FLASH, el tomate indefinido de DC (crítica sin spoilers)

Hablar de los problemas previos que tuvo esta película hasta que al final acabó concretándose en esto daría para un artículo bastante extenso. En origen el propio Ezra Miller (que encarna a Barry Allen y su alter-ego Flash) fue el mayor interesado en sacar adelante este film, desde que se presentó en la versión de Liga de la Justicia estrenada en el 2017, aunque luego los posteriores problemas delictivos del actor llevaron incluso a temer por que este proyecto viera la luz.

 

Ya por aquel entonces indiqué que el mencionado Ezra Miller no me parecía el más adecuado para encarnar a Barry Allen y Flash, ya que en aquel momento aún era seguidor de la serie de televisión del citado personaje, y con el actor Grant Gustin de protagonista, que tomó el relevo con solvencia de la serie homónima de principios de los noventa con John Wesley Shipp de protagonista, interprete también presente en la citada y reciente producción televisiva.

Tras un periplo en líneas generales insatisfactorio (al menos comparado con el éxito de taquilla de la gran mayoría de las películas de Marvel), se le dio a James Gunn la potestad para construir un universo cinematográfico de DC más coherente, y se comentó que esta película sería la que pondría el primer eslabón en dicho reinicio.

La decepción (para algunos) será ver que aún no queda claro por donde se irá a partir de ahora en los próximos proyectos de DC, ya que cuando uno ha acabado de ver la película no queda muy claro quien tiene posibilidades de continuar en este universo (a tenor de lo que sugieren, uno sería el cameo en la escena postcréditos, al menos de momento), y quien será reemplazado (evidente en el gran ausente, aunque lo que es y representa tiene un homenaje bastante más acertado en pretensiones que en resultados visuales en un momento del tramo final, donde tienen cabida desde los que fueron hasta el podría haber sido, con el real cameo irónico final más inesperado) Pero no hay ningún tipo de adelanto sobre futuros proyectos, lo cual es lógico estando todo ello ahora mismo en una fase muy preliminar, por lo que igual esta sea la última película donde veamos a (casi) toda la alineación de esta Liga de la Justicia en ciertos momentos puntuales, a la espera de como evoluciona lo que esta historia ha provocado en el multiverso de DC, y si ello se ve reflejado de alguna manera en los proyectos sobre los que se está trabajando.

Como ya se sabía de antemano, el presente film adapta el arco argumental Flashpoint, que a tenor de lo que presenta la película sería muy fácil de resumir: Barry Allen asume el drama de haber perdido a su madre (una solvente Maribel Verdú, las cosas como son), asesinato por el que fue condenado su padre. Al tener los poderes de Flash decide viajar en el tiempo para evitarlo, siendo todo modificado por una cosa tan simple como una lata de tomate, lo cual me llevó a acordarme de la película Vengadores: Endgame, donde era una rata la que iniciaba la acción. El problema viene cuando su drama personal parece que ha sido corregido... pero más cosas se han modificado con sus actos, ya que no todo es como él lo dejó, en una difícil pero funcional mixtura en la que se mezclan los universos temáticos del Batman de Tim Burton (de ahí la presencia de Michael Keaton) y del Superman de Zack Snyder (de ahí la presencia de Michael Shannon que vuelve a encarnar al General Zod), situando en ese punto intermedio a la otra mayor novedad del reparto: la Supergirl a la que encarna la actriz Sasha Calle como ¿sustituta? de su popular primo.

La labor de Andy Muschietti como director resulta solvente, por lo que se posiciona para futuros proyectos en la misma casa (se le rumorea como posible candidato para encargarse de The brave and the bold), y en líneas generales esta película se sitúa sin problemas entre lo mejor (que NO lo mejor) que ha generado el universo DC en cines, pero tiene que lidiar principalmente con dos problemas: su protagonista y sus efectos visuales. En cuanto al primero si ya en la versión de 2017 estrenada en cines de Liga de la Justicia venía a ser el "alivio cómico", eso aquí se lleva a una dicotomía digna de Jekyll y Hyde, por lo que si de por si cuesta empatizar con el Barry inicial, luego sería sólo el "mal menor" ya que el posterior, tras los cambios que provoca, puede resultar en algunos momentos realmente cargante. En cuanto a los efectos visuales digamos que cumplen con solvencia sin destacar (no en vano los efectos de un velocista no sería algo muy novedoso en pantalla), pero pecan de hacerse DEMASIADO evidentes sobretodo en el rescate inicial con los niños, y en ese "homenaje" final que cité antes hacia cierto emblemático personaje.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de junio de 2023.
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ÁMSTERDAM, brillante elenco pero fallido resultado (crítica sin spoilers)

