al mundo de la película de 1982, lo único que tres décadas después de los hechos que nos narraba la primera entrega. Esos 185 millones de dólares que ha costado esta película lucen de forma maravillosa en todo momento en pantalla, por lo que no puedo quejarme de su diseño de producción o su fotografía (en ambos casos meritorios) pero quizás esperaba yo más que ver algo que en la película de Scott si era original, pero que ahora mismo ha sido un recurso utilizado tantas veces que no provoca el asombro de aquel entonces (aunque insisto, valorando que sabe captar aquella atmósfera, sin caer en la simple repetición de esquemas, pero sin algún toque personal que la haga evolucionar más allá de ahi, haciéndola demasiado deudora de la primera entrega)

Si por algo será recordado Harrison Ford será por esos tres personajes tan emblemáticos que ha interpretado en su larga carrera: Indiana Jones, Han Solo y Rick Deckard. Si en el primer caso cuesta imaginar otro rostro que no sea el de este actor, otro tanto se podría decir de su famoso personaje de la saga Star Wars, por lo que si Ford ha vuelto a ellos en los últimos años (con mayor o menor acierto), el único que faltaba era el de Blade Runner, lo que resulta cubierto estando en esta secuela, si bien el protagonista principal sería Ryan Gosling, tardando bastante en llegar el momento en que se unen ambos personajes. La química entre ambos actores funciona bien en los momentos que comparten en pantalla, aunque sin duda se ve superada por la que hay entre Gosling y Ana de Armas, en este caso destacable en múltiples facetas. Bastante más discutible sería el trabajo de Jared Leto (el Joker de Escuadrón Suicida), no porque no lo haga bien (cumple con corrección) sino porque su personaje creo que se podría haber descartado para agilizar el ritmo final del film.

Por el reparto de esta secuela también vemos a un Edward James Olmos que repite casi a nivel testimonial, al que sumar otros como Dave Bautista (Drax en las películas de los Guardianes de la galaxia), Robin Wright o una Sylvia Hoeks cuya villana nunca se me hizo tan temible como se supone que es. En resumidas cuentas esta Blade Runner 2049 es una buena película (eso nadie se lo niega) que gracias a la respetuosa labor de Villeneuve resulta una digna secuela del título original con un acabado visual portentoso cuyo mayor handicap estaría en una excesiva dilatación para una historia más o menos sencilla, así como una glorificación del trabajo de Scott, sin añadir detalles que hagan evolucionar al conjunto más allá de su excelente apartado visual (solo por comparar James Cameron en la primera secuela que tuvo el Alien inicial si aportó más variantes sobre el planteamiento original que lo que hace aqui Villeneuve respecto al trabajo original de Scott, más allá de las tres décadas citadas que separan uno del otro)

============================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de octubre de 2017
• Galeria de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Cumple bien en el difícil trabajo de ser la secuela de uno de los títulos más míticos de la ciencia-ficción de todos los tiempos.
• LO PEOR: Para lo que cuenta, y como lo cuenta, le sobra metraje.

WONDER WOMAN: LA VERDADERA AMAZONA, GOTHAM CENTRAL: EN EL CUMPLIMIENTO DEL DEBER y STAR WARS 2: LA HORA DE LA VERDAD EN LA LUNA DE LOS CONTRABANDISTAS

El estreno de un film de superhéroes conlleva la proliferación de material sobre el personaje (o los personajes) en cuestión, y eso es lo que se podría considerar el presente comic, el cual le da un nuevo giro (otro más) al origen de Wonder Woman, quien (al igual que los otros miembros de la trinidad de DC: Batman y Superman) ha tenido diferentes interpretaciones a lo largo de los años dependiendo del contexto histórico en el que fueron editadas.

