HERMANA MUERTE, la precuela de VERÓNICA (ambas de PACO PLAZA)

Cuando en 2017 descubrí Verónica admito que me gustó bastante, pese a que no dejaba de ser un film patrio que seguía la estela del popular Warrenverso surgido del éxito de la película Expediente Warren (su título original es The conjuring, por lo que también se ha hecho el "juego de palabras" con el mismo, siendo citado en algunos sitios como Conjuringverse) En la mencionada película de Paco Plaza había cierto personaje al que denominaban Hermana Muerte, y que se trataba de una inquietante monja ciega pero con cierta percepción para los temas sobrenaturales, y como su responsable pensó que era lo suficientemente llamativo como para tener su propia película, de ahí surge el presente film, que sería la precuela de la Verónica de 2017.

El estreno de esta cinta fue el 27 de octubre en la plataforma Netflix, si bien tuvo su preestreno inaugurando el Festival de Sitges de este año. Ambientada en la posguerra española la protagonista es la joven novicia Narcisa (encarnada por Aria Bedmar), la cual tuvo durante su infancia ciertas visiones religiosas. La historia nos la presenta cuando entra a trabajar como profesora en lo que fue un antiguo convento, que se ha reconvertido en colegio de niñas. A medida que transcurren los días se irán sucediendo misteriosas situaciones, que parecen dirigirse hacia un secreto ocurrido entre esas paredes y del que nadie quiere hablar; pero el problema de este film radica en que cuando al final queda todo claro, para ello hemos tenido que soportar 90 minutos (¡y menos mal que es solo eso!) de aburrimiento.

Creo que la premisa podía ser interesante (no en vano mira lo que se ha extendido la franquicia de Expediente Warren con su trilogía, hasta el momento, y sus varios spin-offs), pero peca de un guion con una alarmante falta de garra e interés en los personajes que pululan por él, problema me imagino que más achacable hacia las carencias del propio libreto (obra del propio Plaza junto a Jorge Guerricaechevarría, colaborador habitual de Álex de la Iglesia) que al mínimo esfuerzo de su reparto por hacer lo que pueden con lo que tienen, y no desentonar demasiado. El relato se desarrolla en un supuesto tono intimista, a medio camino entre la apatía y la insustancialidad, con unos cuantos sucesos supuestamente inquietantes que se resuelven como una serie de pesadillas más o menos conectadas, o reiterando recursos propios del género como la bolita que rueda sin que se vea a nadie (visto también con una pelota en el inicio de la reciente La monja 2) o la silla que se cae sola, este último repetido varias veces para insistir en su supuesta trascendencia. 

 

Y todo ello con un inicial terror psicológico que avanzada la historia se transforma en otro sobrenatural ya visto hasta la extenuación (vamos, que todo es el enésimo espíritu rebotado y con mala leche, que cuando se desvela cual fue su tragedia, ejecuta su venganza y deja de ser un problema) A ello añadiría incoherencias argumentales como que Narcisa haga lo que hace cuando el eclipse, para supuestamente tener una revelación que le muestra la verdad (por las dudas que arrastra desde su infancia debido a sus visiones marianas de entonces), cuando en el film precedente se dice que su condición fue autoinfligida para dejar de ver cosas. Porque si, Narcisa es la versión más joven de la luego denominada Hermana Muerte, como te deja bien claro un forzado epílogo que enlaza ambos films, cerrado luego con un tema del grupo Héroes del silencio por aquello de que la conexión quede más clara. Al final esta precuela del todo innecesaria se sustenta sobre un guion perezoso y un desarrollo en el que se aplica la ley del mínimo esfuerzo.

CALIFICACIÓN: Mala (1/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN NETFLIX: 27 de octubre de 2023.

