INVASION

FICHA TÉCNICA  

 

Título: INVASIÓN  

Título original: The Invasion  

Dirección: Oliver Hirschbiegel 

País: Estados Unidos  

Año: 2007 

Duración: 95 min.  

Género: Ciencia-ficción, thriller  

Reparto: Veronica Cartwright, Nicole Kidman, Jeremy Northam, Daniel Craig, Jeffrey Wright, Celia Weston, Josef Sommer, Jackson Bond  

Guión: Dave Kajganich  

Distribuidora: Warner Bros. Pictures 

Productora: Warner Bros Pictures, Village Roadshow Pictures, Silver Pictures, Vertigo Entertainment, Oliver Pictures Inc.  

Asistente de Dirección: James McTeigue 

Dirección artística: Caty Maxey, James F. Truesdale  

Director de fotografía: Rainer Klausmann  

Diseño de Producción: Jack Fisk  

Montaje: Hans Funck, Joel Negron  

Música: John Ottman  

Productor: Joel Silver 

Productor ejecutivo: Bruce Berman, David Gambino, Doug Davison, Ronald G. Smith, Roy Lee, Steve Richards, Susan Downey  

Vestuario: Jacqueline West  

 

SINOPSIS  

 

Carol Bennell (Nicole Kidman) es una psiquiatra de Washington que descubre que la epidemia que asola el comportamiento de los seres humanos es de origen extraterrestre. A su vez, Bennell descubre que su hijo Oliver puede ser clave para frenar esta plaga.  

 

CRÍTICA 

 

No soy yo partidario de ver las películas por internet, porque generalmente suelen ser screeners, es decir, películas grabadas directamente de una sala de cine y a las que les han insertado los subtítulos como es este caso o el de los más recientes preestrenos que he visto (La Habitación 1408, Vacancy, Shoot'em Up). El problema es que mientras hay algunos que se ven bien (los dos primeros) hay otros no tan bien montados (Shoot'em Up tenía movimientos de cámara en algunos momentos, y se comía los subtítulos en una o dos ocasiones). Pese a ello el film protagonizado por Clive Owen me pareció lo suficientemente entretenido como para verlo en cine (me niego a quedarme con un visionado de calidad tan parcial)... pero con Invasión me lo estoy pensando. Y en si no me puedo quejar de la copia, verse se ve bien teniendo en cuenta de que está grabada en una sala de cine (sólo en tres ocasiones la imagen se queda en negro durante unos segundos). El problema está en la película. 

 

Esta es la cuarta versión de La invasión de los ladrones de cuerpos. De las tres anteriores yo la única que conozco es la de los años setenta protagonizada por Donald Sutherland, que recuerdo haber visto en dos o tres ocasiones siendo la primera de ellas la que más me impactó porque al ser yo pequeño, la historia de una invasión alienígena escondida donde los extraterrestres dominaban a los humanos haciéndoles perder su humanidad me resultó muy inquietante, especialmente por un final (teniendo en cuenta el planteamiento de la historia) totalmente coherente: la humanidad pierde y los extraterrestres ganan (desconozco si ese es el final de la historia original, que tampoco he leído, así como de la primera y tercera versión cinematográfica de la misma)

 

Es por eso que ante mi desconocimiento de casi todas las versiones previas, podía haber sido un poco más magnánimo con esta Invasión pero sinceramente... no puedo. Y lo malo es que la película en si no es mala, pero todos los problemas que tuvo en su realización estan plasmados en pantalla. Por un lado la duración es muy corta, y para que diga yo eso es raro, cuando normalmente de lo que más me suelo quejar es de las duraciones hipertrofiadas del cine actual, pero es que en este caso han recortado demasiado en la sala de montaje, provocando una cierta incoherencia argumental, que se ve aumentada por el hecho de que se rodaron nuevas escenas para dotar de más acción la historia (ya que el montaje inicial no convenció a la productora por ser demasiado "adulto"). Eso provoca unos saltos de estilo brutales entre trozos que se suponen más inquietantes (aunque no inquietan nada) y otros con más acción. 

 

El problema está en que comparada con la versión que ví yo en su día con Donald Sutherland, este film no aporta ninguna novedad, cayendo en algunos giros argumentales hipertrillados que hacen recordar a sagas como Resident Evil (y no quiero criticar con eso a esa película, pero al menos allí ya sabes lo que vas a ver). Además no ayudan a ello los actores ya que Nicole Kidman está simplemente correcta mientras que los demás estan intrascendentes (mención especial para Daniel Craig que se pasea por la película con una cara de aburrimiento que asusta). En cuanto a las escenas de acción, pese a estar bien rodadas tampoco aportan nada porque uno ya las ha visto así en muchas ocasiones. 

 

Pero si la ambigüedad del film no es óbice para que como mínimo la película sea moderadamente visible, lo que me pareció vergonzoso es el final, a años luz de la inquietud y el terror que desprendía la única de las versiones previas que he visto yo. Aqui se hace un giro rebuscadísimo para otorgar a la historia un final feliz forzadísimo que no hay por donde cogerlo. 

 

Es por eso, por todo lo citado, que a diferencia de Shoot'em Up que si tengo intención de irla a ver al cine, me estoy pensando mucho si molestarme en darle una segunda oportunidad a este film o no. ¿Mejorará en un segundo visionado?  

 

LO MEJOR: Las ideas que la aproximan a la historia original (pese a no ser novedosas aunque aqui cambien las vainas por el contacto) y Nicole Kidman (que tampoco es que esté magnífica pero si está correcta).  

 

LO PEOR: La ambigüedad entre película inquietante y película de acción, el forzadísimo final feliz y la actuación de Daniel Craig.

VACANCY (HABITACIÓN SIN SALIDA)

FICHA TÉCNICA 

 

Título: HABITACIÓN SIN SALIDA  

Título original: Vacancy  

Dirección: Nimrod Antal 

País: Estados Unidos  

Año: 2007  

Duración: 85 min.  

Género: Thriller, terror  

Reparto: Ethan Embry, Kate Beckinsale, Luke Wilson, Frank Whaley 

Guión: Mark L. Smith 

Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España  

Productora: Screen Gems, Hal Lieberman Company  

Diseño de Producción: Jon Gary Steele 

Fotografía: Andrzej Sekula 

Montaje: Armen Minasian 

Música: Paul Haslinger  

Productor: Hal Lieberman 

Vestuario: Maya Liebermen 

 

SINOPSIS 

 

Un desvío nocturno se convierte en una pesadilla inimaginable cuando el coche de una pareja separada se avería en una remota carretera rural. Al encontrarse atrapados en una oscura y desierta carretera de dos carriles, David Fox (Luke Wilson) y su ex mujer, dentro de muy poco, Amy (Kate Beckinsale) se ven obligados a pasar la noche en un sórdido motel dirigido por un extraño aunque aparentemente inofensivo propietario (Frank Whaley). En su habitación mugrienta y raída, la pareja, siempre peleando, encuentra un alijo de películas caseras macabras que parecen extrañamente reales. Cuando se dan cuenta que los vídeos sangrientos están hechos en la misma habitación en la que están, David y Amy descubren que serán las próximas víctimas de los sádicos cineastas a menos que dejen a un lado sus diferencias y trabajen juntos para escapar.  

 

CRÍTICA 

 

Las películas snuff son según algunos una leyenda urbana que no existe (aunque yo personalmente creo que si). El cine convencional ha tratado el tema en pocas ocasiones, que se me vengan ahora mismo a la cabeza recuerdo Tesis de Alejandro Amenabar y Asesinato en 8 milímetros de Joel Schumacher. De todas maneras en ambos casos no se daba importancia a la violencia de ese género, sino que la cosa derivaba hacía el suspense (más o menos) aunque con resultados desiguales (sin duda alguna es mejor la de Amenabar que la protagonizada por Nicolas Cage). 

