EL MENÚ, una deliciosa pesadilla en la cocina (crítica sin spoilers)

Las similitudes culinarias a la hora de escribir sobre una película son bastante usuales, y en un caso como este vendrían la mar de bien, pero antes que nada quisiera exponer mis pensamientos previos antes de ver el film El menú, ya que por los mínimos avances que ví, que una de sus temáticas fuera el ¿terror? era algo que me intrigaba y me llevaba a la duda. Tranquilos que podeis seguir leyendo porque esto es tan solo lo que me sugería la película ANTES de verla, que cambió una vez la pude ver (o, jugando a lo culinario, me deleité con ella) 

Lo primero que se me vino a la cabeza fue Blanco humano de John Woo, con Jean-Claude Van Damme de protagonista, por aquello de la caza del ser humano; mientras que estando presente el tema de la alimentación me recordé del personaje de Hannibal Lecter, todo un sibarita canibal, en cuya tercera entrega con Anthony Hopkins de protagonista ya estuvo de villano el actor Ralph Fiennes, presente en esta cinta dirigida por Mark Mylod. 

 

Ambas cosas me cuadraban con el hecho de que El menú se supone que es una sátira gastronómica con toques de crítica social, aunque tengo que admitir que fallé en mis presunciones, ya que lo que al final lo que prevalece es una de las sensaciones más antiguas, que según el refranero popular mejora si se sirve fría (nueva referencia culinaria que, con otra más, me viene al dente) Porque El menú sería sin lugar a dudas una de las mejores películas de este 2022.

A la hora de comer, cada uno tiene su particular manera de hacerlo, pero en cierto momento de esta película el personaje de Fiennes pide a sus comensales que NO coman... sino que saboreen, que degusten y que se recreen en los sabores de lo que les van a servir. Su personaje vendría a ser una acertada parodia llevada al exceso de esos chefs de renombre que no te ofrecen algo para alimentarte, sino más bien algo bonito para ser contemplado y admirado más que saboreado. Eso se caracteriza por platos donde lo alimenticio apenas te da para un bocado, pero por los que los más sibaritas pueden llegar a pagar cantidades exorbitantes, como le ocurre a los personajes de esta cinta: una pléyade de supuestos esnobs que en muchos casos viven de las apariencias (pero que también esconden sus oscuros secretos), entre los cuales entra por pura casualidad el personaje de Anya Taylor-Joy, cuyo caracter menos petulante que el del resto parece resaltar tanto del citado grupo de comensales como al propio chef encarnado por Fiennes.

 

Con una excéntrica manera de comportarse, a medio camino entre lo excéntrico y lo dictatorial, la férrea actitud de control absoluto que ejerce el chef Slowik sobre el destino exclusivo al que lleva a sus comensales (y TODO lo que allí acontece) no le acaba de cuadrar cuando se entera de que uno de ellos (el personaje de Margo, al que encarna Anya Taylor-Joy), no es el esperado en un inicio. Pese a todo seguirá con su idea de hacerles pasar a sus comensales una experiencia gastronómica única y excepcional, con una sucesión de platos a cual más excéntrico, y en donde lo que comenzó como un ágape un tanto arrogante (por el exceso de florituras en cada nueva receta) derivará en una despiadada crítica contra la petulancia de esa acomodada clase social, que en una situación problemática no deja de comportarse como seres humanos, en muchos casos mostrando pese a todo que son capaces de los comportamientos más miserables cuando las circunstancias se ponen en contra. Y todo ello con un ajustadísimo metraje de 107 minutos.