RETRIBUTION, remake de la española EL DESCONOCIDO (sin spoilers)

Mucho se ha hablado de Los Simpsons y su acierto a la hora de prever según que temas, siendo algo en ocasiones curioso si (como yo) uno es bastante desafortunado a la hora de intentar adivinar algo: por tónica general cuando por ejemplo se hacen las quinielas de los Oscars suelo acertar poco. Por eso me permito una felicitación hacia mi mismo, ya que cuando se estrenó la película española El desconocido con Luis Tosar de protagonista ya cité en la crítica que Liam Neeson sería la mejor opción que veía si alguna vez se realizaba el remake... ¡y aquí está!, ya que esta Retribution sería justo la versión norteamericana del mencionado film estrenado en 2015 (conservando el mismo título que tuvo la cinta original en el mercado americano)

Junto a un Liam Neeson, que desde que triunfó en el género de acción con Venganza (Taken) ha convertido casi todos los films en los que aparece en algo así como un subgénero propio (lo mismo que le pasó, salvando las distancias, a Charles Bronson tras el éxito que tuvo El justiciero de la ciudad (Death Wish) en la década de los setenta), los otros nombres más conocidos de su elenco serían los de Matthew Modine y Embeth Davidtz. Como director de este remake tenemos a Nimród Antal, del cual tengo la experiencia (dentro de su más bien discreta filmografía) de Vacancy (Habitación sin salida) y Predators, que cumplian como los funcionales entretenimientos que eran, aunque también ha tenido andadura televisiva haciéndose cargo de algunos episodios de series como Servant o Stranger Things.

Pese a estar producida, entre otros, por Jaume Collet-Serra (que me imagino que será gran amigo de Liam Neeson, al que ha dirigido hasta en cuatro películas), el resultado final es excesivamente superficial, componiendo uno de tantos títulos encabezados por este veterano actor (que pese a todo se desenvuelve muy bien a sus 71 años): sin destacar en nada en particular resultan tan pasables como olvidables, y sin ser malos distan de ser destacables. Su mayor handicap sería la continua sensación de déjà vu que provoca su visionado, máxime con los pocos años transcurridos desde el estreno de la película original dirigida por Dani de la Torre. Es algo tristemente habitual en todo este tipo de remakes realizados para el mercado norteamericano, donde no están acostumbrados ni a las versiones originales ni a los subtítulos, realizando copias que, en el mejor de los casos, igual levantan el interés de algún espectador avispado por conocer la base original sobre la que se sustenta (o al menos eso quiero pensar) 

 

En este caso hay que decir que incluso dura menos que la película de 2015 en la que se basa (aquella eran 102 minutos frente a los escuetos 91 de esta), pero al menos hay que valorar que han optado por un montaje concreto y conciso, lo cual se agradece. Junto a ello estaría el ya citado carisma de este actor irlandés, por más que aquí repita una tónica muy común en ese subgénero de acción que ha creado el mismo: un padre al que los malos amenazan a su familia, y si tu padre en una película es Liam Neeson, los villanos ten por supuesto que acabarán recibiendo su merecido. El problema radica en todo lo que envuelve esa idea básica, que en este caso es un film que denota ser acomodaticio para su protagonista, sabedor de los aficionados que ha generado dentro de esta vertiente crepuscular de héroe de acción que se ha granjeado, y que le seguirán incluso (como en este caso) aunque se pase la gran mayoría de la película sentado (sobre una bomba que amenaza estallar, aunque más bien sobre un guion con evidentes carencias y tópicos a destajo)

En este remake la historia se sitúa en Alemania, donde trabaja Matt Turner (el personaje al que encarna Liam Neeson), un avispado hombre de negocios al que parece que la vida le sonríe, pese a que quizás no sea tan listo a nivel personal al no percatarse que por su obsesión laboral ha dejado un tanto olvidada a su esposa (encarnada por Embeth Davidtz) Un día como otro cualquiera esta le pide que lleve al colegio a sus dos hijos, caracterizados con todos los tópicos que uno se pueda imaginar en un título de estas características, pero cuando se sube a su coche de 100.000 euros recibe una llamada del villano de turno que le amenaza con una bomba escondida bajo el asiento del vehículo, y que explotará si no le obedece en sus peticiones. A partir de ahí se desarrolla una historia que repite el esquema de la película del 2015, solo que en este caso de una manera más rutinaria, y con un guion que opta por la ley del mínimo esfuerzo, haciendo previsibles algunos sus (supuestamente) sorpresivos giros, máxime si se conoce el film original.