El director David O'Russell (del que en su día ví de estreno Tres reyes, Joy y La gran estafa americana, aparte de otros suyos que recuperé luego en pases televisivos como por ejemplo El lado bueno de las cosas) se caracteriza por realizar películas en mayor o menor grado correctas, pero que la crítica valora por encima de la media. Eso ha llevado a que actores como Christian Bale (también presente en este film) y Jennifer Lawrence le tengan que agradecer los Oscars que se ganaron, respectivamente, por sus papeles en The fighter y El lado bueno de las cosas, ambos de David O'Russell. 

 

Ya se sabe que los Oscars no siempre premian a lo mejor (en ocasiones los resultados serían bastante discutibles), pero me imagino que con la idea de probar suerte en dichos galardones es por lo que el director ha conseguido reunir para Ámsterdam, este nuevo film suyo, a un reparto impresionante, entre intérpretes que vuelven a repetir con él y nombres nuevos pero llamativos: Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington (el protagonista de Tenet del director Christopher Nolan), Chris Rock, Anya Taylor-Joy, Zoe Saldana, Michael Shannon, Timothy Olyphant, Taylor Swift, Rami Malek y Robert de Niro entre otros. Con semejante elenco y un presupuesto de 80 millones de dólares estaban claras las pretensiones de esta película, pero en su estreno en Estados Unidos ya ha marcado cifras muy irrisorias (3ª posición en la taquilla en su estreno, y apenas 6,5 millones de dólares), encontrándose además con el rechazo del sector crítico.

 

Más allá de las polémicas sobre la forma de trabajar de David O'Russell (que parece ser algo así como un tiránico déspota en el set de rodaje) uno tiene que valorar el producto final, porque si relacionamos de entrada que es malo todo producto artístico que venga de una persona bastante insoportable o desagradable, muchas obras igual perderían el mérito ganado por ellas mismas (sirva de muestra un clásico como Alfred Hitchcock, genial como director pero no del todo agradable con algunas de sus actrices, u otro mítico como Stanley Kubrick, metículoso a la hora de rodar hasta límites que sacaban de sus casillas a muchos de los actores que trabajaron con él) En este caso Ámsterdam es una jugada arriesgada por parte de sus responsables, ya que una vez vista resulta bastante evidente que o bien no tenian muy claro que contar (ya que da la sensación de que para lo esencial hubieran bastado 90 o 100 minutos, y nos los 134 finales donde se nota mucho relleno), o bien quisieron mezclar géneros y estilos dispares (drama histórico, comedia, bélico, suspense, musical) con la idea de que alguno de ellos funcionaría, y con suerte (que va a ser que no) harían una destacable película.

Resulta una pena que con los muchos alicientes con los que partía esta película (porque aparte del espectacular reparto está un cuidado diseño de producción que logra ser una delicia visual) me tenga que conformar con darle un aprobado justo, ya que la pretenciosa idea de su director y guionista David O'Russell se ve lastrada por ese handicap de intentar rellenar metraje con intrascendencias insustanciales, divagando sin necesidad cuando podría haberse concentrado más en la sala de montaje para ceñirse en lo esencial. Incluso el propio título es engañoso, ya que dicha ciudad apenas sale unos momentos, pero se supone que las buenas sensaciones que les dejó al trio protagonista (Bale, Robbie y Washington) después de estar en Ámsterdam son las que centran la férrea amistad que une a sus personajes. En cuanto al elenco, si tienes uno tan envidiable... ¡usalo!: salvo el trio principal (destacando Christian Bale y Margot Robbie), el resto tienen a su cargo meras presencias testimoniales resueltas lo mejor que pueden, dejando la sensación de talento desaprovechado y de que Ámsterdam podía haber sido un peliculón... pero se queda tan solo en una simple película.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de octubre de 2022.
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BULLET TRAIN, comedia ferroviaria de acción (crítica sin spoilers)

No voy a mentir: mis expectativas ante Bullet Train eran las justas, porque me imaginaba una coproducción donde lo más llamativo sería el papel protagonista a cargo de Brad Pitt. En mi defensa tan solo argumentaré que apenas le había echado un vistazo a un trailer que tampoco es que me emocionara, y no me molesté en saber nada más de este film para así ver si el resultado final me sorprendia o no. ¿Lo consiguió? Sin duda alguna: tampoco voy a decir que sea una obra maestra, pero si uno busca una película de acción desmelenada, hilarante y muy tarantiana, darle una oportunidad a esta cinta es algo que creo merece la pena.

