martes, 3 de diciembre de 2013

THE WALKING mid-season 4: siguiendo el esquema de los comics...


Hay series que no deberían alargarse más de la cuenta, y The walking dead es una de ellas. Con este inicio tan destroyer pensareis que me la voy a cargar, pero nada más lejos de mi intención. Desde luego no digo que tenga que haber tan solo 6 episodios como tuvo su primera temporada, pero sin duda los 13 de la segunda se mostraron claramente suficientes (e incluso diría que en exceso) para una trama que intenta seguir el esquema de los comics, aunque no su continuidad (de ahi que para muchos haya tan solo mero relleno para cumplimentar unos pocos momentos destacados, algo también evidente en la tercera con 16 episodios, los mismos que tendrá esta).

Situados ya en esta cuarta temporada, su primera mitad de 8 episodios ha servido tan solo para ver como un virus de la gripe (supongo) ataca y mata a varios supervivientes de la prisión, por las lógicas condiciones extremas en las que estan viviendo. Lo curioso fueron los capítulos 6 y 7, donde no solo volvía el personaje del Gobernador (encarnado con solvencía por David Morrisey) sino que era el protagonista absoluto de ambos, sin que en ningún momento apareciera el grupo de Rick (lo que aumentó el interés de los mismos) lo que habría las puertas a cierta esperanza en la evolución del citado villano.

Una vez visto el capítulo que cierra esta primera parte de la cuarta temporada (mid-season) me queda justificado el motivo de esos capítulos. Uno está claro, y es testar entre los espectadores otro grupo de supervivientes de cara a ese spin-off que se prepara de la serie, pero el otro ha sido nada más y nada menos que recrear (¡ahora si!) el ataque contra la prisión por parte del Gobernador. Lo bueno es que por fin se ha visto en imágenes uno de los momentos claves del comic (para mi gusto) aunque para ello se haya metido quizas un poco a la fuerza a otro grupo que sustituyera al original de Woodbury en las viñetas.

Con una continuidad que hace ya mucho quedo separada de su homónima de los comics (por este enlace mi reseña de los 13 primeros tomos), en estos hay momentos "cumbre" que la serie adapta a su manera: es evidente que la forma en que muere Hershel decapitado sería equivalente al final de Tyresse en los comics. También es evidente el parecido en el tramo final con Rick y su hijo, ahora en solitario (porque la pequeña Judith se la puede considerar muerta, aunque la serie no llega a esos puntos tan escabrosos como para mostrarlo, sino que tan solo queda sugerido en ese portabebes con manchas de sangre)

A nivel personal, tras la paliza que el Gobernador le daba a Rick me acordé del Sylvester Stallone de Rocky, cuando luego llama a gritos a su hijo, parecido como en el citado film hacía el protagonista con su prometida Adriane. En cuanto a este villano (el Gobernador) que ha sido la némesis perfecta en los comics, finaliza aqui su presencia ajusticiado (con toda justicia) por aquellas más agredidas por sus acciones (Micchine y Maggie). Ahora se abre el futuro post-prisión con lo cual quedan muchas incógnitas, como por ejemplo la maduración de los niños de la serie, algo evidente en esa escena donde una pequeña del grupo de Rick no tiene miramientos para disparar contra su enemigo.

Es dificil preveer como adaptará la serie los hechos que vienen a partir de ahora (aparte de la incógnita con Carol, mi curiosidad radica hacia el personaje principal al que le revientan la cabeza con un bate de beisbol en el número 100 en comic, ¿tendrá su equivalente en pantalla?) De todas maneras arduo trabajo tiene por delante The walking dead porque viendo el potencial como villano del Gobernador crearon una especie de variante llamada Negan cuyas maldades han sido estiradas en las viñetas hasta el exceso durante meses y meses (y sigue, al menos hasta el último número (115) que me he leído cuando escribo esta reseña) bajando mucho la calidad final y ralentizando hasta la extenuación el ritmo de narración.

12 AÑOS DE ESCLAVITUD, brutal alegato contra esa lacra social

FICHA TÉCNICA

Título: 12 años de esclavitud
Título original: 12 Years a Slave
Dirección: Steve McQueen
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 13/12/2013
Duración: 133 min
Género: Drama, Histórico, Biográfico
Reparto: Michael Fassbender, Brad Pitt, Chiwetel Ejiofor, Michael K. Williams, Paul Dano, Benedict Cumberbatch, Garret Dillahunt, Ruth Negga, Sarah Paulson, Scoot McNairy, Lupita Nyong'o
Distribuidora: DeA Planeta Home Entertainment
Productora: Summit Entertainment, New Regency Pictures, Plan B Entertainment, River Road Entertainment

SINOPSIS

Película basada en la increíble historia real de un hombre que luchó por su libertad en los años previos a la guerra civil de los Estados Unidos. Solomon (Chiwetel Ejiofor) es un negro libre de Nueva York que un día es raptado y vendido como esclavo. Su comprador (Michael Fassbender) realiza con él todo tipo de crueldades. Pero Solomon no se rinde y sueña con recuperar su libertad y su dignidad. En los 12 años que ejercerá como esclavo, su encuentro con el abolicionista canadiense Bass (Brad Pitt) dará a su situación un giro de 180 grados.

