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martes, 22 de noviembre de 2022

PUÑALES POR LA ESPALDA: EL MISTERIO DE GLASS ONION, crítica sin spoilers de este nuevo misterio encebollado para BENOIT BLANC

Aunque me aficioné al género detectivesco por el Sherlock Holmes de Miyazaki de finales de los años ochenta (tras lo cual pronto descubrí a Agatha Christie y personajes míticos suyos como Hércules Poirot o Miss Marple) tengo que admitir que hasta que no se estrenó a finales de 2019 la película Puñales por la espalda no supe que aquello que yo calificaba como un estilo a lo “Agatha Christie” (es decir: un misterio, un detective particular y varios sospechosos) se llamaba whodunit. El término proviene de la contracción del inglés Who has done it? o Who's done it? que se traduciría por ¿Quien lo hizo?
 
El éxito en taquilla de la película de Rian Johnson antes mencionada (Puñales por la espalda) ha llevado a que Netflix moviera ficha y se asegurara el tener las dos secuelas iniciales, de la cual esta El misterio de Glass Onion sería la primera. Con estreno limitado en cines el 23 de noviembre (aunque tan solo durante una semana), la plataforma la estrenará el 23 de diciembre, tratándose de una secuela escrita, producida y dirigida por Rian Johnson, donde Daniel Craig repite su personaje de Benoit Blanc en otra nueva historia de intriga y misterio que comienza en momentos de pandemia (un simpático guiño a nuestra más reciente actualidad), situada en un nuevo escenario (en este caso la mansión de un millonario al que encarna Edward Norton, que se encuentra en una paradisíaca isla) y con nuevos personajes implicados (y algún que otro sorprendente cameo: atención a con quien comparte piso el personaje de Daniel Craig...)
 
Si se tiene que definir de alguna manera esta secuela sería continuista, ya que el esquema de esta película no deja de ser un whodunit básico como el que se planteaba en Puñales por la espalda (no inventa tampoco nada nuevo), si bien se establecen algunos cambios más allá del escenario y los implicados. En este caso Blanc se ve inmerso en la historia cuando en si aún no se ha cometido ningún crimen (aunque algo se está maquinando...), si bien por lo demás no deja de seguir el mismo esquema cuando lo previsible (algo que desmonta bien pronto el personaje encarnado por Daniel Craig) da paso a lo imprevisible (lo planteado como un sencillo pasatiempo se convierte en algo mucho más peligroso), jugando las mismas irónicas cartas que hicieron triunfar al film precedente, aunque sin ningún tipo de innecesaria conexión (más allá de su protagonista), haciendo de Glass Onion tanto una secuela modélica como un film totalmente independiente.
 
En el caso de esta película su propio título se tiene que tomar como una metáfora de la historia que se nos plantea: Glass Onion se traduce como cebolla de cristal, y tal cual uno pueda imaginar dicho concepto, lo que nos ofrece Rian Johnson es algo que puede parecer tan claro como el citado cristal (de hecho en un principio pensé que todo sería una maquinación con visos de realidad, tal cual descubre el propio Blanc al poco tiempo), pero que realmente esconde una verdad escondida bajo capas y capas de pistas y certezas parciales, que el Benoit Blanc de Craig irá haciendo encajar para desentrañar el misterio... pero sin olvidarse de los espectadores (ya que llegados a cierto momento se ofrece un extenso flashback que aclara cualquier tipo de duda sobre lo que sucede)
 
¿Cual es entonces el problema de esta Glass Onion? No me quejaré de su muy intrincado guion, que hace que al final todo cuadre, pero el metraje se dispara más allá de las dos horas, lo que causa que el ritmo sea en algunos momentos algo irregular, recreándose en exceso en su (por otra parte) fascinante ambientación de algunas de sus secuencias. Digamos que el sarcasmo y la ironía serían las columnas sobre las que se sustenta esta cinta (repitiendo lo que ya funcionaba en el título precedente), haciendo más llevadero dicho exceso de metraje. Asimismo Glass Onion es todo un recital actoral para sus integrantes, donde sin duda sobresale un sarcástico Daniel Craig que nos deja con las ganas de volverlo a ver resolviendo misterios cual si fuese un clásico detective de las novelas de Agatha Christie.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de noviembre de 2022 en cines (sólo por una semana) y 23 de diciembre en Netflix.
  • Galería de posters por este enlace.

