BUMBLEBEE, la mejor de TRANSFORMERS (aunque parezca mentira)

La saga Transformers se ha caracterizado por ir poco a poco a peor, sobretodo por ser paulatinamente más apabullante (en el peor de los sentidos), provocando que cuanto mayor era el exceso, menor era el interés de la audiencia. A ese progresivo declive supongo que habrá influido el haber dejado las cinco películas (hasta la fecha) en manos de Michael Bay, un director no precisamente muy sutil y amigo de los excesos visuales (algo evidente en esta saga), lo que finalmente se ha vuelto en su contra, con unos resultados cada vez inferiores en cuanto a la taquilla. A unas películas que siendo muy magnánimos uno podría tildar tan solo de "toscos" entretenimientos, Bay las dilataba más allá de las dos horas de duración, lo que para el espectador equivalía más a una prueba de aguante que a un verdadero disfrute.

Pero como los números siguen cuadrando (en el sentido de que siguen lo suficientemente rentables) ahora se ha decidido hacer un spin-off de uno de los robots más populares del grupo (ese Bumblebee que da título a esta película) cambiando también en la silla del director al ya muy cansino Bay por Travis Knight. El resultado se nota sin ninguna duda bastante mejor, siempre asumiendo el tipo de film que es, pero lejos de los excesos del resto de entregas y teniendo como primordial objetivo el entretener al espectador sin agobiarlo ni marearlo (pese a que la mano de Bay como productor se hace evidente, parece que ha prevalecido la del también productor Spielberg, con el claro objetivo de realizar una película más familiar)

En un ejercicio de retrocontinuidad (y también de cara al ahora muy valorado efecto nostalgia de los años ochenta), esta película sería en si una precuela al estar ambientada en 1987, pero lo que nos narra resulta coherente si asumimos que la continuación sería la primera película (y la única más decente) que vimos de estos robots firmada por Michael Bay. Pero supongo que la mayor diferencia entre esta película y sus antecesoras está en el hecho de que aqui hay algo que contar: es cierto que tampoco tiene un guión maravilloso, pero al menos tiene algo sencillo que narrarnos, fuera del "envoltorio" que caracterizó a las películas previas de la saga, que se podría resumir con la acertada frase de "mucho ruido y pocas nueces" (por más que la primera nos introdujera a ese mito erótico para toda una generación que ha sido Megan Fox) Bumblebee tiene presente el espíritu Amblin y bien podría considerarse una de las producciones que dicho sello estrenó durante esos años, ya que es evidente los aires de nostalgia y el candor que destila este film (atención a su destacable banda sonora, en la que hay muchos temas musicales famosos de aquellos años)

Además del evidente protagonismo del robot que da título a esta película, su amiga humana esta interpretada por la actriz Hailee Steinfeld, a la que muchos conocieron en el Valor de ley de los hermanos Coen, en el cual (pese a su juventud) no desentonaba frente a actores veteranos como Jeff Bridges. Ya algo más mayorcita nos la encontramos en este film en un personaje sencillo pero con el que consigue encandilar al público, gracias a sus capacidades para lograr transmitir todo lo que siente su protagonista (muchos pueden encontrar ecos de E.T. en la relación que establece ella con el robot, lo que da una idea de las pretensiones de este spin-off) Asimismo todos aquellos detalles que estaban mucho más descontrolados en las secuelas de Bay aparecen aqui de forma contenida y coherente, lo que se agradece sobretodo en detalles tales como las escenas de acción y los efectos visuales, no tan desmadrados como en las confusas películas anteriores (digamos que aqui si se recupera el sabor ochentero de estos personajes, logrando hacerlos más distinguibles y no una mera masa amorfa de robots que se mueve por pantalla)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de diciembre de 2018
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Su protagonista y sus sencillas pretensiones, ofreciendo un digno entretenimiento que además no se excede en su metraje (no llega a las dos horas, cuando todas las demás superaban con creces dicho tiempo)
• LO PEOR: Menospreciarla por lo excesivo de todas las entregas que la anteceden: aqui Bay ya no dirige lo cual beneficia al resultado final.