 

Vacancy (cuyo título español parece ser que será Habitación sin salida) es una nueva variante sobre el tema, y sin tampoco ser especialmente destacable, hay que reconocer que es mucho más entretenida y angustiosa de lo que en un principio uno podría pensar. Con una duración realmente ajustadísima (85 minutos) la historia se desarrolla casi en su totalidad en un motel de carretera que nada tiene que envidiar al del famoso Norman Bates de Psicosis (de hecho en algunas escenas pensé si se estaba homenajeando al mago del suspense). Allí la pareja protagonista irá a parar tras perderse por la carretera, dándose cuenta pronto de que la habitación donde están ha sido escenario de películas snuff grabadas con cámaras ocultas, donde unos misteriosos atacantes torturaban y mataban a los anteriores inquilinos de esa habitación. A partir de ahí el resto de la película narra su lucha por escapar. 

 

A priori un argumento así no da para muchas novedades y sinceramente tampoco es que las haya, pero el sentimiento angustioso está muy bien narrado, ya que la habitación donde quedan atrapados les impide huir (afuera les esperan los psicópatas) lo que les hará moverse por todos los vericuetos internos y subterráneos del hotel, manteniendo la angustia porque en algunos casos es la misma sensación que si estuvieses enterrado vivo, cosa que la cámara capta muy bien. 

 

Lo que pasa que mientras que los malos hacen una correcta actuación y Kate Beckinsale como la chica protagonista también resulta creíble, el problema está en Luke Wilson, actor que no me cuadra en una película de esta temática, imaginándoselo uno más en una comedia (como Mi super exnovia, que hizo con Uma Thurman) que no en un film de estas características, donde quizás hubiese estado mejor otro actor. Eso si, las supuestas disputas que hubo durante el rodaje entre él y Kate Beckinsale quedan bien reflejadas en pantalla, porque desde luego no cuadran para nada como pareja (lo cual ayuda teniendo en cuenta que en el argumento del film son un matrimonio que parece ser que van a separarse tras perder al hijo que tenían en común).  

 

LO MEJOR: La historia, entretenida y directa al grano, sin perderse en vericuetos innecesarios y manteniendo el interés y sobretodo la tensión, especialmente cuando la pareja protagonista se da cuenta de en que situación se han metido.  

 

LO PEOR: No pasa de ser un simple entretenimiento (no ahonda en el género snuff más allá del punto de partida). Y Luke Wilson, que no cuadra en una película así.

SHOOT'EM UP (EN EL PUNTO DE MIRA)

FICHA TÉCNICA

Título: SHOOT'EM UP (EN EL PUNTO DE MIRA)
Título original: Shoot'em Up
Dirección: Michael Davis
País: Estados Unidos
Año: 2007
Duración: 86 min.
Género: Thriller
Reparto: Clive Owen, Monica Bellucci, Stephen McHattie, Paul Giamatti, Greg Bryk, Daniel Pilon, Ramona Pringle
Guión: Michael Davis
Distribuidora: New Line Cinema
Productora: New Line Cinema, Angry Films
Dirección artística: Patrick Banister
Diseño de Producción: Gary Frutkoff
Fotografía: Peter Pau
Montaje: Peter Amundson
Música: Paul Haslinger
Productor: Don Murphy, Rick Benattar, Susan Montford
Productor ejecutivo: Cale Boyter, Douglas Curtis
Vestuario: Denise Cronenberg

SINOPSIS

Clive Owen interpreta al Sr. Smith, el hombre más enojado y duro del mundo, a quien le confían la protección de lo más inocente del universo: un niño recién nacido. Cuando Smith ayuda a nacer al bebé en medio de un tiroteo, pronto descubre que el niño es el blanco de una extraña fuerza que ha enviado a un equipo de inagotables atacantes misteriosos, conducidos por Hertz (Paul Giamatti), para borrar todo rastro del bebé.

En medio de una lluvia de balas y de los tiroteos más inconcebibles, Smith se une a una prostituta llamada DQ (Monica Bellucci) para solucionar el misterio en cuanto a porqué está siendo amenazada la vida del bebé antes de que esta familia improvisada termine del lado equivocado de la bala. Todos quieren ver muerto al bebé. ¿Por qué?

CRÍTICA

Una película como Shoot’em Up hay que tomarla como es: un simple entretenimiento. Y aún diría más, todos aquellos que disfrutaron en la década de los ochenta con las películas de acción que se hacian por entonces (protagonizadas por Stallone, Schwarzenegger, Steven Seagal, Van Damme o Bruce Willis) serán el público indicado para este film y quien más lo disfrutará.

Y es que este film vendría a ser un ejemplo del cine de acción de entonces pero exagerado a tope. Y cuando digo a tope es literal, porque las escenas de acción son las más exageradas que he visto en mucho tiempo en pantalla. Lo cual a priori no es malo, porque me hizo recordar la acción de Blanco Humano, a mi modo de ver la película más potable de la filmografía de Jean Claude Van Damme. Y encima teniendo en este film a un protagonista como Clive Owen, sin duda mejor actor que el belga lanza-patadas.

Pero eso no es todo, otro punto a favor del film es el humor con el que ella misma se toma: la actuación del protagonista vendría a aproximarse más a la de una versión más oscura del cínico John McClane de La Jungla de Cristal. Además el villano de la función es un Paul Giamatti totalmente desatado, cuya sobreactuación puede recordar en algunos momentos a otros actores amigos del exceso como Jack Nicholson. Y encima la chica de la película es un bellezón como Monica Belluci. Con todos esos elementos, ¿qué más se puede pedir?

Pues a decir verdad lo que se podría pedir es una historia un poco más compleja. Y es que de hecho el argumento del film es tan simple que se podría prescindir de él, ya que no deja de ser un mero hilo para hilvanar las espectaculares secuencias de acción. Encima la comparación con los films de los actores citados al principio de este comentario no es tan descabellada, porque la historia básica de la película podría haber servido perfectamente para ser protagonizada por cualquiera de los arriba citados (o de otros como Chuck Norris o Mel Gibson). ¿Qué diferencia hay, pues, entre esta película y cualquiera de las que esos actores hicieron en el pasado? Pues básicamente ninguna: Shoot’em Up sólo sirve para recordar aquel cine, llevado en este caso hasta el exceso más excesivo (y más divertido, ojo, que una cosa no quita la otra). Pero por lo demás se hubiese agradecido una historia un poco más elaborada que no dejara a este film como simplemente un divertido pasatiempo y ya está.

LO MEJOR: La ACCIÓN. Así, en mayúsculas, porque quien disfrute con ese género, aquí se lo pasará pipa con las escenas más increíbles vistas en mucho tiempo en una pantalla. Y todo eso con un trio protagonista realmente magnífico (tanto Clive Owen como Paul Giamatti y Monica Belluci).

LO PEOR: La historia. O casi la carencia de la misma, siendo un simple motivo para hilvanar las espectaculares escenas de acción.

EL ORFANATO de J.A.Bayona

Ficha técnica

Dirección: JUAN ANTONIO BAYONA
Intérpretes: BELÉN RUEDA, GERALDINE CHAPLIN, FERNANDO CAYO, ROGER PRINCEP, MABEL RIVERA, MONSERRAT CARULLA, ANDRÉS GERTRUDIX, EDGAR VIVAR
Guión: SERGIO G. SÁNCHEZ
Producción: JOAQUÍN PADRÓ, MAR TARGARONA Y ÁLVARO AUGUSTÍN
Montaje: ELENA RUIZ
Fotografía: ÓSCAR FAURA
Duración: 100 MINUTOS

Sinopsis

Laura regresa con su familia al orfanato donde creció con la intención de abrir una residencia para niños discapacitados. El pequeño Simón, hijo de Laura, comienza a dejarse llevar por unos extraños juegos que generan en su madre gran inquietud, ya que dejarán de ser una mera diversión para convertirse en una amenaza.