CRÍTICA

Pese a la casualidad de llamarse igual, el Steve McQueen que consta como director de este film no tiene nada que ver con el actor de idéntico nombre que vimos en clásicos como La gran evasión, Papillon y Bullit. Por su parte en cuanto a lo referente a la esclavitud prevía a la Guerra de Secesión Americana, no es la primera (ni será la última) película en tratar el tema, por lo que tampoco hay mucha novedad en la base... aunque si en el fondo, que es lo que ha hecho destacar al presente título y posicionarlo como favorito para las próximas entregas de premios.

De entrada lo primero a reconocer es la gran labor de Chiwetel Ejiofor que le tendría que valer no solo una nominación al Oscar como mejor actor sino la entrega del premio, porque en sus hombros está la mayor parte del metraje de esta dura película que provocará una angustia frente a las torturas que se ven en pantalla (por su brutal realismo) casi paralela a la vista en La Pasión de Cristo de Mel Gibson. Pero cuando otros hubieran perdido la esperanza, el protagonista la mantiene, sin rendirse ni desfallecer, lo que lo dota de una empatía hacia el espectador realmente abrumadora.

Entre los secundarios me gustaría citar al trio más conocido formado por Benedict Cumberbatch (entre otros de la serie de televisión Sherlock), Brad Pitt (reciente protagonista de Guerra Mundial Z) y Michael Fassbender (el nuevo Magneto del reboot precuela de los X-Men), los cuales hacen una labor encomiable... aunque sin duda es el último de ellos, por su salvaje brutalidad, quien puede conseguir otra nominación a mejor secundario para la película, ya que vendría a ser un malvado sin piedad del estilo al que encarnó Ralph Fiennes en La lista de Schindler (que también le valió en su momento una nominación al citado actor)

Más breve es la presencia del siempre polivalente Paul Giamatti, aunque no por ello inferior a las de los citados, formando entre todos un conjunto que sirve para llevar al espectador a una de las épocas más polémicas y criticables de los Estados Unidos prevía a la abolición de la esclavitud. Pero 12 años de esclavitud también sirve para que no olvidemos esta lacra, que pese a la evolución de la sociedad sigue estando presente en la misma en forma de explotación sexual en mujeres y menores de edad (y sino basta con mirar un poco las noticias).

Una magnífica obra, que quizás hubiera sido necesaria antes (no negaré que el tema de la esclavitud ha sido tratado en tantas ocasiones que puede resultar cansino) Si acaso su mayor mérito sería en no caer en mojigaterias innecesarias y mostrar la crudeza de esta barbarie, hasta el punto de que sale herida al final de la historia incluso el alma del espectador (viendo esto queda lejos el estereotipo de la esclava negra que inauguró Lo que el viento se llevó con ese ya mítico "Si Señorita Escarlata")

LO MEJOR: Es la más realista película sobre la histórica esclavitud racial en Estados Unidos (no se corta en muchas de sus escenas más violentas). Asimismo también destacar su plantel de actores, desde el Solomon protagonista a todos los que se cruzará en su fatídica odisea, a lo que se suma lo destacable de su ambientación en todos los sentidos.

LO PEOR: Tendría que haber llegado antes, porque poca novedad aporta al tema (si acaso el mostrarlo en toda su crudeza y brutalidad)


domingo, 24 de noviembre de 2013

AN ADVENTURE IN SPACE AND TIME y THE DAY OF THE DOCTOR


50 son los años que tiene a sus espaldas Doctor Who (que vió la luz por primera vez el 23 de noviembre de 1963), y una larga lista de episodios así como varios rostros (11, a los que pronto se unirá el actor Peter Capaldi como el 12º). En The day of the doctor se ha querido rendir homenaje a todos, a lo que también ha ayudado An adventure in space and time, en este caso recordando la dificil génesis de la serie hace ya medio siglo. Una breve reseña por mi parte de ambas a continuación.

Cuando era pequeño descubrí a Doctor Who gracias a Tom Baker, el más famoso de la etapa clásica, cuando lo emitió el canal autonómico catalán TV3. Ya en aquel entonces me maravillaba la gran imaginación de la serie, pero luego le perdí la pista. En 2005 volvió pero mi recuperación fue a partir del 2011 cuando el canal Boing de Mediaset recuperó las etapas modernas de los doctores 9 (Christopher Eccleston) y 10 (David Tennant) viendo yo la etapa de Matt Smith en los canales 3XL y Boing (temporadas 5 y 6) e internet (temporada 7)

De la etapa clásica recuerdo de manera vaga aquellos capítulos (de hecho lo más recordado eran las extensas bufandas del 4º Doctor encarnado por Tom Baker) pero pese a no recuperar ningún capítulo más (sería una labor titánica, algo así como leerse TODO Spiderman, por poner un ejemplo de un personaje que también me gusta) siempre he tenido curiosidad por la misma, algo que ha satisfecho el telefilm An adventure in space and time, donde se narran los inicios de tan éxitosa serie.

Es curioso que en su origen no se confiara en Doctor Who, ya que se inició como mero programa de relleno, teniendo además la mala suerte de estrenarse justo cuando el mundo estaba conmocionado por el asesinato de Kennedy (al menos lo citan así en este telefilm, de ahi su "pinchazo" inicial en audiencias) La desconfianza venía incluso por parte del actor William Hartnell, que fue el primer rostro del personaje y por lo tanto el original en el que se han visto más o menos reflejados todos los posteriores. Pero la productora Verity Lambert (encarnada por la actriz Jessica Raine) se impuso sobre el machismo de la época (evidente en las escenas en que quieren ningunearla) y consiguió sacar adelante su idea (ella y Hartnell vendrian a ser los protagonistas de An adventure in space and time).

