domingo, 18 de diciembre de 2016

ABE SAPIEN: EL DIABLO NO BROMEA Y OTRAS HISTORIAS, LOBEZNA: CUATRO HERMANAS, RELATOS TERRORÍFICOS (1 a 3) y FRANKENSTEIN

A estas alturas creo que no hace falta presentar a Hellboy, porque todo aquel que se denomine aficionado a los comics sin duda alguna tiene que conocer a la más famosa creación de Mike Mignola, que ha dado de si como para crear a su alrededor un universo tan rico de detalles y personajes que no tiene nada que envidiar a los de los superhéroes de Marvel y DC.

Entre los compañeros de aventuras del citado diablo está Abe Sapien, que es el protagonista de las tres historias que conforman este tomo: en la primera tendrá que investigar el misterio que rodea un accidente de unos niños mientras estaban patinando en un lago helado, en la segunda lo veremos en pleno oceano tras la pista de un submarino ruso hundido que podía transportar un poderoso objeto mientras que en la tercera asistiremos a todas las penurias que sufrirá nuestro pobre protagonista al tiempo que demuestra que en momentos de acción es tan solvente como su amigo Hellboy.

En su conjunto este tomo resulta entretenido, si bien no aparenta resultar imprescindible para conocer al personaje. Tanto los guiones como el dibujo cumplen con corrección sin llegar a ser una maravilla, y a título personal me gustaron más las dos primeras historias que la tercera (que es la que da título a este tomo) si bien en su conjunto no desmerecen y sirven sin problemas para pasar un rato entretenido.
Yo creo que una persona ajena al mundo de los comics verá las versiones femeninas de algunos de sus más famosos superhéroes como eso: el hacer lo mismo cambiando tan solo el sexo. Es cierto que en origen algunas vieron la luz así tan solo para evitar que otra editorial lo hiciera (y perder los derechos) sin luego esforzarse mucho, hasta que posteriormente, algunas en tiempos más bien recientes, han recibido el mérito que se merecian (como por ejemplo Spiderwoman o Hulka)

Pese a ello reconozco que tenía mis reservas ante un comic de ¿Lobezna? porque de entrada me parecía un tanto forzada la posibilidad de una hija del mutante Logan, pero hay que aclarar que se trata de un clon llamado X-23 al que ya conocí hace ya muchos años en NYX: mutación que parece que fue su primera aparición. El nombre real de esta superheroina es Laura Kinney, y sus motivos para convertirse en Lobezna son tan loables como evidentes: ante la muerte de su "progenitor" (aunque esto es Marvel, por lo que tarde o temprano ya volverá) ella se hará cargo de su manto para continuar con su legado. En el primer arco argumental de su serie englobado en este tomo, Lobezna se verá inmersa en una trama con clones de ella (de ahi viene el título de Cuatro hermanas) que han sido frustrados intentos por parte de una megacorporación para intentar recrear las habilidades de ella; y a las que intentará ayudar de una muerte predeterminada mientras demuestra que es más que el simple reverso femenino del Lobezno original en formato clónico.

Como esto es el muy amplio universo Marvel, a lo largo del arco argumental recogido en el presente tomo se cruzarán tres clásicos con más solera: el Ángel como pareja sentimental de nuestra protagonista, así como el Doctor Extraño y la Avispa en diferentes momentos de esta aventura. Con la única pretensión de resultar un comic entretenido, algo que consigue de sobras, destacaría su vibrante y dinámico apartado gráfico, que funciona tanto en las escenas de acción como en el resto.
Gracias a ECC se está disfrutando en este pais de la obra de Junji Ito, del que me he leído los tres primeros mangas de la serie Relatos terroríficos, donde se nos recopilan relatos breves autoconclusivos en el estilo habitual de este autor, y que como todo recopilatorio tiene algunos más acertados que otros, aunque el tono general es destacable, permanececiendo esa afición de Ito por lo grotesco, lo bizarro y lo aberrante, rozando por momentos lo incómodo.

Los escalofriantes hermanos Hikizuri tienen las dos primeras historias del tomo uno, y desde luego que viendo lo que hacen nos desmerecen a otras lúgubres familias del terror. Le sigue La mansión del dolor fantasma, que plantea una idea ingeniosa: alguien que tiene dolores... más allá de su propio cuerpo en un ambiente claustrofóbico, acabando con La mujer de las costillas sueltas, o como la obsesión por el físico puede destrozar un cuerpo. El segundo tomo empieza con Bio House, una historia de vampiros con un dibujo más abrupto dentro de los parámetros habituales del autor, al que le sigue La ladrona de caras, donde una chica capaz de adoptar el aspecto de quien quiera recibirá una dura venganza. Le sigue La guarida del demonio del sueño, donde un joven intenta evitar que su "otro yo" onírico tome posesión de su cuerpo cuando duerme, acabando este segundo tomo con La mente de un padre o como un tiránico padre controla a sus hijos infiltrándose en sus mentes. Por último el tomo 3 está compuesto por La teoria del demonio, o que puede pasar para que alguien decida suicidarse por sorpresa; La melena larga del ático, que bien podría ser una variante perturbadora de Rapunzel; Un amor de guión, donde vemos hasta que punto se prefiere lo bonito y ficticio a lo real y cruel; La espada del reanimador, donde se reitera que a los muertos mejor dejarlos en paz; Un laberinto insoportable, donde lo que empieza con un paseo por el bosque nos lleva a un callejón sin salida; acabando con La abusona, donde el acoso infantil se lleva a terrenos generacionales.

Los aficionados al estilo de terror de Junji Ito quedarán satisfechos, pero son relatos muy dispares no dando la sensación de un conjunto homogéneo sino tan solo de un cajón de sastre donde cabe de todo, por lo que dependiendo del desarrollo de cada historia hay algunas de un humor negrísimo (y muy mala leche) mientras que otras tienen un final algo abrupto que puede dejar un tanto insatisfecho a algún lector, si bien el tono general (con sus más y sus menos) es entretenido.
Hablar a estas alturas de Frankenstein es ser redundante porque ¿hay alguien que no conozca la historia? la inmortal obra de Mary Shelley se ha convertido en un clásico indiscutible que se ha hecho más conocido por sus muchas adaptaciones cinematográficas, siendo por ellas que ha llegado el mito hasta el gran público. Su traslado al manga, ¿podía aportar algún aliciente? para los que sepan la historia la respuesta sería negativa, pero quien conozca el típico estilo de Junji Ito sabrá que su visión de esta obra maestra de la literatura seguro que tiene puntos de interés.