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de octubre de 2023.
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LOS ASESINOS DE LA LUNA, magistral SCORSESE (crítica sin spoilers)

Hasta ahora el film más extenso que he visto de estreno en una sala de cine ha sido el Hamlet de Kenneth Branagh en la década de los 90, que con sus 242 minutos marcaba una duración que pensaba que sería difícil que algún día superara. Lo nuevo de Martin Scorsese no lo logra, pero admito que marca una destacada posición que costará desbancar, ya que sus 206 minutos de metraje han levantado cierta polémica sobre si no hubiera sido mejor enfocarla como una miniserie televisiva que como una película. Ante eso el director ha defendido dicho metraje, ya que según él hay espectadores que pasan horas y horas frente a una pantalla viendo lo que sea, por lo que el cine bien merece un respeto que no se le da (de hecho el guion original daba para cuatro horas y media)

Basada en el libro Los asesinos de la luna: petroleo, dinero, homicidio y la creación del FBI de David Grann, esta nueva película de Martin Scorsese marca su reunión con viejos conocidos, ya que sería la décima vez que dirige a Robert de Niro (con quien comenzó a principios de la década de los 70) y la sexta que lo hace con Leonardo DiCaprio (que le ha acompañado desde inicios de los 2000), aunque Los asesinos de la luna es la primera vez que coincide con ambos en una misma película. Incluso como curiosidad cabe indicar que de hecho Scorsese, De Niro y DiCaprio ya coincidieron en un corto de 2015 (en el que también estaba Brad Pitt) para promocionar un complejo de casinos en Macao, y los dos actores protagonistas de Los asesinos de la luna ya trabajaron juntos hace 30 años en la película Vida de este chico.

En cuanto al presente film, resulta triste que un maestro de la vieja escuela como es Martin Scorsese no haya conseguido apoyos de ningún estudio para este proyecto (financiado al final por Apple TV) y el previo (El irlandés, ese sufragado por Netflix), como si ya hubiera pasado el tiempo de cineastas de primera fila como él. Aún así hay que indicar que la presente Los asesinos de la luna tiene un presupuesto de 200 millones de dólares, lo que sin duda la convierte en una superproducción, pero no hay problema en ello porque la película lo luce en todo momento, a lo que añadir un ritmo que temía en exceso pausado, pero que resulta acertado en su conjunto, pese a leves altibajos en sus 206 minutos, que se pueden hacer pesados por su duración (me removí algunas veces en mi butaca del cine donde la estaba viendo, ya que me cansa estar sentado tanto rato en un sitio) pero nunca tediosos en su paulatino desarrollo. 

 

Con películas como esta Scorsese demuestra ser un virtuoso del cine al estilo de otro clásico como Clint Eastwood, y en esta ocasión lo hace decantándose por el que para muchos sería el primer western de su extensa filmografía, si bien a tono con la propia edad de su responsable (que supera los 80 años), entraría dentro de los enfocados de forma crepuscular, ya casi cuando el Salvaje Oeste conocido por todos daba sus últimos estertores de vida. En este caso se basa en unos hechos reales que vendrían a resumirse en la mezquina codicia y usura del ser humano, capaz de las peores triquiñuelas con tal de conseguir algo si considera que lo merece más que su legítimo propietario. Por el desmedido colonialismo del que siempre ha hecho gala la humanidad, en la década de los años veinte del pasado siglo la nación Osage (tribu nativa de los Estados Unidos) fue desplazada hasta una zona en el noroeste de Oklahoma sin ningún tipo de valor.

 

Pero lo que en inicio pensaban que sería una tierra infértil y rocosa cambió cuando se descubrió petróleo en ellas, haciendo a sus (ahora) legítimos propietarios la comunidad más rica del país. Eso no se podía tolerar y se perpetró una retorcida conspiración por parte de algunos hombres blancos para quitarle a los Osage la propiedad de esas tierras, infiltrándose en sus núcleos familiares, y perpetrando los asesinatos de los mencionados nativos (algunos encubiertos como suicidios), con la complicidad de unas autoridades que miraban para otro lado, pero siempre procurando que el heredero de los terrenos fuera un hombre blanco. Curiosamente estamos ante un hecho real poco conocido, siendo justo ese uno de los motivos que convencieron a Scorsese para enfrascarse en este proyecto, pese a que los Osage actuales (aún habiendo sido consultados por el director) han mostrado ciertas discrepancias con el resultado final, al estar enfocado más desde el punto de vista del personaje notablemente encarnado por Leonardo DiCaprio, que del de los propios nativos.