Para los aficionados a la serie resulta curioso el ver como fueron sus primeros días, incluyendo la creación de sus villanos más famosos (los Daleks), así como el gran calado que tuvo en la sociedad británica de la época (a destacar la escena en el parque donde esos niños vanaglorian al actor al que toman por el personaje que interpreta en la serie) Es también acertado y emotivo el momento en el que, por edad, Hartnell ya no estaba capacitado para interpretarlo, por lo que le comunican que habrá un sustituto, un siguiente Doctor (aunque no acaban de aclarar a quien se le ocurrió lo de la regeneración).

En ese punto tengo que decir que el parecido entre los actores David Bradley y William Hartnell es asombroso, por lo que no me cuesta creerme al primero en su interpretación del segundo en este telefilm, pero la breve presencia de su sucesor (Patrick Troughton) no acierta tanto en cuanto al aspecto. De todas maneras no sólo el telefilm rescata lo que hubo detrás de las cámaras en los tres primeros años de vida de la serie sino que resulta un bonito homenaje a ese primer Doctor, destacable y emotivo sobretodo en el momento final en que al activar la Tardis él mismo ve uno de los rostros futuros de su personaje (cameo de Matt Smith)

Mark Gattis, el responsable de este telefilm, es todo un fan de la serie (colabora con Steven Moffat) y ya probó suerte cuando fue el 40 aniversario (en 2002) aunque entonces la cosa no prosperó, sobretodo porque la serie aún no había renacido en aquel momento (la etapa actual comenzó en 2005). El resultado final, tan correcto y del estilo de los biopics de Hitchcock de hace unos meses (el homónimo y The girl) es sin duda recomendable para todo fan de la serie, así como incluso para los interesados en la historia de la televisión, al recrear como se hacía la misma hace medio siglo.

Pero como no todo es pasado, volvemos al presente y en la línea de continuidad que se marcó la serie al final de su séptima temporada, The day of the doctor consigue ser un homenaje a toda su historia, pero englobando aqui un giro sobre su continuidad. Si hasta ahora parecía que el Doctor había sido quien activó un arma definitiva (¿termonuclear?) que acabó con la Guerra del Tiempo entre Gallifrey y los Daleks (acabando con ambas razas), este episodio concluye con una hipotética nueva realidad (algo parecido a las películas de Star Trek de J.J.Abrams respecto a las series clásicas) donde Gallifrey queda congelado en el tiempo, pudiendo ser ahora el objetivo (macguffin) de sus viajes por el espacio y el tiempo: la búsqueda de su hogar natal, ahora no destruido por él sino también salvado por él.

Este citado especial sirve para el retorno de David Tennant como el 10º Doctor y Billie Piper siendo (y no siendo) Rose Tyler (sería más bien la "esencia" del Bad Wolf que hubo durante su estancia en la serie). Ello demuestra que su tiempo ya pasó, porque la inclusión de ambos es totalmente circunstancial, ya que en esencia lo que se narra en este capítulo podría haber sido la de cualquier episodio de la serie, sin necesidad de contar con ellos. No me interpreteis mal, la relación entre los Doctores 10 y 11 es magnífica, pero al no haber esa misma con el personaje de Billie Piper, que nada más se "comunica" con el Doctor encarnado por John Hurt, me da la sensación de dejarla a ella así como a la actual companion Clara en un lugar más secundario y obviable. Pero no penseis que lo tomo como un punto negativo, ya que la reunión final de todos es muy emocionante (así como su actuación en el nuevo destino de Gallifrey con... ¿los 12? ¡NO, 13! Hay cameo de Peter Capaldi)

He de mencionar que la inclusión de John Hurt como War Doctor (se queda sin número) se podría haber obviado porque podría haber sido el origen que nunca vimos del Noveno (Eccleston) aunque gracias a la buena labor de John Hurt, lo relacionado con su personaje no molesta, y tener a un actor de tanto renombre en el historial del personaje y de la serie es todo un orgullo. También me resulta un poco secundaria la inclusión de los Zygons como enemigos en este especial, que aunque sean metamorfos y puedan tomar cualquier aspecto no parecen brillar tanto como los Ángeles Llorones o los Silent (aunque igual la idea era echar mano de estos para no gastar tanto a los usuales: ver por ejemplo lo poco que ya asustan los Daleks)

Insisto, The day of the doctor es uno de sus mejores capítulos desde su renacimiento en 2005; ¡¡¡son tantos los guiños al pasado del personaje!!!: sobretodo al cuarto encarnado por Tom Baker, que queda representado en la multicolor bufanda de uno de los personajes secundarios así como a la presencia de un ya anciano actor como conservador del museo. No es lo único porque recupera la entrada inicial de la serie y hay multitud de referencias relacionadas con el pasado de la misma (incluso alguna reciente, como la mención al Jack Harness de Torchwood) Pero al mismo tiempo no se recrea en lo que ya ha sucedido sino que instala las bases sobre las que se puede mover la serie a partir de ahora, tal y como he citado un poco más arriba.