La adaptación que hace de la novela de Mary Shelley es bastante fiel al original, y en muchos momentos me hizo recordar la versión del Frankenstein de Kenneth Branagh de 1994, más fiel que otros engendros más recientes, y que reconozco como todo un "placer culpable" con el que disfruto, entre otros detalles, por una potente banda sonora a cargo de Patrick Doyle. En esta ocasión, y con el citado referente en mente, tengo que reconocer que me ha encantado, ya que detalles como el diseño de la criatura resulta soberbio en los acertados trazos de Ito: un monstruo escabroso de más de dos metros hecho con retales de cadáveres y con un alma atormentada contra su creador (lejos, por tanto, de ese claro estereotipo que popularizó Boris Karloff en el film de la Universal de 1931, y que quedó grabado en el imaginario colectivo de muchas generaciones) 

Es cierto que quizas en esta adaptación al manga de Frankenstein el autor no se permite licencias hacia el estilo habitual del que hizo gala posteriormente, ciñendose fielmente a la base de la que parte (esta obra es de 1994, mismo año del film de Branagh), pero esa ausencia de elementos bizarros que uno asocia a Ito queda sin duda compensado por el talento que ya demostraba por lo escabroso (es una de sus obras primerizas) ya que no en vano lo que nos narra son las andanzas de un profanador de tumbas que crea vida con retales de cadáveres. Sin duda este manga resulta una notable manera de acercar un clásico de todos los tiempos a las nuevas generaciones, aparte de que sin duda dejará satisfechos a todos los amantes del terror más clásico.

viernes, 16 de diciembre de 2016

ROGUE ONE: UNA (curiosa pero innecesaria) HISTORIA DE STAR WARS

Este pasado 15 de diciembre llegaba por fin a los cines Rogue One: Una historia de Star Wars, el primer spin-off de tan lucrativa franquicia, y que se supone que amplia el universo de esta saga más allá de todo lo concerniente a la familia Skywalker (y sus conocidos) Todo el mundo conoce la trilogia original (episodios IV a VI) donde se pueden disfrutar algunos de los mejores momentos de la serie, así como las discutibles precuelas (episodios I a III) donde tan solo en el tramo final del tercero se conseguía un estilo más o menos similar al de los títulos inaugurales (con el nacimiento como tal del mítico Darth Vader)

Con la marca en manos de Disney el negocio se estirará hasta que no de más de si (que será cuando entonces vengan los remakes o reboots, y si no tiempo al tiempo...) por lo que ahora mismo tendremos un título de Star Wars al año, y si el pasado 2015 era El despertar de la fuerza (Episodio VII, y por lo tanto continuista en la línea argumental) este año tenemos un pequeño "paréntesis" (por denominarlo de alguna manera) con este spin-off, como preámbulo del Episodio VIII que nos llegará a finales del próximo año.

Cuando en 1999 llegó La amenaza fantasma (el Episodio I) marcó los errores por los que luego continuarían el resto, pero es justo reconocer que la idea de George Lucas fue ampliar los límites de la trilogia que él mismo inició (intento encomiable pero frustrado al dejarse llevar por los excesos digitales que creaban una cierta sensación de anacronismo) Al intentar jugar sobre seguro la entrega estrenada el pasado año se enfocó como remake del título inicial de 1977 algo que dividió a los fans (en mi caso admito que si no fuera por eso igual el resultado final hubiera estado mejor, sin que tampoco me pueda quejar) Con este spin-off se supone que se amplian los límites de la galaxia, si bien el espectador ya conoce de antemano el final de esta película.

¿Alguien ha olvidado como empezaba el film de 1977? En él nos informaban que la Alianza Rebelde había tenido su primer éxito contra el malvado Imperio Galáctico, logrando robar los planos de la Estrella de la Muerte. Bien, pues Rogue One es tan solo la historia de la escaramuza bélica que logró aquello, con un grupo multiétnico dirigido por el personaje al que da vida Felicity Jones, con la presencia de viejos conocidos de la franquicia (cameo de Darth Vader, aunque ya sin la voz de Constantino Romero en su doblaje español) así como otros, lo que reconozo que me sorprendió, que son recreados como se hizo con Brandon Lee en El cuervo (porque, es evidente, el actor original hace tiempo que está criando malvas y en el otro caso los años no pasan en balde ni para la realeza)

Entre los nuevos personajes, y con la excepción del de la protagonista, el resto se me hicieron tan solo correctos, sin nada en particular que los haga memorables como si lo son otros en esta popular franquicia. La excepción estaría (y sin que sea tampoco una maravilla) en el encarnado por Donnie Yen, que en algunos momentos me recordó al Daredevil de Marvel, ya que incluso el nuevo robot K-2SO resulta más o menos simpático pero ni mucho menos tan acertado como lo fue BB-8 en El despertar de la fuerza o los ya míticos C-3PO y R2-D2. Igual la gracia estriba en que los personajes que ahora son míticos en esta saga tuvieron varias películas para desarrollarse, mientras que los que aparecen en esta Rogue One disponen de un terreno más acotado al ser una historia más "conclusiva" (se intuye cierto feeling entre los de Diego Luna y Felicity Jones, pero la cosa nunca va más allá)

Este spin-off tiene un arranque un poco dubitativo, y si a eso le sumamos unos personajes con los que es dificil empatizar se corre el riesgo de perder la atención del espectador. Afortunadamente el director Gareth Edwards (responsable de esa irregular Godzilla de hace un par de años) consigue mantener un ritmo constante que nunca aburre pero tampoco consigue emocionar (lo que es más evidente en el desinterés que provoca el destino del personaje de Forest Whitaker) más allá de cameos y referencias como la que pone fin a esta película. En resumen Rogue One resulta una historia de Star Wars tan entretenida como innecesaria, que no repite el pasado sino que lo complementa, pero que no aporta nada mucho más allá de lo meramente anecdótico.
=====================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de diciembre de 2016
  • LO MEJOR: Es más curiosa y entretenida... (con personajes solventes como el de Felicity Jones o el de Donnie Yen
  • LO PEOR:... que necesaria o primordial (lo que al final aporta es meramente anecdótico)

miércoles, 14 de diciembre de 2016

Reseñas de PUNZADAS DE FANTASMAS, EL CABEZÓN CONTRAATACA, PAUL EN EL NORTE y HARROW COUNTY: INNUMERABLES SERES

Me declaro seguidor de Junji Ito, ya que me he leído todos los mangas suyos disponibles en las bibliotecas (y sigo atento a los que estar por entrar) De los más recientes uno ha sido Punzadas de fantasmas, aunque hay que aclarar que en este caso no es una obra 100% suya, porque aqui tan solo aporta su clásico estilo de dibujo para ilustrar un recopilatorio de relatos literarios muy breves de otro autor (Hirokatsu Kihara)