Para finalizar esta crítica, porque lo mejor es ir a ver esta película sabiendo lo mínimo de ella, me gustaría citar un detalle en el que no se ahonda, y por lo que creo que lo que podía haber sigo magistral se queda tan solo en un notable alto: la sumisión del equipo de cocineros de Slowik. Cuando quedan más o menos claras las características del personaje de Fiennes uno las puede entender (o no), pero resulta curioso que todos los del equipo culinario que le acompaña sigan con absoluta obediencia y sumisión todas sus órdenes (sirva de ejemplo el tono militar cada vez que da alguna palmada, siendo incuestionable TODO lo que venga de él), lo que me llevó a recordar a cierto villano de Marvel: el Hombre Púrpura, que debutó en las páginas de Daredevil y que se vió en la serie televisiva Jessica Jones a cargo del actor David Tennant. La capacidad de este personaje era controlar a la gente con su voz, pero como logicamente algo así no tiene cabida en un film como este, las motivaciones del equipo de Slowik quedarán sin justificación.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de diciembre de 2022.

AMERICA CHAVEZ: HECHO EN AMÉRICA / LUCKY LUKE: CHOCO-BOYS / HAPPY HOUR / THOR DIOSA DEL TRUENO: LA MUERTE DE THOR

AMERICA CHAVEZ: HECHO EN AMÉRICA

Aunque he leido de refilón cosas de America Chavez y la ví en la película Doctor Strange en el multiverso de la locura, no había leído ningún comic específico de ella, por lo que cuando detecté como novedad en el catálogo de las bibliotecas este America Chavez: Hecho en América no dudé en, como mínimo, probarlo. Es cierto que dentro de la nueva hornada de personajes que han surgido en Marvel en estos últimos años hay algunos que me convencen (Miles Morales o Kamala Khan por poner dos ejemplos), pero también otros con los que me ha sido imposible "conectar", y cuyos comics he devuelto a la biblioteca sin leer (como la Chica-Ardilla o la Avispa de Nadia Van Dyne) Afortunadamente America Chavez, con este comic, se situaría entre los primeros, cumpliendo ya desde sus orígenes algo que pensaba que había sido inherente en la película antes citada, pero que es vigente desde su mismo origen: joven latina lesbiana con madres de la misma condición. Pero eso resulta tan solo un mero detalle intrascendente para disfrutar en este tomo de una entretenida reinvención de sus orígenes, tocando temas tan candentes como el de la inmigración.

• America Chavez: Hecho en América, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

LUCKY LUKE: CHOCO-BOYS

En los últimos años he leído algunos comics especiales de Lucky Luke donde diferentes autores realizaban una historia como homenaje de tan mítico personaje de Morris, su creador. El primero fue El hombre que mató a Lucky Luke, despues Jolly Jumper ya no puede más y el más reciente fue Se busca Lucky Luke; pero admito que el que esperaba con ganas era Choco-Boys (que ví hace unos meses en una libreria de comics), sobretodo por lo sorpresivo de su autor: Ralf König. El resultado es una obra tan respetuosa con el personaje al que homenajear (que ya representa como un ídolo incluso dentro de esta misma historia, pese a que Lucky Luke no sea ni narrador ni protagonista principal de la misma) como coherente al estilo por el que se ha caracterizado König en sus comics (recordando mucho los vaqueros de Choco-Boys a las andanzas de su emblemática pareja gay formada por Konrad y Paul) De hecho es MUY EVIDENTE el guiño a la película Brokeback mountain, aunque también coherente por el desarrollo de esta historia, en un simpático homenaje donde König hace suya la obra de Morris, con un resultado tan destacable como recomendable.

• Lucky Luke: Choco-Boys, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

HAPPY HOUR

Vivimos en una sociedad que parece obligarnos a ser felices, y aquel que no lo es parece no haberlo logrado porque no le ha dado la gana y no se ha esforzado lo suficiente. Esa sensación se acrecienta teniendo en cuenta la falsedad del marketing que nos obliga a un consumo desaforado, siempre con una sonrisa en la boca y sin ningún motivo de queja. Curiosamente eso lleva a que existan ahora mismo multitud de personas claramente infelices por no poder alcanzar dichos objetivos utópicos, y basándose en esa certeza Peter Milligan realiza en la serie limitada de seis números Happy hour recopilada en su integridad en este tomo una parodia satírica de ello, situando la acción en unos distópicos Estados Unidos donde tienes que ser feliz porque te obligan, ya que en caso contrario te inflarán (literalmente) a hostias. Absurdo, salvaje, gamberro y muy grotesco (todo ello en el mejor sentido) el mayor handicap de este comic sería quizás el hecho de que igual no daba para seis números (su planteamiento, aunque divertido y curioso, se antoja bastante exagerado), teniendo que haberse reducido su extensión para lograr ser más mordaz.