Con una labor gráfica a cargo de Jill Thompson realmente muy destacable (detalle muy facil de intuir tan solo con ver la portada), lo más chocante cuando uno se lee esta obra puede estar en el hecho de que en este origen la princesa Diana de Themyscira resulta ser una joven engreida, vanidosa y malcriada, a la que por consentirle todo se ha convertido en una niñata estúpida que aprenderá a redimirse a través de unos giros de guión que funcionan adecuadamente, dotando de coherencia un relato que sobretodo es una delicia artística. Estando fuera de la continuidad del personaje, su mayor mérito radica en ese acertado tono como de cuento clásico.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Gotham Central es un comic que en origen lo leí en su edición de Norma (si la memoria no me falla, ya que fue antes del nacimiento de este blog) y que repetí en la de Planeta (que eso si dejó reseña al respecto), al menos en lo referente al inicio de la misma, que es lo que se incluye en el tomo Gotham Central: En el cumplimiento del deber editado por ECC y que recopila los diez primeros números de la citada cabecera (un donativo de Ficomic a la biblioteca Tecla Sala que ha sido una de mis más recientes lecturas de biblioteca)

Cabe señalar que estamos ante una destacada obra de género negro, que bien podría tildarse de procedimental (vió la luz a principios de siglo, cuando triunfaban series como CSI y sus múltiples derivados), en donde seguimos la rutina diaria del departamento de policia de Gotham a traves de los ojos de personas normales que tienen que convivir en una ciudad donde en sus diferentes investigaciones pueden estar implicados personajes con poderes. Spin-off de Batman, el citado superhéroe es apenas un cameo en esta notable serie derivada del famoso personaje de DC.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Desde que Disney tiene la franquicia de Star Wars resulta evidente que le estan sacando todo el provecho que pueden (¡ojo, que igual yo haría lo mismo!) y aparte de una grandiosa cantidad de merchandising de todo tipo, una de las vias para la explotación de la citada marca también son los comics. Pero lejos de ser un producto simple, resulta que estamos ante un buen complemento a todo lo muchísimo que ya hay de esta saga.

En este segundo tomo, cuyo título es La hora de la verdad en la luna de los contrabandistas, se recopilan los números 7 al 12 de los comics que edita Marvel (que como también es de Disney digamos que "todo se queda en casa"), continuando el relato donde se quedó en el primer tomo que me leí hace unos meses. Con el acertado guión de Jason Aaron el primer número incluido en este tomo (el 7) actuaría como de precuela con un relato de Obi-Wan Kenobi, mientras que se recupera la historia previa en los números 8 al 12 cuyo apartado gráfico corre a cargo de Stuart Immonen, y que siguen a los personajes clásicos entre los episodios cinematográficos IV y V.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

LA SENSACIONAL HULKA DE JOHN BYRNE, EL ALA ROTA, EL ARTE DE VOLAR, MARVEL 70 ANIVERSARIO y HOTWIRE (1 y 2) DE WARREN ELLIS

Mucho había oído y leído yo sobre la etapa de John Byrne en Hulka, y cuando ví este volumen como novedad en el pasado Salón del Comic ya tenía claro que, antes o después, tendría que conseguir leerlo, algo que he logrado al estar ya disponible en algunas bibliotecas. Pero... ¿en serio es para tanto? Pues una vez leído tengo que admitir que sin duda lo es, y con creces, ya que hacía mucho tiempo que no me divertía tanto leyendo un comic de Marvel.

Cuando me reaficioné a los tebeos, la heroina que más me marcó fue Elektra, por su tortuosa historia de amor con Matt Murdock (Daredevil), aunque también sentí ese "algo" especial por Gwen Stacy, sobretodo tras su trágico destino. Aparte de esas dos ha habido otras que me han gustado en mayor o menor medida, pero nunca pensé que esa "chispa" en especial que me hizo encariñarme con algunas la volvería a sentir tantos años después, y eso es justo lo que me ha pasado con esta Hulka. Y es que pese a que ya había leído otras obras de Byrne, e incluso su etapa en Los 4 Fantásticos donde sustituyó temporalmente a La Cosa por Hulka, sin duda que no me esperaba la GRATA SORPRESA que me ha encontrado aqui viendo como hace a la protagonista del todo consciente de que está en un tebeo... ¡¡¡conversando con los propios lectores e incluso discutiendo sobre algunos giros argumentales que le escribía Byrne y con los que ella no estaba muy conforme!!!