Como todo recopilatorio de relatos hay algunos que funcionan mejor que otros, aunque la tónica general es de extrema brevedad. Si muchas veces he citado mis simpatias hacia esas antiguas historias de terror de EC, digamos que estas son similares aunque incluso más cortas, y sin dar muchas explicaciones para que así sea el propio lector el que se haga sus hipótesis sobre lo que le acaban de narrar. El clásico y tenebroso dibujo de Ito ayuda mucho a imaginar lo que el texto nos narra, aunque de las 10 historias hay que citar que la última está adaptada al manga (y no es relato literario ilustrado como los anteriores) En resumen: correcto y de lectura fugaz.
Quien a estas alturas no conozca la saga Star Wars debe haber estado fuera de este planeta los últimos 40 años (los que cumplirá este próximo 2017 el primer título desde su estreno) porque estamos hablando de una muy lucrativa franquicia de la que ha habido, hay y habrá de todo lo imaginable (el concepto de merchandising como lo entendemos en la actualidad se puede decir que nació con ella)

Entre tantísimas cosas de tan mítica saga no podían faltar las parodias, siendo este comic la adaptación que hace su autor (Enrique V.Vegas) del segundo episodio de la primera trilogia (o sea, la película El Imperio contraataca) y que ha sido siempre el mejor valorado por los fans (entre los cuales me sumo) Los que disfrutaron con el que sería el Episodio V de toda la saga veran aqui la divertida adaptación que hace el autor llevándolo a su terreno con unos chistes simpáticos y sencillos, pero con un dibujo realmente notable que se ve realzado en esta edición a color cuyo mayor handicap (como suele ser habitual en las parodias de Vegas) es lo rápido que se lee, sabiendo a poco. Aún así se puede intentar localizar todos los gags visuales que el autor dispersa por esta parodia (a mi me gustó especialmente el de Frank Oz) lo que permitirá al lector deleitarse en el muy destacable apartado gráfico de tan simpático comic.
¿Sabeis esas historias sencillas, amenas y divertidas, que no dejan de ser nada más que un conjunto de anécdotas, pero que estan narradas con tanto acierto que te lo pasas muy bien con ellas? Pues eso es lo que me ocurre desde un buen día que me dió por probar con la serie que Michel Rabagliati le ha dedicado a Paul, algo así como un alter-ego de si mismo, hasta que al final me leí todos los disponibles en las bibliotecas.

El más reciente de ellos ha sido Paul en el norte, que está ambientado en la adolescencia del protagonista, con el consabido "ataque hormonal" de esa etapa en la que uno ya no es un niño pero aún no es un hombre. Como es lógico asistiremos al típico conflicto paternofilial que hay en esa época, aparte de ver a nuestro héroe hacer nuevos amigos, soñar con una moto con la que cree que ganará más independencia, vivir a una bizarra aventura haciendo autostop con un nuevo colega pero sobretodo sobrevivir al primer amor, ese del que siempre nos queda un buen recuerdo aunque nos rompe el corazón cuando no desemboca en lo esperado.

Paul es un personaje sencillo, con una vida normal y sin grandes alardes, pero sus andanzas resultan entrañables, ya que no dejan de narrarnos lo cotidiano de un modo divertido y liviano, mostrando con ternura e incluso un tanto de añoranza esas experiencias que tenemos en la vida con las que vamos madurando y perdiendo la inocencia. Sin duda una obra muy recomendable hecha con un estilo sencillo, sincero y entrañable.
Siempre he defendido los comics de terror de EC, por lo que cuando veo algo de ese género que me puede recordar a los susodichos suelo escogerlo cuanto antes, que es lo que me sucedió con este Harrow County en cuanto lo ví entre las novedades (a lo que añadir los elogios que tiene en la portada y contraportada de nombres tan ilustres como Mike Mignola, Mark Millar o Steve Niles) Pero como siempre la duda es... ¿merece la pena?

Sin lugar a dudas si, ya que ha sido una inesperada sorpresa (por lo que estaré atento a cuando vayan entrando nuevas entregas en la biblioteca, ya que esta de Innumerables seres recopila tan solo los cuatro primeros números de la serie editada por Dark Horse) Evitando spoilers en lo posible, digamos que su historia está ambientada en esa América sureña tan supersticiosa como asustadiza, lo que me llevó a recordar una aseveración de Sherlock Holmes en el Canon de Doyle donde le asegura a Watson que los peores crímenes son los que ocurren en ambientes rurales, ya que son más dificiles de desentrañar que si pasan en la ciudad. 

A lo citado añadan aqui toques de brujeria y folclore, y tendran como resultado esta muy notable historia que inicia aqui su andadura, beneficiada no solo por un acertado guión de Cullen Bunn (que enseguida te engancha y aumenta tu interés por ver como avanza el relato) sino por un apartado gráfico, a cargo de Tyler Crook, realmente destacable, que sabe enfocar cada momento en su justa medida creando la atmósfera adecuada tanto en escenarios como en personajes.

Este primer tomo de Harrow County se completa con bocetos de los personajes, ilustraciones a cargo de otros autores así como los primeros capítulos de cuando esta historia estaba pensada como novela, que nos sirve para ver las similitudes y diferencias en su traspaso a viñetas (en el cual, en mi humilde opinión, creo que ha salido ganando para mejor)

jueves, 8 de diciembre de 2016

EL HOGAR DE MISS PEREGRINE PARA NIÑOS PECULIARES 2: LA CIUDAD DESOLADA y LA INDUSTRIA DE LOS SUEÑOS 2: ¡PURA FORMULA!

Tras el éxito de Harry Potter han surgido sagas juveniles como churros, de calidad para todos los gustos y de éxito también variable, siendo la presente una de tantas, que no calificaría de excelente pero que sin duda resulta un estupendo entretenimiento: esto viene a colación por mi reciente lectura de La ciudad desolada, la secuela de El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares, inicio de una trilogia que ha sido llevada al cine este mismo año por Tim Burton.