• Happy hour, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

THOR DIOSA DEL TRUENO: LA MUERTE DE THOR

Muchas veces he citado como "conecto" más con algunos personajes que con otros (algo que me imagino le sucede a todo el mundo), y como uno de los que menos me llama es Thor, más allá que las películas en las que ha intervenido hasta ahora me hayan hecho más interesante algunos momentos concretos o algunos comics en particular. Aún así el nivel para mi en esos casos ha sido más o menos entretenidos según cada caso, hasta que con el presente tomo han conseguido lo que jamás pensé que admitiría con un comic de Thor: ME HA EMOCIONADO. Si, la muerte del título es la del Thor bajo el que se esconde Jane Foster (aunque llegados a este punto ya no sería algo tan secreto), pero el periplo emocional de este personaje, con un cáncer agresivo que la consume cuando suelta el Mjolnir, ha sido emblemático desde el inicio, llegando aqui a cotas que rozan la excelencia. Teniendo en cuenta que parte de mi interés en esta etapa era porque se iba a reflejar en la película Thor: Love and thunder, pero el reflejo de esta Diosa del Trueno en la pantalla ha sido TAN PARCIAL que RECOMIENDO SIN DUDA esta etapa de Jason Aaron. Y lo escribe alguien que no es fan de Thor ni de su mundo...

• Thor Diosa del Trueno: La muerte de Thor, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.
  

MUNDO EXTRAÑO, aventura pulp clásica (crítica sin spoilers)

Cuando se anunció esta película no me quise emocionar mucho pero... me ilusioné por lo que planteaba: un homenaje a los viejos seriales de aventuras y ciencia-ficción que poblaban las pantallas y los comics de hace décadas, así como al espíritu de obras clásicas de autores como Julio Verne, H.G.Wells o Emilio Salgari. Aún así asistí al pase con reticencias, por ser un film de la factoria Disney, con todo lo que ello conlleva (que no digo que sea malo, pero en donde influyen ciertos factores para que el resultado final sea un producto apto para toda la familia, lo que en ocasiones conlleva un tono más infantil y no tan adulto como sería el esperado según que momentos)

No negaré que eso está presente, pero al mismo tiempo es un toque coherente teniendo en cuenta que aquellas aventuras fantásticas de antaño se caracterizaban también por una inocencia que a los ojos del espectador actual puede parecer simpleza. De hecho cuando se nos presenta al intrépido Jaeger Clade se hace con todos los tópicos del personaje aventurero que es, aunque eso parece no haber pasado a la siguiente generación, ya que su hijo Searcher no ha salido con el espíritu de explorador de su progenitor. De hecho ambos se separan cuando en una expedición para salvar Avalonia (que es donde viven) Jaeger decide continuar hasta más allá del horizonte, pasado el límite de unas montañas que no ha superado nadie, mientras Searcher descubre una extraña planta que podría ser el remedio energético que precisan para subsistir.

Todo este primer tramo de la historia se nos plantea en imágenes recuperando el espíritu de aquellos viejos seriales que citaba antes, bien sea con fotogramas en blanco y negro o con páginas de las antiguas revistas pulp que los acogian. Pero aunque ese espíritu está presente en todo momento, lo que aqui hacen Don Hall y Qui Nguyen (los directores de esta película) es desarrollar algo diferente. Como es natural, al tratarse de un producto FAMILIAR Disney, el citado concepto lo pongo en mayúsculas porque se verán inmersos en esta nueva aventura tanto Searcher como su mujer Meridian (de raza negra), el hijo de ambos Ethan (gay discreto, para no ofender a los más susceptibles) y el perro de la familia (de tres patas se supone que por haber nacido así o por haber perdido una por motivos desconocidos), a los que sumar al perdido Jaeger, con el que se reencontrarán en el momento más inesperado. 