En resumidas cuentas, y como he visto en un tweet de Mel_Gluci durante todos los homenajes que ha vivido Doctor Who en su 50º aniversario, la cosa es facil de resumir:  11 Doctores, 33 temporada, 805 capítulos, 5 películas, dos spin-off, libros, cómics, audios. ¿Y os preguntáis qué es Doctor Who? La próxima cita con el personaje será en el especial de Navidad que significará la despedida de Matt Smith como Doctor 11 y la entrada de Peter Capaldi como Doctor 12.

sábado, 23 de noviembre de 2013

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS, se acerca la revolución

FICHA TÉCNICA

Título: Los juegos del hambre: En llamas
Título original: The Hunger Games: Catching Fire
Dirección: Francis Lawrence
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 22/11/2013
Duración: 146 min.
Género: Aventuras, Acción, Ciencia ficción
Reparto: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Sam Claflin, Elizabeth Banks, Alan Ritchson, Jena Malone, Stanley Tucci, Woody Harrelson, Philip Seymour Hoffman
Distribuidora: eOne Films
Productora: Lionsgate, Color Force, Alarm Clock Films

SINOPSIS

Los Juegos del Hambre: En llamas comienza con Katniss Everdeen volviendo a casa sana y salva después de ganar los 74º Juegos del Hambre anuales junto a su tributo Peeta Mellark. Ganar significa tener que dejar atrás a familia y amigos, y embarcarse en el Tour de la Victoria por los diferentes distritos. A lo largo del camino, Katniss se da cuenta de que una rebelión comienza a gestarse, pero en el Capitolio continúa todo bajo control mientras el Presidente Snow organiza los 75 Juegos del Hambre anuales (El Vasallaje), una competición que cambiará Panem para siempre.

CRÍTICA

En Hollywood andan desesperados detrás de la perfecta franquicia que les haga ganar mucho dinero una vez que finalizó la más taquillera de todas (la de Harry Potter) motivo por el cual son innumerables las novelas orientadas hacia el público infantil y/o juvenil con elementos fantásticos que han probado suerte en pantalla, con resultados dispares que han dado quizás para alguna secuela (como es el caso de Percy Jackson) pero que no han acabado en rentables sagas como la del mago de J.K.Rowling.

La excepción que continuó el (progresivo) éxito sería la muy criticada Saga Crepúsculo, pero ya ahi se notó la avaricia de los estudios, al dividir la adaptación de su cuarto y último libro en dos películas, siguiendo el ejemplo de la saga Potter (que hizo lo mismo con el séptimo y último libro de su saga) Son jugadas con las que uno puede estar más o menos de acuerdo (ahí está el ejemplo de El Hobbit, estirado para tres películas siendo un solo libro), pero que enseguida se plagian unos a otros, porque Sinsajo, el tercer libro de la trilogia de Los juegos del hambre, seguirá el mismo camino entre 2014 y 2015.

Aunque en su momento la obra inicial me gustó (así como toda la trilogia literaria en su conjunto) reconozco la progresiva bajada de interés, algo palpable ya en esta En llamas, cuyo esquema argumental vendría a ser el mismo que el del primer libro, sensación que se transmite a esta película en su segunda mitad, que transcurre durante el Vasallaje de los 25, unos Juegos del Hambre especiales donde se recopilan antiguos ganadores de la competición. Pero aunque pueda sonar a más de lo mismo, Francis Lawrence (responsable de títulos como Constantine o Soy leyenda por ejemplo) consigue sacarla adelante con notable resultado y grandes dosis de entretenimiento.

Pese a que en muchas ocasiones soy el primero en criticar los metrajes dilatados, tengo que reconocer que Los juegos del hambre: En llamas dura lo que tiene que durar, ya que la historia va evolucionando sin bajones destados y de una manera fluida y coherente. En cuanto a los personajes sin duda la principal sigue siendo la Katniss Everdeen que aqui vuelve a estar interpretada por la emergente Jennifer Lawrence, tomando ahora conciencia de lo simbólico de sus actos de cara a  la futura rebelión contra el Capitolio, lo que se nota en el conflicto motivacional que tiene con el Presidente Snow en el tramo inicial de esta película (cuando él quiere forzarla a ser un elemento conciliador para los revueltos distritos). Sin duda uno de los detalles más destacados y disfrutables de esta secuela.

Otro punto positivo de esta segunda entrega estaría en lo acertado de su guión, que se concentra más en el tema político pero sin liarlo, de manera que queda claro para todo tipo de público. Así por ejemplo tan solo es necesario el comentario de Peeta sobre la fórmula para vomitar que le ofrecen en un banquete (para luego seguir comiendo sin parar) para darnos cuenta de las graves desigualdades sociales que hay en el futuro distópico de esta saga, que también son evidentes a nivel visual teniendo en cuenta lo que gana el film en presupuesto (de 78 millones de dólares que costó la primera a los 130 que ha valido esta) lo que permite ver la pompa y boato del Capitolio frente a la escasez y las restricciones en los Distritos.