Lo primero que hay que dejar BIEN CLARO (es una obviedad, pero resulta evidente) es que hay que haber leído la anterior entrega para escoger esta; lo digo porque existiendo el film muchos podrían pensar que el mismo es una fiel adaptación de la primera novela, pero ya en mi crítica dije que el último tercio tenía diferencias bastante significativas, por lo que el lector que crea que puede empalmar del film a su secuela literaria se encontrará un tanto perdido (la novela tenía un evidente "continuará" mientras que la película de Tim Burton cerraba un poco más la trama, tomando diferentes derroteros, supongo que ante la incerteza de cual sería la recaudación en taquilla del film, que al final ha resultado más bien tan solo correcta, por lo que veo dificil una secuela a corto plazo)

En este segundo libro la acción comienza justo donde había quedado el previo, con nuestro grupo de "peculiares" escapando de su bucle e intentando llegar al Londres de la Segunda Guerra Mundial, lo que les llevará a encontrarse por el trayecto con otros chavales como ellos y vivir toda clase de aventuras en una carrera contrareloj para lograr salvar a Miss Peregrine mientras intentan escapar de los villanos que les persiguen (intento dar una sinopsis muy general para evitar spoilers, por lo que los que conozcan la saga sabrán que esto da MUCHO MÁS de si, ya que sin duda este libro gana en acción frente al previo, que tenía una función más bien tan solo introductoria)

Siguiendo el estilo de la primera entrega, el relato se mezcla con gran cantidad de fotos que van desde lo curioso hasta lo extravagante o lo macabro, y que sirven no solo para ilustrar la historia sino para despertar la imaginación de quien lo está leyendo, haciendo su lectura tan peculiar como la del libro previo (esas fotografías intentan dar un aire de credibilidad a una historia que vendría a ser una mezcla de las sagas de Harry Potter y los X-Men) Esta secuela también sale ganando a la hora de desarrollar a los personajes previos (algunos tan solo esbozados), presentar nuevos (algunos más interesantes que otros) y ampliar lo de la "peculariedad" a los animales (lo cual resulta curioso)

Como todo capítulo intermedio de una trilogia, su mayor handicap es el cliffhanger con el que acaba, dejándote con toda la tensión para su final en una tercera entrega que llevará por título La biblioteca de almas, aunque el autor de la presente saga (Ransom Riggs) ya ha sacado incluso un spinoff titulado Cuentos extraños para niños peculiares que hace unos dias ví en la libreria y que leeré cuando llegue a la biblioteca, tras lo cual no creo que tarde mucho el final de la presente trilogía porque por internet ya he visto editado su episodio final por estas tierras.
Hace ya tiempo me leí la primera entrega de La industria de los sueños, que era el título bajo el cual el simpático Paco Alcazar (otro de tantos autores a los que conocí por El Jueves y de los que luego he ido siguiendo su trayectoria a medida que iban entrando en la biblioteca novedades suyas) recopilaba sus chistes cinéfilos editados en origen en la revista Cinemania.

Si en el primer recopilatorio abarcaba desde 2007 hasta 2012, esta secuela es más de lo mismo pero entre 2012 y 2016. El estilo sigue siendo el mismo, por lo que los que disfrutaron con el anterior también lo harán con este, si bien tiene el handicap de ser de rápida lectura, y quizás leido todo de golpe puede hacerse repetitivo en algunos casos (no hay que olvidar que en origen estos chistes vieron la luz con una cadencia mensual) Aún así los cinéfilos disfrutarán con él (incluso tiene índice con todas las referencias que salen: directores, actores, películas, etc.)

domingo, 4 de diciembre de 2016

SHIGERU MIZUKI: AUTOBIOGRAFÍA y HULKA: DESORDEN EN LA SALA

Resulta muy ilustrativo e incluso coherente el leerse la Autobiografía de Shigeru Mizuki (seis tomos) después de haber leído otras obras suyas como Nonnonba u Operación muerte, y es que podriamos decir que engloba los temas más representativos de este autor (los yokai en el primer caso y la guerra en el segundo), aparte de la propia condición biográfica del relato. Es por ello que hay escenas casi calcadas de las dos obras citadas en este repaso personal a su propia historia (lo que se hace más evidente en mi caso, al tener reciente la lectura de todas ellas) pero no por ello desmerece la maestría de una labor que sirve de perfecto colofón final a una carrera llena de éxitos... aunque no desde su origen.

La fama le llegó siendo ya adulto a un Mizuki que pasó una infancia pobre (aunque feliz) para después soportar su duro paso por el ejército durante la Segunda Guerra Mundial (en donde además perdió un brazo), siendo ambos aspectos ya tratados respectivamente en Nonnonba, ésta de caracter más personal, y Operación muerte, ahi de forma más general; a lo que aqui se suma todo lo que le pasa una vez acabado el conflicto armado hasta que se convierte en dibujante y consigue la fama. En una obra así uno puede pecar de egocentrismo, pero Shigeru Mizuki no tiene problemas en desmitificarse a si mismo, retratándose por ejemplo como perezoso, despistado y con un apetito voraz (lo que le llevó a recibir más sopapos que una estera durante su etapa en el ejército), todo ello narrado en un tono distendido y sin pretensiones, alejado de la seriedad con la que algunos autores abordan el hecho de hablar de si mismos.

Nacido en 1922, esta autobiografía abarca hasta el 2001, por lo que ese amplio periodo de tiempo le sirve al autor no solo para narrarnos su vida, sino para que cada tramo de la misma quede bien integrado en su contexto histórico, siendo por tanto un repaso a la historia básica del Japón en esas décadas, aparte de un somero repaso a su vida. Además hay que señalar que, aunque la fama le llegara siendo ya mayor (y con una existencia llena de vivencias y anécdotas de todo tipo, de las que da buena cuenta por estas páginas) en esta autobiografía tampoco se centra mucho en su carrera profesional (aunque si menciona sus duros inicios en el manga o el éxito que logró con Kitaro) sino que se decanta por su vertiente viajera, en su eterno interes por los yokai (criaturas fantásticas del folclore japonés)

Con su estilo gráfico habitual, en el que los personajes son caricaturizados frente a unos escenarios más realistas, Mizuki logra ese dificil equilibrio entre la comedia y el drama, lo que nos puede llevar del humor a la conmoción en apenas unas páginas. Asimismo es justo destacar que aunque la crueldad y las atrocidades vividas a lo largo de su vida (sobretodo en la Segunda Guerra Mundial) podrían haber cambiado su caracter, lo único que lograron fue reafirmar su amor por la vida y su posición totalmente contraria a cualquier conflicto armado, demostrando que aún habia bondad y amor (y humor) en el alma humana de un artista tan grande que nos dejó el pasado 2015.
Hace más de un año me leí el primer tomo de Hulka, que recopilaba los 6 primeros números de su (por entonces) nueva cabecera, pero la cosa duró más bien poco, porque ahora le ha tocado el turno al tomo Desorden en la sala, que recopila los seis números posteriores y ya últimos de la misma. El mismo, al igual que sucedió con la anterior entrega, resulta correcto y entretenido pero siempre dando la sensación de que con un poco más de esfuerzo si que se hubiera logrado un tebeo digno de mención, y no tan solo otro comic más (sin ánimo despectivo)