miércoles, 4 de abril de 2018

ISLA DE PERROS, brillante animación stop-motion (crítica sin spoilers)

Aunque no tenga ni el mismo éxito ni la misma repercusión que otros productos más mediáticos o aquellos que salen de factorias como las de Disney y/o Pixar, resulta indudable que hay mucho más de cine de animación ahi fuera, de la que podría ser buen ejemplo esta Isla de perros. Llevada a cabo por Wes Anderson, uno de esos realizadores tan personales que suele ser dificil de encontrar en las películas más taquilleras, esta sería su nueva apuesta por el cine de animación tras la de Fantástico Sr.Fox, que llevó a cabo con técnicas similares (stop-motion) contando entonces con un reparto vocal liderado por George Clooney y Meryl Streep. En esta ocasión, y recomendando la versión original que es la que he disfrutado, la historia está acompañada de las voces de intérpretes tales como Harvey Keitel, Bryan Cranston, Jeff Goldblum, Edward Norton o Scarlett Johansson por mencionar solo algunos, si bien el relato es mucho más que sus voces.

En un momento futuro indeterminado (aunque más o menos cercano) hay una epidemia que infecta a toda la población canina de Megasaki, lo que lleva a su alcalde a desterrar a todos los perros en la Isla de la Basura. Por aquello de ser él mismo quien da ejemplo el primer animal que llega hasta allí es la mascota de su hijo adoptivo, pero este no se resigna y poco tiempo después aparece por esa isla pilotando un avión algo destartalado para rescatar a su apreciada mascota. En su dificil misión se verá acompañado por una jauría de perros que le ayudan, en una odisea en pos de salvar también su propio destino.

Con una premisa argumental como la citada uno podría esperar esa típica historia de un niño y su perro, pero esto es una película de Wes Anderson por lo que ya se pueden olvidar de cualquier detalle que pueda llevar este relato a lo infantil, si bien puede ser apreciada por un público que sea receptivo a su propuesta, tan arriesgada en su planteamiento como muy acertada en su resolución. Resulta dificil de comparar con nada previo, porque aunque estemos ahora mismo viviendo una época realmente prolífica en cuanto a cine de animación, también es cierto que la mayoría suele ser mediante ordenador, siendo muy extraño el uso de la stop-motion más allá de los ejemplos puntuales de Tim Burton tales como Pesadilla antes de Navidad, La novia cadaver o Frankenweenie. Se podría afirmar que si en esos títulos quedaba muy patente, para bien o para mal, la huella de su responsable, eso mismo vendría a pasar aqui, siendo lo más aproximado justo el film previo de este director usando stop-motion: la antes citada Fantástico Sr.Fox.

Además del muy remarcable reparto vocal de la película, es justo también citar (aunque de hecho ella misma ya lo avisa al inicio) de la diferencia idiomática: con esto me vengo a referir al hecho de que en una historia como esta uno pensaría que humanos y perros se entienden sin problemas, pero lejos de irse por terrenos previsibles el director opta por que todos los personajes orientales hablen en su idioma original siendo los perros los que hablan en inglés (o como se traduzca) Ello nos lleva a situaciones muy curiosas ya que no todo lo oriental está subtitulado (o traducido) como si la idea de su responsable fuera deleitarnos con la sonoridad del idioma, más allá de lo que este diga o deje de decir. Pero si hay una cosa con la que el espectador quedará satisfecho es con su aspecto visual, realmente magnífico en su conjunto, con un tono meticuloso en los detalles (sirvan de ejemplo los maltrechos cuerpos de los perros, debido a las penurias sufridas), en el que resulta muy evidente la fascinación de su director por todo lo oriental (desde sus tradiciones a sus autores más emblemáticos)