El trío protagonista de esta película realiza un trabajo excelente, pero si bien uno ya puede suponer algo así de actores de renombre como Robert de Niro o el citado Leonardo DiCaprio (capaces en ocasiones de lo mejor), es justo destacar también a una Lily Gladstone que tiene aquí su proyecto de mayor envergadura hasta el momento, realizando una labor introspectiva magnífica en un personaje que se debate entre las tradiciones de su cultura, y aquellas propias del nivel social adquirido gracias a su estatus social (no serían los únicos, porque en un reparto notablemente acertado es justo destacar también la labor de Jesse Plemons, Brendan Fraser y John Lithgow) En resumidas cuentas Los asesinos de la luna es una magnífica epopeya histórica narrada con pulso brillante y enérgico por Scorsese, pero también un tipo de cine como se realizaba antaño, pero que ahora vemos con resignación como poco a poco desaparece.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de octubre de 2023.
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TRES ASESINOS / PRIME ROSE / TÍPICOS TÓPICOS DE HOLLYWOOD

TRES ASESINOS

Me leo en español la nueva novela que se edita de Kotaro Isaka, pese a que en origen vio la luz en 2003, aunque ahora es cuando se traduce por el éxito de su anterior obra (Tren bala) que fue adaptada en una película de título homónimo (en su versión original) con Brad Pitt de protagonista. Admito que con los precedentes que tenía, confié bastante en el autor y ya desde el principio sorprende: si uno lee la sinopsis de su contraportada casi se imagina una historia de venganza como las que han llevado al éxito en cines, en su etapa madura como actor, a Liam Neeson, pero al poco de empezar a leer trastoca cualquier previsión en dicho sentido, decantándose por otros interesantes derroteros. 

De todas maneras el inicio no es tan vertiginoso como el de Tren bala, decantándose por una paulatina presentación de los personajes, aunque con el giro inicial que provoca que su esquema no sea tan previsible como uno podría haber pensado. Toda la novela se sustenta en el progresivo relato de los acontecimientos que vive Suzuki (el protagonista) y la Ballena y la Cigarra (dos de los tres asesinos a los que hace mención el título, ya que el tercero digamos que tiene su sorpresa) Eso si, a medida que se avanza la lectura se hace tan atractiva como adictiva, ya que la trama se complica y la tensión aumenta, ofreciendo una novela bastante destacable, recomendable y entretenida.

CALIFICACIÓN: Buena (3,5/5)

• Tres asesinos, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

PRIME ROSE

A Osamu Tezuka lo llaman (con toda justicia) el "dios del manga", y con esta nueva obra suya que ha llegado a la biblioteca deja constancia de ello (si bien lo de "nueva" sería por fecha de edición, ya que esta Prime Rose en origen es de 1982) Ante todo tendría que admitir que la mayoría de lo gestado por este autor me ha parecido de notable para arriba, si bien a lo largo de su trayectoria hizo tal cantidad de material de tantos temas y con tantos estilos que siempre hay algo más ligero, con lo que pasar un rato entretenido, y otras obras más extensas, que pueden requerir de una lectura pausada para su total disfrute. Pues bien, esta Prime Rose sería intermedia entre ambos conceptos.

Sin saber absolutamente nada de ella pensaba, por su portada, que sería quizás una obra de espada y brujería, ya que el atuendo de la protagonista me hizo pensar en Red Sonja, personaje femenino del universo de Conan el bárbaro. Algo de eso hay, pero estamos ante una obra río, una extensa saga de 888 páginas, cuyo personaje sería la Emiya de portada, pero que no es protagonista única sino que comparte la historia junto con todos aquellos que se relacionan con ella, sea por el motivo que sea. Y todo ello envuelto en una mezcla de géneros (fantasía épica, ciencia-ficción, drama, comedia, intrigas palaciegas, distopía, acción o aventuras entre otros) que funciona bien pese a algunos cambios un tanto abruptos.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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TÍPICOS TÓPICOS DE HOLLYWOOD