Cuidado, porque no quiero decir que sea malo, pero es bastante irregular: en mi caso el número inicial me resultó simpático (con Hank Pym como estrella invitada) pero no tanto la conclusión (donde Hulka se las tiene que ver con Titania) pero lo más destacable de este segundo y último tomo sería la historia en tres partes en donde Hulka tendrá que defender ante los tribunales de justicia a un anciano Capitán América (y desconozco el motivo de ello) teniendo en el frente de la acusación a Matt Murdock (o sea, Daredevil) cumpliendo algo que hasta ahora era inédito en el Universo Marvel (según indicaba el anterior tomo) y era el enfrentamiento en los tribunales de ambos personajes, en su común labor de abogados. En resumidas cuentas digamos que en este segundo tomo se continuan los aciertos de guión que tuvo el previo, sobretodo a la hora de ver como Hulka tiene que lidiar su labor como abogada con la de superheroina, pero en donde si quizás se hubiera optado por otro dibujante, al menos hubiera quedado el consuelo de ver a este personaje en todo su esplendor, ya que el trabajo gráfico de Javier Pulido no pasa de correcto.

miércoles, 30 de noviembre de 2016

EL NIÑO Y LA BESTIA (novela), MASACRE: MUNDO ZOMBI, OPERACIÓN MUERTE, EL INCREIBLE HULK: BANNER y UN VERANO EN LAS DUNAS

El pasado mes de abril fuí al pase de la película de anime El niño y la bestia (teneis mi crítica por este enlace) siendo ésta la novela que nos narra lo mismo, e incluso habiendo también versión en manga. Esto no deja de ser una costumbre muy común: se exprime una cosa de éxito en todos los formatos posibles para sacarle el máximo de rentabilidad (¿hace falta poner ejemplos? Bueno, ahi va uno muy conciso, la franquicia Star Wars)

Teniendo la película aún reciente en el recuerdo (no hace tanto desde que la ví, en el link superior con mi crítica teneis más datos de la misma), esta ligera novela no deja de ser lo mismo, si bien se puede decir que profundiza un poco más en los sentimientos y los pensamientos de algunos de los personajes. En mi caso tengo que admitir que me enfrenté en su momento al film de Hosoda con un nulo conocimiento previo de ese autor, pero como disfruté con él, por eso me decanté por esta novela que se lee de manera bastante rápida y resulta entretenida (de hecho fue tal su éxito en este pais que incluso ha tenido una reedición)
Si hace poco tiempo me leí el primer tomo de Masacre el mercenario zombi titulado Cabeza viajera ahora le ha llegado el turno a su secuela, que actua también como final de esta serie, titulado Mundo zombi. La historia continua donde se dejó al final de la anterior entrega, con el simpático de Masacre (Deadpool) intentando devolver la cabeza zombi de si mismo a su sitio correspondiente (el famoso universo paralelo de los Marvel Zombis que tuvo tanta fama hace unos años), aunque no será una tarea facil.

Como no todo puede salir bien a la primera, el periplo le llevará por otras dimensiones (lo que se aprovecha para que colaboren otros artistas) en donde conocerá variaciones de si mismo al mando de SHIELD, en versión femenina o incluso en el Salvaje Oeste. Pero tras ese preámbulo, el resto de la acción tocará en el citado universo de los Marvel Zombis, aunque siguiendo con ese estilo tan disparatado de Masacre para lidiar con los problemas, la diversión y el cachondeo están asegurados en un comic que, en última instancia, tan solo busca eso.

De nuevo destacaría las portadas paródicas que tuvo esta serie en su edición original, de las cuales en este tomo están las de los números 7 al 13 (ambos inclusive) y que son divertidas variantes de las películas Trainspotting, Hace un millón de años y El graduado, las portadas de los comics Lobezno 1 y El lobo solitario y su cachorro, la del album Nevermind del grupo Nirvana y la de la película El silencio de los corderos.
Que la guerra es uno de los detalles más incongruentes del ser humano queda sin duda alguna evidente tras la lectura del manga Operación Muerte de Shigeru Mizuki, una historia con un marcado tono antibelicista que, como el propio autor confiesa en el epílogo, es verídica en un noventa por ciento.

Y es que él lo vivió de primera mano, ya que con apenas 20 años fue reclutado por el ejército japonés y obligado a combatir en la jungla, donde padeció las penurias del conflicto armado y perdió incluso su brazo izquierdo. Con una experiencia tan traumática no es de extrañar su firme (y comprensible) opinión sobre este tema, ya que hay que pensar que el sistema militar japonés de entonces era en extremo arcaico, a lo que sumar unas condiciones infrahumanas de higiene y salud, lo que provocó que muchos soldados cayeran como moscas, debido tanto a la mala alimentación como a las condiciones totalmente insalubres en las que vivian.

Todo ello está presente en este Operación muerte, que debe su título a una orden final mediante la cual tenias que atacar aunque tus posibilidades de salir vivo fueran nulas, lo que se consideraba una muerte honorable (cualquier otra posibilidad quedaba del todo descartada, así era la cruel jerarquia de mando que imperaba entonces) El estilo gráfico de Mizuki sigue ese tono de caricatura habitual en él, lo que nos lleva a sentir una inmediata empatia por sus personajes, pero no se priva de ser más realista en los escenarios y en ciertos elementos (como por ejemplo el armamento), así como en esas páginas finales donde queda patente toda la devastación y el horror tras el ataque suicida nipón.
Tengo en la memoria un recuerdo muy difuso de Hulk: Banner de Brian Azzarello y Richard Corben, ya que se trata de un comic que leí hace mucho tiempo, pero un paseo sin rumbo el otro día por los pasillos de la biblioteca me hizo toparme con la edición de Panini en una de las estanterias, y al ver que el dibujo era de Richard Corben decidí darle un nuevo repaso (a lo que influyó el tener aún reciente las lecturas de El dios rata y Los espíritus de los muertos) ya que en su momento lo valoré como un comic más de Hulk, al no haber conocido aún el pasado del autor en Creepy y Eerie, con los cuales quedé encandilado con su trabajo.

Este tomo recopila la serie limitada de cuatro números editada en su día por Planeta y despues reeditada por Panini, y en la que (no voy a mentir) su argumento sigue siendo tan simple como yo recordaba de la primera vez que la leí: Hulk arrasa por donde pasa y Doc Samson y Trueno Ross se unen para intentar pararle los pies. Pero como yo me figuraba, quien levanta la historia es Corben porque el apartado gráfico de la misma es notable, logrando tanto el interés del fan habitual del personaje como de aquel que se decante por esta obra tan solo por el nombre de los autores que intervienen en ella (y todo ello siendo Corben tan fiel a su estilo habitual como a la icónica imagen del Coloso Esmeralda, uno de los personajes más emblemáticos de la Marvel) Sin ser la repanocha, estamos ante una buena muestra de que Hulk puede no ser tan tópico y esquemático como algunos se piensan si cae en buenas manos.
Seth es el seudónimo de Gregory Gallant, un autor de comic canadiense del que creo que me he leído todo lo que tienen de él en las bibliotecas, motivado por su particular estilo gráfico, que me gustó mucho desde que lo descubrí con el recomendable comic Wimbledon Green: el mayor coleccionista de comics. Pero antes de conseguir la fama publicó las dos historias que conforman esta obra, que hasta el momento permanecian inéditas en este pais.