MOWGLI: LA LEYENDA DE LA SELVA, la versión oscura del clásico

Se suele afirmar que Disney ha "pervertido" hasta cierto punto una gran cantidad de cuentos y relatos infantiles con sus adaptaciones, que en la gran mayoría de las veces han calado tan hondamente en el imaginario colectivo que resulta dificil pensar en ellas desde otros puntos de vista quizás más cercanos al espíritu original de la obra. Y es que muchas de esas historias que imaginamos bajo la versión de Disney, en su origen tenian elementos más oscuros y hasta cierto punto perturbadores, que se convierten en "asperezas" que hay que limar para llegar a un público más amplio.

Ejemplo de ello podría ser El libro de la selva, que la inmensa mayoría conoce más por la versión animada de Disney de 1967 (o su remake en acción real de 2016) que por la obra literaria de Rudyard Kipling. Esto no es una crítica negativa hacia esas películas, ya que esa mencionada adaptación en dibujos animados fue una de las primeras películas que recuerdo que me llevaron a ver al cine en mi infancia, y su remake de 2016 dirigido por Jon Favreau (que ahora está haciendo una labor más o menos similar con El rey león de cara a su estreno el próximo verano) consiguió unos resultados notables.

Suele ser habitual en Hollywood que en ocasiones existan proyectos por duplicado, provocando los estrenos de dos films con temáticas bastante similares en un corto periodo de tiempo. La tónica habitual es que tan solo triunfe uno de los dos (por regla general el primero), siendo ese el mayor contratiempo de esta Mowgli, a la que le han añadido el subtítulo de La leyenda de la selva, y que fue gestada por las mismas fechas que la versión de Favreau, pero enfocada desde un punto de vista más oscuro y menos infantil. Como es facil de deducir, el no saber como "vender" un producto de estas características retrasó su estreno hasta que al final ha sido rescatada por Netflix, como ya pasó este año por ejemplo con Aniquilación, lo que como mínimo nos permite ver el relato ya por todos conocidos desde otra perspectiva.

El mayor problema al que se puede enfrentar esta nueva versión del clásico dirigida por Andy Serkis es la ambiguedad bajo la que está llevada a cabo, no siendo un fallo por si mismo, pero no acabando de condicionar hacia que público va dirigida, de tal manera que para los niños pueda ser quizás demasiado oscura (no en vano aqui se muestra el lado más bestial de la selva, en el que cada día es una lucha para la supervivencia), pero los adultos igual no acabarán de "conectar" del todo con esta propuesta, sobretodo al estar condicionados por la versión de Disney (bien sea la clásica o su versión de 2016, que se llevó un merecido Oscar a los mejores efectos visuales), esperando un tono más alegre que logicamente no tiene en ningún momento. Eso si, es una pena que esta película no se estrene en salas de cine, porque su calidad visual es sin duda alguna muy llamativa en su conjunto, aunque no alcance las cotas de verosimilitud de la versión de Favreau.

De todas maneras he visto críticas (creo que algo injustas) sobre los efectos digitales de este film en lo que se refiere a la caracterización de los animales, y aunque es cierto que no sería tan detallada como en la versión de 2016, no por ello sería despreciable. A cargo del oso Baloo está el propio realizador de esta película (Andy Serkis), que le da un aire más serio a un personaje que todos tienen como más bonachón, mientras que la pantera Bagheera está encarnada por Christian Bale, cuya captura de movimiento para crear luego al felino creo que resulta bastante acertada. Tambien tienen presencia aqui Cate Blanchett dando vida a la serpiente Kaa y Benedict Cumberbatch encargándose del malvado tigre Shere-Khan, que realizan también un buen trabajo, siendo respetado para todos ellos en su doblaje al español, contando con los dobladores habituales de esos cuatro actores, algo que se hace especialmente evidente en los casos de Bale y Cumberbatch.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de diciembre de 2018 en Netflix
• LO MEJOR: Creo que transmite unos evidentes mensajes de respeto por la naturaleza, así como de tolerancia, equilibrio e integración de una manera diferente pero igual de meritoria que las versiones anteriores.
• LO PEOR: El tono crítico contra el colonialismo occidental en la India es demasiado superficial (aparte de las lógicas comparaciones con las adaptaciones previas que han calado en el imaginario colectivo)

EL INCORREGIBLE HOMBRE HORMIGA, SQUEAK THE MOUSE y MASACRE MATA AL UNIVERSO MARVEL-MASACRE MATALUSTRADO

Como otros casos, me leí tan solo el primer volumen de El incorregible Hombre Hormiga de Robert Kirkman hace más de ocho años, sin que dicha lectura tuviera continuidad, por lo que aprovechando que ví disponible este integral no dudé a la hora de decantarme por él, en el cual se recuperan los 12 números que tuvo la serie antes de su cancelación. Como su propio título ya da a entender, lo que prima (con mayor o menor acierto) es un simpático sentido del humor a tenor de las condiciones de este particular personaje.