Una serie de inesperados acontecimientos obligarán a Laura a bucear en el dramático pasado de la casa que de niña fue su hogar.

Crítica

El Orfanato es una película muy entretenida y realmente se agradece que tengamos films así dentro del panorama del cine español, donde no digo yo que no haya calidad pero donde se echa en falta variedad temática como si tiene (sea para mejor o peor) el cine norteamericano. Pero pese a todo que se publicite mucho esta película puede hacer creer el contrasentido de que es la mejor película del año (hecho al que puede ayudar que haya sido elegida para representar a España en los Oscars). Y aunque no digo que no se merezca estar nominada e incluso que no se merezca ganar… novedosa, lo que se dice novedosa, la historia de esta película desde luego que NO lo es.

Formalmente la película tiene una calidad visual indiscutible, en lo cual pienso que habrá colaborado el propio Guillermo del Toro como productor del film. Y siendo el primer largometraje de su director (Juan Antonio Bayona) hay que reconocerle que su decisión a dado a luz una película que desde luego se colocará probablemente como el film autóctono más taquillero del año, demostrando que aquí en España también se puede hacer cine de género y que el público lo apoye. Pero el problema está en las referencias que uno puede percibir de otros muchos títulos a lo largo del metraje.

Para empezar nos encontramos a un matrimonio con un hijo en una casa desolada antiguo orfanato. Tal y como se plasma en imágenes el edificio ya uno intuye que allí se esconde algo, y claro, lo que primero se viene a la mente es cualquier película que haya tratado con el tema de las casas encantadas. Después tenemos a un personaje que desaparece, lo que da a lugar a algunas escenas dramáticas (bien narradas, que una cosa no quita la otra) pero que parecen sacadas de un telefilm de desapariciones. Incluso esa desaparición ocurre en el transcurso de una fiesta, donde también hace su primera aparición el misterioso niño con un saco en la cabeza: pues bien, eso me hizo recordarme de La Profecia y el demoniaco Damien Thorn.

Después de eso empezará la búsqueda del personaje desaparecido, lo que llevará al personaje de Belen Rueda a una espiral de creciente locura… ¿o no? Eso me hizo recordarme del Jack Torrance de El Resplandor (si bien aquí la protagonista no acaba tan pirada como aquel). Entremedio habrá una sesión de espiritismo con una médium encarnada por Geraldine Chaplin que me hizo recordar a Zelda Rubinstein, la pitonisa de Poltergeist (con la que también guardaría ciertos nexos en común por eso de estar situada la acción en una casa donde ocurre algo).

Y para acabar tenemos (tras varios intentos de contactar con los espíritus que me recordó a la serie Entre fantasmas) desde referencias a Peter Pan hasta un epílogo que incluye desde una sorpresa al estilo Shyamalan (algo que hemos visto antes tendrá su correcta y dramática explicación al final) hasta un final ¿en el otro mundo? que parece sacado de una película de Spielberg (pero de las almibaradas). O si mucho me apuras incluso puede recordar el final de El Laberinto del Fauno.

Por todo esto que he citado pensareis que entonces como puedo aprobar una película asi. Pues vuelvo a insistir en lo que he dicho más arriba: los elementos pueden no ser novedosos, pero estan ingeniosamente mezclados dando lugar a una película que no aburre en ningún momento y que se ve con bastante agrado. Lo que pasa que mientras que otros recientes films españoles de temática fantástica (como Abre los ojos de Alejandro Amenabar) si podian tener una base argumental más novedosa, El Orfanato no la tiene, siendo pese a todo una película disfrutable… aunque ni mucho menos una de las mejores películas del año.

LO MEJOR: La película es muy entretenida y Belen Rueda (sobre la que cae el mayor peso del film) demuestra sus dotes de actriz, lejos ya del estereotipo que se ganó en la comedia en sus inicios en Tele-5.

LO PEOR: Que aunque entretenida la historia no se pueda decir que sea novedosa.

LA HABITACIÓN 1408

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: 1408
AÑO: 2007
ESTRENO ESPAÑA: Noviembre 2007
DURACIÓN: 103 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Mikael Håfström
GUIÓN: Matt Greenberg, Scott Alexander, Larry Karaszewski (Historia: Stephen King)
MÚSICA: Gabriel Yared
REPARTO: John Cusack, Samuel L. Jackson, Mary McCormack, Jasmine Jessica Anthony, Tony Shalhoub
PRODUCTORA: Dimension Films/MGM
GÉNERO: Terror

Sinopsis

Basada en un relato de Stephen King, la película cuenta la historia de un escéptico novelista de terror (John Cusack), investigador de lo paranormal, que sólo cree en aquello que ven sus ojos.

Tras dedicarse a desacreditar fenómenos paranormales por todo el mundo, Mike empieza su nuevo bestseller sobre los hoteles embrujados. Sin embargo, todo cambiará cuando entre en la habitación 1408 del Hotel Dolphin.

Crítica

Realmente hacía tiempo que una película no me provocaba la inquietud que me ha provocado esta. Digna heredera de "El Resplandor" (aunque sin llegar nunca al nivel del maestro Kubrick) estamos sin duda ante una de las mejores adaptaciones cinematográficas de la obra de Stephen King estrenadas en los últimos años, que consigue asustar e inquietar al espectador (no diría provocarle miedo, aunque eso depende de en que condiciones la vea cada uno).

Lejos de los excesos sanguinolentos en los que ha caido el cine de terror en los últimos tiempos, aqui se va por el otro camino, el de asustar, cosa que consiguen realmente muy bien en toda la parte que transcurre en la habitación maldita. Y es que la 1408 no tiene fantasmas, ni poltergeists ni maldiciones sino que en el fondo lo que tiene es un poco de todo, cosa que descubre el descreido personaje interpretado por John Cusack, llevándole poco a poco a una situación de locura equivalente al Jack Torrance de "El Resplandor" que citaba antes.

Lo que pasa (algo que notarán los que se hayan leido la historia corta original en la que está basada la película) es que hay tramas argumentales en el film, como lo de la hija fallecida del protagonista y las desavenencias que eso provocó en su matrimonio, si no recuerdo mal ausentes de la historia original. Eso si, también hay ciertos pasajes (como cuando cree que ha salido de la habitación...) realmente muy conseguidos cuando luego se da cuenta de su error. Pero aún así la sensación de ser una trama para un capítulo de una hora alargado hasta los 104 minutos no te la quitas durante todo el metraje, lo cual provoca ciertos altibajos en el ritmo de la película en las partes inicial y final de la misma, siendo todo lo que transcurre en la habitación lo mejor del film.

En el apartado actoral citar a John Cusack, auténtico protagonista del film con un personaje más alargado que en su original literario, mientras que por contra Samuel L.Jackson apenas tiene un par de escenas que más o menos coinciden con la misma presencia de su personaje en la historia original. El resto es una muy entretenida película de terror que busca inquietar al espectador al viejo estilo (cosa que conmigo consiguieron) y sin nada de excesos gore que dan más asco que miedo.

LO MEJOR: John Cusack y todo lo que le sucede a su personaje en la habitación 1408, un claro ejemplo (y hacía tiempo que no veía uno) de como asustar al espectador sin abusar de efectos macabros.

LO PEOR: Estar basada en una historia corta que ha sido alargada para tener una duración estandar de largometraje, algo que se nota en las partes inicial y final.

LA EXTRAÑA QUE HAY EN TI

Ficha técnica  

 

Dirección: NEIL JORDAN. 

Intérpretes: JODIE FOSTER, TERRENCE HOWARD, NAVEEN ANDREWS, NICKY KATT, MARY STEENBURGEN, ENE OLOJA, LUIS DA SILVA JR.; BLAZE FOSTER, RAFAEL SARDINA, JANE ADAMS.  

Guión: RODERICK TAYLOR, BRUCE A. TAYLOR Y CYNTHIA MORT; basado en un argumento de RODERICK TAYLOR Y BRUCE A. TAYLOR.  