 

Con ese abanico rompen estereotipos de raza, discapacidad o condición sexual, aunque siga habiendo evidentes tópicos (patentes en Jaeger), dando cabida a una diversidad ya presente en los últimos estrenos de la factoria (sirva de ejemplo la pareja de dos mujeres vista en la reciente Lightyear) En su aventura en busca de una solución al problema planteado se desarrolla una historia con ecos de Viaje al centro de la Tierra de Julio Verne, aunque llegados a cierto momento ¡SORPRESA! cuando te queda claro el concepto orgánico de lo que se van encontrando a su paso, al beber esta película también de cierto film fantástico de 1966 cuya novelización corrió a cargo de Isaac Asimov. Aparte de vivir todo tipo de peripecias, tambien se verá el choque generacional entre los tres miembros de la familia Clade, aunque resulta un poco raro que el abuelo Jaeger acepte de tan buen grado la condición sexual de su nieto.

 

Dicha decisión la supongo basada en el hecho de que esto tenía que ser una película apta para todos los públicos, y no era plan de mostrar un abuelo intransigente o de mentalidad retrógrada... aunque sea tristemente algo de lo más común hoy en día (si bien siempre puede haber excepciones) Para divertir a los más pequeños se usa el "alivio cómico" del perro antes citado de tres patas (que reconozco que se hace entrañable), así como de una criatura tentacular azul sin posibilidad de vocalizar, pero bastante habil en lo de gesticular. Todos ellos se verán inmersos en una aventura atractiva, donde sorprende todo lo que se encuentran a su paso y al mismo tiempo resulta coherente cuando se comprende lo que es, en una clara moraleja para que aprendamos a vivir en nuestro entorno, sin la actitud actual del ser humano que está llevando al abismo el único planeta que tenemos para vivir, con un cambio climático temible.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de noviembre de 2022.
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PUÑALES POR LA ESPALDA: EL MISTERIO DE GLASS ONION, crítica sin spoilers de este nuevo misterio encebollado para BENOIT BLANC

Aunque me aficioné al género detectivesco por el Sherlock Holmes de Miyazaki de finales de los años ochenta (tras lo cual pronto descubrí a Agatha Christie y personajes míticos suyos como Hércules Poirot o Miss Marple) tengo que admitir que hasta que no se estrenó a finales de 2019 la película Puñales por la espalda no supe que aquello que yo calificaba como un estilo a lo “Agatha Christie” (es decir: un misterio, un detective particular y varios sospechosos) se llamaba whodunit. El término proviene de la contracción del inglés Who has done it? o Who's done it? que se traduciría por ¿Quien lo hizo?

 

El éxito en taquilla de la película de Rian Johnson antes mencionada (Puñales por la espalda) ha llevado a que Netflix moviera ficha y se asegurara el tener las dos secuelas iniciales, de la cual esta El misterio de Glass Onion sería la primera. Con estreno limitado en cines el 23 de noviembre (aunque tan solo durante una semana), la plataforma la estrenará el 23 de diciembre, tratándose de una secuela escrita, producida y dirigida por Rian Johnson, donde Daniel Craig repite su personaje de Benoit Blanc en otra nueva historia de intriga y misterio que comienza en momentos de pandemia (un simpático guiño a nuestra más reciente actualidad), situada en un nuevo escenario (en este caso la mansión de un millonario al que encarna Edward Norton, que se encuentra en una paradisíaca isla) y con nuevos personajes implicados (y algún que otro sorprendente cameo: atención a con quien comparte piso el personaje de Daniel Craig...)