En la película de Gary Ross uno de los detalles más negativos eran sus escenas de acción, rodadas de manera inquieta y mareante, sin poder discernir a las claras el espectador lo que está sucediendo. Ese detalle está corregido en esta secuela por Francis Lawrence, haciendo que quede bastante claro en todo momento qué pasa, sin marear al público. Asimismo aqui ya es más palpable el hartazgo del sufrido pueblo, la represión a la que se ven sometidos por ello y la rebelión que está naciendo tomando a Katniss como símbolo (representado en el logo del Sinsajo), por lo que evoluciona más allá de mostrar en pantalla esta curiosa mezcla entre Supervivientes, Gran Hermano y Battle Royale que son los juegos del título.

Volviendo de nuevo al inicio de esta crítica, y con la moda separatista actual, el problema de esta secuela se podría decir que está en su brusco final, que si bien coincide con el de la novela... deja al espectador con la intriga. Lo que pasa es que esto no es una serie y por lo tanto no tendremos la resolución del conflicto la siguiente semana sino dentro de un año (si no hay retrasos sobre el plan previsto, Los juegos del hambre: Sinsajo (parte 1) se estrenaría a finales de noviembre del 2014 y para acabar Los juegos del hambre: Sinsajo (parte 2) justo un año después)

LO MEJOR: Sigue la tónica planteada en el film precedente, pero corrigiendo errores (mejorando las escenas de acción y justificando su metraje)

LO PEOR: Su abrupto final (que me recordó al de Matrix Reloaded), que nos deja con una intriga que durará varios meses.



viernes, 22 de noviembre de 2013

EL CONSEJERO de RIDLEY SCOTT: un aburrimiento con BRAD PITT, CAMERON DIAZ, JAVIER BARDEM y PENÉLOPE CRUZ

FICHA TÉCNICA 

Título: El consejero
Título original: The Counselor
Dirección: Ridley Scott
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 29/11/2013
Duración: 117 min.
Género: Thriller
Reparto: Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem, Cameron Diaz, Natalie Dormer, Dean Norris, John Leguizamo, Rosie Perez, Goran Visnjic
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Scott Free Productions, Kanzaman, Nick Wechsler Productions, Translux, 20th Century Fox

SINOPSIS

Narra la historia de un respetado abogado del sudoeste de Estados Unidos que se introduce en el mundo del tráfico de drogas. Escrita por el novelista Cormac McCarthy (La carretera, No es pais para viejos), en su primer guión original pensado expresamente para el cine que llega a las pantallas, dirigido por el reputado director Ridley Scott.

CRÍTICA

De manera definitiva puedo admitir que Cormac McCarthy no es para mi. Y ahora es cuando os preguntareis quien es ese: pues el guionista de esta cinta, la nueva película como director de Ridley Scott, a favor del cual quiero romper una lanza (suyas son dos joyas como Blade Runner y Alien), que se limita a hacer lo que puede con una historia aburrida hasta las trancas (aunque no olvidemos algunos deslices que ha tenido este director que le hicieron perder parte del mérito de sus orígenes).

El citado guionista saltó a la fama gracias al éxito conseguido hace unos años por No es pais para viejos, película con la que Javier Bardem ganó su primer Oscar. Si ya aquel título se me hizo cansino, no me quise arriesgar con la adaptación de La carretera (si acaso la obra más conocida del citado autor) pero me decanté por El consejero, ya que su reparto es bastante llamativo. Pero de nuevo se confirma que unos cuantos actores (más o menos buenos o famosos) no levantan un argumento tan soso como este, que parte del vacio para quedarse al final en nada.

Pese a todo quiero dejar bien matizado que una película como esta no se puede tildar de mala a la primera, porque si tiene momentos puntuales brillantes. Pero el problema radica en una historia muy insípida que no consigue ser levantada por el elenco protagonista, que en algunos casos parece que esté presente tan solo como reclamo para vender la película que por la importancia de su personaje (si bien como no acaban todos vivos hay que reconocer que cierta sangrienta muerte, que indico un poco más abajo, es uno de los grandes logros de esta, por otra parte, irregular película)

Del reparto el primero al que le toca "recibir" es sin duda Michael Fassbender, que pese a todo lo que le sucede, nunca consigue transmitir la empatía necesaria como para que al espectador le interese lo que le va pasando. Si continuamos con mi compatriota pareja de actores (los españoles Javier Bardem y Penélope Cruz) digamos que el primero sale en el mismo plan excéntrico que tenía en Skyfall mientras que la segunda no va más allá del mero adorno (su escena inicial casi lo mejor que hace durante todo el metraje). Otro que tan solo cumple sería Brad Pitt, si bien es junto con Cameron Diaz los que tienen los personajes más determinantes... y no digo más para no spoilear.

En cuanto a la valoración general, a El consejero le pese mucho ser una película más reflexiva que activa, de ahi que tan solo haya un par de escenas memorables, siendo una de ellas la aplicación de cierto elemento ahorcador con el que uno de los protagonistas acaba desangrado, ya que el citado chisme (como una especie de brida que poco a poco se aprieta más) puede acabar cortando la cabeza de la víctima (algo que, ¡lástima!, no se vé) pero la misma muere antes al rebanarse la carótida.

LO MEJOR: El director y el reparto, llamativos para todo aficionado al cine, así como puntuales escenas como la del ahorcamiento final de uno de los personajes.

LO PEOR: Es lenta, aburrida y los personajes hablan mucho y hacen poco.