Producción: JOEL SILVER Y SUSAN DOWNEY.  

Música: DARIO MARIANELLI.  

Fotografía: PHILIPPE ROUSSELOT.  

Duración: 122 MINUTOS  

 

Sinopsis 

 

A la locutora de radio de Nueva York, Erica Bain, le encanta su vida y adora a su novio. Pero lo pierde todo cuando en un ataque brutal ella queda malherida y su novio muere. Erica no puede superar la tragedia y comienza a merodear las calles de la ciudad en busca de los hombres que los atacaron. Su manera de buscar justicia llama la atención del público, y la ciudad queda fascinada por sus proezas anónimas. Cuando la policía de Nueva York comienza a buscar al autor de esos actos, y un obstinado detective está tras sus pasos, Erica debe decidir si su búsqueda de venganza es el camino correcto o si ella se está convirtiendo en lo mismo que quiere combatir.  

 

Crítica 

 

Es dificil hacer una crítica imparcial de una película como La extraña que hay en ti, ya que por un lado tengo mi vertiente cinéfila que me dice que la película es entretenida pero no aporta ninguna novedad al subgénero vigilante que popularizó en los setenta Charles Bronson. Pero por otro lado tengo mi vertiente personal que siempre ha conectado que este tipo de films ya que no dejan de ser un desahogo en pantalla de lo que en la vida real no se puede hacer... porque seamos claros, la justicia no funciona como se quisiera sino no habría tantos criminales sueltos. Eso es especialmente demostrable en la misma actualidad, cuando en este pais parece que sea más punible y más peligroso el que quema fotos de ciertas personas que otros que seguramente estarán cometiendo actos peores y andarán campando a sus anchas. 

 

Es por ese sentimiento que películas como esta parecen satisfacer la justicia que nos gustaría hacer y no podemos. Porque los vigilantes no tienen porque ser psicópatas tan malos como los enemigos a los que abaten, el cine lo ha demostrado con films como Un día de furia, con el que más facilmente se puede comparar este. Siempre se puede mirar desde el punto de vista de que cuando uno es asesino, es una carrera sin fin, como en ocasiones da a entender este film cuando parece que la carrera del personaje de Foster en su limpieza de los bajos fondos la puede conducir a la perdición. Y es cierto que tener un arma te da un poder que ha de ser muy bien llevado porque corres el riesgo de pasarte de la raya (el ejemplo de Un día de furia estaría aqui más que correcto, ya que mientras que las situaciones iniciales de lo que le pasaba al personaje encarnado por Michael Douglas podian parecer justas, al final incluso a él se le iba la mano) 

 

Pero centrándonos en esta película, lo que nos narra es una búsqueda de venganza. Y eso, tal y como lo plantea la película, lo considero perfectamente lógico y asumible... si no fuera porque el final (aunque satisfactorio en la situación planteada) se me antoja demasiado poco real. Es decir, es lo que por lógica tendría que pasar si eso ocurriese en la realidad, pero está clarísimo que es lo que no pasará nunca. Hasta ese momento lo que nos ha contado la película es como una persona normal puede verse abocada a una espiral de violencia que cambiará su vida tal y como la conocía: todo comienza con la paliza que la deja herida a ella y muerto al novio. Tras su recuperación tendrá serios problemas para restablecer su vida normal, y eso Foster lo recrea A LA PERFECCIÓN en escenas tan brillantes como su miedo a salir por la puerta de su casa. Su inseguridad sólo se verá mitigada con un arma, pero tras una casualidad que la obliga a utilizarla... ¿será su destino ser la justiciera de los bajos fondos? Sea cual sea la respuesta a la pregunta será recrudecida con la aparición de los asaltantes que la transformaron (tal y como ella dice) en "la extraña que hay en mi". 

 

A nivel cinematográfico la película está correctamente dirigida por Neil Jordan y muy bien interpretada por Jodie Foster y Terrence Howard, quienes llevan en sus hombros casi todo el peso del film de manera asombrosa. Y si fuera la primera película que tratase esta temática desde luego sería un film admirable. El problema está en que no sólo tiene detrás los films que encumbraron en el género a Charles Bronson sino que incluso los motivos de personajes de comic como Punisher también se pueden ver en el esquema del film: si allí Frank Castle comienza su vendetta personal contra los criminales tras perder a su familia, aqui es la muerte del novio de la protagonista lo que provoca sus acciones posteriores. La ventaja está en tener a los dos actores principales, que consiguen que este film tenga unos resultados mejores y más creibles (salvo por el final indicado) que si lo hubiera protagonizado alguien del género de acción (por ejemplo Van Damme) que hubiera dado a lugar a un film más previsible y de peor calidad. 

 

Como curiosidad (¿como hubiera quedado en pantalla?) citar que la primera actriz que iba a realizar este film fue Nicole Kidman. Con el cambio a Jodie Foster, ¿salimos ganando o perdiendo?  

 

LO MEJOR: Los dos actores principales, lo entretenida que es la película y que el argumento enfoca el tema desde cierta vertiente un poco más realista.  

 

LO PEOR: El final (deseable, pero no creible) y que tampoco inventa nada nuevo en el género de los vigilantes urbanos.

DISTURBIA

Ficha técnica 

 

Dirección: D.J. CARUSO. 

Intérpretes: SHIA LABEOUF, DAVID MORSE, SARAH ROEMER, CARRIE-ANNE MOSS, AARON YOO.  

Guión: CHRISTOPHER LANDON Y CARL ELLSWORTH; basado en un argumento de CHRISTOPHER LANDON. 

Producción: JOE MEDJUCK, E. BENNETT WALSH Y JACKIE MARCUS. 

Música: GEOFF ZANELLI.  

Fotografía: ROGIER STOFFERS.  

Duración: 104 MINUTOS.  

 

Sinopsis 

 

Después de la muerte de su padre, Kale se convierte en un chico silencioso, huraño, retraído y perturbado hasta el punto de que el juez ordena su arresto domiciliario. Su madre Julie trabaja día y noche para mantener la casa, pero su único agradecimiento es la indiferencia y el letargo. Las paredes de la casa empiezan a oprimir a Kale, que acaba convirtiéndose en un mirón a medida que empiezan a interesarle los pequeños acontecimientos que puede seguir desde las ventanas de su casa de la periferia. Sospecha que uno de sus vecinos es un asesino en serie. ¿Será verdad o son imaginaciones creadas por su encierro forzoso?  

Crítica 

 

Mucho se ha dicho acerca de que esta película era la versión adolescente del clásico "La Ventana Indiscreta", y aunque los paralelismos con la misma son clarísimos, en este caso creo que estamos ante una película que no planea en ningún momento convertirse en un clásico (como si es aquel) sino en un film que entretenga al espectador. 

 

¿Lo consigue? Personalmente creo que si, siendo parte del mérito del protagonista Shia LaBeouf. Y es que este joven actor creo que tiene el suficiente carisma para (si tiene suerte) convertirse en uno de los mejores interpretes de los próximos años, especialmente por (a priori, y juzgando por este film y "Transformers") ser uno de los actores más simpáticos, carismáticos y expresivos vistos recientemente, al menos dentro del plantel de jóvenes actores que han surgido en los últimos tiempos, sobretodo gracias al éxito de películas como "American Pie" y derivados. 