Si bien es una película hecha desde el más puro amor hacia los perros (los espectadores que la vean, si han tenido alguna vez una mascota lo entenderán), siempre se pueden encontrar dobles lecturas algo más profundas, ya que habrá quien vea mensajes políticos hacia los más desfavorecidos (y como son despreciados por la sociedad), pero yo prefiero quedarme con su mensaje más evidente, aunque se le podría achacar que algunos de sus personajes se queden sin un desarrollo algo más profundo, ya que uno se queda con las ganas de saber más sobre ellos. Aún así esta Isla de perros es una cinta en la cual, si el espectador entra dentro de lo que propone su responsable, encontrará una historia tan curiosa como sorprendente en la que bajo su sencilla premisa argumental se esconde una película arriesgada que justo tiene ahi su máximo aliciente (no podriamos decir que es "más de lo mismo"), además de un portentoso aspecto visual que justifica por si solo su visionado. 
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de abril de 2018
  • Galeria de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Casi todo, destacando especialmente su portentoso aspecto visual.
  • LO PEOR: Algunos personajes podrían haberse desarrollado un poco más.

jueves, 15 de septiembre de 2016

LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS, nunca volverás a ver la comida igual...

Aunque se emita en horario infantil, una serie de animación como Los Simpsons no nació como tal, sino que dirigida al público adulto. Otro tanto se puede decir de las series animadas de Seth McFarlane (como Padre de familia, Padre made in USA) aunque en algunos momentos su emisión en España haya sido en horario más propio de la infancia. Y ya no digamos South Park, cuyo lenguaje soez la condenó a horarios de madrugada en inicio y al destierro después (siempre en referencia a la televisión en abierto en este pais)

Y es que sigue existiendo la costumbre de que los "dibujos animados" (aunque ahora más bien sería la animación por ordenador) son para niños, cuando eso no tiene porque ser siempre así, ya que cortas ideas que igual no pueden tener salida de otra manera (si bien admito que algunas de las series de animación que hay hoy en día han tocado de manera más o menos acertada temas "delicados", siempre bajo unos límites, lejos de los puritanismos de mi infancia)

Este preámbulo viene a colación porque La fiesta de las salchichas ES UNA PELÍCULA PARA ADULTOS (y lo digo así, bien a lo grande) porque cuando fuí a ver la película de South Park en su momento ya ví como salía gente enfurecida diciendo que esa basura no era para niños. No hace falta ir tan lejos, porque la reciente Deadpool provocó reacciones similares, pensando los padres que ese superhéroe era una especie de Spider-Man, y por lo tanto tan inocente como el arácnido de Marvel. ¿Tanto cuesta informarse de las cosas o es que todo se reduce a plantarse delante de la taquilla de los multicines y echar a suertes lo que se va a ver? Además, ahora con internet se puede adelantar casi toda la película a base de trailers, posters, clips con escenas y todo el material promocional previo (excesivo en según que casos, de hecho no suelo prestarle mucha atención para así no comerme spoilers y perderme posteriores sorpresas) Pero vayamos al grano...

La premisa de este film es bien sencilla: en un supermercado los productos de las estanterias (entre ellos la comida) estan esperando a ser elegidos por los "dioses" humanos para que se los lleven a un idílico Más Allá, pero unos cuantos de ellos descubrirán la verdad: su destino es ser devorados. Eso nos llevará a situaciones un tanto gores (aunque cueste creerlo, y de ejemplo sirvan la patata y el plátano) si bien el guión no deja títere con cabeza, con evidentes referencias a la Historia (¡menudo Hitler!), los estereotipos raciales (el personaje de Salma Hayek), la religión (claro incluso en su sinopsis, y que luego se amplia a otras y no solo la católica), el consumo de drogas (explícito y uno de los elementos fundamentales de lo que se lía al final) y sobretodo MUCHO SEXO en referencias de todo tipo que van desde la que ya deja entrever el poster del film hasta el apoteosis final (¡no tengo palabras para describirlo, ESO HAY QUE VERLO!) si bien quizás es el recurso del que más abusa la película.