La primera de ellas, que es la que da título a esta edición, nos narra la historia de amor que vive una especie de alter-ego del propio autor con la propietaria del local donde trabaja de cocinero, siendo lo más interesante de la misma la manera que tiene de lidiar con ello desde su (por entonces) óptica adolescente, aunque sin dejarse embargar por la consabida batalla hormonal que sufre uno en esa etapa de la vida (algo que tan solo logra el paso del tiempo) Por su parte en la segunda historia, que lleva por título Dichosa la hora, el autor nos narra un suceso que vivió en primera persona, algo que no deja de ser una simple anécdota, pero que Seth desarrolla tomándolo con humor: se trata de la paliza que recibió a manos de unos energúmenos de esos que tan solo buscan bronca, y que lo tomaron por homosexual, estando situada unos años después de la previa, con él ya viviendo por su cuenta en la ciudad.

Son dos historias muy sencillas, pero que ya dan muestras del particular estilo que sería tan característico de su posterior obra, por lo que teniendo en cuenta que tienen más de dos décadas (son de 1991 y 1993 respectivamente) sorprende la frescura que transmiten, hasta el punto de que podrían haber sido realizadas ayer mismo. Sin lugar a dudas un muy buen comic que sirve tanto para los fans de Seth como para aquellos que quieran descubrir con esta obra a un autor que sale de corrientes y modas dominantes.

viernes, 25 de noviembre de 2016

VAIANA (MOANA), más de lo mismo pero sin parecer más de lo mismo

Como llegan las fiestas navideñas es el momento del estreno de una nueva película de la factoria Disney, pero tengo que admitir que mi primer pensamiento al saber del presente film era que por su temática parecía más coherente estrenarlo con el calor del verano que con el fresco del invierno (pero bueno, tampoco tiene nada que ver porque la Disney ya ha estrenado en lo que llevamos de año varios títulos, que van desde la muy simpática Zootrópolis hasta el muy logrado remake en acción real de El libro de la selva pasando por el esperado aporte Pixar que fue Buscando a Dory, aunque con el descalabro de Alicia a través del espejo)

Como es lógico, Disney es mucho más que eso (no he entrado en los universos Marvel y Star Wars, ni en el resto de cosas con las que sin duda se está convirtiendo en un baluarte del entretenimiento a nivel global) pero otro detalle que siempre ha ido parejo con ellos ha sido su vertiente de "princesas", donde en principio se podría catalogar a esta Vaiana (Moana en su título original), aunque en la propia película se quieran deshacer de dicho "calificación" con un comentario sarcástico no del todo acertado (ya que no hay que ser muy listo para ver que lo que te estan vendiendo es lo mismo que otras veces, aunque te digan que no)

Y es que esta nueva heroina rebelde de Disney entraría dentro de esta norma habitual en los últimos tiempos que ha hecho a sus personajes femeninos mujeres de fuerte caracter que quieren romper normas sobre lo establecido, para acabar con esos estereotipos del pasado (de ahi que ella misma se niega a ser considerada como "princesa" sino tan solo como "hija del jefe", para así desvincularse de la tutela de un hombre) pese a que luego lo que nos queda es lo mismo de siempre, con unos personajes llamativos pero previsibles (funcionando unos mejor que otros), aunque con un aspecto visual realmente impresionante, ya que hay que decir que la película es toda una delicia para los ojos con una calidad técnica muy lograda tanto en las texturas como por ejemplo en los brillos del agua (ya que el océano sería un personaje más, si bien un tanto voluble)

Lo que ocurre es que su historia se hace previsible a la que uno se apercibe de su básico esquema argumental (viaje iniciático de nuestra heroina con todos los previsibles elementos que la acompañan en ello, que le servirá para madurar), lo cual no es malo, porque hay que reconocer que esta película es entretenida, pero le resta originalidad, evidente en ciertos "rellenos" un tanto forzados como los del ataque de los Kakamora (el cual provoca una secuencia de acción lograda pero prescindible, al no aportar nada digno de mención) o el viaje al mundo de los monstruos (brillante a nivel visual pero que también peca de intrascendente, incluyendo la canción de Tamatoa) De los primeros tengo que admitir que me parecieron una especie de Minions a la polinesia mientras que para el segundo va la escena tras los títulos de crédito (que en mi caso no pude ver porque nos hicieron salir del pase antes de que los mismos acabaran)

Pese a su retahila de parecidos con el cine de "princesas Disney" (podriamos decir que Vaiana sería la nueva Pocahontas) el film tiene dos detalles que sin ser magistrales, si me parecieron muy bien resueltos: por un lado los tatuajes del semidios Maui, que actuan cual si fuera una especie de conciencia de ese personaje, y luego el alivio cómico que es el gallo Heihei, que parece mentira que venga del mismo estudio que se caracteriza por sus mascotas adorables y rebosantes de ternura, porque éste en cuestión resulta muy divertido cada vez que él y su más bien nula inteligencia aparecen en escena (estaría bien darle cancha en algún corto como los de Scrat de Ice Age porque creo que funcionaría muy bien)

Ya dice el refrán aquello de que "aunque la mona se vista de seda, si mona es mona se queda", lo cual se podría aplicar a Vaiana, pero ¡ojo! sin que ello se pueda considerar negativo ya que sería tradicional dentro de ese estilo al que nos tienen acostumbrados los de Disney (aunque en la misma película jueguen al "sí pero no") con personajes llamativos en la forma pero previsibles en el fondo, y que aunque no sorprenda tampoco decepciona, gracias a la habil combinación que hace de los elementos con los que parte (aventuras, acción, emoción, un tanto prescindibles canciones... y afortunadamente nada de elemento romántico) todo ello con un acabado visual que, sin llegar al fotorealismo, consigue óptimos resultados (lo que se podría hacer extensible al corto previo, que podría ser una variante de Del revés pero con órganos del cuerpo)
=====================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de diciembre de 2016
  • LO MEJOR: Su apartado visual (realmente precioso y que por si solo ya merece darle una oportunidad a la película) y el "alivio cómico" del gallo Heihei, que es de esos a los que no les hace falta hablar para ser graciosos.
  • LO PEOR: Su tópico esquema argumental así como unos personajes llamativos en la forma pero previsibles en el fondo.