¿¡Cuantas veces uno no está viendo una película o serie, y se encuentra de pronto con un recurso argumental previsible que ya se ha visto en otros muchos sitios!? Eso serían los llamados tópicos o clichés: situaciones que en la vida real serían del todo diferentes, pero que en la ficción se resuelven de una forma "casual" y por tónica habitual repetitiva, que como siempre ha funcionado más o menos bien... ¿para que cambiarla? En este libro titulado Típicos tópicos de Hollywood: 120 clichés del cine comercial el autor (Álvaro Ruiz de Gauna) repasa ese tipo de situaciones que suelen tener una resolución similar, las cuales van desde todos los consabidos recursos del cine de terror (que la propia Scream satirizaba) hasta la representación de la violencia (bien sea en peleas, explosiones, etc.) pasando por los tópicos de los films de adolescentes, las maneras de representar escenas de sexo o la forma de proceder de los policias, entre otras de estas "casualidades" en ocasiones tan evidentes. El resultado es un libro muy entretenido que provoca más de una sonrisa cómplice al leer algunos típicos tópicos que el lector no puede menos que confirmar que se han visto hasta la extenuación. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Típicos tópicos de Hollywood: 120 clichés del cine comercial, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

HYPNOTIC, pasable menos por su caótico guión (crítica sin spoilers)

Se estrena por fin en nuestro país la película más reciente de Robert Rodriguez, director en sus inicios muy a la sombra de Tarantino, y que aquí se ve acompañado por Ben Affleck de protagonista, en un thriller que ha sido un tremendo fracaso en su llegada a la cartelera americana. Estrenada por allí el 12 de mayo, y con un presupuesto de 65 millones de dólares, su pírrica recaudación en su estreno fue de menos de 2,5 millones de dólares, con un montante final que no llega ni a los 5 millones, y con una recaudación mundial que apenas supera los 12. Tampoco la acompañó la valoración crítica, ya que aunque hay gustos para todo, de forma mayoritaria el film ha cosechado una mala recepción, por lo que tengo que admitir mi curiosidad por averiguar si de verdad era tan decepcionante o no.

Lo más llamativo del trabajo multi-tarea de su principal responsable (aparte de director, Rodríguez también sería co-guionista, productor y editor del presente film) es que realiza una labor solvente salvo en lo referente a su caótica, tramposa y enrevesada historia, la cual pretende ser algo así como un Origen de baratillo (con ciertos toques de Memento), repitiendo ciertos detalles de los mencionados films de Christopher Nolan, tales como esos oníricos desdoblamientos de la realidad de la cinta de 2010. Lo que allí era distinguir entre sueño y realidad se ve aquí "aplicado" a la hipnosis, pero con una explicación tan grotesca que pierde toda credibilidad, siendo tan solo asumible cual si fuera la adaptación de un cómic (sin serlo)

Con esto me vengo a referir a las evidentes semejanzas entre las exageradas habilidades hipnóticas que se dan en esta película, y ciertos personajes de los cómics Marvel que tienen la capacidad de poder mental sobre los que están cerca, tales como el profesor Charles Xavier de los X-Men o (para ser más exactos en este caso) el Hombre Púrpura visto con el rostro de David Tennant en la serie Jessica Jones de Netflix. De hecho no cuesta mucho imaginarse al villano encarnado por William Fichtner como alguien similar al citado personaje de Marvel, y además con el forzadísimo tirabuzón de giro argumental que se meten en el tramo final (donde quedan claras las similitudes con Memento que cité antes) me recordé del Club Fuego Infernal de los X-Men, en donde figuró un villano llamado Mente Maestra, personaje que también serviría a la comparación por dominar como las personas perciben la realidad que les rodea. Al final esta (supongo) "carta de amor" de Robert Rodriguez hacia Christopher Nolan tan solo sirve para demostrar las virtudes del "homenajeado", quedando claro que su ambición y (en ocasiones) grandilocuencia es difícil de imitar.

 

Algunos achacarán que Hypnotic no funcione mejor debido a que necesitaba más tiempo para desarrollarse (apenas dura unos solventes 93 minutos, con una escena entre créditos que dejaba la puerta abierta a una hipotética secuela que me imagino que nunca se llevará a cabo, a tenor del descalabro en taquilla del presente film), pero la verdad es que si uno se deja llevar sin pensárselo mucho, la película se deja ver... si no fuera por la forzadísima suspensión de la incredulidad que tiene el espectador, debido a un guion que (como dice el dicho popular) "te quiere hacer comulgar con ruedas de molino" y que tiene agujeros tan profundos como la Fosa de las Marianas, que tocan fondo con ese "triple mortal" que se marca en su último acto, donde uno se pregunta porqué lían todo tanto para luego "salir por peteneras" con "esa" resolución. En resumidas cuentas Hypnotic es una película más o menos pasable en la mayoría de sus apartados (nadie cuestiona la solvencia de Robert Rodríguez en sus múltiples cargos), pero con un guion en exceso caótico que provoca una total incredulidad en el espectador, al que le queda claro que la coherencia brilla por su ausencia. 