 

Si se tiene que definir de alguna manera esta secuela sería continuista, ya que el esquema de esta película no deja de ser un whodunit básico como el que se planteaba en Puñales por la espalda (no inventa tampoco nada nuevo), si bien se establecen algunos cambios más allá del escenario y los implicados. En este caso Blanc se ve inmerso en la historia cuando en si aún no se ha cometido ningún crimen (aunque algo se está maquinando...), si bien por lo demás no deja de seguir el mismo esquema cuando lo previsible (algo que desmonta bien pronto el personaje encarnado por Daniel Craig) da paso a lo imprevisible (lo planteado como un sencillo pasatiempo se convierte en algo mucho más peligroso), jugando las mismas irónicas cartas que hicieron triunfar al film precedente, aunque sin ningún tipo de innecesaria conexión (más allá de su protagonista), haciendo de Glass Onion tanto una secuela modélica como un film totalmente independiente.

 

En el caso de esta película su propio título se tiene que tomar como una metáfora de la historia que se nos plantea: Glass Onion se traduce como cebolla de cristal, y tal cual uno pueda imaginar dicho concepto, lo que nos ofrece Rian Johnson es algo que puede parecer tan claro como el citado cristal (de hecho en un principio pensé que todo sería una maquinación con visos de realidad, tal cual descubre el propio Blanc al poco tiempo), pero que realmente esconde una verdad escondida bajo capas y capas de pistas y certezas parciales, que el Benoit Blanc de Craig irá haciendo encajar para desentrañar el misterio... pero sin olvidarse de los espectadores (ya que llegados a cierto momento se ofrece un extenso flashback que aclara cualquier tipo de duda sobre lo que sucede)

 

¿Cual es entonces el problema de esta Glass Onion? No me quejaré de su muy intrincado guion, que hace que al final todo cuadre, pero el metraje se dispara más allá de las dos horas, lo que causa que el ritmo sea en algunos momentos algo irregular, recreándose en exceso en su (por otra parte) fascinante ambientación de algunas de sus secuencias. Digamos que el sarcasmo y la ironía serían las columnas sobre las que se sustenta esta cinta (repitiendo lo que ya funcionaba en el título precedente), haciendo más llevadero dicho exceso de metraje. Asimismo Glass Onion es todo un recital actoral para sus integrantes, donde sin duda sobresale un sarcástico Daniel Craig que nos deja con las ganas de volverlo a ver resolviendo misterios cual si fuese un clásico detective de las novelas de Agatha Christie.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de noviembre de 2022 en cines (sólo por una semana) y 23 de diciembre en Netflix.
• Galería de posters por este enlace.

CHIBI USAGI: EL ATAQUE DE LOS YUYU CHIBIS / STAR WARS: DATOS FASCINANTES / SPIDERMAN: LEYENDAS DE MARVEL (reseñas)

CHIBI USAGI: EL ATAQUE DE LOS YUYU CHIBIS

Usagi Yojimbo es a Stan Sakai lo mismo que Stan Sakai a Usagi Yojimbo, y es que si uno es la más popular criatura de su autor, el otro se ha ganado una merecida fama gracias a un personaje al que ha dedicado más de tres décadas de su vida, con ejemplos sobresalientes pero incluso manteniendo un destacable nivel hasta en las aventuras menos inspiradas. Con esa forma de trabajar tanto el autor como el personaje se han granjeado una gran cantidad de admiradores (entre los que me incluyo), por lo que fue amplia la decepción ante su adaptación televisiva en la serie Conejo Samurai: Las crónicas de Usagi, que se estrenó en Netflix a principios del presente año. Con la idea de alcanzar al mayor número de espectadores posible se procedió a una infantilización del concepto básico de este comic, mezclándolo también con ciertos toques de ciencia-ficción no siempre del todo afortunados, con un resultado final bastante fallido.