Aparte de Brad Pitt hay que citar que en el reparto de este film hay más nombres conocidos, como por ejemplo Aaron Taylor-Johnson (que se dió a conocer al gran público por Kick-Ass), Michael Shannon (que parece estar encasillado como villano en las grandes producciones, si bien en este caso da la talla del todo), Logan Lerman (visto por ejemplo como Percy Jackson en cine), Sandra Bullock (que vendría a ser un apoyo vocal, hasta que aparece en el tramo final) o DOS cameos de actores vistos en Deadpool 2 (uno más inesperado que el otro), ya que el director de aquella (David Leitch) es también el responsable de esta, con lo cual me imagino que los convenció por ese tono gamberro similar entre ambas propuestas.

En este caso, aunque pueda parecer un producto cinematográfico estamos en verdad ante una adaptación de una novela de título homónimo obra de Kotaro Isaka que admito no haber leído en el momento de escribir estas líneas. La historia reune en el tren bala que le da título a unos cuantos personajes bastante tarantinianos cuyos destinos se irán entrelazando poco a poco, en una trama progresivamente vertiginosa que llevará hasta un apoteósico final donde cualquier cosa es posible, por muy loca que pueda parecer (y en donde quizás se pueda criticar que el exceso a esas alturas se les descontrole un poco a sus responsables) Entremedio de todo eso hay acción de lo más variopinta, donde casi ningún personaje tiene asegurado llegar vivo al final del trayecto, y todo ello con un ritmo que en líneas generales no desfallece, y un humor más o menos acertado (depende del momento), pero que consigue ser muy macabro. La acción acontece en todo momento dentro del tren bala, salvo por algunos flashbacks explicativos que sirven para que vayan encajando poco a poco las relaciones entre los personajes que pueblan esta historia, aunque en principio parezcan no tener nada en común.

Resulta bastante ingeniosa la forma en que se aprovechan todos los recovecos de ese escenario ferroviario único en el que acontece casi todo el film, con algunos momentos hilarantes como la escena de acción que transcurre en el "vagón del silencio", o en si todo el choque cultural entre los personajes occidentales y la cultura nipona (por ejemplo lo de los váteres con chorros variados) Bullet Train es una película de acción muy caricaturesca y que no escatima en el tema sangriento, algo que ya queda definido en multitud de detalles visuales o en los nombres de algunos personajes (Ladybug o Limón y Mandarina por citar algunos) Con unas escenas de acción bastante bien rodadas (y en donde prima sobretodo el exceso y la diversión) hay que reconocer que Brad Pitt tiene el carisma necesario para ser el eje sobre el que se articula esta película, ofreciendo un resultado final que nunca aspira a más del entretenimiento que es, pero que sin duda alguna hace pasar un rato divertido a quien quiera emprender este alocado trayecto ferroviario lleno de personajes tan excéntricos como variopintos, pero al final tan entrelazados unos con otros.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de agosto de 2022.
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PUÑALES POR LA ESPALDA (KNIVES OUT), divertido homenaje a los misterios al estilo AGATHA CHRISTIE (crítica sin spoilers)

Tras mi debilidad por Sherlock Holmes allá por finales de los años 80, poco tardé en descubrir todo tipo de derivados y sucesores, entre los cuales destacó la bastante extensa obra literaria de Agatha Christie, con dos personajes claves como son el detective Hércules Poirot y la señorita Marple. Muchas de las novelas de la citada autora tuvieron adaptaciones entre los años setenta y ochenta en las que destacaban sobretodo una gran cantidad de actores conocidos (de la época), para otorgar así un cierto prestigio al resultado final. En fechas recientes Kenneth Branagh recuperó el espíritu de aquellas cintas adaptando la emblemática Asesinato en el Orient Express, con un resultado loable y lo bastante solvente (así como rentable) para que se esté trabajando en su secuela en el momento de escribir esta crítica.