LA CURIOSIDAD: Si la película se titula El consejero, ¿porque los subtítulos del pase de prensa al que acudí traducen esa palabra por "abogado"?


miércoles, 20 de noviembre de 2013

FROZEN: EL REINO DE HIELO, un instantáneo clásico DISNEY

FICHA TÉCNICA

Título: Frozen, el reino de hielo
Título original: Frozen
Dirección: Chris Buck
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 29/11/2013
Duración: 108 min.
Género: Familiar, Animación, Aventuras
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Kristen Bell, Idina Menzel, Josh Gad, Alan Tudyk, Santino Fontana, Chris Williams
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Cuando una profecía condena a un reino a un invierno eterno, Anna, una joven optimista se une a un temerario montañero llamado Kristoff y a su compinche el reno Sven. Juntos emprenden un viaje épico en busca de Elsa, hermana de Anna y Reina de las Nieves para poner fin al gélido hechizo. Adaptación del cuento "La reina de las nieves".

CRÍTICA

Que Disney es una de las mayores fábricas de ilusiones del mundo es algo evidente en su amplio historial de títulos que en muchos casos se han convertido en clásicos por méritos propios, marcando la infancia de varias generaciones. Aunque ahora puede estar en un buen momento (en parte gracias a las muchas alegrias en taquilla que han dejado los títulos de Pixar) no hay que olvidar que también hubo una edad "oscura" dentro de la compañia, de la que resurgió a finales de los 80 y principios de los 90 con films tan recordados y apreciados como Aladdin, El Rey León o La Bella y la Bestia (por poner unos ejemplos)

El espíritu, el candor y la magía de clásicos modernos como los que he citado está presente también en Frozen: El reino de hielo, una estupenda (aunque libre) adaptación del relato de Hans Christian Andersen titulado La reina de las nieves, y que la factoría Disney consigue llevar a su terreno, consiguiendo un espectáculo tan notable que no sería precipitado de tildarlo como el mejor título no-Pixar que ha salido de las entrañas de esta fábrica de fantasias en los últimos tiempos, aparte de que uno ya se imagina su adaptación en Broadway porque se presta a ello como ya pasó con La Bella y la Bestía (con la que guarda una similar estructura) La espera ha merecido la pena, ya que el propio Walt Disney quería haber adaptado el relato hace ya 70 años, hasta que al final claudicó por imposible (para la época)

Previo a la película nos deleitan con un nuevo corto de Mickey Mouse para celebrar su 85 cumpleaños titulado Get a horse!. El mismo puede parecer ya antiguo en su estilo gráfico, pero tras un inicio clásico se integra al espectador dentro de la acción al "romperse" la pantalla, saliendo por ella los mismos personajes pero en animación digital en 3D, en un "juego" que puede recordar a El moderno Sherlock Holmes de Buster Keaton, La rosa púrpura del Cairo de Woody Allen o El último gran héroe de John McTiernam y con Schwarzenegger parodiando los estilos de sus películas por aquella época.

En cuanto a Frozen: El reino de hielo, hay que reconocer que vendría a ser una continuación de lo ya visto en Tangled (Enredados) y sobretodo en Brave (Indomable) de Pixar, al servir para renovar una variante tan propia de Disney como son sus famosas princesas, labor que lleva a cabo sin renunciar a sus elementos más representativos, pero orientado de manera clara hacia un público moderno que no congeniaría con esquemas morales caducos y rancios. No en vano de nuevo aqui son las mujeres las que llevan la acción del relato (todo gira en torno a las hermanas protagonistas Anna y Elsa), sin verse mermadas para nada por las presencias masculinas, que además quedan en un rol más secundario.

A raiz del éxito de Shrek (y sus secuelas y derivados) se propagó una vertiente más sarcástica dentro del cine de animación que puede pecar de caduca al estar centrada en unos conceptos concretos y no siempre perdurables (que es lo que ha hecho que la parodía, incluso en imagen real, haya derivado al bajo concepto que tiene ahora mismo) Esa ironía también se propagó en la Disney, y se podría decir que la misma puede estar patente de manera leve en Anna, la hermana joven, quizás muy moderna teniendo en cuenta el estilo de la película. Pero son meros detalles circunstanciales en una historia desarrollada desde el clasicismo, pero con ese toque actual que evita pretéritas cursilerias tópicas, y todo ello con las técnicas de animación más modernas (digital 3D frente al tradicional 2D: ¿Tiana y el sapo será la última de Disney en ese "arcaico" estilo?)

En cuanto a los personajes, estan todos bien perfilados como para que ninguno levante antipatias entre el público, siendo de entre los principales mi preferido el de Elsa, la mayor de las dos hermanas y que ha de vivir con la maldición de que todo lo que toca se congela, lo que provoca algunos de los momentos más intensos y álgidos de la película cuando dicho poder le resulta incontrolable (al principio me recordó al Hombre de Hielo de los X-Men, aunque la capacidad de esta supera con creces al del citado mutante de los comics de la Patrulla X) A ella, desde cierto punto de vista, se la podrían considerar la villana (o bruja) de la historia, pero su drama introspectivo levanta sin problemas las simpatías del público, aunque eché de menos una explicación del origen de sus congeladoras facultades.