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de octubre de 2023.
• Galería de posters por este enlace.

IRON MAN OMNIBUS: LAS CINCO PESADILLAS / EL CARNICERO Y EL PÁJARO / PRODIGY: LA SOCIEDAD ICARUS / y más reseñas...

IRON MAN OMNIBUS: LAS CINCO PESADILLAS

Cuando en 2008 se estrenó la primera película de Iron Man, con ella llegaba un universo que se ha expandido tanto en cine como en series de televisión. Pero claro, en aquel entonces quien se lo iba a decir, por lo que para promocionar a dicho personaje, por quien lo conociera por la película, se dio una cabecera a Matt Fraction en los guiones y Salvador Larroca en el apartado gráfico (en ambos casos con resultados destacables), recogiendo este gordo tomo los 19 primeros números de la misma, divididos en dos arcos argumentales. El primero se titula Las cinco pesadillas y abarca los 7 primeros números, enfrentando en él al protagonista contra Ezekiel Stane (aprovechando que el villano de la primera película fue su padre, Obadiah Stane, interpretado por Jeff Bridges) Por su parte el segundo arco argumental se titula El más buscado del mundo, y ambientado en la época de Reinado oscuro, presenta a Iron Man como fugitivo de la justicia tras haber dejado Tony Stark el mando de Shield, y la posterior ascensión al poder de Norman Osborn. Este tomo es una buena entrada para nuevos lectores, sin desdeñar ni a los veteranos ni al statu-quo del personaje por aquel entonces.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Iron Man Omnibus: Las cinco pesadillas, ficha técnica por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

EL CARNICERO Y EL PÁJARO

Admito que esta novela es de esas lecturas que pillo en la biblioteca casi por casualidad, sin tener ninguna noción previa ni de su existencia ni (como en este caso) del propio autor, o aquí autora. Se trata de la primera novela de Alaina Urquhart, técnica forense que parece que se ha puesto de moda gracias a su podcast Morbid, que es el más escuchado del mundo en el género de los crímenes reales. La referencia previa que toma la autora para su obra es heredera del estilo de Thomas Harris y más exactamente de su popular El silencio de los corderos, ya que no resulta difícil imaginar a la protagonista como una variante de Clarice Starling, y al asesino al que persigue un estilo al Buffalo Bill al que intentaba atrapar allí con la ayuda del doctor Lecter. El problema puede venir por su escueta extensión, lo que provoca que algunos personajes apenas queden esbozados, además de recurrir a muchos tópicos, pero en general entretiene. Hay ciertos giros quizás algo inesperados, que en algunos casos se sienten un tanto tramposos, y la explicación a su título ORIGINAL (relacionado con el nombre de la protagonista) queda aclarada en su tramo final (y además abierto)

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• El carnicero y el pájaro, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

PRODIGY: LA SOCIEDAD ICARUS

A principios de este año me leí de la biblioteca el cómic Prodigy: El mal en la Tierra de Mark Millar, donde presentaba a ese superhombre (por sus altas capacidades físicas y mentales, así como financieras, pero sin que ello signifique que sea un superhéroe) llamado Edison Crane. En esta nueva serie limitada de cinco números, recogidos todos ellos en el presente tomo, asistimos a la secuela del trabajo precedente, aquí enfrentando al superdotado protagonista con el reto de vérselas con otras mentes tan brillantes como la suya (los miembros de la sociedad que la da título), en una trama con detalles de la mitología griega (como por ejemplo la Atlántida) Todo ello está enfocado con el objetivo de repetir lo ofrecido en el título precedente: tremendas dosis de espectacularidad y maniqueismo, en una obra con la vista puesta en una hipotética futura adaptación en cine y/o televisión, que en si tan solo pretende entretener. El problema radica de nuevo en un Edison Crane por el que resulta difícil sentir algo de empatía (es lo que tiene la perfección, que tiende a ser insatisfactoria) El apartado gráfico corre a cuenta de Matteo Buffagni, con un resultado tan vistoso como frío.

CALIFICACIÓN: Entretenido (2,5/5)

• Prodigy: La sociedad Icarus, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

Y ADEMÁS...