 

Y los elogios del párrafo superior hacia el protagonista son incluso reconociendo la obviedad de varias situaciones planteadas en la película, como su caracter de adolescente rebelde (el ambiente de su habitación es muy exagerado). Pero el resto también tiene sus detalles: el amigo del protagonista es de origen oriental (por sus rasgos) con lo cual ya te imaginas que a él le pasará algo antes de que acabe la película (¿o no? eso aqui no lo voy a aclarar) y la vecina sexy (una guapísima Sarah Roemer) te ves venir a distancia que acabará unida con nuestro protagonista. Y luego está el villano encarnado por David Morse (que yo no sé que le ven a este hombre para ponerlo de villano, porque yo no me lo acabo de imaginar, si bien aqui lo hace bastante correcto): su personaje está toda la película intentando ocultar algo (o aparentando ocultar algo) pero en todo momento te dan a entender que es culpable... hecho que él mismo cerciora (¿o no?) con su actuación final, que si bien consigue mantener la tensión del espectador no deja de plantearse de manera un tanto absurda porque, ¿para que hacer lo que hace si hasta ese momento podía haber continuado igual y nadie hubiese sospechado salvo el vecino mirón? 

 

Eso si, esas situaciones tan obvias (y otras más que hay) no quitan para que el director D.J.Caruso, aún estando manejando elementos archiconocidos y archisabidos, lo haga con la suficiente gracia y mano artesana para que el resultado final consiga ser entretenido en líneas generales, que sepa mantener la tensión en su parte final y que se deje ver con agrado, especialmente gracias al carisma del protagonista Shia LaBeouf, de las secundarias Carrie-Anne Moss (su madre) y Sara Roemer (su vecina) y del antagonista encarnado por David Morse, pese a que la actuación final (y su falta de lógica) empañe un poco su interpretación.  

 

LO MEJOR: El carisma de Shia LaBeouf, la belleza de Sarah Roemer, el argumento (por entretenido aunque tenga situaciones archisabidas) y una ajustada duración que hace mantener el interes en todo momento. 

 

LO PEOR: Que sea entretenida no quiere decir que sea novedosa, y hay varias situaciones (más de una y de dos seguro) que son tan obvias que te las ves venir desde minutos antes de que sucedan (y sirva como ejemplo que la vecina al final acabe en los brazos del protagonista).

SIN RESERVAS

Ficha técnica  

 

Dirección: SCOTT HICKS.  

Intérpretes: CATHERINE ZETA-JONES, AARON ECKHART, ABIGAIL BRESLIN, PATRICIA CLARKSON.  

Guión: CAROL FUCHS; basado en la película Deliciosa Martha de SANDRA NETTELBECK.  

Producción: KERRY HEYSEN Y SERGIO AGÜERO.  

Música: PHILIP GLASS.  

Fotografía: STUART DRYBURGH. 

Duración: 105 MINUTOS 

 

Sinopsis  

 

Kate Armstrong, gran chef de un restaurante de moda en Manhattan, vive su vida al igual que dirige su cocina: con una intensidad que cautiva y a la vez intimida a la gente que la rodea. La naturaleza perfeccionista de Kate se pone a prueba cuando debe hacerse cargo de su sobrina de nueve años, Zoe, al mismo tiempo que debe lidiar con un nuevo cocinero que se une al personal. Nick Palmer, alegre y bastante irresponsable, es completamente distinto de Kate; sin embargo, la química que se da entre ellos es innegable. La rivalidad se vuelve romance, pero Kate deberá aprender a expresarse más allá de su cocina si quiere conectar con Zoe y encontrar la verdadera felicidad con Nick.  

 

Crítica 

 

La película con la que más facilmente se puede comparar Sin Reservas es con la reciente Ratatouille, por estar ambas ambientadas mayoritariamente entre los fogones de una cocina. Pero a diferencia de Ratatouille, en este caso la cocina es lo que envuelve a una comedia romántica que sigue el esquema visto en innumerables ocasiones. ¿Es por ello malo? Personalmente creo que no en el caso que nos ocupa. 

 

La historia sigue los parámetros de dos personas con diferentes caracteres pero que acabarán congeniando y formando pareja. Intentar encontrar alguna modificación por ahí es absurdo, y tanto el director como los actores, sabiendo lo que funciona, lo siguen realizando aquí. Lo que pasa que el problema de las comedias románticas es intentar hacer un film demasiado azucarado (ver como ejemplo algunas comedias de Meg Ryan o Reese Whiterspoon) y aquí el resultado se queda en tablas, ya que mientras que hay escenas en las que te ves venir a tres kilómetros lo que va a suceder (la mayoría relacionadas con la sobrina huerfana del personaje de Catherine Zeta-Jones), el hecho de mezclarlo todo con cierta parte dramática (la parte inicial del citado personaje, que provoca que vaya a vivir con su tía) hace que el almibaramiento típico de estos films sea aquí menor, lo cual no quiere decir que no lo haya. 

 

Y si recientemente en mi crítica de La Jungla 4.0 decía que tenía un guión-comodin que lo mismo podía haber sido eso que una nueva entrega de Misión Imposible o de James Bond, en este caso los actores serian comodines en el film, ya que lo mismo que hacen ellos podría haber sido interpretado por George Clooney, Tom Hanks o Richard Gere en el caso de él o Julia Roberts, Reese Whiterspoon o Meg Ryan en el caso de ella. ¿Qué aportan entonces estos interpretes? Bueno, en el caso de Aaron Eckhart demuestra su cameleonismo artístico, porque pensar en él como el partenaire de Julia Roberts en Erin Brockovich, verlo aquí y pensar en él como Dos Caras en la próxima The Dark Knight demuestra que estamos ante un interprete al que se le puede plantear cualquier reto. Por su parte Catherine Zeta-Jones tendría la parte más esquemática, y alejándose quizás un poco de la imagen tan sensual que la dio a conocer en las películas del Zorro con Antonio Banderas, aquí ofrece una actuación más realista (dentro de lo que pueden ser realistas películas de este estilo). 

 

Eso si, lo que hay que reconocer que toda la parte de la cocina está muy bien recreada, hasta el punto de que (tal y como ocurría en Ratatouille) uno sale del cine con ganas de comer viendo todo lo que en el film se cocina. Por eso que en resumidas cuentas estamos ante una comedia romántica esquemática en base, entretenida en su muy ajustada duración y donde aparte de lo que uno congenie con los protagonistas (en este caso yo he de reconocer que lo hice con los dos) y que aunque no pasará a la historia por sus novedades argumentales (que son más bien pocas tirando a ninguna) no molesta y hace pasar 105 minutos bastante entretenidos.  

 

LO MEJOR: La pareja protagonista (especialmente él) y la ambientación culinaria, realmente muy conseguida. Y que es un film entretenido sin pedir nada más.  

 

LO PEOR: Las pocas (por no decir ninguna) novedades respecto a lo que suele ser el esquema básico de toda comedia romántica desde los tiempos de Pretty Woman.

QUE TAN LEJOS

Ficha técnica

Dirección: TANIA HERMIDA.
Intérpretes: CECILIA VALLEJO, TANIA MARTÍNEZ, PANCHO AGUIRRE, FAUSTO MIÑO, RICARDO GONZÁLEZ, DAVID RAMBAY, ALFREDO ESPINOSA, JOSÉ ALVEAR, CAMILA ZALDUMBIDE, KLÉBER NAULA, RUTH BAZANTE, CARLA JARRÍN.
Guión: TANIA HERMIDA.
Producción: MARY PALACIOS, GERVASIO IGLESIAS Y TANIA HERMIDA.
Música: NELSON GARCÍA.
Fotografía: ARMANDO SALAZAR.
Duración: 96 MINUTOS

Sinopsis

Viaje de autodescubrimiento de dos mujeres jóvenes mientras viajan por el Ecuador haciendo autostop en medio de un paro nacional. Esperanza no encontrará el país de postal que buscaba ni Teresa el amor ideal en el que creía, pero el viaje les mostrará que hay otros lugares y otros amores posibles.

Crítica

No estoy muy acostumbrado a ver películas de cinematografías sudamericanas pero principalmente es por la poca distribución que suelen tener esos títulos, y aunque en ocasiones te puedes encontrar bodrios realmente espeluznantes, es una lástima porque en ocasiones lo que te encuentras son películas realmente muy recomendables que pueden pasar ignoradas si no se habla de ellas. Y para eso estoy yo escribiendo esto, para recomendaros una que merece mucho la pena.