Resulta muy evidente la total libertad que tenía el autor con el personaje, de tal manera que CUALQUIER COSA era posible en la colección de la Amazona Esmeralda, siempre desde un punto de vista disparatado y divertido donde la pobre Hulka se veía inmersa en situaciones de todo tipo, que en algunos momentos le hacían romper la cuarta pared (incluso de forma literal rasgando la página) para mostrar sus discrepancias sobre lo que esta viviendo, provocando de forma muy evidente la estupefacción del lector y su lógica sorpresa, e incluso sonrisa cómplice por las críticas soterradas bajo algunos de estos momentos, estando ahi lo más brillante de esta obra (por destacar alguno citaría cuando se evalua lo que el Comics Code vigente entonces podía permitir mostrar o no, siendo la protagonista tan desinhibida como resulta ser)

Hulka es en manos de Byrne una mujer tan femenina como atrevida, y tan sexy como divertida, radicando ahi la novedad (en aquel entonces) lo que llevó a que esta colección fuera la más extensa protagonizada por una superheroina (hasta que años después se volvió más usual que una fémina tuviera cabecera propia en los comics, y ese record fue superado) Este volumen recopila toda la labor de John Byrne con Hulka, que tuvo un lapsus, aqui citado, porque abandonó la serie en el número 8, volviendo luego en el 31 tras un periodo de tiempo en el que estuvo trabajando para DC, lo que no fue para nada obstáculo para que con él volviera el cachondeo, aunque (para comparar) me quedo con las ganas de leer que tal fue Hulka sin él a los mandos.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

En principio se puede decir que los comics El ala rota y El arte de volar tendría que reseñarlos por separado, pero la verdad es que uno me ha llevado hasta el otro, y como aparte de coincidir en autores (Antonio Altarriba al guión y Kim como dibujante) ambas obras serían complementarias, creo que lo más justo es dejar constancia conjunta (aunque matizando que primero he leído El ala rota, que es el más reciente, y después El arte de volar, que ya tiene más años)

En este excelente díptico Antonio Altarriba realiza un somero repaso de la historia de este pais a través de las vivencias de su padre (El arte de volar fue primero) y posteriormente de su madre (El ala rota) En el primer caso fue publicada en 2009 y ganó el Premio Nacional de Comic en 2010, dando comienzo su historia en mayo del 2001 con el suicidio del anciano padre del autor al lanzarse al vacio desde una ventana de la residencia geriátrica donde estaba. A partir de ahi se retrocede en el tiempo y a través de cuatro capítulos (uno por cada planta de la residencia desde la que se suicidó) vemos un repaso a su vida que va desde su infancia y juventud a principios del siglo XX, cuando sueña con llegar a algo más que la rutinaria vida en el campo, pasando por su experiencia en la Guerra Civil Española, su regreso a la sociedad tras ese conflicto armado y su siempre problemática lucha para seguir adelante en una época en la que no estaban las cosas fáciles para nadie, en una continua lucha por subsistir tanto él como la familia que formó. Llegado a su ocaso el ver como se iban apagando la vida de sus personas más cercanas le lleva a tomar una solución radical...

Si el primero ya es notable, tengo que admitir que el segundo me ha parecido aún mejor, porque como seguro que habreis supuesto, si El arte de volar está dedicado a su padre, en El ala rota hace otro recorrido biográfico, esta vez dedicado a su madre. Y ahi es donde ha acertado más en mi caso, porque el repaso que hace él de su madre podía ser equivalente al que podría hacer yo de la mia: mujeres de caracter fuerte y emprendedor que tuvieron que vivir en una sociedad machista que les obligó a aguantar de forma estoica todos los reveses que la vida les dió. La vida de la protagonista de esta historia comienza en 1918 mientras que la de mi progenitora lo hizo en 1941, pero los sinsabores de la Guerra Civil Española y los 40 años de dictadura en las que terminó marcaron a fuego la vida y el destino de muchas mujeres que aguantaron de todo en una sociedad donde ellas eran principalmente elementos secundarios e invisibles, aunque en el fondo imprescindibles.