• La familia Vader celebra Sithmas
• Takashi
• Superman: Exilio (volumen 1) 

CEMENTERIO DE ANIMALES: LOS ORÍGENES (PET SEMATARY BLOODLINES), crítica sin spoilers de esta precuela

Stephen King es un escritor muy prolífico, pero las adaptaciones de sus obras, bien sean en formato televisivo o en cine, han tenido por tónica habitual mala suerte, siendo la mayoría productos a lo sumo correctos, cuando no directamente mediocres. Es cierto que hay excepciones, e incluso algunas de ellas que se han vuelto clásicos en su género, pero por regla general la calidad sería bastante dudosa y discutible, como le ocurre a esta desganada precuela de Cementerio de animales, en su versión de 2019 (como ya te deja claro el mismo inicio)

 

Es curioso porque de nuevo se repite la historia: en 1989 Mary Lambert dirigió su versión de la novela Cementerio de animales, logrando el éxito suficiente para que tres años después se pudiera embarcar en una secuela que iba ya por libre, con resultados mucho más inferiores. De dicha secuela lo que más se recuerda sería la presencia de Edward Furlong, entonces famoso por haber salido en Terminator 2, pero que luego no logró ningún otro éxito al mismo nivel en su carrera.

 

Eso se vuelve a repetir ahora con un remake en 2019 estrenado en cines que me pareció bastante correcto (pese a los cambios respecto a la obra literaria original), al que le sigue esta precuela directa a plataforma de streaming, y en donde el más popular de su reparto para muchos sería un David Duchovny que no ha logrado ningún éxito en su carrera como actor al nivel del conseguido en los noventa como el agente Fox Mulder en la serie televisiva Expediente X.

Su presencia aquí sería secundaria, ya que esta precuela estaría centrada en el personaje de Jud Crandall, encarnado por John Lithgow en el film de 2019 (o Fred Gwynne en la primera adaptación de 1989), y que aquí tiene los rasgos del joven actor Jackson White, al estar ambientada esta precuela en 1969, cuando era más joven. Pero en su elenco también hay otros intérpretes que tuvieron su momento de gloria, como Pam Grier (redescubierta para las nuevas generaciones por Jackie Brown de Tarantino), Henry Thomas (que logró la fama como Elliot, el niño amigo de ET, el extraterrestre de Steven Spielberg) o Samantha Mathis (con una variada filmografía, pero a la que yo descubrí como protagonista femenina de la versión en acción real de Super Mario Bros estrenada en 1993, junto a Bob Hoskins y John Leguizamo) Estos dos últimos encarnan en este film a los padres en la ficción del personaje de Jud Crandall, al cual nos presentan intentando irse del pueblo de Ludlow junto con su novia Norma (Natalie Alyn Lind)

Justo cuando iban a salir ocurre un incidente que les hace permanecer allí, lo que le llevará al protagonista a saber porque se libró de los sucesivos reclutamientos para la guerra de Vietnam. En dicho conflicto quien si fue es su amigo Timmy Baterman, que en inicio se nos dice que volvió con honores, aunque la escena inicial de un algo hierático David Duchovny (que encarna a su padre en la ficción) ya nos hace intuir que es lo que pasó verdaderamente. A partir de ahí se suceden una serie de sustos que basculan entre lo previsible y lo esquemático, que es lo mismo que se puede decir de un guion (del que sería co-responsable la misma directora de esta cinta, Lindsey Beer) donde se notan detalles interesantes (como cuando se retrocede aún más en el pasado, hasta los miembros fundadores de Ludlow), pero que son desarrollados de forma en exceso superficial. Al final esta precuela deja con una sensación insatisfactoria: pudiendo haber sido mejor se decanta por lo anodino e intrascendente, ofreciendo un film que sin ser malo resulta mediocre.

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN PARAMOUNT PLUS: 6 de octubre de 2023.