Esta película es una road-movie, genero del que se han visto infinidad de ejemplos. Lo que pasa que fuera de estereotipos como a los que nos ha acostumbrado el cine norteamericano o variantes cómicas con nulo sentido del humor (como la reciente Cerdos Salvajes con John Travolta y Tim Allen), aquí nos encontramos con una road-movie REAL. Y recalco lo de real porque la directora ha conseguido en todo momento una sensación de realidad en cada plano que hace que te creas en todo momento lo que le sucede a las protagonistas en su viaje de autodescubrimiento, pese a que en ocasiones se roce el esperpento (en el buen sentido de la palabra), generalmente asociado al personaje de Jesús, un hombre que les acompañará en su viaje.

Las interpretaciones son otro punto notable de la película, si bien todas ellas transmiten esa sensación de realidad que cité más arriba, es probablemente Tania Martínez la que más me gustó por el desparpajo y la simpatía que despierta su personaje (su compañera, Cecilia Vallejo, también lo hace bien, pero no conecté tanto con su personaje porque parece simplemente una chica caprichosa tal y como le dicen en un momento del film).

Como anécdota personal he de citar que la directora y una de las protagonistas estaban presentes en la sala adonde asistí yo al preestreno, cosa que me hizo bastante ilusión porque en parte te acerca más a la propia película, ya que aparte de ser un simple espectador puedes compartir el visionado con parte de las personas que la han hecho posible. Y finalmente lo único que puedo decir es que aquellos que la puedan ver porque la pongan en un cine cercano adonde vivan, que no dejen pasar la oportunidad.

LO MEJOR: La sensación de realidad que transmite en todo momento la película, los hermosísimos paisajes ecuatorianos y los actores (especialmente Tania Martínez).

LO PEOR: Aunque mantiene muy bien el nivel durante todo su metraje, quizás una pequeña caída de ritmo en el tramo final (los últimos 10 minutos o así).

HAIRSPRAY

Ficha técnica

Dirección: ADAM SHANKMAN
Intérpretes: JOHN TRAVOLTA, QUEEN LATIFAN, MICHELLE PFEIFFER, CHRISTOPHER WALKEN, NIKKI BLONSKY, ZAC EFRON, BRITTANY SNOW, AMANDA BYNES, JAMES MARSDEN, ELIJAH KELLEY, ALLISON JANNEY, TAYLOR PARKS
Guión: LESLIE DIXON; basado en el guión de JOHN WATERS para su película Hairspray de 1988
Producción: CRAIG ZADAN Y NEIL MERON
Montaje: MICHAEL TRONICK
Fotografía: BOJAN BAZELLI

Sinopsis

Tracy Turnblad, una chica grande, con un gran peinado y un corazón aún mayor, tiene solamente una pasión: bailar. Su sueño es aparecer en "El Show de Corny Collins", el programa de baile televisado más codiciado de Baltimore. Tracy parece perfecta para el programa, a no ser por un problema no tan pequeño: no cabe. Su figura generosa siempre la ha apartado de los grupos a la moda, cosa que le recuerda continuamente su amante pero excesivamente sobre protectora madre y de generosa figura, Edna. Esto no detiene a Tracy porque si existe alguna una cosa que esta gran chica sabe, es que ella nació para bailar.

Después de cautivar a Corny Collins con su interpretación en la escuela secundaria, Tracy se gana un puesto en el show y se convierte inmediatamente en una sensación de televisión, para gran dolor de la princesa reinante del show, Amber Von Tussle y de su vitriólica madre, Velma, que lleva la estación WYZT de televisión. Incluso peor para Amber es el hecho de que no sólo es la audiencia la que adora a la nueva sensación: el amor de Amber, Link Larkin, también parece estar sucumbiendo al encanto de Tracy. El show de baile se convierte en algo personal al transformarse en una pelea amarga entre las chicas mientras compiten por la codiciada corona de "Srta. Hairspray".

Crítica
He de reconocer que cuando voy al cine tengo unas expectativas determinadas hacia lo que voy a ver. Partiendo de valoraciones del 1 al 5 pienso que tal película igual llega a esto o a lo otro y luego sólo es cuestión de si se confirma (lo esperado), si es peor de lo esperado (lo últimamente demasiado habitual) o si de repente te dan la sorpresa y resulta mucho mejor de lo esperado. La suposición que llevaba para Hairspray era de entretenida o buena. Es EXCELENTE.

Personalmente nunca he sido fan de los musicales. No reniego de ellos pero es un género que en su vertiente más canóniga (Fred Astaire o Gene Kelly) se me hace un poco anticuado, mientras que en sus vertientes más famosas (Grease, Fiebre del Sábado Noche) se me hace atractivo en cuanto a canciones pero siendo films con bastantes altibajos. Y en sus ejemplos más recientes (por ejemplo Chicago) creo que consiguen resultados simplemente correctos pero no especialmente destacables. Sólo cuando quizas se rompen un poco los esquemas del género, aún manteniéndolos, la cosa se hace más interesante (de hecho esta frase la cito a colación de la película de South Park, que en parte se puede considerar un musical por la gran cantidad de canciones que tiene… aunque bastante irreverentes)

Fuera de esta clasificación quedarian quizás los musicales de Disney, porque en la mayoría de casos el resultado ha sido bastante bueno pero el género de animación no tiene las cortapisas de la acción real: mientras que en una película de dibujos animados no tiene porque discutirse que un personaje se ponga a cantar de repente sin motivo aparente ese margen es más difuso en los musicales de acción real, donde como mínimo se espera cierta lógica en que de repente se ponga a entonar una canción.

Con esta introducción no quiero decir que Hairspray tenga un argumento de Oscar o unas justificaciones lógicas para que los personajes se pongan a cantar. PERO NO IMPORTA porque la película es alegre y simpática desde el principio, hablen los personajes o canten. Y todo ello dentro de un homenaje a los años 60 que quizás se queda en la parte estereotipada de los mismos (la película tiene quizás el altibajo más notable cuando se introduce la manifestación por la integración racial) pero que rebosa una impresionante alegria y jovialidad de principio a fin.

Lo que pasa que una película no puede ser sólo estado de ánimo, ha de tener algo más. Y aquí es bastante más. La estética de los años 60 está muy bien conseguida, no sólo porque no se buscaba una recreación 100% fidedigna, sino porque en el fondo se da una imagen idealizada de los mismos al estilo de la vista en la parte que transcurre en el pasado del primer Regreso al Futuro. Y a todo eso ayudan unos actores verdaderamente geniales en sus personajes DEL PRIMERO AL ÚLTIMO: John Travolta como mujer gorda está divertidísimo, así como un (al principio) insípido Christopher Walken como su marido, Michelle Pfeiffer hace una villana realmente simpática dentro de sus desmedidas ambiciones para encumbrar a su hija, el famoso Zac Efron (por el éxito de High School Musical) hace un papel que en su esquema puede recordar al del propio Travolta en Grease. La sorpresa de la película es la protagonista, Nikky Blonsky, todo un descubrimiento CUYA ACTUACION ES DE LO MEJORCITO DE LA PELÍCULA ya que desde el primer momento que aparece en pantalla conectas con su personaje y las ilusiones del mismo. Y atención también a la guapísima Amanda Bynes (la amiga de la protagonista). Y eso citando sólo a algunos de ellos porque realmente no puedo decir que hubiera algún actor que desentonara con el resto.

Porque, en resumidas cuentas, la adaptación que ha realizado Adam Shankman del argumento de la película original de John Waters es perfecto: desde el primer momento en que suena una canción uno queda encandilado por una música que te atrapa, no sólo ya por su frenético ritmo sino por el desparpajo de sus incisivas letras o por la espectacularidad de la puesta en escena y de las coreografias de la mayoria de ellas. Y todo ello con un argumento sencillo: como el baile consigue romper los arcaicos arquetipos de la clasicista sociedad de Baltimore de los años 60. El resultado final es una película que tendría que estar recomendada para subir el estado de ánimo de toda persona alicaida, porque desde luego sales del cine mucho más contento de lo que entrastes. Y encima habiendo visto una película realmente magnífica.