Con dicho precedente los que amamos a Usagi Yojimbo podiamos asumirlo como tan solo un desliz, pero entonces me entero de la existencia de este comic que lleva por título Chibi Usagi: El ataque de los yuyu chibis, y nada más entrar en la biblioteca lo he solicitado lo antes posible para leerlo para satisfacer mi curiosidad. ¿Otra infantilización de las aventuras de tan famoso conejo samurai? Pues si, pero en este caso una que SI funciona, al acertar en su idea de aproximar el universo de este personaje al público infantil de entre 6 y 10 años con el estilo gráfico Chibi, que vendría a ser la exageración cómica dentro del manga, que dulcifica a los personajes dibujados así. Por lo demás todo el espíritu de la obra original se encuentra aqui presente, aunque simplificado teniendo en cuenta su público objetivo, pero con todo el encanto que puede hacer que esas nuevas generaciones crezcan interesándose por tan veterano personaje.

• Chibi Usagi: El ataque de los yuyu chibis, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

STAR WARS: DATOS FASCINANTES

¿Que se puede decir a estas alturas de la franquicia Star Wars que no se haya dicho ya? Para la gran mayoría será poco, mientras que para los más fans será muy poco, pero creo que este libro titulado Star Wars: Datos fascinantes si tiene algunas curiosidades que pueden no ser tan conocidas, pero que resultan interesantes. La lectura de esta obra de Pablo Hidalgo resulta muy ágil y rápida, porque cada página tiene un único detalle que es más o menos desglosado en relación a su relevancia, y es justo alabar el hecho de que se realiza una división más o menos salomónica para que las muchas anécdotas que se pueden encontrar en esta obra sean tanto de la cronología de las tres trilogias de películas que la forman como justamente de la gestación de las mismas. Eso lleva a que por estas páginas se puedan encontrar cronologías de personajes, descripciones técnicas de diferentes naves, anécdotas de rodaje e incluso curiosidades (creo que) no muy conocidas, como que toda la Fase 2 del UCM (que abarca desde Iron Man 3 hasta Ant-Man) homenajeó a la saga galáctica haciendo que en todas las películas de dicho periodo le cortaran el brazo o la mano a algún personaje.

• Star Wars: Datos fascinantes, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

SPIDERMAN: LEYENDAS DE MARVEL

Por pura casualidad encuentro en el catálogo de las bibliotecas un comic que constaba tan solo con un escueto Spiderman, y que ahondando por internet ha resultado que se trata del tomo Spiderman: Leyendas de Marvel, que recopiló todos los especiales dedicados al arácnido que vieron la luz en 2019 cuando se celebraron los 80 años de Marvel. El primero recopila la plasmación en viñetas de la sugerencia que pensó un fan (Randy Schueller) a principios de los ochenta para hacer negro el traje de Spiderman, y que vendida por 200 dólares se convirtió después en el traje negro de Spiderman que obtuvo en las primeras Secret Wars, y que luego desembocó en el simbionte Veneno. Dicha primera historia, a cargo de Peter David y Rick Leonardi, resulta curiosa y recupera el espíritu que tenía el personaje en la década de los ochenta. 

Esa misma esencia continúa en la segunda historia, enésima revisión del origen de Spiderman a cargo de Tom DeFalco, Ron Frenz y Sal Buscema. La tercera reune a Gerry Conway y Mark Bagley en una trama relacionada con la inmigración ilegal, tras la cual vienen dos más bien anecdóticas a cargo de Ralph Macchio y Todd Nauck por un lado y Erik Larsen por el otro. El tono general sería adecuado, y el evidente homenaje a los lectores clásicos sería acertado... pero por razones incomprensibles el tomo se completa con dos historias de Power Pack sin nada que ver con Spiderman, y que aunque resultan aceptables como tal (están ambientadas en el cumpleaños de Alex, uno de sus miembros, con cameos de Lobezno y Kitty Pride), forman un conjunto desigual en un tomo que tendría que haber sido más unitario.

• Spiderman: Leyendas de Marvel, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.