Son dos vidas, las de sus dos progenitores, pero que también fueron las vidas de muchos españoles y españolas del pasado siglo XX, que lidiaron con un montón de penurias para conseguir salir adelante en una sociedad en la que nada se les ponía facil. Esas vidas ya acabaron o se encuentran en su ocaso, pero sus historias son dignas de recordar, así como la situación del periodo histórico en que tuvieron lugar, ya que siempre se desea que conociendo nuestro pasado no repitamos errores en el futuro. Sin duda alguna un magnífico díptico cuyo apartado gráfico también está resuelto de una manera destacable por Kim, uno de los fundadores de la revista satírica El Jueves donde se hizo famoso con su serie Martínez El Facha.

NOTA: Aunque la edición que me he leido de El arte de volar es la original de 2009 cuya portada adjunto arriba, he podido hojear también la de 2017 (que enlazo abajo) la cual se completa con otra colaboración entre ambos autores (Altarriba y Kim) en una breve historia de 14 páginas titulada La casa del sol naciente, relacionada con el espíritu con que vió la luz la obra original y un muy bonito complemento a la misma. 

• Ficha editorial (de la edición más reciente) de El arte de volar por este enlace, ficha de la biblioteca (de las ediciones disponibles) por este otro.
• Ficha editorial de El ala rota por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Aunque 1961 se considera como el año en que nació Marvel antes de ello estaba Timely, que fue la editorial en la que vieron la luz personajes como el Capitán América y Namor. Como en tal caso la historia empezaría a contar desde 1939, el pasado 2009 cumplió su 70 aniversario, que es la justificación para el título aqui reseñado, en el que se recuperan los superhéroes que en aquel entonces abrieron la veda para todo lo que vino después (siendo conocidos algunos de ellos como los antes citados Namor o Capitán América, junto con otros que vivieron su etapa de gloria durante el periodo de la Segunda Guerra Mundial, pero de los que posteriormente no se supo nada)

Como todo producto nostálgico hay que reconocer que el resultado final de las seis historias que componen este tomo es aceptable, aunque con los evidentes altibajos en una obra como esta en la que colaboran varios autores. Pese a todo tengo que admitir que algunos de esos personajes que se dan cita por estas páginas resultan bastante añejos, a lo que sumar los que me son poco conocidos, por lo que el mayor disfrute lo tuve con los pocos que si conocía como Capitán América o Namor (pese a que ya se haya visto de todo con ellos) u otros como por ejemplo la Antorcha Humana original, sin relación con la posterior que fue de Los 4 Fantásticos y a la que "conocí" por esa obra maestra que fue el Marvels de Alex Ross.

Aunque su espíritu sea nostálgico, el conjunto de las historias incluidas en este volumen resulta entretenido, ofreciendo al lector las suficientes dosis de aventuras y acción como para no acabar decepcionado (e incluso me atrevería a decir que en algunos momentos incluso asombrado) de camino que se ahonda un poco en ese pasado de la actual Marvel que quizás no es muy conocido por la mayoria del público.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Muchas veces he mencionado que además de lo que busco por las bibliotecas de formas diversas (lo más nuevo de Marvel, de DC, etc) en algunos casos eso de ir mirando por las estanterias para ver que me encuentro me ofrece gratas sorpresas como ha resultado ser Hotwire, de la cual me he leído los dos únicos tomos editados en este pais: Réquiem por los muertos y Corte profundo.

¿Qué fue lo que me llamó la atención del presente comic? Pues además de un bastante destacado apartado gráfico a cargo de Steve Pugh (cuyo detallado trabajo lo primero que me recordó fue a Alex Ross) enseguida me picó mucho la curiosidad ante un planteamiento realmente llamativo: en un futuro bastante cercano los muertos no se mueren. Y no, no estamos ante esa enésima historia de un apocalipsis zombi sino ante algo más original: los difuntos permanecen entre los vivos en forma de una energía llamada "luz azul" y que (para entendernos) vendría a ser como la forma ectoplasmática de los mismos. Como es lógico suponer la convivencia entre la población y esos entes fantasmagóricos resulta más o menos correcta, aunque hay casos en los que se rebelan siendo un evidente peligro para toda la sociedad. Justo en esos momentos es cuando entra en acción un departamento de las fuerzas del orden creado a tal efecto dentro del cual está la protagonista Alicia Hotwire, de profesión detective-exorcista (y ahi está el otro detalle que me llamó la atención)