LO MEJOR: Casi todas las canciones, las espectaculares coreografias, la recreación (quizás un tanto idílica) de los años 60, los actores (sobretodo los jóvenes y en especial la protagonista, Nikky Blonsky) y el argumento (sencillo pero perfectamente resuelto).

LO PEOR: Pequeños altibajos (como la manifestación racial) o que los actores más veteranos (aún cantando bien) haga que se note tanto la diferencia con los jóvenes.

LA JUNGLA 4.0 de Len Wiseman

Ficha técnica

Dirección: LEN WISEMAN
Intérpretes: BRUCE WILLIS, TIMOTHY OLYPHANT, MAGGIE Q, JUSTIN LONG, JEFFREY WRIGHT, MARY ELIZABETH WINSTEAD.
Guión: JEFF MARK BOMBACK; basado en los personajes creados por RODERICK THORP.
Producción: MICHAEL FOTTRELL, JOHN MCTIERNAN, ARNOLD RIFKIN Y BRUCE WILLIS.
Música: MARCO BELTRAMI
USA, 2007

Sinopsis

Un ataque a la vulnerable infraestructura informática de Estados Unidos comienza a apagar poco a poco a la nación entera. La misteriosa figura detrás de este plan devastador ha cuidado hasta el más mínimo detalle, pero nunca contó con John McClane.

Crítica

La Jungla 4.0 se convierte en otra decepcionante secuela dentro de este verano del 2007 lleno de secuelas cinematográficas que no han llegado a lo que uno esperaba de ellas. Eso no quita para que (pese a todo) entre todos esos films haya diferencias entre los que como mínimo mantienen un nivel correcto y los que directamente se estrellan. La Jungla 4.0 estaría en el primer grupo… pero cerca de la frontera del segundo.

Para empezar hay que decir que la película es entretenida, eso sin duda. Se podrá decir lo que se quiera de ella, lo cual no es óbice para mentir y decir que no me entretuve viéndola, porque la verdad es que si que me entretuve. El problema es que carga con tres películas previas que desde luego la superan. Personalmente considero que los mejores films de la saga son los dirigidos por John McTiernan. En la primera entrega supo demostrar como crear un clásico del género de acción (con la ayuda además de un magnífico villano encarnado por Alan Rickman), y en la tercera contó con un entretenido argumento, un Bruce Willis igual de socarrón que en el primer film, un espléndido secundario como Samuel L.Jackson (la química entre él y el protagonista era innegable) y un simpático Jeremy Irons disfrutando en su papel de villano. Y aunque en el caso del tercer film había bastantes excesos (por esa regla esquemática de que una secuela ha de ser superior al capítulo precedente) mantenía un nivel innegable si no fuera por un final en el que se echaba en falta un cara a cara entre héroe y villano. La segunda entrega, dirigida por Renny Harlin, sigue un esquema parecido al del primer film pero aumentando el radio de acción (de un edificio a un aeropuerto). El problema está en que falla el villano (William Sadler como el Coronel Stuart no impresiona tanto, por mucha cara de malvado que quiera poner) pero pese a ello Harlin era en aquel entonces un buen director de películas de acción y supo hacer un film entretenido.

El problema es ahora. El cine de acción de los ochenta parece estar desaparecido en combate, ahora lo que se llevan son las aventuras mastodónticas con alucinantes escenas de acción y espectacularidad por los cuatro costados. Y ya no importa ni el argumento (en algunos casos inexistente) ni los actores (¿cuántos héroes ha generado el cine de acción en los últimos años que esten al mismo nivel de Willis, Stallone, Schwarzenegger o Harrison Ford? Yo diría que ninguno). Supongo que por eso estamos viviendo el retorno de varios clásicos del pasado como Rocky, Rambo, Indiana Jones o John McClane.

Lo que pasa que a la espera de ver como van las cuartas entregas de Rambo e Indiana Jones, juzgando los retornos de este año (Rocky y John McClane) desde luego este último sale perdiendo. Stallone, sabiendo la edad que tiene, actua y hace actuar a su personaje en Rocky Balboa conforme lo que puede hacer un hombre de su edad, lo cual resulta creible. Por contra a John McClane (Bruce Willis) le hacen realizar unas virguerias en esta película que cuesta mucho de creerselas. Y esto no es una crítica hacia el actor, que su buen esfuerzo físico le habrá costado realizarlas teniendo en cuenta que ya tiene 52 años, el problema está en que no te las crees dentro de la película, pareciendo más propias de la franquicia de Misión Imposible que no de esta (de hecho me refiero exactamente a las escenas del coche contra el helicóptero y la del caza militar contra el camión). Y el ejemplo de la saga de películas protagonizada por Tom Cruise me viene que ni al pelo, porque es que todo el argumento del film parece una especie de guión-comodin que lo mismo que se ha retocado para ser La Jungla 4.0 podría haber sido perfectamente el argumento de Misión Imposible 4 o si mucho me apuras incluso de James Bond 22.

Pero seguimos, que esto no ha acabado: Justin Long es el peor actor que ha acompañado a McClane en sus peripecias cinematográficas. Y nuevamente he de matizar que no es una crítica hacia el actor, cuya actuación no molesta (aunque tampoco es que destaque). Pero uno lo compara con el anterior compañero de Willis en la saga (Samuel L.Jackson) y mientras que con aquel si había química (lo que hacía ganar muchos enteros al film) aquí desde luego no. Pero sin duda el que menos se salva es el villano, encarnado por un Thomas Olyphant que la primera vez que lo ví aparecer (no sé porque) me recordó a Jose Coronado pero con ciertos aires amanerados. Y para que os hagais una idea yo a Jose Coronado lo considero un bastante pésimo actor…

Mary Elizabeth Winstead es quizás la novedad más ingeniosa de la película, al encarnar a la hija del protagonista. Si bien su personaje no difiere mucho del de la típica chica que ha de ser rescatada por el héroe, que en este caso sea un policia tan socarrón como McClane y que además éste sea su padre hace que tenga un par o tres de escenas en las que (lejos de amilanarse ante el peligro) le echa valor al tema. Del resto del reparto poco se puede decir salvo que pasan por pantalla, hacen lo que tienen que hacer (en el caso del director Kevin Smith cuatro gracias con relativa poca gracia) y para de contar.

Pero pese a ello, y volviendo al inicio de esta crítica, la película he de reconocer que no aburre, quizás por esa exageración en algunas de sus escenas. En ese sentido hay que reconocer que Len Wiseman sabe realizar películas de acción (ya lo demostró en las dos entregas de Underworld). El problema está en que en aquellas tenía un argumento plagado de referencias previas (Matrix, Blade,…) mientras que aquí tiene que lidiar con las tres películas previas, desde luego realizadas por unos directores que supieron en su momento combinar mejor la simpatia del personaje de Willis y la espectacularidad de las escenas de acción de una manera más coherente de lo que lo hace Wiseman. Es por eso que si bien la película se deja ver, a punto estuvo en muchas ocasiones de que al final la suspendiera de nota. En resumidas cuentas lo mejor que se puede decir de ella es que es entretenida y punto.

LO MEJOR: Bruce Willis y la ironia de su personaje (aunque quizás se nota más forzada que en los títulos precedentes) y la inclusión de la hija del protagonista. Además, pese a sus fallos, la película es entretenida, eso es innegable.