Entre los secundarios incluidos como alivio cómico a la acción, mi preferido es el reno Sven, que siguiendo el estilo clásico de Disney, no necesita hablar para hacerse del todo expresivo. Aún así tenias mis reservas con Olaf, un muñeco de nieve con vida que desea disfrutar del calor del verano (y orientado de manera clara hacia los espectadores más jovencitos) pero consigue hacerse simpático y ameno sin caer en lo molesto (no es Jar Jar Binks), convirtiéndose en un importante punto del triángulo secundario que formaría junto con los personajes de Kristoff y el ya citado de Sven, entre los cuales el muñeco Olaf nunca desentona (asumida su orientación más infantil)

En resumen, sin duda alguna Frozen: el reino de hielo es todo un clásico de la Disney a la par que su mejor musical animado desde la época de La bella y la bestía.

LO MEJOR: Todo está perfectamente ensamblado como para crear un resultado final tan notable como entrañable, que nos servirá para recordar los clásicos de antaño con los que nos obsequió en nuestra infancia la Disney.

LO PEOR: Nada achacable a la película sino al videoclip con la canción La puerta hacia el amor, interpretada por Abraham Mateo, concesión lógica de Disney al típico producto de moda del momento.

domingo, 17 de noviembre de 2013

MACHETE KILLS, innecesaria secuela de este JAMES BOND mexicano

FICHA TÉCNICA

Título: Machete Kills
Título original: Machete Kills
Dirección: Robert Rodriguez
País: Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 11/10/2013
Duración: 107 min
Género: Criminal, Thriller, Acción
Reparto: Jessica Alba, Mel Gibson, Michelle Rodriguez, Danny Trejo, Tom Savini, Sofía Vergara, Vanessa Hudgens, Alexa Vega, Cuba Gooding Jr., Amber Heard
Distribuidora: Lionsgate
Productora: 1821 Pictures, Overnight Films, Aldamisa Entertainment

SINOPSIS

El gobierno de los Estados Unidos decide reclutar al legendario Machete (Danny Trejo) para luchar contra los traficantes de armas que operan en la frontera mexicana. Pero esta vez Machete tendrá que enfrentarse a algo peor: un arma que podría volar por los cielos y sembrar toda la región de la más absoluta destrucción. Como siempre, muchos tiros, mucha sangre y muchas mutilaciones -además de chicas súper hermosas- en una película que rebosa acción por los cuatro costados.

CRÍTICA

Cuando ví la anterior entrega de esta ¿saga? (mi crítica la teneis por este enlace) ya dejé clara mi opinión de que era un simple entretenimiento realizado por Robert Rodriguez con mucho cachondeo y poca vergüenza. Lo malo es que lo que tenía que haberse quedado ahi lo han intentado estirar con esta innecesaria secuela, con aviso de tercera (Machete kills again in space) en el falso trailer previo al inicio de esta Machete kills, que recupera la estética de celuloide cutre con el que nació la idea, allá por GrindHouse en 2007 (algo que luego esta secuela no continua).

Cuidado, porque no negaré la gracia de ese citado anticipo, donde se demuestra que la sombra de Star Wars es alargada (atención a ese sucedaneo de Darth Vader bajo cuya máscara tendremos sorpresa o a ese Justin Bieber robótico al estilo de C3PO) algo a lo que ayuda todo lo que sucede en la parte final de esta película, con incluso una disparatada referencia al destino de Han Solo al final de El imperio contraataca o el origen a ese villano sucedaneo de Vader. El problema es que Machete kills en el fondo es TAN simple que su metraje se antoja excesivo, ya que hay muchas escenas que no aportan nada al conjunto, que no tendría que haber superado ni los 90 minutos.

De nuevo las mujeres es lo más llamativo de la película, todas ellas muy sexys pero que tampoco hacen mucho más allá de lucir tipo y punto (el chiste de la gracia de lo de las tetas de Sofia Vergara no aporta nada más allá de lo visto en el poster, aunque si se me hizo simpático que previo al supuesto desnudo de Amber Heard nos avisen de ponernos las gafas 3D) Y es que se sigue usando al personaje de Machete como si fuera el prototipo de macho deseado por cualquier mujer, en clara parodía a la saga de James Bond... aunque en algunos momentos sus maneras recuerdan más bien a las de Tarzán (por lo monosilábico de muchas de sus respuestas)

Hay una "relativa" referencia arácnida porque circula por allí un asesino de nombre Camaleón y cuyo cambio de rostro es la tonta excusa para que esté interpretado en diferentes momentos de la película por Lady Gaga, Antonio Banderas y Cuba Gooding Jr. Son simples cameos metidos con calzador tan solo por la supuesta gracia de ver algún que otro rostro famoso o conocido, aunque su presencia sea episódica y su importancia en el relato oscile de ridícula a sencillamente prescindible, algo evidente en el citado Camaleón, que en esencia NO PINTA NADA.