Aunque Hank Pym y Scott Lang son los dos Hombres Hormiga más conocidos (incluso en las películas), esta serie se centra en uno nuevo, un agente de SHIELD llamado Eric O'Grady, que no se caracteriza por ser una persona muy íntegra, sino que más bien por tener todos aquellos valores que uno NUNCA se imaginaría en un superhéroe. Es cierto que con lo que plantea, que un tipo así consiga un traje de Hombre Hormiga puede dar pie a muchas situaciones de humor (que las hay), aunque hay momentos en que por su comportamiento roza lo antipático.

Una de las aficiones iniciales de este particular personaje es aprovechar las capacidades de su traje para volverse diminuto y espiar a las chicas en la ducha, lo cual ya sirve de ejemplo para ver el tipo de persona que es (aunque aún así resulta en inicio simpático) El problema radica en algunas de las acciones que lleva a cabo, no por ser en muchos casos cuestionables sino porque le hacen perder su sarcasmo inicial a la propuesta. Pese a todo el resultado global es muy entretenido, a lo que también ayuda el apartado gráfico de Phil Hester, que dota a esta serie de un gran dinamismo, encajando muy bien para las pretensiones del presente título, que se permite además referencias a los eventos Marvel que había por aquel entonces como Civil War (la primera) o World War Hulk.

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Por pura casualidad descubrí en la biblioteca un comic del que desconocía su existencia: Squeak The Mouse, obra del artista italiano Massimo Mattioli, y que vieron la luz en 1986 y 1992 respectivamente, por lo que se podrían considerar como unos antecedentes de lo más parecido que se me ocurrió a mi: esos personajes de Rasca y Pica (también un gato y un ratón que se hacen mutuamente todo tipo de salvajadas) que son los dibujos animados preferidos de Bart Simpson.

De todas maneras también es cierto que tanto este comic como la referencia citada vendrían a ser unas parodias de la serie de dibujos animados Tom y Jerry, lo que pasa que llevándolo a un punto de humor negro mucho más desatado. Pero mientras que los personajes citados de Los Simpson se quedan tan solo ahi, este comic SE DESMADRA sin ningún tipo de prejuicios, incluyendo no solo una violencia gráfica digna del más sangriento slasher, si no que también escenas de orgias y sexo pornográfico muy explícito, que se hilvanan con historias donde tiene cabida el gore más desatado. Cada uno de los comics está centrado en como uno de los personajes (gato y ratón) asesinan sin piedad al contrario, para encontrarse luego con el regreso de ultratumba de quien consideran del todo muerto.

Resulta evidente decir que esto sería un comic SÓLO PARA ADULTOS, así como el hecho de que son bastante breves por lo que se leen de forma muy rápida, pero es tal el grado de salvajismo unido a las abundantes escenas de sexo y orgias, que mentiría si no dijera que esbocé más de una sonrisa mientras lo leía por lo tremendamente gamberro y brutal que es. La lástima es que al ser de hace ya muchos años me imagino que si alguien los quiere tendrá que echar mano del mercado de segunda mano, pero desde luego doy fé que son una divertida bestialidad que merece la pena.

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Si bien ahora es conocido como Deadpool (su nombre original) gracias a las películas, en origen el alter-ego del bocazas Wade Wilson aqui en España se llamó Masacre. De las dos miniseries incluidas en este tomo (de ahí el título genérico de Las minis de Masacre) la primera ya tiene buena definición en su título (Masacre mata al Universo Marvel) mientras que la segunda, que sería secuela de la anterior, engloba bajo el título de Masacre matalustrado una historia más o menos similar a la previa pero en este caso centrada en multitud de clásicos literarios.