Lejos de todos los estereotipos que hay en el género de los fantasmas, tengo que admitir que aqui se realiza una llamativa modificación que acerca el tema al ciberpunk, incluso dando una justificación técnica a la aparición de esos seres de "luz azul" lo que sirve de perfecto contrapunto a un esquema narrativo que se podría tildar de procedimental de ciencia-ficción. Beneficiada por tener una protagonista muy bien desarrollada con la que enseguida se establece una total empatía y dotada de un ritmo tremendamente visual (hasta ese punto de que el lector se imagina en todo momento una posible adaptación en película o serie de este comic) Hotwire se convierte sin duda en una grata sorpresa en todos sus aspectos, cuyo único punto negativo estaría en que ya ha pasado más de un lustro desde su edición original, por lo que no sé (en el momento de escribir esta reseña) si hay más historias posteriores (que puede que si) y cuando verán la luz.

• Ficha técnica de Réquiem por los muertos por este enlace, ficha técnica de Corte profundo por este enlace, ficha de la biblioteca de ambos por este otro.

MADRE!, la polémica (con razón) película de DARREN ARONOFSKY

Darren Aronofsky es uno de esos directores cuyas obras no aceptan término medio, de tal manera que o bien las alabas o bien las odias. No se ha caracterizado por hacer mucho cine comercial, siendo la de Cisne Negro (esa por la que ganó un merecido Oscar a mejor actriz Natalie Portman) su cinta con mayor repercusión reciente. Dentro de su filmografía hay de todo, aunque tengo que admitir que sus últimos títulos me habían convencido lo suficiente, como Noé, El luchador o la antes mencionada Cisne Negro, pese a que comprendo muy bien a aquellos que no acaban de comulgar con el estilo de este director, ya que sus obras no son sencillas. Justamente por eso no me extraña los abucheos que parece ser que tuvo el presente film en su presentación en el Festival de Venecia, aunque recordándolo me hizo gracia vivir yo justo con lo contrario al pase al que asistí, el cual finalizó con unos aplausos inesperados, que me dejaron sorprendido.

¿Es tan mala esta película como para abuchearla o tan notable como para aplaudirla? Siendo justos, y bajo mi humilde baremo, tengo que admitir que estamos ante una película DIFICIL (así, en mayúsculas) donde en todo momento te preguntas que se supone que es esto, lo cual deriva en su último tercio en la sensación de que el director se ha vuelto loco, ya que el mismo es dificil de describir de una forma coherente, entendiéndose como un definitivo descenso al pozo de la locura extrema. Es cierto que las películas de este director siempre tienen ese poso de "rareza" que las hace dificiles de comulgar con el público general, pero en los films previos a éste había sabido (con mayor o menor acierto) dejar claro QUE estaba contando (otra cosa es que te gustara más o menos) por lo que lo primero que sorprende de esta Madre es justamente que te pasas media película intentando dilucidar QUÉ ES (¿thriller, suspense, terror, drama, otra cosa?) hasta que llegamos a ese punto donde TODO SE DESMADRA y al final dudas de si es real lo que estas viendo o no, o si tan solo se trata de algo dentro de la mente enferma de él (Javier Bardem) o ella (Jennifer Lawrence) porque ni tan siquiera se le da nombre a ninguno de los personajes principales.

En lo más básico la ¿historia? se centra en una casa donde el personaje de Jennifer Lawrence vive tranquila con su marido (Javier Bardem), un poeta en búsqueda de la inspiración perdida. De repente aparece una pareja de extraños (Ed Harris y Michelle Pfeiffer) a los cuales el marido acoge sin problemas, pese a las evidentes reticencias por parte de ella a meter en su hogar a unos perfectos desconocidos. Eso desemboca en el cada vez más extraño compartamiento de él, lo que a ella le estresa hasta tal punto que intenta sacar a todo el mundo de su casa... y lógicamente a partir de ese momento empiezan a suceder "cosas" que provocan el mayor desasosiego en nuestra sufrida protagonista al ver como tiene su casa invadida por agobiantes muchedumbres de personas (algo que a mi me provocó una sensación similar al ser poco proclive a los grandes tumultos, por lo que sin duda acierta al mostrar esa angustia)