La fiesta de las salchichas resulta una propuesta valiente que intenta romper esa hegemonia de que la animación es tan solo para niños, permitiendo que incluso el galardonado Alan Menken realice una canción digna de un film de la Disney, lo que aumenta el tono paródico del conjunto. Es cierto que en algunos momentos se puede volver reiterativa (como la sexual insistencia entre salchichas y panecillos), pero por fortuna consigue ser transgresora e irreverente (rozando en momentos lo escatológico), lo que creo que la hace merecedora sin duda de una oportunidad por parte de los espectadores ADULTOS (recordemos que esto NO ES PARA NIÑOS) ya que eso puede ayudar a que la animación por ordenador no tenga fronteras (la tradicional ya tuvo sus ejemplos en el pasado) y podamos disfrutar en el futuro de más propuestas de este estilo (con el éxito logrado en la taquilla ya piensan en una secuela al estilo de Quien engaño a Roger Rabbit, mezcla de acción real con animación por ordenador. Solo de imaginar adonde pueden llegar ya empieza a salivar...)
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de octubre de 2016
  • LOS MOMENTOS CINÉFILOS: Atentos a las referencias a Pixar y Terminator.
  • LO MEJOR: Su premisa argumental y lo bien que sabe exprimirla.
  • LO PEOR: Cierta reiteración en chistes de según que temática.

viernes, 19 de diciembre de 2014

BIRDMAN (O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA), obra maestra

FICHA TÉCNICA

Título: Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)
Título original: Birdman
Dirección: Alejandro González Iñarritu
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 09/01/2015
Duración: 119 min
Género: Comedia
Reparto: Michael Keaton, Emma Stone, Zach Galifianakis, Edward Norton, Naomi Watts, Amy Ryan, Lindsay Duncan, Andrea Riseborough
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: New Regency Pictures, Worldview Entertainment

SINOPSIS

El protagonista de esta comedia dirigida por Alejandro González Iñárritu es un actor que, en el pasado, interpretó a un superhéroe que se convirtió en un icono para sus fans. Sin embargo, la realidad actual es que nadie se acuerda de él. Ahora ha decidido embarcarse en una producción de Broadway con la que espera recuperar la gloria perdida. Pero no será una tarea sencilla.

CRÍTICA

Cuando me reaficioné al mundo de los comics en 2002 con el primer Spider-Man de Sam Raimi conseguí ir disfrutando (o no, según su calidad) de los estrenos que se iban sucediendo relacionados con los comics de superhéroes. Pero aunque el éxito en taquilla de la mayoría avala la continuación en la explotación del género, echaba de menos ese film que también triunfara en los premios (Oscar, Globos de Oro, etc.) y que sirviera para ensalzar algo valorado tan solo por sus records de recaudación y no tanto por su calidad (El Caballero Oscuro de Nolan sería la excepción, aunque sus dos Oscars sobre ocho nominaciones se quedan lejos del record de 11 Oscars de la tercera entrega de El Señor de los Anillos en 2003)

Pues bien, o mucho tengo que equivocarme, o con esta Birdman por fin ha llegado la película deseada, aunque el tema de los superhéroes sea colateral en ella. Un soberbio Michael Keaton (que recordemos que fue Batman en dos ocasiones para Tim Burton, cayendo luego su carrera en un declive similar al de su personaje en esta película) nos obsequia con la mejor actuación de toda su carrera, que sin duda merece todas las alabanzas y premios posibles. Pero no es el único porque le acompaña una magnífica Emma Stone (que también conoce el género por su papel de Gwen Stacy en las dos entregas de The Amazing Spider-Man) que lo borda en su papel de hija del protagonista.

Entre los secundarios hay que citar a Edward Norton y Naomi Watts, que también realizan unos aportes dignos de premio (sobretodo él) así como un comedido (aunque correcto) Zach Galifianakis. Con unos intérpretes en estado de gracia, a lo que ayuda mucho un BRILLANTE guión, tan solo faltaba un director a la altura, algo que demuestra de manera portentosa Alejandro González Iñarritu, que pese a haber cuestionado hace poco la calidad de las películas de superhéroes, consigue conferirle al género en Birdman un punto de vista más realista tan ingenioso como innovador.