martes, 22 de noviembre de 2016

SPIDERWOMAN: CAMBIO DE MARCHA, METEORO: MACH GO GO GO, LA VIDA DE UN PADRE ABRUMADO, NONNONBA y SKY HAWK (reseñas)

Hay personajes que los marean de un lado para otro, dando la sensación de que no saben muy bien que hacer con ellos, siendo Spiderwoman un ejemplo bien evidente. Pero si cuando leí la anterior entrega ya comenté que había tomado un tono muy destacado, una grata sorpresa es lo que me he llevado con este, donde nuestra superheroina, como la portada deja bien evidente... ¡¡¡está embarazada!!! (y eso sin duda es un GRAN cambio en su estatus habitual)

¿Quien es el padre del bebé de Jessica Drew? Eso en principio es un detalle secundario, ya que este tomo nos la muestra fuera de SHIELD y de los Vengadores, con un embarazo en avanzado estado, y controlando a Ben Urich y el Puercoespín, a cargo de esa agencia de detectives que tienen, mientras ella se toma su merecida baja por maternidad (por la que incluso le hacen una fiesta sus amigos superhéroes: atención a la anécdota con Iron Man)

Aunque su avanzado estado de gestación podría hacer pensar lo contrario, Spiderwoman no se amilana ante villanos tan cutres como Bicho dorado, Coneja blanca y Morsa, a los que no le cuesta aplicarles una lección; pero la problemática vendrá cuando, siguiendo los consejos de su buena amiga Carol Danvers (Capitana Marvel), acuda al hospital galáctico de Alpha Flight, con la mala suerte de cruzarse en su camino un secuestro con rehenes por parte de unos Skrulls rebeldes, mientras ella puede parir de un momento a otro (y rodeada de un buen montón de premamás alienígenas en su mismo estado)

El guionista Dennis Hopeless realiza una gran labor a la hora de humanizar a un personaje que nunca había sido nada más allá del reverso femenino de Spider-Man, llevándolo aqui al terreno de la maternidad, cuando en el universo Marvel la más reciente que recuerde que se ha atrevido con algo así ha sido Jessica Jones. De este tomo destacaría lo bien expuesta que está la amistad entre la protagonista y la Capitana Marvel (con diálogos brillantes) así como toda la trama en ese hospital galáctico, e incluso el último número (más centrado en esas típicas dudas e inseguridades de las madres primerizas), todo ello beneficiado del excelente trabajo gráfico de Javier Rodriguez que resulta notable en general y realmente magnífico en algunas splash-pages que son toda una delicia para el lector.
Es curioso porque al mismo tiempo que me he leído el tomo primero de Meteoro: Mach go go go probé suerte con los tres de Mazinger Z, y pese a ser series de mi más tierna infancia (e incluso sonándome más la del robot que la de los coches) ha sido la primera la que he acabado leyendo, porque la de Mazinger Z se me hizo muy simplona y la abandoné (¡ojo! que con eso no penseis que esta es un dechado de virtudes, pero sin pretensiones me la acabé leyendo de forma rápida y ágil, cumpliendo lo mínimo que le pido yo a mis lecturas: que me entretengan)

Es una pena porque este manga se componía de dos entregas, pero la segunda nunca llegó a editarse debido a las pobres ventas de esta primera, lo cual resulta una lástima pese a que se aprovechara para editarlo cuando se estrenó la adaptación fílmica que hicieron los hermanos Wachowski (ahora hermanas) de título Speed Racer, que corresponde a la traducción que se hizo en el mercado anglosajón de lo que aqui se conoció como Meteoro (lo de Mach go go go es su título original)

El protagonista es el joven Go Mifune y su Mach-5, un coche de carreras capaz de lo increible, estando ambos rodeados de varios secundarios esquemáticamente desarrollados dentro de sus roles básicos de amada (o mejor amiga), mentor o esos alivio/s cómico/s que sirven para que no sea siempre "más de lo mismo". Los cuatro capítulos de los que consta este tomo conforman otras tantas pruebas automovilísticas con variopintos obstáculos que nuestro héroe tendrá que salvar, todo ello con un estilo gráfico que puede recordar a Osamu Tezuka y que claramente está orientada al público infantil-juvenil con su tremenda sencillez (que con el paso de los años, medio siglo después, para algunos será simpleza)
Me suelen resultar llamativas aquellas historias que se centran en el territorio de lo cotidiano, supongo que por aquello de que uno se identifica más con aquello que es más cercano. De todas maneras este caso en cuestión se podría parecer al de La Parejita de Manel Fontdevila (al menos en su etapa más reciente), al coincidir en narrar todos los problemas cotidianos que tiene asociado el hecho de ser padre (en este caso además de dos hijas pequeñas que son un torbellino)

La vida de un padre abrumado recopila las tiras que cada mes salian en la revista Fierro y cada semana en el periódico Página/12. En las mismas el argentino Iñaki Echevarría pone en evidencia un hecho tan fundamental como lo mucho que cambia la vida de un hombre cuando asume la responsabilidad de la paternidad, por lo que esta obra enseguida consigue la empatía del lector, bien porque lo vive de primera mano o bien porque sabe lo que ello representa (añadiendo en muchas de estas anécdotas ese divertido contraste de vivir situaciones cotidianas también desde ese punto de vista infantil que muchas veces nos hace esbozar una sonrisa a aquellos adultos que estamos cerca, por lo irónico de la ocasión y/o el momento) Una lectura recomendable para padres en general y primerizos en particular, que veran que no estan solos en esta dificil batalla con el dia a dia a la hora de criar unos tiernos retoños.
Cuando una obra recibe un premio, en ocasiones puede pasar que los méritos para ello no se hacen evidentes, mientras que en otras ocasiones los beneplácitos da la sensación de no ser los suficientes. Eso ocurre con todo tipo de obras, incluido el comic, algo que le viene muy apropiado a NonNonBa de Shigeru Mizuki, que recibió de manera MUY JUSTA el premio a mejor album en el 2007 en el Salón del Comic de Angoulême, pero que no pondría yo pegas para calificarlo como UNO DE LOS MEJORES MANGAS que me he leído en la vida.

Del mismo autor de Kitaro y 3 calle de los misterios, ambas ya reseñadas por este blog, en este caso Mizuki se decanta por el relato autobiográfico situado en su infancia (en el Japón de los años 30 del pasado siglo) y centrado en la relación de amistad que se establece entre el entonces joven mangaka con una vecina anciana y viuda (la NonNonBa del título) que con sus relatos fantásticos introduce al autor dentro del rico mundo del folclore japonés, con los yokai (monstruos mitológicos del mismo) a la cabeza.