Teniendo en mente ese tipo de producciones se estrena esta Puñales por la espalda, dirigida por Rian Johnson (responsable de Star Wars: Los últimos Jedi o Looper), en donde ha reunido a un muy destacado elenco con nombres bastante conocidos, entre los cuales están Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Ana de Armas, Toni Collete, Michael Shannon, Katherine Langford, Don Johnson o los veteranos Christopher Plummer, M.Emmet Walsh y Frank Oz. A todos ellos los enfrasca en una trama en la que se siguen los preceptos del whodunit, expresión que vendría a ser ¿Quien lo hizo?, y con la que se viene a describir ese tipo de relato en el que se ha perpetrado un crimen y hay una gran cantidad de posibles sospechosos. 

La historia de esta cinta se inicia cuando a la mañana siguiente de celebrar su 85º cumpleaños aparece muerto el popular novelista Harlan Thrombey (Christopher Plummer), en lo que en un principio se considera un suicidio. Pero muy pronto el caso parece esconder algo más cuando el detective Benoit Blanc (Daniel Craig) comienza a investigar entre los familiares y empleados del difunto, todos ellos con sus propias justificaciones para desear verlo cadáver, por lo cual será primordial que la investigación esclarezca toda la verdad. A partir de ahi tenemos una película en la que se siguen todos los tópicos de este tipo de producciones pero al mismo tiempo ironiza sobre ellos, al estar plagada de un humor negro y muy socarrón con el que consigue sus mejores resultados, junto con un reparto que demuestra lo bien que se lo pasó mientras la realizaban, algo que logran transmitir con mejor o peor acierto al espectador (tengo que reconocer que en inicio me costó ver a Daniel Craig en un personaje a medio camino entre el antes citado Poirot o el clásico Colombo, pero si entras en el juego que te plantea el film, bien pronto pasa a ser tan solo un detalle más)

Ante una obra coral como la presente se podrian decir las virtudes (muchas) y los errores (más bien escasos) que atesoran su plantel de personajes, pero en última instancia no dejan de ser otra cosa que el vivo ejemplo de que bajo emblemáticas fachadas de cara a la sociedad, los pensamientos y las ansias de todos ellos son bastante mezquinos. Eso queda patente al hacer la comparación con el papel a cargo de la sorprendente Ana de Armas (a la que se vió en Blade Runner 2049), que se convierte sin problemas en la inesperada bisagra sobre la que gira casi toda la historia, haciendo más patentes todavía lo ruines y canallas de esa "supuesta" familia feliz que la acogió como si fuera una más. Eso incluso le sirve al director (y también guionista) para introducir una evidente crítica contra la administración Trump y la mentalidad republicana que lo ha llevado a la Casa Blanca (evidente en algunos miembros de los Thrombey) enmedio de una historia plagada de guiños, sorpresas e inesperados giros que, pese a todo, concuerdan en el propósito final de llevar a cabo un divertido juego como el Cluedo, del que se sabe deudora, con el que hacer disfrutar a los fans de este tipo de entretenimientos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de noviembre de 2019
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• LO MEJOR: Su soberbio y magnífico reparto, todos ellos con unos personajes bien delimitados y desarrollados, destacando la sorprendente firmeza y seguridad en el caso del de Ana de Armas, sobre el cual gira la mayoria de la película.
• LO PEOR: Aunque los ejecuta con altas dosis de sarcasmo e ironizando sobre los mismos, tampoco inventa nada nuevo al circular por todos los estereotipos que uno imagina en un relato de esta índole.

FAHRENHEIT 451, una "ardiente" distopía de dificil credibilidad

Yo tengo un problema con Fahrenheit 451 y es que he intentado leer la novela, su adaptación en comic e incluso he valorado ver la película de Truffaut, pero no he podido acabar con nada de ello porque ME CUESTA MUCHO imaginar una distopia como la que plantea esta historia. Pero en una época como la actual en la que casi podriamos decir que vivimos en una, y con otras tantas vistas en pantalla a raiz del gran éxito de Los juegos del hambre (y sus sucedáneos) o de series como la muy notable El cuento de la criada, decidí concederle el beneficio de la duda a esta nueva adaptación de la novela original de 1953, porque aún asumiendo las lógicas concesiones al espectador actual, igual podía hacerme ver la obra original desde otro punto de vista y más atractiva. Pero no, va a ser que no...