El mensaje más evidente de la historia es la búsqueda de redención por parte de Riggan Thomson (al que da vida Keaton), un actor que quedó encasillado al encarnar a un superhéroe (Birdman) y que se encuentra ya en declive e intentando reorganizar su carrera con un montaje teatral. Ahi está un claro toque de atención para muchos actores cuya carrera gira alrededor de un blockbuster taquillero, como denota la búsqueda al inicio de un actor para la obra, estando comprometidos en sagas juveniles o de comic todos los que se citan (¿se les recordará por algo más que sus éxitos o podrán probar sus aptitudes y ser valorados por ellas, como busca el héroe de este film?)

A cuenta de la obra que prepara el personaje de Riggan Thomson (Michael Keaton), otro sector también cuestionado en Birdman sería el de los críticos, en cuyas manos está el ensalzar o derrumbar un estreno (sea de lo que sea), en ocasiones sin valorar el trabajo que hay en el mismo. Y ya que se citan las grandes producciones, también en este film se critica el merchandising que las rodea, que en algunas ocasiones vendría a ocultar unas evidentes carencias en la calidad final de lo que nos estan vendiendo (sirva de ejemplo la saga Transformers de Michael Bay)

Pero pese a afirmar sin duda que estamos ante una película excelente, la única duda que levantaría sería en su escena final (con la mirada de Emma Stone por la ventana), donde algún espectador puede quedarse con dudas sobre la veracidad de las ensoñaciones previas (entre las cuales cabe citar un cameo de un tipo disfrazado de Spider-Man) Pero es tan solo un detalle insignificante que no es obstáculo para que Birdman funcione de manera brillante como un engranaje de relojería que casi alcanza lo perfecto (gracias a la labor de un Iñárritu cuya manera de rodar en complicados planos secuencia lo acerca al estilo de grandes como Hitchcock, Tarantino o Scorsese).

LO MEJOR: Todo, ya que estamos ante una película simpática, ingeniosa, divertida y deslumbrante que destaca en todos sus apartados (desde una labor de dirección asombrosa a unos intérpretes en estado de gracia, pasando por un guión de un humor muy afilado y brillante) mereciendo todas y cada una de las alabanzas que le han dado.

LO PEOR: Cierta ambigüedad en la escena final, aunque no ensombrece a un film excelente en su conjunto.

jueves, 16 de agosto de 2012

EL LEGADO DE BOURNE, de amnésico a pastillero

FICHA TÉCNICA

Título: El legado de Bourne
Título original: The Bourne Legacy
Dirección: Tony Gilroy
País: Estados Unidos
Año: 2012
Fecha de estreno: 15/08/2012
Duración: 135 min.
Género: Thriller, Aventuras, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Jeremy Renner, Rachel Weisz, Edward Norton, Joan Allen, Donna Murphy, Oscar Isaac, Scott Glenn, Albert Finney, David Strathairn, Corey Stoll
Guión: Tony Gilroy, Dan Gilroy
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: Universal Pictures, Bourne Film Productions, Bourne Four Productions, Captivate Entertainment

SINOPSIS 

Hace una década conocimos a Jason Bourne mientras unos pescadores le sacaban del mar Mediterráneo. Durante tres películas seguimos sus pasos mientras intentaba sobrevivir y descubrir su identidad. Vimos a sus controladores de la CIA organizar auténticas operaciones internacionales para deshacerse de él. Descubrimos el programa Treadstone, las impresionantes habilidades de Bourne y, al concluir la trilogía, quizá pensamos que la historia había terminado.

Pero El legado de Bourne desvela una intriga mucho más oscura, una mitología mucho más profunda y a un nuevo héroe que deberá luchar para seguir con vida cuando su programa se convierte en un peligro. Descubriremos que hay varios programas de inteligencia y que Treadstone, de la CIA, era simplemente uno de los primeros. Ahora se trata de impedir que salgan a la luz los otros programas.  