El antecedente para la primera sería una historia alternativa donde es Punisher el que acaba con todo el Universo Marvel, pero en esta ocasión se echa mano de Masacre (Deadpool), que pierde del todo la cordura (aunque no su verborrea habitual) y se dedica a asesinar de todas las maneras más variadas (en algunos casos rozando lo ridículo) tanto a superhéroes como villanos del mencionado Universo Marvel. No hay que buscarle más justificaciones (es lo que es) por lo que es cierto que dilatarlo cuatro números hace que se resienta el ritmo.

Con el mismo guionista de esa primera (Cullen Bunn, responsable de Harrow County) en la de Masacre matalustrado el psicópata protagonista decide que si acabando con los personajes de su mundo no tiene bastante, acabará con los orígenes literarios que pudieran haberlos inspirado. A partir de ahi empieza su viaje por el denominado Ideaverso, en el que tienen cabida un buen montón de clásicos literarios de los que Masacre dará buena cuenta. Uno de los guiños más simpáticos es el buscar paralelismos entre dichos referentes literarios y los del Universo Marvel (más acertados en algunos casos que en otros) Pero aqui, además de la mencionada simplicidad argumental (de nuevo es lo que es), si es verdad que algunos de los elegidos quedan quizás un tanto deslucidos, dando la sensación de que podrían haber dado más de si, aunque el resultado global sigue siendo igual de entretenido pese a estar demasiado estirado (otros cuatro números) para su sencillez.

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EL REGRESO DE MARY POPPINS, vuelve la magia (crítica sin spoilers)

Fuí a ver El regreso de Mary Poppins hace ya unos días, pero había embargo sobre las críticas, me imagino que motivado para que no se solaparan con el estreno Disney de esa semana (que era Ralph rompe internet) De hecho fuí a verla el día antes que Spider-Man: Un nuevo universo aunque yo pensaba que me gustaría más la del arácnido que esta porque daba cierto aire de producto fuera de su época (el mundo y la sociedad ha cambiado bastante desde aquel lejano 1964 cuando se estrenó el film original) Mientras que la cinta animada de Spider-Man no me convenció tanto como yo pensaba, la sorpresa la tuve con esta secuela, que me gustó más de lo que yo esperaba (en lo cual creo que actúa mucho el "efecto nostalgia", porque la película original recuerdo que fue una de las primeras que me llevaron a ver al cine en un doble programa de reestrenos donde también estaban Los aristogatos)

El primer mérito que se lleva El regreso de Mary Poppins es el hecho de ser capaz de lograr una secuela que no desmerezca frente al título original, más de medio siglo después. La diana apuntaba hacia Emily Blunt por el hecho de comparar su trabajo con el de la emblemática y clásica Julie Andrews, pero mientras que lo de aquella sin duda fue todo un icono (que marcó incluso a la propia intérprete), esta nueva Mary Poppins está encarnada de forma impecable por una notable y convincente Emily Blunt que ya sorprendió este año en otro film del todo contrario pero igual de destacable como Un lugar tranquilo, lo que demuestra su solvencia como actriz.

Pero aunque se acierte con la protagonista, quedaba la duda de como funcionaría todo lo demás, y ahi hay que admitir que el trabajo como director de Rob Marshall resulta notable, recuperando (aunque pudiera parecer algo dificil) el espíritu del film de Robert Stevenson. De hecho esta película no solo funciona como secuela de aquel título de 1964 sino que aspira (y por méritos propios creo que lo consigue) a convertirse en la sucesora de aquel clásico, adaptando su estilo al gusto de las nuevas generaciones. A diferencia de otras secuelas tardías, que suelen pecar de desvirtuar la base de la que parten, en este caso queda claro que estamos ante un producto al que si se le quiere achacar algo sería el hecho de estar planificado de manera que convenza a todo tipo de público: desde los adultos que recuerdan con cariño la película original a los niños de hoy en día (porque NUNCA hay que olvidar que estamos ante un film dirigido hacia ellos) que podrán experimentar las mismas sensaciones que vivieron sus progenitores.