Es que mi problema radica en que eso de quemar libros lo veo lógico de regímenes totalitarios como los nazis, porque dicho gesto lleva implícito que lo quemado es malo y será sustituido por algo nuevo y acorde a lo establecido. PERO EN EL MISMO FORMATO, porque es absurdo quemar libros para luego adoctrinar... ¿cómo? ¿tan sólo con la palabra? No me puedo creer que se quemen libros porque al poder no le interesa que el pueblo sepa pero al mismo tiempo no te adoctrinen con el mismo medio, al menos en el momento en que vió la luz la novela original en la que se basa esta película. Y decimos libros pero en si sería todo escrito, con lo cual CUADRA AÚN MENOS porque a lo largo del día TODOS leemos en un momento u otro alguna cosa, es ALGO BÁSICO.

Ya digo que en esencia me imagino que esta historia nos quiere dar un claro aviso sobre los intentos de darle a la sociedad un "pensamiento único", sin que haya opiniones divergentes (algo propio de las dictaduras como he mencionado antes, si bien en algunos casos uno duda de si no lo estarán llevando a cabo algunas de estas "supuestas" democracias) pero que ese elemento a controlar sean los libros y en si TODO rastro de letra impresa es lo que no me convence por encontrarlo falto de credibilidad. Ahi se puede decir que también falla esta adaptación, ya que quiero suponer que el motivo que inspiró a Ray Bradbury a su obra en 1953 eran una critica contra la manipulación antes citada estando aún reciente la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto de los nazis (en donde se llevó a cabo), pero varias décadas después nos plantean aqui un futuro dominado por la digitalización, lo que dificulta (aún más) la credibilidad de su premisa argumental original.

Cabe suponer que en los ficticios Estados Unidos que nos plantean aqui se haya creado una dictadura, la cual controla de forma férrea a la sociedad, lo que podría ser equivalente al Gilead planteado por El cuento de la criada, pero no cuadra que eso vaya paralelo con un libre acceso a la tecnología, a menos que eso esté también controlado, por lo que por justo ahi tiene esta película una abundante fuente para realizar una soberbia crítica que desaprovecha totalmente. Y no solo eso, en caso de ser tan solo un pais el "dominado" (Canadá es mencionado como si allí aún hubiese libertad, lo que me llevó a recordar a la antes citada El cuento de la criada, donde la situación es más o menos similar) no se llega a entender cual es la necesidad de los "hombres-libro", elemento que no estaba en la novela pero si en la película de Truffaut, así como la resolución mediante el ADN para otorgar el conocimiento compartido (aunque el plano final intentando representar que el saber vuela libre resultaría más o menos acertado)

Siendo un telefilm casi uno diría que hubiera funcionado mejor si hubiese sido un episodio piloto de una hipotética serie de televisión, porque es justo TODO lo que desaprovecha lo que, en su justa medida, podía haber dado para un desarrollo más coherente y justificado que el que hay aqui, lo que le hubiera dado un mayor interés (aunque en mi caso con el matiz de la poca crediblidad de su premisa argumental) En cuanto al reparto los nombres más conocidos son los de Michael B.Jordan (Creed, Cuatro Fantásticos), Sofia Boutella (La momia) y Michael Shannon (La forma del agua) siendo este último quien realiza una mejor interpretación, aunque me temo que cayendo DE NUEVO en ese estereotipo de villano donde parece que está siempre situado. Aún así se convierte en lo más interesante de la propuesta debido a lo poco atractivo del otro frente, ya que tendrían que haber tenido un mayor desarrollo los personajes de Boutella y Jordan para dotarlos de una empatía de la cual están carentes durante todo el metraje. 

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de mayo de 2018 en HBO
• LO MEJOR: La esencia misma del relato (la importancia de la libertad de expresión frente al control desde el poder), y en este caso el trabajo de Michael Shannon.
• LO PEOR: La premisa argumental, de muy dificil credibilidad, y el resultado final, que desaprovecha algunas de sus muy interesantes vertientes.