Aaron Cross es uno de los seis agentes secretos creados por el programa Outcome. Los agentes de este programa no pertenecen a la CIA, sino al Departamento de Defensa. No han sido diseñados para asesinar, sino para funcionar en solitario en misiones altamente arriesgadas de larga duración. El estudio del comportamiento que dio pie al programa Treadstone ha avanzado mucho, pero dado que ambos programas comparten el mismo origen, Outcome se convierte en un peligro cuando la historia de Bourne pasa al dominio público.

martes, 17 de junio de 2008

EL INCREIBLE HULK de Louis Leterrier

FICHA TÉCNICA 

Título: EL INCREÍBLE HULK 
Título original: The Incredible Hulk 
Dirección: Louis Leterrier 
País: Estados Unidos 
Año: 2008 
Duración: 114 min. 
Género: Ciencia-ficción 
Reparto: Liv Tyler, William Hurt, Robert Downey Jr., Tim Blake Nelson, Tim Roth, Ty Burrell, Edward Norton, Stan Lee, Dylan Taylor, Greg Bryk, Christina Cabot, Lou Ferrigno, Jay Hunter, Peter Mensah, Chris Owens Guión: Edward Norton, Zak Penn 
Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España 
Productora: Valhalla Motion Pictures, Marvel Enterprises, Marvel Studios 
Dirección artística: Andrew M. Stearn, Daniel T. Dorrance, Page Buckner 
Director de fotografía: Peter Menzies Jr. 
Diseño de Producción: Kirk M. Petruccelli 
Montaje: John Wright, Rick Shaine 
Música: Craig Armstrong
Productor: Avi Arad, Gale Anne Hurd, Kevin Feige 
Productor asociado: Michael J. Malone, Stephen Broussard 
Productor ejecutivo: David Maisel, Jim Van Wyck, Stan Lee 
Vestuario: Renée Bravener 

SINOPSIS 

El científico Bruce Banner (Edward Norton), buscando desesperadamente una cura para la radiación de rayos gammas que ha envenenado sus células, desata una furia desenfrenada dentro de sí mismo: Hulk. Bruce Banner ha estado huyendo, apartado de la vida y de la mujer que ama, la Dra. Elizabeth "Betty" Ross (Liv Tyler). Viviendo como un fugitivo para evitar la obsesiva persecución de la que es objeto por parte de su némesis, el General Thaddeus "Thunderbolt" Ross (William Hurt), ya que pretenden capturarlo para explotar brutalmente su poder, está siempre sobre sus talones. Mientras los tres forcejean con los secretos que llevaron a la creación de Hulk, se tienen que enfrentar a un nuevo y despiadado adversario, conocido como la "Abominación" (Tim Roth) un ser monstruoso que posee una fuerza destructiva que supera incluso la de Hulk. Y para derrotar a este villano, el científico debe tomar una decisión crítica: aceptar su pacífica vida como Bruce Banner o encontrar al héroe en la criatura que vive en su interior. 

CRÍTICA 

Cinco años después del Hulk de Ang Lee nos llega esta secuela, que aunque en principio no conste como tal si se puede considerar como tal, ya que al principio de la película citan que Bruce Banner es fugitivo de Estados Unidos desde hace cinco años, y si al final de aquella lo dejábamos en Sudamérica, es ahí donde lo volvemos a encontrar. Pero los nexos de unión con la anterior entrega acaban ahí. 

¿Qué diferencias hay entre ambas películas? Si en la primera había más desarrollo de los personajes en detrimento de menos acción (si bien la suficiente para satisfacer al espectador) aquí tenemos lo que quizás muchos echaron en falta en la primera película, y es más espectacularidad. No es que el primer film no lo fuera, pero hasta que sucedía la transformación y las primeras aventuras, había un prólogo demasiado largo y denso que me provocó (lo reconozco de cuando la fui a ver al cine) la sensación de que era una película demasiado dramática para congeniar con los espectadores de cine de superhéroes y demasiado superheroica para los que quisieran ver un drama. Eso hizo que no terminara de convencer y si bien fue un éxito (supero los 100 millones de recaudación en USA) no llegó a lo que se esperaba de ella, y de hecho leí que había sido más rentable todo el merchandising del film que este en si. Personalmente tengo que reconocer que un segundo visionado le hizo ganar enteros a mi parecer, si bien la situo en un puesto intermedio entre las mejores adaptaciones de Marvel (Spiderman, X-Men) y las más flojas (Los 4 Fantásticos, Ghost Rider). 