Hasta ese momento el film ES RARO porque evaluas que todo esto es real (o al menos se supone) lo que te hace congeniar con la aprensión de ella o desconfiar ante el intrigante comportamiento de él. Hasta ahi lo que me había provocado es una tremenda intriga por intentar dilucidar QUÉ se supone que me estaban contando, pero es que a partir de ahi ya prevalece la total y completa anarquia, el mayor caos que uno se pueda imaginar, en donde el concepto de idolatría se lleva hasta el límite de la coherencia (e incluso más allá) hasta el punto de pensar en todo momento ¿PERO ESTO QUE ÉS? Eso sí, aunque al salir del cine pensaba en cual sería mi valoración (nada positiva) de Madre, al final voy a ser un poco más imparcial, ya que la inspiración le vino al director como crítica hacia la situación mundial actual, por lo que si se asume todo como una alegoría (donde la casa representaría nuestro planeta) resulta algo más tolerable, aunque si lo que pretendía era mostrar su rabía hacia el mundo en el que vivimos podía haberlo expresado de forma más concisa y concreta.

Ante la evidente duda de si recomendar o no esta película tan solo puedo admitir que la decisión depende de cada cual: en mi caso, y si te quedas tan solo con su aspecto formal, la sensación caótica que desprende es tan grande que te hace dudar sobre cual es el motivo de lo que nos han contado (porque de entrada admito que cuesta verlo) siendo al final algo un poco más o menos aceptable en caso de tomarlo como la alegoría que antes he citado pero AÚN ASÍ le sobra mucha simbología y le falta concreción (si criticas algo, ¿TANTO CUESTA DEJARLO CLARO?) De todas maneras al menos nos queda un cuarteto de actores que hacen un trabajo más o menos correcto, destacando sin duda una sufridora Jennifer Lawrence que no me extraña que acabe como acaba (justificando ese poster inicial de la película que también fue uno de los incentivos que me llevaron a decantarme por ella)

============================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de septiembre de 2017
• Galeria de posters por este enlace.
• LO MEJOR: El cuarteto actoral principal, destacando una sufridora Jennifer Lawrence, así como los momentos en los que prevalece la angustia y la intriga sobre lo que nos estan contando.
• LO PEOR: Cuando la historia SE DESMADRA, provocando la lógica duda en el espectador sobre QUÉ se supone que está viendo.

KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO, en la línea de la primera entrega

Recuerdo cuando ví en su estreno Kingsman: Servicio secreto que me sorprendió encontrar una película con altas dosis de entretenimiento teniendo en cuenta que de entrada parecía tan solo una parodia más dentro del género de espias. Su fenomenal resultado en taquilla (por apenas unos 80 millones de dólares recaudó a nivel mundial más de 400) hacía previsible la secuela, la cual nos llega ahora repitiendo el mismo director (Matthew Vaughn) que ya parece experto en adaptar comics en general (suya es X-Men: Primera generación) y con guión de Mark Millar en particular (dirigió la primera entrega de Kick-Ass, no así la segunda)

Intentando, como toda secuela que se precie, llevar un paso más allá todo lo destacable del film inicial, hay que admitir que lo consigue en función de que el espectador no analice lo que está viendo en pantalla ya que, en caso contrario, las incoherencias argumentales derriban la propia lógica de la historia (por más que siga siendo una parodia con mayor o menor gracia, dependiendo de cada espectador, hay detalles que evidentemente no citaré pero que resultan un tanto forzados) Y es que esta secuela, que salvo que sea un desastre en taquilla generará seguramente una nueva entrega, tiene evidentes aciertos y fallos en sus un tanto excesivos 141 minutos, siendo más evidente lo segundo en lo poco que aprovecha algunos personajes teniendo en cuenta todo el tiempo del que dispone.