LO PEOR: La comparación con los títulos precedentes (todos ellos mejores que esta), el villano (el peor de la saga) y algunas escenas de acción (que no te las puedes creer para un actor de 52 años como Willis, aparte de que algunas parecen más propias de Misión Imposible)

DEATH PROOF de Quentin Tarantino

FICHA TÉCNICA

Dirección: Quentin Tarantino
País: Estados Unidos
Año: 2007
Duración: 95 minutos
Género: Terror
Reparto: Michael Parks, Quentin Tarantino, Jordan Ladd, Eli Roth, Kurt Russell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Rose McGowan, Mary Elizabeth Winstead, Sydney Tamiia Poitier, Tracie Thomas, Zoe Bell, Omar Doom, Michael Bacall, Monica Staggs
Guión: Quentin Tarantino
Fotografía: Robert Rodriguez
Montaje: Sally Menke
Música: Robert Rodriguez
Productor: Elizabeth Avellan, Erica Steinberg, Quentin Tarantino, Robert Rodriguez

SINOPSIS

Para la DJ del momento en Austin, Jungle Julia, la noche supone la oportunidad de salir de marcha con dos de sus mejores amigas, Shanna y Arlene. Esta tropa de mujeres de excepción irrumpen en la noche, haciendo que las miradas se vuelvan desde Guero's a Texas Chili Parlor. Pero no toda la atención que reciben es inocente: siguiendo furtivamente sus pasos está Stuntman Mike, un rebelde veterano y curtido que mira con desprecio desde detrás del volante de su vehículo. Mientras las chicas beben ronda tras ronda, el arma de Mike, su arrollador coche, revoluciona el motor a tan solo unos pasos.

CRÍTICA

Que a estas alturas sigo sin entender porque se han separado las películas que conforman GrindHouse (esta y Planet Terror) sería reiterativo. Pero ahora que por fin se ha estrenado el segmento de Quentin Tarantino, una vez visto queda claro que ambas películas juntas hubieran tenido una mayor coherencia, ya que si bien no me acuerdo de la referencia exacta de Death Proof en Planet Terror, una vez vista aquella enseguida he visto la referencia que hay de la misma en este film (centrada en la presencia de varios personajes que también aparecían en aquel).

En cuanto a la nueva película de Quentin Tarantino, lo mejor que se puede decir de ella es que es coherente con toda la carrera anterior de su director, quizás incluso demasiado. Y es que lo mismo que hay algunos realizadores bastante personales que siempre le suelen dar su sello personal a todas las películas que hacen, sean estas de la temática que sean, algo parecido le ocurre a Tarantino en este film, ya que su idea de rememorar el cine de aquellos años es haciendo un film estilo años 70 (por ciertos aspectos visuales y la música) pero claramente ambientado en la actualidad (por la presencia de, por ejemplo, teléfonos móviles), en una jugada parecida a la que hizo en Jackie Brown. Incluso se permite referencias autopersonales como que el famoso silbido de Kill Bill sea el timbre del movil de uno de los personajes.

Por lo demás el film sigue el esquema de cierta variante del cine de psicópatas que consiste en presentar a las víctimas del maniaco protagonista, ver los métodos de este para hacer su trabajo, y luego dar paso a otras víctimas las cuales pueden parecer tan indefensas como las anteriores pero que conseguirán que se tornen los papeles. Es decir, no sólo se puede ver una lejana referencia a la Psicosis de Alfred Hitchcock (por aquello de empezar con unos personajes con los que te familiarizas para que luego pase como con la Marion Crane del film citado) sino que tenemos referencias a tantos films de psicópatas donde estos al final han probado de su propia medicina.

Partiendo pues de que no tenemos ni el mejor guión ni la película más original del mundo, ¿que hace Tarantino? Pues lo lleva a su habitual terreno, con diálogos, muchos diálogos en su particular estilo, que llenan casi el 80% del film (y que para el que esto suscribe son de lo mejor del film). Eso no es problema para aquellos que disfruten de esa variante del cine Tarantiniano, donde los personajes dicen muchas cosas, algunas que llevan a algo y otras simples comentarios sin ningún fin. Pero reconozco que eso se le puede hacer muy pesado a los que esperen encontrar a un Tarantino más estilo Kill Bill, ya que las escenas de acción de este film se concentran en una en la parte intermedia del film con el primer ataque del personaje de Kurt Russell y otro en la parte final, en la que parecía que lo que iba a pasar de una manera acaba sucediendo de otra diferente.

Cuando he salido de ver la película he de reconocer que estaba dudando que calificación ponerle (y dudaba entre entretenida y buena). Si bien me ha gustado más que Planet Terror (la otra mitad de GrindHouse) ya que considero que Tarantino es mejor director de Robert Rodríguez (lo cual esta película viene a confirmar plenamente); también es verdad que este film poca novedad aporta para Tarantino, siendo una continua autoreferencia estética (por los films homenajeados) como personal (lo citado de Kill Bill). Es decir, presuponiendo las muchas aptitudes que tiene el director (ya probadas anteriormente, especialmente en Pulp Fiction, su obra maestra hasta la fecha) este film parece más bien un viaje a terrenos conocidos por él que una apuesta por intentar hacer algo diferente. ¿Qué el resultado le ha salido bien? Aunque a nivel económico no se pueda decir que si (recordemos el fracaso del film en la taquilla norteamericana cuando se estrenó el pasado mes de abril) a nivel de calidad si se puede afirmar: suponiendo que ha homenajeado al cine de psicópatas de los setenta, Tarantino ha conseguido un film que siguiendo los parámetros de cierta variante del género consigue sorprender por unos métodos (los del protagonista) que se alejan del tio con cuchillo de carnicero o motosierra que se relacionaría con este tipo de películas, siempre (eso si) dentro del particular universo cinematográfico que ha caracterizado al famoso realizador.

A nivel actoral he de decir que Kurt Russell está realmente bien como el psicópata protagonista que se cree que con su coche puede hacer todas las barbaridades que le vengan en gana hasta que un grupo de mujeres le hará pasar de verdugo a víctima. En cuanto a las chicas, son todas muy al estilo del cine de Tarantino: mujeres duras y sin pelos en la lengua, que hablan muy claro llamando a las cosas por su nombre. Entre ellas destacaría a Vanessa Ferlito, actriz vista en la primera temporada de CSI Nueva York y que guarda cierto parecido (o al menos a mi me lo parece) con Angelina Jolie. Sabiendo que es una de las actrices más sexys con las que cuenta en el reparto, Tarantino saca buen partido de ella con algunas escenas en las que se recrea en la anatomia de la actriz.

En resumidas cuentas, una buena película de Quentin Tarantino que no se cuenta entre lo mejor de su filmografía pero que sigue demostrando que es un realizador muy personal que sabe darle un aire propio a todos sus films, sean estos de la temática que sean. El problema quizás esté en una cierta autocomplacencia, que probablemente es debido a las pocas pretensiones que en si tenía este proyecto, pero al menos Tarantino no alarga las cosas más de la cuenta, siendo ajustadísimos los 95 minutos de este film, en comparación con otras ocasiones en las que la excesiva duración lo ha traicionado (como por ejemplo en Jackie Brown o la separada Kill Bill). Pero aún siendo una buena película (y sobretodo por los diálogos, los cuales a mi me gustaron pero sigo insistiendo en que a muchos puede no gustarles que los personajes se pasen casi toda la película hablando) espero que para su próximo proyecto Tarantino asuma algún tipo de riesgo y se atreva con algún proyecto un poco más alejado de la temática habitual de la mayoría de sus películas.

LO MEJOR: El estilo de Tarantino como director, que sabe insuflar vida y características personales incluso a un film de este estilo (mayormente protagonizado por los diálogos de los personajes) y que en la mano de otro director podría haber acabado siendo una película olvidable.

LO PEOR: Que pese a ello sea un film inferior en la filmografia de Tarantino, lejos de los buenos resultados que (a mi modo de ver) consiguió en Pulp Fiction (su mayor obra maestra hasta la fecha) o Kill Bill volumen 1.