Esta nueva incursión en las andanzas del gigante verde estaría situada en el mismo sitio. Y es que este Increíble Hulk me ha gustado tanto como el primero (tras el citado segundo visionado que me hizo valorarla mejor) pero creo que no llega al nivel de las grandes adaptaciones de los comics de la editorial. Y es que las comparaciones con la anterior entrega son inevitables, por más que todo el reparto y el director sean aquí nuevos, con lo cual (dentro de ser dos estilos completamente diferentes) ambas películas me han gustado por igual. 

Entre los aciertos de este nuevo Hulk destacaría sobretodo el reparto, ya que el cuarteto formado por Edward Norton, Liv Tyler, William Hurt y Tim Roth son los que llevan el peso de la historia, con mayor o menor fortuna. En el caso del protagonista sin duda alguna destacar la labor que hace como Bruce Banner, otorgando a su personaje la profundidad necesaria para hacer creíble la desesperación que tiene por intentar solucionar su problema con Hulk, siendo sin duda el mejor de todo el reparto. En el caso de Liv Tyler su presencia es meramente visual, ya que la Jennifer Connelly de la anterior entrega bordó mejor el personaje de Betty Ross, si bien la actriz acomete aquí un papel que como mínimo me resultó correcto. William Hurt toma el relevo en la piel del General Ross, pero recreando a un personaje más cercano al Jameson de Spiderman que al visto en el film de Ang Lee. Aquí su única motivación es la caza de Bruce Banner / Hulk cueste lo que cueste y a costa de quien sea. Acompañándole está Tim Roth en un papel de villano para el cual el actor resulta correcto y apropiado, si bien su elección resulta tan evidente como podría haber sido la de (por ejemplo) Kevin Bacon o John Malkovich, y es que son actores que para las grandes producciones ya están catalogados como villanos. 

La elección como responsable de este film de Louis Leterrier, director de Transporter con Jason Statham, me hizo pensar que la cosa iba a variar literalmente respecto al estilo de Ang Lee e iba a enmarcarse directamente en la acción más descerebrada pero ahí tengo que reconocer que me equivoqué, ya que los actores antes citados consiguen hacer interesante el producto y que este no se desmadre, sobretodo un Edward Norton al que se nota que metió (bastante) mano en el argumento, ya que creo que tanto Leterrier aquí como Favreau en Iron Man han sido lo mismo que son los directores de las películas de la saga James Bond, simples artesanos con mayor o menor fortuna que siguen a pies juntillas lo que indica la productora (en ambos casos la propia Marvel). De ahí pueden haber venido las discusiones de Edward Norton sobre el montaje final de la película, y es que el actor quería una primera versión de dos horas y media más cercana al espíritu del primer film mientras que Marvel lo que quería (y lo que estrena) es una versión de poco menos de dos horas donde prima más la acción. 

Pero no sólo por el reparto destaca el film, sino también por la historia en si, aunque esta parece ser una especie de remake de la serie de televisión, ya que como en aquella Bruce Banner es fugitivo durante casi todo el metraje. Pero eso no es el único parecido, ya que otros detalles (como el que se le pongan los ojos verdes antes de la transformación como sucedía en la citada serie) entre los muchos que hay (atención a la presencia de Tony Stark en una escena pre-títulos de crédito y sobretodo en lo que dice; también destacar por ejemplo el simpático cameo de Stan Lee y la lástima de no ver lo que le sucede a continuación tras lo que le pasa...) son los que hacen muy entretenida esta película que respeta bastante el espíritu de los comics originales, con multitud de referencias que los aficionados conocen más que de sobra (como por ejemplo lo del suero supersoldado entre otras muchas).