La historia de esta secuela vuelve a tener de protagonista a Taron Egerton (Eggsy) al que al cabo de bien poco juntan con ese Harry encarnado con solvencia por Colin Firth y que vuelve de entre los muertos pese a lo que le sucedió en la primera entrega de una manera un tanto "discutible" (es un spoiler que la propia promoción del film ha dejado bien claro, por lo que no seré yo quien lo omita) En un ataque llevado a cabo sin una lógica justificación la villana de esta historia, encarnada de una forma disparatada por Julianne Moore, elimina a los Kingsman, lo que llevará a Eggsy y Merlin (Mark Strong es otro que también repite) a conocer a los Stateman, lo equivalente a la división británica que ellos representan pero con un claro toque estadounidense (lo que lleva a preguntarnos cuantas otras agencias autóctonas habrá repartidas por todo el mundo y por que la Poppy de Moore elimina sólo a la británica: lo primero puede tener respuesta en próximas entregas mientras lo segundo lo agrupo en las incoherencias antes citadas)

Ya que menciono a la villana es justo destacar de la misma que Julianne Moore sabe muy bien lo que esperamos de ella y se divierte llevando a cabo una actuación un tanto histriónica (¡ojo, en el buen sentido!) que la emparenta con el personaje a cargo de Samuel L.Jackson en la primera, y que no dejan de ser parodias de esos villanos megalómanos contra los que se ha enfrentado James Bond, solo que en si en la primera el enemigo a combatir podía tener algo de Steve Jobs, en este caso Poppy parece haberse quedado anclada en la década de los 50 del pasado siglo XX, algo que se hace evidente en una base secreta tan temática de esa época que roza incluso lo esperpéntico. Es cierto que se pueden poner reparos a la forma tan forzada con la que pone en jaque al mundo, pero resulta muy divertido el contraste entre sus formas de comportarse y actuar frente al hecho de que sea la propietaria de la mayor red mundial de tráfico de drogas (el Círculo de Oro que se cita en el título) aunque se podía haber ahondado más en ella y no quedarse tan solo en la superficie.

Otro personaje que vuelve es el encarnado por Hanna Alström pero aunque tiene (más o menos) coherencia este regreso, creo que se queda a medias dando la sensación de cumplir tan solo para rellenar el apartado romántico (del que al menos hay que alabar que no se abuse) y justificar algunas de las motivaciones de Eggsy. En cuanto a éste, Taron Egerton sigue funcionando de forma acertada, aunque los simpáticos momentos con el personaje de Firth que había en la primera cinta aqui son mucho más contados, dando la sensación de que el regreso del mentor de Eggsy no se ha sabido desarrollar bien aunque el resultado final es aceptable sobretodo gracias al carisma que sigue desprendiendo Colin Firth. Entre los nuevos fichajes están el elenco principal de Stateman, de los cuales se saca poco provecho de otro actor tan experimentado como Jeff Bridges, se deja en un papel equivalente al de Mark Strong a Halle Berry y Channing Tatum incluso se puede admitir que no lo hace mal, aunque el más destacado sería el encarnado por Pedro Pascal.

En resumidas cuentas esta secuela de Kingsman funciona muy bien y se hace entretenida (mentiría si dijera lo contrario), aunque también es evidente que su ritmo tiene altibajos que prueban eso de que no siempre más significa mejor (nadie le niega lo espectacular que resulta en algunos momentos, aunque quizás faltaría un equivalente a esa escena de la iglesia de la primera película) Eso si, resulta muy irónica tanto la visión que se da del tema de las drogas como de la política (de esto sirva de ejemplo la forma de actuar del Presidente de los Estados Unidos) a lo que añadir el inesperado acierto de quien más dudas me levantaba de su reparto (y es que Elton John ridiculizándose a si mismo es mucho más divertido de lo que pensaba), por lo que aunque se haya perdido parte de la novedad que fue el Kingsman original, se puede admitir que esta secuela logra mantener el estilo general de la entrega previa, dejando con ganas de imaginar por donde evolucionará esta franquicia, a la que seguro que le sacarán más jugo.

============================

• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de septiembre de 2017
• Galeria de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Que mantenga el estilo de la película inicial, así como sus aciertos en las novedades que plantea (sobretodo lo relacionado con Stateman y el histrionismo de la nueva villana)
• LO PEOR: Su ritmo tiene evidentes altibajos (a lo que no ayuda su duración) y no acaba de aprovechar el nivel de su reparto.