Podría parecer una tarea dificil la de contentar a un sector tan amplio de público, pero la película sabe equilibrar de forma acertada que mientras que por un lado recupera ese tono del Disney más clásico, por otro lado eso no desmerezca frente a la parafernalia visual a la que suelen estar acostumbrados los espectadores actuales. Quizás es cierto que podría haberse decantado por lo facil y repetir algún número musical del clásico (por ejemplo el de Supercalifragilisticoespialidoso, que pensé que podría escuchar en algún momento dado, algo que no sucede) pero insisto en que estamos ante una continuación que se podría equiparar de forma paralela en su esquema a la película original, pero sin llegar a ser uno de esos casos de secuelas que se convierten más bien en remakes del título del que parten. Esa equivalencia se puede notar de una manera evidente en el farolero al que da vida Lin-Manuel Miranda, cuyo personaje se nota como heredero del deshollinador al que daba vida Dick Van Dyke en 1964 (el cual, por cierto, tiene un inesperado cameo en esta secuela con un papel diferente)

No sería la única sorpresa de esta película, ya que (como ya dejó patente en Mamma Mia y su secuela) la polifacética Meryl Streep tiene un pequeño papel en el que demostrar sus dotes para la canción. También tenemos por el reparto al villano al que da vida Colin Firth, si bien (a tono con el espíritu de esta historia) se podría decir de él que resulta más maquiavélico que malvado. Resulta también muy emotivo ese cameo final de Angela Lansbury, que recordemos que era la protagonista de La bruja novata, película de 1971 que fue dirigida por Robert Stevenson, responsable de la Mary Poppins original. En cuanto al resto del reparto habría que citar a Ben Wishaw y Emily Mortimer, que tienen a su cargo la versión adulta de los hermanos Banks de la película de 1964, quedando reflejado (especialmente en el caso de él) esa tristeza ante la pérdida de la inocencia infantil, algo palpable en su tercio final, y con la que los más adultos se sentirán identificados. Por su parte los más pequeños se verán reflejados en los tres hijos en la ficción de Wishaw, a los que se representa con acierto y respeto, sin desmerecerlos por el hecho de ser niños.

Con un diseño de producción soberbio y unos números musicales muy bien planificados (entre los cuales me gustó de forma especial ese que nos viene a dar a entender que no hay que juzgar un libro tan solo por su portada, lo cual siempre resulta un aliciente para animar a leer a las nuevas generaciones), El regreso de Mary Poppins se convierte en una inesperada y grata sorpresa que sabe recuperar el espíritu de ese cine infantil que había antes. Buen ejemplo de esa notable mezcla de elementos que maneja esta secuela estaría en la acertada combinación entre actores reales, animación clásica y digital en uno de los números musicales más vistosos y coloridos de esta película, si bien todos ellos son igual de destacables al estar enfocados en su puesta en escena para recordar a los musicales clásicos de Hollywood. En resumen una secuela que podía parecer que llegaba demasiado tarde y fuera de su época nos viene a demostrar que el espíritu sigue vigente, y que puede haber espacio para que tanto pasado como futuro (lo clásico y lo moderno) puedan coexistir en armonia.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de diciembre de 2018
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• LO MEJOR: Lo que podía parecer una secuela demasiado tardía y bastante innecesaria sorprende al recuperar el estilo y el espíritu de la Mary Poppins original con un resultado notable en todos sus aspectos.
• LO PEOR: Las comparaciones con el film de 1964 que realizarán los espectadores más puntillosos.

THANOS: LA CANTERA DE LOS DIOSES, NACIDO EN UN DÍA AZUL y HARROW COUNTY: ABANDONADO (reseñas)

Aunque toda la temática galáctica en las viñetas no es que sea de mis preferidas, y tengo que reconocer que tuve mis dudas, pero al final me decidí por este tomo dedicado a Thanos aunque solo fuera porque el primero, cuando me lo leí, se me hizo bastante entretenido. Este segundo tomo es además la última colaboración de su guionista (Jeff Lemire) en Marvel, si bien sigue con los comics en otras editoriales con otras series (como por ejemplo Black Hammer)

Viendo el poderoso enemigo que es tan solo a tenor de su presencia en el universo de las cintas de Marvel, resulta cuanto menos curioso ver a Thanos al inicio de este tomo como poco menos que un mendigo que sobrevive como buenamente puede en las inhóspitas tierras de su planeta natal. Mientras tanto, su hijo Thane, fruto de la relación entre Thanos y una Inhumana, se ha convertido en una amenaza aún mayor de lo que fue su progenitor al controlar la Fuerza Fénix, lo que llevará al trio formado por Zorro Estelar, Nébula y Tryco a intentar convencer al Titán Loco que lo mejor es que se enfrente a su vástago y recupere lo que es suyo.