Eso si, en el combate final entre ambos monstruos tengo que reconocer que casi no se entendía lo que decía Abominación y todavía menos lo que decía Hulk, si bien la espectacularidad del mismo supera ese bache (aunque la parte que más me gustó en este apartado de acción fue la que sucede en la universidad en el tramo intermedio del film). Y a diferencia de la película de Ang Lee, cuyo ritmo era en ocasiones demasiado pausado para lo que el espectador quería (y esperaba) de un personaje como Hulk, aquí nunca se pierde el ritmo, si bien se introducen algunos tópicos del género que aunque no molestan, convencen más bien relativamente (la escena del taxi, chiste metido un poco a la fuerza). 

Por último en cuanto a los efectos especiales, estos están realmente muy conseguidos en lo que se refiere sobretodo a Hulk, cuyos rasgos y expresiones y cuya piel y características resultan bastante creíbles, si bien tanto él como Abominación pecan quizás (aunque eso le pasa desde mi punto de vista a todos los seres creados por ordenador) de faltarles vida. Con eso me refiero a cuando en la película En la línea de fuego le muestran a Clint Eastwood unos retratos robot y él dice que por muy bien hechos que estén prefiere mirar a los ojos de una persona real porque a esos les falta vida. Pues aquí le pasa lo mismo a ambos seres, si bien asumo que con ninguno de ellos se podía haber hecho lo que se hizo con Lou Ferrigno en la serie de televisión (por cierto, también con cameo en esta película) ya que entonces se podía haber caído en el ridículo más espantoso. 

LO MEJOR: La película es muy entretenida, más incluso que el film de Ang Lee por tener este un ritmo más acompasado durante todo el metraje, sin concentrar la acción sólo en momentos determinados. Asimismo también los actores, destacando por encima del cuarteto de protagonistas el papel de Edward Norton, sin duda alguna mejor Bruce Banner de lo que podía yo llegar a pensar en un primer momento. 

LO PEOR: Ciertos detalles metidos un poco a la fuerza (como por ejemplo lo que acontece en el taxi), así como que apenas haya ligeros esbozos de la introspección psicológica de los personajes, y que en la anterior entrega fue uno de sus puntos fuertes (si bien también el que propició su relativo fracaso en taquilla).

martes, 15 de noviembre de 2005

El gazapo del Dragón Rojo

Cuando fuí al cine a ver El Dragón Rojo me percate de un gazapo (que en su día incluso cité en una carta que envié al consultorio de la revista Fotogramas, y que citaron en la misma). Este ocurre cuando el agente Will Graham (Edward Norton) está buscando en el cajón de las cintas de video de una de las familias asesinadas por Francis Dollarhyde (Ralph Fiennes). Entre las cintas se ve la carátula de Sra.Doubtfire de Robin Williams
 
El gazapo está en que la película de Williams es de 1994, mientras que El silencio de los corderos era de 1991 (en el libro 1988) y este Dragón Rojo (que en el libro se situa hacia 1980) en la película se supone que estaría cronológicamente situada en 1990 (un año antes de lo que se narraba en El silencio de los corderos). Es decir, que lo mires como lo mires es imposible que tuvieran en video una película para la que aún faltaban cuatro años para que se estrenara. 
 
Ayer intenté volver a percatarme del gazapo, cuando la dieron en Antena-3, lo que pasa que estaba distraido en ese momento y se me pasó. Pero como dudo yo mucho de que hayan modificado ese detalle, lo cito aqui por si alguien quiere buscarlo. La película es la que completa la trilogia de Anthony Hopkins encarnando a Hannibal Lecter, si bien sería precuela de las dos películas previas, aunque en ese caso el director Brett Ratner contó con el reparto más popular de las tres pero resolviéndolo todo de manera demasiado convencional, lejos de la sobresaliente El silencio de los corderos de Jonathan Demme y de su notable secuela Hannibal de Ridley Scott.