Con un ritmo ágil y fluido, esta obra nos muestra la vida cotidiana en el Japón rural previo a la Segunda Guerra Mundial, mezclado con las historias fantásticas que la anciana le cuenta al pequeño Shigeru, que sirven para amenizar la lectura del mismo. Y es que cuando se centra en la realidad quedan bien patentes temas tan tristes como la pobreza que había en el Japón de aquel entonces, la enfermedad, la trata de personas o la guerra, siendo el autor siempre contrario a esta última. De todas maneras en ocasiones la efervescente imaginación del joven Mizuki llevará a que queden un tanto desdibujadas las fronteras entre lo real y lo fantástico, dando lugar a momentos simpáticos y curiosos.

NonNonBa resulta al final un manga entrañable y familiar, con una historia llena de matices y realmente preciosa de inicio a fin, que denota esa nostalgia que el autor sintió por una persona muy querida para él como fue esta anciana. El dibujo de esta obra, que resulta muy acertado, me ha gustado tanto como en los mangas previos antes citados de este autor, ya que ese trazo sencillo para unos personajes carismáticos y muy expresivos consigue un contraste excepcional con esos lugares por donde va aconteciendo el relato, más realistas, espectaculares, hermosos y elaborados (dependiendo de si el momento es más o menos onírico) haciendo de este manga la OBRA MAESTRA que es.
Acabo esta batería de reseñas con un nuevo manga que me he leído de Jiro Taniguchi, donde de nuevo demuestra su habilidad tanto narrativa como gráfica, pese a que en esta ocasión la historia es un western, género que a priori a uno no le cuadra viniendo de un mangaka, pero que sin duda consigue mantener la calidad que uno siempre espera de este autor.

La historia se centra en dos antiguos samurais que huyendo de su destino van a parar a los Estados Unidos. Mediante ellos el autor nos relata como fueron los últimos años de gloria de los indios nativos de entonces, antes que la superioridad del hombre blanco los diezmara (a lo que ayudó sobretodo el genocidio de búfalos que llevaron a cabo, para de esa manera dejarlos sin su principal sustento) Y es que queda claro que en esta historia Taniguchi se coloca del lado de los indios, que no tienen ningún problema a la hora de adoptar a estos dos samurais, lo que les servirá para un aprendizaje mutuo que les llevará a ser renombrados como Halcón del cielo y Lobo del viento (del primero viene el título de este manga)

En un relato que mezcla hechos verídicos con otros creados para la ocasión (se nota la documentación llevaba a cabo para la realización de esta obra) el mayor handicap de Sky Hawk estaría en centrarse más en los aspectos del western típico, cuando se podría haber profundizado en los paralelismos entre ambas culturas (la de los samurais y la de los indios), algo que el autor apenas desarrolla. Aún así estamos sin duda ante una historia muy entretenida en la que se notan mucho las constantes ya propias de Taniguchi como su amor por la Naturaleza (en todas sus vertientes) mezcladas aqui con unas muy acertadas escenas de acción.

lunes, 21 de noviembre de 2016

ALIADOS de ROBERT ZEMECKIS con BRAD PITT y MARION COTILLARD

Cuando una película tiene la crítica embargada hasta poco antes de su estreno puede significar que el estudio quizás no esté muy convencido del resultado final (me remito a Batman v Superman, en donde pasó eso hasta apenas horas previas al estreno mundial) Lo mismo me ha sucedido con Aliados, la nueva película del director Robert Zemeckis, que pude ver la semana pasada pero cuya opinión tenía vetada hasta el momento prefijado para ello.

Ahora, con el embargo ya levantado, lo primero que tengo que admitir es que el famoso director ofrece en esta ocasión un elegante thriller romántico de espias, que en todo momento parece propio de los años 40 del pasado siglo en los que está ambientada la acción (de hecho el personaje de Marion Cotillard podría ser perfecto heredero de los de una clásica como Ingrid Bergman, solo que con detalles más tolerados hoy en día y que no hubieran superado la censura de aquel momento)

Al estar ambientado este film en la Segunda Guerra Mundial muchos se preguntarán que pueden ofrecer de nuevo sobre tal periodo que no se haya visto ya, y la respuesta es clara: nada. Porque si Aliados se basa en algo es sobretodo en la química entre su pareja protagonista, que no diré yo que sea la repanocha pero que no me ha parecido tan lamentable como a otros críticos (aunque reconozco que esto depende de las preferencias de cada uno, por lo que lo mejor es verla y juzgar por uno mismo)

El disfrute de una película puede estar en ocasiones relacionado con lo que hayamos visto de ella en la multitud de avances que suele haber hoy en día, por lo que es justo que admita que no había visto ni uno solo de sus anticipos (a excepción de alguna foto promocional que acompañara a algún artículo) por lo que he ido "virgen" ante el GRAN SPOILER sobre el que se sustenta toda esta historia, y que aunque aqui no lo encontrareis, si tengo que reconocer que una vez aclarado con certeza hizo que si hasta ese momento Aliados me estaba gustando, con ese detalle mi valoración subiera un poco más. El estilo clásico que tiene este título puede hacer previsible su tramo final para algún espectador, pero en mi caso reconozco que la duda estuvo presente en todo momento, incluido el destino final de ambos tras cierta revelación trascendental.

Sobra decir que estamos ante una película ideal para la pareja protagonista, que son los que más lucen, siendo el resto de actores correctos pero meras comparsas de lo que les acontece a los personajes de Brad Pitt y Marion Cotillard, que son respectivamente el Teniente coronel Max Vatan y su compañera de origen francés Marianne Beausejour. Ambos entran en contacto cuando tienen que cumplir una misión en Casablanca (que es cuando el film tiene un tono más aventurero), a partir de lo cual sus vidas ya no serán lo mismo (porque entra de lleno en lo romántico, sin abandonar el género bélico en general por el momento histórico en que está ambientada esta película)

Pese a todo Aliados no es un título excelente que aparenta querer ser (a lo sumo llegaría a "bueno") porque ese clasicismo que es una de sus mayores virtudes, se convierte en cierto handicap cuando ante ciertos detalles, expresiones o sucesos que nos ofrece la historia nos damos cuenta que resultan más modernos que lo que se veía en aquellos años. Tampoco es que muchos de esos elementos no sean coherentes a aquella época, pero en una película clásica, como esta quiere ser, la censura no hubiera permitido algunos de ellos, descolocando en parte al espectador que se apercibe de ello. Pero quien no busque nada más allá que una buena película romántica para ir a ver con la pareja, sin duda alguna que Aliados será una acertada opción.
=====================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de noviembre de 2016
  • LO MEJOR: El buen trabajo tanto del director como de su pareja protagonista, así como ese tono clásico que quieren recuperar en todo momento (con mayor o menor acierto)
  • LO PEOR: No se disfrutará tanto si se han visto avances previos que seguro que restarán sorpresa a los giros de su historia.