SANGRIENTOS DIECISÉIS (TOTALLY KILLER), crítica sin spoilers

En una época como la actual, en la que la pasada campaña veraniega en las pantallas de cine se ha saldado con unos cuantos fiascos, debido a presupuestos inflados que no se amortizaban con las recaudaciones, ha habido de nuevo una constante que se sigue manteniendo: el terror es más o menos barato de realizar y por lo tanto fácil de rentabilizar. Ya no digamos de su variante slasher, que vivió su auge entre finales de la década de los setenta y durante la década de los ochenta, con míticos matarifes (Freddy Krueger, Michael Myers, Jason Voorhees, etc.) que generaron franquicias aún vigentes hoy en día, bien sea por enésimas secuelas o por tardíos reboots, remakes o lo que se tercie (como esa reciente trilogía de Halloween de David Gordon Green, que recuperaba a su protagonista, encarnada por Jamie Lee Curtis)

El problema es que ya se ha visto dicha básica historia de un asesino enmascarado y sus potenciales víctimas (sobretodo) adolescentes desde tantos puntos de vista, que ahora mismo resulta difícil innovar, por lo que en lo más básico se puede decir que esta Sangrientos dieciséis (título español del original Totally killer) no asombra en esa vertiente, si bien tampoco sería su pretensión el conseguirlo. Lo que busca esta película sería ofrecer un rato de sencilla y simple diversión a quien opte por ella, con la mezcla de lo básico de ese tipo de films de asesinos enmascarados con los viajes temporales al estilo de Regreso al futuro, logrando en su conjunto un resultado final ameno, entretenido y tremendamente disfrutable.

Dirigida por Nahnatchka Khan (directora norteamericana de origen iraní) y con un guión llevado a cabo por David Matalon, Sasha Perl-Raver y Jen D’Angelo, la premisa de esta Sangrientos dieciseis (Totally Killer) nos presenta a Jamie (encarnada por una muy carismática y divertida Kiernan Shipka), que en la actualidad vive agobiada por una madre algo sobreprotectora que intenta que no le pase nada después de que hace 35 años varias amigas suyas muriesen a manos de un misterioso asesino enmascarado que nunca fue descubierto. Eso ha provocado que la pequeña localidad donde sucedió eso se haya hecho tristemente famosa, generando incluso tours turísticos por los escenarios de la masacre, con fanáticos del tema pertrechados con máscaras como las del asesino.

Previsiblemente el criminal vuelve a hacer de las suyas (¿el mismo u otro? tampoco importa mucho...), mientras que la mejor amiga de la protagonista está realizando una máquina del tiempo en el lugar más insospechado, aunque no consigue hacerla funcionar (me imagino que ahí entra el más claro homenaje a Regreso al futuro, título mencionado además en varias ocasiones en este film) En un momento en el que el asesino va a por Jamie, una serie de incidentes la llevarán a viajar 35 años al pasado (hasta 1987), antes de las muertes que hicieron famosa a su localidad, lo que le llevará a intentar evitarlas al mismo tiempo que tiene que acostumbrarse a la sociedad de entonces, bastante diferente de la actual (siendo de ese contraste cultural de donde salen algunos de los momentos más acertados de esta película)

Ante la actual añoranza que se siente hacia la década de los ochenta, situar por entonces este film sirve para ofrecer ciertas dosis de nostalgia, que no priva para hacer livianas críticas sobre ciertas actitudes habituales por aquel entonces, pero no tan bien admitidas en la actualidad. Pero cual si fuera el Marty McFly de la citada Regreso al futuro, aparte de intentar descubrir al asesino la protagonista intentará no entorpecer la (por entonces) inicial relación de los que serán sus padres, aparte de intentar volver al presente, lo cual en principio parece algo bastante complicado.  Vamos, que si Feliz día de tu muerte (y su secuela) era slasher más bucles temporales como en Atrapado en el tiempo y Este cuerpo está de muerte era slasher más comedia de intercambio de cuerpos, la misma tónica sigue esta pero con viajes temporales.

Sangrientos dieciséis (Totally killer) es lo que es, y tampoco hay que buscarle más vueltas: es evidente que se parece a tropecientas películas previas que han tenido una estructura parecida, así como lo disparatado de su propuesta para viajar en el tiempo (casi como una extravagante sencillez que se puede construir cualquier chaval con ínfulas de MacGyver), pero como he indicado antes su única pretensión es divertir y entretener, sin intentar buscar coherencia a un argumento que puede tener agujeros del tamaño de desfiladeros, asi como tópicos y clichés del tamaño de catedrales. Liviana y amena, antepone el tono de comedia al terror, y sin bien no resulta revolucionaria, indudablemente ofrece una generosa dosis de simple y puro entretenimiento. En ocasiones con eso basta.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN AMAZON PRIME VIDEO: 6 de octubre de 2023.