Pero si Thanos es ahora poco menos que una sombra de lo que fue, ¿cómo conseguirá el poder necesario para enfrentarse a su descontrolado hijo? Ahi es donde surge un concepto nuevo en el universo Marvel: La cantera de los dioses, una idea que como el propio guionista reconoce al final, le vino por parte de su hijo pequeño, aficionado a la mitología griega y al que se le ocurrió ese nombre un día mientras estaba jugando. Dicho lugar, en los límites del propio universo, podría ser la solución para los problemas de Thanos si supera la prueba a la que se tendrá que enfrentar, una bastante llamativa y que justifica la portada de dicho número que es la que ha aprovechado Panini para que sirva de portada a todo este tomo. En estos últimos números de Lemire a cargo de Thanos, el dibujo cambia del Mike Deodato Jr. de la anterior entrega a un bastante correcto Germán Peralta que realiza una labor convincente, con un resultado global entretenido.

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En los últimos tiempos he leido algunos libros sobre el Síndrome de Asperger que padezco, que en algunos casos han sido ilustrativos en el sentido de que te sirven para ver que lo que pensabas que te alejaba del resto del mundo también hay otras personas que lo han padecido. Uno de los que tenía pendiente era Nacido en un día azul de Daniel Tammet, pero tan solo porque en las bibliotecas de Hospitalet tenían la edición de 2007 mientras que en algunas de Barcelona tenian una edición posterior y más reciente de 2018, por lo que puestos a escoger decidí apuntarme a su lista de espera y ya me ha llegado el turno.

Cabe indicar que aunque me ha parecido una autobiografía muy sincera y bastante específica, en la misma ya queda claro el puesto en que estaría, porque el autor es un autista savant. Eso quiere decir que tiene el síndrome del sabio o (para entendernos de forma más general) que vendría a ser como el personaje de Shaun Murphy que interpreta el actor Freddie Highmore en la serie The good doctor: un genio en su especialidad pero con nulas capacidades sociales.

Lamentablemente esa condición tan solo se da en uno de cada diez personas con autismo o Asperger, y teniendo en cuenta mi situación (en un autorepaso que le doy a mi vida hasta el momento) queda claro que yo estaría entre los restantes 9 de cada 10, compartiendo tan solo las dificultades sociales. Ante muchos de los retos que se plantea Tammet a lo largo de la obra, en mi caso me sentiría totalmente desbordado. Pese a todo, y aunque cada persona es un mundo, lo mismo que me veo incapaz de lograr las portentosas metas de este autor (como por ejemplo su facilidad para aprender idiomas), si que me veo identificado en sus emociones al sentirse en algunos momentos excluido socialmente, lo cual parece común habiendo leido otro libro hace poco sobre este tema, el de Mírame a los ojos: Mi vida con Síndrome de Asperger, en ese caso sin llegar al síndrome del sabio y con el que quizás he notado más nexos en común que en este caso.

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Otra de mis recientes lecturas de biblioteca ha sido el quinto tomo de la serie Harrow County, esa historia de "terror" (aunque lo que más prevalece creo que es el misterio y la intriga) que está orquestada por Cullen Bunn con el apartado gráfico de Tyler Crook, más la colaboración de Carla Speed McNeil, la cual es responsable del dibujo de los dos números iniciales incluidos aqui, siendo el mencionado Crook quien se encarga de los otros dos (porque si, de nuevo este tomo tan solo agrupa cuatro números de esta cabecera, siendo el resto complementos y otros extras al estilo de los ya vistos en entregas anteriores)

De los dos arcos argumentales que hay en este tomo, cada uno de dos números, se nos ofrecen nuevos detalles que amplian la mitología de esta serie y sus personajes, pero pese a que sería el primero el que más se podría resumir en ese sentido, se me hizo más interesante el segundo, en donde el Abandonado (esa criatura de ojos amarillos) ve su paz alterada debido a la llegada de unos cazadores a Harrow County, lo que llevará a la intervención de Emmy.

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