Eso si, no voy a negar los dos claros aciertos que tiene esta secuela, que son los de incluir como Presidente de los Estados Unidos al actor Charlie Sheen (aqui rebautizado como Carlos Estevez, su nombre original) siendo destacable la escena de cama que comparte con tres mujeres (¡porque con una no basta!) El otro acierto es Mel Gibson, cuyo villano resulta de lo más divertido (sería como uno de esos megalómanos de la saga Bond que pretenden dominar el mundo) pese a todo lo que tarda en salir en pantalla (tiene que pasar casi una hora de metraje para que aparezca)

Pese a que la anterior entrega cuadriplicó su presupuesto inicial, eso no parece que vaya a pasar con esta secuela, por lo que no es probable que volvamos a ver a Machete en pantalla... aunque para el caso bien podría Santiago Segura hacer un crossover e incluirlo en alguna futura entrega de su Torrente, que en esencia vendría a ser lo mismo (ese también se ha posicionado como pseudo-parodía de James Bond) pero con todos los estereotipos españoles más rancios y casposos (el nivel de cutrez de ambas sagas así como sus aspiraciones finales viene a ser más o menos paralelo)

LO MEJOR: Aunque tampoco sean ninguna maravilla, los personajes encarnados por Charlie Sheen y Mel Gibson, aparte de la lógica empatía que aún desprende el protagonista Machete. Y el trailer previo de la hipotética tercera entrega, que sigue el espíritu GrindHouse con el que nació la idea.

LO PEOR: Es demasiado larga, algo evidente en un ritmo con altibajos y con claros insertos de personajes que no pintan nada más allá de ser el curioso cameo de tal o cual celebridad (aparte de la sensación general de que es un simple chiste estirado más allá de lo debido y que resulta por momentos cansino al no aportar detalles reseñables y ser tan solo más de lo mismo)

sábado, 16 de noviembre de 2013

LOS MUERTOS DEL HAMBRE, idiotizando LOS JUEGOS DEL HAMBRE

FICHA TÉCNICA

Título: Los muertos del hambre
Título original: The Starving Games
Año: 2013
Duración: 83 min.
País: Estados Unidos
Director: Jason Friedberg, Aaron Seltzer
Guión: Jason Friedberg, Aaron Seltzer
Música: Tim Wynn
Fotografía: Shawn Maurer
Reparto: Maiara Walsh, Brant Daugherty, Cody Christian, Lauren Bowles, Christopher Matthew Cook, Joseph Aviel, Eric Buarque, Jason Stanly
Productora: The Safran Company / Louisiana Production Consultants
Género: Comedia | Parodia

SINOPSIS

Parodia de "Los juegos del hambre" de los creadores de "Date Movie" y "Epic Movie". También parodiará producciones de éxito recientes como "Los vengadores", "Sherlock Holmes" o las últimas entregas de "Harry Potter"

CRÍTICA

Aún no me explico como he sido capaz de ver esto (menos mal que es corta) ya que con la horrible experiencia que fue Casi 300 (que fue donde conocí a los perpetradores de cosas como Epic Movie, Date Movie y similares) esperar algo VISIBLE, que no necesariamente bueno o tan solo entretenido, era una utopia. Pero valiente como soy, pensé: "yo puedo, venga, yo puedo"... y menos mal que no he pagado por ver esto en cines porque es que casi diría que no merece la pena ni de verla gratis (aunque no te hace perder mucho tiempo)

Seré sincero, yo soy de los que les gustó la película de Los juegos del hambre (ya había disfrutado con la novela antes) y estoy a la espera de que se estrene pronto su primera secuela (En llamas) por lo que tenía curiosidad por ver que se podía hacer dentro de los márgenes en los que se mueven los perpetradores de este film (presupuesto paupérrimo, efectos de risa, actores de pena, referencias forzadas a otros títulos,...) En si esta es la segunda película de estos individuos que veo completa (la primera fue la citada Casi 300) ya que otros bodrios suyos los he visto por televisión haciendo zapping (¡no pago por ver según que cosas!)

Como toda supuesta parodía que se precie aqui también tenemos supuestos chistes sexuales y/o escatológicos que decir que no tienen gracia es ser suave con ellos, aunque al menos tienen más coherencia (dentro del desastre) que el meter, sin venir a cuento, referencias a Avatar, Los Mercenarios o Los Vengadores, todas ellas de un humor pésimo y que encima no se relacionan para nada con el resto del ¿relato?, así como la afición "barbuda" de uno de los personajes por las marcas tipo Nike, McDonalds o Starbucks (que dudo mucho que hayan pagado por publicidad tan lamentable)

No es lo único, por allí también habrá referencias a Harry Potter (sin venir a cuento, como todo lo demás) aunque es la que hacen a Sherlock Holmes la que mejor funciona, al no mostrarla tan descaradamente (del film de Guy Ritchie toman la previsión del combate que hace el protagonista) Y es que siguiendo el estilo de sus supuestos directores, la cuestión es hacer un montón de chistes por minuto con la esperanza de que alguno hará gracia, bien sea escatológico, absurdo, sexual o referencial, lo que al final acaba aburriendo.

LO MEJOR: Que dura poco, ya que la película en si son unos 70 minutos siendo el resto las supuestamente divertidas tomas falsas y los títulos de crédito. Y lo gracioso de la traducción de su título (probablemente lo único que hace gracia) así como el cambio del logo (ver imagen inferior)

LO PEOR: Lo ridículo de las parodias de Avatar (con inclusión de un simil de James Cameron), Los mercenarios (que es parodiar a unos actores que de por si ya parodían los estereotipos de sus films más conocidos) y Los Vengadores (que parecen vestidos con los descartes del último Carnaval) El resto sigue el esquema de Los juegos del hambre pero todo a base de chistes idiotas, forzados y sin la supuesta gracia que tan desesperadamente buscan sus perpetradores (porque llamar a eso directores es un insulto incluso para el peor de ellos)

LECTURAS DE BIBLIOTECA en FACEBOOK: EPISODIO 9


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